Jasper Johns

gigatos | avril 11, 2022

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Résumé

Jasper Johns (Augusta, 15 mai 1930) est un peintre et sculpteur américain considéré comme l »un des principaux représentants du Nouveau Dada avec l »artiste Robert Rauschenberg.

Les premières années

Johns est né en 1930 à Augusta, en Géorgie, mais a grandi à Allendale, en Caroline du Sud, avec ses grands-parents et ses oncles après le divorce de ses parents. À propos de cette période de sa vie, il dira plus tard : « Là où j »ai grandi, il n »y avait pas d »artistes et il n »y avait pas d »art, donc je ne savais pas vraiment ce que cela signifiait. Je pensais que cela signifiait que je serais dans une situation différente de celle que j »ai connue. Dans une interview réalisée au début des années 1960, il déclare qu »à l »âge de trois ans, il a commencé à dessiner et n »a jamais cessé, et qu »à l »âge de cinq ans, il a décidé de devenir un artiste. Il a étudié à Columbia (Caroline du Sud) jusqu »à la quatrième année d »école primaire, puis a déménagé d »un État à l »autre avec sa mère, son beau-père et ses demi-frères, pour terminer ses études supérieures à Sumter (Caroline du Sud). Entre 1947 et 1948, il a fréquenté l »université de Caroline du Sud pendant trois semestres au total, puis, à l »invitation de ses propres professeurs d »art, il s »est rendu à New York où il a étudié à la Parsons School of Design pendant un semestre en 1949. Il a ensuite travaillé comme coursier et vendeur.

1950s

Au début des années 1950, Johns sert dans l »armée et est également envoyé sur le terrain à Sendai, au Japon, pour la guerre de Corée, avant de revenir à New York en 1953. Il retourne à New York en 1953. Grâce à une bourse pour les anciens combattants, il s »inscrit au Hunter College, mais après un accident le premier jour, il abandonne. Entre 1953 et 1954, il a travaillé chez Marboro Books. Grâce à l »écrivain Suzi Gablick, il rencontre l »artiste Robert Rauschenberg, avec lequel il développe une amitié et une influence artistique de longue date. En 1954, Johns rencontre également les compositeurs Morton Feldman et John Cage (avec qui il retournera au Japon quelques années plus tard) et le danseur et chorégraphe Merce Cunningham.

Vers le milieu de la décennie, l »artiste décide de détruire toutes ses œuvres précédentes (il rachète même celles qu »il a vendues pour s »en débarrasser) et seules quatre d »entre elles parviennent à survivre : cette action correspond au début d »une nouvelle période pour l »artiste, d »un changement radical et d »une renaissance. Il a ainsi conçu un style artistique original et personnel, en contraste avec le style gestuel et énergique de l »expressionnisme dit abstrait, qui contribuera à la naissance de mouvements tels que le pop art, le minimalisme et l »art conceptuel. Il réalise ainsi la première Cible à quatre visages, la première série des numéros 1, 2, 5 et 7, et le premier Drapeau blanc, qui sera suivi au fil des ans de nombreuses autres versions décomposées, inversées, multipliées ou désaturées sous forme de peintures, d »estampes et de dessins. Il utilise des icônes et des sujets clairs et impersonnels afin de se concentrer sur la technique de fabrication et le travail manuel de l »œuvre.

En 1955, Rauschenberg et lui fondent la société Matson Jones – Custom Display, dans laquelle ils travaillent comme concepteurs de vitrines, par exemple pour Tiffany&Co et Bonwit Teller l »année suivante. White Flag a été exposé dans le cadre de l »une de ces expositions.

En mai 1957, Johns participe à une exposition collective à la galerie Leo Castelli et, en 1958, il expose à nouveau ses œuvres dans le cadre d »une exposition personnelle à la même galerie. Alfred Barr, le premier directeur du MoMA – Musée d »art moderne de New York, a été impressionné par Target with Plaster Casts (1955), même si cette œuvre a fait l »objet de débats et de critiques avant d »être exposée, car elle était considérée comme trop provocante pour être exposée dans un musée. Le musée de New York a acheté trois des œuvres de l »artiste. Target with Four Faces est apparu en couverture du célèbre magazine Artnews. En 1958, les œuvres de Johns ont été exposées pour la première fois en Europe à l »occasion de la 29e Biennale de Venise. L »artiste commence à s »imposer sur la scène artistique américaine et européenne ; en 1959, il expose à Paris et à Milan. Toujours en 1958, il crée ses premières sculptures en métal, Flashlight I et Lightclub I.

Après le succès de son exposition personnelle de 1958 chez Castelli, Johns décide de s »engager dans une nouvelle voie, qui commence avec False Start (1959), dans laquelle l »artiste passe de l »encaustique à la peinture à l »huile en faveur d »un coup de pinceau multicouche et plus inconstant. Cette nouvelle œuvre laisse Barr perplexe, car la répartition des couleurs est très proche de l »art expressionniste abstrait, auquel Johns a toujours été hostile.

Les années 60

Au début des années 1960, l »artiste commence à s »intéresser au motif de la carte des États-Unis (qui fera également l »objet de diverses versions ultérieures comme le drapeau) et au thème des empreintes du corps humain ; il commence également à travailler le bronze en sculpture. En 1961, il se rend pour la première fois en Europe où ses œuvres sont exposées à la Galerie Rive Droite à Paris et participe ensuite à l »exposition Le Nouveau Réalisme à Paris et à New York organisée dans la même galerie. Contrairement à sa période antérieure, son art devient plus autobiographique, plus complexe et plus désorientant. Dans de nombreux tableaux, il utilise abondamment la couleur grise (également en hommage au peintre René Magritte), comme par exemple dans Canvas (1956) et Gray Alphabets (1956), où domine un niveau d »expression mélancolique.

Dans les œuvres de cette décennie, il inclut plus souvent des lignes, des échelles de couleurs ou des thermomètres qui véhiculent l »idée de mesure, comme on peut le voir dans Periscope (1963). Au cours de ces années, il a collaboré avec l »écrivain et conservateur d »art Frank O »Hara, avec lequel il a organisé une collection d »images et de poèmes, et a également cité un de ses poèmes dans In Memory of My Feelings – Frank O »Hara (1961). En 1963, il participe à l »exposition Pop Art USA au Oakland Art Museum en Californie et devient l »un des dirigeants fondateurs de la Foundation for Contemporany Performance Arts Inc. En 1964, il crée sa plus grande œuvre à ce jour qui, selon Kirk Varnedoe, constitue un condensé de toutes ses œuvres d »art.

La même année, il a organisé une rétrospective de plus de 170 de ses œuvres au Jewish Museum de New York, qui a ensuite été répétée en Angleterre et en Californie, et a participé à la XXXIIe Biennale de Venise et à la Documenta III de Kassel. Enfin, en 1964, le jour du Flag Day, le marchand d »art Leo Castelli décide d »offrir au président John Kennedy une version en bronze de Flag (1960), un choix que Johns trouve horrible car il y voit une instrumentalisation de son art. En 1969, l »artiste a publié des Pensées sur Duchamp dans Art in America et a ensuite reçu un diplôme honorifique en lettres classiques de l »université de Caroline du Sud. À la fin de la décennie, l »historien de l »art Max Kozloff lui consacre une monographie intitulée Jasper Johns.

1970s

Entre 1974 et 1982, les « hachures croisées » sont devenues le motif principal de ses peintures. Il apparaît pour la première fois dans Untitled (1972), mais il est mieux représenté par Scent (1973-1974), dans lequel se manifeste l »intérêt croissant de l »artiste pour les techniques graphiques, associées dans cette œuvre aux thèmes de la sexualité et de la mort. On retrouve les mêmes thèmes dans son œuvre suivante, Between the Clock and the Bed (1981), qui s »inspire du tableau éponyme d »Edvard Munch. En 1973, il rencontre le dramaturge Samuel Beckett à Paris pour discuter d »une éventuelle collaboration à la production du livre d »art Foirades.

Dans la seconde moitié de la décennie, il a organisé une grande rétrospective au Whitney Museum de New York, qui a ensuite été reproduite à Cologne, Paris, Londres, Tokyo et San Francisco. Par la suite, le musée de New York a acheté Three Flags pour un million de dollars, le montant le plus élevé jamais payé pour un artiste américain vivant jusqu »à cette époque, et pendant les années 1980, les œuvres de Johns atteindront constamment des prix très élevés. En 1978, il est élu Académicien honoraire de l »Accademia delle arti del disegno de Florence (puis Académicien émérite en 1987 et 1993). Entre 1979 et 1981, il revient à l »utilisation d »objets tels que des couteaux, des fourchettes et des cuillères dans ses créations, et s »intéresse également à de nouvelles formes de représentation objective telles que les motifs tantriques.

1980s

À partir des années 1980, ses œuvres se caractérisent par une forte approche psychologique et privée, comme on peut le voir, par exemple, dans In the Studio (1982), Perilous Night (1982) et Racing Thoughts (1983), dans lesquels l »artiste fait référence à un trouble mental qui l »a affligé à cette période. Son style de peinture change également, avec l »introduction d »images à double lecture, de citations d »autres artistes et d »effets de trompe-l »œil. Entre 1980 et 1982, il devient membre de l »Académie Royale des Beaux-Arts de Stockholm et de l »American Academy of Arts and Sciences de Boston. Entre 1985 et 1986, il peint les Quatre Saisons, traditionnellement reconnues comme les âges de la vie, qu »il expose pour la première fois à la galerie de Leo Castelli sur West Broadway et qui remporte ensuite le grand prix de la Biennale de Venise en 1988. En 1989, il a été nommé le 38e membre du South Carolina Hall of Fame, une distinction réservée aux personnalités les plus illustres de son pays, et a été intronisé à l »American Academy of Arts and Letters. Il est également le sujet du documentaire Jasper Johns : Ideas in Paint de Rick Tejada-Flores (1989).

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Les dernières années

Au cours des années 1990, il a reçu diverses récompenses, dont la National Medal of Arts, qui lui a été remise à la Maison Blanche par le président américain George Bush en 1990. Il a réalisé plusieurs expositions : une rétrospective au MoMA de New York avec des étapes ultérieures à Cologne et Tokyo (1996-1997), Jasper Johns : New Paintings and Works on Paper au San Francisco Museum of Modern Art suivie d »expositions à la Yale University Art Gallery et au Museum of Art de Dallas (1999), une exposition au Walker Art Center qui s »est poursuivie dans d »autres centres aux États-Unis, en Espagne, en Écosse et en Irlande (2003), et enfin Jasper Johns : Prints from the Low Road Studio à la Galleria di Castelli (2004).

À la fin du siècle, une nouvelle phase de sa peinture s »ouvre, tendant au « vidage » de la surface picturale, comme en témoigne, par exemple, sa série Catenary (1999), dans laquelle le titre catenary indique la courbe créée par l »effet de la gravité d »un fil fixé à ses extrémités, de sorte que dans les différentes œuvres, les fils, réels ou peints, traversent la surface et constituent le seul sujet de la toile. Ces dernières années, Johns s »est retiré principalement à Sharon (Connecticut) et sur l »île de Saint-Martin dans les Antilles françaises, où il possède un studio construit pour lui par l »architecte Philip Johnson.

Il existe plusieurs façons d »encadrer l »artiste. Tout d »abord, Johns est considéré comme l »un des principaux représentants de New Dada, un mouvement artistique américain qui se réfère à l »art dada du début du siècle et qui, comme lui, insère dans l »œuvre d »art des ready-mades (c »est-à-dire des objets tirés de la réalité) dits duchampiens. Ce courant est également très proche du Nouveau Réalisme français contemporain, dans lequel sont utilisés des objets tirés de la vie quotidienne la plus banale. L »inclusion du ready-made dans l »œuvre est donc aussi une solution au problème de la représentation du réel et de l »ordinaire. L »artiste dit lui-même que ses créations contiennent des objets que l »on peut regarder sans les voir.

L »utilisation d »objets peu manipulés et simplement insérés dans l »œuvre est également liée au fait que Johns rejette l »art de l »expressionnisme abstrait et entend donc réduire au minimum la composante gestuelle de son intervention, privilégiant les aspects formels et constitutifs de l »image elle-même. Cette position hostile se manifeste déjà dans l »œuvre Target with Plaster Casts, où la présence de moulages de parties du corps humain pourrait faire allusion à l »opposition présumée entre l »art « abstrait » et « figuratif ». Painting with Two Balls est également une attaque contre le mythe de la peinture américaine lié à la génération d »artistes tels que Jackson Pollock et Willem de Kooning : les deux balles peintes font en effet allusion à une description ironique de lui-même, contre la virilité typique affichée de manière théâtrale par d »autres artistes américains.

Enfin, il est considéré comme l »artiste qui a initié le Pop Art, mais sans en être conscient.

Une autre caractéristique de son art est qu »il garde ouverte la question de la distinction ou du lien entre réalité et représentation, image réelle et image peinte ; en effet, nombre de ses œuvres, à commencer par les Drapeaux, se caractérisent par une présentation détachée et tautologique d »un objet commun dont les limites coïncident avec celles de la toile. Ce qui importe à l »artiste, c »est l »intensité avec laquelle ce que l »on sait déjà de l »objet influence ce que l »on voit en lui ; lui-même n »a pas besoin d »un modèle pour peindre un drapeau ou une cible, puisque l »idée qu »il a de l »objet dans son esprit est suffisante. Ainsi, ses œuvres avec des drapeaux, des lettres ou des cibles en particulier jouent sur l »ambivalence entre l »objet lui-même et sa représentation. Très souvent, lorsqu »il évoque ses drapeaux, il pose la question rhétorique suivante : « Est-ce un drapeau ou une peinture ? ».

Encaustique

L »encaustique est une technique que l »artiste utilise souvent pour créer ses œuvres. Elle remonte à l »Égypte ancienne et consiste à mélanger des pigments et de la cire fondue dans ce que l »on appelle l »encausticage, à laquelle Johns ajoute généralement des morceaux de tissu ou des coupures de journaux. Le résultat final frôle la figuration, mais conserve des traces visibles de la manipulation de l »artiste, du tissage des tissus ou des textes imprimés sur le papier, ce qui permet à l »œuvre de s »ouvrir à de multiples niveaux d »interprétation entre la présentation et la représentation d »une image. La surface des œuvres est séduisante et fascinante, mais aussi nouvelle, originale et d »actualité dans le contexte de l »art américain des années où Johns les a utilisées.

Traditionnellement, la cire dite punique utilisée pour la peinture à l »encaustique est obtenue en faisant bouillir de la cire chaude dans de l »eau de mer, à laquelle on ajoute ensuite de l »eau, de la chaux éteinte et de la colle ; le mélange dissous dans l »eau et encore chaud est versé sur la peinture et immédiatement mélangé, étalé sur l »œuvre, laissé à sécher et finalement chauffé à nouveau pour permettre aux pigments de réapparaître en surface. Cette technique permet d »ajouter tout type de pigment et ne nécessite pas un délai d »exécution très rapide ; elle est également très durable car la cire n »est pas sujette à l »oxydation.

Travaux

Sources