Le Caravage

Delice Bette | août 27, 2022

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Résumé

Michelangelo Merisi (Michele Angelo Merigi ou Amerighi) da Caravaggio, connu simplement sous le nom de Caravage (29 septembre 1571 – 18 juillet 1610), était un peintre italien actif à Rome pendant la majeure partie de sa vie artistique. Durant les quatre dernières années de sa vie, il s »est déplacé entre Naples, Malte et la Sicile jusqu »à sa mort. Ses peintures ont été caractérisées par les critiques d »art comme combinant une observation réaliste de l »état humain, tant physique qu »émotionnel, avec une utilisation dramatique de l »éclairage, qui a eu une influence formatrice sur la peinture baroque.

Le Caravage a eu recours à une observation physique minutieuse et à une utilisation spectaculaire du clair-obscur, connue sous le nom de ténébrisme. Il a fait de cette technique un élément stylistique dominant, transperçant ses sujets de rayons lumineux et d »ombres sombres. Le Caravage a exprimé de manière vivante des scènes et des moments cruciaux, mettant souvent en scène des luttes violentes, la torture et la mort. Il travaille rapidement, avec des modèles vivants, préférant renoncer aux dessins et travailler directement sur la toile. Il a profondément inspiré le nouveau style baroque issu du maniérisme. Son influence se retrouve directement ou indirectement dans les œuvres de Pierre Paul Rubens, Jusepe de Ribera, Gian Lorenzo Bernini et Rembrandt. Les artistes fortement influencés par lui étaient appelés les « Caravaggisti » (ou « Caravagesques »), ainsi que les tenebristes ou tenebrosi (« ombrageux »).

Le Caravage a suivi une formation de peintre à Milan avant de s »installer à Rome lorsqu »il avait une vingtaine d »années. Il s »est fait un nom considérable en tant qu »artiste, mais aussi en tant qu »homme violent, susceptible et provocateur. Une rixe lui vaut d »être condamné à mort pour meurtre et l »oblige à fuir à Naples. Là, il s »impose à nouveau comme l »un des peintres italiens les plus éminents de sa génération. En 1607, il se rend à Malte, puis en Sicile, et tente d »obtenir une grâce papale pour sa condamnation. En 1609, il retourne à Naples, où il est impliqué dans un violent affrontement ; son visage est défiguré et des rumeurs de sa mort circulent. Son comportement erratique et bizarre soulève des questions sur son état mental. Il meurt en 1610 dans des circonstances incertaines alors qu »il se rend de Naples à Rome. Les rapports indiquent qu »il est mort d »une fièvre, mais d »aucuns suggèrent qu »il a été assassiné ou qu »il est mort d »un empoisonnement au plomb.

Les innovations du Caravage ont inspiré la peinture baroque, mais cette dernière a intégré le drame de son clair-obscur sans le réalisme psychologique. Le style a évolué et les modes ont changé, et le Caravage est tombé en disgrâce. Au XXe siècle, son œuvre a connu un regain d »intérêt et son importance dans le développement de l »art occidental a été réévaluée. L »historien de l »art du XXe siècle André Berne-Joffroy a déclaré : « Ce qui commence dans l »œuvre du Caravage est, tout simplement, la peinture moderne ».

Début de la vie (1571-1592)

Le Caravage (Michelangelo Merisi ou Amerighi) est né à Milan, où son père, Fermo (Fermo Merixio), était administrateur de la maison et architecte-décorateur du marquis de Caravaggio, une ville située à 35 km à l »est de Milan et au sud de Bergame. En 1576, la famille s »est installée à Caravaggio (Caravaggius) pour échapper à la peste qui ravageait Milan, et le père et le grand-père de Caravaggio y sont morts le même jour en 1577. On suppose que l »artiste a grandi à Caravaggio, mais sa famille a gardé des liens avec les Sforza et la puissante famille Colonna, alliée par mariage aux Sforza et destinée à jouer un rôle majeur plus tard dans la vie de Caravaggio.

La mère de Caravage meurt en 1584, l »année même où il commence son apprentissage de quatre ans auprès du peintre milanais Simone Peterzano, décrit dans le contrat d »apprentissage comme un élève du Titien. Caravaggio semble être resté dans la région de Milan-Caravaggio après la fin de son apprentissage, mais il est possible qu »il ait visité Venise et vu les œuvres de Giorgione, que Federico Zuccari l »accusera plus tard d »imiter, et du Titien. Il se serait également familiarisé avec les trésors artistiques de Milan, dont la Cène de Léonard de Vinci, et avec l »art régional lombard, un style qui valorisait la simplicité et l »attention portée aux détails naturalistes et qui était plus proche du naturalisme allemand que de la formalité et de la grandeur stylisées du maniérisme romain.

Débuts à Rome (1592

Après sa formation initiale auprès de Simone Peterzano, Caravage quitte Milan pour Rome en 1592, en fuite après « certaines querelles » et la blessure d »un policier. Le jeune artiste arrive à Rome « nu et extrêmement nécessiteux… sans domicile fixe et sans provision… à court d »argent ». Pendant cette période, il loge chez l »avare Pandolfo Pucci, dit « monsignor Insalata ». Quelques mois plus tard, il travaille pour le compte de Giuseppe Cesari, l »artiste préféré du Pape Clément VIII, « peignant des fleurs et des fruits » dans son atelier qui ressemble à une usine.

À Rome, il y avait une demande de peintures pour remplir les nombreuses églises et palazzi gigantesques construits à l »époque. C »est aussi une période où l »Église est à la recherche d »une alternative stylistique au maniérisme dans l »art religieux, afin de contrer la menace du protestantisme. L »innovation du Caravage était un naturalisme radical qui combinait une observation physique minutieuse avec une utilisation dramatique, voire théâtrale, du clair-obscur, connu sous le nom de ténébrisme (passage du clair au foncé avec peu de valeurs intermédiaires).

Parmi les œuvres connues de cette période figurent un petit garçon épluchant un fruit (son premier tableau connu), un garçon avec une corbeille de fruits et le Jeune Bacchus malade, censé être un autoportrait réalisé pendant la convalescence d »une grave maladie qui mit fin à son emploi chez Cesari. Ces trois tableaux témoignent de la particularité physique qui fera la renommée du Caravage : les produits du garçon à la corbeille de fruits ont été analysés par un professeur d »horticulture, qui a pu identifier les différents cultivars jusqu »à « …une grande feuille de figuier présentant une lésion fongique importante ressemblant à l »anthracnose (Glomerella cingulata) ».

Après une vive dispute, Caravage quitte Cesari, déterminé à tracer sa propre voie. C »est à ce moment-là qu »il noue des amitiés extrêmement importantes, avec le peintre Prospero Orsi, l »architecte Onorio Longhi et le jeune artiste sicilien de seize ans Mario Minniti. Orsi, établi dans la profession, le présente à des collectionneurs influents ; Longhi, plus méchant, lui fait découvrir le monde des bagarres de rue romaines. Minniti sert de modèle à Caravaggio et, des années plus tard, l »aidera à obtenir d »importantes commandes en Sicile. La première référence archivistique à Caravaggio dans un document contemporain de Rome est l »inscription de son nom, avec celui de Prospero Orsi comme partenaire, comme « assistante » dans une procession en octobre 1594 en l »honneur de Saint Luc. Le plus ancien compte rendu informatif de sa vie dans la ville est une transcription de tribunal datée du 11 juillet 1597, lorsque Caravaggio et Prospero Orsi ont été témoins d »un crime près de San Luigi de » Francesi.

La Diseuse de bonne aventure, sa première composition comportant plus d »une figure, montre un garçon, probablement Minniti, qui se fait lire les lignes de la main par une gitane, qui enlève furtivement sa bague tout en lui caressant la main. Ce thème, tout à fait nouveau pour Rome, a eu une influence considérable au cours du siècle suivant et au-delà. Toutefois, à l »époque, le Caravage l »a vendu pour pratiquement rien. Le Chasseur de cartes, qui montre un autre jeune homme naïf et privilégié victime de tricheurs, est encore plus complexe sur le plan psychologique et constitue peut-être le premier véritable chef-d »œuvre du Caravage. Comme La Diseuse de bonne aventure, il a connu un immense succès, et plus de 50 exemplaires ont été conservés. Plus important encore, il a attiré le patronage du cardinal Francesco Maria del Monte, l »un des plus grands connaisseurs de Rome. Pour Del Monte et son riche cercle d »amateurs d »art, Caravage exécute un certain nombre de pièces de chambre intimes – Les musiciens, Le joueur de luth, un Bacchus ivre, un Garçon mordu par un lézard, allégorique mais réaliste – mettant en scène Minniti et d »autres modèles adolescents.

Les premières peintures de Caravage sur des thèmes religieux renouent avec le réalisme, et l »émergence d »une spiritualité remarquable. Le premier d »entre eux, La Madeleine pénitente, montre Marie-Madeleine au moment où elle s »est détournée de sa vie de courtisane et est assise en pleurs sur le sol, ses bijoux éparpillés autour d »elle. « Cela ne semblait pas être une peinture religieuse du tout… une fille assise sur un tabouret de bois bas séchant ses cheveux…. Où était le repentir… la souffrance… la promesse de salut ? » Il était discret, à la manière lombarde, et non histrionique à la manière romaine de l »époque. Elle a été suivie par d »autres dans le même style : Sainte Catherine, Marthe et Marie-Madeleine, Judith décapitant Holopherne, un Sacrifice d »Isaac, un Saint François d »Assise en extase et un Repos lors de la fuite en Égypte. Ces œuvres, bien qu »elles aient été vues par un cercle relativement restreint, ont accru la renommée du Caravage auprès des connaisseurs et de ses collègues artistes. Mais sa véritable réputation dépend des commandes publiques, et pour celles-ci, il doit se tourner vers l »Église.

Le réalisme ou le naturalisme intense pour lequel le Caravage est aujourd »hui célèbre était déjà évident. Il préférait peindre ses sujets tels que l »œil les voit, avec tous leurs défauts naturels, plutôt que comme des créations idéalisées. Cela lui permettait de déployer pleinement ses talents de virtuose. Cette rupture avec la pratique standard acceptée et l »idéalisme classique de Michel-Ange a été très controversée à l »époque. Le Caravage s »est également passé des longues préparations traditionnelles de l »Italie centrale de l »époque. Il préférait la pratique vénitienne consistant à travailler à l »huile directement à partir du sujet – figures en demi-longueur et natures mortes. Le Souper à Emmaüs, datant des années 1600-1601, est une œuvre caractéristique de cette période qui témoigne de son talent virtuose.

« Le peintre le plus célèbre de Rome » (1600-1606)

En 1599, vraisemblablement grâce à l »influence de Del Monte, Caravage est chargé de décorer la chapelle Contarelli de l »église de San Luigi dei Francesi. Les deux œuvres composant la commande, Le Martyre de saint Matthieu et L »Appel de saint Matthieu, livrées en 1600, font immédiatement sensation. Par la suite, il ne manqua jamais de commandes ni de mécènes.

Le ténébrisme du Caravage (un clair-obscur accentué) confère un caractère dramatique à ses sujets, tandis que son réalisme observé avec acuité apporte un nouveau niveau d »intensité émotionnelle. L »opinion de ses pairs artistes était polarisée. Certains le dénonçaient pour diverses faiblesses, notamment son insistance à peindre d »après nature, sans dessin, mais pour la plupart, il était salué comme un grand visionnaire artistique : « Les peintres qui se trouvaient alors à Rome ont été très impressionnés par cette nouveauté, et les jeunes, en particulier, se sont rassemblés autour de lui, l »ont loué comme l »unique imitateur de la nature, et ont considéré ses œuvres comme des miracles. »

Le Caravage a ensuite obtenu une série de commandes prestigieuses pour des œuvres religieuses mettant en scène des luttes violentes, des décapitations grotesques, la torture et la mort. L »œuvre la plus remarquable et la plus magistrale sur le plan technique est La prise du Christ (vers 1602) pour la famille Mattei, redécouverte seulement au début des années 1990, en Irlande, après deux siècles d »ignorance. Dans la plupart des cas, chaque nouveau tableau accroissait sa renommée, mais quelques-uns étaient rejetés par les divers organismes auxquels ils étaient destinés, du moins dans leur forme originale, et devaient être repeints ou trouver de nouveaux acheteurs. Le fond du problème est que si l »intensité dramatique de Caravage est appréciée, son réalisme est considéré par certains comme d »une vulgarité inacceptable.

Sa première version de Saint Matthieu et l »Ange, qui représente le saint sous la forme d »un paysan chauve aux jambes sales accompagné d »un ange-garçon légèrement vêtu et trop familier, a été rejetée et une deuxième version a dû être peinte sous le titre L »inspiration de Saint Matthieu. De même, la Conversion de saint Paul a été rejetée, et si une autre version du même sujet, la Conversion sur le chemin de Damas, a été acceptée, elle mettait en scène les croupes du cheval du saint bien plus que le saint lui-même, ce qui a donné lieu à cet échange entre l »artiste et un fonctionnaire exaspéré de Santa Maria del Popolo : « Pourquoi avez-vous mis un cheval au milieu, et Saint Paul au sol ? » « Parce que ! » « Le cheval est-il Dieu ? » « Non, mais il se tient dans la lumière de Dieu ! »

Parmi les autres œuvres figurent la Mise au tombeau, la Madone de Lorette (Madonna di Loreto), la Madone des palefreniers et la Mort de la Vierge. L »histoire de ces deux derniers tableaux illustre l »accueil réservé à certaines œuvres du Caravage, ainsi que l »époque à laquelle il vivait. La Madone des palefreniers, également connue sous le nom de Madonna dei palafrenieri, peinte pour un petit autel de la basilique Saint-Pierre de Rome, n »y est restée que deux jours, puis a été retirée. Le secrétaire d »un cardinal a écrit : « Dans ce tableau, il n »y a que vulgarité, sacrilège, impiété et dégoût… On dirait que c »est une œuvre faite par un peintre qui sait bien peindre, mais d »un esprit sombre, et qui a été pendant longtemps loin de Dieu, de son adoration, et de toute bonne pensée… »

La Mort de la Vierge, commandée en 1601 par un riche juriste pour sa chapelle privée dans la nouvelle église des Carmes de Santa Maria della Scala, a été rejetée par les Carmes en 1606. Giulio Mancini, contemporain de Caravage, rapporte que le tableau a été rejeté parce que Caravage avait utilisé une prostituée connue comme modèle pour la Vierge. Giovanni Baglione, un autre contemporain, raconte que le refus était dû aux jambes nues de Marie – une question de bienséance dans les deux cas. John Gash, spécialiste du Caravage, suggère que le problème pour les Carmes était peut-être plus théologique qu »esthétique, dans la mesure où la version du Caravage n »affirme pas la doctrine de l »Assomption de Marie, c »est-à-dire l »idée que la Mère de Dieu n »est pas morte au sens ordinaire du terme, mais a été assumée au ciel. Le retable de remplacement commandé (à l »un des disciples les plus compétents de Caravage, Carlo Saraceni), montrait la Vierge non pas morte, comme Caravage l »avait peinte, mais assise et mourante ; et même ce retable fut rejeté et remplacé par une œuvre montrant la Vierge non pas mourante, mais montant au ciel avec des chœurs d »anges. Quoi qu »il en soit, ce rejet ne signifiait pas que le Caravage ou ses tableaux n »avaient plus la cote. La Mort de la Vierge fut à peine sortie de l »église qu »elle fut achetée par le duc de Mantoue, sur les conseils de Rubens, puis par Charles Ier d »Angleterre avant d »entrer dans la collection royale française en 1671.

Une pièce séculaire de ces années est Amor Vincit Omnia, en anglais également appelé Amor Victorious, peint en 1602 pour Vincenzo Giustiniani, un membre du cercle de Del Monte. Le modèle est nommé dans un mémoire du début du XVIIe siècle « Cecco », diminutif de Francesco. Il s »agit peut-être de Francesco Boneri, identifié à un artiste actif dans la période 1610-1625 et connu sous le nom de Cecco del Caravaggio (« Cecco du Caravage »), portant un arc et des flèches et foulant aux pieds les symboles des arts et des sciences guerriers et pacifiques. Il n »est pas vêtu, et il est difficile d »accepter que ce gamin souriant soit le dieu romain Cupidon – tout comme il était difficile d »accepter que les autres adolescents à demi vêtus du Caravage soient les divers anges qu »il a peints dans ses toiles, portant à peu près les mêmes ailes de scène. L »essentiel, cependant, est la réalité intense mais ambiguë de l »œuvre : elle est à la fois Cupidon et Cecco, comme les Vierges du Caravage étaient à la fois la Mère du Christ et les courtisanes romaines qui leur servaient de modèles.

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Problèmes juridiques et fuite de Rome (1606)

Caravaggio a mené une vie tumultueuse. Il était connu pour ses bagarres, même à une époque et dans un lieu où un tel comportement était courant, et les transcriptions de ses rapports de police et des procédures judiciaires remplissent de nombreuses pages.

Bellori affirme que vers 1590-1592, le Caravage, déjà connu pour ses bagarres avec des bandes de jeunes gens, a commis un meurtre qui l »a contraint à fuir Milan, d »abord à Venise, puis à Rome.

Le 28 novembre 1600, alors qu »il vit au Palazzo Madama avec son protecteur, le cardinal Del Monte, Caravage frappe à coups de massue le noble Girolamo Stampa da Montepulciano, invité du cardinal, ce qui entraîne une plainte officielle auprès de la police. Les épisodes de bagarres, de violence et de tumulte deviennent de plus en plus fréquents. Caravaggio est souvent arrêté et emprisonné à Tor di Nona.

Après sa sortie de prison en 1601, Caravage revient pour peindre d »abord L »enlèvement du Christ, puis Amor Vincit Omnia. En 1603, il est à nouveau arrêté, cette fois pour la diffamation d »un autre peintre, Giovanni Baglione, qui a poursuivi Caravage et ses disciples Orazio Gentileschi et Onorio Longhi pour avoir écrit des poèmes offensants à son sujet. L »ambassadeur de France intervient, et Caravage est transféré en résidence surveillée après un mois d »emprisonnement à Tor di Nona.

Entre mai et octobre 1604, Caravage est arrêté à plusieurs reprises pour possession d »armes illégales et pour avoir insulté les gardes de la ville. Il a également été poursuivi par un serveur de taverne pour lui avoir jeté une assiette d »artichauts au visage.

En 1605, Caravage est contraint de se réfugier à Gênes pendant trois semaines après avoir grièvement blessé Mariano Pasqualone di Accumoli, un notaire, dans une dispute au sujet de Lena, le modèle et amant de Caravage. Le notaire a déclaré avoir été attaqué le 29 juillet avec une épée, lui causant une grave blessure à la tête. Les mécènes de Caravaggio sont intervenus et ont réussi à étouffer l »incident.

À son retour à Rome, Caravage est poursuivi par sa logeuse Prudenzia Bruni pour ne pas avoir payé son loyer. Par dépit, Caravaggio a jeté des pierres à travers sa fenêtre la nuit et a été poursuivi à nouveau.

En novembre, Caravaggio est hospitalisé pour une blessure qu »il prétend avoir provoquée lui-même en tombant sur sa propre épée.

Une première notice publiée sur le Caravage, datant de 1604 et décrivant son mode de vie trois ans auparavant, raconte qu » »après quinze jours de travail, il se balade pendant un mois ou deux, l »épée au côté et suivi d »un serviteur, d »un terrain de balle à l »autre, toujours prêt à se battre ou à se disputer, de sorte qu »il est très difficile de s »entendre avec lui ». En 1606, il tue un jeune homme au cours d »une rixe, peut-être involontairement, et s »enfuit de Rome avec une condamnation à mort qui pèse sur lui.

Le plus grave problème de Caravage commence le 29 mai 1606, lorsqu »il tue Ranuccio Tommasoni, un gangster issu d »une riche famille, dans un duel à l »épée à Campo Marzio. Les deux hommes s »étaient disputés à de nombreuses reprises, se terminant souvent par des coups. Les circonstances ne sont pas claires et le meurtre pourrait avoir été involontaire.

De nombreuses rumeurs ont circulé à l »époque quant à la cause du duel. Plusieurs avvisi contemporains évoquaient une querelle à propos d »une dette de jeu et d »un jeu de pallacorda, une sorte de tennis ; et cette explication s »est imposée dans l »imaginaire populaire. D »autres rumeurs, cependant, prétendent que le duel était dû à une jalousie à l »égard de Fillide Melandroni, une prostituée romaine bien connue qui avait posé pour lui dans plusieurs tableaux importants ; Tommasoni était son souteneur. Selon ces rumeurs, Caravage aurait castré Tommasoni avec son épée avant de le tuer délibérément, d »autres versions affirmant que la mort de Tommasoni aurait été provoquée accidentellement lors de la castration. Le duel pourrait avoir eu une dimension politique, car la famille de Tommasoni était notoirement pro-espagnole, tandis que Caravaggio était un client de l »ambassadeur de France.

Les mécènes de Caravage avaient jusqu »alors réussi à le protéger des conséquences graves de ses fréquents duels et bagarres, mais la riche famille de Tommasoni est indignée par sa mort et réclame justice. Les mécènes de Caravage ne sont pas en mesure de le protéger. Caravaggio fut condamné à la décapitation pour meurtre, et une prime ouverte fut décrétée permettant à quiconque le reconnaissait d »exécuter légalement la sentence. C »est à cette époque que les peintures du Caravage ont commencé à représenter de manière obsessionnelle des têtes coupées, souvent les siennes.

Caravaggio a été contraint de fuir Rome. Il s »installe juste au sud de la ville, puis à Naples, à Malte et en Sicile.

De bons comptes rendus modernes se trouvent dans M de Peter Robb et Caravaggio d »Helen Langdon : A Life de Peter Robb et Helen Langdon. L »historien de l »art Andrew Graham-Dixon a avancé une théorie liant la mort aux notions d »honneur et de blessure symbolique de la Renaissance. Quels que soient les détails, l »affaire était grave. Auparavant, ses mécènes haut placés l »avaient protégé des conséquences de ses escapades, mais cette fois, ils ne pouvaient rien faire. Caravaggio, mis hors la loi, s »enfuit à Naples.

Exil et mort (1606-1610)

Après la mort de Tomassoni, Caravage se réfugie d »abord dans les propriétés de la famille Colonna au sud de Rome, puis à Naples, où Costanza Colonna Sforza, veuve de Francesco Sforza, dans la maison duquel le père de Caravage avait occupé un poste, tient un palais. À Naples, hors de la juridiction des autorités romaines et protégé par la famille Colonna, le peintre le plus célèbre de Rome devient le plus célèbre de Naples.

Ses liens avec les Colonna lui ont valu une série de commandes importantes de la part de l »église, notamment la Madone du Rosaire et les Sept Œuvres de la Miséricorde. Les sept œuvres de la miséricorde représentent les sept œuvres corporelles de la miséricorde comme un ensemble d »actes de compassion concernant les besoins matériels des autres. Le tableau a été réalisé pour l »église de Pio Monte della Misericordia à Naples, où il se trouve toujours. Le Caravage a réuni les sept œuvres de miséricorde en une seule composition, qui est devenue le retable de l »église. Alessandro Giardino a également établi le lien entre l »iconographie des « Sept Œuvres de la Miséricorde » et les milieux culturels, scientifiques et philosophiques des commanditaires du tableau.

Malgré son succès à Naples, après seulement quelques mois dans la ville, Caravaggio part pour Malte, le quartier général des Chevaliers de Malte. Fabrizio Sforza Colonna, le fils de Costanza, était chevalier de Malte et général des galères de l »ordre. Il semble avoir facilité l »arrivée de Caravage sur l »île en 1607 (et sa fuite l »année suivante). Caravaggio espérait probablement que le patronage d »Alof de Wignacourt, Grand Maître des Chevaliers de Saint-Jean, pourrait l »aider à obtenir le pardon pour la mort de Tomassoni. De Wignacourt fut si impressionné d »avoir le célèbre artiste comme peintre officiel de l »Ordre qu »il l »intronisa comme chevalier, et le premier biographe Bellori rapporte que l »artiste était très heureux de son succès.

Parmi les œuvres majeures de sa période maltaise, citons la Décapitation de Saint Jean Baptiste, sa plus grande œuvre et le seul tableau sur lequel il a apposé sa signature, Saint Jérôme écrivant (tous deux conservés à la co-cathédrale Saint Jean, à La Valette, à Malte) et un Portrait d »Alof de Wignacourt et de son page, ainsi que des portraits d »autres chevaliers importants. Selon Andrea Pomella, La décapitation de Saint Jean Baptiste est largement considérée comme « l »une des œuvres les plus importantes de la peinture occidentale. » Achevé en 1608, le tableau avait été commandé par les Chevaliers de Malte en tant que retable et mesurant 370 par 520 centimètres (150 in × 200 in) était le plus grand retable peint par le Caravage. Il est toujours accroché dans la co-cathédrale Saint-Jean, pour laquelle il a été commandé et où Caravage lui-même a été intronisé et a brièvement servi en tant que chevalier.

Pourtant, à la fin du mois d »août 1608, il est arrêté et emprisonné, probablement à la suite d »une nouvelle bagarre, cette fois avec un chevalier aristocrate, au cours de laquelle la porte d »une maison a été défoncée et le chevalier gravement blessé. Caravaggio est emprisonné par les chevaliers à La Valette, mais il parvient à s »échapper. En décembre, il est expulsé de l »Ordre « comme membre immonde et pourri », une phrase formelle utilisée dans tous les cas de ce genre.

Caravaggio se rend en Sicile où il retrouve son vieil ami Mario Minniti, désormais marié et vivant à Syracuse. Ensemble, ils entreprennent ce qui s »apparente à une tournée triomphale de Syracuse à Messine et, peut-être, à Palerme, la capitale de l »île. À Syracuse et à Messine, Caravage continue à obtenir des commandes prestigieuses et bien rémunérées. Parmi les autres œuvres de cette période figurent l »Enterrement de sainte Lucie, la Résurrection de Lazare et l »Adoration des bergers. Son style continue d »évoluer, montrant désormais des frises de personnages isolés sur de vastes fonds vides. « Ses grands retables siciliens isolent leurs figures ombragées et pitoyablement pauvres dans de vastes zones d »obscurité ; ils suggèrent les craintes désespérées et la fragilité de l »homme, et en même temps transmettent, avec une tendresse nouvelle mais désolée, la beauté de l »humilité et des doux, qui hériteront de la terre ». Des rapports contemporains décrivent un homme dont le comportement devenait de plus en plus bizarre, qui consistait notamment à dormir armé et habillé, à déchirer un tableau au moindre mot de critique et à se moquer des peintres locaux.

Le Caravage a eu un comportement bizarre dès le début de sa carrière. Mancini le décrit comme « extrêmement fou », une lettre de Del Monte note son étrangeté, et le biographe de Minniti en 1724 affirme que Mario a quitté le Caravage à cause de son comportement. L »étrangeté semble avoir augmenté après Malte. Le vite de » pittori Messinesi (« Vies des peintres de Messine ») de Susinno, datant du début du XVIIIe siècle, fournit plusieurs anecdotes pittoresques sur le comportement erratique de Caravage en Sicile, et celles-ci sont reproduites dans des biographies modernes complètes telles que celles de Langdon et Robb. Bellori écrit que la « peur » de Caravage l »a conduit de ville en ville à travers l »île et que finalement, « sentant qu »il n »était plus sûr de rester », il est retourné à Naples. Baglione dit que Caravaggio était « poursuivi par son ennemi », mais comme Bellori, il ne dit pas qui était cet ennemi.

Après seulement neuf mois en Sicile, Caravage retourne à Naples à la fin de l »été 1609. Selon son premier biographe, il était poursuivi par des ennemis en Sicile et a jugé plus sûr de se placer sous la protection des Colonna jusqu »à ce qu »il puisse obtenir le pardon du pape (aujourd »hui Paul V) et retourner à Rome. À Naples, il peint Le Reniement de saint Pierre, un dernier Jean-Baptiste (Borghèse) et son dernier tableau, Le Martyre de sainte Ursule. Son style continue d »évoluer – Sainte Ursule est prise dans un moment d »action et de drame maximal, lorsque la flèche tirée par le roi des Huns la frappe à la poitrine, contrairement aux tableaux précédents qui avaient toute l »immobilité des modèles posés. Le coup de pinceau est également beaucoup plus libre et plus impressionniste.

En octobre 1609, il est impliqué dans un violent affrontement, un attentat à sa vie, peut-être une embuscade tendue par des hommes à la solde du chevalier qu »il avait blessé à Malte ou par une autre faction de l »Ordre. Son visage est gravement défiguré et des rumeurs circulent à Rome selon lesquelles il serait mort. Il peint une Salomé avec la tête de Jean-Baptiste (Madrid), montrant sa propre tête sur un plateau, et l »envoie à de Wignacourt comme une demande de pardon. C »est peut-être à cette époque qu »il peint également un David avec la tête de Goliath, montrant le jeune David avec une expression étrangement triste regardant la tête coupée du géant, qui est encore une fois du Caravage. Il se peut qu »il ait envoyé ce tableau à son mécène, le cardinal Scipione Borghese, amateur d »art sans scrupules, neveu du pape, qui avait le pouvoir d »accorder ou de refuser le pardon. Caravaggio espérait que Borghese pourrait négocier une grâce en échange d »œuvres de l »artiste.

Les nouvelles de Rome encouragent Caravage et, à l »été 1610, il prend un bateau vers le nord pour recevoir le pardon, qui semble imminent grâce à ses puissants amis romains. Il emporte avec lui trois derniers tableaux, cadeaux pour le cardinal Scipione. Ce qui s »est passé ensuite fait l »objet de nombreuses confusions et conjectures, et est entouré de beaucoup de mystère.

Les faits semblent indiquer que le 28 juillet, un avviso (bulletin d »information privé) anonyme envoyé de Rome à la cour ducale d »Urbino annonçait la mort du Caravage. Trois jours plus tard, un autre avviso indiquait qu »il était mort de fièvre sur son chemin de Naples à Rome. Un ami poète de l »artiste a ensuite donné la date du 18 juillet comme date de décès, et un chercheur récent prétend avoir découvert un avis de décès montrant que l »artiste est mort ce jour-là d »une fièvre à Porto Ercole, près de Grosseto en Toscane.

Décès

Caravaggio avait de la fièvre au moment de sa mort, et ce qui l »a tué était un sujet de controverse et de rumeur à l »époque, et a été un sujet de débat et d »étude historique depuis. Selon les rumeurs contemporaines, la famille Tommasoni ou les Chevaliers l »auraient fait tuer par vengeance. Traditionnellement, les historiens ont longtemps pensé qu »il était mort de la syphilis. Certains ont dit qu »il avait eu la malaria, ou peut-être la brucellose due à des produits laitiers non pasteurisés. Certains chercheurs ont affirmé que Caravaggio avait en fait été attaqué et tué par les mêmes « ennemis » qui le poursuivaient depuis qu »il avait fui Malte, peut-être Wignacourt et les Chevaliers.

Les restes du Caravage ont été enterrés au cimetière San Sebastiano de Porto Ercole, qui a fermé en 1956, puis déplacés au cimetière Saint-Érasme, où, en 2010, les archéologues ont mené une enquête d »un an sur les restes trouvés dans trois cryptes et, après avoir utilisé l »ADN, la datation au carbone et d »autres méthodes, ils pensent avec un haut degré de confiance avoir identifié ceux du Caravage. Les premiers tests ont suggéré que Caravaggio pouvait être mort d »un empoisonnement au plomb – les peintures utilisées à l »époque contenaient de grandes quantités de sels de plomb, et Caravaggio est connu pour avoir eu un comportement violent, comme causé par l »empoisonnement au plomb. Des recherches ultérieures ont conclu qu »il était mort des suites d »une blessure subie lors d »une bagarre à Naples, et plus précisément d »une septicémie causée par le Staphylococcus aureus.

Des documents du Vatican publiés en 2002 soutiennent la théorie selon laquelle la riche famille Tommasoni l »a fait traquer et tuer pour se venger du meurtre par Caravage du gangster Ranuccio Tommasoni, lors d »une tentative de castration ratée après un duel pour l »affection du mannequin Fillide Melandroni.

Sexualité

Depuis les années 1970, les spécialistes et les historiens de l »art débattent des déductions de l »homoérotisme dans les œuvres du Caravage comme moyen de mieux comprendre l »homme. Le Caravage ne s »est jamais marié et n »a pas eu d »enfants connus, et Howard Hibbard a observé l »absence de figures féminines érotiques dans l »œuvre de l »artiste : « De toute sa carrière, il n »a pas peint un seul nu féminin », et les pièces de cabinet de la période Del Monte regorgent de « garçons aux lèvres pleines et langoureuses… qui semblent solliciter le spectateur en lui offrant des fruits, du vin, des fleurs et eux-mêmes », ce qui suggère un intérêt érotique pour la forme masculine. Le modèle d »Amor vincit omnia, Cecco di Caravaggio, a vécu avec l »artiste à Rome et est resté avec lui même après qu »il ait été obligé de quitter la ville en 1606, et les deux ont peut-être été amants.

Un lien avec une certaine Lena est mentionné dans une déposition judiciaire de Pasqualone en 1605, où elle est décrite comme « la fille de Michel-Ange ». Selon G.B. Passeri, cette « Lena » était le modèle de Caravage pour la Madone de Lorette ; et selon Catherine Puglisi, « Lena » pourrait être la même personne que la courtisane Maddalena di Paolo Antognetti, qui a nommé Caravage comme « amie intime » dans son propre témoignage en 1604. La rumeur veut que le Caravage ait été follement amoureux de Fillide Melandroni, une prostituée romaine bien connue qui a posé pour lui dans plusieurs tableaux importants.

La sexualité du Caravage a également fait l »objet de spéculations précoces en raison des affirmations d »Honoré Gabriel Riqueti, comte de Mirabeau, à propos de l »artiste. Écrivant en 1783, Mirabeau opposait directement la vie personnelle du Caravage aux écrits de saint Paul dans le livre des Romains, soutenant que les « Romains » pratiquent excessivement la sodomie ou l »homosexualité. Les enseignements de la Sainte Mère l »Église catholique sur la moralité (titre abrégé du livre) contiennent la phrase latine « Et fœminæ eorum immutaverunt naturalem usum in eum usum qui est contra naturam. » Cette phrase, selon Mirabeau, est entrée dans la pensée de Caravage, qui prétendait qu »une telle « abomination » pouvait être attestée par un tableau particulier conservé au musée du grand-duc de Toscane – représentant un chapelet de nature blasphématoire, dans lequel un cercle de trente hommes (turpiter ligati) sont enlacés et présentés dans une composition débridée. Mirabeau note que la nature affectueuse de la représentation du Caravage reflète l »éclat voluptueux de la sexualité de l »artiste. À la fin du XIXe siècle, Sir Richard Francis Burton a identifié le tableau comme étant le tableau de Sainte Rosario du Caravage. Burton identifie également Sainte Rosaire et ce tableau avec les pratiques de Tibère mentionnées par Sénèque le Jeune. L »état de survie et l »emplacement du tableau du Caravage sont inconnus. Aucun tableau de ce type ne figure dans son catalogue ou dans celui de son école.

Outre les tableaux, les preuves proviennent également du procès en diffamation intenté à Caravage par Giovanni Baglione en 1603. Baglione accusait Caravage et ses amis d »avoir écrit et distribué des ragots calomnieux l »attaquant ; les pamphlets, selon l »ami et témoin de Baglione, Mao Salini, avaient été distribués par un certain Giovanni Battista, un bardassa, ou garçon prostitué, partagé par Caravage et son ami Onorio Longhi. Caravaggio a nié connaître un jeune garçon de ce nom, et l »allégation n »a pas été suivie d »effet.

Le tableau de Baglione représentant « L »amour divin » a également été considéré comme une accusation visuelle de sodomie à l »encontre du Caravage. De telles accusations étaient dommageables et dangereuses, car la sodomie était un crime capital à l »époque. Même s »il était peu probable que les autorités enquêtent sur une personne aussi bien informée que le Caravage, « une fois qu »un artiste a été accusé d »être un pédéraste, son œuvre est également salie ». Francesco Susino, dans sa biographie ultérieure, relate en outre l »histoire selon laquelle l »artiste a été poursuivi par un maître d »école en Sicile pour avoir passé trop de temps à contempler les garçons dont il avait la charge. Susino présente cette histoire comme un malentendu, mais certains auteurs ont émis l »hypothèse que le Caravage aurait effectivement cherché à avoir des relations sexuelles avec les garçons, utilisant cet incident pour expliquer certaines de ses peintures qu »ils estiment homoérotiques.

L »historien de l »art Andrew Graham-Dixon a résumé le débat :

On a beaucoup parlé de l »homosexualité présumée du Caravage, qui a été présentée dans plus d »un récit de sa vie comme la clé unique expliquant tout, aussi bien la puissance de son art que les malheurs de sa vie. Il n »y a pas de preuve absolue, seulement de solides indices circonstanciels et de nombreuses rumeurs. La balance des probabilités suggère que le Caravage a effectivement eu des relations sexuelles avec des hommes. Mais il a certainement eu des amantes. Pendant toutes les années qu »il a passées à Rome, il a fréquenté un certain nombre de prostituées. La vérité est que Caravage était aussi mal à l »aise dans ses relations que dans la plupart des autres aspects de la vie. Il a probablement couché avec des hommes. Il a couché avec des femmes. Il ne s »est fixé avec personne… L »idée qu »il ait été un martyr précoce des pulsions d »une sexualité non conventionnelle est une fiction anachronique.

Le critique d »art du Washington Post Philip Kennicott s »est insurgé contre ce qu »il considère comme une minimisation de l »homosexualité du Caravage par Graham-Dixon :

Il y avait de l »agitation dans le ton chaque fois qu »un universitaire ou un conservateur était obligé de s »attaquer à la sexualité transgressive, et on la retrouve même dans des histoires relativement récentes, comme la biographie du Caravage publiée en 2010 par Andrew Graham-Dixon, qui reconnaît seulement qu » »il a probablement couché avec des hommes ». L »auteur note la fluidité des désirs sexuels de l »artiste mais donne à certaines des peintures les plus explicitement homoérotiques de Caravage des lectures torturées pour les maintenir en sécurité dans la catégorie de la simple « ambiguïté ».

La naissance du baroque

Le Caravage a « mis l »oscuro (les ombres) dans le clair-obscur ». Le clair-obscur était pratiqué bien avant son entrée en scène, mais c »est le Caravage qui en a fait un élément stylistique dominant, assombrissant les ombres et transperçant le sujet d »un rayon de lumière aveuglant. Cette technique s »accompagne d »une observation aiguë de la réalité physique et psychologique, qui est à l »origine de son immense popularité et de ses fréquents problèmes avec les commissions religieuses.

Il travaillait à grande vitesse, d »après des modèles vivants, en marquant les guides de base directement sur la toile avec le bout du manche du pinceau ; très peu de dessins du Caravage semblent avoir survécu, et il est probable qu »il préférait travailler directement sur la toile. Cette approche était un anathème pour les artistes qualifiés de son époque, qui décriaient son refus de travailler à partir de dessins et d »idéaliser ses figures. Pourtant, les modèles étaient essentiels à son réalisme. Certains ont été identifiés, notamment Mario Minniti et Francesco Boneri, tous deux collègues artistes, Minniti apparaissant comme diverses figures dans les premières œuvres profanes, le jeune Boneri comme une succession d »anges, de baptistes et de David dans les toiles plus tardives. Parmi ses modèles féminins, citons Fillide Melandroni, Anna Bianchini et Maddalena Antognetti (la « Lena » mentionnée dans les documents judiciaires de l »affaire de l » »artichaut » comme étant la concubine de Caravage), toutes des prostituées connues, qui apparaissent comme des figures religieuses féminines, dont la Vierge et divers saints. Le Caravage lui-même apparaît dans plusieurs tableaux, son dernier autoportrait étant celui du témoin à l »extrême droite du Martyre de Sainte Ursule.

Le Caravage avait une capacité remarquable à exprimer dans une scène d »une vivacité inégalée le passage d »un moment crucial. La Cène d »Emmaüs représente la reconnaissance du Christ par ses disciples : un instant avant, il est un compagnon de voyage, pleurant la disparition du Messie, comme il ne cesse de l »être aux yeux de l »aubergiste ; la seconde d »après, il est le Sauveur. Dans L »appel de saint Matthieu, la main du saint se désigne comme s »il disait « qui, moi ? », tandis que ses yeux, fixés sur la figure du Christ, ont déjà dit : « Oui, je te suivrai ». Avec La résurrection de Lazare, il va un peu plus loin, en donnant un aperçu du processus physique réel de la résurrection. Le corps de Lazare est encore en proie à la rigidité cadavérique, mais sa main, qui regarde et reconnaît celle du Christ, est vivante. D »autres grands artistes baroques suivront la même voie, comme le Bernin, fasciné par les thèmes des Métamorphoses d »Ovide.

Les Caravaggisti

L »installation des tableaux de Saint Matthieu dans la chapelle Contarelli a eu un impact immédiat parmi les jeunes artistes de Rome, et le caravagisme est devenu le point de mire de tout jeune peintre ambitieux. Parmi les premiers caravagistes figurent Orazio Gentileschi et Giovanni Baglione. La phase caravagesque de Baglione fut de courte durée ; Caravaggio l »accusa plus tard de plagiat et les deux hommes furent impliqués dans une longue querelle. Baglione a ensuite écrit la première biographie du Caravage. Dans la génération suivante de Caravagistes, on trouve Carlo Saraceni, Bartolomeo Manfredi et Orazio Borgianni. Gentileschi, bien que considérablement plus âgée, fut la seule de ces artistes à vivre bien au-delà de 1620, et finit comme peintre de la cour de Charles Ier d »Angleterre. Sa fille, Artemisia Gentileschi, était également proche du Caravage sur le plan stylistique, et l »une des plus douées du mouvement. Pourtant, à Rome et en Italie, ce n »est pas le Caravage, mais l »influence de son rival Annibale Carracci, mêlant des éléments de la Haute Renaissance et du réalisme lombard, qui finit par triompher.

Le bref séjour de Caravage à Naples a donné naissance à une école remarquable de caravagistes napolitains, dont Battistello Caracciolo et Carlo Sellitto. Le mouvement caravagesque y prend fin avec une terrible épidémie de peste en 1656, mais le lien avec l »Espagne – Naples était une possession espagnole – a contribué à la formation de l »importante branche espagnole de son influence.

Un groupe d »artistes catholiques d »Utrecht, les « Utrecht Caravaggisti », s »est rendu à Rome comme étudiants dans les premières années du XVIIe siècle et a été profondément influencé par l »œuvre du Caravage, comme le décrit Bellori. À leur retour dans le Nord, cette tendance a connu une floraison éphémère mais influente dans les années 1620 chez des peintres comme Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst, Andries Both et Dirck van Baburen. Dans la génération suivante, les effets du Caravage, bien qu »atténués, sont visibles dans l »œuvre de Rubens (qui a acheté une de ses peintures pour le Gonzague de Mantoue et a peint une copie de la Mise au tombeau du Christ), Vermeer, Rembrandt et Velázquez, ce dernier ayant probablement vu ses œuvres lors de ses divers séjours en Italie.

Mort et renaissance d »une réputation

Les innovations du Caravage ont inspiré le Baroque, mais celui-ci a pris le drame de son clair-obscur sans le réalisme psychologique. S »il a directement influencé le style des artistes susmentionnés et, à distance, des Français Georges de La Tour et Simon Vouet, ainsi que de l »Espagnol Giuseppe Ribera, en quelques décennies, ses œuvres ont été attribuées à des artistes moins scandaleux, ou tout simplement ignorées. Le baroque, auquel il a tant contribué, avait évolué et les modes avaient changé, mais, ce qui est peut-être plus pertinent, Caravage n »a jamais créé d »atelier comme les Carrache, et n »a donc pas eu d »école pour diffuser ses techniques. Il n »a jamais non plus exposé son approche philosophique de l »art, le réalisme psychologique que l »on ne peut déduire que de son œuvre.

Ainsi, sa réputation était doublement vulnérable aux démolitions critiques effectuées par deux de ses premiers biographes, Giovanni Baglione, un peintre rival animé d »une vendetta, et l »influent critique du XVIIe siècle Gian Pietro Bellori, qui ne l »avait pas connu mais qui, sous l »influence du précédent Giovanni Battista Agucchi et de l »ami de Bellori, Poussin, préférait la tradition « classique-idéaliste » de l »école bolonaise dirigée par les Carrache. Baglione, son premier biographe, a joué un rôle considérable dans la création de la légende du caractère instable et violent de Caravage, ainsi que de son incapacité à dessiner.

Dans les années 1920, le critique d »art Roberto Longhi remet le nom du Caravage sur le devant de la scène et l »inscrit dans la tradition européenne : « Ribera, Vermeer, La Tour et Rembrandt n »auraient jamais pu exister sans lui. Et l »art de Delacroix, Courbet et Manet aurait été totalement différent ». L »influent Bernard Berenson est du même avis : « À l »exception de Michel-Ange, aucun autre peintre italien n »a exercé une si grande influence. »

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Epitaphe

L »épitaphe de Caravaggio a été composée par son ami Marzio Milesi. Elle se lit comme suit :

Michelangelo Merisi, fils de Fermo di Caravaggio – dont la peinture n »est pas égale à celle d »un peintre, mais à celle de la nature elle-même – est mort à Port » Ercole – il s »y était rendu de Naples et était retourné à Rome – le 15 août de l »année de notre Seigneur 1610 – il a vécu trente-six ans, neuf mois et vingt jours – Marzio Milesi, jurisconsulte – a dédié ceci à un ami au génie extraordinaire. »

Il a été commémoré au recto du billet de 100 000 lires de la Banca d »Italia dans les années 1980 et 1990 (avant que l »Italie ne passe à l »euro), le verso représentant sa corbeille de fruits.

Les avis divergent quant à la taille de l »œuvre du Caravage, avec des chiffres allant de 40 à 80. Dans sa biographie, Alfred Moir, spécialiste du Caravage, écrit : « Les quarante-huit plaques de couleurs de ce livre comprennent presque toutes les œuvres survivantes acceptées comme autographes par tous les experts du Caravage, et même les moins exigeants ajouteraient moins d »une douzaine d »autres ». L »une d »entre elles, L »Appel des saints Pierre et André, a été authentifiée et restaurée en 2006 ; elle avait été entreposée à Hampton Court, mal étiquetée comme étant une copie. Richard Francis Burton parle d »une « image de Saint Rosario (dans le musée du Grand Duc de Toscane), montrant un cercle de trente hommes turpiter ligati » (« ligotés de façon obscène »), qui n »a pas survécu. La version rejetée de Saint Matthieu et l »Ange, destinée à la chapelle Contarelli de San Luigi dei Francesi à Rome, a été détruite lors du bombardement de Dresde, bien que des photographies en noir et blanc de l »œuvre existent. En juin 2011, il a été annoncé qu »un tableau du Caravage de Saint Augustin, datant d »environ 1600, avait été découvert dans une collection privée en Grande-Bretagne. Qualifié de « découverte importante », le tableau n »avait jamais été publié et on pense qu »il a été commandé par Vincenzo Giustiniani, un mécène du peintre à Rome.

Un tableau que certains experts considèrent comme la deuxième version de Judith décapitant Holopherne de Caravage, daté provisoirement entre 1600 et 1610, a été découvert dans un grenier de Toulouse en 2014. Une interdiction d »exportation a été placée sur la peinture par le gouvernement français pendant que des tests étaient effectués pour établir sa provenance. En février 2019, il a été annoncé que le tableau serait vendu aux enchères après que le Louvre a refusé l »opportunité de l »acheter pour 100 millions d »euros. Après qu »une vente aux enchères ait été envisagée, le tableau a finalement été vendu de gré à gré à un particulier. L »acheteur serait J. Tomilson Hill pour 110 millions de dollars. Après restauration, le tableau pourrait être exposé dans un musée, peut-être le Met.

En avril 2021, une œuvre mineure supposée appartenir au cercle d »un disciple espagnol du Caravage, Jusepe de Ribera, a été retirée de la vente par la maison de vente aux enchères Ansorena de Madrid lorsque le Museo del Prado a alerté le ministère de la Culture, qui a placé une interdiction d »exportation préventive sur le tableau. Le tableau de 111 centimètres (44 in) sur 86 centimètres (34 in) appartient à la famille Pérez de Castro depuis 1823, date à laquelle il a été échangé contre une autre œuvre de la Real Academia de San Fernando. Il avait été répertorié comme « Ecce-Hommo con dos saiones de Carabaggio » avant que l »attribution ne soit perdue ou changée en cercle de Ribera. Des preuves stylistiques, ainsi que la similitude des modèles avec ceux d »autres œuvres du Caravage, ont convaincu certains experts que ce tableau est l »Ecce Homo original du Caravage pour la commande de Massimo Massimi en 1605. L »attribution à Caravaggio est contestée par d »autres experts. Le tableau est actuellement en cours de restauration par Colnaghis, qui s »occupera également de la future vente de l »œuvre.

En octobre 1969, deux voleurs sont entrés dans l »Oratoire de Saint Laurent à Palerme, en Sicile, et ont volé la Nativité avec Saint François et Saint Laurent de Caravaggio de son cadre. Les experts ont estimé sa valeur à 20 millions de dollars.

À la suite de ce vol, la police italienne a mis en place un groupe de travail sur le vol d »œuvres d »art dans le but précis de récupérer les œuvres d »art perdues ou volées. Depuis la création de ce groupe de travail, de nombreuses pistes ont été suivies concernant la Nativité. D »anciens membres de la mafia italienne ont déclaré que la Nativité avec saint François et saint Laurent avait été volée par la mafia sicilienne et exposée lors d »importants rassemblements mafieux. D »anciens membres de la mafia ont déclaré que la Nativité a été endommagée et a depuis été détruite.

On ignore toujours où se trouve l »œuvre d »art. Une reproduction est actuellement accrochée à sa place à l »Oratoire de San Lorenzo.

L »œuvre du Caravage a eu une grande influence sur la culture gay américaine de la fin du XXe siècle, avec de fréquentes références à l »imagerie sexuelle masculine dans des tableaux tels que Les Musiciens et Amor Victorious. Le cinéaste britannique Derek Jarman a réalisé en 1986 un biopic intitulé Caravaggio, qui a été applaudi par la critique. Plusieurs poèmes écrits par Thom Gunn étaient des réponses à des tableaux spécifiques du Caravage.

En 2013, une exposition itinérante sur le Caravage intitulée « Burst of Light : Caravaggio and His Legacy » a été inaugurée au Wadsworth Atheneum Museum of Art à Hartford, dans le Connecticut. L »exposition comprenait cinq tableaux du maître artiste dont Saint Jean Baptiste au désert (1604-1605) et Marthe et Marie-Madeleine (1589). L »ensemble a voyagé en France et également à Los Angeles, en Californie. D »autres artistes baroques comme Georges de La Tour, Orazio Gentileschi, et le trio espagnol composé de Diego Velazquez, Francisco de Zurbaran et Carlo Saraceni ont également fait partie des expositions.

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Sources primaires

Les principales sources primaires concernant la vie de Caravaggio sont les suivantes :

Tous ont été réimprimés dans le Caravaggio de Howard Hibbard et dans les appendices du Caravaggio de Catherine Puglisi.

Vidéo

Sources

Caravaggio
Le Caravage
Le nom « Merisi » est occasionnellement trouvé sous la graphie ancienne Amerighi : voir (it) Vincenzio Fanti, « Descrizzione completa di tutto ciò che ritrovasi nella galleria di pittura e scultura di sua altezza Giuseppe Venceslao del S.R.I. Principe Regnante della casa di Lichtenstein », Trattner, 1767, p. 21. Voir aussi (en) Sacheverell Sitwell, « Southern Baroque Art: A Study of Painting Architecture And Music in Italy and Spain », Kessinger Publishing, 2005 (1re éd. 1924), p. 286
^ « Caravaggio – The Complete Works – caravaggio-foundation.org ». www.caravaggio-foundation.org.
Abweichende Angaben über Geburtsdatum und Geburtsort sind nach der 2007 aufgefundenen Taufurkunde nicht mehr haltbar. S. Sybille Ebert-Schifferer: Caravaggio. Sehen – Staunen – Glauben. Der Maler und sein Werk. Beck, München 2009, S. 269 und 273 (Fn. 1).
^ a b Francesca Valdinoci (a cura di), Vite di Caravaggio, CasadeiLibri, 2016, ISBN 8806137549.
^ a b c d e f Caravaggio, su riarte.it. URL consultato il 24 gennaio 2022.
^ Il Caravaggio di Roberto Longhi, su Civita, 30 settembre 2016. URL consultato l »8 febbraio 2021.
^ Longhi e Caravaggio, artista moderno e « popolare » | Storia dell »Arte, su Rai Scuola. URL consultato il 4 aprile 2022.
^ Andrea Dusio, Caravaggio e le due facce del barocco, in Atlante, Treccani, 13 novembre 2014. URL consultato il 4 aprile 2022.