John Ford

Alex Rover | décembre 27, 2022

Post Views: 11

Résumé

John Martin Feeney (1er février 1894 – 31 août 1973), connu professionnellement sous le nom de John Ford, était un réalisateur et officier de marine américain. Il est célèbre pour ses westerns tels que Stagecoach (1939), The Searchers (1956) et The Man Who Shot Liberty Valance (1962) et pour ses adaptations de romans américains classiques du XXe siècle tels que The Grapes of Wrath (1940). Il a reçu six Oscars, dont un record de quatre pour le meilleur réalisateur.

Au cours d »une carrière de plus de 50 ans, Ford a réalisé plus de 140 films (bien que la plupart de ses films muets soient aujourd »hui perdus) et il est largement considéré comme l »un des cinéastes les plus importants et les plus influents de sa génération. L »œuvre de Ford était tenue en haute estime par ses collègues, Akira Kurosawa, Orson Welles et Ingmar Bergman étant parmi ceux qui l »ont désigné comme l »un des plus grands réalisateurs de tous les temps.

Ford a fréquemment utilisé des prises de vue en extérieur et des plans larges, dans lesquels ses personnages sont cadrés sur un terrain naturel vaste, dur et accidenté.

Ford est né John Martin « Jack » Feeney (bien qu »il ait souvent donné ses prénoms Seán Aloysius, parfois avec le surnom O »Feeny ou Ó Fearna ; un équivalent de Feeney en langue irlandaise) à Cape Elizabeth, Maine, de John Augustine Feeney et Barbara « Abbey » Curran, le 1er février 1894, (bien qu »il ait parfois dit 1895 et que cette date soit erronément inscrite sur sa pierre tombale). Son père, John Augustine, est né à Spiddal, Barbara Curran est née dans les îles d »Aran, dans la ville de Kilronan sur l »île d »Inishmore (Inis Mór). La grand-mère de John A. Feeney, Barbara Morris, serait membre d »une branche appauvrie d »une famille de la noblesse irlandaise, les Morrise de Spiddal (actuellement dirigée par Lord Killanin).

John Augustine et Barbara Curran arrivent à Boston et Portland respectivement en mai et juin 1872. Ils ont déposé leurs intentions de mariage le 31 juillet 1875 et sont devenus citoyens américains cinq ans plus tard, le 11 septembre 1880. La famille de John Augustine Feeney résidait sur Sheridan Street, dans le quartier irlandais de Munjoy Hill à Portland, dans le Maine, et son père exerçait divers petits métiers pour subvenir aux besoins de la famille – agriculture, pêche, ouvrier pour la compagnie de gaz, tenancier de saloon et conseiller municipal. John et Barbara ont eu onze enfants : Mamie (Bridget, 1883-1884 ; Barbara, née et morte en 1888 ; Edward, né en 1889 ; Josephine, née en 1891 ; Hannah (et Daniel, né et mort en 1896 (ou 1898).

Feeney a fréquenté la Portland High School, à Portland, dans le Maine, où il a joué comme fullback et defensive tackle. Il a gagné le surnom de « Bull » en raison, dit-on, de la façon dont il abaissait son casque et chargeait la ligne. Un pub de Portland s »appelle Bull Feeney »s en son honneur. Il s »est ensuite installé en Californie et, en 1914, a commencé à travailler dans la production de films ainsi qu »à jouer pour son frère aîné Francis, adoptant « Jack Ford » comme nom professionnel. En plus de ses rôles crédités, il est apparu sans être crédité dans le rôle d »un Klansman dans le film de D. W. Griffith, The Birth of a Nation (1915).

Il a épousé Mary McBride Smith le 3 juillet 1920, et ils ont eu deux enfants. Sa fille Barbara a été mariée au chanteur et acteur Ken Curtis de 1952 à 1964. Le mariage entre Ford et Smith a duré toute la vie malgré divers problèmes, l »un étant que Ford était catholique alors qu »elle était une divorcée non catholique. Il n »est pas évident de savoir quelles difficultés en découlent, le niveau d »engagement de Ford dans la foi catholique étant contesté. Les nombreuses relations extraconjugales de Ford constituent une autre difficulté.

Ford a commencé sa carrière dans le cinéma après s »être installé en Californie en juillet 1914. Il a suivi les traces de son frère aîné Francis Ford, de douze ans son aîné, qui avait quitté la maison des années auparavant et avait travaillé dans le vaudeville avant de devenir un acteur de cinéma. Francis a joué dans des centaines de films muets pour des cinéastes tels que Thomas Edison, Georges Méliès et Thomas Ince, avant de devenir un acteur, scénariste et réalisateur de premier plan à Hollywood, avec sa propre société de production (101 Bison) chez Universal.

Ford a débuté dans les films de son frère en tant qu »assistant, homme à tout faire, cascadeur et acteur occasionnel, doublant fréquemment son frère, auquel il ressemblait beaucoup. Francis donne à son jeune frère son premier rôle dans The Mysterious Rose (novembre 1914). Malgré une relation souvent conflictuelle, en trois ans, Jack est devenu le principal assistant de Francis et a souvent travaillé comme caméraman. Au moment où Jack Ford obtient sa première chance en tant que réalisateur, le profil de Francis décline et il cesse de travailler en tant que réalisateur peu après.

Une caractéristique notable des films de Ford est qu »il utilisait une « compagnie d »acteurs », bien plus que de nombreux réalisateurs. De nombreuses stars célèbres apparurent dans au moins deux films de Ford, notamment Harry Carey Sr. (la vedette de 25 films muets de Ford), Will Rogers, John Wayne, Henry Fonda, Maureen O »Hara, James Stewart, Woody Strode, Richard Widmark, Victor McLaglen, Vera Miles et Jeffrey Hunter. Nombre de ses seconds rôles apparaissent dans plusieurs films de Ford, souvent sur une période de plusieurs décennies, notamment Ben Johnson, Chill Wills, Andy Devine, Ward Bond, Grant Withers, Mae Marsh, Anna Lee, Harry Carey Jr, Ken Curtis, Frank Baker, Dolores del Río, Pedro Armendáriz, Hank Worden, John Qualen, Barry Fitzgerald, Arthur Shields, John Carradine, O. Z. Whitehead et Carleton Young. Les principaux membres de cette » troupe » élargie, dont Ward Bond, John Carradine, Harry Carey Jr., Mae Marsh, Frank Baker et Ben Johnson, étaient officieusement connus sous le nom de John Ford Stock Company.

De même, Ford appréciait les relations de travail prolongées avec son équipe de production, et beaucoup de ses collaborateurs ont travaillé avec lui pendant des décennies. Il réalisa de nombreux films avec les mêmes collaborateurs principaux, notamment le producteur et partenaire commercial Merian C. Cooper, les scénaristes Nunnally Johnson, Dudley Nichols et Frank S. Nugent, et les directeurs de la photographie Ben F. Reynolds, John W. Brown et George Schneiderman (qui, à eux trois, tournèrent la plupart des films muets de Ford), Joseph H. August, Gregg Toland, Winton Hoch, Charles Lawton Jr, Bert Glennon, Archie Stout et William H. Clothier. La plupart des films d »après-guerre de Ford furent montés par Jack Murray jusqu »à la mort de ce dernier en 1961. Otho Lovering, qui avait travaillé pour la première fois avec Ford sur Stagecoach (1939), devint le principal monteur de Ford après la mort de Murray.

L »ère du silence

Au cours de sa première décennie en tant que réalisateur, Ford a travaillé sur des dizaines de longs métrages (dont de nombreux westerns), mais seuls dix des plus de soixante films muets qu »il a réalisés entre 1917 et 1928 existent encore dans leur intégralité. Cependant, des copies de plusieurs films muets de Ford, que l »on croyait perdus, ont été redécouvertes dans des archives cinématographiques étrangères au cours des dernières années. En 2009, une collection de 75 films muets hollywoodiens a été redécouverte par les archives cinématographiques néo-zélandaises, parmi lesquelles se trouvait la seule copie de la comédie muette Upstream (1927) de Ford. La copie a été restaurée en Nouvelle-Zélande par l »Academy of Motion Picture Arts & Sciences avant d »être renvoyée en Amérique, où elle a fait l »objet d »une « re-première » au Samuel Goldwyn Theater de Beverly Hills le 31 août 2010, avec une nouvelle partition commandée à Michael Mortilla.

Tout au long de sa carrière, Ford a été l »un des réalisateurs les plus occupés d »Hollywood, mais il a été extraordinairement productif au cours de ses premières années en tant que réalisateur – il a tourné dix films en 1917, huit en 1918 et quinze en 1919 – et il a réalisé un total de 62 courts et longs métrages entre 1917 et 1928, bien qu »il n »ait pas été crédité à l »écran dans la plupart de ses premiers films.

Il existe une certaine incertitude quant à l »identité du premier film de Ford en tant que réalisateur – l »écrivain de cinéma Ephraim Katz note que Ford pourrait avoir réalisé le film en quatre parties Lucille the Waitress dès 1914 – mais la plupart des sources citent son début de réalisateur comme étant le film muet à deux bobines The Tornado, sorti en mars 1917. Selon la propre histoire de Ford, il a été chargé de ce travail par le patron d »Universal, Carl Laemmle, qui aurait dit : » Donnez le travail à Jack Ford, il crie bien « . The Tornado fut rapidement suivi d »une série de « quickies » à deux et trois bobines – The Trail of Hate, The Scrapper, The Soul Herder et Cheyenne »s Pal ; ces films furent tournés en l »espace de quelques mois et chacun d »entre eux était généralement tourné en seulement deux ou trois jours ; tous sont aujourd »hui présumés perdus. The Soul Herder est également remarquable en ce qu »il marque le début d »une association de quatre ans et de 25 films entre Ford et le scénariste et acteur chevronné Harry Carey, qui (avec le frère de Ford, Francis) a exercé une forte influence sur le jeune réalisateur, tout en étant l »une des principales influences sur le personnage de John Wayne, le protégé de Ford. Le fils de Carey, Harry « Dobe » Carey Jr, qui devint également acteur, fut l »un des amis les plus proches de Ford par la suite et joua dans plusieurs de ses westerns les plus célèbres.

La première production de long métrage de Ford fut Straight Shooting (août 1917), qui est également son plus ancien film complet en tant que réalisateur, et l »un des deux seuls survivants de sa collaboration de vingt-cinq films avec Harry Carey. Lors de la réalisation du film, Ford et Carey ont ignoré les ordres du studio et ont remis cinq bobines au lieu de deux, et ce n »est que grâce à l »intervention de Carl Laemmle que le film a pu être coupé pour sa première sortie, bien qu »il ait été par la suite réduit à deux bobines pour une nouvelle sortie à la fin des années 1920. On a longtemps cru que le dernier film de Ford de 1917, Bucking Broadway, était perdu, mais en 2002, la seule copie connue qui subsistait a été découverte dans les archives du Centre national français de la cinématographie et elle a depuis été restaurée et numérisée.

Ford réalise environ trente-six films en trois ans pour Universal avant de passer au studio William Fox en 1920 ; son premier film pour eux est Just Pals (1920). Son long métrage de 1923, Cameo Kirby, avec l »idole de l »écran John Gilbert – un autre des rares films muets de Ford encore en vie – marqua son premier crédit de réalisation sous le nom de « John Ford », plutôt que sous celui de « Jack Ford », comme il l »avait été auparavant.

Le premier grand succès de Ford en tant que réalisateur fut le drame historique Le Cheval de fer (1924), un récit épique de la construction du premier chemin de fer transcontinental. Il s »agit d »une production importante, longue et difficile, filmée en extérieur dans la Sierra Nevada. La logistique était énorme – deux villes entières ont été construites, il y avait 5 000 figurants, 100 cuisiniers, 2 000 poseurs de rails, un régiment de cavalerie, 800 Indiens, 1 300 bisons, 2 000 chevaux, 10 000 bovins et 50 000 objets, dont la diligence originale utilisée par Horace Greeley, le pistolet derringer de Wild Bill Hickok et des répliques des locomotives « Jupiter » et « 119 » qui se sont rencontrées au sommet du Promontoire lorsque les deux extrémités de la ligne ont été reliées le 10 mai 1869.

Le frère de Ford, Eddie, était membre de l »équipe et ils se disputaient constamment ; à une occasion, Eddie aurait « poursuivi le vieil homme avec un manche de pioche ». Il n »y avait qu »un court synopsis écrit lorsque le tournage a commencé et Ford a écrit et tourné le film jour après jour. La production prend du retard, retardée par le mauvais temps et le froid intense, et les dirigeants de la Fox exigent sans cesse des résultats, mais Ford déchire les télégrammes ou les brandit et demande au cascadeur Edward « Pardner » Jones de faire des trous dans le nom de l »expéditeur. Malgré la pression exercée sur lui pour qu »il arrête la production, le patron du studio William Fox a finalement soutenu Ford et l »a autorisé à terminer le film. Son pari s »est avéré payant : The Iron Horse est devenu l »un des films les plus rentables de la décennie, avec plus de 2 millions de dollars dans le monde entier, pour un budget de 280 000 dollars.

Ford a réalisé un large éventail de films au cours de cette période, et il s »est fait connaître pour ses westerns et ses films « frontaliers », mais le genre a rapidement perdu son attrait pour les grands studios à la fin des années 1920. Le dernier western muet de Ford est 3 Bad Men (1926), qui se déroule pendant la ruée vers les terres du Dakota et qui est tourné à Jackson Hole, dans le Wyoming, et dans le désert de Mojave. Il faudra attendre treize ans pour qu »il réalise son prochain western, Stagecoach, en 1939.

Dans les années 1920, Ford a également été président de la Motion Picture Directors Association, un précurseur de l »actuelle Directors Guild of America.

Talkies : 1928-1939

Ford était l »un des premiers réalisateurs de films sonores ; il a tourné la première chanson chantée à l »écran de Fox, pour son film Mother Machree (ce film est également remarquable comme étant le premier film de Ford à faire apparaître le jeune John Wayne (en tant que figurant non crédité) et il est apparu en tant que figurant dans plusieurs des films de Ford au cours des deux années suivantes. De plus, Hangman »s House (1928) est remarquable car il présente la première apparition confirmée de John Wayne à l »écran dans un film de Ford, jouant un spectateur excité pendant la séquence de la course de chevaux.

Juste avant que le studio ne se convertisse au cinéma parlant, la Fox confie un contrat au réalisateur allemand F. W. Murnau, et son film Sunrise : A Song of Two Humans (1927), toujours très apprécié par les critiques, a eu un effet puissant sur Ford. L »influence de Murnau est visible dans de nombreux films de Ford de la fin des années 1920 et du début des années 1930 – Four Sons (1928), a été tourné dans certains des somptueux décors laissés par la production de Murnau.

En novembre de la même année, Ford réalise le premier long métrage dramatique entièrement parlant de la Fox, Napoleon »s Barber (1928), un film à trois bobines qui est aujourd »hui considéré comme un film perdu. Napoleon »s Barber est suivi de ses deux derniers longs métrages muets Riley the Cop (qui sont tous deux sortis avec des partitions musicales synchronisées et des effets sonores, le dernier est aujourd »hui perdu (bien que le livre de Tag Gallagher rapporte que la seule copie survivante de Strong Boy, une copie nitrate de 35 mm, serait détenue dans une collection privée en Australie). The Black Watch (1929), une aventure de l »armée coloniale se déroulant dans le col de Khyber avec Victor McLaglen et Myrna Loy, est le premier long métrage entièrement parlant de Ford ; il a été refait en 1954 par Henry King sous le titre King of the Khyber Rifles.

La production de Ford est assez constante de 1928 au début de la Seconde Guerre mondiale ; il réalise cinq longs métrages en 1928, puis deux ou trois films chaque année de 1929 à 1942 inclus. Trois films sont sortis en 1929 : Strong Boy, The Black Watch et Salute. Ses trois films de 1930 sont Men Without Women, Born Reckless et Up the River, qui est remarquable parce qu »il s »agit du premier film de Spencer Tracy et Humphrey Bogart, tous deux signés à la Fox sur la recommandation de Ford (le dernier film, adapté du roman de Sinclair Lewis et mettant en vedette Ronald Colman et Helen Hayes, marque la première reconnaissance de Ford aux Academy Awards, avec cinq nominations dont celle du meilleur film.

L »efficacité légendaire de Ford et sa capacité à concevoir des films alliant l »art et un fort attrait commercial lui valent une renommée croissante. En 1940, il était reconnu comme l »un des plus grands réalisateurs de films au monde. Son prestige croissant se reflète dans sa rémunération : en 1920, lorsqu »il passe à la Fox, il est payé 300 à 600 dollars par semaine. Lorsque sa carrière décolle au milieu des années 20, son revenu annuel augmente de manière significative. Il a gagné près de 134 000 dollars en 1929, et plus de 100 000 dollars par an chaque année de 1934 à 1941, pour atteindre la somme stupéfiante de 220 068 dollars en 1938, soit plus du double du salaire du président des États-Unis à l »époque (bien que cela reste inférieur à la moitié du revenu de Carole Lombard, la star la mieux payée d »Hollywood dans les années 1930, qui gagnait alors environ 500 000 dollars par an).

La production cinématographique étant affectée par la Dépression, Ford tourne deux films chacun en 1932 et 1933 : Air Mail (pour Universal) avec un jeune Ralph Bellamy et Flesh (pour MGM) avec Wallace Beery. En 1933, il retourne à la Fox pour Pilgrimage et Doctor Bull, le premier de ses trois films avec Will Rogers.

Le drame du désert de la Première Guerre mondiale The Lost Patrol (1934), basé sur le livre Patrol de Philip MacDonald, était un remake supérieur du film muet Lost Patrol de 1929. Il mettait en vedette Victor McLaglen dans le rôle du sergent – rôle joué par son frère Cyril McLaglen dans la version précédente – avec Boris Karloff, Wallace Ford, Alan Hale et Reginald Denny (qui a ensuite fondé une entreprise de fabrication d »avions-cibles radiocommandés pendant la Seconde Guerre mondiale). Il s »agit de l »un des premiers grands succès de Ford à l »ère du son : le National Board of Review et le New York Times le classent parmi les dix meilleurs films de l »année et il est nommé aux Oscars pour son émouvante partition de Max Steiner. Il est suivi plus tard dans l »année par The World Moves On avec Madeleine Carroll et Franchot Tone, et par le très réussi Judge Priest, son deuxième film avec Will Rogers, qui devient l »un des films les plus rentables de l »année.

Le premier film de Ford en 1935 (réalisé pour la Columbia) est la comédie d »erreurs d »identité The Whole Town »s Talking avec Edward G. Robinson et Jean Arthur, sorti au Royaume-Uni sous le titre Passport to Fame, et qui suscite les éloges de la critique. Steamboat Round The Bend était son troisième et dernier film avec Will Rogers ; il est probable qu »ils auraient continué à travailler ensemble, mais leur collaboration fut interrompue par la mort prématurée de Rogers dans un accident d »avion en mai 1935, ce qui dévasta Ford.

Ford confirme sa position dans le peloton de tête des réalisateurs américains avec le drame de l »Armée républicaine irlandaise The Informer (1935), influencé par Murnau, avec Victor McLaglen dans le rôle principal. Ce film a reçu de nombreux éloges de la part de la critique, a été nommé pour le meilleur film, a valu à Ford son premier Oscar du meilleur réalisateur et a été salué à l »époque comme l »un des meilleurs films jamais réalisés, bien que sa réputation ait considérablement diminué par rapport à d »autres prétendants comme Citizen Kane ou The Searchers (1956), le film ultérieur de Ford.

Le film politiquement chargé The Prisoner of Shark Island (1936) – qui marquait les débuts chez Ford du joueur de longue date de la « Stock Company » John Carradine – explorait l »histoire peu connue de Samuel Mudd, un médecin qui fut pris dans la conspiration de l »assassinat d »Abraham Lincoln et envoyé dans une prison offshore pour avoir soigné John Wilkes Booth, blessé. Parmi les autres films de cette période, citons le mélodrame des mers du Sud The Hurricane (1937) et le film léger de Shirley Temple, Wee Willie Winkie (1937), qui ont chacun rapporté plus d »un million de dollars la première année. Pendant le tournage de Wee Willie Winkie, Ford a fait construire des décors élaborés au Iverson Movie Ranch à Chatsworth, en Californie, un ranch très filmé, plus étroitement associé aux séries et aux westerns de série B, qui allait devenir, avec Monument Valley, l »un des lieux de tournage préférés du réalisateur, et un site auquel Ford retournerait les années suivantes pour Stagecoach et The Grapes of Wrath.

La version longue et révisée de Directed by John Ford, diffusée sur Turner Classic Movies en novembre 2006, présente les réalisateurs Steven Spielberg, Clint Eastwood et Martin Scorsese, qui suggèrent que la série de films classiques réalisés par Ford entre 1936 et 1941 est due en partie à une intense liaison extraconjugale de six mois avec Katharine Hepburn, la vedette de Mary of Scotland (1936), un drame élisabéthain en costumes.

1939-1941

Stagecoach (1939) est le premier western de Ford depuis 3 Bad Men en 1926, et le premier film sonore. Orson Welles a affirmé qu »il avait regardé Stagecoach quarante fois avant de réaliser Citizen Kane. Ce film reste l »un des plus admirés et imités de tous les films hollywoodiens, notamment pour sa course de diligence en apothéose et sa scène de saut de cheval à couper le souffle, exécutée par le cascadeur Yakima Canutt.

Le scénario de Dudley Nichols-Ben Hecht était basé sur une histoire d »Ernest Haycox que Ford avait repérée dans le magazine Collier »s et dont il acheta les droits d »adaptation pour seulement 2 500 dollars. Le chef de production Walter Wanger incite Ford à engager Gary Cooper et Marlene Dietrich pour les rôles principaux, mais il finit par accepter la décision de Ford de confier le rôle de Dallas à Claire Trevor et celui de Ringo à un quasi-inconnu, son ami John Wayne ; Wanger aurait eu peu d »influence sur la production.

En réalisant Stagecoach, Ford s »est heurté aux préjugés bien ancrés de l »industrie à l »égard du genre désormais éculé qu »il avait contribué à rendre si populaire. Bien que les studios de Poverty Row continuent de produire en grand nombre des westerns et des séries à petit budget, le genre est tombé en disgrâce auprès des grands studios dans les années 1930 et est considéré, au mieux, comme des films de série B. Par conséquent, Ford a fait tourner le projet à Hollywood pendant près d »un an, le proposant sans succès à Joseph Kennedy et à David O. Selznick, avant de se lier finalement à Walter Wanger, un producteur indépendant travaillant pour United Artists.

Stagecoach est important pour plusieurs raisons : il a fait exploser les préjugés de l »industrie en devenant un succès à la fois critique et commercial, rapportant plus d »un million de dollars la première année (contre un budget d »un peu moins de 400 000 dollars), et son succès (avec les westerns Destry Rides Again de 1939 avec James Stewart et Marlene Dietrich, Union Pacific de Cecil B. DeMille avec Joel McCrea, et Dodge City de Michael Curtiz avec Erroll Flynn), a revitalisé le genre moribond, montrant que les westerns pouvaient être « intelligents, artistiques, très divertissants et rentables ». Il a été nommé pour sept Oscars, dont ceux du meilleur film et du meilleur réalisateur, et a remporté deux Oscars, ceux du meilleur acteur dans un second rôle (Thomas Mitchell) et de la meilleure musique. Stagecoach fut le premier d »une série de sept westerns classiques de Ford filmés sur place à Monument Valley, avec des séquences supplémentaires tournées dans un autre des lieux de tournage préférés de Ford, le Iverson Movie Ranch à Chatsworth, en Californie, où il avait tourné une grande partie de Wee Willie Winkie deux ans auparavant. Ford a habilement mélangé Iverson et Monument Valley pour créer les images emblématiques de l »Ouest américain du film.

John Wayne avait de bonnes raisons d »être reconnaissant du soutien de Ford ; Stagecoach a permis à l »acteur de faire une percée dans sa carrière qui l »a élevé au rang de star internationale. Pendant 35 ans, Wayne est apparu dans 24 des films de Ford et dans trois épisodes de télévision. On attribue à Ford un rôle majeur dans la formation de l »image de Wayne à l »écran. Louise Platt, membre du casting, dans une lettre relatant l »expérience de la production du film, a cité Ford disant de l »avenir de Wayne au cinéma : « Il sera la plus grande star de tous les temps parce qu »il est le parfait »everyman ». »

Stagecoach marque le début de la phase de succès la plus constante de la carrière de Ford – en deux ans seulement, entre 1939 et 1941, il crée une série de films classiques qui remportent de nombreux Oscars. Le film suivant de Ford, le biopic Young Mr Lincoln (1939) avec Henry Fonda, a eu moins de succès que Stagecoach, attirant peu l »attention de la critique et ne remportant aucun prix. Il n »a pas été un grand succès au box-office, bien qu »il ait eu un chiffre d »affaires respectable de 750 000 dollars la première année, mais Tag Gallagher, spécialiste de Ford, le décrit comme « une œuvre plus profonde et à plusieurs niveaux que Stagecoach… (qui) semble rétrospectivement être l »un des meilleurs films d »avant-guerre ».

Drums Along the Mohawk (c »était aussi le premier film de Ford en couleur et il comprenait des contributions non créditées au scénario de William Faulkner. Ce film a connu un grand succès au box-office, rapportant 1,25 million de dollars la première année aux États-Unis et valant à Edna May Oliver une nomination à l »Oscar du meilleur second rôle féminin pour son interprétation.

Malgré ses positions humanistes et politiques intransigeantes, l »adaptation à l »écran par Ford des Raisins de la colère de John Steinbeck (écrite par Nunnally Johnson et photographiée par Gregg Toland) a été à la fois un grand succès au box-office et un succès critique majeur, et il est encore largement considéré comme l »un des meilleurs films hollywoodiens de l »époque. Le célèbre critique Andrew Sarris l »a décrit comme le film qui a transformé Ford de « conteur de l »écran en poète lauréat du cinéma américain ». Troisième film de Ford en un an et troisième film consécutif avec Fonda, il a rapporté 1,1 million de dollars aux États-Unis la première année et a remporté deux Oscars – le deuxième Oscar du meilleur réalisateur pour Ford et celui du meilleur second rôle féminin pour l »interprétation de Jane Darwell dans le rôle de Ma Joad. Au cours de la production, Ford est retourné au Iverson Movie Ranch à Chatsworth, en Californie, pour filmer un certain nombre de plans clés, notamment l »image centrale montrant la première vue complète de la famille de migrants sur les terres agricoles fertiles de la Californie, qui était représentée par la vallée de San Fernando vue du Iverson Ranch.

The Grapes of Wrath a été suivi de deux films moins réussis et moins connus. The Long Voyage Home (1940) fut, comme Stagecoach, réalisé avec Walter Wanger par United Artists. Adapté de quatre pièces d »Eugene O »Neill, il a été scénarisé par Dudley Nichols et Ford, en consultation avec O »Neill. Bien qu »il n »ait pas connu un grand succès au box-office (il n »a rapporté que 600 000 dollars la première année), il a été salué par la critique et a été nommé pour sept Oscars : meilleur film, meilleur scénario (Nichols), meilleure musique originale (Richard Hageman), meilleure photographie (Gregg Toland), meilleur montage (Sherman Todd), meilleurs effets (des photos du film ont décoré sa maison) et O »Neill aurait également aimé le film et l »aurait projeté périodiquement.

Tobacco Road (1941) est une comédie rurale écrite par Nunnally Johnson, adaptée de la version théâtrale de Jack Kirkland du roman d »Erskine Caldwell, qui a connu une longue carrière. Le film mettait en vedette l »acteur vétéran Charley Grapewin et les seconds rôles comprenaient les habitués de Ford, Ward Bond et Mae Marsh, ainsi que Francis Ford dans un petit rôle non crédité. Le film est également remarquable pour les premières apparitions à l »écran des futures stars Gene Tierney et Dana Andrews. Bien qu »il ne soit pas très apprécié par certains critiques – Tag Gallagher n »y consacre qu »un court paragraphe dans son livre sur Ford – il a connu un certain succès au box-office, rapportant 900 000 dollars la première année. Le film a été interdit en Australie.

Le dernier long métrage de Ford avant l »entrée de l »Amérique dans la Seconde Guerre mondiale fut son adaptation à l »écran de How Green Was My Valley (1941), avec Walter Pidgeon, Maureen O »Hara et Roddy McDowell dans le rôle de Huw qui marqua sa carrière. Le scénario a été écrit par Philip Dunne à partir du roman à succès de Richard Llewellyn. À l »origine, le film devait être une épopée de quatre heures destinée à rivaliser avec Autant en emporte le vent – les droits d »écran ont coûté 300 000 dollars à la Fox – et devait être tourné au Pays de Galles, mais ce projet a été abandonné en raison des bombardements allemands sur la Grande-Bretagne. Une recherche de lieux de tournage en Californie du Sud a abouti à la construction du décor du village sur les terrains du Crags Country Club (plus tard le ranch de la Fox, aujourd »hui le cœur du Malibu Creek State Park). Un autre facteur rapporté était la nervosité des cadres de la Fox quant au ton pro-syndical de l »histoire. William Wyler avait été engagé à l »origine pour réaliser le film, mais il a quitté le projet lorsque la Fox a décidé de le tourner en Californie ; Ford a été engagé à sa place et la production a été reportée de plusieurs mois jusqu »à ce qu »il soit disponible. Le producteur Darryl F. Zanuck a eu une forte influence sur le film et a pris plusieurs décisions clés, notamment l »idée de faire raconter le film par le personnage de Huw en voix off (un concept novateur à l »époque), et la décision de ne pas faire vieillir le personnage de Huw (Tyrone Power devait initialement jouer le rôle de Huw adulte).

How Green Was My Valley est devenu l »un des plus grands films de 1941. Il a été nommé pour dix Oscars, dont celui du meilleur second rôle féminin (Sara Allgood), du meilleur montage, du meilleur scénario, de la meilleure musique et du meilleur son, et il a remporté cinq Oscars – celui du meilleur réalisateur, du meilleur film, du meilleur second rôle masculin (Donald Crisp), de la meilleure photographie N&B (Arthur C. Miller) et de la meilleure direction artistique.

Les années de guerre

Pendant la Seconde Guerre mondiale, Ford est à la tête de l »unité photographique de l »Office of Strategic Services et réalise des documentaires pour le département de la marine. Il a été commissionné comme commandant dans la réserve de la marine américaine. Il remporte deux autres Academy Awards pendant cette période, l »un pour le semi-documentaire The Battle of Midway (1942), et l »autre pour le film de propagande December 7th : The Movie (1943). Ford filma l »attaque japonaise sur Midway depuis la centrale électrique de Sand Island et fut blessé au bras gauche par une balle de mitrailleuse.

Ford était également présent sur la plage d »Omaha Beach le Jour J. Il traversa la Manche à bord du USS Plunkett (DD-431), qui mouilla au large d »Omaha Beach à 6 heures. Il observa la première vague débarquer sur la plage depuis le navire, débarquant lui-même sur la plage plus tard avec une équipe de cameramen des gardes-côtes qui filmèrent la bataille depuis l »arrière des obstacles de la plage, avec Ford dirigeant les opérations. Le film a été monté à Londres, mais très peu a été diffusé au public. Ford a expliqué dans une interview de 1964 que le gouvernement américain avait « peur de montrer autant de pertes américaines à l »écran », ajoutant que tous les films du Jour J « existent encore en couleur dans un entrepôt à Anacostia près de Washington, D.C. ». Trente ans plus tard, l »historien Stephen E. Ambrose a rapporté que l »Eisenhower Center n »avait pas réussi à trouver le film. Un film correspondant à la description de Ford a été déterré par les Archives nationales américaines en 2014.

Ford finit par devenir l »un des principaux conseillers du chef de l »OSS, William Joseph Donovan. Selon des documents publiés en 2008, Ford a été cité par ses supérieurs pour sa bravoure, prenant position pour filmer une mission qui était « une cible évidente et claire ». Il a survécu à « une attaque continue et a été blessé » alors qu »il continuait à filmer, indique une citation dans son dossier. En 1945, Ford a signé des déclarations sous serment attestant de l »intégrité des films pris pour documenter les conditions dans les camps de concentration nazis.

Son dernier film de guerre fut They Were Expendable (MGM, 1945), un récit de la défaite désastreuse de l »Amérique aux Philippines, raconté du point de vue d »un escadron de bateaux PT et de son commandant. Ford crée un rôle pour Ward Bond, en convalescence, qui a besoin d »argent. Bien qu »on le voie tout au long du film, il ne marche jamais, jusqu »à ce qu »on lui tire dans la jambe. Pour le reste du film, il a pu utiliser une béquille lors de la marche finale. Ford a déclaré à plusieurs reprises qu »il n »aimait pas le film et qu »il ne l »avait jamais regardé, se plaignant d »avoir été forcé de le faire, bien qu »il ait été fortement défendu par le cinéaste Lindsay Anderson. Sorti plusieurs mois après la fin de la guerre, il a figuré parmi les 20 premiers films de l »année au box-office, bien que Tag Gallagher note que de nombreux critiques ont affirmé à tort qu »il avait perdu de l »argent.

Carrière d »après-guerre

Après la guerre, Ford est resté officier dans la réserve de la marine américaine. Il retourne au service actif pendant la guerre de Corée et est promu contre-amiral le jour où il quitte le service.

Ford a réalisé seize longs métrages et plusieurs documentaires au cours de la décennie 1946-1956. Comme pour sa carrière d »avant-guerre, ses films alternent entre des flops (relatifs) au box-office et des succès majeurs, mais la plupart de ses derniers films ont réalisé de solides bénéfices, et Fort Apache, L »Homme tranquille, Mogambo et La Recherche se sont tous classés dans le Top 20 du box-office de leurs années respectives.

Le premier film d »après-guerre de Ford, My Darling Clementine (Fox, 1946), était une relecture romancée de la légende primitive du western de Wyatt Earp et de la fusillade de O.K. Corral, avec des séquences extérieures filmées en extérieur dans la Monument Valley, visuellement spectaculaire (mais géographiquement inappropriée). Il réunissait Ford et Henry Fonda (dans le rôle d »Earp) et mettait en vedette Victor Mature dans l »un de ses meilleurs rôles, celui de Doc Holliday, consomptionnel et amateur de Shakespeare, Ward Bond et Tim Holt dans le rôle des frères Earp, Linda Darnell dans le rôle de la sulfureuse fille de saloon Chihuahua, Walter Brennan (dans un rare rôle de méchant) dans le rôle du venimeux Old Man Clanton, Jane Darwell et John Ireland dans le rôle de Billy Clanton. Contrairement à la série de succès de 1939-1941, il n »a remporté aucun prix américain majeur, bien qu »il ait reçu le ruban d »argent du meilleur film étranger en 1948 par le Syndicat national italien des journalistes cinématographiques. Il a été un solide succès financier, rapportant 2,75 millions de dollars aux États-Unis et 1,75 million de dollars à l »international au cours de sa première année de sortie.

Refusant un contrat lucratif offert par Zanuck à la 20th Century Fox qui lui aurait garanti 600 000 dollars par an, Ford se lance en tant que réalisateur-producteur indépendant et réalise nombre de ses films durant cette période avec la Argosy Pictures Corporation, qui était un partenariat entre Ford et son vieil ami et collègue Merian C. Cooper. Ford et Cooper avaient auparavant été associés à la distincte Argosy Corporation, créée après le succès de Stagecoach (Argosy Corporation a produit un film, The Long Voyage Home (1940), avant l »intervention de la Seconde Guerre mondiale. The Fugitive (1947), toujours avec Fonda, est le premier projet d »Argosy Pictures. Il s »agissait d »une adaptation libre de The Power and the Glory de Graham Greene, que Ford avait eu l »intention de réaliser à la Fox avant la guerre, avec Thomas Mitchell dans le rôle du prêtre. Tourné en extérieur au Mexique, il a été photographié par l »éminent directeur de la photographie mexicain Gabriel Figueroa (qui a travaillé plus tard avec Luis Buñuel). Les seconds rôles comprenaient Dolores del Río, J. Carrol Naish, Ward Bond, Leo Carrillo et Mel Ferrer (pour ses débuts à l »écran) ainsi qu »une équipe de figurants principalement mexicains. Ford aurait considéré qu »il s »agissait de son meilleur film, mais il a connu des résultats relativement médiocres par rapport à son prédécesseur, ne rapportant que 750 000 dollars la première année. Il est également à l »origine d »un désaccord entre Ford et le scénariste Dudley Nichols, qui a mis fin à leur collaboration très fructueuse. Greene lui-même n »appréciait pas du tout cette adaptation de son œuvre.

Fort Apache (Argosy

Au cours de cette année-là, Ford a également aidé son ami et collègue Howard Hawks, qui avait des problèmes avec son film en cours Red River (avec John Wayne) et Ford aurait fait de nombreuses suggestions de montage, notamment l »utilisation d »un narrateur. Fort Apache est suivi d »un autre western, 3 Godfathers, un remake d »un film muet de 1916 avec Harry Carey (à qui la version de Ford est dédiée), que Ford avait lui-même déjà refait en 1919 sous le titre Marked Men, également avec Carey et que l »on croyait perdu. Il mettait en vedette John Wayne, Pedro Armendáriz et Harry « Dobe » Carey Jr (dans l »un de ses premiers grands rôles) dans le rôle de trois hors-la-loi qui sauvent un bébé après la mort de sa mère (Mildred Natwick) en couches, Ward Bond jouant le rôle du shérif qui les poursuit. Le thème récurrent du sacrifice se retrouve également dans The Outcasts of Poker Flat, Three Godfathers, The Wallop, Desperate Trails, Hearts of Oak, Bad Men, Men without Women.

En 1949, Ford retourne brièvement à la Fox pour réaliser Pinky. Il prépare le projet mais ne travaille qu »un jour avant d »être pris d »une maladie, supposée être un zona, et Elia Kazan le remplace (bien que Tag Gallagher suggère que la maladie de Ford était un prétexte pour quitter le film, ce qui déplaisait à Ford).

Son seul film achevé cette année-là était le deuxième volet de sa trilogie de la cavalerie, She Wore a Yellow Ribbon (Argosy).

Le premier film de Ford en 1950 fut la comédie militaire décalée When Willie Comes Marching Home, avec Dan Dailey et Corinne Calvet, avec William Demarest, de la » stock company » de Preston Sturges, et les premières apparitions à l »écran (non créditées) d »Alan Hale Jr. et Vera Miles. Il a été suivi par Wagon Master, avec Ben Johnson et Harry Carey Jr, qui est particulièrement remarquable en tant que seul film de Ford depuis 1930 qu »il a scénarisé lui-même. Il a ensuite été adapté en une série télévisée de longue durée, Wagon Train (avec Ward Bond reprenant le rôle-titre jusqu »à sa mort soudaine en 1960). Bien qu »il ait fait beaucoup moins d »entrées que la plupart de ses autres films de cette période, Ford a cité Wagon Master comme son préféré de tous ses films, déclarant à Peter Bogdanovich qu »il « se rapprochait le plus de ce que j »avais espéré réaliser ».

Rio Grande (Republic, 1950), troisième volet de la » trilogie de la cavalerie « , mettait en vedette John Wayne et Maureen O »Hara, le fils de Wayne, Patrick Wayne, faisant ses débuts à l »écran (il apparaîtra dans plusieurs films de Ford, dont The Searchers). Ce film a été réalisé sur l »insistance de Republic Pictures, qui exigeait un western rentable comme condition pour soutenir le projet suivant de Ford, L »Homme tranquille. Témoignage de l »efficacité légendaire de Ford, Rio Grande a été tourné en seulement 32 jours, avec seulement 352 prises de vue et 335 réglages de caméra, et a connu un solide succès, rapportant 2,25 millions de dollars la première année.

L »inquiétude de Republic fut effacée par le succès retentissant de The Quiet Man (Republic, 1952), un projet de prédilection que Ford voulait réaliser depuis les années 1930 (et qu »il faillit réaliser en 1937 avec une coopérative indépendante appelée Renowned Artists Company). Ce film est devenu son film le plus rentable à ce jour, rapportant près de 4 millions de dollars rien qu »aux États-Unis la première année et se classant parmi les 10 premiers films au box-office de l »année. Il est nommé pour sept Oscars et vaut à Ford son quatrième Oscar du meilleur réalisateur, ainsi qu »un deuxième Oscar de la meilleure photographie pour Winton Hoch. Le film est suivi de What Price Glory ? (1952), un drame sur la Première Guerre mondiale, le premier des deux films que Ford a réalisés avec James Cagney (Mister Roberts était l »autre) qui a également fait de bonnes affaires au box-office (2 millions de dollars).

The Sun Shines Bright (1953), la première participation de Ford au Festival de Cannes, était une comédie dramatique western avec Charles Winninger reprenant le rôle de Judge Priest rendu célèbre par Will Rogers dans les années 30. Ford en parlait plus tard comme de l »un de ses films préférés, mais il a été mal reçu et a été considérablement réduit (de 90 à 65 minutes) par Republic peu après sa sortie, certaines scènes supprimées étant aujourd »hui présumées perdues. Le film n »a pas eu de succès au box-office et son échec a contribué à la faillite d »Argosy Pictures.

Le film suivant de Ford fut la romance-aventure Mogambo (MGM, 1953), un remake libre du célèbre film Red Dust de 1932. Tourné en Afrique, il est photographié par le directeur de la photographie britannique Freddie Young et met en vedette le vieil ami de Ford, Clark Gable, ainsi qu »Ava Gardner, Grace Kelly (qui remplace Gene Tierney, souffrant,) et Donald Sinden. Bien que la production ait été difficile (exacerbée par la présence irritante de Frank Sinatra, le mari de Gable à l »époque), Mogambo est devenu l »un des plus grands succès commerciaux de la carrière de Ford, avec la plus forte recette nationale de la première année de tous ses films (il a également revitalisé la carrière déclinante de Gable et a valu des nominations aux Oscars pour la meilleure actrice et le meilleur second rôle féminin à Gardner et Kelly (qui aurait eu une brève liaison avec Gable pendant le tournage du film).

En 1955, Ford réalise le drame moins connu de West Point, The Long Gray Line, pour Columbia Pictures, le premier des deux films de Ford à mettre en vedette Tyrone Power, qui devait initialement jouer le rôle de Huw adulte dans How Green Was My Valley en 1941. Plus tard en 1955, Ford fut engagé par Warner Bros pour réaliser la comédie navale Mister Roberts, avec Henry Fonda, Jack Lemmon, William Powell et James Cagney, mais il y eut un conflit entre Ford et Fonda, qui jouait le rôle principal à Broadway depuis sept ans et avait des doutes sur la direction de Ford. Au cours d »une réunion à trois avec le producteur Leland Hayward pour essayer d »aplanir les difficultés, Ford devient furieux et frappe Fonda à la mâchoire, le projetant à l »autre bout de la pièce, un geste qui crée un fossé durable entre eux. Après cet incident, Ford devient de plus en plus morose, boit beaucoup et finit par se retirer sur son yacht, l »Araner, en refusant de manger ou de voir qui que ce soit. La production est arrêtée pendant cinq jours et Ford se dégrise, mais peu après, il subit une rupture de la vésicule biliaire, nécessitant une intervention chirurgicale d »urgence, et il est remplacé par Mervyn LeRoy.

Ford fait également ses premières incursions à la télévision en 1955, réalisant deux drames d »une demi-heure pour la télévision de réseau. À l »été 1955, il réalise Rookie of the Year (scénario de Frank S. Nugent, avec les habitués de Ford John et Pat Wayne, Vera Miles et Ward Bond, Ford lui-même apparaissant dans l »introduction). En novembre, il tourne The Bamboo Cross (avec Jane Wyman et une distribution asiatique-américaine, ainsi que les vétérans de la Stock Company Frank Baker et Pat O »Malley dans des rôles secondaires).

Ford revient au grand écran avec The Searchers (Warner Bros, 1956), le seul western qu »il ait réalisé entre 1950 et 1959, qui est aujourd »hui largement considéré non seulement comme l »un de ses meilleurs films, mais aussi par beaucoup comme l »un des plus grands westerns, et l »une des meilleures interprétations de la carrière de John Wayne. Tourné à Monument Valley, ce film raconte l »histoire d »Ethan Edwards, vétéran aigri de la guerre civile, qui passe des années à rechercher sa nièce, enlevée par des Comanches alors qu »elle était encore une jeune fille. La distribution comprend Jeffrey Hunter, Ward Bond, Vera Miles et l »étoile montante Natalie Wood. C »était le premier film de Hunter pour Ford. Il a connu un grand succès dès sa première sortie et est devenu l »un des 20 premiers films de l »année, avec des recettes de 4,45 millions de dollars, bien qu »il n »ait reçu aucune nomination aux Oscars. Cependant, sa réputation s »est considérablement accrue au cours des années qui ont suivi : il a été désigné comme le plus grand western de tous les temps par l »American Film Institute en 2008 et s »est également classé 12e sur la liste des 100 plus grands films de tous les temps établie par l »institut en 2007. The Searchers a exercé une grande influence sur le cinéma et la culture populaire : il a inspiré (et a été directement cité par) de nombreux cinéastes, dont David Lean et George Lucas, la phrase d »accroche du personnage de Wayne « That »ll be the day » a inspiré Buddy Holly pour sa célèbre chanson du même nom, et le groupe pop britannique The Searchers a également tiré son nom du film.

The Searchers était accompagné de l »un des premiers documentaires « making of », un programme promotionnel en quatre parties créé pour le segment « Behind the Camera » de l »émission télévisée hebdomadaire Warner Bros. Presents (la première incursion du studio à la télévision), diffusée sur le réseau ABC en 1955-56. Présentés par Gig Young, les quatre segments comprenaient des entretiens avec Jeffrey Hunter et Natalie Wood et des séquences tournées en coulisses pendant le tournage du film.

The Wings of Eagles (MGM, 1957) était une biographie romancée du vieil ami de Ford, l »aviateur devenu scénariste Frank « Spig » Wead, qui avait écrit plusieurs des premiers films sonores de Ford. Il mettait en vedette John Wayne et Maureen O »Hara, avec Ward Bond dans le rôle de John Dodge (un personnage inspiré de Ford lui-même). Il fut suivi par l »un des films les moins connus de Ford, The Growler Story, un documentaire dramatisé de 29 minutes sur l »USS Growler. Réalisé pour la marine américaine et filmé par le Combat Camera Group du Pacific Fleet Command, il mettait en scène Ward Bond et Ken Curtis aux côtés de véritables membres de la marine et de leurs familles.

Les deux films suivants de Ford se distinguent quelque peu du reste de ses films en termes de production, et il n »a notamment perçu aucun salaire pour ces deux travaux. The Rising of the Moon (Warner Bros, 1957) est un film « omnibus » en trois parties, tourné en Irlande et basé sur des nouvelles irlandaises. Il a été réalisé par Four Province Productions, une société créée par le magnat irlandais Lord Killanin, qui était récemment devenu président du Comité international olympique, et auquel Ford était lié de loin. Killanin était également le producteur réel (mais non crédité) de The Quiet Man. Le film n »a pas réussi à rentrer dans ses frais, rapportant moins de la moitié (100 000 $) de son coût négatif d »un peu plus de 256 000 $ et il a suscité une certaine controverse en Irlande.

Les deux films de 1958 de Ford ont été réalisés pour Columbia Pictures et tous deux s »écartaient considérablement de la norme de Ford. Gideon »s Day (intitulé Gideon of Scotland Yard aux États-Unis) est adapté du roman de l »écrivain britannique John Creasey. C »est le seul film de genre policier de Ford, et l »un des rares films de Ford se déroulant dans l »actualité des années 1950. Il a été tourné en Angleterre avec une distribution britannique dirigée par Jack Hawkins, que Ford a (exceptionnellement) qualifié de « meilleur acteur dramatique avec lequel j »ai travaillé ». La promotion du film a été médiocre chez Columbia, qui ne l »a distribué qu »en noir et blanc, bien qu »il ait été tourné en couleur, et il n »a pas non plus été rentable la première année, ne rapportant que 400 000 dollars pour un budget de 453 000 dollars.

The Last Hurrah (Columbia, 1958), qui se déroule également dans l »époque actuelle des années 1950, met en vedette Spencer Tracy, qui avait fait sa première apparition au cinéma dans Up The River de Ford en 1930. Tracy incarne un politicien vieillissant qui mène sa dernière campagne, avec Jeffrey Hunter dans le rôle de son neveu. Katharine Hepburn aurait facilité un rapprochement entre les deux hommes, mettant fin à une longue querelle, et elle a convaincu Tracy d »accepter le rôle principal, qui avait été initialement proposé à Orson Welles (mais refusé par l »agent de Welles à son insu, à son grand dam). Le film a fait de bien meilleures affaires que les deux films précédents de Ford, rapportant 950 000 dollars la première année, bien qu »Anna Lee, membre de la distribution, ait déclaré que Ford était « déçu par le film » et que Columbia ne lui avait pas permis de superviser le montage.

Korea : Battleground for Liberty (1959), le deuxième documentaire de Ford sur la guerre de Corée, a été réalisé pour le ministère américain de la Défense en tant que film d »orientation pour les soldats américains stationnés dans ce pays.

Il est suivi de son dernier long métrage de la décennie, The Horse Soldiers (Mirisch Company-United Artists, 1959), une histoire de guerre civile fortement romancée avec John Wayne, William Holden et Constance Towers. Bien que Ford ait déclaré ne pas être satisfait du projet, celui-ci fut un succès commercial, se classant à la première place et dans le top 20 du box-office de l »année, rapportant 3,6 millions de dollars la première année, et rapportant à Ford le plus gros cachet de son histoire : 375 000 dollars, plus 10 % des recettes. La production aurait été difficile pour le réalisateur et les acteurs, et elle a connu d »importants dépassements de coûts, exacerbés par les salaires sans précédent accordés à Holden et Wayne (750 000 dollars, plus 20 % du bénéfice global, chacun). À l »image des tensions à l »écran entre les personnages de Wayne et Holden, les deux acteurs se disputaient constamment ; Wayne s »efforçait également d »aider sa femme Pilar à surmonter sa dépendance aux barbituriques, ce qui a abouti à une tentative de suicide de celle-ci alors que le couple était en tournage en Louisiane. Les problèmes de Ford atteignent leur paroxysme avec la mort tragique du cascadeur Fred Kennedy, qui subit une fracture fatale du cou en exécutant une chute de cheval lors de la séquence de bataille la plus importante. Ford, dévasté par l »accident, se désintéresse du film et ramène la production à Hollywood. Il a également abandonné la fin prévue, qui dépeignait l »entrée triomphale de Marlowe à Baton Rouge, et a préféré conclure le film par les adieux de Marlowe à Hannah Hunter et la traversée et la démolition du pont.

A lire aussi, mythologie – Horus

Dernières années, 1960-1973

Au cours de ses dernières années, Ford a été poursuivi par une santé déclinante, en grande partie le résultat de décennies de consommation excessive d »alcool et de tabac, et exacerbée par les blessures qu »il a subies pendant la bataille de Midway. Sa vision, en particulier, commence à se détériorer rapidement et, à un moment donné, il perd complètement la vue. Sa mémoire prodigieuse commence également à faiblir, ce qui l »oblige à faire de plus en plus appel à des assistants. Son travail est également limité par le nouveau régime en vigueur à Hollywood, et il a du mal à réaliser de nombreux projets. Dans les années 1960, il est catalogué comme réalisateur de westerns et se plaint de la quasi-impossibilité d »obtenir le soutien de projets dans d »autres genres.

Sergeant Rutledge (Ford Productions-Warner Bros, 1960) est le dernier film de cavalerie de Ford. Situé dans les années 1880, il raconte l »histoire d »un cavalier afro-américain (joué par Woody Strode) qui est accusé à tort du viol et du meurtre d »une jeune fille blanche. Commercialisé à tort comme un film à suspense par la Warners, il n »a pas été un succès commercial. En 1960, Ford réalise sa troisième production télévisée, The Colter Craven Story, un épisode d »une heure de la série télévisée Wagon Train, qui comprend des séquences du film Wagon Master de Ford (sur lequel la série est basée). Il s »est également rendu sur le plateau de tournage de The Alamo, produit, réalisé et interprété par John Wayne, où son intervention a amené Wayne à l »envoyer filmer des scènes de second plan qui n »ont jamais été utilisées (ni prévues) dans le film.

Two Rode Together (Ford Productions-Columbia, 1961) mettait en vedette James Stewart et Richard Widmark, avec Shirley Jones et les habitués de la Stock Company, Andy Devine, Henry Brandon, Harry Carey Jr, Anna Lee, Woody Strode, Mae Marsh et Frank Baker, avec une première apparition à l »écran de Linda Cristal, qui allait ensuite jouer dans la série télévisée western The High Chaparral. Ce film a connu un bon succès commercial, rapportant 1,6 million de dollars la première année.

The Man Who Shot Liberty Valance (Ford Productions-Paramount, 1962) est souvent cité comme le dernier grand film de la carrière de Ford. Mettant en vedette John Wayne et James Stewart, la distribution secondaire comprend la vedette Vera Miles, Edmond O »Brien dans le rôle d »un éditeur de journaux loquace, Andy Devine dans celui de l »inepte marshal Appleyard, Denver Pyle, John Carradine et Lee Marvin dans un rôle majeur, celui du brutal Valance, avec Lee Van Cleef et Strother Martin dans le rôle de ses sbires. Il est également remarquable comme étant le film dans lequel Wayne a le plus souvent utilisé sa phrase fétiche « Pilgrim » (son surnom pour le personnage de James Stewart). Le film a connu un grand succès, rapportant plus de 3 millions de dollars la première année, bien que la distribution des rôles principaux ait été peu crédible – les personnages joués par Stewart (alors âgé de 53 ans) et Wayne (alors âgé de 54 ans) pouvaient être considérés comme ayant une vingtaine d »années étant donné les circonstances, et Ford aurait envisagé de confier le rôle de Stewart à un acteur plus jeune, mais craignait que cela ne fasse ressortir l »âge de Wayne. Bien que l »on prétende souvent que les contraintes budgétaires ont nécessité le tournage de la majeure partie du film dans des studios de la Paramount, les documents comptables du studio montrent que cela faisait partie du concept artistique initial du film, selon Joseph McBride, biographe de Ford. Selon Lee Marvin dans une interview filmée, Ford s »était battu pour tourner le film en noir et blanc afin d »accentuer son utilisation des ombres. Il n »en reste pas moins que c »est l »un des films les plus chers de Ford, avec un budget de 3,2 millions de dollars.

Après avoir terminé Liberty Valance, Ford est engagé pour réaliser la partie consacrée à la guerre civile du film épique How The West Was Won de la MGM, le premier film non documentaire à utiliser le procédé Cinerama à écran large. Le segment de Ford mettait en vedette George Peppard, avec Andy Devine, Russ Tamblyn, Harry Morgan dans le rôle d »Ulysses S. Grant, et John Wayne dans celui de William Tecumseh Sherman. Wayne avait déjà joué le rôle de Sherman dans un épisode de 1960 de la série télévisée Wagon Train que Ford avait réalisé pour soutenir la vedette de la série Ward Bond, « The Coulter Craven Story », pour lequel il avait fait appel à la plupart de ses collaborateurs. Toujours en 1962, Ford réalisa sa quatrième et dernière production télévisée, Flashing Spikes, une histoire de baseball réalisée pour la série Alcoa Premiere et mettant en vedette James Stewart, Jack Warden, Patrick Wayne et Tige Andrews, avec Harry Carey Jr. et une longue apparition surprise de John Wayne, annoncé au générique comme « Michael Morris », comme il l »avait également été pour l »épisode de Wagon Train réalisé par Ford.

Donovan »s Reef (Paramount, 1963) est le dernier film de Ford avec John Wayne. Tourné sur l »île hawaïenne de Kauai (qui fait office d »île fictive en Polynésie française), il s »agit d »un jeu de moralité déguisé en comédie d »action, qui aborde subtilement mais avec acuité les questions de la bigoterie raciale, de la connivence des entreprises, de la cupidité et des croyances américaines en matière de supériorité sociale. La distribution comprend Lee Marvin, Elizabeth Allen, Jack Warden, Dorothy Lamour et Cesar Romero. Ce fut également le dernier succès commercial de Ford, avec des recettes de 3,3 millions de dollars pour un budget de 2,6 millions.

Cheyenne Autumn (Warner Bros, 1964) fut l »adieu épique de Ford à l »Ouest, qu »il déclara publiquement être une élégie aux Amérindiens. C »était son dernier western, son film le plus long et le plus cher de sa carrière (4,2 millions de dollars), mais il n »a pas réussi à rentrer dans ses frais au box-office et a perdu environ 1 million de dollars lors de sa première sortie. Le casting de stars était dirigé par Richard Widmark, avec Carroll Baker, Karl Malden, Dolores del Río, Ricardo Montalbán, Gilbert Roland, Sal Mineo, James Stewart dans le rôle de Wyatt Earp, Arthur Kennedy dans celui de Doc Holliday, Edward G. Robinson, Patrick Wayne, Elizabeth Allen, Mike Mazurki et de nombreux fidèles de la Stock Company de Ford, dont John Carradine, Ken Curtis, Willis Bouchey, James Flavin, Danny Borzage, Harry Carey Jr, Chuck Hayward, Ben Johnson, Mae Marsh et Denver Pyle. William Clothier a été nommé pour l »Oscar de la meilleure cinématographie et Gilbert Roland a été nommé pour le Golden Globe du meilleur acteur dans un second rôle pour son interprétation de l »aîné des Cheyennes, Dull Knife.

En 1965, Ford commence à travailler sur Young Cassidy (MGM), un drame biographique basé sur la vie du dramaturge irlandais Seán O »Casey, mais il tombe malade au début de la production et est remplacé par Jack Cardiff.

Le dernier long métrage achevé par Ford fut 7 Women (MGM, 1966), un drame se déroulant vers 1935, sur des femmes missionnaires en Chine qui tentent de se protéger des avances d »un seigneur de guerre mongol barbare. Anne Bancroft a succédé dans le rôle principal à Patricia Neal, victime d »une attaque cérébrale quasi fatale deux jours après le début du tournage. Les seconds rôles sont tenus par Margaret Leighton, Flora Robson, Sue Lyon, Mildred Dunnock, Anna Lee, Eddie Albert, Mike Mazurki et Woody Strode. La musique est signée Elmer Bernstein. Malheureusement, ce fut un échec commercial, ne rapportant que la moitié de son budget de 2,3 millions de dollars. Fait inhabituel pour Ford, il a été tourné en continuité pour le bien des performances et il a donc exposé environ quatre fois plus de pellicule qu »il n »en tournait habituellement. Anna Lee se souvient que Ford était « absolument charmant » avec tout le monde et que le seul problème majeur est survenu lorsque Flora Robson s »est plainte que le panneau sur la porte de sa loge n »incluait pas son titre (« Dame ») et qu »en conséquence, Robson a été « absolument déchiqueté » par Ford devant les acteurs et l »équipe.

Le projet suivant de Ford, The Miracle of Merriford, fut abandonné par la MGM moins d »une semaine avant le début du tournage. Sa dernière œuvre achevée fut Chesty : A Tribute to a Legend, un documentaire sur le Marine américain le plus décoré, le général Lewis B. Puller, avec une narration de John Wayne, qui a été réalisé en 1970 mais n »est sorti qu »en 1976, trois ans après la mort de Ford.

La santé de Ford se détériore rapidement au début des années 1970 ; il souffre d »une fracture de la hanche en 1970 qui le place dans un fauteuil roulant. Il dut quitter sa maison de Bel Air pour une maison de plain-pied à Palm Desert, en Californie, près du centre médical Eisenhower, où il était traité pour un cancer de l »estomac. La Screen Directors Guild organise un hommage à Ford en octobre 1972 et, en mars 1973, l »American Film Institute lui décerne son premier Lifetime Achievement Award lors d »une cérémonie retransmise dans tout le pays. Le président Richard Nixon promeut Ford au rang d »amiral et lui remet la médaille présidentielle de la liberté.

Selon le partenaire et ami de longue date de Ford, John Wayne, Ford aurait pu continuer à réaliser des films. Il a dit à Roger Ebert en 1976 :

Jusqu »aux dernières années de sa vie… Pappy aurait pu réaliser un autre film, et un sacrément bon. Mais ils ont dit que Pappy était trop vieux. Il n »a jamais été trop vieux. A Hollywood, de nos jours, ils ne soutiennent pas un type. Ils préfèrent en faire une putain de légende et en finir avec lui.

Ford est décédé le 31 août 1973 à Palm Desert et ses funérailles ont eu lieu le 5 septembre à l »église du Saint-Sacrement de Hollywood. Il a été enterré au cimetière Holy Cross de Culver City, en Californie.

Personnalité

Ford était réputé pour sa personnalité intense et ses nombreuses idiosyncrasies et excentricités. Dès le début des années trente, il portait toujours des lunettes noires et un cache sur l »œil gauche, ce qui ne servait qu »en partie à protéger sa mauvaise vue. Il était un fumeur de pipe invétéré et, pendant le tournage, il mâchait un mouchoir en lin – chaque matin, sa femme lui donnait une douzaine de mouchoirs frais, mais à la fin d »une journée de tournage, les coins de tous les mouchoirs étaient en lambeaux. Il mettait toujours de la musique sur le plateau et faisait régulièrement une pause pour prendre le thé (Earl Grey) au milieu de l »après-midi, tous les jours pendant le tournage. Il décourageait les bavardages et n »aimait pas les gros mots sur le plateau ; leur utilisation, surtout devant une femme, entraînait généralement l »expulsion du contrevenant de la production. Il buvait rarement pendant le tournage d »un film, mais à la fin d »une production, il s »enfermait souvent dans son bureau, enveloppé d »un drap, et se lançait dans une beuverie solitaire pendant plusieurs jours, suivie d »une contrition systématique et d »un vœu de ne plus jamais boire. Il était extrêmement sensible à la critique et était toujours particulièrement irrité par toute comparaison entre son travail et celui de son frère aîné Francis. Il assistait rarement aux premières ou aux cérémonies de remise de prix, même si ses Oscars et autres récompenses étaient fièrement exposés sur la cheminée de sa maison.

Des rumeurs circulent parfois sur ses préférences sexuelles et, dans son autobiographie »Tis Herself, Maureen O »Hara se souvient avoir vu Ford embrasser un célèbre acteur masculin (qu »elle ne nomme pas) dans son bureau des studios Columbia.

Il est célèbre pour son manque d »ordre, et son bureau est toujours jonché de livres, de papiers et de vêtements. Il a acheté une Rolls-Royce flambant neuve dans les années 1930, mais n »est jamais monté dedans car sa femme, Mary, ne le laissait pas fumer. Sa propre voiture, un roadster Ford cabossé, était tellement délabrée et en désordre qu »il est un jour arrivé en retard à une réunion de studio parce que le gardien à l »entrée du studio ne croyait pas que le vrai John Ford conduirait une telle voiture et a refusé de le laisser entrer.

Ford était également connu pour son antipathie envers les dirigeants des studios. Sur l »un de ses premiers films pour la Fox, il aurait ordonné à un garde d »empêcher le patron du studio, Darryl F. Zanuck, d »entrer sur le plateau. Une autre fois, il a amené un cadre devant l »équipe, l »a placé de profil et a annoncé : « Voici un producteur associé – regardez bien, car vous ne le verrez plus sur ce film ». Pendant le tournage de Rio Grande en 1950, le producteur Herbert Yates et le cadre de Republic Rudy Ralston visitèrent le lieu de tournage et lorsque Yates fit remarquer l »heure (il était 10 heures du matin) et demanda à Ford quand il comptait commencer le tournage, Ford aboya : « Dès que vous aurez quitté mon plateau ! » Au dîner, Ford aurait recruté un membre de la distribution, Alberto Morin, pour se faire passer pour un serveur français inepte, qui a renversé de la soupe sur eux, cassé des assiettes et causé un désordre général, mais les deux cadres n »ont apparemment pas réalisé qu »ils étaient les victimes d »une des blagues de Ford.

Sa fierté et sa joie étaient son yacht, Araner, qu »il a acheté en 1934 et sur lequel il a dépensé des centaines de milliers de dollars en réparations et améliorations au fil des ans ; il est devenu sa principale retraite entre les films et un lieu de rencontre pour son cercle d »amis proches, dont John Wayne et Ward Bond.

Ford était très intelligent, érudit, sensible et sentimental, mais pour se protéger dans l »atmosphère impitoyable d »Hollywood, il cultivait l »image d »un « fils de pute irlandais dur à cuire, aux deux poings et buveur invétéré ». Un événement célèbre, dont a été témoin l »ami de Ford, l »acteur Frank Baker, illustre de manière frappante la tension entre le personnage public et l »homme privé. Pendant la Dépression, Ford – alors un homme très riche – fut accosté devant son bureau par un ancien acteur d »Universal qui était sans ressources et avait besoin de 200 dollars pour une opération de sa femme. Alors que l »homme racontait ses malheurs, Ford semblait devenir furieux et, à l »horreur des spectateurs, il se jeta sur l »homme, le fit tomber par terre et cria : « Comment osez-vous venir ici comme ça ? Pour qui vous prenez-vous pour me parler de la sorte ? » avant de sortir en trombe de la pièce. Cependant, alors que le vieil homme secoué quittait le bâtiment, Frank Baker a vu le directeur commercial de Ford, Fred Totman, le rejoindre à la porte, où il a remis à l »homme un chèque de 1 000 dollars et a demandé au chauffeur de Ford de le conduire chez lui. Là, une ambulance attendait pour emmener la femme de l »homme à l »hôpital où un spécialiste, venu par avion de San Francisco aux frais de Ford, a pratiqué l »opération. Quelque temps plus tard, Ford a acheté une maison pour le couple et les a pensionnés à vie. Lorsque Baker raconta cette histoire à Francis Ford, celui-ci déclara qu »elle était la clé de la personnalité de son frère :

A tout moment, si ce vieil acteur avait continué à parler, les gens auraient réalisé à quel point Jack est un tendre. Il n »aurait pas pu supporter cette triste histoire sans s »effondrer. Il a construit toute cette légende de dureté autour de lui pour protéger sa douceur.

Dans le livre Wayne and Ford, The Films, the Friendship, and the Forging of an American Hero de Nancy Schoenberger, l »auteur dissèque l »impact culturel de la masculinité dépeinte dans les films de Ford. Dans une interview accordée au Portland Magazine, Schoenberger déclare : « En ce qui concerne Ford et Wayne qui « tordent le cou aux conventions de ce qu »est un »homme » aujourd »hui », je pense que Ford, ayant grandi avec des frères qu »il idolâtrait, dans un monde brutal de boxeurs, de buveurs et de rouspéteurs, a trouvé son thème le plus profond dans la camaraderie masculine, en particulier dans l »armée, l »un des rares endroits où les hommes peuvent exprimer leur amour pour d »autres hommes. Mais il s »intéresse aux hommes agissant héroïquement, ainsi le type le plus macho n »est pas toujours le plus héroïque. McLaglen présentait souvent le côté comique de la masculinité fanfaronne. Ford faisait ressortir la tendresse de Wayne ainsi que sa dureté, notamment dans Stagecoach. »

A lire aussi, biographies-fr – Kęstutis

Style général

Ford avait de nombreuses marques stylistiques distinctives et une série de préoccupations thématiques et de motifs visuels et sonores se retrouvent dans toute son œuvre de réalisateur. Le journaliste cinématographique Ephraim Katz a résumé certaines des principales caractéristiques de l »œuvre de Ford dans son article de la Collins Film Encyclopedia :

De tous les réalisateurs américains, Ford a probablement eu la vision personnelle la plus claire et le style visuel le plus cohérent. Ses idées et ses personnages sont, comme beaucoup de choses « américaines », d »une simplicité trompeuse. Ses héros … peuvent sembler être simplement des solitaires, des marginaux de la société établie, qui s »expriment généralement par l »action plutôt que par les mots. Mais leur conflit avec la société incarne des thèmes plus larges de l »expérience américaine.

Contrairement à son contemporain Alfred Hitchcock, Ford n »a jamais utilisé de story-board, composant ses films entièrement dans sa tête, sans aucun schéma écrit ou graphique des plans qu »il utiliserait. L »élaboration des scénarios pouvait être intense mais, une fois approuvés, ses scénarios étaient rarement réécrits. Il fut également l »un des premiers cinéastes à encourager ses scénaristes et ses acteurs à préparer une histoire complète pour leurs personnages. Il détestait les longues scènes d »exposition et était célèbre pour avoir déchiré des pages d »un scénario pour couper les dialogues. Pendant le tournage de Mogambo, lorsque le producteur du film, Sam Zimbalist, lui reprocha d »avoir trois jours de retard sur le calendrier, Ford répondit en arrachant trois pages du scénario et en déclarant « Nous sommes dans les temps ». Pendant le tournage de Drums Along the Mohawk, Ford a habilement contourné le défi que représentait le tournage d »une scène de bataille importante et coûteuse : il a demandé à Henry Fonda d »improviser un monologue tout en répondant, derrière la caméra, à des questions sur le déroulement de la bataille (un sujet que Fonda connaissait bien), puis il a simplement supprimé les questions au montage.

Il était relativement économe dans l »utilisation des mouvements de caméra et des gros plans, préférant les plans statiques de moyenne ou longue durée, avec ses acteurs cadrés sur des panoramas dramatiques ou des intérieurs éclairés dans un style expressionniste, bien qu »il ait souvent utilisé des plans panoramiques et parfois un travelling dramatique (par exemple, la première apparition de John Wayne dans Stagecoach). Ford est célèbre pour ses travelling passionnants, comme la séquence de poursuite des Apaches dans Stagecoach ou l »attaque du camp des Comanches dans The Searchers.

Parmi les motifs visuels récurrents, citons les trains et les wagons – de nombreux films de Ford commencent et se terminent par l »arrivée et le départ d »un véhicule de liaison tel qu »un train ou un wagon -, les portes, les routes, les fleurs, les rivières, les rassemblements (il a également employé des motifs gestuels dans de nombreux films, notamment le fait de lancer des objets et d »allumer des lampes, des allumettes ou des cigarettes. Si un personnage condamné est montré jouant au poker (comme Liberty Valance ou le tireur Tom Tyler dans Stagecoach), la dernière main qu »il joue est la « main de la mort » – deux huit et deux as, dont l »as de pique – appelée ainsi parce qu »on dit que Wild Bill Hickok avait cette main lorsqu »il a été assassiné. Nombre de ses films sonores comprennent des interprétations ou des citations de son hymne préféré, « Shall We Gather at the River ? », comme son utilisation parodique pour souligner les scènes d »ouverture de Stagecoach, lorsque la prostituée Dallas est chassée de la ville par les matrones locales. Les noms de personnages reviennent également dans de nombreux films de Ford – le nom Quincannon, par exemple, est utilisé dans plusieurs films dont The Lost Patrol, Rio Grande, She Wore A Yellow Ribbon et Fort Apache, le personnage de John Wayne s »appelle « Kirby Yorke » dans Fort Apache et Rio Grande, et les noms Tyree et Boone reviennent également dans plusieurs films de Ford.

Des travaux récents sur les représentations des Amérindiens par Ford ont fait valoir que, contrairement à la croyance populaire, ses personnages indiens variaient entre des images hostiles et sympathiques, de The Iron Horse à Cheyenne Autumn. Sa représentation des Navajos dans Wagon Master incluait des personnages parlant la langue navajo. Le signe distinctif des westerns à thème indien de Ford est que ses personnages autochtones sont toujours restés à l »écart de la société blanche.

Ford était légendaire pour sa discipline et son efficacité sur le plateau de tournage et était connu pour être extrêmement dur avec ses acteurs, se moquant fréquemment d »eux, leur criant dessus et les malmenant ; il était également tristement célèbre pour ses blagues parfois sadiques. Tout acteur assez stupide pour exiger un traitement de star recevait toute la force de son mépris et de ses sarcasmes incessants. Il a déjà qualifié John Wayne de « gros idiot » et a même frappé Henry Fonda. Henry Brandon (qui jouait le chef Scar dans The Searchers) a un jour qualifié Ford de « seul homme capable de faire pleurer John Wayne » . Il a également dénigré Victor McLaglen, s »écriant à une occasion dans le mégaphone : « Vous savez, McLaglen, que la Fox vous paie 1200 dollars par semaine pour faire des choses que n »importe quel enfant des rues pourrait faire mieux ? ». Ward Bond, vétéran de la Stock Company, aurait été l »un des rares acteurs à rester insensible aux railleries et aux sarcasmes de Ford. Sir Donald Sinden, qui était alors une star sous contrat pour la Rank Organisation aux studios de Pinewood lorsqu »il joua dans Mogambo, ne fut pas la seule personne à souffrir du comportement notoire de John Ford. Il se souvient : « Dix chasseurs blancs ont été détachés dans notre unité pour notre protection et pour nous fournir de la viande fraîche. Parmi eux se trouvait Marcus, Lord Wallscourt, un homme charmant que Ford traitait de manière abjecte, parfois très sadique. Aux yeux de Ford, le pauvre homme ne pouvait rien faire de bien et se faisait continuellement engueuler devant toute l »unité (d »une certaine manière, il m »enlevait parfois la pression). Aucun d »entre nous ne pouvait comprendre la raison de ce traitement épouvantable, que ce brave homme ne méritait en aucun cas. Lui-même n »y comprenait rien. Plusieurs semaines plus tard, le beau-frère de Ford nous en a révélé la cause : avant d »émigrer en Amérique, le grand-père de Ford avait été ouvrier sur le domaine irlandais de l »ancien Lord Wallscourt : Ford se vengeait ainsi de son descendant. Ce n »est pas un spectacle charmant. » « Nous devions maintenant retourner aux studios britanniques de la MGM à Londres pour tourner toutes les scènes d »intérieur. Quelqu »un a dû faire remarquer à Ford qu »il s »était montré très désagréable avec moi pendant tout le tournage en extérieur et quand je suis arrivé pour mon premier jour de travail, j »ai découvert qu »il avait fait peindre un grand panneau à l »entrée de notre plateau en lettres capitales indiquant « SOYEZ BON POUR DONALD WEEK ». Il a tenu parole pendant sept jours exactement. Le huitième jour, il a arraché l »affiche et a repris son comportement habituel d »intimidateur. »

Ford ne donnait généralement que peu de directives explicites à ses acteurs, bien qu »il lui arrivait de jouer lui-même une scène avec désinvolture, et les acteurs étaient censés noter chaque action ou maniérisme subtil ; s »ils ne le faisaient pas, Ford leur faisait répéter la scène jusqu »à ce qu »ils l »obtiennent, et il réprimandait et rabaissait souvent ceux qui ne parvenaient pas à réaliser la performance qu »il souhaitait. Dans The Man Who Shot Liberty Valance, Ford a répété une scène avec Edmond O »Brien et a terminé en laissant tomber sa main sur une balustrade. O »Brien le remarqua mais l »ignora délibérément, plaçant sa main sur la balustrade à la place ; Ford ne le corrigea pas explicitement et il aurait fait jouer la scène à O »Brien quarante-deux fois avant que l »acteur ne cède et ne la fasse à la manière de Ford.

Malgré sa personnalité souvent difficile et exigeante, de nombreux acteurs qui ont travaillé avec Ford ont reconnu qu »il faisait ressortir le meilleur d »eux-mêmes. John Wayne a remarqué que « Personne ne pouvait gérer les acteurs et l »équipe comme Jack ». Dobe Carey a déclaré que « Il avait une qualité qui poussait tout le monde à se tuer à la tâche pour lui faire plaisir. En arrivant sur le plateau, on sentait tout de suite que quelque chose de spécial allait se produire. On se sentait spirituellement éveillé tout d »un coup. » Carey attribue à Ford l »inspiration de son dernier film, Comanche Stallion (2005).

Le lieu de tournage préféré de Ford pour ses films western était Monument Valley, dans le sud de l »Utah. Bien que la géographie ne soit généralement pas appropriée comme cadre pour ses intrigues, l »impact visuel expressif de la région a permis à Ford de définir des images de l »Ouest américain avec certaines des plus belles et des plus puissantes cinématographies jamais tournées, dans des films tels que Stagecoach, The Searchers et Fort Apache. Un exemple notable est la célèbre scène de She Wore a Yellow Ribbon dans laquelle la troupe de cavalerie est photographiée face à une tempête qui s »annonce. L »influence sur les films d »artistes classiques du western, tels que Frederic Remington et d »autres, a été examinée. L »utilisation évocatrice du territoire par Ford pour ses westerns a défini les images de l »Ouest américain de manière si puissante qu »Orson Welles a déclaré un jour que d »autres cinéastes refusaient de tourner dans la région par crainte du plagiat.

Ford ne tournait généralement que les séquences dont il avait besoin et filmait souvent en séquence, minimisant ainsi le travail de ses monteurs. La technique de Ford consistant à couper dans la caméra lui permettait de conserver le contrôle créatif à une époque où les réalisateurs n »avaient souvent pas leur mot à dire sur le montage final de leurs films. Ford a noté :

Je ne leur donne pas beaucoup de pellicule pour jouer. En fait, Eastman se plaignait que j »exposais si peu de pellicule. Je fais les coupes dans la caméra. Sinon, si vous leur donnez beaucoup de pellicule, le « comité » prend le dessus. Ils commencent à jongler avec les scènes, à enlever ceci et à mettre cela. Ils ne peuvent pas le faire avec mes films. Je coupe dans la caméra et c »est tout. Il ne reste pas beaucoup de pellicule sur le sol quand j »ai terminé.

Ford a remporté quatre Oscars, tous dans la catégorie Meilleur réalisateur, pour les films L »Informateur (1935), Les Raisins de la colère (1940), Comme ma vallée était verte (1941) et L »Homme tranquille (1952), qui ne sont pas des westerns (Maureen O »Hara, « son actrice préférée », jouait également dans les deux derniers). Il a également été nommé meilleur réalisateur pour Stagecoach (1939). Il a par la suite réalisé deux documentaires, The Battle of Midway et December 7th, qui ont tous deux remporté le prix du meilleur documentaire, bien que ce dernier ne lui ait pas été décerné. À ce jour, Ford détient le record du nombre d »Oscars du meilleur réalisateur, ayant remporté le prix à quatre reprises. William Wyler et Frank Capra arrivent en deuxième position avec trois victoires. Ford est le premier réalisateur à remporter consécutivement le prix du meilleur réalisateur, en 1940 et 1941. Cet exploit a été égalé par Joseph L. Mankiewicz exactement dix ans plus tard, lorsqu »il a remporté le prix du meilleur réalisateur en 1950 et 1951. En tant que producteur, il est également nommé dans la catégorie Meilleur film pour L »homme tranquille. En 1955 et 1957, Ford a reçu le prix George Eastman, décerné par la George Eastman House pour sa contribution remarquable à l »art du cinéma. Il a été le premier lauréat de l »American Film Institute Life Achievement Award en 1973. Cette même année, Ford a reçu la médaille présidentielle de la liberté des mains du président Richard Nixon.

Ford a dirigé 10 acteurs différents dans des performances nominées aux Oscars : Victor McLaglen, Thomas Mitchell, Edna May Oliver, Jane Darwell, Henry Fonda, Donald Crisp, Sara Allgood, Ava Gardner, Grace Kelly et Jack Lemmon. McLaglen, Mitchell, Darwell, Crisp et Lemmon ont remporté un Oscar pour l »un de leurs rôles dans l »un des films de Ford.

Un programme télévisé spécial réunissant Ford, John Wayne, James Stewart et Henry Fonda a été diffusé sur le réseau CBS le 5 décembre 1971, sous le titre The American West of John Ford, avec des extraits de la carrière de Ford entrecoupés d »entretiens menés par Wayne, Stewart et Fonda, qui se sont relayés pour narrer ce documentaire d »une heure.

En 2007, la Twentieth Century Fox a sorti Ford at Fox, un coffret DVD regroupant 24 des films de Ford. Richard Corliss, du magazine Time, l »a désigné comme l »un des « 10 meilleurs DVD de 2007 », le classant à la première place.

Une statue de Ford à Portland, dans le Maine, le représente assis dans un fauteuil de directeur. La statue, réalisée par le sculpteur new-yorkais George M. Kelly, coulée à la Modern Art Foundry d »Astoria, dans l »État de New York, et commandée par la philanthrope louisianaise Linda Noe Laine, a été dévoilée le 12 juillet 1998 à Gorham »s Corner, à Portland, dans le Maine (États-Unis), dans le cadre d »une célébration de Ford, qui a notamment permis de rebaptiser l »auditorium de la Portland High School « John Ford Auditorium ».

En 2019, Jean-Christophe Klotz sort le documentaire John Ford, l »homme qui inventa l »Amérique, sur son influence dans la légende de l »Ouest américain dans des films comme Stagecoach (1939), Les raisins de la colère (1940), L »homme qui tua Liberty Valance (1962) et L »automne cheyenne (1964).

L »Academy Film Archive a conservé un certain nombre de films de John Ford, dont How Green Was My Valley, The Battle of Midway, Drums Along the Mohawk, Sex Hygiene, Torpedo Squadron 8 et Four Sons.

Performances réalisées aux Oscars

Au début de sa vie, la politique de Ford était conventionnellement progressiste ; ses présidents préférés étaient les démocrates Franklin D. Roosevelt et John F. Kennedy et le républicain Abraham Lincoln. Mais malgré ces tendances, beaucoup pensaient qu »il était républicain en raison de sa longue association avec les acteurs John Wayne, James Stewart, Maureen O »Hara et Ward Bond.

L »attitude de Ford face au maccarthysme à Hollywood est exprimée par une histoire racontée par Joseph L. Mankiewicz. Une faction de la Directors Guild of America, dirigée par Cecil B. DeMille, avait essayé de rendre obligatoire la signature d »un serment de loyauté par chaque membre. Une campagne de chuchotement était menée contre Mankiewicz, alors président de la Guilde, alléguant qu »il avait des sympathies communistes. Lors d »une réunion cruciale de la Guilde, la faction de DeMille a parlé pendant quatre heures jusqu »à ce que Ford prenne la parole contre DeMille et propose un vote de confiance à Mankiewicz, qui a été adopté. Ses paroles étaient enregistrées par un sténographe :

Je m »appelle John Ford. Je fais des westerns. Je ne pense pas qu »il y ait quelqu »un dans cette pièce qui sache mieux que Cecil B. DeMille ce que le public américain veut, et il sait certainement comment le lui donner… Mais je ne vous aime pas, C. B. Je n »aime pas ce que vous représentez et je n »aime pas ce que vous avez dit ici ce soir.

La version des faits de Mankiewicz a été contestée en 2016, avec la découverte de la transcription du tribunal, qui a été publiée dans le cadre des archives Mankiewicz. Le récit de Mankiewicz attribue le mérite exclusif du naufrage du DeMille à Ford. Le récit comporte plusieurs embellissements. La décision de DeMille de licencier Mankiewicz avait provoqué une tempête de protestations. DeMille a été la cible d »un torrent d »attaques de la part de nombreux intervenants tout au long de la réunion et, à un moment donné, il a failli être expulsé du conseil de la guilde.

À ce moment-là, Ford s »est levé pour prendre la parole. Il a commencé par défendre le conseil d »administration. Il a revendiqué un rôle personnel dans un vote de confiance pour Joseph Mankiewicz. Il a ensuite appelé à la fin de la politique au sein de la Guilde et à son recentrage sur les conditions de travail. Ford a déclaré à l »assemblée que la guilde avait été créée pour « se protéger des producteurs ». Ford plaide contre « la diffusion d »informations désobligeantes sur un réalisateur, qu »il soit communiste, qu »il batte sa belle-mère ou qu »il batte des chiens. » Ford voulait que le débat et la réunion se terminent car son objectif était l »unité de la guilde. Il a déclaré que Mankiewicz avait été vilipendé et méritait des excuses. Son dernier point est de soutenir DeMille contre d »autres appels à sa démission. Les mots de Ford à propos de DeMille étaient les suivants : « Et je pense que certaines des accusations faites ici ce soir étaient plutôt anti-américaines. Je veux dire qu »un groupe d »hommes s »en est pris au doyen de notre profession. Je ne suis pas d »accord avec C. B. DeMille. Je l »admire. Je ne l »aime pas, mais je l »admire. Tout ce qu »il a dit ce soir, il avait le droit de le dire. Je n »aime pas entendre des accusations contre lui. » Il a conclu en « suppliant » les membres de garder DeMille.

Ford craignait que le départ de DeMille n »ait provoqué la désintégration de l »organisme. Sa deuxième décision fut de faire démissionner l »ensemble du conseil d »administration, ce qui sauva la face à DeMille et permit de régler la question sans démissions forcées. Le lendemain, Ford a écrit une lettre de soutien à DeMille, puis a téléphoné, où Ford a décrit DeMille comme « une figure magnifique », bien au-dessus de ce « foutu paquet de rats ».

Lors d »une réunion houleuse et ardue, Ford prend la défense d »un collègue attaqué de manière soutenue par ses pairs. Il a vu les dangers d »expulser DeMille. Ford a fait face à toute la réunion pour s »assurer que DeMille reste dans la guilde. Plus tard, il a offert sa propre démission – en tant que membre du conseil d »administration – pour s »assurer que la guilde ne se briserait pas et permettrait à DeMille de partir sans perdre la face.

Au fil du temps, cependant, Ford s »allie plus publiquement au parti républicain, se déclarant « républicain du Maine » en 1947. Il dit avoir voté pour Barry Goldwater lors de l »élection présidentielle américaine de 1964 et soutenu Richard Nixon en 1968, devenant ainsi un partisan de la guerre du Vietnam. En 1973, il reçoit la médaille de la liberté des mains du président Nixon, dont il avait publiquement soutenu la campagne.

En 1952, Ford espérait un Robert Taft

En 1966, il a soutenu Ronald Reagan dans sa course au poste de gouverneur et à nouveau pour sa réélection en 1970.

Ford est largement considéré comme l »un des cinéastes les plus influents d »Hollywood. MovieMaker l »a classé au cinquième rang des réalisateurs les plus influents de tous les temps. Vous trouverez ci-dessous quelques-unes des personnes qui ont été directement influencées par Ford ou qui ont grandement admiré son travail :

En décembre 2011, l »Académie irlandaise du cinéma et de la télévision (IFTA), en association avec la succession John Ford et le ministère irlandais des Arts, du Patrimoine et du Gaeltacht, a créé « John Ford Ireland », célébrant l »œuvre et l »héritage de John Ford. L »Académie irlandaise a déclaré qu »à travers John Ford Ireland, elle espère jeter les bases pour honorer, examiner et apprendre de l »œuvre et de l »héritage de John Ford, qui est largement considéré comme l »un des cinéastes les plus importants et les plus influents de sa génération.

Symposium

Le premier symposium John Ford Ireland s »est tenu à Dublin, en Irlande, du 7 au 10 juin 2012. Le symposium, conçu pour s »inspirer de l »influence continue de Ford sur le cinéma contemporain et la célébrer, a proposé un programme diversifié d »événements, notamment une série de projections, des masterclasses, des discussions de groupe, des entretiens publics et une projection en plein air de The Searchers.

Parmi les invités, citons Dan Ford, petit-fils de John Ford ; le compositeur Christopher Caliendo a dirigé le célèbre RTÉ Concert Orchestra qui a interprété sa partition du film The Iron Horse de Ford, ouvrant ainsi les quatre jours de l »événement ; l »auteur et biographe Joseph McBride a donné la conférence d »ouverture du symposium ; Les réalisateurs Peter Bogdanovich, Stephen Frears, John Boorman, Jim Sheridan, Brian Kirk, Thaddeus O »Sullivan et Sé Merry Doyle ont participé à un certain nombre d »événements ; les écrivains irlandais Patrick McCabe, Colin Bateman, Ian Power et Eoghan Harris ont examiné l »œuvre de Ford du point de vue des scénaristes ; Joel Cox a donné un cours magistral de montage ; et des compositeurs et des musiciens, dont David Holmes et Kyle Eastwood, ont discuté de la musique de film.

Le John Ford Ireland Film Symposium s »est à nouveau tenu à Dublin à l »été 2013.

Prix John Ford

Clint Eastwood a reçu le premier prix John Ford en décembre 2011. Il a été remis à M. Eastwood, lors d »une réception à Burbank, en Californie, par Michael Collins, ambassadeur d »Irlande aux États-Unis, Dan Ford, petit-fils de John Ford, et Áine Moriarty, directrice générale de l »Irish Film & Television Academy (IFTA).

En acceptant le prix, M. Eastwood a déclaré : « Toute forme d »association avec John Ford est le rêve de la plupart des réalisateurs, car il a certainement été un pionnier du cinéma américain et j »ai grandi avec ses films. Ses westerns ont eu une grande influence sur moi, comme sur tout le monde, je pense. Lorsque j »ai travaillé avec Sergio Leone il y a quelques années en Italie, son réalisateur préféré était John Ford et il parlait très ouvertement de cette influence. Je tiens à remercier tous ceux qui sont ici, de l »Académie irlandaise, de la famille de John Ford et de John Ford Irlande ».

Ford a reçu la Légion du Mérite avec un « V » de combat, la Air Medal, la Navy and Marine Corps Commendation Medal avec un « V » de combat, la Presidential Medal of Freedom, la China Service Medal, la American Defense Service Medal avec une étoile de service, la American Campaign Medal, la European-African-Middle Eastern Campaign Medal avec trois étoiles de campagne, la Médaille de la campagne d »Asie-Pacifique également avec trois étoiles de campagne, la Médaille de la victoire de la Seconde Guerre mondiale, la Médaille du service d »occupation de la marine, la Médaille du service de la défense nationale avec étoile de service, la Médaille du service en Corée avec une étoile de campagne, la Médaille Samil de l »Ordre du mérite de la sécurité nationale, le Ruban du tir au pistolet distingué (1952-1959) et l »Ordre belge de Léopold.

Documents d »archives

Critique

Sites officiels

Sources

John Ford
John Ford
^ Gallagher, Tag John Ford: The Man and his Films (University of California Press, 1984), »Preface »
^ 1900 Census report Feb 1894 birthdate provided
^ Probably better then known by its Gaelic name, An Spidéal.
^ Andrews, Nigel (February 13, 1982). « How to Spend It: Video Review – Return of the Hollywood greats ». Financial Times. What famous film featured three directional greats of Hollywood, Erich von Stroheim, John Ford and Raoul Walsh among its supporting cast; spent an uncomfortable amount of time venerating the Ku Klux Klan; and did more than any other single work in movie history to found the visual vocabulary of modern cinema? If your lips are shaping The Birth of a Nation, you are right.
^ Gates, Henry Louis Jr. (December 23, 2012). « Tarantino »Unchained, » Part 1: »Django » Trilogy? ». The Root. p. 5. Archived from the original on December 27, 2012. Retrieved September 10, 2018.
Gallagher, 1986, p. 10.
Gallagher, 1986, p. 14.
Gallagher, 1986, p. 15.
Bogdanovich, 1971, p. 49.
Gallagher, 1986, p. 24.
Ford a toujours prétendu avoir comme nom de naissance Sean Aloysius O »Feeney (Aloysius est le prénom d »emprunt qu »il choisit pour sa confirmation), mais son acte de baptême montre que John Ford s »appelait bien John Martin Feeney[1].
Prononciation en anglais américain retranscrite selon la norme API.
Par exemple : son combat contre le nazisme et le maccarthysme, ainsi que ses réserves lors de la guerre de Corée et de la guerre du Viêt Nam. Il est également l »un des premiers réalisateurs à traiter dans ses films les Indiens avec respect et humanité, sans oublier d »évoquer la ségrégation raciale avec Le Sergent noir.
^ O. Welles-P.Bogdanovich, Io, Orson Welles – Baldini&Castoldi 1996, pag. 59 e seg.
^ Eyman, Scott, Print the Legend: The Life and Times of John Ford, New York, Simon & Schuster, 1999. ISBN 0-684-81161-8
^ K. Everson: Forgotten Ford in «Focus on Film», n° 6, London 1971
^ (EN) http://www.medaloffreedom.com/JohnFord.htm