Jean-Baptiste Camille Corot

gigatos | mars 28, 2022

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Résumé

Jean-Baptiste-Camille Corot (16 juillet 1796 – 22 février 1875) était un peintre français de paysages et de portraits ainsi qu »un graveur à l »eau-forte. Il est une figure centrale de la peinture de paysage et sa vaste production fait simultanément référence à la tradition néoclassique et anticipe les innovations en plein air de l »impressionnisme.

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Enfance et formation

Jean-Baptiste-Camille Corot (Camille Corot en abrégé) est né à Paris le 16 juillet 1796, dans une maison située au 125 de la rue du Bac, aujourd »hui démolie. Sa famille était bourgeoise – son père était perruquier et sa mère modiste – et contrairement à l »expérience de certains de ses collègues artistes, tout au long de sa vie, il n »a jamais ressenti le manque d »argent, car ses parents ont fait de bons investissements et ont bien géré leurs affaires. Après leur mariage, ses parents ont acheté la boutique de chapellerie où sa mère avait travaillé et son père a abandonné sa carrière de perruquier pour s »occuper des affaires de la boutique. Le magasin était une destination célèbre pour les Parisiens à la mode et rapportait à la famille un excellent revenu. Corot était le deuxième de trois enfants nés dans la famille, qui vivait au-dessus de leur boutique pendant ces années.

Corot reçoit une bourse pour étudier au lycée Pierre-Corneille de Rouen, mais le quitte après avoir eu des difficultés scolaires et entre dans un pensionnat. Il « n »était pas un élève brillant, et pendant toute sa carrière scolaire, il n »a pas obtenu une seule nomination pour un prix, pas même pour les classes de dessin. » Contrairement à de nombreux maîtres qui ont fait preuve d »un talent et d »un penchant précoces pour l »art, Corot ne manifeste aucun intérêt pour l »art avant 1815. Pendant ces années, il vit avec la famille Sennegon, dont le patriarche est un ami du père de Corot et qui passe beaucoup de temps avec le jeune Corot lors de promenades dans la nature. C »est dans cette région que Corot a réalisé ses premières peintures d »après nature. À dix-neuf ans, Corot était un « grand enfant, timide et maladroit. Il rougissait quand on lui parlait. Devant les belles dames qui fréquentaient le salon de sa mère, il était gêné et fuyait comme un sauvage… Sur le plan affectif, c »était un fils affectueux et bien élevé, qui adorait sa mère et tremblait quand son père parlait. » Lorsque les parents de Corot emménagent dans une nouvelle résidence en 1817, Corot, âgé de 21 ans, s »installe dans la chambre à lucarne du troisième étage, qui devient également son premier atelier.

Avec l »aide de son père, Corot devint apprenti drapier, mais il détestait la vie commerciale et méprisait ce qu »il appelait les « astuces d »affaires », mais il resta fidèlement dans le métier jusqu »à l »âge de 26 ans, lorsque son père consentit à ce qu »il adopte la profession d »artiste. Plus tard, Corot déclara : « J »ai dit à mon père que le commerce et moi étions tout simplement incompatibles, et que je divorçais. » L »expérience commerciale s »est toutefois avérée bénéfique, en l »aidant à développer un sens esthétique grâce à son exposition aux couleurs et aux textures des tissus. Peut-être par ennui, il se tourne vers la peinture à l »huile vers 1821 et commence immédiatement par des paysages. À partir de 1822, après la mort de sa sœur, Corot commence à recevoir une allocation annuelle de 1500 francs qui lui permet de financer sa nouvelle carrière, son atelier, ses matériaux et ses voyages pour le reste de sa vie. Il loue immédiatement un atelier sur le quai Voltaire.

À l »époque où Corot acquiert les moyens de se consacrer à l »art, la peinture de paysage a le vent en poupe et se divise généralement en deux camps : le paysage historique des néoclassiques d »Europe du Sud, qui représente des vues idéalisées de sites réels ou imaginaires peuplés de figures antiques, mythologiques et bibliques, et le paysage réaliste, plus courant en Europe du Nord, qui est largement fidèle à la topographie, à l »architecture et à la flore réelles et qui montre souvent des figures de paysans. Dans les deux approches, les paysagistes commençaient généralement par des croquis et des peintures préliminaires en plein air, les travaux de finition étant effectués à l »intérieur. Au début du XIXe siècle, les paysagistes français ont été fortement influencés par les travaux des Anglais John Constable et J. M. W. Turner, qui ont renforcé la tendance à privilégier le réalisme et à s »éloigner du néoclassicisme.

Pendant une courte période, entre 1821 et 1822, Corot étudie avec Achille Etna Michallon, un peintre paysagiste de l »âge de Corot qui était un protégé du peintre Jacques-Louis David et qui était déjà un professeur très respecté. Michallon a eu une grande influence sur la carrière de Corot. Les leçons de dessin de Corot comprenaient le traçage de lithographies, la copie de formes tridimensionnelles et la réalisation de croquis et de peintures de paysages en plein air, notamment dans les forêts de Fontainebleau, les ports maritimes de Normandie et les villages à l »ouest de Paris tels que Ville-d »Avray (où ses parents avaient une maison de campagne). Michallon l »a également exposé aux principes de la tradition néoclassique française, tels qu »ils ont été adoptés dans le célèbre traité du théoricien Pierre-Henri de Valenciennes et illustrés dans les œuvres des néoclassiques français Claude Lorrain et Nicolas Poussin, dont l »objectif principal était la représentation de la beauté idéale dans la nature, liée à des événements de l »Antiquité.

Bien que cette école soit sur le déclin, elle est toujours présente au Salon, la plus importante exposition d »art en France, à laquelle des milliers de personnes assistent à chaque édition. Corot déclara plus tard : « J »ai fait mon premier paysage d »après nature… sous l »œil de ce peintre, dont le seul conseil était de rendre avec le plus grand scrupule tout ce que je voyais devant moi. La leçon a marché ; depuis lors, j »ai toujours chéri la précision. » Après la mort prématurée de Michallon en 1822, Corot étudie avec le professeur de Michallon, Jean-Victor Bertin, l »un des paysagistes néoclassiques les plus connus de France, qui lui fait dessiner des copies de lithographies de sujets botaniques pour apprendre la précision des formes organiques. Bien qu »il tienne les néoclassiques en très haute estime, Corot ne limite pas sa formation à leur tradition d »allégorie dans une nature imaginée. Ses carnets révèlent des rendus précis de troncs d »arbres, de rochers et de plantes qui témoignent de l »influence du réalisme nordique. Tout au long de sa carrière, Corot a fait preuve d »une inclination à appliquer les deux traditions dans son travail, combinant parfois les deux.

Premier voyage en Italie

Avec le soutien de ses parents, Corot suit le modèle bien établi des peintres français qui se rendent en Italie pour étudier les maîtres de la Renaissance italienne et dessiner les monuments en ruine de l »Antiquité romaine. La condition posée par ses parents avant son départ était qu »il peigne pour eux un autoportrait, son premier. Le séjour de Corot en Italie, de 1825 à 1828, est un séjour très formateur et productif, au cours duquel il réalise plus de 200 dessins et 150 peintures. Il travaille et voyage avec plusieurs jeunes peintres français étudiant également à l »étranger, qui peignent ensemble et se retrouvent le soir dans les cafés, se critiquant mutuellement et bavardant. Corot a peu appris des maîtres de la Renaissance (bien que plus tard il ait cité Léonard de Vinci comme son peintre préféré) et a passé la plupart de son temps autour de Rome et dans la campagne italienne. Le jardin Farnèse, avec ses vues splendides sur les ruines antiques, était une destination fréquente, et il l »a peint à trois moments différents de la journée. Cette formation lui a été particulièrement utile pour comprendre les défis de la perspective moyenne et de la perspective panoramique, et pour placer efficacement des structures artificielles dans un cadre naturel. Il a également appris à donner aux bâtiments et aux rochers un effet de volume et de solidité grâce à une lumière et une ombre appropriées, tout en utilisant une technique lisse et fine. En outre, placer des figures appropriées dans un cadre séculaire était une nécessité pour une bonne peinture de paysage, afin d »ajouter un contexte et une échelle humaine, et cela était encore plus important dans les paysages allégoriques. À cette fin, Corot a travaillé sur des études de figures en vêtements indigènes ainsi que sur des nus. Pendant l »hiver, il passait du temps dans un studio mais retournait travailler à l »extérieur dès que le temps le permettait. La lumière intense de l »Italie lui pose des problèmes considérables : « Ce soleil émet une lumière qui me désespère. Il me fait sentir l »impuissance totale de ma palette ». Il a appris à maîtriser la lumière et à peindre les pierres et le ciel dans des variations subtiles et spectaculaires.

Ce ne sont pas seulement l »architecture et la lumière italiennes qui ont attiré l »attention de Corot. Il était également fasciné par les femmes italiennes : « Ils ont toujours les plus belles femmes du monde que j »ai rencontrées…. leurs yeux, leurs épaules, leurs mains sont spectaculaires. En cela, elles surpassent nos femmes, mais d »un autre côté, elles ne sont pas leurs égales en grâce et en gentillesse… Moi-même, en tant que peintre, je préfère la femme italienne, mais je penche vers la femme française quand il s »agit d »émotion. » Malgré sa forte attirance pour les femmes, il écrit sur son engagement envers la peinture : « Je n »ai dans la vie qu »un seul but que je veux poursuivre fidèlement : faire des paysages. Cette ferme résolution me préserve d »un attachement sérieux. C »est-à-dire dans le mariage… mais ma nature indépendante et mon grand besoin d »études sérieuses me font prendre la chose à la légère. »

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Viser le salon

Au cours de la période de six ans qui suit sa première visite en Italie et sa seconde, Corot se concentre sur la préparation de grands paysages destinés à être présentés au Salon. Plusieurs de ses tableaux de salon étaient des adaptations de ses esquisses à l »huile italiennes retravaillées en atelier par l »ajout d »éléments imaginaires et formels conformes aux principes néoclassiques. Un exemple de cela est sa première entrée au Salon, Vue à Narni (1827), où il a pris son étude rapide et naturelle d »une ruine d »un aqueduc romain sous un soleil vif et poussiéreux et l »a transformée en un cadre pastoral faussement idyllique avec des arbres d »ombrage géants et des pelouses vertes, une conversion destinée à séduire les jurés néoclassiques. De nombreux critiques ont apprécié ses peintures italiennes en plein air pour leur « germe d »impressionnisme », leur fidélité à la lumière naturelle et leur évitement des valeurs académiques, même si elles étaient destinées à être des études. Plusieurs décennies plus tard, l »impressionnisme a révolutionné l »art en adoptant une approche similaire – une peinture rapide et spontanée réalisée en plein air ; cependant, alors que les impressionnistes utilisaient des couleurs rapidement appliquées et non mélangées pour capturer la lumière et l »ambiance, Corot mélangeait et mixait habituellement ses couleurs pour obtenir ses effets oniriques.

Lorsqu »il n »est pas en studio, Corot voyage à travers la France, à l »image de ses méthodes italiennes, et se concentre sur les paysages rustiques. Il retourne sur la côte normande et à Rouen, la ville où il a vécu dans sa jeunesse. Corot réalise également quelques portraits d »amis et de parents, et reçoit ses premières commandes. Le portrait sensible de sa nièce, Laure Sennegon, vêtue de bleu poudré, est l »un de ses plus réussis et sera plus tard donné au Louvre. Il peignait généralement deux copies de chaque portrait de famille, une pour le sujet et une pour la famille, et faisait souvent des copies de ses paysages également.

Au printemps 1829, Corot vient à Barbizon pour peindre dans la forêt de Fontainebleau ; il avait déjà peint dans la forêt de Chailly en 1822. Il retourne à Barbizon à l »automne 1830 et à l »été 1831, où il réalise des dessins et des études à l »huile, dont il tire un tableau destiné au Salon de 1830, sa Vue de la forêt de Fontainebleau (aujourd »hui à la National Gallery de Washington) et, pour le Salon de 1831, une autre Vue de la forêt de Fontainebleau. Il y rencontre les membres de l »école de Barbizon : Théodore Rousseau, Paul Huet, Constant Troyon, Jean-François Millet et le jeune Charles-François Daubigny. Corot expose un portrait et plusieurs paysages au Salon en 1831 et 1833. L »accueil des critiques du Salon est froid et Corot décide de retourner en Italie, n »ayant pas réussi à les satisfaire avec ses thèmes néoclassiques.

Mi-carrière

Lors de ses deux voyages de retour en Italie, il visite l »Italie du Nord, Venise, et à nouveau la campagne romaine. En 1835, Corot fait sensation au Salon avec son tableau biblique Agar dans le désert, qui représente Hagar, la servante de Sarah, et l »enfant Ismaël, mourant de soif dans le désert jusqu »à ce qu »un ange les sauve. L »arrière-plan est probablement dérivé d »une étude italienne. Cette fois, la déclaration audacieuse et fraîche de Corot sur l »idéal néoclassique, qui n »avait pas été prévue, réussit à convaincre les critiques en démontrant « l »harmonie entre le cadre et la passion ou la souffrance que le peintre choisit d »y dépeindre ». Il enchaîne avec d »autres sujets bibliques et mythologiques, mais ces tableaux ne rencontrent pas le même succès, les critiques du Salon le jugeant insuffisant par rapport à Poussin. En 1837, il peint son plus ancien nu, La Nymphe de la Seine. Plus tard, il conseillera à ses élèves : « L »étude du nu, voyez-vous, est la meilleure leçon qu »un paysagiste puisse recevoir. Si quelqu »un sait comment, sans aucun artifice, descendre une figure, il est capable de faire un paysage ; sinon, il ne pourra jamais le faire. »

Tout au long des années 1840, Corot continue d »avoir des problèmes avec les critiques (plusieurs de ses œuvres sont carrément rejetées pour une exposition au Salon), et peu d »œuvres sont achetées par le public. Alors que la reconnaissance et l »acceptation par l »establishment se font lentement, en 1845, Baudelaire prend la tête d »une charge déclarant que Corot est le chef de file de « l »école moderne de peinture de paysage ». Alors que certains critiques trouvaient les couleurs de Corot « pâles » et son travail d »une « maladresse naïve », Baudelaire répondait astucieusement : « M. Corot est plus un harmoniste qu »un coloriste, et ses compositions, qui sont toujours entièrement exemptes de pédanterie, sont séduisantes par la seule simplicité de leurs couleurs. » En 1846, le gouvernement français le décora de la croix de la Légion d »honneur et, en 1848, il reçut une médaille de seconde classe au Salon, mais il reçut peu de patronage de l »État en conséquence. Sa seule œuvre commandée est un tableau religieux pour une chapelle baptismale peint en 1847, à la manière des maîtres de la Renaissance. Bien que l »establishment continue de se retenir, d »autres peintres reconnaissent la stature croissante de Corot. En 1847, Delacroix note dans son journal : « Corot est un véritable artiste. Il faut voir un peintre chez lui pour se faire une idée de sa valeur… Corot approfondit un sujet : les idées lui viennent et il en ajoute en travaillant ; c »est la bonne méthode. » Sur la recommandation de Delacroix, le peintre Constant Dutilleux achète un tableau de Corot et entame une longue et fructueuse relation avec l »artiste, lui apportant amitié et mécènes. Le traitement public de Corot s »est considérablement amélioré après la Révolution de 1848, lorsqu »il a été admis comme membre du jury du Salon. Il est promu officier du Salon en 1867.

Ayant renoncé à toute relation durable avec des femmes, Corot reste très proche de ses parents, même à la cinquantaine. Un contemporain a dit de lui : « Corot est un homme de principe, inconsciemment chrétien ; il cède toute sa liberté à sa mère… il doit la supplier à plusieurs reprises pour obtenir la permission de sortir… pour dîner un vendredi sur deux ». En dehors de ses fréquents voyages, Corot reste étroitement lié à sa famille jusqu »à la mort de ses parents, puis il obtient enfin la liberté d »aller à sa guise. Cette liberté lui permet de prendre des élèves pour des séances informelles, dont les artistes juifs Édouard Brandon et le futur impressionniste Camille Pissarro, qui en fait brièvement partie. La vigueur et les conseils perspicaces de Corot impressionnent ses élèves. Charles Daubigny déclare : « C »est un parfait Vieux Joy, ce père Corot. C »est tout à fait un homme merveilleux, qui mêle la plaisanterie à ses très bons conseils. » Un autre élève dit de Corot : » Les journaux avaient tellement déformé Corot, en lui mettant Théocrite et Virgile dans les mains, que j »ai été bien surpris de le trouver ne sachant ni grec ni latin… Son accueil est très ouvert, très libre, très amusant : il vous parle ou vous écoute en sautillant sur un pied ou sur deux ; il chante des bribes d »opéra d »une voix très vraie « , mais il a un » côté rusé et mordant soigneusement caché derrière sa bonne nature « .

Au milieu des années 1850, le style de plus en plus impressionniste de Corot commence à être reconnu, ce qui fixe sa place dans l »art français. « M. Corot excelle […] dans la reproduction de la végétation dans ses premiers balbutiements ; il rend merveilleusement les premiers-nés du nouveau monde. » À partir des années 1850, Corot peint de nombreux paysages et souvenirs, des tableaux imaginaires et rêveurs de lieux évoqués lors de visites antérieures, peints à l »aide de touches légères et lâches.

Les années suivantes

Dans les années 1860, Corot mélangeait encore des figures paysannes et mythologiques, mêlant néoclassicisme et réalisme, ce qui a amené un critique à se lamenter : « Si M. Corot tuait, une fois pour toutes, les nymphes de ses bois et les remplaçait par des paysans, je l »aimerais au-delà de toute mesure ». En réalité, plus tard dans sa vie, ses figures humaines ont augmenté et les nymphes ont diminué, mais même les figures humaines étaient souvent placées dans des rêveries idylliques.

Plus tard, l »atelier de Corot était rempli d »élèves, de modèles, d »amis, de collectionneurs et de marchands qui allaient et venaient sous l »œil tolérant du maître, ce qui lui valut cette boutade : « Comment se fait-il que vous soyez dix autour de moi, et que pas un ne pense à rallumer ma pipe ? ». Les marchands s »arrachent ses œuvres et ses prix dépassent souvent les 4 000 francs par tableau. Fort de son succès, Corot donne généreusement de son argent et de son temps. Il devient un ancien de la communauté des artistes et utilise son influence pour obtenir des commandes pour d »autres artistes. En 1871, il a donné 2000 £ pour les pauvres de Paris, assiégé par les Prussiens. (voir : Guerre franco-prussienne) Pendant la Commune de Paris, il était à Arras avec Alfred Robaut. En 1872, il a acheté une maison à Auvers comme cadeau pour Honoré Daumier, qui était alors aveugle, sans ressources et sans abri. En 1875, il fait don de 10.000 francs à la veuve de Millet pour soutenir ses enfants. Sa charité était quasi proverbiale. Il soutient également financièrement l »entretien d »un centre de jour pour enfants, rue Vandrezanne à Paris. Plus tard dans sa vie, il resta un homme humble et modeste, apolitique et heureux de la chance qu »il avait eue dans la vie, et tenait fermement à la conviction que « les hommes ne doivent pas se gonfler d »orgueil, qu »ils soient empereurs ajoutant telle ou telle province à leurs empires ou peintre qui s »acquiert une réputation. »

Malgré le grand succès et l »appréciation des artistes, des collectionneurs et des critiques les plus généreux, ses nombreux amis considèrent néanmoins qu »il est officiellement négligé, et en 1874, peu de temps avant sa mort, ils lui remettent une médaille d »or. Il meurt à Paris d »une maladie de l »estomac à l »âge de 78 ans et est enterré au cimetière du Père Lachaise.

Un certain nombre de suiveurs se sont appelés les élèves de Corot. Les plus connus sont Camille Pissarro, Eugène Boudin, Berthe Morisot, Stanislas Lépine, Antoine Chintreuil, François-Louis Français, Charles Le Roux et Alexandre Defaux.

Corot est une figure centrale de la peinture de paysage. Son œuvre fait simultanément référence à la tradition néo-classique et anticipe les innovations en plein air de l »impressionnisme. Claude Monet s »est exclamé à son sujet en 1897 : « Il n »y a qu »un seul maître ici – Corot. Nous ne sommes rien à côté de lui, rien ». Ses contributions à la peinture de figures sont à peine moins importantes ; Degas préférait ses figures à ses paysages, et les figures classiques de Picasso rendent ouvertement hommage à l »influence de Corot.

Les historiens ont divisé son œuvre en périodes, mais les points de division sont souvent vagues, car il achevait souvent un tableau des années après l »avoir commencé. Dans sa première période, il peignait de manière traditionnelle et « serrée » – avec une précision minutieuse, des contours clairs, un pinceau fin et une définition absolue des objets, avec une sous-peinture monochrome ou ébauche. Après avoir atteint sa cinquantième année, ses méthodes ont changé pour se concentrer sur la largeur de ton et une approche de la puissance poétique transmise par une application plus épaisse de la peinture ; et environ 20 ans plus tard, à partir de 1865 environ, sa manière de peindre est devenue plus lyrique, affectée d »une touche plus impressionniste. Cette évolution dans l »expression peut être considérée en partie comme marquant la transition entre les peintures en plein air de sa jeunesse, baignées d »une chaude lumière naturelle, et les paysages créés en studio de sa maturité tardive, enveloppés de tons uniformes d »argent. Au cours des dix dernières années de sa vie, il est devenu le « Père Corot » des cercles artistiques parisiens, où il était considéré avec une affection personnelle et reconnu comme l »un des cinq ou six plus grands paysagistes que le monde ait connus, aux côtés de Meindert Hobbema, Claude Lorrain, J.M.W. Turner et John Constable. Au cours de sa longue et productive vie, il a peint plus de 3 000 tableaux.

Bien qu »il soit souvent considéré comme un précurseur de la pratique impressionniste, Corot aborde ses paysages de manière plus traditionnelle qu »on ne le croit généralement. Comparée à celle des impressionnistes qui l »ont suivi, la palette de Corot est sobre, dominée par les bruns et les noirs (les « couleurs interdites » chez les impressionnistes), ainsi que par des verts sombres et argentés. Bien qu »il semble parfois rapide et spontané, ses coups de pinceau sont généralement contrôlés et soigneux, et ses compositions bien pensées et généralement rendues aussi simplement et concisément que possible, ce qui renforce l »effet poétique de l »imagerie. Comme il l »a déclaré, « J »ai remarqué que tout ce qui était fait correctement au premier essai était plus vrai, et les formes plus belles. »

L »approche de Corot à l »égard de ses sujets était tout aussi traditionnelle. Bien qu »il ait été un grand partisan des études en plein air, il était essentiellement un peintre d »atelier et peu de ses paysages achevés l »ont été avant le motif. Pendant la majeure partie de sa vie, Corot a passé ses étés à voyager et à rassembler des études et des croquis, et ses hivers à terminer des œuvres plus soignées, prêtes à être commercialisées. Par exemple, le titre de ses Baigneuses des îles Borromées (1865-70) fait référence au lac Majeur en Italie, bien que Corot ne soit pas allé en Italie depuis 20 ans. L »importance qu »il accordait au dessin d »images issues de l »imagination et de la mémoire plutôt que de l »observation directe correspondait aux goûts des jurés du Salon, dont il était membre.

Dans les années 1860, Corot s »est intéressé à la photographie, prenant lui-même des photos et faisant la connaissance de nombreux photographes de la première heure, ce qui a eu pour effet de supprimer encore plus sa palette de peinture en sympathie avec les tons monochromes des photographies. Cela a eu pour effet de rendre ses peintures encore moins dramatiques mais un peu plus poétiques, un résultat qui a amené certains critiques à évoquer une monotonie dans ses œuvres ultérieures. Théophile Thoré a écrit que Corot « n »a qu »une seule octave, extrêmement limitée et dans une tonalité mineure ; un musicien dirait. Il ne connaît guère qu »un seul moment du jour, le matin, et une seule couleur, le gris pâle. » Corot lui répond :

Ce qu »il y a à voir dans la peinture, ou plutôt ce que je cherche, c »est la forme, l »ensemble, la valeur des tons… C »est pourquoi pour moi la couleur vient après, parce que j »aime plus que tout l »effet d »ensemble, l »harmonie des tons, alors que la couleur vous donne une sorte de choc que je n »aime pas. C »est peut-être l »excès de ce principe qui fait dire aux gens que j »ai des tons plombés.

Dans son aversion pour les couleurs choquantes, Corot s »écarte nettement des impressionnistes en plein essor, qui s »adonnent à l »expérimentation de teintes vives.

En plus de ses paysages (le style tardif était si populaire qu »il existe de nombreux faux), Corot a produit un certain nombre de tableaux de figures très prisés. Si les sujets sont parfois placés dans des décors pastoraux, il s »agit surtout d »œuvres d »atelier, réalisées d »après le modèle vivant avec précision et subtilité. Comme ses paysages, ils sont caractérisés par un lyrisme contemplatif, dont ses tableaux tardifs L »Algérienne et La Jeune Grecque sont de bons exemples. Corot a peint une cinquantaine de portraits, principalement de sa famille et de ses amis. Il a également peint treize nus allongés, dont Les Repos (1860) dont la pose est étonnamment similaire à celle du célèbre Le Grande Odalisque (1814) d »Ingres, mais la femme de Corot est plutôt une bacchante rustique. Dans son dernier tableau de figure, la Dame en bleu (1874), Corot obtient un effet qui rappelle celui de Degas, doux mais expressif. Dans tous ses tableaux de figures, la couleur est sobre et remarquable par sa force et sa pureté. Corot a également réalisé de nombreuses gravures et esquisses au crayon. Certaines de ces esquisses utilisent un système de symboles visuels – des cercles représentant des zones de lumière et des carrés représentant des ombres. Il a également expérimenté le procédé du cliché verre, un hybride de la photographie et de la gravure. À partir des années 1830, Corot peint également des panneaux décoratifs et des murs dans les maisons de ses amis, avec l »aide de ses élèves.

Corot a résumé son approche de l »art vers 1860 : « J »interprète avec mon art autant qu »avec mon œil. »

Les œuvres de Corot sont conservées dans des musées en France et aux Pays-Bas, en Grande-Bretagne, en Amérique du Nord et en Russie.

Le fort marché pour les œuvres de Corot et son style de peinture tardif relativement facile à imiter ont entraîné une énorme production de faux Corot entre 1870 et 1939. René Huyghe a dit avec humour que « Corot a peint trois mille toiles, dont dix mille ont été vendues en Amérique ». Bien qu »il s »agisse d »une exagération humoristique, des milliers de faux ont été accumulés, la collection Jousseaume en contenant à elle seule 2 414. L »attitude laxiste de Corot, qui encourageait la copie et la falsification, a aggravé le problème. Il autorisait ses étudiants à copier ses œuvres et même à les emprunter pour les rendre plus tard, il retouchait et signait les copies des étudiants et des collectionneurs, et il prêtait des œuvres à des copieurs professionnels et à des agences de location. Selon le cataloguiste de Corot, Etienne Moreau-Nélaton, dans un atelier de copie, « le pinceau complaisant du maître authentifiait ces répliques par quelques retouches personnelles et décisives. Quand il n »était plus là pour terminer ses « doubles », on continuait à les produire sans lui. » Le catalogage des œuvres de Corot dans le but de séparer les copies des originaux s »est retourné contre lui lorsque les faussaires ont utilisé les publications comme guides pour étendre et affiner leurs faux tableaux.

Deux des œuvres de Corot sont présentées et jouent un rôle important dans l »intrigue du film français de 2008 L »Heure d »été (titre anglais Summer Hour). Le film a été produit par le musée d »Orsay, et les deux œuvres ont été prêtées par le musée pour le tournage du film.

Il existe une rue nommée Rue Corot sur l »Île des Sœurs, au Québec, qui porte le nom de l »artiste.

Dans le roman Le Signe des Quatre d »Arthur Conan Doyle (1890), Thaddeus Sholto expose une œuvre inconnue de Corot.

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Références

Sources