Lucio Fontana
gigatos | février 23, 2022
Résumé
Lucio Fontana (Rosario, 19 février 1899 – Comabbio, 7 septembre 1968) était un peintre, céramiste et sculpteur italien.
De famille italienne, mais né en Argentine, il fréquente l »Académie Brera de Milan et se consacre à la sculpture ; à son retour à Buenos Aires, il rédige le Manifiesto blanco avec lequel il jette les bases du mouvement Spatialiste. Au début des années 1950, il crée des toiles trouées, puis les fameuses « coupes ». Dans ses réalisations artistiques, il a utilisé de nombreuses techniques, en peinture, en sculpture et en céramique.
Fils du sculpteur italien Luigi Fontana (1865-1946) et de sa mère argentine, il commence sa carrière artistique en 1921 en travaillant dans l »atelier de sculpture de son père et du collègue et ami de ce dernier, Giovanni Scarabelli. Il devient alors un disciple d »Adolfo Wildt. Dès 1949, en brisant la toile par des trous et des coupures, il a dépassé la distinction traditionnelle entre peinture et sculpture. L »espace a cessé d »être un objet de représentation selon les règles conventionnelles de la perspective. La surface même de la toile, interrompue par des reliefs et des indentations, entre en relation directe avec l »espace réel et la lumière. À la fin des années 1940, il collabore avec Fontana Arte pour la création de bases en céramique pour tables et tables basses (conçues par l »architecte Roberto Menghi), ainsi qu »avec la société Borsani.
Lucio est né d »une relation entre Lucia Bottini, fille du graveur suisse Jean et plus tard mariée à Juan Pablo Maroni, et son père Luigi, qui garda l »enfant avec lui et épousa ensuite Anita Campiglio, que Fontana a toujours considérée comme une véritable mère. La famille Fontana étant assez aisée, le jeune Lucio est envoyé en Italie pour étudier d »abord dans d »importants pensionnats, puis à l »institut technique Carlo Cattaneo et à l »école d »art de Brera. En 1917, il s »engage dans l »armée et en 1921, après avoir obtenu son diplôme de géomètre, il rentre en Argentine. En 1924, après avoir travaillé avec son père, il ouvre son propre studio à Rosario, abandonnant le style réaliste de son père pour se tourner vers les modes cubistes d »Alexander Archipenko, comme dans Nude (1926) et La mujer y la balde (1927). Dans la première œuvre, on peut voir les influences d »Archipenko et du Sécessionnisme, tandis que dans la deuxième œuvre, on peut voir la leçon d »Aristide Maillol.
En 1927, il retourne à Milan et s »inscrit à l »Académie des Beaux-Arts de Brera, dont il sort diplômé en 1930. Il a été influencé par son professeur Adolfo Wildt.
Il dira en 1963 : « J »ai été guidé par un grand maître : Wildt, j »étais considéré comme le meilleur élève du cours. Et Wildt, en effet, m »avait exprimé à plusieurs reprises que je devais devenir un continuateur de son art. Au lieu de cela, dès que j »ai quitté l »Académie, j »ai pris une masse de plâtre, je lui ai donné la structure grossièrement figurative d »un homme assis et j »ai jeté du goudron dessus. Juste comme ça, pour une réaction violente. Wildt s »est plaint, et que pouvais-je lui dire ? Je le tenais en haute estime, je lui étais reconnaissant, mais j »avais envie de trouver une nouvelle voie, une voie qui me serait propre. « Ainsi est née l »une des œuvres les plus importantes de la première période de Fontana : L »Homme noir (1930 – aujourd »hui perdu). Se souvenant des œuvres d »Archipenko et de Zadkine, il a cherché un retour aux origines de la forme. Le goudron noir et la masse presque informe contrastent avec la récupération des formes romaines et étrusques par Arturo Martini et Marino Marini. Avec Renato Birolli et Aligi Sassu, il considère l »expressionnisme comme une alternative à la mode du XXe siècle, comme dans Campione olimpico (ou Attente du champion) (1932).
Il réalise également un certain nombre de céramiques aux couleurs vives et fait la connaissance de l »avant-garde architecturale milanaise : Figini et Pollini et le groupe BBPR, c »est à dire.. : Belgioioso, Banfi, Peressutti, Rogers. Il a acquis la leçon de Le Corbusier. Sa proximité avec l »architecture est clairement visible dans le monument à Giuseppe Grandi (le grand sculpteur de la « Scapigliatura » lombarde), malheureusement jamais réalisé (1931) et conçu avec son cousin architecte Bruno Fontana et l »ingénieur Alcide Rizzardi. Le motif comprend un cône inversé et des cristaux. La dérivation des œuvres constructivistes et rationalistes est visible : voir Melnikov (Phare de Colombo 1929) et Tatlin (monument à la Troisième Internationale).Dans les années 1930, Fontana est toujours en équilibre entre la figuration expressionniste et la raréfaction de la forme et de la bidimensionnalité. Voir Il fiocinatore (1934) ou Scultura astratta (1934).
En 1937, il se rend à Paris pour l »Exposition universelle. Il a rencontré Tristan Tzara et Constantin Brancusi et a vu les œuvres de Picasso. Il visite les ateliers de céramique de Sèvres et fabrique de nouvelles céramiques. De 1940 à 1947, il vit en Argentine et rédige, avec d »autres artistes abstraits, le Manifiesto Blanco : un changement d »essence et de forme s »impose. Le dépassement de la peinture, de la sculpture, de la poésie et de la musique est requis. Il faut un art plus grand, conforme aux exigences de l »esprit nouveau.
En 1947, avec Beniamino Joppolo, Giorgio Kaisserlian et Milena Milani, il rédige le Premier Manifeste du Spatialisme Il est impossible que l »homme ne passe pas de la toile, du bronze, du plâtre et de la pâte à modeler à de pures images aériennes, universelles et suspendues, tout comme il lui était impossible de ne pas passer du graphite à la toile, au bronze, au plâtre et à la pâte à modeler, sans pour autant nier la validité éternelle des images créées par le graphite, le bronze, la toile, le plâtre et la pâte à modeler. Il a été suivi par le Manifeste technique du Spatialisme en 1951 (La première forme spatiale construite par l »homme est l »aérostat. Avec la maîtrise de l »espace, l »homme construit la première architecture de l »ère spatiale – l »avion. Ces architectures spatiales en mouvement donneront naissance aux nouveaux fantasmes de l »art. Une nouvelle esthétique se forme, des formes lumineuses à travers l »espace. Mouvement, couleur, temps et espace : les concepts du nouvel art).
En 1952, le Manifeste du Mouvement Spatial pour la Télévision est publié : « Pour la première fois dans le monde, nous, les Spatialistes, transmettons par la télévision nos nouvelles formes d »art, basées sur les concepts de l »espace, vus d »un double point de vue : le premier est celui de l »espace, autrefois considéré comme mystérieux et maintenant connu et exploré, et donc utilisé par nous comme matière plastique ; le second est celui des espaces encore inconnus du cosmos, que nous voulons aborder comme des données d »intuition et de mystère, des données typiques de l »art comme divination. Pour nous, la télévision est un média que nous attendions pour intégrer nos concepts. Nous sommes ravis que notre manifestation spatiale, destinée à renouveler les domaines de l »art, soit diffusée depuis l »Italie.
Ses toiles monochromes, souvent peintes à la bombe, portent la marque des gestes précis et assurés de l »artiste qui, après avoir quitté ses pinceaux, manie lames de rasoir, couteaux et scies. Tout se joue dans les ombres dont la lumière rasante souligne les solutions de continuité.
L »œuvre Il fiore (ou Concetto spaziale) de 1952 introduit le mouvement : une fleur faite de feuilles de fer peintes en jaune avec une série de trous soignés se déplaçant entre elles. Mais l »œuvre la plus intéressante de cette période est peut-être la Struttura al neon (Structure au néon) pour la IXe Triennale de Milan en 1951. Un néon continu qui s »entrelace plusieurs fois est suspendu à un plafond bleu (conçu en collaboration avec les architectes Baldessari et Grisotti) et semble cristalliser le mouvement d »une torche ou le mouvement d »une esquisse sur papier (comme on peut le voir dans les esquisses préparatoires), à l »instar des motifs en spirale de Hans Hartung. Dans les années 1950 qui suivent, il réalise une série d »œuvres de plus en plus représentatives de la pensée informelle. La série Pierres, la série Baroque et la série Plâtre. Il a rencontré Yves Klein, qui l »a admiré à son tour. Fontana a ouvert une porte à la recherche de l »infini, de l »espace et de la spiritualité. La même recherche de spiritualité que Kandinsky, Pollock, Yves Klein et Rothcko.
Fontana est arrivé à la poétique de ses œuvres les plus célèbres (les coupes dans la toile) en 1958, en méditant la leçon du baroque, dans lequel, comme il l »écrit, les figures semblent quitter le plan et se poursuivre dans l »espace. Gestes ouvertement provocateurs, certaines de ses toiles monochromes, comme les trous et les coupes, ont également scandalisé le public en raison de la facilité avec laquelle elles pouvaient être refaites. Sur un fond de plus en plus monochrome, il pratique une ou plusieurs entailles dans la toile, de sorte que l »illusion de la toile comme support d »un dessin est interrompue et que l »œuvre devient un matériau qui transforme la toile en une sculpture tridimensionnelle. Les toiles caractérisées par des coupes sont également appelées Concept spatial (ou Attente) en fonction du nombre de coupes. Au début, les toiles présentent de nombreuses découpes, même disposées en séries plus ou moins ordonnées, et sont colorées à l »aniline ; par la suite, les découpes sont réduites, les toiles sont colorées à l »aquarelle et les découpes sont fermées au dos avec de la gaze noire. Les séries suivantes d »œuvres de Lucio Fontana sont regroupées par thème :
Le Sculture (1925-1967), I Buchi (1949-1968), Le Pietre (1952-1956), I Barocchi (1954-1957), I Gessi (1954-1958), Gli Inchiostri (1956-1959) ;
Gli Olii (1957-1968), I Tagli (1958-1968), I Quanta (1959-1960), Le Nature (1959-1960), I Metalli (1961-1968), La Fine Di Dio (1963-1964) ;
I Teatrini (1964-1966), Le Ellissi (1964-1967), Le Ambientazioni (1926-1968), I Disegni (1928-1968), Le Ceramiche (1949-1968).
Il y avait de nombreux faussaires, mais peu d »entre eux avaient un signe aussi sûr. Pour se protéger, Fontana écrit des phrases absurdes au dos de chaque toile, simple béquille de l »expertise calligraphique. Il était peintre, sculpteur, céramiste, mosaïste, il s »occupait de ciment peint, et il pratiquait aussi l »architecture. Sur la Piazza Pozzo Garitta, à Albissola Marina, se trouve le « Spazio Lucio Fontana » où, dans les années 1950 et 1960, se trouvait l »atelier de l »artiste qui, pour la « Passeggiata degli Artisti » (promenade des artistes) locale, a réalisé un projet de mosaïque et coulé une sculpture en métal.
A Albissola Marina, il a également travaillé dans la Via Ferdinando Isola, dans la Fornace « APA Assalini Poggi Albisola ». Au début des années 1960, il correspond avec des admirateurs, dont le critique d »art Franco Russoli. En 1963-64, il participe à l »exposition Peintures italiennes d »aujourd »hui, organisée au Moyen-Orient et en Afrique du Nord. Il est décédé à Comabbio, dans la province de Varèse, le 7 septembre 1968, à l »âge de 69 ans.
En 1982, son épouse Teresita Rasini a créé la Fondation Lucio Fontana, à laquelle elle a légué plus de six cents œuvres de l »artiste et dont elle a été la présidente jusqu »à sa mort en 1995. La fondation collabore à l »organisation d »expositions, accueillies par d »importantes institutions publiques et privées, telles que : la grande exposition anthologique, l »exposition Guggenheim, le solo show itinérant au Japon et l »exposition au Centre Pompidou à Paris. Le président de la fondation est actuellement Nini Ardemagni Laurini.
Le 12 avril 2008, dans la salle des ventes de Christie »s à Londres, l »œuvre de l »auteur « Spatial Concept. Waiting », estimé entre 3,5 et 5,5 millions de livres sterling, a atteint 6 740 500 livres sterling (9 018 789 euros) dans la vente « Art d »après-guerre et contemporain ».
A partir du 27 mars 1965, le Studio Fontana accueille l »exposition Zero Avantgarde. Sont exposées des œuvres de Nobuya Abe, Armando, Bernard Aubertin, Hans Bischoffshausen, Agostino Bonalumi, Pol Bury, Enrico Castellani, Lucio Fontana, Hermann Goepfert, Hans Haacke, Yves Klein, Yayoi Kusama, Walter Leblanc, Adolf Luther, Heinz Mack, Piero Manzoni, Christian Megert, Henk Peeters, Otto Piene, George Rickey, Jan Schoonhoven, Turi Simeti, Jesùs Rafael Soto, Paul Talman, Erwin Thorn, Giancarlo Tognoni, Günther Uecker, Jef Verheyen, Nanda Vigo, Herman de Vries.
Sources
