Louise Bourgeois (plasticienne)

gigatos | janvier 24, 2022

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Résumé

Louise Joséphine Bourgeois (25 décembre 1911 – 31 mai 2010) était une artiste franco-américaine. Bien qu »elle soit surtout connue pour ses sculptures et ses installations à grande échelle, Bourgeois était également une peintre et une graveuse prolifique. Au cours de sa longue carrière, elle a exploré de nombreux thèmes, dont la domesticité et la famille, la sexualité et le corps, ainsi que la mort et l »inconscient. Ces thèmes sont liés à des événements de son enfance, qu »elle considérait comme un processus thérapeutique. Bien que Bourgeois ait exposé avec les expressionnistes abstraits et que son œuvre ait beaucoup en commun avec le surréalisme et l »art féministe, elle n »était pas formellement affiliée à un mouvement artistique particulier.

Début de la vie

Bourgeois est née le 25 décembre 1911 à Paris, France. Elle est le deuxième enfant d »une famille de trois enfants, Joséphine Fauriaux et Louis Bourgeois. Ses parents possédaient une galerie qui vendait principalement des tapisseries anciennes. Quelques années après sa naissance, sa famille a déménagé hors de Paris et a installé un atelier de restauration de tapisseries sous leur appartement de Choisy-le-Roi, pour lequel Bourgeois a rempli les motifs là où ils étaient usés. La partie inférieure des tapisseries était toujours endommagée, ce qui était généralement dû aux pieds des personnages et aux pattes des animaux.

En 1930, Bourgeois entre à la Sorbonne pour étudier les mathématiques et la géométrie, matières qu »elle apprécie pour leur stabilité, disant « J »ai obtenu la paix de l »esprit, uniquement grâce à l »étude de règles que personne ne pouvait changer. »

Sa mère meurt en 1932, alors que Bourgeois étudie les mathématiques. La mort de sa mère l »incite à abandonner les mathématiques et à commencer à étudier l »art. Elle continue à étudier l »art en s »inscrivant à des cours où l »on a besoin de traducteurs pour les étudiants anglophones, notamment parce que les traducteurs n »ont pas à payer de frais de scolarité. Dans l »un de ces cours, Fernand Léger voit son travail et lui dit qu »elle est sculpteur et non peintre. Bourgeois accepte un emploi de guide conférencier au Musée du Louvre.

Bourgeois est diplômée de la Sorbonne en 1935. Elle commence à étudier l »art à Paris, d »abord à l »École des Beaux-Arts et à l »École du Louvre, puis, à partir de 1932, dans les académies indépendantes de Montparnasse et de Montmartre telles que l »Académie Colarossi, l »Académie Ranson, l »Académie Julian, l »Académie de la Grande Chaumière et avec André Lhote, Fernand Léger, Paul Colin et Cassandre. Désireux d »acquérir une expérience de première main, Bourgeois se rend fréquemment dans des ateliers parisiens, apprenant les techniques des artistes et participant à des expositions.

En 1938, elle ouvre sa propre galerie dans un espace voisin de la galerie de tapisserie de son père, où elle expose les œuvres d »artistes tels qu »Eugène Delacroix, Henri Matisse et Suzanne Valadon, et où elle rencontre un professeur d »art américain de passage, Robert Goldwater, comme client. Ils se marient et s »installent aux États-Unis (où il enseigne à l »université de New York). Ils ont eu trois fils, dont un a été adopté. Le mariage a duré jusqu »à la mort de Goldwater en 1973.

Bourgeois s »installe à New York avec son mari en 1938. Elle poursuit sa formation à l »Art Students League de New York, étudiant la peinture auprès de Vaclav Vytlacil, et réalisant également des sculptures et des gravures. « Le premier tableau avait une grille : la grille est une chose très paisible parce que rien ne peut aller mal … tout est complet. Il n »y a pas de place pour l »anxiété … tout a une place, tout est bienvenu. «

Bourgeois a incorporé ces références autobiographiques dans sa sculpture Quarantania I, exposée au Cullen Sculpture Garden du Museum of Fine Arts de Houston.

Années intermédiaires

Pour Bourgeois, le début des années 1940 représente les difficultés d »une transition vers un nouveau pays et la lutte pour entrer dans le monde des expositions de la ville de New York. À cette époque, ses œuvres sont construites à partir de déchets de récupération et de bois flotté qu »elle utilise pour sculpter des sculptures en bois verticales. Les impuretés du bois étaient ensuite camouflées avec de la peinture, puis des clous étaient utilisés pour inventer des trous et des rayures dans le but de dépeindre une émotion. La Figure endormie est l »un de ces exemples qui dépeint une figure de guerre incapable d »affronter le monde réel en raison de sa vulnérabilité. Tout au long de sa vie, l »œuvre de Bourgeois a été créée en revisitant son propre passé troublé, car elle a trouvé l »inspiration et une catharsis temporaire dans ses années d »enfance et les abus qu »elle a subis de la part de son père. Lentement, elle acquiert une plus grande confiance artistique, bien que ses années médianes soient plus opaques, ce qui pourrait être dû au fait qu »elle a reçu très peu d »attention du monde de l »art malgré sa première exposition individuelle en 1945. En 1951, son père meurt et elle devient citoyenne américaine.

En 1954, Bourgeois rejoint l »American Abstract Artists Group, avec plusieurs contemporains, dont Barnett Newman et Ad Reinhardt. C »est à cette époque qu »elle se lie d »amitié avec les artistes Willem de Kooning, Mark Rothko et Jackson Pollock. Au sein de l »American Abstract Artists Group, Bourgeois passe du bois et des structures verticales au marbre, au plâtre et au bronze, tout en s »intéressant à des sujets comme la peur, la vulnérabilité et la perte de contrôle. Cette transition marque un tournant. Elle décrivait son art comme une série ou une séquence étroitement liée aux jours et aux circonstances, décrivant ses premières œuvres comme la peur de tomber, qui s »est transformée par la suite en l »art de tomber et l »évolution finale en l »art de s »accrocher. Ses conflits dans la vie réelle lui ont permis d »authentifier ses expériences et ses luttes à travers une forme d »art unique. En 1958, Bourgeois et son mari emménagent dans une maison mitoyenne de la 20e rue ouest, à Chelsea, Manhattan, où elle vivra et travaillera pour le reste de sa vie.

Bien qu »elle ait rejeté l »idée que son art était féministe, le sujet de Bourgeois était le féminin. Des œuvres telles que Femme Maison (1946-1947), Torse autoportrait (1963-1964), Arc d »hystérie (1993), dépeignent toutes le corps féminin. À la fin des années 1960, son imagerie devient plus explicitement sexuelle alors qu »elle explore la relation entre les hommes et les femmes et l »impact émotionnel de son enfance troublée. Des sculptures sexuellement explicites, telles que Janus Fleuri (1968), montrent qu »elle n »a pas peur d »utiliser la forme féminine de manière nouvelle. On l »a citée pour avoir dit : « Mon travail traite de problèmes qui sont antérieurs au sexe », a-t-elle écrit. « Par exemple, la jalousie n »est ni masculine ni féminine ». Avec la montée du féminisme, son œuvre a trouvé un public plus large. Malgré cette affirmation, en 1976, Femme Maison a fait la couverture du livre de Lucy Lippard, From the Center : Feminist Essays on Women »s Art et devient une icône du mouvement artistique féministe.

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Vie ultérieure

En 1973, Bourgeois commence à enseigner au Pratt Institute, à la Cooper Union, au Brooklyn College et à la New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture. De 1974 à 1977, Bourgeois travaille à la School of Visual Arts de New York où elle enseigne la gravure et la sculpture. Elle a également enseigné pendant de nombreuses années dans les écoles publiques de Great Neck, Long Island.

Au début des années 1970, Bourgeois organisait des rassemblements appelés « Sunday, bloody Sundays » chez elle, à Chelsea. Ces salons étaient remplis de jeunes artistes et d »étudiants dont le travail était critiqué par Bourgeois. Le caractère impitoyable de la critique de Bourgeois et son sens de l »humour pince-sans-rire ont donné leur nom à ces réunions. Bourgeois a inspiré de nombreux jeunes étudiants à faire de l »art de nature féministe. Cependant, Jerry Gorovoy, ami et assistant de longue date de Louise, a déclaré que Louise considérait son propre travail comme « pré-sexe ».

Bourgeois s »allie à des activistes et devient membre du Fight Censorship Group, un collectif féministe anti-censure fondé par une autre artiste, Anita Steckel. Dans les années 1970, le groupe défend l »utilisation de l »imagerie sexuelle dans les œuvres d »art. Steckel affirmait : « Si le pénis en érection n »est pas assez sain pour entrer dans les musées, il ne devrait pas être considéré comme assez sain pour entrer dans les femmes. »

En 1978, Bourgeois a été chargé par la General Services Administration de créer Facets of the Sun, sa première sculpture publique. L »œuvre est installée à l »extérieur d »un bâtiment fédéral à Manchester, dans le New Hampshire. Bourgeois reçoit sa première rétrospective en 1982, au Museum of Modern Art de New York. Jusqu »alors, elle avait été une figure périphérique de l »art dont le travail était plus admiré qu »acclamé. Dans une interview accordée à Artforum, qui coïncide avec l »ouverture de sa rétrospective, elle révèle que l »imagerie de ses sculptures est entièrement autobiographique. Elle a confié au monde qu »elle revivait de manière obsessionnelle, à travers son art, le traumatisme de la découverte, dans son enfance, que sa gouvernante anglaise était également la maîtresse de son père.

En 1989, Bourgeois réalise une gravure à la pointe sèche, Mud Lane, de la maison qu »elle entretient à Stapleton, Staten Island, qu »elle traite comme un environnement sculptural plutôt que comme un espace de vie.

Bourgeois a eu une autre rétrospective en 1989 à la Documenta 9 de Kassel, en Allemagne. En 1993, lorsque la Royal Academy of Arts a organisé sa vaste enquête sur l »art américain au XXe siècle, les organisateurs n »ont pas jugé utile d »y inclure l »œuvre de Bourgeois. Cependant, cette enquête a été critiquée pour ses nombreuses omissions, un critique écrivant que « des sections entières du meilleur art américain ont été effacées » et soulignant que très peu de femmes étaient incluses. En 2000, ses œuvres ont été sélectionnées pour être présentées lors de l »inauguration de la Tate Modern à Londres et en 2001, elle a exposé au musée de l »Ermitage.

En 2010, au cours de la dernière année de sa vie, Mme Bourgeois a utilisé son art pour défendre l »égalité des lesbiennes, gays, bisexuels et transgenres (LGBT). Elle a créé l »œuvre I Do, qui représente deux fleurs poussant à partir d »une seule tige, au profit de l »organisation à but non lucratif Freedom to Marry. Mme Bourgeois a déclaré : « Tout le monde devrait avoir le droit de se marier. S »engager à aimer quelqu »un pour toujours est une chose magnifique ». Bourgeois a un passé d »activisme en faveur de l »égalité LGBT, ayant créé des œuvres d »art pour l »organisation militante contre le sida ACT UP en 1993.

Décès

Louise Bourgeois est décédée d »une insuffisance cardiaque le 31 mai 2010, au Beth Israel Medical Center de Manhattan. Wendy Williams, directrice générale du Louise Bourgeois Studio, a annoncé son décès. Elle avait continué à créer des œuvres d »art jusqu »à sa mort, ses dernières pièces ayant été achevées la semaine précédente.

Le New York Times a déclaré que son œuvre « partageait un ensemble de thèmes répétés, centrés sur le corps humain et son besoin d »être nourri et protégé dans un monde effrayant ».

Son mari, Robert Goldwater, est décédé en 1973. Elle laisse dans le deuil deux fils, Alain Bourgeois et Jean-Louis Bourgeois. Son premier fils, Michel, est décédé en 1990.

Femme Maison

Femme Maison (1946-47) est une série de peintures dans lesquelles Bourgeois explore la relation de la femme et de la maison. Dans ces œuvres, les têtes des femmes ont été remplacées par des maisons, isolant leurs corps du monde extérieur et gardant leurs esprits domestiques. Ce thème va de pair avec la déshumanisation de l »art moderne.

Destruction du père

Destruction of the Father (1974) est une exploration biographique et psychologique de la domination du père sur sa progéniture. La pièce est une installation aux tons chair dans une pièce douce et utérine. Faite de plâtre, de latex, de bois, de tissu et de lumière rouge, Destruction of the Father est la première pièce dans laquelle elle utilise des matériaux mous à grande échelle. En entrant dans l »installation, le spectateur se trouve dans les suites d »un crime. Dans une salle à manger stylisée (avec le double impact d »une chambre à coucher), les enfants abstraits, semblables à des blobs, d »un père autoritaire se sont rebellés, l »ont assassiné et mangé.

… racontant au public captif combien il est grand, toutes les choses merveilleuses qu »il a faites, toutes les mauvaises personnes qu »il a mises à terre aujourd »hui. Mais cela continue jour après jour. Il y a de la tragédie dans l »air. Une fois de trop, il a dit son mot. Il est insupportablement dominateur, bien qu »il ne s »en rende probablement pas compte lui-même. Une sorte de ressentiment grandit et un jour, mon frère et moi avons décidé que le moment était venu. Nous l »avons attrapé, l »avons posé sur la table et l »avons disséqué avec nos couteaux. On l »a démonté et démembré, on lui a coupé le pénis. Et il est devenu de la nourriture. Nous l »avons mangé … il a été liquidé de la même manière qu »il a liquidé les enfants.

L »exorcisme dans l »art

En 1982, le Museum of Modern Art de New York a présenté les œuvres d »une artiste inconnue, Louise Bourgeois. Âgée de 70 ans, cette artiste aux techniques mixtes travaillait sur papier, avec du métal, du marbre et des os de squelettes d »animaux. Les traumatismes familiaux de son enfance « ont engendré un exorcisme dans l »art » et elle a désespérément tenté de purger son malaise par son travail. Elle pensait pouvoir aborder les questions de l »identité féminine, du corps, de la famille éclatée, bien avant que le monde de l »art et la société ne les considèrent comme des sujets exprimés dans l »art. C »était le moyen pour Bourgeous de trouver son centre et de stabiliser son agitation émotionnelle. Le New York Times a déclaré à l »époque que « son œuvre est chargée de tendresse et de violence, d »acceptation et de défi, d »ambivalence et de conviction. »

Cellules

Alors qu »elle était octogénaire, Bourgeois a produit deux séries d »installations fermées qu »elle a appelées Cellules. Beaucoup sont de petites enceintes dans lesquelles le spectateur est invité à regarder des arrangements d »objets symboliques ; d »autres sont de petites pièces dans lesquelles le spectateur est invité à entrer. Dans les pièces cellulaires, Bourgeois utilise des formes sculpturales antérieures, des objets trouvés ainsi que des objets personnels qui ont une forte charge émotionnelle pour l »artiste.

Les cellules renferment des états psychologiques et intellectuels, principalement des sentiments de peur et de douleur. Bourgeois a déclaré que les cellules représentent « différents types de douleur : physique, émotionnelle et psychologique, mentale et intellectuelle… ». Chaque cellule traite d »une peur. La peur est une douleur … Chaque cellule traite du plaisir du voyeur, du frisson de regarder et d »être regardé ».

Maman

À la fin des années 1990, Bourgeois a commencé à utiliser l »araignée comme une image centrale dans son art. Maman, qui mesure plus de neuf mètres de haut, est une sculpture en acier et en marbre à partir de laquelle une édition de six bronzes a été réalisée. Elle a fait sa première apparition dans le cadre de la commande de Bourgeois pour The Unilever Series pour le Turbine Hall de la Tate Modern en 2000, et récemment, la sculpture a été installée au Qatar National Convention Centre à Doha, au Qatar. Sa plus grande sculpture d »araignée, Maman, mesure plus de 9,1 m et a été installée dans de nombreux endroits dans le monde entier. Maman fait allusion à la force de sa mère, avec des métaphores de filage, de tissage, de soins et de protection. La prédominance du motif de l »araignée dans son œuvre lui a valu le surnom de Spiderwoman.

L »Araignée est une ode à ma mère. Elle était ma meilleure amie. Comme une araignée, ma mère était une tisseuse. Ma famille était dans le domaine de la restauration de tapisseries, et ma mère était responsable de l »atelier. Comme les araignées, ma mère était très intelligente. Les araignées sont des présences amicales qui mangent les moustiques. Nous savons que les moustiques propagent des maladies et sont donc indésirables. Les araignées sont donc utiles et protectrices, tout comme ma mère.

Maisons fragiles

Maisons fragiles de Bourgeois

Imprimerie

La gravure de Bourgeois s »est épanouie au début et à la fin de sa carrière : dans les années 1930 et 1940, lorsqu »elle est arrivée de Paris à New York, puis à nouveau à partir des années 1980, lorsque son travail a commencé à être largement reconnu. Au début, elle réalisait des tirages à domicile sur une petite presse, ou dans le célèbre atelier 17. Cette période est suivie d »un long hiatus, car Bourgeois se consacre entièrement à la sculpture. Ce n »est qu »à l »âge de soixante-dix ans qu »elle recommence à faire des gravures, encouragée d »abord par des éditeurs de gravures. Elle installe son ancienne presse, et en ajoute une seconde, tout en travaillant en étroite collaboration avec des imprimeurs qui viennent chez elle pour collaborer. S »ensuit une phase très active de gravure, qui durera jusqu »à la mort de l »artiste. Au cours de sa vie, Bourgeois a créé environ 1 500 compositions imprimées.

En 1990, Bourgeois a décidé de faire don des archives complètes de ses œuvres imprimées au Musée d »art moderne. En 2013, le musée a lancé le catalogue raisonné en ligne, « Louise Bourgeois : The Complete Prints & Books ». Le site se concentre sur le processus créatif de l »artiste et replace les estampes et les livres illustrés de Bourgeois dans le contexte de l »ensemble de sa production en incluant des œuvres connexes dans d »autres médiums qui traitent des mêmes thèmes et de la même imagerie.

Thèmes

L »un des thèmes de l »œuvre de Bourgeois est celui des traumatismes de l »enfance et des émotions cachées. Après que la mère de Louise est tombée malade de la grippe, le père de Louise a commencé à avoir des liaisons avec d »autres femmes, notamment avec Sadie, la tutrice de Louise. Il ramenait des maîtresses à la maison et était infidèle devant toute sa famille. Louise est extrêmement vigilante et consciente de la situation. C »est le début de l »engagement de l »artiste envers les doubles standards liés au genre et à la sexualité, qui s »exprime dans une grande partie de son œuvre. Elle se souvient de son père disant « Je t »aime » à plusieurs reprises à sa mère, malgré son infidélité. « Il était le loup, et elle était le lièvre rationnel, le pardonnant et l »acceptant tel qu »il était ». Son œuvre de 1993, Cell : You Better Grow Up, qui fait partie de sa série Cell, parle directement du traumatisme de l »enfance de Louise et de l »insécurité qui l »entourait. L »œuvre Give or Take de 2002 est définie par une émotion cachée, représentant le dilemme intense auquel les gens sont confrontés tout au long de leur vie lorsqu »ils tentent d »équilibrer les actions de donner et de prendre. Ce dilemme est non seulement représenté par la forme de la sculpture, mais aussi par la lourdeur du matériau dont est faite cette pièce.

La maternité est un autre thème récurrent dans l »œuvre de Bourgeois. C »est sa mère qui l »a encouragée à dessiner et qui l »a impliquée dans le commerce de la tapisserie. Bourgeois considérait sa mère comme une personne intellectuelle et méthodique ; le motif constant de l »araignée dans son œuvre représente souvent sa mère. La notion d »araignée qui file et tisse sa toile est une référence directe à l »entreprise de tapisserie de ses parents et peut également être considérée comme une métaphore de sa mère, qui répare les choses.

Bourgeois a exploré le concept de féminité en remettant en question les normes patriarcales et en réalisant des œuvres sur la maternité plutôt que de montrer les femmes comme des muses ou des idéaux. Elle a été décrite comme « l »héroïne réticente de l »art féministe ». Louise Bourgeois avait une approche féministe de son travail, similaire à celle d »autres artistes comme Agnes Martin et Eva Hesse, moins motivée par la politique, mais réalisant plutôt des œuvres qui s »inspirent de leurs expériences en matière de genre et de sexualité, s »engageant naturellement dans les questions féminines.

L »architecture et la mémoire sont des composantes importantes de l »œuvre de Bourgeois. Les œuvres de Louise Bourgeois sont très organiques, biologiques et reproductives ; elles attirent l »attention sur l »œuvre elle-même. Louise décrit l »architecture comme une expression visuelle de la mémoire, ou la mémoire comme un type d »architecture. La mémoire qui est présente dans une grande partie de son travail est une mémoire inventée – celle de la mort ou de l »exorcisme de son père. Ce souvenir imaginaire est entrelacé avec ses souvenirs réels, notamment le fait d »avoir vécu en face d »un abattoir et la liaison de son père. Pour Louise, son père représentait la blessure et la guerre, l »agrandissement de soi et le rabaissement des autres et, surtout, un homme qui représentait la trahison. Son œuvre de 1993, Cell (Three White Marble Spheres), évoque la peur et la captivité. Les miroirs qui s »y trouvent présentent une réalité altérée et déformée.

La sexualité est sans doute l »un des thèmes les plus importants dans l »œuvre de Louise Bourgeois. Le lien entre sexualité et fragilité ou insécurité est également puissant. On a pu dire que cela provenait de ses souvenirs d »enfance et des aventures de son père. La Femme en spirale de 1952 combine l »intérêt de Louise pour la sexualité féminine et la torture. Les muscles des jambes et des bras qui se contractent indiquent que la femme en spirale est toujours en haut, même si elle est étouffée et pendue. In and Out de 1995 utilise des matériaux métalliques froids pour associer la sexualité à la colère et peut-être même à la captivité.

La spirale dans son travail démontre la recherche dangereuse d »un équilibre précaire, d »un changement permanent sans accident, d »un désordre, d »un vertige, d »un tourbillon. On y trouve simultanément le positif et le négatif, le futur et le passé, la rupture et le retour, l »espoir et la vanité, le plan et la mémoire.

L »œuvre de Louise Bourgeois est alimentée par les confessions, les autoportraits, les souvenirs, les fantasmes d »un être agité qui cherche à travers sa sculpture une paix et un ordre qui lui ont manqué durant toute son enfance.

Collaboration

Cette collaboration s »est déroulée sur une période de deux ans avec l »artiste britannique Tracey Emin. L »œuvre a été exposée à Londres quelques mois après la mort de Bourgeois en 2010. Le sujet se compose d »images masculines et féminines. Bien qu »elles semblent sexuelles, l »œuvre représente une minuscule figure féminine rendant hommage à une figure masculine géante, comme un Dieu. Louise Bourgeois a réalisé les aquarelles et Tracey Emin a fait le dessin par-dessus. Il a fallu deux ans à Emin pour décider de ce qu »elle allait apporter à cette collaboration. Lorsqu »elle a su quoi faire, elle a terminé tous les dessins en une journée et estime que chacun d »entre eux a parfaitement fonctionné. I Lost You parle de la perte d »enfants, de la perte de la vie. Bourgeois a dû enterrer son fils en tant que parent. Pour elle, l »abandon n »est pas seulement la perte de sa mère, mais aussi celle de son fils. Malgré l »écart d »âge entre les deux artistes et les différences dans leur travail, la collaboration s »est déroulée en douceur et facilement.

Expositions

La National Gallery of Art de Washington, D.C., le Museum of Modern Art de New York et le Nasher Sculpture Center, le San Francisco Museum of Modern Art, le Musée des beaux-arts du Canada, la Tate de Londres et le Centre Pompidou de Paris possèdent des collections importantes de ses œuvres. Tout au long de sa carrière, Bourgeois a connu plusieurs de ses principaux collectionneurs, tels que Ginny Williams, Agnes Gund, Ydessa Hendeles et Ursula Hauser. Parmi les autres collections privées qui possèdent des pièces notables de Bourgeois, citons la collection Goetz à Munich.

Bourgeois a commencé à travailler avec la galeriste Paule Anglim à San Francisco en 1987, Karsten Greve à Paris en 1990, et Hauser & Wirth en 1997. Hauser & Wirth a été la principale galerie de sa succession. D »autres galeries, telles que Kukje Gallery à Séoul et Xavier Hufkens à Bruxelles, continuent de s »occuper de ses œuvres.

En 2011, l »une des œuvres de Bourgeois, intitulée Spider, a été vendue 10,7 millions de dollars, un nouveau prix record pour l »artiste aux enchères, et le prix le plus élevé payé pour une œuvre d »une femme à l »époque. Fin 2015, la pièce a été vendue lors d »une autre vente aux enchères de Christie »s pour 28,2 millions de dollars.

Louise Bourgeois au Museum of Fine Arts, Houston : https :

Sources