Joan Miró

gigatos | février 5, 2022

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Résumé

Joan Miró i Ferrà († 25 décembre 1983 à Palma) est un peintre, graphiste, sculpteur et céramiste espagnol catalan.

Ses premières œuvres, basées sur l »art populaire catalan, présentent des influences du cubisme et du fauvisme. Du début au milieu des années 1920, l »artiste a effectué à Paris, sous l »influence des courants artistiques du dadaïsme et du surréalisme, le changement de style fondamental qui l »a éloigné de la figuration. Représentant du modernisme classique, Miró fait partie des artistes les plus populaires du 20e siècle avec ses motifs picturaux fantaisistes. Ses symboles magiques de la lune, des étoiles, de l »oiseau, de l »œil et de la femme comptent parmi les éléments les plus connus de son art. Son œuvre tardive dérangeante, comme la série des Toiles brûlées, était une mise en scène de la destruction, une protestation contre la commercialisation de l »art et une expression de sa revendication d » »assassiner la peinture ». Dans l »espace public, ses murs en céramique décorent par exemple le bâtiment de l »UNESCO à Paris et le musée Wilhelm-Hack à Ludwigshafen am Rhein ; des sculptures monumentales sont installées entre autres sur des places de Barcelone et de Chicago.

Enfance et formation

Joan Miró est né à Barcelone en 1893, fils de l »orfèvre et horloger Miquel Miró i Adzerias de Cornudella de Montsant et de sa femme Dolors Ferrà di Oromí, fille d »un ébéniste de Palma. Sa maison natale se trouvait au 4 Passatge del Credit, dans la vieille ville de Barcelone, où son père tenait un magasin d »orfèvrerie et d »horlogerie.

Enfant, il commença à dessiner – les premiers dessins conservés datent de 1901 – et se heurta au refus de son père, de sensibilité petite-bourgeoise, qui n »avait aucune compréhension pour cette activité. Après avoir dû quitter le lycée en 1907 à cause de mauvaises notes, Miró commença, à la demande de son père, une formation commerciale, tout en suivant jusqu »en 1910 des cours d »art à l »académie d »art « La Llotja » de Barcelone, où le père de Pablo Picasso, José Ruiz Blasco Picasso, avait enseigné et où Pablo Picasso lui-même avait été élève neuf ans auparavant. Ses professeurs y étaient Modest Urgell et Josep Pascó.

De 1910 à 1911, Miró travaille d »abord comme comptable dans la droguerie Dalmau Oliveras S.A. Après une dépression nerveuse et une fièvre typhoïde, il abandonne le métier de commercial et s »installe pour se rétablir dans la ferme familiale qu »il vient d »acquérir à Mont-roig del Camp, près de Tarragone. L »opposition à une formation artistique s »estompa et Miro fut autorisé à s »inscrire à l »école d »art privée « Escola d »Art » de Francesc Galí, qu »il fréquenta de 1912 à 1915. Galí considérait son élève comme très doué, comme il l »expliquait à son père lors de l »une de ses visites hebdomadaires. Galí initia ses élèves à l »art moderne français et à l »architecture d »Antoni Gaudí, le célèbre artiste moderniste de Barcelone.

En 1912, il visita une exposition de peinture cubiste à la galerie Dalmau de sa ville natale, où il découvrit les œuvres de Marcel Duchamp, Albert Gleizes, Juan Gris, Marie Laurencin, Fernand Léger et Jean Metzinger. De 1913 à 1918, Miró fréquenta l »académie libre de dessin du « Cercle Artístic de Sant Lluc ». Celle-ci exigeait l »abandon du modernisme et le retour au classicisme en tenant compte de l »héritage méditerranéen ; les artistes d »avant-garde n »étaient acceptés que sous certaines conditions.

Première guerre mondiale – première exposition personnelle de Miró en 1918

Après le début de la Première Guerre mondiale, Miró a dû effectuer son service militaire à partir de 1915. A l »époque, ceux qui en avaient les moyens avaient l »habitude de racheter leur service militaire ; le père ne payait cependant qu »une somme relativement faible, qui suffisait tout de même à réduire le service militaire du fils à dix mois au total, répartis sur plusieurs années. Miró désespérait parfois de son travail : « Je ne disposais pas des moyens picturaux pour m »exprimer et je me sentais donc misérable. Parfois, désespéré comme je l »étais, je me frappais la tête contre le mur », le citera plus tard Michel Leiris. La même année, Miró installe son premier atelier avec E. C. Ricart au 51 de la rue Baja de San Pedro à Barcelone. En 1916, il fait la connaissance du marchand d »art Josep Dalmau, qui devient alors son mécène, et, un an plus tard, de Maurice Raynal et de Francis Picabia, dont la revue 391, fondée en 1917, familiarise Miró avec le dadaïsme. La même année, il commence à s »intéresser à la poésie moderne. C »est dans la revue littéraire Nord-Sud, éditée par Pierre Reverdy, qu »il vit pour la première fois les poèmes illustrés de Guillaume Apollinaire, qui forgea pour la première fois le terme de surréalisme en 1917. Dans les années qui suivirent, l »œuvre de Miró fut en outre fortement influencée par les Fauves et les cubistes français. En février 1918, les Galerías Dalmau de Barcelone ont accueilli la première exposition individuelle de Miró, qui comprenait 60 paysages et natures mortes. La même année, il fonda avec Ricart, J. F. Ràfols, Francesc Domingo, Rafael Sala – rejoints plus tard par Josep Llorens i Artigas – le groupe Courbet (Agrupació Courbet), du nom de Gustave Courbet, dont ils admiraient le radicalisme. Ce nom représentait leur désir d »être considérés comme des artistes progressistes au sein de Barcelone et de dépasser le courant artistique catalan néoclassique du Noucentisme. Leurs expositions communes d »œuvres vivantes et colorées n »ont cependant pas eu beaucoup de succès.

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Séjours à Paris et Mont-roig del Camp

En mars 1919, Miró se rendit pour la première fois à Paris pour quelques mois, où il rendit visite à Pablo Picasso dans son atelier. Ce dernier acheta à son jeune compatriote un autoportrait peint cette année-là. Il réalise sa première affiche pour la revue L »Instant, suivie de nombreuses autres. Fin 1920, il s »installe dans un atelier au 45 rue Blomet à Paris ; il se lie rapidement d »amitié avec son voisin, André Masson. Ils vivaient chichement, mais contrairement à Masson, Miró s »habillait de manière bourgeoise, choisissait des guêtres blanches pour sortir et portait un monocle, comme s »il avait repris l »entreprise de son père. La métropole artistique l »attirait, mais il restait toujours attaché à sa Catalogne natale. C »est pourquoi Miró vivait alternativement l »été à Mont-roig del Camp, en Espagne, et l »hiver à Paris, où il côtoyait les poètes Max Jacob, Pierre Reverdy et Tristan Tzara et participait à des activités dada.

En 1921, Josep Dalmau organisa la première exposition individuelle de Miró à Paris, qui fut présentée à la « Galerie la Licorne ». Comme elle n »eut aucun succès, ses difficultés matérielles ne purent être évitées. Deux ans plus tard, il fait la connaissance d »Henry Miller, dont il illustrera plus tard le livre The Smile at the Foot of the Ladder, et d »Ernest Hemingway, qui se trouve à Paris à cette époque, tout comme Miller ; Hemingway emprunte de l »argent pour acheter en 1925 le tableau de Miró La ferme (1921).

En 1927, Miró s »installe dans un atelier aux Fusains, au 22 rue Tourlaque à Montmartre, et a pour voisins, entre autres, Hans Arp, Paul Éluard, Max Ernst et René Magritte. En 1928, il fit la connaissance des sculpteurs Constantin Brâncuși, Alberto Giacometti et Alexander Calder ; une amitié à vie le lia à ces deux derniers, qui se reflète dans les œuvres de Miró et de Calder – les deux artistes créèrent ainsi dans les années 1940 des séries intitulées Constellations, Calder utilisant le bois et le métal et Miró la gouache. Miró visita les Pays-Bas cette année-là et, inspiré par les maîtres néerlandais, commença une série de tableaux, les Intérieurs hollandais. En 1929, à l »instigation de Joan Miró, Salvador Dalí rejoint le groupe des surréalistes à Paris. En octobre 1929, Miró se maria à Palma avec Pilar Juncosa Iglesias (1904-1995), originaire de Palma de Majorque. Le couple prit un appartement rue François Mouton à Paris. En 1930, sa fille Maria Dolors naquit à Barcelone. En raison de la crise économique mondiale, le marchand d »art Pierre Loeb ne pouvait plus acheter les tableaux de Miró, si bien qu »à partir de 1932, le marchand d »art Pierre Matisse à New York le prit sous contrat.

Guerre civile espagnole – Seconde Guerre mondiale

Lorsque la guerre civile espagnole éclata en 1936, Miró quitta Mont-roig jusqu »en 1940 et vécut exclusivement à Paris. En mai 1936, Miró était représenté, aux côtés de Pablo Picasso, Alberto Giacometti, Salvador Dalí, Meret Oppenheim, Yves Tanguy, Hans Arp et Max Ernst, à l » »Exposition surréaliste d »objets », conçue par André Breton et mise en place par le marchand d »art parisien Charles Ratton. Des objets surréalistes réalisés spécialement pour cette exposition étaient présentés, intégrés par Ratton « à l »intérieur de ses vitrines, conformément à l »idée surréaliste d »une créativité collective et inconsciente, en même temps que du matériel ethnographique, des travaux de malades mentaux, des minéraux bizarres, des trouvailles curieuses et des choses similaires ». Un mois plus tard, Miró participa avec 15 œuvres à l »exposition « Fantastic Art, Dada, Surrealism » au Museum of Modern Art, New York, ainsi qu »à l » »International Surrealist Exhibition » organisée par Roland Penrose du 11 juin au 4 juillet 1936 aux New Burlington Galleries à Londres.

Pour le pavillon espagnol de l »exposition universelle de 1937 à Paris, Miró exposa, aux côtés du Guernica de Picasso et de la fontaine de mercure de Calder, son tableau monumental Le faucheur (Le Faucheur ou Paysan catalan), aujourd »hui considéré comme perdu, et conçut pour l »exposition une affiche intitulée Aidez l »Espagne. En 1938, il participa à l »Exposition internationale du surréalisme à la Galerie des Beaux-Arts de Paris.

Après l »occupation de la France par les troupes allemandes pendant la Seconde Guerre mondiale en 1940, Joan Miró est retourné dans son pays natal, l »Espagne, depuis son refuge de Varengeville-sur-Mer, où il avait passé les mois d »été depuis 1938. Il a d »abord vécu à Palma de Majorque, puis à Barcelone dans sa maison natale à partir de 1942. L »année du décès de sa mère, en 1944, il commença à travailler la céramique avec son ami, le céramiste catalan Josep Llorens i Artigas, qu »il connaissait de Barcelone. Artigas, qui travaillait également avec Raoul Dufy et Albert Marquet, avait guidé Miró vers la céramique. Il créa en outre les premières figures modelées de petit format, qui furent coulées en bronze en 1950.

En 1947, Miró se rendit pour la première fois aux États-Unis afin de concevoir une peinture murale pour le Terrace Plaza Hotel (devenu le Terrace Hilton Hotel en 1965) à Cincinnati. Il y travaille pendant neuf mois dans un studio de New York et fait la connaissance de Clement Greenberg et Jackson Pollock. La même année, il participe à l »exposition « Le Surréalisme en 1947 : Exposition internationale du surréalisme » à la galerie Maeght, Paris, organisée par André Breton et Marcel Duchamp. En 1948, Miró retourna à Paris où une exposition de ses sculptures en céramique fut inaugurée à la galerie Maeght. Le catalogue de l »exposition contenait entre autres des textes de Tristan Tzara, de son ami le chapelier et mécène Joan Prats i Vallès, ainsi que de Paul Éluard. En 1950, il a gravé ses premières xylographies à Barcelone.

Résidence à Majorque à partir de 1956

En 1956, Miró a transféré son domicile fixe à Cala Major, un quartier administratif de Palma. La maison Son Abrines a été conçue et construite par le beau-frère de Miró, l »architecte Enrique Juncosa Iglesias (1902-1975). Avec Artigas, il avait auparavant réalisé deux grands reliefs muraux (le mur de la lune et le mur du soleil) pour le bâtiment de l »UNESCO à Paris, pour lesquels les deux artistes ont reçu le prix international Guggenheim de l »année 1958. Avec la dotation de 10.000 dollars américains, Miró a acheté la maison de campagne attenante, Son Boter, qui était initialement prévue comme atelier de sculpture, mais qui est devenue au fil du temps sa deuxième maison-atelier.

En 1956, Miró fit construire un nouvel atelier sur le site par l »architecte Josep Lluís Sert, un ami de l »artiste. Le directeur de la Harvard University Graduate School of Design était considéré comme le porte-parole de l »avant-garde européenne en matière d »architecture. Sert a créé un espace poétique et fonctionnel dans lequel Miró a pu porter son processus artistique à son apogée. Miró avait déjà exprimé l »idée d »un grand atelier en 1938 dans le texte autobiographique « Je rêve d »un grand atelier » publié dans la revue Le XXe Siècle :

Au cours des années suivantes, il travaille principalement sur des sculptures. En 1959, il se rendit pour la deuxième fois aux États-Unis à l »occasion d »une grande rétrospective Miró au Museum of Modern Art de New York. En 1960, il collabora avec Artigas à une peinture murale pour l »université de Harvard et se rendit une troisième fois aux États-Unis en 1961. Il y a participé aux expositions Alexander Calder – Miró et The Art of Assemblage, toutes deux à New York. La même année, une vaste biographie de Jacques Dupin fut publiée à Paris, biographie à laquelle Dupin et Miró avaient travaillé depuis 1957.

En 1964, la Fondation Maeght a été inaugurée à Saint-Paul-de-Vence. Le bâtiment était à nouveau un projet de Sert ; de nombreuses sculptures en céramique, réalisées dans le cadre d »une collaboration avec Artigas et son fils Joan Gardy Artigas, ainsi qu »un labyrinthe de Miró, achevé en 1968, font partie de l »exposition. En 1968, son 75e anniversaire a été célébré par toute une série d »hommages, notamment par une exposition de la Fondation Maeght.

Miró otro

En 1969, un groupe de jeunes architectes espagnols a organisé une exposition intitulée Miró otro dans la maison de leur association à Barcelone. Ils protestaient ainsi contre les autorités franquistes qui voulaient se servir du peintre, mais aussi contre les designers et les affichistes qui commençaient à piller et à vulgariser le répertoire de Miró. La nuit précédant l »ouverture, Miró a peint des images agressives sur les vitres pour faire comprendre qu »il n »était pas à vendre, avant de les effacer trois jours plus tard. Louis Aragon a consacré un numéro de la revue littéraire Les Lettres françaises à l »exposition de « l »autre Miró ».

En 1970, il réalise deux peintures murales pour l »espace public, la première pour l »exposition universelle d »Osaka et la seconde, en céramique, pour l »aéroport de Barcelone. Un an plus tard, Miró a lancé la création d »une fondation dont les bâtiments à Barcelone ont également été conçus par Sert. Elle a été inaugurée en 1975 sous le nom de Fundació Joan Miró.

Dernières années

Craignant que son environnement créatif ne tombe dans l »oubli ou ne disparaisse complètement en raison de l »intense activité de construction entamée en 1956 dans le sillage du début de l »afflux de touristes à Majorque, Miró a fait don d »une partie de ses biens à la municipalité de Palma. Suite à cette donation, une deuxième fondation, la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca, a été créée en 1981. Son siège se trouve à Cala Major, où Miró a vécu et travaillé. Les raisons qui ont poussé Miró à créer cette deuxième fondation ressortent de la citation suivante :

Le 90e anniversaire de l »artiste, le 20 avril 1983, a été célébré dans le monde entier par une série d »expositions, de publications et d »hommages. La municipalité de Barcelone a ainsi consacré une semaine à Miró, la Semana de homenaje à Joan Miró, au cours de laquelle la sculpture monumentale Femme et oiseau a été officiellement inaugurée sur la Plaça de l »Escorxador. L »œuvre a été commandée par la municipalité en 1981.

Le 25 décembre de la même année, Joan Miró est mort à Palma de Majorque et a été enterré le 29 décembre dans le caveau familial du cimetière de Montjuïc à Barcelone. Sa fille unique, Maria Dolors Miró Juncosa, présidente d »honneur des fondations Miró de Barcelone et de Palma, est décédée fin décembre 2004 à l »âge de 74 ans.

Miró a créé un grand nombre d »œuvres. Au cours de sa longue vie d »artiste, il a réalisé environ 2000 peintures à l »huile, 500 sculptures, 400 céramiques ainsi que 5000 collages et dessins. L »œuvre graphique comprend environ 3500 travaux, dont des lithographies et des gravures, imprimées pour la plupart en petits tirages.

Peintures, graphiques, collages

Entre 1912 et 1915, alors que Miró est inscrit à l »école d »art privée « Escola d »Art » de Francesc Galí, il peint la plupart du temps à Mont-roig del Camp. Il réalisa des paysages dans le style du fauvisme, mais « dans des couleurs tout à fait sombres et terreuses, qu »il dépouilla de la lourdeur de la matière et rafraîchit dans le sens d »un réalisme poétique ». Il utilisait l »art populaire et catalan comme sources pour sa peinture, et se confrontait en outre à l »art contemporain. Par exemple, sa nature morte Horloge murale et lanterne montre l »influence de Paul Cézanne, Vincent van Gogh et Henri Matisse. La nature morte de 1917, Nord-Sud, renvoie par son contenu à l »art populaire, à la littérature et à l »avant-garde française, puisqu »elle montre, outre une céramique, une cage à oiseaux et une fleur, un volume de Goethe ainsi qu »un numéro plié de Nord-Sud, une revue dada et surréaliste. Le tableau de 1920, La table (nature morte avec lapin), montre sur une table peinte de manière cubiste, par contraste, des animaux exécutés de manière naturaliste, comme le lapin, un coq et un poisson, ainsi que des poivrons, des oignons et des feuilles de vigne. Le tableau La Masía (1921) est une œuvre d »art de la famille de l »artiste.

Le passage au surréalisme se fait de manière relativement abrupte vers 1924, mais Miró développe son propre langage pictural, unique en son genre. Tout comme il considérait le cubisme comme une étape d »apprentissage, il ressentait la même chose avec le surréalisme, d »autant plus qu »il rejetait catégoriquement les deux courants artistiques comme trop idéologiques et « les deux dogmes comme trop contraignants sur le plan artistique ». Dans le tableau Terre labourée (1923

En 1924 et 1925, Miró a composé une série de « poèmes-images », comme il les appelait, dont Sterne im Geschlecht von Schnecken de 1925. Durant la même période, suite à l »influence surréaliste sur l »inconscient, il réalise son tableau Le Carnaval d »Arlequin (1924

Tout comme Paul Klee, Joan Miró était fasciné par le chiffre en tant que langage formel et symbole. Dès le milieu des années 1920, le chiffre apparaît dans ses œuvres, notamment dans le tableau 48 de 1927. Miró était obsédé par ce chiffre ; en effet, chaque fois qu »il sortait de son appartement parisien au 45 rue Blomet, il le voyait comme un numéro de maison sur un immeuble situé de l »autre côté de la rue. Dans le tableau L »Addition de 1925, les chiffres représentent, selon Hubertus Gaßner, « le chiffrage systématique d »une source littéraire ». La suite de chiffres qui apparaît en haut à droite devant l »espace chromatique flou fait référence au roman Le Surmâle d »Alfred Jarry, paru en 1902. Le calcul de Miró se réfère au « décompte des actes d »amour du »Surmâle », qui s »est présenté pour battre, dans le cadre d »une expérience, le record du coït permanent de plus de soixante-dix orgasmes ». Klee et Miró ne se sont jamais rencontrés personnellement, mais Miró avait vu et apprécié ses peintures lors d »une exposition à la galerie Pierre à Paris en 1925. Tant Klee que Miró ont souvent été critiqués pour leur caractère « infantile ». À partir de 1927, un de ses voisins était Hans Arp, dont l »œuvre aux formes organiques sinueuses a également influencé Miró. Un exemple est Landschaft (Le lièvre) de la même année. Ces formes, sous forme de contours ou de champs de couleurs pleins, ont accompagné Miró durant le reste de sa carrière artistique.

En 1924 et de 1928 à 1929, pendant une courte période où Miró voulait abandonner complètement la peinture, l »artiste a réalisé un certain nombre de collages, dont l »un est le Papier collé de 1929. De ce collage, créé à partir de carton goudronné, de papier huilé et de restes de papier peint, il n »existe dans l »ensemble de l »œuvre de Miró que deux autres œuvres similaires, créées avec les mêmes matériaux et ayant à peu près le même format : un portrait de Georges Auric, aujourd »hui exposé au Kunsthaus de Zurich, et une œuvre qui a longtemps appartenu au poète surréaliste Georges Hugnet (1906-1974). À partir de 1931, Miró a continué à transformer les collages et a fondé, aux côtés de Willi Baumeister, ce que l »on appelle l »image matérielle, « en donnant à ses peintures un effet plastique rugueux en relief à l »aide de sable, de plâtre et de mortier ».

C »est sous cette appellation que Miró a regroupé ce qu »il appelait lui-même ses tableaux à partir de 1934. Les conditions politiques incertaines en Espagne et la montée du fascisme en étaient la cause. Dans une série de 15 pastels sur papier velours, il montre des individus déformés par la douleur, ahuris et bestiaux, principalement des femmes. En 1935, il réalise le tableau-matériau Tricot et personnes I, qui prolonge à la fois les collages et les tableaux sauvages. La véritable corde enroulée appliquée sur le tableau est un symbole de violence. Man Ray a écrit dans son autobiographie que l »utilisation de la corde était liée à une menace de pendaison de Miró dans l »atelier de Max Ernst, lorsque Miró s »était obstinément tu malgré une invitation à participer à une discussion. Le tableau Hirondelle, achevé début 1934

Juste avant et au début de la guerre civile espagnole (1936-39), qui continua d »influencer l »artiste dans son œuvre, Joan Miró réalisa entre juillet et octobre 1936 la série de 27 tableaux Pintures damunt masonita (des motifs quotidiens tels que la chaussure, le pain, une pomme transpercée par une fourchette ressemblant à une arme, font l »effet d »une vision apocalyptique), qui appartient encore à la « phase sauvage ». Pour l »exposition universelle de Paris en 1937, il a réalisé la peinture monumentale Le faucheur, aujourd »hui disparue, ainsi que l »affiche Aidez l »Espagne, toutes deux avec des motifs révolutionnaires contre les putschistes fascistes du général Francisco Franco. La sérigraphie a été vendue pour un franc et les recettes ont été reversées au gouvernement républicain de Madrid. Ensuite, il a travaillé sur la série Barcelone, 50 lithographies en noir, créées de manière agressive dans les années 1939-1945, elles ont été éditées par Joan Prats, un ami de longue date de Miró et mécène d »art dans la région de Barcelone.

Entre 1940 et 1942, Joan Miró a créé la série de 23 feuilles Constellations, des gouaches dans lesquelles des figures plus grandes, représentant souvent des femmes et des oiseaux, sont intégrées au milieu d »un tissu dense de disques circulaires et de signes linéaires. La série a eu une grande influence sur le développement artistique américain de l »École de New York grâce à sa structure all-over inédite avec des éléments répétitifs et l »utilisation du dessin automatique. Plus tard, les résultats ont à leur tour servi de source d »inspiration à Miró. En ce qui concerne les constellations, il y eut cependant aussi des reproches selon lesquels Miró aurait créé avec cette série une « inoffensivité » et un « stéréotype de l »innocence » à une époque difficile. Henri Matisse – les peintres se connaissaient et s »estimaient – a également dû supporter des reproches similaires à ceux de « décorateur » et « d »organisateur de surfaces colorées ». Comme Matisse, Miró libérait la couleur sur la surface dans les constellations et utilisait le noir comme couleur, mais contrairement à Matisse, il voulait mettre la surface en mouvement avec le grouillement de figures et de signes. Les œuvres de Matisse étaient plus faciles à identifier.

De 1955 à 1959, Miró se consacre entièrement à la céramique, et ce n »est qu »en 1960 qu »il reprend la peinture. Il réalise des séries sur fond blanc ainsi que le triptyque Bleu I, II, III de 1961, presque entièrement monochrome bleu, qui rappelle un peu les tableaux d »Yves Klein. Après avoir appliqué la couleur bleue, il interrompt de manière contrôlée l »espace chromatique avec des signes, des lignes, des points et des coups de pinceau minimalistes, en appliquant les couleurs avec la « pondération du geste d »un archer japonais » (Miró). Ces peintures rappellent les œuvres de Miró des années 1925, lorsqu »il réalisait des peintures monochromes, comme la Danseuse II, avec peu d »accents empathiques. « Pour moi, il est important d »atteindre un maximum d »intensité avec un minimum d »effort. C »est pourquoi le vide devient de plus en plus important dans mes tableaux », disait-il à propos de ces œuvres.

À la fin des années 1960, Miró a peint toute une série de panneaux de grand format sous le titre Lettres et Chiffres attirés par une étincelle. Sur un espace de couleur marbré comme une peinture, il a placé, comme dans L »Addition, des signes lettristes et numériques isolés, minimalistes et répétitifs – qui témoignent de l »intérêt de Miró pour la poésie concrète et la musique sérielle -, contrairement à ce qui se passait auparavant, très peu de chiffres, comme le T ou le 9 qui « gravent comme dans le cosmos autour de la tache de couleur différente, l »étincelle du titre ».

Une série en cinq parties, les Toiles brûlées, datant de 1973, exprimait la colère de Miró contre la commercialisation de l »art. Il détruisait en partie la toile recouverte de poudre de peinture en la travaillant avec un brûleur à gaz et, pendant l »incendie, il tournait la toile à droite et à gauche avant de l »éteindre. La même année, Miró réalisa Mai 1968, qui, avec les traces de sacs de peinture éclatés, les empreintes des mains de Miró et les couleurs intenses, ressemble à une épitaphe des émeutes étudiantes parisiennes de 1968. Par ailleurs, Miró réalisa le tableau Femme aux trois cheveux et aux oiseaux, qui reprenait sa manière de peindre des années 1925 à 1930. L »œuvre tardive se caractérise par un chromatisme composé de quelques couleurs pures et d »une utilisation importante de la couleur noire. En 1979, une série de 18 lithographies en couleur a été imprimée sous le titre Hommage à Gaudí. Dans les dernières années de sa vie, il s »est en outre consacré à l »ancien art catalan du traitement artistique des tapisseries et a conçu des décors de théâtre.

Parmi les nombreux livres d »artiste que Miró a créés depuis les années 1930, citons par exemple le poème illustré de Paul Éluard, publié en 1958. Intitulé A toute épreuve, il a été publié par Gérald Cramer, Genève, et contient 80 gravures sur bois, pour la plupart en couleur, de Miró. Il est considéré comme son plus beau livre illustré. Le tirage de vente était de 80 exemplaires. Le poème de Paul Éluard a été reproduit pour la première fois en 1930 dans l »Édition Surréalistes à Paris.

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Objets trouvés, sculptures, céramiques, tapisseries

À partir de 1928, les premières sculptures et objets surréalistes de plus ou moins grande taille, appelés « Peinture-objets », ainsi que la « Sculpture-objet » de 1931, composée d »un bloc de bois auquel sont fixés des objets trouvés, en partie peints, tels qu »un morceau de liège, une coquille Saint-Jacques et un anneau de fer. Depuis 1931, Miró, tout comme les artistes surréalistes Max Ernst, Salvador Dalí, René Magritte et Yves Tanguy, s »est concentré sur l »objet trouvé. L »assemblage en forme d »objet de 180 cm de haut intitulé Personnage de 1931 (détruit), un grand parapluie noir qui couronnait un élément de meuble avec un grand pénis en forme de tige, a reçu une attention considérable lors de son exposition au Salon des Indépendants, le public de l »époque louant, comme pour les œuvres tridimensionnelles ultérieures de l »artiste, « l »allusion érotique non dissimulée ».

Depuis 1966, Miró a créé des sculptures en bronze de plus grande taille, en s »inspirant des formes inventées 20 ans plus tôt. La première sculpture de l »artiste est Oiseau solaire et date de cette année-là. Un an plus tard, il réalise des sculptures coulées en bronze et peintes à partir d »objets trouvés. Certaines œuvres, comme Femme insecte (1969), rappellent les sculptures d »Alberto Giacometti par leur surface rugueuse. Pour l »Esplanade de la Défense à Paris, Miró a créé des sculptures en béton en 1978 et, de 1979 à 1980, il a travaillé sur un modèle figuratif pour une sculpture colorée de quinze mètres de haut dans Central Park à New York. D »autres sculptures dans l »espace public ont suivi. La sculpture monumentale Miró »s Chicago, initialement appelée Le soleil, la lune et une étoile, mesure environ douze mètres de haut et se compose de matériaux tels que l »acier, le fil de fer, le bronze, le béton et les carreaux de céramique. L »œuvre, située non loin de la sculpture Chicago Picasso in Chicago, créée en 1967, a été dévoilée le 21 avril 1981. En 1982, d »autres sculptures monumentales ont suivi, Dona i Ocell (Femme et oiseau) à Barcelone et Personnage et oiseaux à Boston.

En collaboration avec Josep Llorens i Artigas, Miró a travaillé à partir de 1944 sur des céramiques et des vases en céramique, Artigas choisissant l »argile et produisant les couleurs que Miró appliquait sur l »émail. Dix vases furent exécutés, dont cinq furent exposés en 1947 à la galerie Pierre Matisse à New York. En outre, il commença à se spécialiser dans la production de gravures. De 1954 à 1958, le travail avec ces supports fut son principal domaine d »activité. Avec Artigas et son fils Joan Gardy-Artigas, Miró a réalisé un mur monumental en céramique pour le bâtiment de l »UNESCO à Paris. Il leur a fallu trois ans après la commande passée en 1955 pour achever l »œuvre. Elle se compose de deux parties : Le mur du Soleil mesure 3 mètres de haut et 15 mètres de long, tandis que le mur de la Lune, plus petit et de même hauteur, est deux fois moins long (7,5 mètres). Miró a écrit sur son projet, inspiré par les peintures rupestres d »Altamira, qu »il avait visitées en 1957, et par le parc Güell de Gaudí :

Le mur en céramique de l »UNESCO, qui a reçu le Guggenheim Award, ne se trouve plus à l »heure actuelle à l »extérieur, mais est entouré d »une enveloppe de bâtiment pour le protéger des dommages causés par les intempéries. D »autres murs en céramique de grand format se trouvent par exemple à la Fondation Maeght (un autre mur Miró orne le Wilhelm-Hack-Museum de Ludwigshafen, achevé en 1979, suivi en 1980 d »un mur pour le centre de congrès de Madrid. L »année de sa mort, en 1983, un mur en céramique a été réalisé dans sa ville de Palma, dans le « Parc de la Mar », devant la cathédrale de la Seu.

En 1974, Miró a créé une tapisserie pour le World Trade Center à New York. Il avait initialement refusé la commande, mais s »est ensuite intéressé à la technique de tissage et a réalisé d »autres œuvres de ce type. La tapisserie a été victime de l »attentat terroriste du 11 septembre 2001 et a été l »un des objets d »art les plus chers détruits par l »attaque des tours jumelles. Pour l »achèvement et l »ouverture de la Fundació Joan Miró en 1975, l »artiste a fait don de plusieurs de ses dessins, tableaux, céramiques et gravures et « a créé spécialement pour la Fundació une grande tapisserie élaborée. Les Sobreteixims, œuvres picturales textiles dans lesquelles sont incorporés des peintures et des objets, ont été créés de manière expérimentale. Elles s »apparentent donc davantage à des collages ou à des sculptures. En 1977, une grande tapisserie pour la National Gallery of Art de Washington a suivi, en collaboration avec Josep Royo.

décors et costumes de scène, vitraux

Dès 1926, Miró réalise avec Max Ernst les décors du ballet Roméo et Juliette des Ballets russes, et en 1932, il crée les décors et les costumes de Jeux d »enfants, sur la musique de Georges Bizet et la chorégraphie de Léonide Massine. En 1978, Miro est revenu au travail théâtral en réalisant des marionnettes et des masques de Mori el Merma pour le Claca Teatre, d »après Ubu Roi d »Alfred Jarry. La première représentation a eu lieu au Gran Teatre del Liceu de Barcelone. En 1981, il réalise des décors et des costumes pour le ballet de pantomime Miro, l »uccello luce, sur un texte de Jacques Dupin.

Au milieu des années 1970, Miró se consacre à un nouveau médium. En collaboration avec l »artiste verrier Charles Marcq, il réalise en 1976 trois vitraux pour la chapelle Saint Frambourg à Senlis, qui date du 12e siècle. Six autres vitraux suivirent pour la Fondation Maeght à Saint-Paul de Vence en 1979.

Les symboles picturaux de Miró

Dans l »œuvre de Miró, des symboles comme l »escargot, la femme, la fleur et l »étoile décrivent les domaines essentiels de la faune, de l »homme, de la flore et du cosmos, auxquels Joan Miró s »est intéressé toute sa vie.

En 1925, il réalise le tableau Étoiles en des sexes d »escargot, qui fait partie des poèmes-images. Le fond ocre de l »image, qui semble flou, « donne l »impression d »une spatialité onirique et indéterminée ». Une étoile noire flottant dans le coin supérieur droit du tableau et dont la queue est dirigée vers le bas est entourée d »une ligne circulaire rouge dans laquelle pénètre par le bas une forme trapézoïdale noire. Le côté supérieur gauche du tableau présente en bleu, dans un « mouvement d »écriture circulaire », une « suggestion de légers nuages » et l »inscription Étoiles en des sexes d »escargot. Le fond ocre du tableau est traversé par « des formes irrégulières comme des ombres sombres ou des traces de reptation ». Chez Miró, les étincelles de la queue de la comète doivent généralement être interprétées symboliquement comme des graines masculines, « qui déploient leur ambiguïté dans le champ de référence d »un cosmos sexuel ou d »une sexualité élargie au cosmique » en tant que « signes ».

Depuis les années 1930, les symboles de Miró utilisés dans différents matériaux, comme par exemple les étoiles, les comètes, les soleils, les lunes, comme signes de l »univers, restent presque inchangés. Outre ces symboles, on trouve des insectes, des échelles pour signifier la fuite, des cœurs enflammés, des organes génitaux masculins et féminins. Ces derniers sont souvent représentés, entre autres, par une araignée, un œil, un œuf. Les parties sexuelles du corps représentent le désir comme énergie pulsionnelle de la créativité artistique. Le motif pictural le plus fréquent chez Miró est Femme et oiseau, l »oiseau exprimant le désir. Il est souvent représenté en demi-lune, rappelant ainsi l »attribut de la déesse grecque de la chasse et de la fertilité Artémis (Diane en romain).

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L »assassinat de la peinture

On ne sait pas exactement quand Miró a inventé l »expression « assassinat de la peinture », souvent citée. Ce qui est sûr, c »est qu »il lui était déjà attribué dans le livre de Maurice Raynal sur la peinture française, paru en 1927, et qu »il doit être considéré dans le contexte de l »idée artistique dadaïste. Ainsi, lors de la Première Foire internationale Dada de 1920, il y avait une affiche avec l »inscription : L »art est mort. Vive l »art des machines de Tatlin. Miró augmenta l »affirmation du terme « meurtre », signe de son mépris pour les méthodes de peinture conventionnelles, conformes aux idées de la bourgeoisie, qu »il exprima dès les années 1930. Au lieu de cela, dans un esprit de renouveau, il voulait « assassiner la peinture » avec son œuvre et les éléments picturaux qu »il avait développés.

L »artiste était alors surtout préoccupé par la reconnaissance des constructions (comme augmentation des collages) par opposition à la peinture traditionnelle qui avait fait son entrée dans les salons de la grande bourgeoisie comme symbole de statut social décoratif. Lors de l »entretien, Miró déclara en outre : « La peinture est sur le déclin depuis l »âge des cavernes », ce que le biographe de Miró, Jacques Dupin, transposa à l »artiste, car pour lui, Miró était entré en crise vers 1930-1932 et était arrivé au plus bas de son art. Dupin considérait ainsi les collages et les montages de cette époque comme des automutilations symboliques, de l »anti-peinture. Cela ne se référait pas seulement aux objets, comme le tricot, le bois ou la chaussure de poupée, que Miró incorporait dans ses tableaux, mais également aux différents matériaux, comme les photos, le sable ou le papier velours, utilisés comme support.

L »attitude rebelle de Miró face à l »art commercialisé s »est accentuée avec l »âge et a atteint son apogée en 1973 avec la série de cinq toiles brûlées. Dans ces toiles de grand format, il n »hésitait pas (comme le peintre italien Lucio Fontana) à découper des surfaces entières au chalumeau. Dans une interview avec Santiago Amon, publiée dans El País, Semanal en juin 1978, Miró répondait à la question de sa motivation pour cette technique brutale :

Représentations de contemporains

Salvador Dalí, à qui Miró, de neuf ans son aîné, a fourni à partir de 1927 des contacts importants pour la scène artistique parisienne avec les marchands d »art Pierre Loeb et Camille Goemanns, fut introduit deux ans plus tard par son compatriote dans le cercle intérieur des surréalistes autour d »André Breton.Dalí qualifiait la peinture de Miró de « trop grandiose pour le monde stupide de nos artistes et de nos intellectuels ». Il le présentait comme un rénovateur de l »art, comparable seulement à Picasso ; pour lui, il incarnait « l »osmose entre le surréalisme et la réalité, infiniment mystérieux, capable de nous captiver avec l »intensité la plus vive de créations lointaines et émouvantes de magie ».

Le surréaliste André Breton, qui avait qualifié Miró d »enfant au début des années 1920, le considéra plus tard comme un peintre du pur automatisme et écrivit dans son ouvrage Le surréalisme et la peinture de 1967 : « C »est peut-être pour cela qu »il peut être considéré comme le plus « surréaliste » d »entre nous Personne n »est aussi habile que lui à réunir l »inconciliable, n »est aussi indifférent à détruire quelque chose que nous n »osons même pas souhaiter voir détruit ».

Le critique d »art Clement Greenberg, qui a fait la connaissance de Miró lors de son séjour à New York en 1947, a qualifié son œuvre de trop décorative, mais il a néanmoins donné au monde une leçon de « couleur ». Cet art appartiendrait au royaume du grotesque, tel que défini par le théoricien de l »art John Ruskin au 19e siècle : « Composé de deux éléments, l »un risible, l »autre effrayant ». L »œuvre de Miró serait donc à classer dans le grotesque farceur de Ruskin, car il la trouvait en tout point plus humoristique qu »effrayante. Il le décrit comme un homme court, compact, plutôt taciturne, aux cheveux rasés, à la peau pâle, aux yeux et aux mouvements agiles. Il est légèrement nerveux et en même temps impersonnel en compagnie d »étrangers. On peut se demander ce qui a pu amener ce bourgeois à la peinture moderne, à la Rive Gauche et au surréalisme.

Antoni Tàpies, catalan comme Miró, mais de la jeune génération d »artistes, écrivait en 1969 avec admiration que Miró avait retrouvé la pureté et l »innocence du jour de la création en le libérant du poids de la jeunesse : « Contre un univers créé et dominé par les dieux, Miró nous a présenté l »ondulation perpétuelle, le flux changeant et infini de la nature. Contre les lois immuables, il opposait les rythmes ; contre l »étroitesse oppressante, chargée de tabous, la clarté de l »espace ouvert. Face à l »arrogance monstrueuse des dirigeants, il a montré que nous sommes tous égaux, car nous sommes tous faits du feu des étoiles. Pour que les choses grandissent et s »améliorent, il faut que l »amour imprègne tout, nous a-t-il dit ».

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Influence sur l »expressionnisme abstrait

Dans les années 1940, les États-Unis ont connu un bouleversement artistique qui, après des années de réalisme américain socialement critique, a conduit à un nouveau départ – « le désir de repartir de zéro » (Barnett Newman) -, l »expressionnisme abstrait. Des artistes comme Barnett Newman, Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still et Franz Kline ont trouvé leurs modèles chez Miró, Masson et Max Ernst, dans leur automatisme psychique contrôlé, dans le hasard dirigé, pas forcément dans leurs techniques. Les dégradés de couleurs libres de Miró dans les années 1920 ont particulièrement influencé Pollock. Dans les années 1960, Miró s »est à son tour inspiré des Action Paintings de Pollock et de l »expressionnisme abstrait de Rothko et Robert Motherwell, par exemple dans le triptyque Bleu I-III (mais les formes de Miró, bien que réduites au maximum, sont liées à la nature et non à des formes abstraites). Miró a également inspiré des artistes tels que le peintre irlando-américain Matt Lamb et Arshile Gorky, l »École de New York et son expressionnisme abstrait, etc.

Films sur Miró

Entre 1971 et 1974, il a réalisé des films documentaires qui ont été réunis sur un DVD par les éditions Maeght en 2005. Lithographie d »une affiche est un film couleur de dix-huit minutes de Clovis Prévost avec la collaboration de Carles Santos, tourné en 1971 dans un atelier de l »imprimerie « Arte » à Paris. La caméra fixe le processus de développement pour améliorer une lithographie. Miró Sculpteur a suivi en 1973. Ce film, à nouveau réalisé par Clovis Prévost, montre le travail sur la sculpture L »oiseau au plumage rougeâtre annonce l »apparition de la femme éblouissante de beauté. Le tournage a eu lieu dans l »atelier de la fonderie Clémenti à Meudon. Durée du film : 38 minutes. Miró parle est le titre du film de vingt-six minutes de Prévost et Santos, tourné dans l »atelier de Joan Miró, Son Boter, à Palma en 1974. L »interview a été réalisée par Carles Santos et Pere Portabella. Miró y parle de sa vie et de son œuvre ; il y souligne l »importance que Paris et la rue Blomet ont prise dans sa vie lorsqu »il a rencontré Masson et les poètes surréalistes qui lui ont ouvert de nouvelles portes pour son œuvre.

En 1978, le documentaire Miró : Theatre Of Dreams a été tourné sous la direction de Robin Lough. Le film, d »une durée d »une heure à peine, montre l »artiste de 85 ans au travail et dans sa ville de Palma ; dans des interviews avec son biographe Roland Penrose, il décrit ses souvenirs avec des collègues artistes tels que Picasso, Breton, Ernst, Masson et Tanguy et évoque sa collaboration à la production de la compagnie de théâtre catalane « La Claca ».

Miró sur le marché de l »art

Les œuvres de Joan Miró atteignent souvent des prix élevés lors des ventes aux enchères : 29 millions d »euros ont été obtenus pour Étoile Bleue le 19 juin 2012 chez Sotheby »s à Londres. Il s »agit actuellement du prix le plus élevé jamais payé pour une œuvre de Miró, qui figurait ainsi parmi les 50 tableaux les plus chers du monde.

La popularité de ses œuvres encourage les faussaires à proposer de « vrais Miró ». On estime que dans les catégories graphiques, entre 40 et 50 pour cent des œuvres proposées sur le marché de l »art sont des contrefaçons ; pour les peintures à l »huile, ce chiffre est inférieur d »environ dix pour cent. Les artistes de l »art moderne classique sont les plus souvent contrefaits. Outre Salvador Dalí, les œuvres de Pablo Picasso, Joan Miró et Marc Chagall figurent en tête de la liste des contrefaçons.

Miró au quotidien et dans la musique

Miró tenait à ce que son œuvre touche les personnes intéressées par l »art, c »est pourquoi il a fait réaliser des séries d »estampes à Saint-Paul-de-Vence et à Barcelone à partir de la fin des années 1950. Aujourd »hui encore, les œuvres de l »artiste sont si populaires que l »on trouve de nombreux tirages d »art avec des reproductions de ses œuvres ainsi que des puzzles, par exemple le puzzle de 1000 pièces avec l »œuvre La danse de l »arlequin. Les motifs Miró ornent des assiettes, des tasses et des mugs en porcelaine. Les amateurs de parfums peuvent acheter le parfum « Miró », qui est proposé en deux notes. Le bouchon du flacon et l »emballage rappellent les motifs de l »artiste.

En 1966, il a conçu la pochette de l »album Cançons de la roda del temps pour Raimon, l »un des plus importants auteurs-compositeurs-interprètes de la Nova Cançó, qui critiquait le système.

La Caixa, troisième établissement de crédit d »Espagne, utilise depuis 1980 un logo d »entreprise, une étoile de mer bleue avec un point jaune et un point rouge, tiré d »une œuvre de Joan Miró. Le logo « ESPAÑA », créé en 1983, sert actuellement de signe distinctif à l »office du tourisme espagnol « Turespaña ». Il représente un soleil, une étoile et l »inscription « ESPAÑA ».

Le « Miró Quartet » a été fondé en 1995. Ce quatuor à cordes professionnel est basé à Austin, au Texas. Ses membres sont Daniel Ching, violon, Sandy Yamamoto, violon, John Largess, alto et Joshua Gindele, violoncelle.

Musées et fondations liés à Miró

En 1975, la Fundació Joan Miró – Centre d »Estudis d »Art Contemporani, dont le bâtiment à Barcelone a été conçu par Josep Lluís Sert, a ouvert ses portes au public. Un grand nombre de peintures, sculptures, tapisseries et lithographies y sont exposées. Des présentations temporaires d »art moderne complètent l »œuvre de Miró. L »idée de cette fondation revient à l »ami d »enfance de l »artiste, Joan Prats i Vallès, qui a posé les bases de la collection actuelle par une donation importante.

En 1981, la deuxième fondation, la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca, a été créée. L »atelier Son Boter, l »atelier construit par Sert ainsi qu »un musée construit en 1992 par l »architecte Rafael Moneo comme siège de la fondation à Cala Major, une banlieue de Palma, qui présente 2500 œuvres de l »artiste, sont visibles dans le cadre de l »exposition. L »ancienne maison de Miró, Son Abrines, est actuellement une propriété privée et ne peut pas être visitée.

Depuis 2004, le Centre Joan Miró à Mont-roig del Camp offre la possibilité de découvrir l »ensemble de l »œuvre de Miró via Mont-roig, même si c »est uniquement à partir de copies fidèles. Ses œuvres sont exposées dans les musées du monde entier. Le centre se trouve dans la vieille église de Mont-roig del Camp, l »Esglesia Vella. L »artiste l »a peinte en 1919 dans son tableau Poble i església de Mont-roig (Village et église de Mont-roig). Le Centro Miró dispose d »un dépliant qui répertorie les thèmes picturaux des premières œuvres de Miró ayant pour sujet Montroig. Les sites à partir desquels il a dessiné sont indiqués par de grands panneaux dans le périmètre du village.

Prix Joan Miró

Depuis 2007, la Fundació Joan Miró et la Fundació Caixa Girona décernent tous les deux ans le prix Joan Miró, doté de 70 000 euros. Le premier prix a été décerné en 2007 à Ólafur Elíasson, suivi en 2009 par l »artiste suisse Pipilotti Rist, en 2011 par Mona Hatoum, en 2013 par Roni Horn, en 2015 par Ignasi Aballí, en 2017 par Kader Attia et en 2019 par Nalini Malani.

De 1961 à 1986, un concours annuel a été organisé à Barcelone pour le Premio Internacional de Dibujo Joan Miró (Prix international de dessin Joan Miró), non doté, accompagné d »une exposition des œuvres du lauréat et des finalistes.

Les titres français et allemands suivent la biographie de Miró par Janis Mink. Dans les musées, les titres sont souvent reproduits dans la langue du pays, par exemple en anglais ou en catalan.

Certaines des petites sculptures présentées ici ont ensuite servi de modèle pour des sculptures monumentales.

Une sélection de collages se trouve sur le site de l »American Institute for Conservation.

Sources