Jean-Luc Godard

gigatos | juillet 5, 2023

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Résumé

Jean-Luc Godard (3 décembre 1930 – 13 septembre 2022) est un réalisateur, scénariste et critique de cinéma franco-suisse. Il s’est fait connaître en tant que pionnier du mouvement de la Nouvelle Vague française des années 1960, aux côtés de cinéastes tels que François Truffaut, Agnès Varda, Éric Rohmer et Jacques Demy. Il est sans doute le cinéaste français le plus influent de l’après-guerre. Selon AllMovie, son œuvre a « révolutionné la forme du film » par ses expérimentations en matière de narration, de continuité, de son et de travail de la caméra. Ses films les plus acclamés sont notamment À bout de souffle (1960), Vivre sa vie (1962), Le mépris (1963), La bande des marginaux (1964), Alphaville (1965), Pierrot le Fou (1965), Masculin Féminin (1966), Week-end (1967) et Goodbye to Language (2014).

Au début de sa carrière de critique de cinéma pour l’influent magazine Cahiers du Cinéma, Godard a critiqué la « tradition de qualité » du cinéma français dominant, qui ne mettait pas l’accent sur l’innovation et l’expérimentation. En réponse, il a commencé, avec d’autres critiques, à réaliser ses propres films, remettant en question les conventions du cinéma traditionnel hollywoodien et du cinéma français. Godard a été acclamé dans le monde entier pour la première fois en 1960 avec son film À bout de souffle, contribuant ainsi à établir le mouvement de la Nouvelle Vague. Son œuvre comporte de fréquents hommages et références à l’histoire du cinéma, et exprime souvent ses opinions politiques ; il était un lecteur passionné d’existentialisme et de philosophie marxiste et, en 1969, il a formé le groupe Dziga Vertov avec d’autres cinéastes radicaux afin de promouvoir des œuvres politiques. Après la Nouvelle Vague, sa politique a été moins radicale et ses derniers films traitent des conflits humains et de la représentation artistique « d’un point de vue humaniste plutôt que marxiste ».

Godard s’est marié trois fois, avec les actrices Anna Karina et Anne Wiazemsky, qui ont toutes deux joué dans plusieurs de ses films, et plus tard avec sa compagne de longue date Anne-Marie Miéville. Ses collaborations avec Karina, qui comprennent des films acclamés par la critique tels que Vivre sa vie (1962), Bande à part (1964) et Pierrot le Fou (1965), ont été qualifiées par le magazine Filmmaker de « corpus d’œuvres sans doute le plus influent de l’histoire du cinéma ». Dans un sondage réalisé en 2002 par Sight & Sound, Godard a été classé troisième parmi les dix meilleurs réalisateurs de tous les temps par les critiques. On dit de lui qu’il a « généré l’un des plus importants corpus d’analyses critiques de tous les cinéastes depuis le milieu du vingtième siècle ». Son œuvre est au cœur de la théorie narrative et a « remis en question à la fois les normes du cinéma narratif commercial et le vocabulaire de la critique cinématographique ». En 2010, Godard a reçu un prix honorifique de l’Académie.

Jean-Luc Godard est né le 3 décembre 1930 dans le 7e arrondissement de Paris, d’Odile (née Monod) et de Paul Godard, médecin suisse. Ses parents, fortunés, sont issus de familles protestantes d’origine franco-suisse, et sa mère est la fille de Julien Monod, fondateur de la Banque Paribas. Elle était l’arrière-petite-fille du théologien Adolphe Monod. Parmi les autres membres de sa famille maternelle figurent le compositeur Jacques-Louis Monod, le naturaliste Théodore Monod, le pasteur Frédéric Monod et l’ancien Premier ministre, puis président du Pérou, Pedro Pablo Kuczynski. Quatre ans après la naissance de Jean-Luc, son père a déménagé la famille en Suisse. Au début de la Seconde Guerre mondiale, Godard se trouve en France et rentre difficilement en Suisse. Il passe la plus grande partie de la guerre en Suisse, bien que sa famille se rende clandestinement dans la propriété de son grand-père sur la rive française du lac Léman. Godard est allé à l’école à Nyon, en Suisse.

Peu cinéphile, il attribue son initiation au cinéma à la lecture de l’essai d’André Malraux, Esquisse d’une psychologie du cinéma, et à celle de La Revue du cinéma, relancée en 1946. En 1946, il entre au lycée Buffon à Paris et, grâce à ses relations familiales, côtoie les membres de l’élite culturelle. Il loge chez l’écrivain Jean Schlumberger. Ayant échoué au baccalauréat en 1948, il rentre en Suisse. Il étudie à Lausanne et vit avec ses parents, dont le mariage est en train de s’effondrer. Il passe du temps à Genève avec un groupe comprenant un autre fanatique de cinéma, Roland Tolmatchoff, et le philosophe d’extrême droite Jean Parvulesco. Sa sœur aînée Rachel l’encourage à peindre, ce qu’il fait, dans un style abstrait. Après un séjour dans un internat à Thonon pour préparer le baccalauréat, qu’il réussit, il rentre à Paris en 1949. Il s’inscrit au certificat d’anthropologie à l’université de Paris (Sorbonne), mais n’assiste pas aux cours.

Critique cinématographique

À Paris, dans le quartier latin, juste avant 1950, les ciné-clubs gagnent en importance. Godard commence à fréquenter ces clubs – la Cinémathèque française, le Ciné-Club du Quartier Latin (CCQL), le ciné-club Work and Culture, et d’autres – qui deviennent ses lieux de prédilection. La Cinémathèque avait été fondée par Henri Langlois et Georges Franju en 1936 ; Travail et Culture était un groupe d’éducation ouvrière pour lequel André Bazin avait organisé des projections de films et des discussions pendant la guerre et qui était devenu un modèle pour les ciné-clubs qui s’étaient développés dans toute la France après la Libération ; le CCQL, fondé vers 1947 ou 1948, était animé et dirigé intellectuellement par Maurice Schérer. Dans ces clubs, il rencontre des cinéphiles comme Jacques Rivette, Claude Chabrol et François Truffaut. Godard fait partie d’une génération pour laquelle le cinéma revêt une importance particulière. Il a déclaré : « Dans les années 50, le cinéma était aussi important que la télévision : « Dans les années 50, le cinéma était aussi important que le pain, mais ce n’est plus le cas. Nous pensions que le cinéma s’affirmerait comme un instrument de connaissance, un microscope… un télescope…. A la Cinémathèque, j’ai découvert un monde dont personne ne m’avait parlé. On nous avait parlé de Goethe, mais pas de Dreyer. … Nous regardions des films muets à l’époque du parlant. Nous rêvions de cinéma. Nous étions comme des chrétiens dans les catacombes ».

C’est dans le domaine de la critique qu’il s’est lancé dans le cinéma. Avec Maurice Schérer (qui écrivait sous le futur célèbre pseudonyme d’Éric Rohmer) et Jacques Rivette, il a fondé l’éphémère revue La Gazette du cinéma , qui a publié cinq numéros en 1950. Lorsque Bazin cofonde l’influent magazine critique Cahiers du cinéma en 1951, Godard est le premier des jeunes critiques du CCQL à s’y joindre.

Réalisation de films

Après avoir quitté Paris à l’automne 1952, Godard retourne en Suisse et s’installe chez sa mère à Lausanne. Il se lie d’amitié avec l’amant de sa mère, Jean-Pierre Laubscher, qui est ouvrier sur le barrage de la Grande Dixence. Par l’intermédiaire de Laubscher, il trouve lui-même du travail en tant qu’ouvrier sur le chantier du Plaz Fleuri. Il y voit la possibilité de réaliser un film documentaire sur le barrage ; à la fin de son contrat initial, afin de prolonger son séjour au barrage, il passe au poste de standardiste. En avril 1954, alors qu’il est de service, il passe un appel à Laubscher qui lui apprend qu’Odile Monod, la mère de Godard, est décédée dans un accident de scooter. Grâce à des amis suisses qui lui ont prêté une caméra 35 mm, il peut tourner en 35 mm. Il réécrit le commentaire écrit par Laubscher et donne à son film un titre rimé, Opération béton. La société qui gère le barrage achète le film et l’utilise à des fins publicitaires.

Tout en continuant à travailler pour les Cahiers, il réalise Une femme coquette (et retourne à Paris en janvier 1956). Un projet de long métrage sur les Affinités électives de Goethe s’avère trop ambitieux et n’aboutit pas. Truffaut lui demande de l’aider à travailler sur une idée de film basée sur l’histoire vraie d’un petit délinquant, Michel Portail, qui a tué un policier à moto et dont la petite amie l’a dénoncé à la police, mais Truffaut n’arrive pas à intéresser les producteurs. Un autre projet avec Truffaut, une comédie sur une fille de la campagne arrivant à Paris, est également abandonné. Il travaille avec Rohmer sur un projet de série de courts métrages centrés sur la vie de deux jeunes femmes, Charlotte et Véronique. À l’automne 1957, Pierre Braunberger produit le premier film de la série, Tous les garçons s’appellent Patrick, réalisé par Godard d’après le scénario de Rohmer. Une histoire d’eau (1958) a été réalisé en grande partie à partir de séquences inutilisées tournées par Truffaut. En 1958, Godard, avec Jean-Paul Belmondo et Anne Colette, réalise son dernier court métrage avant de devenir un cinéaste de renommée internationale, Charlotte et fils Jules, un hommage à Jean Cocteau. Le film a été tourné dans la chambre d’hôtel de Godard, rue de Rennes, et reflète apparemment l' »austérité romantique » de la vie de Godard à cette époque. Son ami suisse Roland Tolmatchoff a noté : « À Paris, il avait un grand poster de Bogart au mur et rien d’autre ». En décembre 1958, Godard fait un compte-rendu du Festival du court métrage de Tours et du Festival du film d’animation de Paris.

La période la plus célèbre de Godard en tant que réalisateur s’étend approximativement de son premier long métrage, À bout de souffle (1960), jusqu’à Week End (1967). Durant cette période, son travail s’est concentré sur des films relativement conventionnels qui font souvent référence à différents aspects de l’histoire du cinéma. Bien que l’œuvre de Godard durant cette période soit considérée comme novatrice en soi, cette période contraste avec celle qui l’a immédiatement suivie, durant laquelle Godard a idéologiquement dénoncé une grande partie de l’histoire du cinéma comme étant bourgeoise et donc sans mérite.

Films

À bout de souffle (1960) de Godard, avec Jean-Paul Belmondo et Jean Seberg, exprime distinctement le style de la Nouvelle Vague française et incorpore des citations de plusieurs éléments de la culture populaire, en particulier du film noir américain. Le film fait appel à diverses techniques telles que l’utilisation innovante des jump cuts (traditionnellement considérés comme de l’amateurisme), les apartés des personnages et la rupture de la correspondance de la ligne de mire dans le montage de continuité. Un autre aspect unique de Breathless est l’écriture spontanée du scénario le jour du tournage – une technique que les acteurs ont trouvée déstabilisante – qui contribue à l’ambiance spontanée et documentaire du film.

Dès le début de sa carrière, Godard a inclus plus de références cinématographiques dans ses films que n’importe lequel de ses collègues de la Nouvelle Vague. Dans À bout de souffle, ses citations comprennent une affiche de film montrant Humphrey Bogart – de The Harder They Fall, son dernier film (dont l’acteur principal Jean-Paul Belmondo tente d’imiter avec révérence l’expression) – des citations visuelles de films d’Ingmar Bergman, Samuel Fuller, Fritz Lang et d’autres, ainsi qu’une dédicace à l’écran à Monogram Pictures, un studio américain de films de série B. Les citations et références littéraires incluent William Faulkner, Dylan Thomas, Louis Aragon, Rilke, Françoise Sagan et Maurice Sachs. Le film contient également des citations en images ou sur la bande sonore – Mozart, Picasso, J. S. Bach, Paul Klee et Auguste Renoir. « Ce cinéma à la première personne n’invoque pas l’expérience du réalisateur mais sa présence ».

Godard voulait engager l’actrice américaine Jean Seberg, qui vivait à Paris avec son mari François Moreuil, un avocat, pour jouer le rôle de l’Américaine. Seberg était devenue célèbre en 1956 lorsque Otto Preminger l’avait choisie pour jouer Jeanne d’Arc dans son Saint Joan, et l’avait ensuite engagée dans son adaptation acidulée de Bonjour Tristesse en 1958. Son interprétation dans ce film n’avait pas été généralement considérée comme une réussite – le critique du New York Times l’avait qualifiée d' »amateur mal placé » – mais Truffaut et Godard n’étaient pas d’accord. Pour le rôle de Michel Poiccard, Godard a choisi Belmondo, un acteur qu’il avait déjà appelé, écrivant dans Arts en 1958, « le Michel Simon et le Jules Berry de demain ». Le caméraman est Raoul Coutard, choix du producteur Beauregard. Godard voulait qu’À bout de souffle soit tourné comme un documentaire, avec une caméra légère à la main et un minimum d’éclairage ajouté ; Coutard avait une expérience de caméraman documentaire lorsqu’il travaillait pour le service d’information de l’armée française en Indochine pendant la guerre franco-indochinoise. Les travellings ont été filmés par Coutard à partir d’un fauteuil roulant poussé par Godard. Godard avait préparé un scénario traditionnel, mais il s’en est passé et a écrit les dialogues au jour le jour, au fur et à mesure de la production. L’importance du film est immédiatement reconnue et, en janvier 1960, Godard reçoit le prix Jean Vigo, décerné pour « encourager un auteur de l’avenir ». Un critique mentionne la prophétie d’Alexandre Astruc sur l’ère de la caméra-stylo, la caméra qu’une nouvelle génération utiliserait avec l’efficacité avec laquelle un écrivain utilise sa plume – « voici en effet la première œuvre authentiquement écrite avec une caméra-stylo ».

En 1960, Godard tourne Le petit soldat. La future épouse de Godard, Anna Karina, fait partie de la distribution. À cette époque, Karina n’a pratiquement aucune expérience en tant qu’actrice. Godard utilise sa maladresse comme un élément de sa performance. À la fin du tournage, Godard et Karina forment un couple. Elle apparaît à nouveau, aux côtés de Belmondo, dans le premier film en couleur de Godard, Une femme est une femme (1961), leur premier projet à sortir. Le film se veut un hommage à la comédie musicale américaine. Les ajustements apportés par Godard à la version originale de l’histoire lui ont donné des résonances autobiographiques, « notamment en ce qui concerne sa relation avec Anna Karina ». Le film révèle « l’enfermement entre les quatre murs de la vie domestique » et « les failles affectives et artistiques qui menaçaient leur relation ».

Le film suivant de Godard, Vivre sa vie (My Life to Live, 1962), est l’un des plus populaires auprès des critiques. Karina y joue le rôle de Nana, une mère dévoyée et aspirante actrice dont la situation financière difficile l’a conduite à la vie de prostituée. Il s’agit d’un récit épisodique de ses rationalisations pour prouver qu’elle est libre, même si elle est attachée au bout de la courte laisse de son proxénète. Dans une scène, dans un café, elle écarte les bras et annonce qu’elle est libre de les lever ou de les abaisser à sa guise.

Le film est un succès populaire et conduit Columbia Pictures à lui proposer un contrat de 100 000 dollars pour réaliser un film, avec un contrôle artistique total.

Le petit soldat n’est sorti qu’en 1963, premier des trois films qu’il a sortis cette année-là. Le petit soldat traite de la guerre d’indépendance algérienne. En raison de son caractère politique, le film a été interdit par le gouvernement français pendant les deux années qui ont suivi. Le « petit soldat » Bruno Forestier est interprété par Michel Subor. Forestier était un personnage proche de Godard lui-même, un faiseur d’images et un intellectuel, « plus ou moins mon porte-parole, mais pas totalement », a déclaré Godard à un intervieweur.

Le film commence le 13 mai 1958, date de la tentative de putsch en Algérie, et se termine plus tard dans le même mois. Bruno Forestier, photojournaliste lié à un groupe paramilitaire de droite travaillant pour le gouvernement français, est chargé d’assassiner un professeur accusé d’avoir aidé la résistance algérienne. Il est amoureux de Veronica Dreyer, une jeune femme qui a travaillé avec les combattants algériens. Il est capturé par des militants algériens et torturé. Son organisation la capture et la torture. Pour réaliser Le petit soldat, Godard a pris l’initiative inhabituelle d’écrire les dialogues tous les jours et de les dire aux acteurs pendant le tournage – une technique rendue possible par le tournage sans son direct et le doublage des dialogues en post-production.

Son film suivant, Les Carabiniers, est basé sur une histoire de Roberto Rossellini, l’une des influences de Godard. Le film suit deux paysans qui rejoignent l’armée d’un roi, mais qui découvrent la futilité de l’entreprise lorsque le roi révèle la tromperie des chefs qui administrent la guerre.

Son dernier film de 1963 et le plus grand succès commercial de sa carrière est Le Mépris, avec Michel Piccoli et l’une des plus grandes stars féminines françaises, Brigitte Bardot. Le film raconte l’histoire de Paul (Piccoli), un scénariste chargé par Prokosch (Jack Palance), un producteur de cinéma américain arrogant, de réécrire le scénario d’une adaptation de l’Odyssée d’Homère, que le réalisateur autrichien Fritz Lang est en train de tourner. L’interprétation « haute culture » de l’histoire par Lang échappe à Prokosch, dont le personnage est un véritable réquisitoire contre la hiérarchie du cinéma commercial.

En 1964, Godard et Karina créent une société de production, Anouchka Films. Il réalise Bande à part, une autre collaboration entre les deux, qu’il décrit comme « Alice au pays des merveilles rencontre Franz Kafka ». Le film suit deux jeunes hommes qui cherchent à faire un coup d’éclat lors d’un casse et qui tombent tous deux amoureux de Karina, et cite plusieurs conventions du film de gangsters. Lors de la promotion du film, Godard a écrit que, selon D. W. Griffith, tout ce dont on a besoin pour faire un film, c’est « une fille et un revolver ».

Une femme mariée (1964) a suivi Band of Outsiders. Il s’agit d’un film en noir et blanc, lent, délibéré et édulcoré, sans véritable histoire. Le film a été tourné en quatre semaines et est « un film explicitement et rigoureusement moderniste ». Il témoigne de « l’engagement de Godard dans la pensée la plus avancée de l’époque, telle qu’elle s’exprime dans les travaux de Claude Lévi-Strauss et de Roland Barthes », et sa fragmentation et son abstraction reflètent également « sa perte de confiance dans les styles hollywoodiens familiers ». Godard a réalisé ce film pendant la phase de préparation de Pierrot le Fou (1965).

En 1965, Godard réalise Alphaville, un mélange futuriste de science-fiction, de film noir et de satire. Eddie Constantine y incarne Lemmy Caution, un détective envoyé dans une ville contrôlée par un ordinateur géant nommé Alpha 60. Sa mission est d’entrer en contact avec le professeur von Braun (Howard Vernon), un célèbre scientifique qui s’est mystérieusement tu et que l’on croit supprimé par l’ordinateur. Son film suivant est Pierrot le Fou (1965). Gilles Jacob , auteur, critique et président du Festival de Cannes, l’a qualifié à la fois de « rétrospective » et de récapitulation. Il sollicite la participation de Jean-Paul Belmondo, acteur alors célèbre, afin de garantir le financement nécessaire à ce film coûteux. Godard a déclaré que le film était « lié à la violence et à la solitude qui sont si proches du bonheur aujourd’hui. C’est un film sur la France ».

Masculin Féminin (1966), basé sur deux histoires de Guy de Maupassant, La Femme de Paul et Le Signe, est une étude de la jeunesse française contemporaine et de son implication dans la politique culturelle. Un intertitre désigne les personnages comme « les enfants de Marx et de Coca-Cola ». Bien que l’on pense parfois que le cinéma de Godard dépeint un point de vue entièrement masculin, Phillip John Usher a montré comment le film, par la manière dont il relie des images et des événements disparates, semble brouiller les lignes de démarcation entre les sexes.

Godard enchaîne avec Made in U.S.A (1966), dont le matériau de base est The Jugger de Richard Stark. Il s’agit d’un thriller policier classique de la Nouvelle Vague, inspiré des films noirs américains. Anna Karina incarne l’anti-héroïne à la recherche de son amant assassiné et le film comprend un caméo de Marianne Faithfull. Un an plus tard sort Two or Three Things I Know About Her (1967), dans lequel Marina Vlady incarne une femme menant une double vie de femme au foyer et de prostituée, considéré comme « l’une des plus grandes réussites de l’histoire du cinéma ».

Avec La Chinoise (1967), Godard a fait preuve de sa plus grande franchise politique. Le film se concentre sur un groupe d’étudiants et s’intéresse aux idées émanant des groupes d’étudiants activistes de la France contemporaine. Sorti juste avant les événements de mai 1968, le film est considéré par certains comme une préfiguration des rébellions étudiantes qui ont eu lieu.

La même année, Godard réalise un film plus coloré et plus politique, Week End. Il suit un couple parisien qui part en week-end à travers la campagne française pour toucher un héritage. Il s’ensuit une confrontation avec les défauts tragiques de la bourgeoisie qui consomme à outrance. Le film contient un travelling de huit minutes montrant le couple coincé dans un embouteillage incessant alors qu’il quitte la ville, une technique utilisée par Godard pour déconstruire les tendances bourgeoises. Il est surprenant de constater que certains plans contiennent des séquences supplémentaires, pour ainsi dire avant le début de la prise (pendant que les acteurs se préparent) et après la fin de la prise (pendant que les acteurs sortent de leur personnage). Le titre énigmatique et audacieux de Week End, « Fin du cinéma », marque de manière appropriée la fin de la période narrative et cinématographique de la carrière de Godard.

Politique

Godard était connu pour sa « voix hautement politique », et ses films comportaient régulièrement un contenu politique. L’un de ses premiers films, Le petit soldat, qui traite de la guerre d’indépendance algérienne, se distingue par sa tentative de présenter la complexité du conflit ; le film a été perçu comme équivoque et comme établissant une « équivalence morale » entre les forces françaises et le Front de libération nationale. Dans le même ordre d’idées, Les Carabiniers présente une guerre fictive qui est d’abord romancée dans la manière dont les personnages abordent leur service, mais qui devient une métonymie anti-guerre rigide. Outre les conflits internationaux auxquels Godard cherchait une réponse artistique, il était également très préoccupé par les problèmes sociaux en France. Le premier et le meilleur exemple de cette préoccupation est l’interprétation puissante d’une prostituée par Karina dans Vivre sa vie. Dans le Paris des années 1960, le milieu politique n’est pas envahi par un mouvement spécifique. Il existait cependant un climat d’après-guerre distinct, façonné par divers conflits internationaux tels que le colonialisme en Afrique du Nord et en Asie du Sud-Est. La disposition marxiste de Godard n’est pas devenue très explicite avant La Chinoise et Week End, mais elle est évidente dans plusieurs films, notamment Pierrot et Une femme mariée.

Godard a été accusé par certains d’avoir des opinions antisémites : en 2010, avant la remise de l’Oscar d’honneur de Godard, un article important de Michael Cieply dans le New York Times a attiré l’attention sur l’idée, qui avait circulé dans la presse au cours des semaines précédentes, que Godard pourrait être antisémite et ne mériterait donc pas cette distinction. Cieply fait référence au livre de Richard Brody, Tout est cinéma : la vie professionnelle de Jean-Luc Godard, et fait allusion à un article précédent, plus long, publié par le Jewish Journal comme étant proche de l’origine du débat. L’article s’appuie également sur le livre de Brody, par exemple dans la citation suivante, que Godard a faite à la télévision en 1981 : « Moïse est mon principal ennemi… Moïse, quand il a reçu les commandements, a vu des images et les a traduites. Puis il a apporté les textes, il n’a pas montré ce qu’il avait vu. C’est pour ça que le peuple juif est maudit ».

Immédiatement après la publication de l’article de Cieply, Brody a clairement critiqué « l’utilisation extrêmement sélective et étroite » des passages de son livre, et a noté que l’œuvre de Godard abordait l’Holocauste avec « le plus grand sérieux moral ». En effet, ses documentaires présentent des images de l’Holocauste dans un contexte qui suggère qu’il considère le nazisme et l’Holocauste comme le nadir de l’histoire de l’humanité. Le point de vue de Godard devient plus complexe en ce qui concerne l’État d’Israël. En 1970, Godard s’est rendu au Moyen-Orient pour réaliser un film pro-palestinien qu’il n’a pas achevé et dont les images ont finalement été intégrées au film Ici et ailleurs (1976). Dans ce film, Godard semble considérer la cause des Palestiniens comme l’un des nombreux mouvements révolutionnaires de gauche dans le monde. Ailleurs, Godard s’identifie explicitement comme un antisioniste mais nie les accusations d’antisémitisme.

Godard a produit plusieurs œuvres qui traitent directement de la guerre du Viêt Nam. En outre, deux scènes de Pierrot le fou abordent cette question. La première se déroule lors du premier trajet en voiture entre Ferdinand (Belmondo) et Marianne (Karina). Sur l’autoradio, ils entendent le message « garnison massacrée par les Viêt-congs qui ont perdu 115 hommes ». Marianne répond par une longue réflexion sur la façon dont la radio déshumanise les combattants nord-vietnamiens. La guerre est présente tout au long du film sous forme de mentions, d’allusions et de représentations d’images d’actualité, et le style du film a été affecté par la colère politique de Godard à l’égard de la guerre, ce qui l’a empêché de s’inspirer des styles cinématographiques antérieurs.

Il a notamment participé à Loin du Vietnam (1967). Il s’agit d’un projet anti-guerre composé de sept sketches réalisés par Godard (qui a utilisé des images de La Chinoise), Claude Lelouch, Joris Ivens, William Klein, Chris Marker, Alain Resnais et Agnès Varda.

Bertolt Brecht

L’engagement de Godard envers le poète et dramaturge allemand Bertolt Brecht découle principalement de sa tentative de transposer la théorie de Brecht sur le théâtre épique et sa perspective d’aliénation du spectateur (Verfremdungseffekt) par une séparation radicale des éléments du médium (le théâtre dans le cas de Brecht, mais dans celui de Godard, le film). L’influence de Brecht se fait sentir dans une grande partie de l’œuvre de Godard, en particulier avant 1980, lorsque Godard a utilisé l’expression cinématographique à des fins politiques spécifiques.

Par exemple, le montage elliptique de Breathless, qui prive le spectateur d’une narration fluide typique du cinéma grand public, l’oblige à jouer un rôle plus critique, à relier lui-même les éléments et à s’investir davantage dans le contenu de l’œuvre. Dans nombre de ses œuvres les plus politiques, notamment Week-end, Pierrot le Fou et La Chinoise, les personnages adressent au public des pensées, des sentiments et des instructions.

Marxisme

Une lecture marxiste est possible pour la plupart, sinon la totalité, des premières œuvres de Godard. L’interaction directe de Godard avec le marxisme ne devient cependant pas explicitement apparente avant Week End, où le nom de Karl Marx est cité en conjonction avec des figures telles que Jésus-Christ. Un refrain constant tout au long de la période cinématographique de Godard est celui du consumérisme de la bourgeoisie, de la marchandisation de la vie quotidienne et de l’activité, et de l’aliénation de l’homme – tous des éléments centraux de la critique de Marx sur le capitalisme.

Dans un essai sur Godard, le philosophe et spécialiste de l’esthétique Jacques Rancière déclare : « Lorsque dans Pierrot le fou, 1965, un film sans message politique clair, Belmondo joue sur le mot « scandale » et la « liberté » que la gaine Scandal est censée offrir aux femmes, le contexte d’une critique marxiste de la marchandisation, d’une dérision du pop art à l’égard du consumérisme et d’une dénonciation féministe de la fausse « libération » des femmes suffit à favoriser une lecture dialectique de la plaisanterie et de l’histoire tout entière ». La façon dont Godard a traité la politique dans sa période cinématographique était dans le contexte d’une blague, d’une œuvre d’art ou d’une relation, présentées pour être utilisées comme des outils de référence, en romançant la rhétorique marxiste, plutôt que d’être uniquement des outils d’éducation.

Une femme mariée est également structuré autour du concept de fétichisme de la marchandise de Marx. Godard a dit un jour que c’était « un film où les individus sont considérés comme des choses, où les poursuites en taxi alternent avec les entretiens éthologiques, où le spectacle de la vie se mêle à son analyse ». Il était très conscient de la manière dont il souhaitait représenter l’être humain. Ses efforts sont ouvertement caractéristiques de Marx qui, dans ses Manuscrits économiques et philosophiques de 1844, donne l’une de ses élaborations les plus nuancées, analysant la manière dont le travailleur est aliéné par rapport à son produit, l’objet de son activité productive. Georges Sadoul, dans sa courte rumination sur le film, le décrit comme une « étude sociologique de l’aliénation de la femme moderne ».

La période qui s’étend de mai 1968 aux années 1970 a été qualifiée de diverses manières : période « militante », période « radicale », termes aussi spécifiques que « maoïste » ou aussi vagues que « politique ». Quoi qu’il en soit, cette période a vu Godard employer une rhétorique révolutionnaire cohérente dans ses films et dans ses déclarations publiques.

Inspiré par le mouvement de mai 68, Godard, aux côtés de François Truffaut, a pris la tête des manifestations qui ont entraîné la fermeture du Festival de Cannes en 1968, en solidarité avec les étudiants et les travailleurs. Godard a déclaré qu’il n’y avait pas un seul film à l’affiche du festival qui représentait leur cause. « Pas un seul, qu’il soit de Milos Polanski ou de François. Il n’y en a pas. Nous sommes en retard sur notre temps.

Films

Au milieu des bouleversements de la fin des années 1960, Godard se passionne pour la réalisation de « films politiques ». Bien que nombre de ses films réalisés entre 1968 et 1972 soient des longs métrages, ils sont à petit budget et remettent en question la notion de ce que peut être un film. En plus d’abandonner le cinéma traditionnel, Godard a également tenté d’échapper au culte de la personnalité qui s’était formé autour de lui. Il travaille dans l’anonymat en collaboration avec d’autres cinéastes, notamment Jean-Pierre Gorin, avec qui il forme le collectif de cinéma Dziga-Vertov. Durant cette période, Godard réalise des films en Angleterre, en Italie, en Tchécoslovaquie, en Palestine, aux États-Unis et en France. Gorin et lui partent en tournée avec leurs œuvres, tentant de susciter le débat, principalement sur les campus universitaires. Cette période atteint son apogée avec la production à gros budget Tout Va Bien, avec Yves Montand et Jane Fonda. En raison d’un accident de moto qui a gravement handicapé Godard, Gorin a fini par réaliser presque seul le plus célèbre de leurs travaux communs. Pour accompagner Tout va bien, ils réalisent Letter to Jane, un « examen d’une photo » de 50 minutes montrant Jane Fonda en visite chez les Viêt-congs pendant la guerre du Viêt-nam. Le film est une déconstruction de l’idéologie impérialiste occidentale. C’est le dernier film que Godard et Gorin ont réalisé ensemble.

En 1978, Godard est chargé par le gouvernement mozambicain de réaliser un court métrage. À cette époque, son expérience des pellicules Kodak l’amène à critiquer la pellicule comme étant « intrinsèquement raciste » puisqu’elle ne reflète pas la variété, la nuance ou la complexité de la peau brune ou foncée. En effet, les cartes Kodak Shirley n’étaient conçues que pour des sujets caucasiens, un problème qui n’a été corrigé qu’en 1995.

En 1972, Godard et sa compagne, la cinéaste suisse Anne-Marie Miéville, créent la société de production et de distribution de vidéos alternatives Sonimage, basée à Grenoble. Sous l’égide de Sonimage, Godard produit Comment ca va, Numéro Deux (1975) et Sauve qui peut (la vie) (1980). En 1976, Godard et Miéville, son épouse, collaborent à une série d’œuvres vidéo novatrices pour la télévision européenne, intitulées Six fois deux

Jean-Pierre Gorin

Après les événements de mai 1968, lorsque la ville de Paris a connu un bouleversement total en réponse à « l’autoritaire de Gaulle », et que l’objectif professionnel de Godard a été reconsidéré, il a commencé à collaborer avec des individus partageant les mêmes idées dans l’arène cinématographique. Son collaborateur le plus notable est Jean-Pierre Gorin, un étudiant maoïste de Louis Althusser, Michel Foucault et Jacques Lacan (qui deviendra plus tard professeur d’études cinématographiques à l’université de Californie à San Diego), dont la passion pour le cinéma attire l’attention de Godard.

Entre 1968 et 1973, Godard et Gorin ont collaboré à la réalisation de cinq films aux messages maoïstes forts. Le film le plus marquant de cette collaboration est Tout Va Bien (1972). Il met en scène Jane Fonda, qui est à l’époque l’épouse du cinéaste français Roger Vadim. Fonda était au sommet de sa carrière d’actrice, ayant remporté un Oscar pour sa performance dans Klute (1971), et avait acquis une certaine notoriété en tant qu’activiste de gauche contre la guerre. Le rôle principal masculin était tenu par le légendaire chanteur et acteur français Yves Montand, qui avait joué dans des films prestigieux de Georges Clouzot, Alain Résnais, Sacha Guitry, Vincente Minelli, George Cukor et Costa-Gavras.

Groupe Dziga Vertov

Le petit groupe de maoïstes que Godard avait réuni, et qui comprenait Gorin, adopta le nom de Groupe Dziga Vertov. Godard s’intéressait particulièrement à Dziga Vertov, cinéaste soviétique connu pour une série de documentaires radicaux intitulés « Kino Pravda » (littéralement, « vérité cinématographique ») et pour le long métrage de la fin de l’ère du muet, L’homme à la caméra (1929). Vertov était également un contemporain des théoriciens soviétiques du montage, notamment Sergei Eisenstein, et des artistes constructivistes et d’avant-garde russes tels qu’Alexander Rodchenko et Vladimir Tatlin. L’évolution politique de Godard après mai 1968 s’est en partie traduite par une participation proactive à la lutte des classes et il s’est inspiré de cinéastes associés à la révolution russe.

Vers la fin de cette période de sa vie, Godard commence à être déçu par ses idéaux maoïstes et est abandonné par sa femme de l’époque, Anne Wiazemsky. Dans ce contexte, selon le biographe Antoine de Baecque, Godard a tenté de se suicider à deux reprises.

Godard revient à une fiction plus traditionnelle avec Sauve qui peut (la vie) (1980), premier d’une série de films plus grand public marqués par des courants autobiographiques : Passion, Lettre à Freddy Buache (tous deux en 1982), Prénom Carmen (1983) et Grandeur et décadence d’un petit commerce de cinéma (1986). Une nouvelle polémique éclate cependant avec Je vous salue, Marie (1985), condamné par l’Église catholique romaine pour hérésie, ainsi qu’avec Le Roi Lear (1987), un film-essai sur William Shakespeare et la langue. En 1987, il a également réalisé une partie du film Aria, librement inspiré de l’intrigue d’Armide, qui se déroule dans un gymnase et utilise plusieurs airs de Jean-Baptiste Lully tirés de sa célèbre Armide.

Ses derniers films sont marqués par une grande beauté formelle et souvent par un sentiment de requiem : Nouvelle Vague (1990), le film autobiographique JLG

En 2001 est sorti Éloge de l’amour. Le film se distingue par son utilisation à la fois de la pellicule et de la vidéo – la première moitié a été filmée en 35 mm noir et blanc, la seconde moitié en couleur sur DV – puis transférée sur pellicule pour le montage. Le film contient également des thèmes tels que le vieillissement, l’amour, la séparation et la redécouverte. Il suit le jeune artiste Edgar dans sa contemplation d’une nouvelle œuvre sur les quatre étapes de l’amour. Dans Notre musique (2004), Godard s’intéresse à la guerre, en particulier à la guerre de Sarajevo, mais aussi à toutes les guerres, y compris la guerre civile américaine, la guerre entre les États-Unis et les Amérindiens, et le conflit israélo-palestinien. Le film est structuré en trois royaumes dantesques : L’Enfer, le Purgatoire et le Paradis. La fascination de Godard pour le paradoxe est constante dans le film. Il s’ouvre sur un long et pesant montage d’images de guerre qui verse parfois dans le comique ; le Paradis est montré comme une plage luxuriante et boisée patrouillée par des marines américains.

Le film Film Socialisme (2010) de Godard a été présenté en avant-première dans la section Un certain regard du Festival de Cannes 2010. Il est sorti en salles en France en mai 2010. Selon certaines rumeurs, Godard envisagerait de réaliser une adaptation cinématographique de l’ouvrage de Daniel Mendelsohn, The Lost : A Search for Six of Six Million de Daniel Mendelsohn, un livre primé sur l’Holocauste. En 2013, Godard sort le court métrage Les trois désastres dans le cadre du film omnibus 3X3D avec les cinéastes Peter Greenaway et Edgar Pera. 3X3D a été présenté en avant-première au Festival de Cannes 2013. Son film de 2014, Goodbye to Language, tourné en 3D, raconte l’histoire d’un couple qui ne parvient pas à communiquer entre eux jusqu’à ce que leur chien de compagnie leur serve d’interprète. Le film fait référence à un large éventail d’influences telles que les peintures de Nicolas de Staël et les écrits de William Faulkner, ainsi que les travaux du mathématicien Laurent Schwartz et du dramaturge Bertolt Brecht – l’une des influences les plus importantes de Godard. Le film a été sélectionné pour concourir pour la Palme d’or dans la section principale du Festival de Cannes 2014, où il a remporté le prix du jury. Le scénario non traditionnel de Godard pour le film a été décrit comme un collage de textes et d’images écrits à la main, et comme une « œuvre d’art » en soi.

En 2015, J. Hoberman a rapporté que Godard travaillait sur un nouveau film. Initialement intitulé Tentative de bleu, Vincent Maraval, co-chef de Wild Bunch, a déclaré en décembre 2016 que Godard tournait Le livre d’image depuis près de deux ans » dans divers pays arabes, dont la Tunisie » et qu’il s’agissait d’un examen du monde arabe moderne. Le livre d’image a été projeté pour la première fois en novembre 2018. Le 4 décembre 2019, une installation artistique créée par Godard a été inaugurée à la Fondazione Prada à Milan. Intitulée Le Studio d’Orphée, l’installation est un espace de travail recréé et comprend du matériel de montage, des meubles et d’autres matériaux utilisés par Godard en post-production.

En 2020, Godard a déclaré aux Inrockuptibles que son nouveau film porterait sur un manifestant gilet jaune, et a indiqué qu’en plus des images d’archives, « il y aura aussi un tournage. Je ne sais pas si je trouverai ce qu’on appelle des acteurs… Je voudrais filmer les gens que l’on voit sur les chaînes d’information mais en les plongeant dans une situation où le documentaire et la fiction se rejoignent. » En mars 2021, il a déclaré qu’il travaillait sur deux nouveaux films lors d’une interview virtuelle au Festival international du film de Kerala. Godard a déclaré : « Je termine ma vie de cinéaste – oui, ma vie de cinéaste – en faisant deux scénarios… Après, je dirai : ‘Au revoir, le cinéma’. »

En juillet 2021, Fabrice Aragno, directeur de la photographie et collaborateur de longue date, déclare que le travail sur les films avance lentement et que Godard se concentre davantage sur « les livres, les idées du film, et moins sur la réalisation ». Godard suggère de faire un film comme La Jetée de Chris Marker afin de « revenir à ses origines ». Une grande partie du film devait être tournée en 35 mm, 16 mm et 8 mm, mais le coût de la pellicule celluloïd et la pandémie de COVID-19 ont ralenti la production. Aragno prévoyait de tourner des séquences d’essai à l’automne. Il a ajouté que le deuxième film était destiné à la chaîne Arte en France.

Aragno a déclaré qu’il ne pensait pas que l’un ou l’autre de ces films serait le dernier de Godard, ajoutant : « Je dis souvent qu’Éloge de l’amour a été le début de son dernier geste. Ces cinq, six ou sept films sont liés les uns aux autres d’une certaine manière, ce ne sont pas de simples points d’arrêt. Ce n’est pas un seul tableau.

Godard est reconnu comme l’un des cinéastes les plus influents du XXe siècle et l’un des chefs de file de la Nouvelle Vague française.

En 1969, le critique de cinéma Roger Ebert a écrit sur l’importance de Godard dans le cinéma :

Godard est un réalisateur de tout premier plan ; aucun autre réalisateur des années 60 n’a eu autant d’influence sur le développement du long métrage. Comme Joyce dans la fiction ou Beckett au théâtre, il est un pionnier dont l’oeuvre actuelle n’est pas acceptable pour le public d’aujourd’hui. Mais son influence sur d’autres réalisateurs crée et éduque progressivement un public qui, peut-être dans la prochaine génération, pourra regarder ses films et voir que c’est là que leur cinéma a commencé.

Le cinéaste Quentin Tarantino a baptisé la société de production qu’il a fondée « A Band Apart », en référence au film de Godard de 1964.

Le réalisateur italien Bernardo Bertolucci a rendu hommage à Band of Outsiders dans son film The Dreamers.

Les œuvres et les innovations de Godard ont été saluées par des réalisateurs de renom tels que Michelangelo Antonioni et Orson Welles. Fritz Lang a accepté de participer au film de Godard, Le Mépris, en raison de son admiration pour le réalisateur. Akira Kurosawa a classé « À bout de souffle » parmi ses 100 films préférés. Le militant politique, critique et cinéaste Tariq Ali a classé le film de Godard Tout Va Bien parmi ses dix films préférés de tous les temps dans le sondage des critiques de Sight and Sound de 2012. Le critique de cinéma américain Armond White a classé le film Nouvelle Vague de Godard parmi ses dix films préférés dans le même sondage.

Les films de Godard ont influencé et inspiré de nombreux réalisateurs, dont Martin Scorsese, Quentin Tarantino, Francis Ford Coppola, David Cronenberg, Brian De Palma, William Friedkin, Andrei Tarkovsky, Alejandro Jodorowsky, Lars von Trier, D. A. Pennebaker, Robert Altman, Takeshi Kitano, Mamoru Oshii, Stan Brakhage, Kevin Macdonald, Luca Guadagnino, Paul Schrader, Wong Kar-wai, Hou Hsiao-hsien, Chantal Akerman, Theo Angelopoulos, Octavio Getino, Terrence Malick, Wes Anderson, Harmony Korine, Bernardo Bertolucci, Marco Bellocchio,

Quatre des films de Godard figurent sur la liste des 100 plus grands films du magazine Sight and Sound du British Film Institute (BFI) : À bout de souffle (13), Le Mépris (21), Pierrot le Fou (42) et Histoire(s) du cinéma (48).

Godard a été marié à deux de ses actrices principales : Anna Karina (1961-1965) À partir de 1970, il collabore personnellement et professionnellement avec Anne-Marie Miéville. Godard a vécu avec Miéville à Rolle, en Suisse, à partir de 1978, et a été décrit par son ancienne femme Karina comme un « reclus ». Godard a épousé Miéville dans les années 2010, selon Patrick Jeanneret, conseiller de Godard.

Sa relation avec Karina, en particulier, a produit certains de ses films les plus acclamés par la critique, et leur relation a été largement médiatisée : The Independent les a décrits comme « l’un des couples les plus célèbres des années 1960 ». Le magazine Filmmaker a qualifié leur collaboration de « corpus d’œuvres sans doute le plus influent de l’histoire du cinéma ». Cependant, à la fin de sa vie, Karina a déclaré qu’ils ne se parlaient plus.

Par son père, il est le cousin de Pedro Pablo Kuczynski, ancien président du Pérou.

En 2017, Michel Hazanavicius a réalisé un film sur Godard, Redoutable, basé sur les mémoires Un an après (2015) de Wiazemsky. Il est centré sur sa vie à la fin des années 1960, lorsque Wiazemsky et lui réalisaient des films ensemble. Le film a été présenté en avant-première au Festival de Cannes en 2017. Godard a déclaré que le film était une « idée stupide, stupide ».

Le documentaire Faces Places (2017) d’Agnès Varda culmine lorsque Varda et son coréalisateur JR frappent à la porte d’entrée de Godard à Rolle pour une interview. Godard accepte la rencontre, mais il leur « pose un lapin ». Il participe au documentaire de 2022 See You Friday, Robinson. La réalisatrice Mitra Farahani est à l’origine d’un échange de courriels entre Godard et le cinéaste iranien Ebrahim Golestan, avec des lettres de texte envoyées par courriel par Golestan et des réponses de Godard sous forme de « vidéos, d’images et d’aphorismes ».

À l’âge de 91 ans, Godard est décédé le 13 septembre 2022, à son domicile de Rolle. Sa mort a été rapportée comme une procédure de suicide assisté, ce qui est légal en Suisse. Le conseiller juridique de Godard a déclaré qu’il souffrait de « multiples pathologies invalidantes », mais un membre de la famille a déclaré qu' »il n’était pas malade, il était simplement épuisé ». Son corps a été incinéré et il n’y a pas eu de cérémonie funéraire.

Longs métrages

Godard a entretenu une amitié durable avec Manfred Eicher, fondateur et directeur du label musical allemand ECM Records. Le label a publié les bandes originales de Nouvelle Vague (ECM NewSeries 1600-01) et d’Histoire(s) du cinéma (ECM NewSeries 1706) de Godard. Cette collaboration s’est développée au fil des ans, Godard autorisant ECM à utiliser des photos de ses films pour les pochettes d’albums, tandis qu’Eicher prenait en charge la direction musicale de films de Godard tels que Allemagne 90 neuf zéro, Hélas Pour Moi, JLG et For Ever Mozart. Des morceaux de disques ECM ont été utilisés dans ses films ; par exemple, la bande originale de In Praise of Love utilise largement l’album Epigraphs de Ketil Bjørnstad et David Darling. Godard a également publié sur le label une collection de courts métrages qu’il a réalisés avec Anne-Marie Miéville, intitulée Four Short Films (ECM 5001).

Parmi les pochettes d’albums de l’ECM comportant des photos de films de Godard, on peut citer celles-ci :

Sources

Jean-Luc Godard

Résumé

Critique cinématographique

Réalisation de films

Films

Politique

Bertolt Brecht

Marxisme

Films

Jean-Pierre Gorin

Groupe Dziga Vertov

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