Orson Welles

gigatos | juillet 5, 2023

Résumé

George Orson Welles (6 mai 1915 – 10 octobre 1985) était un réalisateur, acteur, scénariste et producteur américain dont on se souvient pour son travail novateur à la radio, au théâtre et au cinéma. Il est considéré comme l’un des plus grands et des plus influents cinéastes de tous les temps.

Alors qu’il a une vingtaine d’années, Welles dirige des productions théâtrales de haut niveau pour le Federal Theatre Project, notamment une adaptation de Macbeth avec une distribution entièrement afro-américaine et la comédie musicale politique The Cradle Will Rock. En 1937, il fonde avec John Houseman le Mercury Theatre, une compagnie indépendante de théâtre de répertoire qui présente une série de productions à Broadway jusqu’en 1941, dont Caesar (1937), une adaptation de Jules César de William Shakespeare.

En 1938, sa série d’anthologie radiophonique The Mercury Theatre on the Air a permis à Welles d’acquérir une renommée internationale en tant que réalisateur et narrateur d’une adaptation radiophonique du roman de H. G. Wells La guerre des mondes, qui a fait croire à certains auditeurs qu’une invasion d’êtres extraterrestres était en train de se produire. Bien que les rapports de panique aient été pour la plupart faux et exagérés, ils ont propulsé Welles, alors âgé de 23 ans, vers la notoriété.

Son premier film, Citizen Kane (1941), qui est régulièrement considéré comme l’un des plus grands films jamais réalisés, est coécrit, produit, réalisé et interprété par Charles Foster Kane, le personnage principal. Welles a réalisé douze autres films, dont les plus acclamés sont The Magnificent Ambersons (1942), The Lady from Shanghai (1947), Touch of Evil (1958), The Trial (1962), Chimes at Midnight (1966) et F for Fake (1973). Son style de réalisation particulier se caractérise par des formes narratives stratifiées et non linéaires, l’utilisation d’éclairages tels que le clair-obscur, des angles de caméra inhabituels, des techniques sonores empruntées à la radio, des plans en profondeur et de longues prises de vue. Il a été qualifié d' »auteur ultime ».. : 6

Welles était un outsider du système des studios et s’est battu pour obtenir le contrôle créatif de ses projets, d’abord avec les grands studios d’Hollywood et, plus tard, avec divers financiers indépendants en Europe, où il a passé la plus grande partie de sa carrière. Nombre de ses films ont été lourdement édités ou sont restés inédits. Certains, comme Touch of Evil, ont été minutieusement réédités à partir de ses notes. Avec un développement s’étalant sur près de 50 ans, le dernier film de Welles, The Other Side of the Wind, est sorti à titre posthume en 2018.

Welles a eu trois mariages, dont un avec Rita Hayworth, et trois enfants. Connu pour sa voix de baryton, Welles s’est beaucoup produit au théâtre, à la radio et au cinéma. Magicien depuis toujours, il s’est fait remarquer en présentant des spectacles de variétés pour les troupes pendant les années de guerre. En 2002, il a été élu plus grand réalisateur de tous les temps lors de deux sondages réalisés par le British Film Institute auprès de réalisateurs et de critiques. En 2018, il a été inclus dans la liste des 50 plus grands acteurs hollywoodiens de tous les temps par le Daily Telegraph.

George Orson Welles est né le 6 mai 1915 à Kenosha, dans le Wisconsin, fils de Richard Head Welles (1883-1924). Il porte le nom de l’un de ses arrière-grands-pères, l’influent avocat de Kenosha Orson S. Head, et de son frère George Head : 37 Une autre version de l’origine de son prénom et de son deuxième prénom a été racontée par George Ade, qui a rencontré les parents de Welles lors d’une croisière dans les Antilles vers la fin de l’année 1914. Ade voyageait avec un ami, Orson Wells (aucun lien de parenté), et tous deux étaient assis à la même table que M. et Mme Richard Welles. Mme Welles était enceinte à l’époque, et lorsqu’ils se sont quittés, elle leur a dit qu’elle avait tellement apprécié leur compagnie que si l’enfant était un garçon, elle avait l’intention de lui donner leur nom : George Orson.

Malgré l’aisance de sa famille, Welles connaît une enfance difficile. Ses parents se séparent et déménagent à Chicago en 1919. Son père, qui a fait fortune grâce à l’invention d’une lampe de bicyclette populaire, devient alcoolique et cesse de travailler. La mère de Welles, pianiste, jouait pendant les conférences de Dudley Crafts Watson à l’Art Institute of Chicago pour subvenir à ses besoins et à ceux de son fils ; l’aîné des garçons Welles, « Dickie », a été placé en institution dès son plus jeune âge en raison de ses difficultés d’apprentissage. Beatrice meurt d’une hépatite dans un hôpital de Chicago le 10 mai 1924, juste après le neuvième anniversaire de Welles : 326 Le Gordon String Quartet, prédécesseur du Berkshire String Quartet, qui avait fait sa première apparition chez elle en 1921, joue aux funérailles de Beatrice.

Après la mort de sa mère, Welles cesse de s’intéresser à la musique. Il fut décidé qu’il passerait l’été avec la famille Watson dans une colonie artistique privée du village de Wyoming, dans la région des Finger Lakes de New York, fondée par Lydia Avery Coonley Ward : 8 Là, il joua et se lia d’amitié avec les enfants de l’Aga Khan, dont le prince Aly Khan, âgé de 12 ans. Puis, au cours de ce que Welles décrira plus tard comme « une période mouvementée » de sa vie, il vit dans un appartement de Chicago avec son père et Maurice Bernstein, un médecin de Chicago qui avait été un ami proche de ses deux parents. Welles a brièvement fréquenté l’école publique : 133 avant que son père, alcoolique, ne quitte complètement le monde des affaires et ne l’emmène avec lui dans ses voyages en Jamaïque et en Extrême-Orient. À leur retour, ils s’installent dans un hôtel de Grand Detour, dans l’Illinois, qui appartenait à son père. Lorsque l’hôtel brûle, Welles et son père reprennent la route : 9

« Pendant les trois années où Orson a vécu avec son père, certains observateurs se sont demandé qui s’occupait de qui », écrit le biographe Frank Brady : 9

« D’une certaine manière, il n’a jamais vraiment été un jeune garçon, vous savez », a déclaré Roger Hill, qui est devenu le professeur et l’ami de longue date de Welles : 24

Welles fréquente brièvement l’école publique de Madison, dans le Wisconsin, où il s’inscrit en quatrième année : 9 Le 15 septembre 1926, il entre au Todd Seminary for Boys, : 3 une école indépendante et coûteuse de Woodstock, Illinois, que son frère aîné, Richard Ives Welles, avait fréquentée dix ans auparavant jusqu’à ce qu’il en soit expulsé pour mauvaise conduite… : 48 À l’école Todd, Welles subit l’influence de Roger Hill, un enseignant qui deviendra plus tard le directeur de l’école Todd. Hill fournit à Welles un environnement éducatif ad hoc qui s’avère inestimable pour son expérience créative, permettant à Welles de se concentrer sur les sujets qui l’intéressent. Welles y joue et y met en scène des expériences et des productions théâtrales.

« Todd a permis à Welles de vivre de nombreuses expériences précieuses », a écrit le critique Richard France. « Il a pu explorer et expérimenter dans une atmosphère d’acceptation et d’encouragement. En plus d’un théâtre, l’école mettait à sa disposition sa propre station de radio » : 27 La première expérience radiophonique de Welles a eu lieu sur la station Todd, où il a interprété une adaptation de Sherlock Holmes écrite par lui: : 7

Le 28 décembre 1930, alors que Welles a 15 ans, son père meurt d’une insuffisance cardiaque et rénale à l’âge de 58 ans, seul dans un hôtel de Chicago. Peu de temps auparavant, Welles avait annoncé à son père qu’il ne le verrait plus, pensant que cela inciterait son père à s’abstenir de boire. Orson s’est alors senti coupable car il pensait que son père avait bu jusqu’à la mort à cause de lui. Le testament de son père laisse à Orson le soin de désigner son tuteur. Roger Hill ayant refusé, Welles choisit Maurice Bernstein : 71-72.

Après avoir reçu son diplôme de Todd en mai 1931, Welles obtient une bourse pour le Harvard College, tandis que son mentor Roger Hill lui propose de s’inscrire au Cornell College dans l’Iowa. Plutôt que de s’inscrire, il choisit de voyager. Il étudie pendant quelques semaines à l’Art Institute of Chicago : 117 avec Boris Anisfeld, qui l’encourage à poursuivre la peinture : 18

Welles retournait occasionnellement à Woodstock, lieu qu’il finit par nommer lorsqu’on lui demanda, lors d’une interview en 1960, « Où est ma maison ? ». Welles répondit : « Je suppose que c’est Woodstock, dans l’Illinois, si c’est quelque part. J’y suis allé à l’école pendant quatre ans. Si j’essaie de penser à une maison, c’est celle-là ».

Après la mort de son père, Welles a voyagé en Europe en utilisant une petite partie de son héritage. Welles a raconté qu’au cours d’une promenade et d’un voyage de peinture en Irlande, il est entré dans le Gate Theatre de Dublin et a déclaré qu’il était une star de Broadway. Le directeur du Gate, Hilton Edwards, déclara plus tard qu’il ne l’avait pas cru, mais qu’il avait été impressionné par son audace et par l’audition passionnée qu’il avait donnée… : 134 Welles a fait ses débuts sur scène au Gate Theatre le 13 octobre 1931, dans l’adaptation de Jew Suss par Ashley Dukes, dans le rôle du duc Karl Alexander de Württemberg. Il joue de petits rôles secondaires dans les productions suivantes du Gate, et il produit et conçoit ses propres productions à Dublin. En mars 1932, Welles joue dans The Circle de W. Somerset Maugham à l’Abbey Theatre de Dublin et se rend à Londres pour trouver du travail au théâtre. Incapable d’obtenir un permis de travail, il retourne aux États-Unis : 327-330

Welles a trouvé sa gloire éphémère et s’est tourné vers un projet d’écriture à la Todd School qui a connu un immense succès, d’abord intitulé Everybody’s Shakespeare, puis The Mercury Shakespeare. Welles a voyagé en Afrique du Nord tout en travaillant sur des milliers d’illustrations pour la série de livres éducatifs Everybody’s Shakespeare, une série qui est restée imprimée pendant des décennies.

En 1933, Roger et Hortense Hill invitent Welles à une soirée à Chicago, où Welles rencontre Thornton Wilder. Wilder organise la rencontre de Welles avec Alexander Woollcott à New York afin qu’il soit présenté à Katharine Cornell, qui est en train de monter une compagnie de théâtre de répertoire. Le mari de Cornell, le metteur en scène Guthrie McClintic, met immédiatement Welles sous contrat et le fait jouer dans trois pièces… : 46-49 Romeo and Juliet, The Barretts of Wimpole Street et Candida font l’objet d’une tournée de répertoire de 36 semaines à partir de novembre 1933, la première de plus de 200 représentations ayant lieu à Buffalo, dans l’État de New York : 330-331.

En 1934, Welles obtient son premier emploi à la radio – avec l’American School of the Air – grâce à l’acteur-réalisateur Paul Stewart, qui le présente au réalisateur Knowles Entrikin: : 331 Cet été-là, Welles organise un festival de théâtre avec la Todd School à l’Opera House de Woodstock, dans l’Illinois, invitant Micheál Mac Liammóir et Hilton Edwards du Gate Theatre de Dublin à se produire aux côtés de grands noms de la scène new-yorkaise dans des productions telles que Trilby, Hamlet, The Drunkard et Tsar Paul. Dans l’ancienne caserne de pompiers de Woodstock, il a également tourné son premier film, un court métrage de huit minutes intitulé The Hearts of Age… : 330-331

Le 14 novembre 1934, Welles épouse la mondaine et actrice de Chicago Virginia Nicolson : 332 (souvent mal orthographiée « Nicholson ») lors d’une cérémonie civile à New York. Pour apaiser les Nicolson, furieux de la fugue du couple, une cérémonie officielle a lieu le 23 décembre 1934 dans le manoir de la marraine de la mariée, dans le New Jersey. Welles portait une coupe empruntée à son ami George Macready : 182

Une production révisée de Roméo et Juliette de Katharine Cornell a débuté le 20 décembre 1934 au Martin Beck Theatre de New York. La production de Broadway attire l’attention de John Houseman, producteur de théâtre, sur le jeune Welles de 19 ans (qui joue alors Tybalt) et lui confie le rôle principal dans la première production d’une des pièces en vers d’Archibald MacLeish, Panic : 144-158 Le 22 mars 1935, Welles fait ses débuts dans la série radiophonique de CBS The March of Time, interprétant une scène de Panic pour un reportage sur la production théâtrale : 144-158 70-71

Dès 1935, Welles complète ses revenus au théâtre en tant qu’acteur de radio à Manhattan, travaillant avec de nombreux acteurs qui formeront plus tard le noyau de son Mercury Theatre dans des programmes tels que America’s Hour, Cavalcade of America, Columbia Workshop et The March of Time : 331-332 « Dans l’année qui suit ses débuts, Welles peut revendiquer son appartenance à ce groupe d’élite d’acteurs de radio qui commandent des salaires qui n’ont rien à envier à ceux des stars de cinéma les mieux payées », écrit le critique Richard France : 172

Projet de théâtre fédéral

Faisant partie de la Works Progress Administration, le Federal Theatre Project (1935-39) était un programme du New Deal destiné à financer le théâtre et d’autres spectacles artistiques et programmes de divertissement aux États-Unis pendant la Grande Dépression. Il a été créé comme mesure de secours pour employer des artistes, des écrivains, des metteurs en scène et des travailleurs du théâtre. Sous la direction de Hallie Flanagan, il est devenu un véritable théâtre national qui a créé des œuvres d’art pertinentes, encouragé l’expérimentation et l’innovation et permis à des millions d’Américains de voir du théâtre en direct pour la première fois.

John Houseman, directeur de la Negro Theatre Unit à New York, invite Welles à rejoindre le Federal Theatre Project en 1935. Loin d’être au chômage – « J’étais tellement employé que j’en oubliais de dormir » -, Welles investit une grande partie de ses revenus radiophoniques hebdomadaires de 1 500 dollars dans ses productions théâtrales, contournant ainsi la paperasserie administrative et montant les projets plus rapidement et de manière plus professionnelle. « Roosevelt a dit un jour que j’étais le seul opérateur de l’histoire à avoir illégalement siphonné de l’argent dans un projet de Washington », a déclaré Welles. 11-13

Le Federal Theatre Project était l’environnement idéal dans lequel Welles pouvait développer son art. Son but étant l’emploi, il a pu engager un nombre illimité d’artistes, d’artisans et de techniciens, et il a rempli la scène d’interprètes : 3 La troupe de la première production, une adaptation de Macbeth de William Shakespeare avec une distribution entièrement afro-américaine, comptait 150 personnes. La production est connue sous le nom de Voodoo Macbeth car Welles a changé le décor en une île mythique suggérant la cour haïtienne du roi Henri Christophe : 179-180, le vodou haïtien jouant le rôle de la sorcellerie écossaise : 86. La pièce a été jouée pour la première fois le 14 avril 1936 au Lafayette Theatre de Harlem et a reçu un accueil enthousiaste. À 20 ans, Welles est considéré comme un prodige. La production effectue ensuite une tournée nationale de 4 000 kilomètres, dont deux semaines à l’Exposition du centenaire du Texas à Dallas.

La prochaine pièce montée est la farce Horse Eats Hat, une adaptation par Welles et Edwin Denby de The Italian Straw Hat, une farce en cinq actes de 1851 d’Eugène Marin Labiche et Marc-Michel: : 114 La pièce est présentée du 26 septembre au 5 décembre 1936 au Maxine Elliott’s Theatre, New York : 334 et met en vedette Joseph Cotten dans son premier rôle principal: : 34 Elle est suivie d’une adaptation de Dr : 34 Elle fut suivie d’une adaptation de Dr. Faustus qui utilisait la lumière comme principal élément scénique unificateur sur une scène presque noire, présentée du 8 janvier au 9 mai 1937 au Maxine Elliott’s Theatre: : 335 : 335

En dehors du cadre du Federal Theatre Project, : 100 le compositeur américain Aaron Copland choisit Welles pour mettre en scène The Second Hurricane (1937), une opérette sur un livret d’Edwin Denby. Présentée à la Henry Street Settlement Music School de New York au profit des élèves du secondaire, la production a débuté le 21 avril 1937 et a donné les trois représentations prévues.. : 337

En 1937, Welles répète l’opérette politique de Marc Blitzstein, The Cradle Will Rock. La première avant-première publique était prévue pour le 16 juin 1937. En raison des coupes sombres opérées par le gouvernement fédéral dans le cadre des Works Progress Projects, la première du spectacle au Maxine Elliott Theatre a été annulée. Le théâtre a été fermé à clé et gardé pour éviter que le matériel acheté par le gouvernement ne soit utilisé pour une production commerciale de l’œuvre. À la dernière minute, Welles annonce aux détenteurs de billets que le spectacle est transféré au Venice, à 20 rues de là. Une partie de la distribution, de l’équipe et du public parcourt la distance à pied. Les musiciens syndiqués ont refusé de se produire dans un théâtre commercial pour des salaires inférieurs à ceux du gouvernement non syndiqué. Le syndicat des acteurs a déclaré que la production appartenait au Federal Theatre Project et ne pouvait être jouée en dehors de ce contexte sans autorisation. Sans la participation des membres du syndicat, The Cradle Will Rock a commencé avec Blitzstein qui a présenté le spectacle et joué l’accompagnement au piano sur scène, certains membres de la troupe jouant dans le public. Cette représentation impromptue a été bien accueillie par le public.

Théâtre Mercury

Rompant avec le Federal Theatre Project en 1937, Welles et Houseman fondent leur propre compagnie de répertoire, qu’ils appellent le Mercury Theatre. Le nom est inspiré du titre du magazine iconoclaste The American Mercury : 119-120 Welles est producteur exécutif, et la troupe originale comprend des acteurs tels que Joseph Cotten, George Coulouris, Geraldine Fitzgerald, Arlene Francis, Martin Gabel, John Hoyt, Norman Lloyd, Vincent Price, Stefan Schnabel et Hiram Sherman.

« Je pense qu’il était le plus grand talent de metteur en scène que nous ayons jamais eu au théâtre », a déclaré Lloyd à propos de Welles lors d’une interview en 2014. « Quand on voyait une production de Welles, on voyait que le texte avait été touché, que la mise en scène était remarquable, que les décors étaient inhabituels, la musique, le son, l’éclairage, un ensemble de tout. Nous n’avions pas eu un tel homme dans notre théâtre. Il a été le premier et reste le plus grand ».

Le Mercury Theatre ouvre ses portes le 11 novembre 1937 avec Caesar, l’adaptation moderne de Welles de la tragédie de Shakespeare Jules César, transformée en un tour de force antifasciste que Joseph Cotten décrira plus tard comme « si vigoureux, si contemporain qu’il a mis Broadway sur les dents » : 108 Le décor était complètement ouvert, sans rideau, et le mur de scène en briques était peint en rouge foncé. Les changements de scène se faisaient uniquement par l’éclairage : 165 Sur la scène se trouvait une série de gradins ; des carrés étaient découpés dans l’un d’eux à intervalles réguliers et des lumières étaient placées en dessous, pointant directement vers le haut pour évoquer la « cathédrale de lumière » lors des rassemblements de Nuremberg. « Il l’a mis en scène comme un mélodrame politique qui se serait déroulé la nuit précédente », a déclaré Lloyd.

À partir du 1er janvier 1938, César est joué en répertoire avec The Shoemaker’s Holiday ; les deux productions déménagent au National Theatre, qui est plus grand. Elles sont suivies par Heartbreak House (29 avril 1938) et Danton’s Death (5 novembre 1938) : 344 Outre la présentation d’une version réduite de l’oratorio au Mercury Theatre les dimanches soirs de décembre 1937, The Cradle Will Rock est resté au Windsor Theatre pendant 13 semaines (du 4 janvier au 2 avril 1938)… : 340 Le succès du Mercury Theatre est tel que Welles apparaît en couverture du magazine Time, entièrement maquillé dans le rôle du capitaine Shotover dans Heartbreak House, dans le numéro du 9 mai 1938, trois jours après son 23e anniversaire.

Le 6 avril 1938, lors d’une production de César, Orson Welles poignarde accidentellement Joseph Holland avec un couteau en acier au cours de l’acte 3, scène 1, où Brutus trahit César, un vrai couteau étant utilisé pour la façon dont il accroche la lumière pendant la scène. Holland a mis un mois à se remettre de sa blessure, et cet incident a endommagé de façon permanente les relations entre les deux hommes.

Parallèlement à son travail au théâtre, Welles a beaucoup travaillé à la radio en tant qu’acteur, scénariste, réalisateur et producteur, souvent sans être crédité: : 77 Entre 1935 et 1937, il gagnait jusqu’à 2 000 dollars par semaine, faisant la navette entre les studios de radio à un rythme tel qu’il arrivait à peine à temps pour une lecture rapide de son texte avant d’être à l’antenne. Alors qu’il dirigeait Voodoo Macbeth, Welles faisait la navette entre Harlem et le centre de Manhattan trois fois par jour pour respecter ses engagements radiophoniques.. : 172

Tout en continuant à jouer dans The March of Time, Welles adapte et interprète Hamlet à l’automne 1936 dans un épisode en deux parties du Columbia Workshop de CBS Radio. Sa prestation en tant qu’annonceur dans la présentation, en avril 1937, du drame en vers d’Archibald MacLeish, The Fall of the City, a marqué une étape importante dans sa carrière radiophonique : 78 et a fait de Welles, alors âgé de 21 ans, une star du jour au lendemain : 46

En juillet 1937, le Mutual Network confie à Welles une série de sept semaines pour adapter Les Misérables. Il s’agit de son premier travail en tant qu’auteur-réalisateur pour la radio, : 338 les débuts radiophoniques du Mercury Theatre, et l’une des premières et des plus belles réalisations de Welles : 160 Il a inventé l’utilisation de la narration à la radio : 88

« En se plaçant au centre du processus de narration, Welles a favorisé l’impression d’auto-adulation qui devait hanter sa carrière jusqu’à sa mort », a écrit le critique Andrew Sarris. « Pour l’essentiel, cependant, Welles était singulièrement généreux avec les autres membres de son équipe et leur inspirait une loyauté qui dépassait l’appel du professionnalisme » : 8

En septembre, Mutual choisit Welles pour incarner Lamont Cranston, également connu sous le nom de The Shadow. Il interprète le rôle de manière anonyme jusqu’à la mi-septembre 1938.

Le théâtre Mercury sur les ondes

Après les succès théâtraux du Mercury Theatre, CBS Radio a invité Orson Welles à créer une émission d’été pendant 13 semaines. La série a débuté le 11 juillet 1938, initialement intitulée First Person Singular, avec la formule selon laquelle Welles jouerait le rôle principal dans chaque émission. Quelques mois plus tard, l’émission s’intitule The Mercury Theatre on the Air : 12 L’émission hebdomadaire d’une heure présente des pièces radiophoniques basées sur des œuvres littéraires classiques, avec une musique originale composée et dirigée par Bernard Herrmann.

L’adaptation radiophonique de La guerre des mondes de H. G. Wells par le Mercury Theatre, le 30 octobre 1938, a valu à Welles une célébrité instantanée. La combinaison de la forme du bulletin d’information et des habitudes des auditeurs à faire tourner leur cadran entre les pauses a été rapportée plus tard comme ayant créé une confusion généralisée parmi les auditeurs qui n’avaient pas entendu l’introduction, bien que l’étendue de cette confusion ait été remise en question. La panique se serait répandue parmi les auditeurs qui ont cru aux informations fictives faisant état d’une invasion martienne. Le mythe du résultat créé par la combinaison a été rapporté comme un fait dans le monde entier et mentionné de manière désobligeante par Adolf Hitler dans un discours public.

La célébrité croissante de Welles lui vaut des offres d’Hollywood, offres auxquelles l’esprit indépendant de Welles résiste d’abord. Le Mercury Theatre on the Air, qui avait été une émission de soutien (sans parrainage), fut repris par Campbell Soup et rebaptisé The Campbell Playhouse. Le Mercury Theatre on the Air diffuse sa dernière émission le 4 décembre 1938, et The Campbell Playhouse débute cinq jours plus tard.

Welles a commencé à faire la navette entre la Californie et New York pour les deux émissions dominicales de The Campbell Playhouse après avoir signé un contrat de cinéma avec RKO Pictures en août 1939. En novembre 1939, la production de l’émission est transférée de New York à Los Angeles.. : 353

Après 20 émissions, Campbell a commencé à exercer un plus grand contrôle créatif et a eu le contrôle total sur la sélection des histoires. Son contrat avec Campbell arrivant à son terme, Welles choisit de ne pas signer pour une nouvelle saison. Après la diffusion du 31 mars 1940, Welles et Campbell se séparent à l’amiable : 221-226.

Le président de la RKO Radio Pictures, George Schaefer, finit par proposer à Welles ce qui est généralement considéré comme le plus grand contrat offert à un cinéaste, et encore plus à un cinéaste qui n’a pas encore fait ses preuves. L’engageant à écrire, produire, réaliser et jouer dans deux films, le contrat subordonne les intérêts financiers du studio au contrôle créatif de Welles, et rompt avec tous les précédents en accordant à Welles le droit au montage final : 1-2 Après avoir signé un accord sommaire avec la RKO le 22 juillet, Welles signa un contrat complet de 63 pages le 21 août 1939 : 353 L’accord fut amèrement ressenti par les studios hollywoodiens et constamment tourné en dérision dans la presse spécialisée : 2

Citizen Kane

La RKO rejette les deux premières propositions de Welles, mais accepte la troisième, Citizen Kane. Welles a coécrit, produit et réalisé le film, et il en a interprété le rôle principal. Welles a conçu le projet avec le scénariste Herman J. Mankiewicz, qui écrivait des pièces radiophoniques pour The Campbell Playhouse: : 16 Mankiewicz a basé le plan original du scénario du film sur la vie de William Randolph Hearst, qu’il a connu socialement et qu’il en est venu à détester après avoir été exilé du cercle de Hearst: : 231

Après s’être mis d’accord sur l’intrigue et le personnage, Welles fournit à Mankiewicz 300 pages de notes et le charge d’écrire la première version du scénario sous la supervision de John Houseman. Welles rédige son propre projet, : 54, puis condense et réorganise radicalement les deux versions et ajoute des scènes de son cru. L’industrie accusa Welles de sous-estimer la contribution de Mankiewicz au scénario, mais Welles répliqua à ces attaques en disant : « À la fin, naturellement, c’est moi qui faisais le film, après tout, qui devais prendre les décisions. J’ai utilisé ce que je voulais de Mank et, à tort ou à raison, j’ai gardé ce que j’aimais de mon côté » : 54

Le projet de Welles a attiré certains des meilleurs techniciens d’Hollywood, dont le directeur de la photographie Gregg Toland. Pour la distribution, Welles a principalement fait appel aux acteurs de son Mercury Theatre. Le tournage de Citizen Kane a duré dix semaines.

Les journaux de Hearst interdisent toute référence à Citizen Kane et exercent une pression énorme sur la communauté cinématographique d’Hollywood pour obliger la RKO à mettre le film en veilleuse : 111 Le chef de la RKO, George Schaefer, reçoit une offre d’argent de Louis B. Mayer de la MGM et d’autres dirigeants de grands studios s’il détruit le négatif et les copies existantes du film : 112.

En attendant la sortie de Citizen Kane, Welles produit et met en scène la production originale de Broadway de Native Son, un drame écrit par Paul Green et Richard Wright d’après le roman de ce dernier. Avec Canada Lee, le spectacle a été présenté du 24 mars au 28 juin 1941 au St. James Theatre. La production Mercury fut la dernière fois que Welles et Houseman travaillèrent ensemble : 12

Citizen Kane a fait l’objet d’une sortie limitée et le film a été très bien accueilli par la critique. Le National Board of Review et le New York Film Critics Circle l’ont élu meilleur film de l’année 1941. Le film a obtenu neuf nominations aux Academy Awards, mais n’a remporté que le prix du meilleur scénario original, partagé par Mankiewicz et Welles. Variety a rapporté que le vote en bloc des figurants avait privé Citizen Kane des Oscars du meilleur film et du meilleur acteur (Welles), et que des préjugés similaires étaient probablement à l’origine du fait que le film n’avait reçu aucune récompense technique.. : 117

Le retard dans la sortie du film et une distribution inégale ont contribué à des résultats médiocres au box-office. Après avoir fait son temps en salle, Citizen Kane est rangé dans les coffres en 1942. Dans la France de l’après-guerre, cependant, la réputation du film s’est accrue après sa première projection en 1946 : 117-118 Aux États-Unis, le film a commencé à être réévalué après son passage à la télévision en 1956. Cette année-là, il a également été réédité en salle : 119 et le critique de cinéma Andrew Sarris l’a décrit comme « le grand film américain » et « l’œuvre qui a influencé le cinéma plus profondément que n’importe quel autre film américain depuis La naissance d’une nation ». Citizen Kane est aujourd’hui largement reconnu comme l’un des plus grands films jamais réalisés.

The Magnificent Ambersons

Le deuxième film de Welles pour la RKO est The Magnificent Ambersons, adapté par Welles du roman de Booth Tarkington, lauréat du prix Pulitzer. Toland n’étant pas disponible, Stanley Cortez fut nommé directeur de la photographie. Le méticuleux Cortez travaille lentement et le film prend du retard et dépasse le budget prévu. Avant la production, le contrat de Welles a été renégocié, lui retirant le droit de contrôler le montage final. La production de The Magnificent Ambersons s’est déroulée du 28 octobre 1941 au 22 janvier 1942.

Pendant le tournage du film, Welles produisait également une série radiophonique hebdomadaire d’une demi-heure, The Orson Welles Show. De nombreux acteurs des Amberson ont participé à la série radiophonique de CBS, qui s’est déroulée du 15 septembre 1941 au 2 février 1942 : 525

Voyage dans la peur

À la demande de la RKO, Welles travaille sur une adaptation du thriller d’espionnage Journey into Fear d’Eric Ambler, coécrit avec Joseph Cotten. En plus de jouer dans le film, Welles en est le producteur. La réalisation a été confiée à Norman Foster. Welles dira plus tard qu’ils étaient tellement pressés que le réalisateur de chaque scène était déterminé par celui qui était le plus proche de la caméra165.

Journey into Fear a été produit du 6 janvier au 12 mars 1942.

Travail de guerre

Fin novembre 1941, Welles est nommé ambassadeur de bonne volonté en Amérique latine par Nelson Rockefeller, coordinateur américain des affaires interaméricaines et actionnaire principal de RKO Radio Pictures : 244 La mission de l’OCIAA est la diplomatie culturelle, la promotion de la solidarité hémisphérique et la lutte contre l’influence croissante des puissances de l’Axe en Amérique latine : 10-11 John Hay Whitney, chef de la division cinématographique de l’agence, est chargé par le gouvernement brésilien de produire un documentaire sur la célébration annuelle du carnaval de Rio au début de février 1942 : 40-41 Le gouvernement brésilien demande à John Hay Whitney, chef de la division cinématographique de l’agence, de produire un documentaire sur la célébration annuelle du carnaval de Rio qui a lieu au début du mois de février 1942: : 40-41 Dans un télégramme du 20 décembre 1941, Whitney écrit à Welles : « Je crois personnellement que vous apporteriez une grande contribution à la solidarité de l’hémisphère avec ce projet » : 65

L’OCIAA a parrainé des tournées culturelles en Amérique latine et nommé des ambassadeurs de bonne volonté, dont George Balanchine et l’American Ballet, Bing Crosby, Aaron Copland, Walt Disney, John Ford et Rita Hayworth. Catherine L. Benamou, spécialiste des affaires latino-américaines, estime qu’il n’est pas improbable qu’il ait fait partie des ambassadeurs de bonne volonté à qui l’on demandait de recueillir des renseignements pour le gouvernement américain, en plus de leurs fonctions culturelles. Elle conclut que l’acceptation par Welles de la demande de Whitney était « un choix logique et manifestement patriotique »… : 245-247

En plus de travailler sur son projet de film malheureux It’s All True, Welles est responsable des programmes radio, des conférences, des interviews et des entretiens informels dans le cadre de sa mission culturelle parrainée par l’OCIAA, qui est considérée comme un succès : 192. Il parle de sujets allant de Shakespeare à l’art visuel lors de rassemblements de l’élite brésilienne, et ses deux émissions radiophoniques intercontinentales d’avril 1942 ont notamment pour but d’informer le public américain que le président Vargas est un partenaire des Alliés. La mission d’ambassadeur de Welles a été étendue pour lui permettre de voyager dans d’autres pays, notamment l’Argentine, la Bolivie, le Chili, la Colombie, l’Équateur, le Guatemala, le Mexique, le Pérou et l’Uruguay : 247-249, 328 Welles a travaillé pendant plus de six mois sans aucune compensation.. : 189

Les attentes de Welles à l’égard du film étaient modestes. « It’s All True n’allait pas marquer l’histoire du cinéma et n’en avait d’ailleurs pas l’intention », dira-t-il plus tard. « Il s’agissait d’une exécution tout à fait honorable de mon travail d’ambassadeur de bonne volonté, en apportant à l’hémisphère nord un divertissement qui leur montrerait quelque chose de l’hémisphère sud » : 253

En juillet 1941, Welles conçoit It’s All True comme un film omnibus mêlant documentaire et docufiction : 27 dans un projet qui souligne la dignité du travail et célèbre la diversité culturelle et ethnique de l’Amérique du Nord. Ce devait être son troisième film pour la RKO, après Citizen Kane (1941) et The Magnificent Ambersons (1942)… : 109 Duke Ellington est engagé pour composer la musique d’un segment dont le titre provisoire est « The Story of Jazz », tiré de l’autobiographie de Louis Armstrong de 1936, Swing That Music : 232-233 Armstrong est choisi pour jouer son propre rôle dans la brève dramatisation de l’histoire du jazz, de ses racines à sa place dans la culture américaine des années 1940… : 109 « The Story of Jazz » devait entrer en production en décembre 1941 : 119-120

Mercury Productions a acheté les histoires de deux autres segments – « My Friend Bonito » et « The Captain’s Chair » – au documentariste Robert J. Flaherty : 33, 326 Adapté par Norman Foster et John Fante, « Mon ami Bonito » a été le seul segment du film original It’s All True à être mis en production : 109 Le tournage a eu lieu au Mexique de septembre à décembre 1941, sous la direction de Norman Foster et sous la supervision de Welles… : 311

En décembre 1941, le Bureau du coordinateur des affaires interaméricaines demande à Welles de réaliser un film au Brésil qui mettrait en valeur le carnaval de Rio de Janeiro : 65 Le tournage de « My Friend Bonito » étant achevé aux deux tiers, Welles décide qu’il peut déplacer la géographie de It’s All True et incorporer l’histoire de Flaherty dans un film omnibus sur l’Amérique latine – soutenant ainsi la politique de bon voisinage de l’administration Roosevelt, dont Welles est un fervent partisan : 41, 246. Dans ce concept révisé, « The Story of Jazz » est remplacé par l’histoire de la samba, une forme musicale dont l’histoire est comparable et qui fascine Welles. Il a également décidé de faire un épisode tiré des manchettes sur le voyage épique de quatre pauvres pêcheurs brésiliens, les jangadeiros, qui sont devenus des héros nationaux. Welles dira plus tard qu’il s’agissait de l’histoire la plus précieuse : 15

Appelé à filmer le carnaval de Rio de Janeiro au début du mois de février 1942, Welles s’empresse de monter The Magnificent Ambersons et de terminer ses scènes d’acteur dans Journey into Fear (Voyage dans la peur). Il met fin à son émission de radio lucrative sur CBS : 189 Le 2 février, il s’envole pour Washington, D.C., pour une réunion d’information, puis il monte une première version des Amberson à Miami avec le monteur Robert Wise : 369-370 Welles enregistre la narration du film la veille de son départ pour l’Amérique du Sud : « Je suis allé à la salle de projection vers quatre heures du matin, j’ai tout fait, puis j’ai pris l’avion et je suis parti pour Rio – et la fin de la civilisation telle que nous la connaissons » : 115

Welles part pour le Brésil le 4 février et commence le tournage à Rio le 8 février 1942 : 369-370. À l’époque, il ne semble pas que les autres projets cinématographiques de Welles soient perturbés, mais comme l’écrit l’historienne du cinéma Catherine L. Benamou, « le poste d’ambassadeur allait être le premier d’une série de tournants qui allaient conduire, par « zigs » et « zags » plutôt qu’en ligne droite, à la perte du contrôle total de Welles sur The Magnificent Ambersons et It’s All True, à l’annulation de son contrat au RKO Radio Studio, à l’expulsion de sa société Mercury Productions de la RKO et, finalement, à la suspension totale de It’s All True » : 46.

En 1942, la RKO Pictures subit d’importants changements sous une nouvelle direction. Nelson Rockefeller, le principal bailleur de fonds du projet Brazil, quitte le conseil d’administration, et le principal sponsor de Welles chez RKO, le président du studio George Schaefer, démissionne. La RKO prend le contrôle des Ambersons et monte le film dans ce que le studio considère comme un format commercial. Les tentatives de Welles pour protéger sa version échouent finalement. En Amérique du Sud, Welles demande des ressources pour terminer It’s All True. Avec une quantité limitée de pellicule noir et blanc et une caméra muette, il a pu terminer le tournage de l’épisode sur les jangadeiros, mais la RKO a refusé de soutenir la poursuite de la production du film.

« J’ai donc été renvoyé de la RKO », se souviendra plus tard Welles. « Ils ont fait une grande publicité sur le fait que j’étais parti en Amérique du Sud sans scénario et que j’avais jeté tout cet argent par les fenêtres. Je ne me suis jamais remis de cette attaque » : 188 Plus tard, en 1942, lorsque RKO Pictures a commencé à promouvoir sa nouvelle devise, « Showmanship In Place of Genius : A New Deal at RKO », : 29 Welles a compris qu’il s’agissait d’une référence à sa personne: : 188

Welles est rentré aux États-Unis le 22 août 1942, après plus de six mois passés en Amérique du Sud. Il a produit et animé les deux premières heures d’une émission de sept heures diffusée d’un bout à l’autre du pays pour promouvoir les obligations de guerre et intitulée I Pledge America (Je promets l’Amérique). Diffusée le 29 août 1942 sur le Blue Network, l’émission est présentée en coopération avec le département du Trésor des États-Unis, la Western Union (qui transfère gratuitement les souscriptions d’obligations) et l’American Women’s Voluntary Services. Avec 21 orchestres de danse et une vingtaine de stars de la scène, de l’écran et de la radio, l’émission a permis de récolter plus de 10 millions de dollars, soit plus de 146 millions de dollars aujourd’hui.

Le 12 octobre 1942, Cavalcade of America présente la pièce radiophonique de Welles, Admiral of the Ocean Sea, un regard divertissant et factuel sur la légende de Christophe Colomb.

« Il appartient à une période où l’unité de l’hémisphère était une question cruciale et où de nombreux programmes étaient consacrés à l’héritage commun des Amériques », a écrit l’historien de la radiodiffusion Erik Barnouw. « Beaucoup de ces programmes étaient traduits en espagnol et en portugais et diffusés en Amérique latine, afin de contrecarrer les nombreuses années de propagande réussie de l’Axe dans cette région. L’Axe, qui tentait de dresser l’Amérique latine contre l’Amérique anglo-saxonne, avait constamment mis l’accent sur les différences entre les deux. La radio américaine se devait donc de mettre l’accent sur leur expérience commune et leur unité essentielle » : 3

Admiral of the Ocean Sea, également connu sous le nom de Columbus Day, commence par les mots « Hello Americans », titre que Welles choisira pour sa propre série cinq semaines plus tard : 373.

Hello Americans, une série radiophonique de CBS diffusée du 15 novembre 1942 au 31 janvier 1943, a été produite, réalisée et animée par Welles sous les auspices du Bureau du coordinateur des affaires interaméricaines. Ce programme hebdomadaire de 30 minutes promeut la compréhension et l’amitié interaméricaines, en s’appuyant sur les recherches effectuées pour le film malheureux It’s All True (Tout est vrai). La série a été produite en même temps que l’autre série de Welles sur CBS, Ceiling Unlimited (9 novembre 1942 – 1er février 1943), sponsorisée par la Lockheed-Vega Corporation. Le programme a été conçu pour glorifier l’industrie aéronautique et dramatiser son rôle dans la Seconde Guerre mondiale. Les émissions de Welles ont été considérées comme des contributions significatives à l’effort de guerre.. : 64

Tout au long de la guerre, Welles travaille sur des programmes radio patriotiques, notamment Command Performance, G.I. Journal, Mail Call, Nazi Eyes on Canada, Stage Door Canteen et Treasury Star Parade.

Au début de l’année 1943, les deux séries radiophoniques simultanées (Ceiling Unlimited, Hello Americans) qu’Orson Welles a créées pour CBS afin de soutenir l’effort de guerre ont pris fin. Le tournage de l’adaptation cinématographique de Jane Eyre s’est également achevé en 1943 et ce cachet, en plus des revenus provenant de ses rôles réguliers de guest-star à la radio, a permis à Welles de réaliser le rêve de sa vie. Il s’adresse à la War Assistance League of Southern California et propose un spectacle qui se transforme en un spectacle sous chapiteau, à la fois cirque et spectacle de magie. Il offre ses services de magicien et de metteur en scène, 40 et investit quelque 40 000 dollars de son propre argent dans un spectacle qu’il coproduit avec son ami Joseph Cotten : « The Mercury Wonder Show for Service » : The Mercury Wonder Show for Service Men. Les membres des forces armées américaines sont admis gratuitement, tandis que le grand public doit payer : 26 Le spectacle divertit plus de 1 000 militaires chaque soir, et les recettes sont versées à la War Assistance League, une organisation caritative pour le personnel militaire.

Le développement du spectacle a coïncidé avec la résolution de la situation changeante de Welles en mai 1943, lorsqu’il a finalement été déclaré 4-F (inapte au service militaire) pour diverses raisons médicales. « Je me sentais coupable de la guerre », a déclaré Welles à la biographe Barbara Leaming. « Je me sentais coupable de mon statut civil » : 86 Depuis Citizen Kane, il avait été publiquement harcelé sur son patriotisme, lorsque la presse de Hearst avait commencé à demander avec insistance pourquoi Welles n’avait pas été appelé sous les drapeaux.

Le Mercury Wonder Show s’est déroulé du 3 août au 9 septembre 1943, dans une tente de 80 pieds sur 120 située au 900 Cahuenga Boulevard, au cœur d’Hollywood : 26.

À l’entracte du 7 septembre 1943, la radio KMPC a interviewé des spectateurs et des membres de la troupe du Mercury Wonder Show, dont Welles et Rita Hayworth, qui s’étaient mariés plus tôt dans la journée. Welles fait remarquer que le Mercury Wonder Show a été joué devant environ 48 000 membres des forces armées américaines.. : 129

L’idée d’une émission de variétés à la radio est venue à Welles après son succès en tant qu’animateur remplaçant de quatre épisodes consécutifs (du 14 mars au 4 avril 1943) de The Jack Benny Program, l’émission la plus populaire de la radio, lorsque Benny a contracté une pneumonie lors d’une tournée de représentations dans des bases militaires. Émission de variétés d’une demi-heure diffusée du 26 janvier au 19 juillet 1944 sur le Columbia Pacific Network, The Orson Welles Almanac présentait des sketches comiques, de la magie, de la manipulation mentale, de la musique et des lectures d’œuvres classiques. Nombre de ces spectacles ont vu le jour dans des camps militaires américains, où Welles, sa troupe de répertoire et ses invités divertissaient les troupes avec une version réduite du Mercury Wonder Show. Les prestations du groupe de jazz étoilé que Welles a réuni pour le spectacle ont été si populaires que le groupe est devenu un élément régulier et a joué un rôle important dans le regain d’intérêt pour le jazz traditionnel de la Nouvelle-Orléans : 85  Le 15 mai 1944, Welles est inscrit sur la liste des employés du Trésor américain en tant qu’expert consultant pour la durée de la guerre, avec une rémunération d’un dollar par an. Sur la recommandation du président Franklin D. Roosevelt, le secrétaire au Trésor Henry Morgenthau demande à Welles de diriger la cinquième campagne de prêts à la guerre, qui s’ouvre le 12 juin par une émission de radio d’une heure sur les quatre réseaux, diffusée depuis Texarkana, au Texas. L’émission, qui comprenait une déclaration du Président, définissait les causes de la guerre et encourageait les Américains à acheter 16 milliards de dollars d’obligations pour financer le débarquement en Normandie et la phase la plus violente de la Seconde Guerre mondiale. Welles produit d’autres émissions sur la campagne d’emprunt pour la guerre le 14 juin depuis le Hollywood Bowl et le 16 juin depuis le Soldier Field, à Chicago : 371-373 Les Américains achètent pour 20,6 milliards de dollars d’obligations de guerre au cours de la cinquième campagne d’emprunt pour la guerre, qui s’achève le 8 juillet 1944.

Welles a fait campagne avec ardeur pour Roosevelt en 1944. Soutien de longue date et orateur de campagne de FDR, il envoie parfois au président des idées et des phrases qui sont parfois incorporées dans ce que Welles qualifie de « discours moins importants »… : 372, 374 L’une de ces idées était la plaisanterie de ce que l’on a appelé le discours de Fala, le discours de Roosevelt diffusé nationalement le 23 septembre devant l’Union internationale des Teamsters, qui a ouvert la campagne présidentielle de 1944.

Welles a fait campagne pour le ticket Roosevelt-Truman presque à plein temps à l’automne 1944, voyageant dans presque tous les Etats : 373-374 au détriment de sa propre santé : 219 En plus de ses interventions radiophoniques, il remplace Roosevelt, face au candidat républicain à la présidence Thomas E. Dewey, lors du forum du New York Herald Tribune diffusé le 18 octobre sur le Blue Network : 292 Welles accompagne FDR lors de son dernier meeting de campagne, prenant la parole le 4 novembre au Fenway Park de Boston devant 40 000 personnes, et participe à une campagne électorale historique diffusée le 6 novembre sur les quatre réseaux radiophoniques : 293 Welles accompagne FDR lors de son dernier meeting de campagne, prenant la parole le 4 novembre au Fenway Park de Boston devant 40 000 personnes, et participe à une campagne électorale historique diffusée le 6 novembre sur les quatre réseaux radiophoniques : 166-167

Le 21 novembre 1944, Welles s’associe à This Is My Best, une série radiophonique de CBS qu’il produira, réalisera, écrira et animera brièvement (du 13 mars au 24 avril 1945). Il écrit une chronique politique intitulée Orson Welles’ Almanac (plus tard intitulée Orson Welles Today) pour le New York Post de janvier à novembre 1945, et défend la poursuite des politiques du New Deal de FDR et sa vision internationale, en particulier la création des Nations unies et la cause de la paix dans le monde : 84

Le 12 avril 1945, jour de la mort de Franklin D. Roosevelt, le réseau Blue-ABC a réuni l’ensemble de son personnel de direction et des dirigeants nationaux pour rendre hommage au président défunt. « Parmi les programmes exceptionnels qui ont attiré l’attention, un hommage spécial a été rendu par Orson Welles », a rapporté le magazine Broadcasting. Welles a pris la parole à 22 h 10, heure de la guerre de l’Est, depuis Hollywood, et a souligné l’importance de poursuivre l’œuvre de FDR : « Il n’a pas besoin d’hommage et nous qui l’avons aimé n’avons pas le temps de pleurer… Nos fils et frères de combat ne peuvent s’arrêter ce soir pour marquer la mort de celui dont le nom sera donné à l’époque dans laquelle nous vivons ».

Welles a présenté une autre émission spéciale sur la mort de Roosevelt le soir suivant : « Nous devons aller au-delà de la simple mort, vers ce monde libre qui était l’espoir et le travail de sa vie » : 242

Il consacre l’épisode du 17 avril de This Is My Best à Roosevelt et à l’avenir de l’Amérique à la veille de la Conférence des Nations Unies sur l’organisation internationale. Welles a été conseiller et correspondant pour la couverture par le réseau radio Blue-ABC de la conférence de San Francisco qui a donné naissance à l’ONU et qui s’est déroulée du 24 avril au 23 juin 1945. Il a présenté un programme dramatique d’une demi-heure écrit par Ben Hecht le jour de l’ouverture de la conférence et, le dimanche après-midi (du 29 avril au 10 juin), il a animé une discussion hebdomadaire depuis le San Francisco Civic Auditorium.

L’étranger

À l’automne 1945, Welles commence à travailler sur The Stranger (1946), un film noir qui raconte l’histoire d’un enquêteur sur les crimes de guerre qui traque un fugitif nazi de haut rang dans une ville idyllique de la Nouvelle-Angleterre. Edward G. Robinson, Loretta Young et Welles jouent dans ce film.

Le producteur Sam Spiegel avait initialement prévu d’engager le réalisateur John Huston, qui avait réécrit le scénario d’Anthony Veiller. Lorsque Huston s’est engagé dans l’armée, Welles a eu l’occasion de réaliser et de prouver qu’il était capable de faire un film dans les délais et sans dépassement de budget : 19 – ce qu’il était si impatient de faire qu’il accepta un contrat désavantageux. L’une de ses concessions était qu’il s’en remettrait au studio en cas de conflit créatif… : 309-310

The Stranger était le premier travail de Welles en tant que réalisateur depuis quatre ans… : 391 On lui dit que si le film était un succès, il pourrait signer un contrat de quatre films avec International Pictures, et réaliser des films de son choix : 379 Welles se voit accorder un certain degré de contrôle créatif : 19 et il s’efforce de personnaliser le film et de développer un ton cauchemardesque : 2:30 Il travaille à la réécriture générale du scénario et écrit des scènes au début du film qui sont tournées mais coupées par la suite par les producteurs : 186 Il filme en longues prises qui contrecarrent largement le contrôle donné au monteur Ernest J. Nims selon les termes du contrat : 15:45

L’Étranger a été le premier film commercial à utiliser des images documentaires des camps de concentration nazis. Welles avait vu ces images au début du mois de mai 1945 : 56 en tant que correspondant et modérateur de discussion à la Conférence des Nations Unies sur l’Organisation Internationale… : 304 Il a parlé des images de l’Holocauste dans sa chronique syndiquée du New York Post le 7 mai 1945 : 56-57.

Terminé un jour avant la date prévue et en dessous du budget, : 379-380 L’Étranger est le seul film de Welles à avoir connu un véritable succès au box-office lors de sa sortie. Son coût était de 1,034 million de dollars ; 15 mois après sa sortie, il avait rapporté 3,216 millions de dollars. Quelques semaines après l’achèvement du film, International Pictures s’est retiré de l’accord de quatre films qu’il avait promis à Welles. Aucune raison n’a été donnée, mais l’impression a été laissée que The Stranger ne rapporterait pas d’argent : 381

Autour du monde

Au cours de l’été 1946, Welles s’est installé à New York pour diriger la comédie musicale Around the World, une adaptation théâtrale du roman de Jules Verne Le tour du monde en quatre-vingts jours, avec un livre de Welles et une musique de Cole Porter. Le producteur Mike Todd, qui produira plus tard l’adaptation cinématographique à succès de 1956, se retire de cette production somptueuse et coûteuse, laissant à Welles le soin d’en assurer le financement. À court d’argent, Welles convainc le président de Columbia Pictures, Harry Cohn, d’envoyer suffisamment d’argent pour poursuivre le spectacle, et en échange, Welles promet d’écrire, de produire, de réaliser et de jouer dans un film pour Cohn, sans autre forme de rémunération. Le spectacle a rapidement échoué en raison de la faiblesse des recettes, et Welles n’a pas pu déduire les pertes sur ses impôts.

Radio (1946)

En 1946, Welles lance deux nouvelles séries radiophoniques : Mercury Summer Theatre of the Air pour CBS et Orson Welles Commentaries pour ABC. Alors que Mercury Summer Theatre proposait des adaptations d’une demi-heure de certaines émissions radiophoniques classiques de Mercury des années 1930, le premier épisode était un condensé de sa pièce de théâtre Around the World, et constitue le seul enregistrement de la musique de Cole Porter pour ce projet. Plusieurs acteurs originaux de Mercury sont revenus pour la série, ainsi que Bernard Herrmann. Welles a investi ses gains dans sa pièce de théâtre qui a échoué. Commentaries était un véhicule politique pour lui, reprenant les thèmes de sa chronique au New York Post. Là encore, Welles n’a pas d’objectif précis, jusqu’à ce que la NAACP attire son attention sur le cas d’Isaac Woodard. Welles attire alors l’attention sur la cause de Woodard.

La dernière diffusion de Orson Welles Commentaries, le 6 octobre 1946, a marqué la fin des émissions radiophoniques de Welles : 401

La dame de Shanghai

Le film que Welles a dû réaliser en échange de l’aide de Harry Cohn pour le financement de la production théâtrale Around the World est The Lady from Shanghai, tourné en 1947 pour Columbia Pictures. Prévu comme un modeste thriller, le budget a grimpé en flèche après que Cohn a suggéré que Rita Hayworth, la seconde épouse de Welles, dont il était alors séparé, tienne le rôle principal.

Cohn n’aimait pas le montage brut de Welles, en particulier l’intrigue confuse et l’absence de gros plans, et n’était pas d’accord avec l’utilisation brechtienne de l’ironie et de la comédie noire par Welles, en particulier dans une scène grotesque au tribunal. Cohn ordonne un montage approfondi et de nouvelles prises de vue. Après un montage intensif par le studio, environ une heure du premier montage de Welles a été supprimée, y compris une grande partie d’une scène d’affrontement dans un parc d’attractions. Tout en exprimant son mécontentement à l’égard des coupes, Welles s’est montré particulièrement consterné par la partition musicale. Le film a été considéré comme un désastre en Amérique au moment de sa sortie, bien que la fusillade finale dans une salle des miroirs (l’utilisation de miroirs étant un motif récurrent chez Welles) soit depuis devenue une pierre de touche du film noir. Peu de temps après la sortie du film, Welles et Hayworth finalisent leur divorce.

Bien que La Dame de Shanghai ait été acclamé en Europe, il n’a été adopté aux États-Unis que des décennies plus tard, où il est maintenant souvent considéré comme un classique du film noir. Une différence d’accueil similaire de part et d’autre de l’Atlantique, suivie d’une meilleure acceptation aux États-Unis, s’est produite pour le film de Chaplin inspiré par Welles, Monsieur Verdoux, qui devait à l’origine être réalisé par Welles avec Chaplin, puis réalisé par Chaplin, l’idée étant attribuée à Welles.

Macbeth

Avant 1948, Welles a convaincu Republic Pictures de le laisser réaliser une version à petit budget de Macbeth, qui présentait des décors et des costumes très stylisés, ainsi qu’une distribution d’acteurs se synchronisant sur une bande sonore préenregistrée, l’une des nombreuses techniques innovantes de réduction des coûts utilisées par Welles pour tenter de réaliser un film épique avec des ressources de série B. Le scénario, adapté par Welles, est un remaniement violent de l’original de Shakespeare, qui coupe et colle librement des lignes dans de nouveaux contextes grâce à une technique de collage. Le scénario, adapté par Welles, est un violent remaniement de l’original de Shakespeare, qui consiste à couper et à coller librement des lignes dans de nouveaux contextes par le biais d’une technique de collage et à recréer Macbeth comme un affrontement d’idéologies païennes et proto-chrétiennes. Certains aspects vaudous du célèbre film de Welles

Republic a d’abord présenté le film comme une œuvre importante, mais a décidé que les accents écossais ne lui convenaient pas et a retardé la sortie générale pendant près d’un an après les premières réactions négatives de la presse, y compris le commentaire de Life selon lequel le film de Welles « massacre immondement Shakespeare ». Welles part pour l’Europe, tandis que le coproducteur et supporter de toujours, Richard Wilson, retravaille la bande sonore. À son retour, Welles coupe 20 minutes du film à la demande de Republic et enregistre une narration pour combler certaines lacunes. Le film est décrié comme un désastre. Macbeth avait des fans influents en Europe, en particulier le poète et cinéaste français Jean Cocteau, qui a salué la « puissance brute et irrévérencieuse » du film et le soin apporté à la conception des plans, et a décrit les personnages comme hantant « les couloirs d’un métro onirique, une mine de charbon abandonnée, et des caves en ruine suintant d’eau ».

En Italie, il joue le rôle de Cagliostro dans le film Black Magic de 1948. Son partenaire, Akim Tamiroff, impressionne tellement Welles que Tamiroff apparaîtra dans quatre productions de Welles au cours des années 1950 et 1960.

L’année suivante, Welles incarne Harry Lime dans Le troisième homme de Carol Reed, aux côtés de Joseph Cotten, son ami et covedette de Citizen Kane, sur un scénario de Graham Greene et une partition mémorable d’Anton Karas.

Quelques années plus tard, le producteur de radio britannique Harry Alan Towers ressuscitera le personnage de Lime dans la série radiophonique The Adventures of Harry Lime.

Welles a joué le rôle de Cesare Borgia dans le film italien Prince of Foxes (1949), avec Tyrone Power et Everett Sloane, un ancien du Mercury Theatre, et celui du guerrier mongol Bayan dans la version cinématographique du roman La Rose noire (1950), toujours avec Tyrone Power.

Othello

À cette époque, Welles canalise l’argent qu’il tire de ses emplois d’acteur dans une version cinématographique autofinancée de la pièce de Shakespeare, Othello. De 1949 à 1951, Welles travaille sur Othello et tourne en Italie et au Maroc. Le film met en scène les amis de Welles, Micheál Mac Liammóir dans le rôle de Iago et Hilton Edwards dans celui de Brabantio, le père de Desdémone. Suzanne Cloutier jouait le rôle de Desdémone et Robert Coote, un ancien de la Campbell Playhouse, jouait le rôle de Roderigo, l’associé de Iago.

Le tournage a été suspendu à plusieurs reprises, car Welles n’avait plus d’argent et partait pour des emplois d’acteur, comme l’explique en détail MacLiammóir dans ses mémoires Put Money in Thy Purse (Mets de l’argent dans ton sac). La bande sonore de la version américaine était techniquement défectueuse, souffrant d’une perte de son à chaque moment de silence. La fille de Welles, Beatrice Welles-Smith, a restauré Othello en 1992 en vue d’une large réédition. La restauration comprenait la reconstitution de la partition musicale originale d’Angelo Francesco Lavagnino, qui était à l’origine inaudible, et l’ajout d’effets sonores stéréo ambiants, qui ne figuraient pas dans le film original. La restauration a connu un grand succès dans les salles de cinéma américaines.

En 1952, Welles continue à trouver du travail en Angleterre après le succès de l’émission de radio Harry Lime. Harry Alan Towers propose à Welles une autre série, The Black Museum, qui dure 52 semaines avec Welles comme animateur et narrateur. Le réalisateur Herbert Wilcox propose à Welles le rôle de la victime assassinée dans Trent’s Last Case, d’après le roman de E. C. Bentley. En 1953, la BBC engage Welles pour lire pendant une heure des extraits du poème épique de Walt Whitman, Song of Myself. Towers a de nouveau engagé Welles pour jouer le professeur Moriarty dans la série radiophonique The Adventures of Sherlock Holmes, avec John Gielgud et Ralph Richardson.

Welles est brièvement revenu en Amérique pour faire sa première apparition à la télévision, dans la présentation Omnibus du Roi Lear, diffusée en direct sur CBS le 18 octobre 1953. Réalisée par Peter Brook, la production mettait en vedette Natasha Parry, Beatrice Straight et Arnold Moss.

En 1954, le réalisateur George More O’Ferrall offre à Welles le rôle-titre dans le segment « Lord Mountdrago » de Three Cases of Murder, avec Alan Badel. Herbert Wilcox lui confie le rôle de l’antagoniste dans Trouble in the Glen, aux côtés de Margaret Lockwood, Forrest Tucker et Victor McLaglen. Son vieil ami John Huston lui confie le rôle du père Mapple dans son adaptation cinématographique de Moby-Dick d’Herman Melville en 1956, avec Gregory Peck.

M. Arkadin

Welles passe ensuite à la réalisation avec le film M. Arkadin (1955), produit par son mentor politique des années 1940, Louis Dolivet. Le film a été tourné en France, en Allemagne, en Espagne et en Italie avec un budget très limité. Basé sur plusieurs épisodes de l’émission de radio Harry Lime, il met en scène Welles dans le rôle d’un milliardaire qui engage un homme pour fouiller dans les secrets de son passé. Le film met en vedette Robert Arden, qui avait travaillé sur la série Harry Lime, la troisième femme de Welles, Paola Mori, dont la voix a été doublée par l’actrice Billie Whitelaw, ainsi que les invités Akim Tamiroff, Michael Redgrave, Katina Paxinou et Mischa Auer. Frustré par la lenteur des progrès en salle de montage, le producteur Dolivet retire Welles du projet et termine le film sans lui. Finalement, cinq versions différentes du film sortiront, deux en espagnol et trois en anglais. La version achevée par Dolivet a été rebaptisée Confidential Report. En 2005, Stefan Droessler, du musée du film de Munich, a supervisé une reconstitution des éléments du film qui avaient été conservés.

Projets de télévision

En 1955, Welles a également réalisé deux séries télévisées pour la BBC. La première est Orson Welles’ Sketch Book, une série de six émissions de 15 minutes dans lesquelles Welles dessine dans un carnet de croquis pour illustrer ses souvenirs devant la caméra (y compris des sujets tels que le tournage de It’s All True et l’affaire Isaac Woodard), et la seconde est Around the World with Orson Welles, une série de six carnets de voyage situés dans différents endroits d’Europe (tels que Vienne, le Pays basque entre la France et l’Espagne, et l’Angleterre). Welles y jouait le rôle d’hôte et d’intervieweur, son commentaire incluant des faits documentaires et ses propres observations personnelles (une technique qu’il continuera d’explorer dans ses œuvres ultérieures).

Dans l’épisode 3 de Sketchbook, Welles s’attaque délibérément aux abus de pouvoir de la police dans le monde. L’épisode commence par l’histoire d’Isaac Woodard, un vétéran afro-américain du Pacifique Sud pendant la Seconde Guerre mondiale, accusé à tort par un chauffeur de bus d’être en état d’ébriété, qui demande alors à un policier d’expulser l’homme du bus. Woodard n’est pas arrêté tout de suite, mais il est battu jusqu’à l’inconscience, presque jusqu’à la mort, et lorsqu’il reprend enfin conscience, il est définitivement aveugle. Lorsque les médecins de l’armée américaine le retrouvent trois semaines plus tard, il n’y a plus rien à faire. Welles assure au public qu’il a personnellement veillé à ce que justice soit rendue à ce policier, sans toutefois préciser quel type de justice a été rendu. Welles poursuit en donnant d’autres exemples de policiers à qui l’on a donné plus de pouvoir et d’autorité que nécessaire. Le titre de cet épisode est « The Police ».

En 1956, Welles achève Portrait of Gina. Il en laisse l’unique copie dans sa chambre de l’Hôtel Ritz à Paris. Les boîtes du film resteront dans un casier des objets trouvés de l’hôtel pendant plusieurs décennies, où elles seront découvertes en 1986, après la mort de Welles.

En 1956, Welles retourne à Hollywood.

Il commence à tourner un projet pilote pour Desilu, propriété de Lucille Ball et de son mari Desi Arnaz, qui viennent d’acheter les anciens studios de la RKO. Il s’agit du film The Fountain of Youth, basé sur une histoire de John Collier. Considéré à l’origine comme non viable en tant que pilote, le film n’a été diffusé qu’en 1958 et a remporté le Peabody Award pour son excellence.

Welles est invité dans des émissions de télévision, notamment I Love Lucy. À la radio, il est le narrateur de Tomorrow (17 octobre 1956), un drame sur l’holocauste nucléaire produit et syndiqué par ABC et l’Administration fédérale de la défense civile.

Le rôle suivant de Welles dans un long métrage est dans Man in the Shadow pour Universal Pictures en 1957, avec Jeff Chandler.

La touche du mal

Welles est resté chez Universal pour réaliser (et jouer avec) Charlton Heston dans le film Touch of Evil (1958), d’après le roman Badge of Evil de Whit Masterson. Engagé à l’origine comme acteur, Welles a été promu réalisateur par les studios Universal sur l’insistance de Charlton Heston… : 154 Le film réunit de nombreux acteurs et techniciens avec lesquels Welles avait travaillé à Hollywood dans les années 1940, notamment le caméraman Russell Metty (The Stranger), le maquilleur Maurice Seiderman (Citizen Kane) et les acteurs Joseph Cotten, Marlene Dietrich et Akim Tamiroff. Le tournage se déroule sans encombre, Welles terminant dans les délais et le budget prévus, et les patrons du studio faisant l’éloge des rushes quotidiens. Néanmoins, après la fin de la production, le studio a réédité le film, refait des scènes et tourné de nouvelles scènes d’exposition pour clarifier l’intrigue : 175-176 Welles a écrit un mémo de 58 pages présentant des suggestions et des objections, déclarant que le film n’était plus sa version – c’était celle du studio, mais qu’en tant que tel, il était toujours prêt à y apporter son aide : 175-176.

En 1978, une version plus longue du film a été découverte et diffusée.

Alors qu’Universal retravaille Touch of Evil, Welles commence à tourner au Mexique son adaptation du roman Don Quichotte de Miguel de Cervantes, avec Mischa Auer dans le rôle de Quichotte et Akim Tamiroff dans celui de Sancho Panza.

Il poursuit le tournage de Don Quichotte en Espagne et en Italie, mais remplace Mischa Auer par Francisco Reiguera, et reprend ses emplois d’acteur. En Italie, en 1959, Welles réalise ses propres scènes dans le rôle du roi Saül dans le film David et Goliath de Richard Pottier. À Hong Kong, il partage l’affiche avec Curt Jürgens dans le film Ferry to Hong Kong de Lewis Gilbert. En 1960, à Paris, il joue dans le film de Richard Fleischer Crack in the Mirror. En Yougoslavie, il joue dans le film The Tartars de Richard Thorpe et dans Battle of Neretva de Veljko Bulajić.

Tout au long des années 1960, le tournage de Quichotte se poursuit par intermittence jusqu’à la fin de la décennie, Welles faisant évoluer à plusieurs reprises le concept, le ton et la fin du film. Bien qu’il ait tourné et monté au moins une fois une version complète du film, il a continué à jouer avec le montage jusque dans les années 1980. Il n’a jamais achevé une version du film qui le satisfaisait pleinement et il a dû couper des séquences existantes et en tourner de nouvelles. (Dans un cas, il avait préparé un montage complet dans lequel Quichotte et Sancho Panza finissent par aller sur la lune, mais il estima que la fin était rendue obsolète par les alunissages de 1969 et brûla 10 bobines de cette version). Au fur et à mesure du processus, Welles a progressivement vocalisé lui-même tous les personnages et assuré la narration. En 1992, le réalisateur Jesús Franco a réalisé un film à partir des parties du Quichotte laissées par Welles. Une partie de la pellicule s’était gravement détériorée. Alors que les images de Welles ont été accueillies avec intérêt, la post-production de Franco a fait l’objet de vives critiques.

En 1961, Welles réalise In the Land of Don Quixote, une série de huit épisodes d’une demi-heure pour la chaîne de télévision italienne RAI. Similaires à la série Around the World with Orson Welles, ces épisodes présentent des récits de voyage en Espagne et incluent la femme de Welles, Paola, et leur fille, Beatrice. Bien que Welles parle couramment l’italien, la chaîne n’était pas intéressée par sa narration en italien en raison de son accent, et la série est restée inédite jusqu’en 1964, date à laquelle la chaîne a ajouté sa propre narration en italien. Finalement, des versions des épisodes ont été publiées avec la partition musicale originale que Welles avait approuvée, mais sans la narration.

Le procès

En 1962, Welles réalise son adaptation du Procès, basée sur le roman de Franz Kafka et produite par Michael et Alexander Salkind. La distribution comprend Anthony Perkins dans le rôle de Josef K, Jeanne Moreau, Romy Schneider, Paola Mori et Akim Tamiroff. Lors du tournage des extérieurs à Zagreb, Welles fut informé que les Salkind n’avaient plus d’argent, ce qui signifiait qu’il n’y aurait pas de construction de décors. N’ayant pas l’habitude de tourner dans des lieux trouvés, Welles a rapidement filmé les intérieurs dans la gare d’Orsay, qui était à l’époque une gare ferroviaire abandonnée à Paris. Welles trouvait que le lieu possédait un « modernisme à la Jules Verne » et un sens mélancolique de « l’attente », tous deux adaptés à Kafka. Pour rester dans l’esprit de Kafka, Welles installe la salle de montage avec le monteur, Frederick Muller (sous le nom de Fritz Muller), dans l’ancien bureau du chef de gare, inutilisé, froid et déprimant. Le film est un échec au box-office. Peter Bogdanovich fera remarquer plus tard que Welles avait trouvé le film très drôle. Welles a également déclaré à un interviewer de la BBC qu’il s’agissait de son meilleur film. Pendant le tournage de The Trial, Welles a rencontré Oja Kodar, qui est devenue sa partenaire et collaboratrice pendant les 20 dernières années de sa vie : 428.

Welles joue le rôle d’un réalisateur dans La Ricotta (1963), le segment du film Ro.Go.Pa.G. de Pier Paolo Pasolini, bien que sa voix célèbre soit doublée par l’écrivain italien Giorgio Bassani : 516. Il continue à accepter le travail qu’il peut trouver en jouant, racontant ou animant les œuvres d’autres personnes, et commence à tourner Chimes at Midnight, qui est achevé en 1965.

Carillons à minuit

Tourné en Espagne, Chimes at Midnight est basé sur la pièce de Welles, Five Kings, dans laquelle il s’est inspiré de six pièces de Shakespeare pour raconter l’histoire de Sir John Falstaff (Welles) et de sa relation avec le prince Hal (la narration du film, assurée par Ralph Richardson, est tirée du chroniqueur Raphael Holinshed). 249 Welles tenait le film en haute estime : « C’est mon film préféré, oui. Si je voulais entrer au paradis sur la base d’un seul film, c’est celui-là que j’offrirais » : 203

En 1966, Welles réalise un film pour la télévision française, une adaptation de L’histoire immortelle, de Karen Blixen. Sorti en 1968, il met en scène Jeanne Moreau, Roger Coggio et Norman Eshley. Le film a eu du succès dans les salles françaises. C’est à cette époque que Welles rencontre à nouveau Oja Kodar et lui remet une lettre qu’il lui a écrite et qu’il a conservée pendant quatre ans ; ils ne se quitteront plus. Ils entament immédiatement une collaboration à la fois personnelle et professionnelle. Le premier de ces projets est une adaptation de L’héroïne de Blixen, censée accompagner L’histoire immortelle et mettant en scène Kodar. Malheureusement, le financement a disparu après une journée de tournage. Après avoir terminé ce film, il apparaît brièvement dans le rôle du cardinal Wolsey dans l’adaptation de Fred Zinnemann de A Man for All Seasons (Un homme pour toutes les saisons), un rôle pour lequel il a reçu des éloges considérables.

En 1967, Welles commence à réaliser The Deep, basé sur le roman Dead Calm de Charles Williams et tourné au large de la Yougoslavie. Le casting comprend Jeanne Moreau, Laurence Harvey et Kodar. Financés personnellement par Welles et Kodar, ils ne parviennent pas à obtenir les fonds nécessaires pour mener à bien le projet, qui est abandonné quelques années plus tard après la mort de Harvey. Les séquences qui ont survécu ont finalement été montées et diffusées par le Filmmuseum München. En 1968, Welles entame le tournage d’une émission spéciale pour CBS, intitulée Orson’s Bag, qui combine des récits de voyage, des sketches comiques et un condensé de la pièce de Shakespeare Le Marchand de Venise, où Welles joue le rôle de Shylock. En 1969, Welles fait de nouveau appel au monteur Frederick Muller pour travailler avec lui à la réédition du matériel et ils installent des salles de montage aux Studios Safa Palatino à Rome. Le financement de la série envoyé par CBS à Welles en Suisse a été saisi par le fisc. Sans financement, le spectacle n’a pas été achevé. Les extraits de films qui ont survécu ont finalement été publiés par le Filmmuseum München.

En 1969, Welles a autorisé l’utilisation de son nom pour un cinéma à Cambridge, dans le Massachusetts. Le Orson Welles Cinema est resté en activité jusqu’en 1986, et Welles y a fait une apparition personnelle en 1977. Toujours en 1969, il joue un rôle secondaire dans La Lettre du Kremlin de John Huston. Attiré par les nombreuses propositions qu’il reçoit pour travailler à la télévision et au cinéma, et bouleversé par un scandale tabloïd relatant sa liaison avec Kodar, Welles abandonne le montage de Don Quichotte et retourne en Amérique en 1970.

Welles retourne à Hollywood, où il continue d’autofinancer ses projets cinématographiques et télévisuels. Alors que les propositions d’acteur, de narrateur et d’animateur se multiplient, Welles est également très sollicité pour des talk-shows télévisés. Il fait de fréquentes apparitions pour Dick Cavett, Johnny Carson, Dean Martin et Merv Griffin.

Durant ses dernières années, Welles s’est principalement consacré à The Other Side of the Wind, un projet qui a été tourné par intermittence entre 1970 et 1976. Coécrit par Welles et Oja Kodar, ce film raconte l’histoire d’un réalisateur vieillissant (John Huston) qui cherche des fonds pour terminer son dernier film. La distribution comprend Peter Bogdanovich, Susan Strasberg, Norman Foster, Edmond O’Brien, Cameron Mitchell et Dennis Hopper. Financé par des bailleurs de fonds iraniens, la propriété du film est tombée dans un bourbier juridique après la chute du Shah d’Iran. Les litiges juridiques ont maintenu le film dans son état inachevé jusqu’au début de l’année 2017 et il est finalement sorti en novembre 2018.

Welles a interprété Louis XVIII de France dans le film Waterloo (1970) et a narré les scènes de début et de fin de la comédie historique Commencez la révolution sans moi (1970).

En 1971, Welles a réalisé une courte adaptation de Moby-Dick, une performance individuelle sur une scène nue, rappelant sa production théâtrale de 1955 Moby Dick – Rehearsed. Jamais achevé, ce film a finalement été publié par le Filmmuseum München. Il apparaît également dans Ten Days’ Wonder, avec Anthony Perkins et sous la direction de Claude Chabrol (qui lui rendra la pareille en jouant un petit rôle dans Other Wind), d’après un roman policier d’Ellery Queen. La même année, l’Academy of Motion Picture Arts and Sciences lui décerne un Academy Honorary Award « pour son talent artistique exceptionnel et sa polyvalence dans la création de films ». Welles fait semblant d’être absent et envoie John Huston réclamer le prix, en remerciant l’Académie sur la pellicule. Dans son discours, Huston reproche à l’Académie de remettre le prix tout en refusant de soutenir les projets de Welles.

En 1972, Welles est le narrateur à l’écran de la version documentaire du livre Future Shock (1970) d’Alvin Toffler. Travaillant à nouveau pour un producteur britannique, Welles incarne Long John Silver dans Treasure Island (1972) du réalisateur John Hough, une adaptation du roman de Robert Louis Stevenson, qui avait été la deuxième histoire diffusée par le Mercury Theatre on the Air en 1938. C’est la dernière fois qu’il joue le rôle principal dans un grand film. Welles a également contribué au scénario, bien que son crédit d’écriture ait été attribué au pseudonyme « O. W. Jeeves ». Dans certaines versions du film, les dialogues originaux de Welles ont été doublés par Robert Rietty.

En 1973, Welles termine F for Fake, un film d’essai personnel sur le faussaire Elmyr de Hory et le biographe Clifford Irving. Basé sur un documentaire existant de François Reichenbach, il inclut de nouveaux éléments avec Oja Kodar, Joseph Cotten, Paul Stewart et William Alland. Un extrait de l’émission de Welles sur la Guerre des mondes diffusée dans les années 1930 a été recréé pour ce film ; cependant, aucun des dialogues entendus dans le film ne correspond à ce qui a été diffusé à l’origine. Welles a filmé une bande-annonce de cinq minutes, rejetée aux États-Unis, qui présentait plusieurs plans d’un Kodar torse nu.

Welles a animé une série d’anthologie britannique syndiquée, Orson Welles’s Great Mysteries, au cours de la saison télévisée 1973-1974. Ses brèves introductions aux 26 épisodes d’une demi-heure ont été tournées en juillet 1973 par Gary Graver : 443 L’année 1974 a également vu Welles prêter sa voix pour le remake du thriller classique d’Agatha Christie, Dix petits Indiens, produit par son ancien associé, Harry Alan Towers, avec une distribution internationale comprenant Oliver Reed, Elke Sommer et Herbert Lom.

En 1975, Welles a été le narrateur du documentaire Bugs Bunny : Superstar, consacré aux dessins animés de la Warner Bros. des années 1940. Toujours en 1975, l’American Film Institute remet à Welles son troisième Lifetime Achievement Award (les deux premiers ayant été décernés au réalisateur John Ford et à l’acteur James Cagney). Lors de la cérémonie, Welles a projeté deux scènes du film The Other Side of the Wind, qui était sur le point d’être achevé.

En 1976, Paramount Television a acheté les droits de l’ensemble des histoires de Nero Wolfe de Rex Stout pour Orson Welles. Welles avait déjà voulu faire une série de films sur Nero Wolfe, mais Rex Stout – qui était peu enclin aux adaptations hollywoodiennes de son vivant après deux films décevants réalisés dans les années 1930 – l’avait refusé. La Paramount envisagea de commencer par un film pour la chaîne ABC et espérait persuader Welles de reprendre le rôle dans une mini-série. Frank D. Gilroy a été engagé pour écrire le scénario et réaliser le téléfilm, avec l’assurance que Welles en serait la vedette, mais en avril 1977, Welles s’est retiré du projet. En 1980, l’Associated Press a fait état de « la nette possibilité » que Welles joue dans une série télévisée sur Nero Wolfe pour la chaîne de télévision NBC. Une fois de plus, Welles s’est retiré du projet en raison de divergences créatives et le rôle a été confié à William Conrad : 87-88.

En 1979, Welles termine son documentaire Filming Othello, avec Michael MacLiammoir et Hilton Edwards. Réalisé pour la télévision ouest-allemande, il est également sorti en salle. La même année, Welles termine son pilote autoproduit pour la série télévisée The Orson Welles Show, qui comprend des interviews de Burt Reynolds, Jim Henson et Frank Oz, avec les Muppets et Angie Dickinson comme invités. Incapable de susciter l’intérêt de la chaîne, le pilote n’a jamais été diffusé. Toujours en 1979, Welles est apparu dans le biopic The Secret of Nikola Tesla, et a fait un caméo dans The Muppet Movie dans le rôle de Lew Lord.

À partir de la fin des années 1970, Welles a participé à une série de publicités télévisées célèbres. Pendant deux ans, il a été le porte-parole devant la caméra des vignobles Paul Masson, et les ventes ont augmenté d’un tiers pendant la période où Welles a entonné ce qui est devenu une phrase d’accroche populaire : « Nous ne vendrons aucun vin avant son heure ». Il a également été la voix derrière la longue campagne de Carlsberg « Probably the best lager in the world », a fait la promotion du sherry Domecq à la télévision britannique et a assuré la narration de publicités pour Findus, bien que les publicités elles-mêmes aient été éclipsées par un célèbre bêtisier d’enregistrements vocaux, connu sous le nom de Frozen Peas reel (rouleau de pois congelés). Il a également réalisé des publicités pour le Preview Subscription Television Service (service de télévision par abonnement), diffusées sur des chaînes de tout le pays, notamment WCLQ

En 1981, Welles a animé le documentaire The Man Who Saw Tomorrow (L’homme qui voyait demain), sur le prophète Nostradamus à l’époque de la Renaissance. En 1982, la BBC diffuse The Orson Welles Story dans le cadre de la série Arena. Interviewé par Leslie Megahey, Welles examine son passé dans les moindres détails, et plusieurs personnes de son passé professionnel sont également interrogées. Ce film a été réédité en 1990 sous le titre With Orson Welles : Stories of a Life in Film. Welles a assuré la narration des titres « Defender » de l’album Fighting the World (1987) de Manowar et « Dark Avenger » de leur album Battle Hymns (1982). Il a également enregistré l’introduction des concerts de Manowar qui dit : « Mesdames et messieurs, des États-Unis d’Amérique, voici Manowar ». Manowar utilise cette introduction pour tous ses concerts depuis lors.

Au cours des années 1980, Welles a travaillé sur des projets de films tels que The Dreamers, basé sur deux histoires d’Isak Dinesen et mettant en vedette Oja Kodar, et Orson Welles’ Magic Show, qui a réutilisé le matériel de son pilote télévisé qui a échoué. Il a également travaillé sur Filming the Trial, deuxième d’une série de documentaires consacrés à ses longs métrages. Bien que beaucoup de choses aient été tournées pour ces projets, aucun d’entre eux n’a été achevé. Ils ont tous été publiés par le Filmmuseum München.

En 1984, Welles a assuré la narration de la série télévisée éphémère Scene of the Crime. Pendant les premières années de Magnum, P.I., Welles était la voix du personnage invisible Robin Masters, un célèbre écrivain et play-boy. La mort de Welles a contraint ce personnage mineur à disparaître en grande partie de la série. Dans un hommage oblique à Welles, les producteurs de Magnum, P.I. ont conclu de manière ambiguë cet arc narratif en faisant en sorte qu’un personnage accuse un autre d’avoir engagé un acteur pour incarner Robin Masters. Au cours de cette avant-dernière année, il a également sorti un single intitulé « I Know What It Is to Be Young (But You Don’t Know What It Is to Be Old) », qu’il a enregistré sous le label italien Compagnia Generale del Disco. La chanson a été interprétée avec le Nick Perito Orchestra et les Ray Charles Singers et produite par Jerry Abbott (père du guitariste « Dimebag Darrell » Abbott).

Parmi ses derniers rôles au cinéma avant la mort de Welles, on peut citer le travail de voix dans les films d’animation Enchanted Journey (1984) et le film d’animation The Transformers : The Movie (1986), dans lequel il prête sa voix au super-vilain Unicron, dévoreur de planètes. Sa dernière apparition au cinéma a été dans le film indépendant Someone to Love (1987) de Henry Jaglom, sorti deux ans après sa mort mais réalisé avant sa voix off dans Transformers : The Movie. Sa dernière apparition à la télévision a eu lieu dans l’émission Moonlighting. Il a enregistré une introduction pour un épisode intitulé « The Dream Sequence Always Rings Twice » (La séquence de rêve sonne toujours deux fois), partiellement filmé en noir et blanc. L’épisode a été diffusé cinq jours après sa mort et a été dédié à sa mémoire.

Au milieu des années 1980, Henry Jaglom a enregistré des déjeuners avec Welles au Ma Maison de Los Angeles ainsi qu’à New York. Des transcriptions éditées de ces sessions figurent dans le livre de Peter Biskind, My Lunches With Orson : Conversations Between Henry Jaglom and Orson Welles.

Relations et famille

Orson Welles et l’actrice et mondaine Virginia Nicolson (1916-1996), née à Chicago, se sont mariés le 14 novembre 1934 : 332. Le couple s’est séparé en décembre 1939 : 226 et a divorcé le 1er février 1940. Après avoir supporté les amours de Welles à New York, Virginia avait appris que Welles était tombé amoureux de l’actrice mexicaine Dolores del Río : 227.

Enthousiasmé par elle depuis l’adolescence, Welles a rencontré del Río dans le ranch de Darryl Zanuck, peu après avoir déménagé à Hollywood en 1939 : 206 de Darryl Zanuck peu après son arrivée à Hollywood en 1939: : 168 Leur relation est restée secrète jusqu’en 1941, date à laquelle del Río a demandé le divorce de son second mari. Ils apparaissent ouvertement ensemble à New York alors que Welles dirige la production théâtrale Mercury Native Son : 212 Ils jouent ensemble dans le film Journey into Fear (1943). Leur relation prend fin en raison, entre autres, des infidélités de Welles. Del Río retourne au Mexique en 1943, peu avant que Welles n’épouse Rita Hayworth.

Welles épouse Rita Hayworth le 7 septembre 1943 : 278 Ils divorcent le 10 novembre 1947 : 142 Lors de sa dernière interview, enregistrée pour le Merv Griffin Show la veille de sa mort, Welles dit de Hayworth qu’elle est  » l’une des femmes les plus chères et les plus douces qui aient jamais vécu […] et nous avons été longtemps ensemble – j’ai eu la chance d’être avec elle plus longtemps que n’importe quel autre homme de sa vie « .

En 1955, Welles épouse l’actrice Paola Mori (née comtesse Paola di Gerfalco), une aristocrate italienne qui a joué le rôle de Raina Arkadin dans son film de 1955, M. Arkadin. Le couple entame une liaison passionnée et se marie sur l’insistance des parents de l’actrice : 168. Ils se marient à Londres le 8 mai 1955 : 417, 419 et ne divorceront jamais.

L’artiste et actrice d’origine croate Oja Kodar est devenue la compagne de longue date de Welles, tant sur le plan personnel que professionnel, à partir de 1966, et ils ont vécu ensemble une partie des vingt dernières années de sa vie (255-258).

Welles a eu trois filles de ses mariages : Christopher Welles Feder (et Beatrice Welles (née en 1955, avec Paola Mori) : 419

On pense que Welles a eu un fils, le réalisateur britannique Michael Lindsay-Hogg (né en 1940), avec l’actrice irlandaise Geraldine Fitzgerald, alors épouse de Sir Edward Lindsay-Hogg, 4e baronnet. Lorsque Lindsay-Hogg avait 16 ans, sa mère a divulgué à contrecœur des rumeurs omniprésentes selon lesquelles son père était Welles, et elle les a démenties – mais avec tellement de détails qu’il a douté de sa véracité… : 15 Fitzgerald éluda le sujet jusqu’à la fin de sa vie. Lindsay-Hogg connaissait Welles, travaillait avec lui au théâtre et le rencontrait à intervalles réguliers tout au long de la vie de Welles. Après avoir appris que la fille aînée de Welles, Chris, sa compagne de jeu d’enfance, soupçonnait depuis longtemps qu’il était son frère, Lindsay-Hogg a lancé un test ADN qui s’est avéré peu concluant. Dans son autobiographie de 2011, Lindsay-Hogg rapporte que ses questions ont été résolues par l’amie proche de sa mère, Gloria Vanderbilt, qui a écrit que Fitzgerald lui avait dit que Welles était son père : 265-267 Une biographie de Welles écrite en 2015 par Patrick McGilligan rapporte cependant l’impossibilité de la paternité de Welles : Fitzgerald a quitté les États-Unis pour l’Irlande en mai 1939, et son fils a été conçu avant son retour fin octobre, alors que Welles n’a pas voyagé outre-mer pendant cette période… : 602

Après la mort de Rebecca Welles Manning, un homme nommé Marc McKerrow s’est révélé être son fils – et donc un descendant direct d’Orson Welles et de Rita Hayworth – après avoir demandé la levée des scellés sur son dossier d’adoption. Bien que McKerrow et Rebecca n’aient jamais pu se rencontrer en raison du cancer de cette dernière, ils sont restés en contact avant sa mort et il a assisté à ses funérailles. Les réactions de McKerrow à cette révélation et sa rencontre avec Oja Kodar sont relatées dans le film Prodigal Sons (Fils prodigues), réalisé en 2008 par sa sœur Kim Reed. McKerrow est décédé le 18 juin 2010, soudainement dans son sommeil, à l’âge de 44 ans. Sa mort a été « …causée par des complications d’une crise d’épilepsie nocturne » liée à un accident de voiture et à la blessure qui en a résulté lorsqu’il était plus jeune.

Dans les années 1940, Welles a eu une brève relation avec Maila Nurmi qui, selon la biographie Glamour Ghoul : The Passions and Pain of the Real Vampira, Maila Nurmi, est tombée enceinte ; comme Welles était à l’époque marié à Hayworth, Nurmi a fait adopter l’enfant. Cependant, l’enfant mentionné dans le livre est né en 1944. Nurmi a révélé dans une interview, quelques semaines avant sa mort en janvier 2008, qu’elle avait rencontré Welles dans un bureau de casting à New York au printemps 1946.

Malgré une légende urbaine véhiculée par Welles, ce dernier n’a aucun lien de parenté avec Gideon Welles, le secrétaire à la marine d’Abraham Lincoln pendant la guerre. Le mythe remonte au premier article de journal jamais écrit sur Welles – « Cartoonist, Actor, Poet and only 10 » – dans le numéro du 19 février 1926 du Capital Times. L’article affirme à tort qu’il descend de « Gideon Welles, qui était membre du cabinet du président Lincoln ».. : 311 Comme le présente Charles Higham dans un tableau généalogique qui introduit sa biographie de Welles publiée en 1985, le père d’Orson Welles était Richard Head Welles (né Wells), fils de Richard Jones Wells, fils de Henry Hill Wells (qui avait un oncle nommé Gideon Wells), fils de William Hill Wells, fils de Richard Wells (1734-1801).

Caractéristiques physiques

Dans sa biographie de 1956, Peter Noble décrit Welles comme « un homme magnifique, de plus d’un mètre quatre-vingt, beau, aux yeux brillants et à la voix glorieuse et résonnante ». 19 Welles a déclaré qu’un spécialiste de la voix lui avait dit un jour qu’il était né pour être heldentenor, un ténor héroïque : 19 Welles a déclaré qu’un spécialiste de la voix lui avait dit un jour qu’il était né pour être un heldentenor, un ténor héroïque, mais que lorsqu’il était jeune et travaillait au Gate Theatre de Dublin, il avait forcé sa voix à devenir un baryton-basse : 144.

Dès son enfance, Welles est sujet à des maladies telles que la diphtérie, la rougeole, la coqueluche et le paludisme. Dès l’enfance, il souffre d’asthme, de maux de tête dus aux sinus et de maux de dos : 8, dont on découvrira plus tard qu’ils étaient dus à des anomalies congénitales de la colonne vertébrale. Tout au long de sa vie, il a souffert de problèmes de pieds et de chevilles dus à des pieds plats : 560 « En vieillissant », écrit Brady, « sa mauvaise santé a été exacerbée par les heures tardives qu’on lui permettait d’observer et par un penchant précoce pour l’alcool et le tabac » : 8

En 1928, à l’âge de 13 ans, Welles mesurait déjà plus de 1,83 mètre et pesait plus de 81,6 kg… : 50 Son passeport indique qu’il mesure six pieds trois pouces (192 cm), qu’il a les cheveux bruns et les yeux verts: : 229

« Les régimes draconiens, les drogues et les corsets l’avaient fait maigrir pour ses premiers rôles au cinéma », écrit le biographe Barton Whaley. « Ensuite, il est toujours revenu à une consommation gargantuesque d’aliments hautement caloriques et d’alcool. À l’été 1949, alors qu’il a 34 ans, son poids atteint 104 kg. En 1953, il passe de 250 à 275 livres (113 à 125 kg). Après 1960, il reste obèse en permanence » : 329

Croyances religieuses

Lorsque Peter Bogdanovich l’interrogea un jour sur sa religion, Welles répondit de manière bourrue que cela ne le regardait pas, puis l’informa à tort qu’il avait été élevé dans la religion catholique : 12.

Bien que la famille Welles ne soit plus pieuse, elle est épiscopalienne de quatrième génération et, avant cela, quaker et puritaine : 12.

Les funérailles du père de Welles, Richard H. Welles, étaient épiscopaliennes.

En avril 1982, lorsque l’intervieweur Merv Griffin l’interroge sur ses croyances religieuses, Welles répond : « J’essaie d’être chrétien. Je ne prie pas vraiment, parce que je ne veux pas ennuyer Dieu » : 576 Vers la fin de sa vie, Welles dînait à Ma Maison, son restaurant préféré à Los Angeles, lorsque le propriétaire Patrick Terrail lui transmit une invitation du chef de l’Église orthodoxe grecque, qui demandait à Welles d’être son invité d’honneur à la divine liturgie à la cathédrale Sainte-Sophie. Welles lui répond : « Dites-lui que j’apprécie beaucoup cette offre, mais que je suis athée » : 104-105

« Orson n’a jamais plaisanté ni ne s’est moqué des croyances religieuses des autres », a écrit le biographe Barton Whaley. « Il l’acceptait comme un artefact culturel, adapté aux naissances, aux décès et aux mariages d’étrangers et même de quelques amis, mais sans signification émotionnelle ou intellectuelle pour lui-même » : 12

Welles a été politiquement actif dès le début de sa carrière. Il est resté aligné sur la politique de gauche et la gauche américaine tout au long de sa vie, et a toujours défini son orientation politique comme « progressiste ». Démocrate, il critiquait ouvertement le racisme aux États-Unis et la pratique de la ségrégation46 : 46 Il était un fervent partisan de Franklin D. Roosevelt et du New Deal et s’exprimait souvent à la radio pour soutenir la politique progressiste. Il a fait campagne pour Roosevelt lors des élections de 1944. Welles n’a pas soutenu la candidature à l’élection présidentielle de 1948 du second vice-président de Roosevelt, Henry A. Wallace, pour le Parti progressiste, décrivant plus tard Wallace comme « un prisonnier du Parti communiste ». p. 66

Lors d’une conversation avec son ami Roger Hill en 1983, Welles s’est souvenu : Lors d’un dîner à la Maison Blanche, alors que je faisais campagne pour Roosevelt, il a porté un toast en disant, avec beaucoup de malice : « Orson, vous et moi sommes les deux plus grands acteurs vivants aujourd’hui ». En privé, ce soir-là, et à plusieurs autres occasions, il m’a incité à me présenter au Sénat, en Californie ou dans le Wisconsin. Il n’était pas le seul : 115 Dans les années 1980, Welles exprime toujours son admiration pour Roosevelt mais qualifie également sa présidence de « semi-dictature ». p. 187

En 1970, lors d’une émission du Dick Cavett Show, Welles a affirmé avoir rencontré Hitler lors d’une randonnée en Autriche avec un professeur qui était un « nazi en herbe ». Il a déclaré qu’Hitler ne lui avait fait aucune impression et qu’il ne se souvenait pas de lui. Il a ajouté qu’il n’avait aucune personnalité : « Il était invisible. Il n’y avait rien jusqu’à ce que 5 000 personnes crient « sieg heil ».

Pendant plusieurs années, il rédige une chronique sur des questions politiques et envisage de se présenter au Sénat américain en 1946, pour représenter son État d’origine, le Wisconsin, un siège qui sera finalement remporté par Joseph McCarthy.

Les activités politiques de Welles sont décrites aux pages 155-157 de Red Channels, la publication anticommuniste qui, en partie, a alimenté la liste noire hollywoodienne déjà florissante. Il se trouvait en Europe au plus fort de la peur rouge, ce qui ajoutait une raison supplémentaire à l’ostracisme dont l’establishment hollywoodien faisait preuve à son égard.

En 1970, Welles a raconté (sans l’écrire) un film politique satirique sur l’ascension du président Richard Nixon, intitulé The Begatting of the President (La naissance du président).

Il était membre à vie de la Fraternité internationale des magiciens et de la Société des magiciens américains.

Le soir du 9 octobre 1985, Welles enregistre sa dernière interview dans l’émission de télévision syndiquée The Merv Griffin Show, en compagnie de la biographe Barbara Leaming. « Welles et Leaming ont tous deux parlé de la vie de Welles, et la séquence a été un intermède nostalgique », a écrit le biographe Frank Brady : 590-591 Welles est rentré dans sa maison à Hollywood et a travaillé jusqu’au petit matin à taper des indications scéniques pour le projet qu’il prévoyait de tourner à l’UCLA le lendemain avec Gary Graver. Welles est mort dans la matinée du 10 octobre, à la suite d’une crise cardiaque… : 453 Son chauffeur l’a trouvé vers 10 heures du matin ; le premier des amis de Welles à arriver était Paul Stewart : 295-297 Welles avait 70 ans au moment de sa mort.

Welles a été incinéré en accord préalable avec l’exécuteur testamentaire, Greg Garrison : 592, dont les conseils sur les apparitions lucratives à la télévision dans les années 1970 ont permis à Welles de payer une partie des impôts qu’il devait à l’IRS : 549-550. Paola Mori et les trois filles de Welles ont assisté à de brèves funérailles privées – c’était la première fois qu’elles se retrouvaient ensemble. Seuls quelques amis proches ont été invités : Garrison, Graver, Roger Hill : 298 et le prince Alessandro Tasca di Cuto. Chris Welles Feder décrira plus tard les funérailles comme une expérience horrible : 1-9

Un hommage public a été rendu : 593 a eu lieu le 2 novembre 1985 au Directors Guild of America Theater à Los Angeles. L’animateur Peter Bogdanovich a présenté les orateurs, dont Charles Champlin, Geraldine Fitzgerald, Greg Garrison, Charlton Heston, Roger Hill, Henry Jaglom, Arthur Knight, Oja Kodar, Barbara Leaming, Janet Leigh, Norman Lloyd, Dan O’Herlihy, Patrick Terrail et Robert Wise : 299-300.

« Je sais quels étaient ses sentiments à l’égard de sa mort », écrira plus tard Joseph Cotten. « Il ne voulait pas de funérailles ; il voulait être enterré tranquillement dans un petit endroit en Espagne. Il ne voulait pas de cérémonie commémorative… » Cotten a refusé d’assister au programme commémoratif ; à la place, il a envoyé un court message, se terminant par les deux derniers vers d’un sonnet de Shakespeare que Welles lui avait envoyé à l’occasion de son dernier anniversaire: : 216

Mais si pendant que je pense à toi, cher ami, Toutes les pertes sont rétablies et les chagrins finissent. : 217

En 1987, les cendres de Welles ont été transportées à Ronda, en Espagne, et enterrées dans un vieux puits recouvert de fleurs dans la propriété rurale d’un ami de longue date, le torero Antonio Ordóñez.

La dépendance de Welles à l’égard de l’autoproduction a eu pour conséquence que nombre de ses projets ultérieurs ont été filmés au coup par coup ou n’ont pas été menés à terme. Welles a financé ses derniers projets grâce à ses propres activités de collecte de fonds. Il a souvent accepté d’autres travaux pour obtenir l’argent nécessaire au financement de ses propres films.

Don Quichotte

Au milieu des années 1950, Welles commence à travailler sur Don Quichotte, initialement une commande de la chaîne de télévision CBS. Welles a étendu le film au long métrage, développant le scénario pour faire entrer Quixote et Sancho Panza dans l’ère moderne. Le tournage s’est arrêté à la mort de Francisco Reiguera, l’acteur qui jouait Quixote, en 1969. Orson Welles a continué à monter le film jusqu’au début des années 1970. Au moment de sa mort, le film n’était encore qu’une collection de séquences à divers stades de montage. Le projet et, plus important encore, la conception qu’en avait Welles ont radicalement changé au fil du temps.

Une version supervisée par Oja Kodar, avec l’aide de Jess Franco, assistant réalisateur pendant la production, est sortie en 1992 avec de mauvaises critiques.

Frederick Muller, le monteur des films The Trial, Chimes at Midnight, et le CBS Special Orson Bag, a travaillé sur le montage de trois bobines de la version originale, non altérée. Interrogé en 2013 par un journaliste de Time Out pour connaître son avis, il a déclaré qu’il pensait que si le film était sorti sans réédition de l’image mais avec l’ajout d’un son et d’une musique ad hoc, il aurait probablement eu un certain succès.

Le Marchand de Venise

En 1969, Welles a reçu une commande de la télévision pour tourner une adaptation condensée du Marchand de Venise :xxxiv Welles a terminé le film en 1970, mais le négatif fini a été mystérieusement volé dans son bureau de production à Rome :234 Une version restaurée et reconstruite du film, réalisée en utilisant le scénario original et les notes du compositeur, a été présentée pour la première fois lors des cérémonies de préouverture du 72e Festival international du film de Venise, aux côtés d’Othello, en 2015.

L’autre côté du vent

En 1970, Welles entame le tournage de The Other Side of the Wind. Le film raconte les efforts d’un réalisateur (joué par John Huston) pour achever son dernier film hollywoodien et se déroule en grande partie lors d’une fête somptueuse. En 1972, Welles a déclaré que le tournage était terminé à 96 %, 546 bien qu’en 1979, Welles n’avait monté qu’environ 40 minutes du film, 320. Cette année-là, des complications juridiques concernant la propriété du film ont fait que le négatif a été placé dans un coffre-fort à Paris. En 2004, le réalisateur Peter Bogdanovich, qui a joué dans le film, a annoncé son intention de terminer la production.

Le 28 octobre 2014, la société de production Royal Road Entertainment, basée à Los Angeles, a annoncé qu’elle avait négocié un accord, avec l’aide du producteur Frank Marshall, et qu’elle achèterait les droits pour achever et sortir The Other Side of the Wind. Bogdanovich et Marshall ont prévu de terminer le film de Welles à Los Angeles, afin qu’il soit prêt à être projeté le 6 mai 2015, date du 100e anniversaire de la naissance de Welles. Royal Road Entertainment et le producteur allemand Jens Koethner Kaul ont acquis les droits détenus par Les Films de l’Astrophore et feu Mehdi Boushehri. Ils sont parvenus à un accord avec Oja Kodar, qui a hérité de la propriété de Welles sur le film, et Beatrice Welles, gestionnaire de la succession de Welles ; mais à la fin de 2015, les efforts pour achever le film étaient dans l’impasse.

En mars 2017, Netflix a acquis les droits de distribution du film. Ce mois-là, le négatif original, les rushes et d’autres séquences sont arrivés à Los Angeles pour la postproduction ; le film a été achevé en 2018. La première du film a eu lieu lors de la 75e édition du Festival international du film de Venise le 31 août 2018.

Le 2 novembre 2018, le film est sorti dans certains cinémas et sur Netflix, quarante-huit ans après le début des prises de vue.

Certaines séquences sont incluses dans les documentaires Working with Orson Welles (1993), Orson Welles : One Man Band (1995), et plus largement They’ll Love Me When I’m Dead (2018).

Autres films et scénarios inachevés

Too Much Johnson est une comédie de 1938 écrite et réalisée par Welles. Conçu comme l’aspect cinématographique de la présentation par Welles au Mercury Theatre de la comédie de 1894 de William Gillette, le film n’a pas été entièrement monté ni projeté en public. Too Much Johnson a été considéré comme un film perdu jusqu’en août 2013, lorsqu’on a appris qu’une copie immaculée avait été découverte en Italie en 2008. Une copie restaurée par le musée George Eastman House devait être présentée en avant-première le 9 octobre 2013 au festival du film muet de Pordenone, suivie d’une première aux États-Unis. Le film a été projeté en une seule fois au Los Angeles County Museum of Art le 3 mai 2014. Une seule représentation de Too Much Johnson, le 2 février 2015, au Film Forum de New York, a connu un grand succès. Produite par Bruce Goldstein, adaptée et mise en scène par Allen Lewis Rickman, elle mettait en scène les Film Forum Players avec un piano en direct.

Heart of Darkness est le premier film projeté par Welles en 1940. Il a été planifié dans les moindres détails et des essais ont été filmés ; ces images sont aujourd’hui perdues. Il était prévu qu’il soit entièrement tourné en longues prises du point de vue du narrateur, Marlow, qui devait être interprété par Welles ; on apercevait de temps à autre son reflet dans la fenêtre alors que son bateau descendait la rivière. Le projet a été abandonné parce qu’il n’a pas été possible de respecter le budget, et Citizen Kane a été réalisé à la place. 30-33, 355-356

En 1941, Welles projette un film avec sa compagne de l’époque, l’actrice mexicaine Dolores del Río. Santa est adapté du roman de l’écrivain mexicain Federico Gamboa. Le film aurait marqué les débuts de Dolores del Río dans le cinéma mexicain. Welles a corrigé le scénario en 13 séquences extraordinaires. Le salaire élevé exigé par del Río arrêta le projet. En 1943, le film fut finalement achevé avec les décors de Welles, sous la direction de Norman Foster et avec l’actrice mexicaine Esther Fernández.

En 1941, Welles planifie également un drame mexicain avec Dolores del Río, qu’il confie à la RKO pour qu’elle le budgétise. Le film était une version cinématographique du roman du même nom de Calder Marshall. Dans l’histoire, del Río incarne Elena Medina, « la plus belle fille du monde », et Welles joue un Américain qui se retrouve mêlé à une mission visant à perturber un complot nazi destiné à renverser le gouvernement mexicain. Welles prévoyait de tourner au Mexique, mais le gouvernement mexicain devait approuver l’histoire, ce qui n’a jamais été fait.

En 1941, Welles reçoit le soutien de l’évêque Fulton Sheen pour une réécriture de la vie du Christ, dont l’action se déroulerait dans l’Ouest américain des années 1890. Une fois le tournage de Citizen Kane terminé, Welles, Perry Ferguson et Gregg Toland repèrent des lieux de tournage en Basse-Californie et au Mexique. Welles écrit un scénario dont les dialogues sont tirés des Évangiles de Marc, Matthieu et Luc. « Chaque mot du film devait être tiré de la Bible – aucun dialogue original, mais une sorte de primitif américain », a déclaré Welles, « situé dans un pays frontalier au siècle dernier ». Ce projet non réalisé a été repris par Welles dans les années 1950, lorsqu’il a écrit un second scénario non tourné, qui devait être tourné en Égypte : 361-362.

À l’origine, Welles ne voulait pas réaliser It’s All True, un documentaire de 1942 sur l’Amérique du Sud, mais après son abandon par la RKO, il a passé une grande partie des années 1940 à essayer d’acheter le négatif de son matériel à la RKO, afin de pouvoir le monter et le diffuser sous une forme ou une autre. Le film est resté invisible dans les coffres pendant des décennies et a été considéré comme perdu. Plus de 50 ans plus tard, une partie (mais pas la totalité) du matériel survivant a été diffusée dans le documentaire It’s All True : Based on an Unfinished Film by Orson Welles, sorti en 1993.

En 1944, Welles écrit la première version du scénario de Monsieur Verdoux, un film qu’il a également l’intention de réaliser. Charlie Chaplin a d’abord accepté de jouer dans le film, mais a ensuite changé d’avis, invoquant le fait qu’il n’avait jamais été dirigé par quelqu’un d’autre dans un long métrage auparavant. Chaplin a acheté les droits du film et l’a réalisé lui-même en 1947, avec quelques modifications. Le film final crédite Chaplin du scénario, « basé sur une idée d’Orson Welles ».

Welles passe environ neuf mois en 1947-48 à co-écrire le scénario de Cyrano de Bergerac avec Ben Hecht, un projet que Welles est chargé de réaliser pour Alexander Korda. Il a commencé à chercher des lieux de tournage en Europe pendant le tournage de Black Magic, mais Korda, à court d’argent, a vendu les droits à Columbia Pictures, qui a fini par écarter Welles du projet, puis a vendu les droits à United Artists, qui a réalisé une version cinématographique en 1950, qui n’était pas basée sur le scénario de Welles : 106-108.

Après que la version théâtrale et musicale élaborée de ce roman de Jules Verne, comprenant 38 décors différents, ait été présentée en 1946, Welles a tourné des séquences d’essai au Maroc en 1947 en vue d’une version cinématographique. Les images n’ont jamais été montées, le financement n’a jamais été trouvé et Welles a abandonné le projet. Neuf ans plus tard, le producteur du spectacle, Mike Todd, a réalisé sa propre version cinématographique du livre, qui a été primée : 402

Moby Dick – Rehearsed est une version cinématographique de la méta-pièce londonienne de Welles de 1955, avec Gordon Jackson, Christopher Lee, Patrick McGoohan, et Welles dans le rôle d’Achab. Utilisant des décors dépouillés et minimalistes, Welles alterne entre une troupe d’acteurs du XIXe siècle répétant une production de Moby Dick et des scènes de Moby Dick lui-même. Kenneth Williams, un membre de la troupe qui appréhendait l’ensemble du projet, a raconté dans son autobiographie que la lumière tamisée et atmosphérique de Welles rendait certaines séquences si sombres qu’elles en devenaient impossibles à regarder. La pièce a été filmée dans son intégralité, mais on présume aujourd’hui qu’elle a été perdue. Le film a été tourné au cours d’un week-end au théâtre Hackney Empire.

Les producteurs d’Histoires extraordinaires, un film d’anthologie de 1968 basé sur des nouvelles d’Edgar Allan Poe, ont annoncé en juin 1967 que Welles réaliserait un segment basé à la fois sur « Masque of the Red Death » et « The Cask of Amontillado » pour le film omnibus. Welles s’est retiré en septembre 1967 et a été remplacé. Le scénario, écrit en anglais par Welles et Oja Kodar, se trouve dans la collection du Filmmuseum Munchen.

Cette parodie à la Monty Python, dans laquelle Welles joue tous les personnages sauf un (y compris deux personnages travestis), a été réalisée vers 1968-9. Welles avait l’intention de faire de ce sketch achevé l’un des éléments d’une émission télévisée spéciale sur Londres. Les autres éléments filmés pour cette émission – tous inclus dans le documentaire « One Man Band » de son partenaire Oja Kodar – comprenaient un sketch sur Winston Churchill (joué en silhouette par Welles), un sketch sur les pairs dans une demeure seigneuriale, un reportage sur les clubs de gentlemen londoniens et un sketch dans lequel Welles est tourné en dérision par son tailleur narquois de Savile Row (joué par Charles Gray).

Welles a écrit deux scénarios pour L’Île au trésor dans les années 1960 et était impatient de trouver un soutien financier pour le réaliser. Il envisage de le tourner en Espagne, en même temps que Chimes at Midnight. Welles avait l’intention de jouer le rôle de Long John Silver. Il souhaitait que Keith Baxter joue le rôle du docteur Livesey et que John Gielgud prenne le rôle de l’écuyer Trelawney. L’enfant acteur d’origine australienne Fraser MacIntosh (The Boy Cried Murder), alors âgé de 11 ans, a été choisi pour jouer le rôle de Jim Hawkins et s’est envolé pour l’Espagne pour le tournage, qui aurait été réalisé par Jess Franco. Environ 70 % des acteurs de Chimes at Midnight auraient joué des rôles dans Treasure Island. Cependant, le financement du projet n’a pas abouti. Finalement, le scénario de Welles (sous le pseudonyme de O.W. Jeeves) a été réécrit et a servi de base à la version cinématographique de 1972 réalisée par John Hough, dans laquelle Welles jouait le rôle de Long John Silver.

The Deep, adaptation de Dead Calm de Charles Williams, se déroule entièrement sur deux bateaux et est tourné principalement en gros plans. Il a été tourné au large des côtes de la Yougoslavie et des Bahamas entre 1966 et 1969, et toutes les scènes ont été achevées sauf une. À l’origine, le film devait être un thriller commercialement viable, pour montrer que Welles était capable de réaliser un film populaire et réussi. Il a été mis en suspens en 1970 lorsque Welles a craint que les critiques ne réagissent pas favorablement à ce film, qui constituait la suite en salles du très applaudi Chimes at Midnight, et Welles s’est alors concentré sur F for Fake. Le film a été abandonné en 1973, peut-être en raison de la mort de sa vedette Laurence Harvey. Dans une interview de 2015, Oja Kodar a attribué l’échec de Welles à terminer le film au refus de Jeanne Moreau de participer au doublage.

Dune, une première tentative d’adaptation du roman de science-fiction de Frank Herbert par le réalisateur chilien Alejandro Jodorowsky, devait mettre en scène Welles dans le rôle du maléfique Baron Vladimir Harkonnen. Jodorowsky avait personnellement choisi Welles pour le rôle, mais le projet de film n’a jamais dépassé le stade de la pré-production.

En 1978, Peter Bogdanovich, son protégé de longue date (qui était alors l’agent de facto de Welles), a proposé à Welles de réaliser Saint Jack, une adaptation du roman de 1973 de Paul Theroux, qui raconte l’histoire d’un proxénète américain à Singapour. Hugh Hefner et Cybill Shepherd, alors partenaire de Bogdanovich, sont tous deux associés au projet en tant que producteurs, Hefner assurant le financement par le biais de ses productions Playboy. Cependant, Hefner et Shepherd sont convaincus que Bogdanovich serait un réalisateur commercialement plus viable que Welles et insistent pour que Bogdanovich prenne les rênes du projet. Bogdanovich ayant lui aussi besoin de travail après une série d’échecs au box-office, il accepta. Lorsque le film a finalement été réalisé en 1979 par Bogdanovich et Hefner (mais sans la participation de Welles ou de Shepherd), Welles s’est senti trahi et, selon Bogdanovich, les deux hommes « se sont un peu éloignés l’un de l’autre ».

Après le succès de son film Filming Othello, réalisé en 1978 pour la télévision ouest-allemande et consistant principalement en un monologue face à la caméra, Welles a commencé à tourner des scènes pour ce film suivant, mais ne l’a jamais achevé : 253 Ce que Welles a filmé, c’est une séance de questions-réponses de 80 minutes en 1981 avec des étudiants en cinéma qui lui posaient des questions sur le film. Le directeur de la photographie de Welles, Gary Graver, a conservé cette séquence et l’a donnée au musée du film de Munich, qui l’a ensuite assemblée avec la bande-annonce de Welles pour en faire un film de 83 minutes qui est parfois projeté lors de festivals de cinéma.

Écrit par Welles avec Oja Kodar, The Big Brass Ring a été adapté et filmé par le réalisateur George Hickenlooper en partenariat avec le scénariste F.X. Feeney. Le scénario de Welles et le film de 1999 sont tous deux centrés sur un candidat à l’élection présidentielle américaine d’une quarantaine d’années, son mentor âgé – un ancien candidat à la présidence tombé dans un scandale homosexuel – et le journaliste italien qui cherche à découvrir la vérité sur la relation entre ces deux hommes. Au cours des dernières années de sa vie, Welles a lutté pour obtenir le financement du film prévu ; cependant, ses efforts pour faire jouer le personnage principal par Jack Nicholson, Robert Redford, Warren Beatty, Clint Eastwood, Burt Reynolds et Paul Newman n’ont pas abouti. Tous les acteurs ont refusé le rôle pour diverses raisons.

En 1984, Welles écrit le scénario d’un film qu’il envisage de réaliser, un drame autobiographique sur la mise en scène de The Cradle Will Rock en 1937 : 157-159 Rupert Everett devait jouer le rôle du jeune Welles. Cependant, Welles n’a pas réussi à obtenir le financement nécessaire. Tim Robbins a ensuite réalisé un film similaire, mais qui n’était pas basé sur le scénario de Welles.

Au moment de sa mort, Welles était en pourparlers avec une société de production française pour réaliser une version cinématographique de la pièce de Shakespeare Le Roi Lear, dans laquelle il jouerait également le rôle-titre.

Ada ou Ardor : A Family Chronicle est une adaptation du roman de Vladimir Nabokov. Welles admirait Ada or Ardor : A Family Chronicle de Nabokov et a initié un projet de film du même titre en collaboration avec l’auteur. Welles s’est rendu à Paris pour discuter personnellement du projet avec Nabokov, car à cette époque, l’auteur russe avait quitté l’Amérique pour l’Europe. Welles et Nabokov ont eu une discussion prometteuse, mais le projet n’a pas abouti.

Documentaires sur Citizen Kane (1941)

Documentaires sur It’s All True (1942)

Documentaire sur M. Arkadin (1955)

Documentaire sur Touch of Evil (1958)

Documentaire sur Chimes at Midnight (1965)

Documentaires sur L’autre côté du vent (1970-1976)

Sources d’archives

Sources

1. Orson Welles
2. Orson Welles
3. ^ Richard H. Welles had changed the spelling of his surname by the time of the 1900 Federal Census, when he was living at Rudolphsheim, the 1888 Kenosha mansion built by his mother Mary Head Wells and her second husband, Frederick Gottfredsen.
4. ^ Sources vary regarding Beatrice Ives Welles’s birth year; her grave marker reads 1881, not 1883.[21] For more information see the talk page.
5. ^ Years later, the two men successively married Rita Hayworth.
6. Prononciation en anglais américain retranscrite selon la norme API.
7. D’après imdb.com, pour quelques scénarios et une émission de télévision, cf. filmographie détaillée en infra.
8. Les classements successifs de l’Institut cinématographique américain, mais aussi le magazine britannique Sight & Sound, ont élu Citizen Kane en tant que plus grand film de l’histoire du cinéma américain.
9. Dès 1958, durant l’Exposition universelle de Bruxelles, un jury international de critiques appelé à juger l’ensemble de la production cinématographique, classe le film en 6e position.
10. O. Welles se sentait artistiquement très proche de Kubrick : « Pour moi, Kubrick est meilleur que John Huston. Je n’ai pas vu Lolita, mais je crois que Kubrick peut tout faire. Il possède un talent que n’ont pas Ray, Aldrich et les autres cinéastes de la génération précédente. C’est peut-être parce que son tempérament correspond davantage au mien. », cité par Alain Bergala, Jean Narboni, Claudine Paquot in Orson Welles, Éditions Cahiers du cinéma, 1986, p. 47.
11. Valentinetti 1988, pp. 118-119
12. McBride 1979, p. 19
13. Ross, Ronald (January 1974). « The Role of Blacks in the Federal Theatre, 1935–1939 ». The Journal of Negro History. 59 (1): 38–50. doi:10.2307/2717139. JSTOR 2717139. S2CID 150210872.
14. Brady, Frank (1989). Citizen Welles: A Biography of Orson Welles. New York: Charles Scribner’s Sons. ISBN 0-385-26759-2.
15. a b Bogdanovich, Ciudadano Welles, Grijalbo, 1994