Pablo Picasso

gigatos | novembre 27, 2021

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Résumé

Pablo Ruiz Picasso (Malaga, 25 octobre 1881-Mougins, 8 avril 1973) est un peintre et sculpteur espagnol qui, avec Georges Braque, a créé le cubisme.

Depuis la genèse du XXe siècle, il est considéré comme l »un des plus grands peintres qui ont participé aux différents mouvements artistiques qui se sont répandus dans le monde et ont exercé une grande influence sur les autres grands artistes de son temps. Ses œuvres se trouvent dans des musées et des collections à travers l »Europe et le monde. Il a également travaillé dans d »autres genres tels que le dessin, la gravure, l »illustration de livres, la sculpture, la céramique et la conception de décors et de costumes pour des productions théâtrales. Il a également une courte œuvre littéraire.

Politiquement, Picasso se déclare pacifiste et communiste. Il a été membre du parti communiste espagnol et du parti communiste français jusqu »à sa mort le 8 avril 1973 à l »âge de 91 ans, dans sa maison appelée « Notre-Dame-de-Vie » dans la ville française de Mougins. Il est enterré dans le parc du château de Vauvenargues (Bouches-du-Rhône).

Enfance

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso (selon son acte de naissance) ou Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (selon son acte de baptême), était le premier fils de José Ruiz y Blasco et de María Picasso López. Il est né le 25 octobre 1881 à Malaga (Espagne) dans une famille bourgeoise. Picasso avait deux sœurs, Dolores (1884-1958) et Concepción (1887-1895). Son arrière-grand-père maternel, Tommaso Picasso (né en 1787), était originaire de Sori à Gênes, en Italie, et s »est installé en Espagne vers 1807.

On sait que son père voulait être un artiste et qu »il a enseigné le dessin à l »Académie royale des beaux-arts de San Telmo. On sait peu de choses sur sa mère ; elle avait apparemment une personnalité plus forte que celle de son mari, et Picasso a toujours eu pour elle un plus grand respect et une plus grande tendresse, ce qui, selon certains, se voit dans le portrait qu »il a fait d »elle en 1923. Pablo a commencé à peindre très tôt ; en 1889, à l »âge de huit ans, après une corrida et sous la direction de son père, il a peint El picador amarillo (« Le picador jaune »), dont il a toujours refusé de se séparer.

En 1891, la famille a été contrainte de quitter Malaga en raison du manque de stabilité économique dont elle bénéficiait. José Ruiz Blasco avait commencé à demander à plusieurs reprises à être transféré dans la ville de La Corogne, où un poste d »enseignant avait été créé à l »école des beaux-arts à la suite de son licenciement en tant que conservateur du musée des beaux-arts de Malaga en 1888. Le changement n »a pas été du tout agréable pour sa famille, comme en témoigne l »expression que Picasso se rappelle de son père à ce stade : « Pas de Malaga, pas de tauromachie, pas d »amis, rien », « Seulement pour moi le déménagement en Galice a été une fête ». En Galice, Pablo travaille sur ses dessins et montre une forte confiance en lui et en ses dons ; il a dix ans. Ses premières œuvres, d »un réalisme vigoureux et presque féroce, montrent une prédilection précoce pour les personnages populaires. À La Corogne, il fait sa première exposition à l »âge de treize ans et publie des caricatures et des dessins dans les revues éditées à la main « La Coruña », « Azul y Blanco » et « Torre de Hércules ».

L »année 1895 est marquée par des événements importants dans son enfance ; en janvier, sa sœur Concepción meurt, et en septembre, son père obtient une chaire à l »école des Beaux-Arts de Barcelone, où le jeune Pablo est admis comme élève et étudie pendant deux ans, ce qui l »amène à peindre, peut-être pour faire plaisir à son père, une série de tableaux dont l »académisme sentimental du style surprend après la vitalité des portraits qu »il avait réalisés à La Corogne.

Élève brillant et précoce, Picasso passe l »examen d »entrée à l »École de la Lonja en un seul jour, à l »âge de quatorze ans, et est autorisé à sauter les deux premières classes. Selon l »une des nombreuses légendes concernant l »artiste, son père, ayant reconnu l »extraordinaire talent de son fils en voyant ses premières œuvres lorsqu »il était enfant, lui donna ses pinceaux et sa palette et lui promit de ne plus jamais peindre de sa vie.

Contrairement à la musique, il n »y a pas d »enfants prodiges en peinture. Ce que les gens perçoivent comme un génie prématuré est le génie de l »enfance. Elle ne disparaît pas progressivement avec l »âge. Il est possible qu »un tel enfant devienne un jour un vrai peintre, peut-être même un grand peintre. Mais il devrait commencer par le début. Donc, en ce qui me concerne, je n »étais pas un génie. Mes premiers dessins n »ont jamais été présentés dans une exposition de dessins d »enfants. Je n »avais pas la maladresse d »un enfant, la naïveté d »un enfant. J »ai fait des dessins académiques à l »âge de sept ans, avec une précision qui m »effraie.

La jeunesse : ses amitiés à Paris

En 1912, lors de son séjour dans la ville de Paris, Picasso fait partie d »un cercle d »amis distingués dans les quartiers de Montmartre et Montparnasse, il s »agit du poète André Breton, de l »écrivain Guillaume Apollinaire, d »Alfred Jarry et de Gertrude Stein. Apollinaire est arrêté car il est soupçonné d »avoir volé la Joconde au Louvre et de faire partie d »un gang international de voleurs. Apollinaire a blâmé son ami Picasso, qui a également été soumis à un interrogatoire, mais tous deux ont ensuite été disculpés.

Premières peintures

Durant l »hiver 1895, il peint sa première grande toile académique, La première communion (Museo Picasso, Barcelone), à Barcelone, où il vit pendant neuf ans, à l »exception de quelques vacances d »été et de séjours plus ou moins longs à Madrid et à Paris. En 1897, il présente la toile Science et charité (Museo Picasso, Barcelone) à l »Exposition générale des beaux-arts de Madrid. Durant l »été, il passe à nouveau ses vacances à Malaga, où il peint des paysages et des corridas.

En septembre, il se rend à Madrid pour commencer des études à l »Académie San Fernando, mais il quitte rapidement l »académie : l »atmosphère intellectuelle de la capitale, imperméable au modernisme catalan que Picasso tente d »introduire (il fonde une petite revue en 1901, Arte Joven, qui a une existence assez brève) ne le convainc pas. Néanmoins, il profite de ses fréquentes visites au musée du Prado pour se familiariser avec l »œuvre du Greco, qui a été validée par les artistes et les spécialistes de la fin du XIXe siècle.

À partir de 1898, il signe ses œuvres comme « Pablo Ruiz Picasso », puis comme « Pablo R. Picasso », et seulement comme « Picasso » à partir de 1901. Ce changement ne semble pas impliquer un rejet de la figure paternelle ; il est plutôt dû au désir de Picasso de se distinguer en tant que personnage, initié par ses amis catalans, qui ont commencé à l »appeler par le nom de famille de sa mère, qui était beaucoup moins courant que celui de son père, Ruiz.

Il revient à Barcelone en juin 1898, malade de la scarlatine, et s »installe à Horta de Ebro (aujourd »hui Horta de San Juan), le village de son ami Manuel Pallarés, situé au sud de l »Ebre près de la ville de Gandesa (Tierra Alta, Tarragone). Durant ce séjour, Picasso redécouvre les racines primordiales du pays et un certain retour à la nature, plus conforme à l »idéologie moderniste, qui constitue l »un des premiers épisodes « primitivistes » de sa carrière.

Ayant abandonné l »intention de vivre à Madrid pour se consacrer à la copie des grands maîtres, il est de retour à Barcelone en février 1899, où il commence à fréquenter la brasserie Els Quatre Gats, fleuron de la bohème moderniste et lieu où il réalise sa première exposition personnelle et se lie d »amitié avec Jaime Sabartés et Carlos Casagemas. C »est dans cet environnement que Picasso est entré en contact avec la pensée anarchiste, qui s »était établie à Barcelone. La misère qui règne dans les bidonvilles de Barcelone, les soldats malades et blessés qui reviennent en Espagne après la désastreuse guerre de Cuba, créent un terreau de violence sociale qui marque sans doute la sensibilité de Picasso sur un plan individuel et moral plutôt que purement politique, et qui se retrouve dans certains dessins réalisés entre 1897 et 1901 : Le Prisonnier, Un anarchiste en train de tasser, et L »Anarchiste.

En octobre 1900, il se rend à Paris avec Casagemas pour assister à l »Exposition universelle, où l »une de ses œuvres, Last Moments, aujourd »hui perdue, est exposée. À Paris, il s »installe dans l »atelier d »Isidre Nonell, un artiste catalan que Picasso connaît grâce au groupe Els Quatre Gats, influencé par les impressionnistes, et qui reflète la situation sociale catalane du début du siècle à travers des portraits de marginaux et de miséreux. L »œuvre de Nonell, ainsi que celle de Toulouse-Lautrec, influencent grandement le style de Picasso à cette époque, comme en témoignent des œuvres telles que La espera (Margot), Bailarina enana (danseuse naine) et El final del número (La fin du nombre), toutes deux datant de 1901. Il rencontre également son premier marchand, Pere Mañach (qui lui offre 150 francs par mois pour toutes ses œuvres pendant un an) et entre en contact avec la galeriste Berthe Weill. Il retourne à Barcelone le 20 ou le 23 décembre (selon les différentes sources) avec Casagemas, que Picasso emmène avec lui pour fêter la fin de l »année à Malaga.

Entre Barcelone et Paris. La période bleue

La période bleue de Picasso est connue comme la période allant de 1901 à 1904 environ : ce nom vient de la couleur qui domine la gamme chromatique de ses tableaux, et son origine se trouve dans le suicide de son ami Carlos Casagemas, le 17 février 1901, qui le laissa plein de chagrin et de tristesse. Casagemas, après avoir tenté d »assassiner son amante Germaine, une danseuse du Moulin Rouge qui fréquentait le cercle des artistes espagnols, se suicida à Paris. Motivé et ému par la mort de son ami, Picasso peint un tableau qu »il appelle L »enterrement de Casagemas, une peinture allégorique qui commence à montrer sa transition vers la période bleue. La division de l »espace du tableau en deux parties, terre et ciel, corps et esprit, rappelle celle de L »enterrement du comte d »Orgaz du Greco.

D »autres influences sur le travail de Picasso à cette époque sont Van Gogh et Gauguin, le premier surtout sur le plan psychologique, comme le reflète l »intensité émotionnelle des tableaux de cette période, bien qu »il y ait également une simplification des volumes et des contours définis qui rappellent Gauguin, dont il prendra également une conception universelle de la sentimentalité. Picasso a exprimé la solitude des personnages en les isolant dans un environnement imprécis, avec une utilisation presque exclusive du bleu pendant une période de plus de deux ans, un fait pratiquement sans précédent dans l »histoire de l »art. De même, l »allongement des figures qui est introduit dans ses œuvres rappelle à nouveau le style du Greco.

Picasso était un travailleur infatigable. Fin avril 1901, il retourne à Barcelone, où il expose Femme en bleu (Museo Reina Sofía, Madrid) à l »Exposition générale des Beaux-Arts, puis en mai, il retourne à Paris, où il s »installe au 130 boulevard de Clichy, à l »emplacement où Casagemas avait son atelier. Entre juin et juillet de la même année, Picasso et Iturrino organisent une exposition à la galerie Vollard à Paris. Sans argent ni travail, il rencontre en juin le poète Max Jacob, avec lequel il entretiendra une relation étroite jusqu »à la mort de ce dernier en 1944. Le poète a rappelé plus tard qu »il avait découvert l »œuvre de Picasso et, en tant que critique d »art, avait exprimé son admiration pour le talent du peintre. Peu après, il reçoit une invitation de Mañach à le présenter au jeune homme qu »il représente (ils passent toute la journée à regarder l »énorme travail de Picasso, qui à cette époque peignait un ou deux tableaux par nuit, les vendant pour 150 francs dans la rue Laffite. Au cours de l »automne, il peint Les deux arlequins (Arlequin et son compagnon) (Musée Pouchkine, Moscou), Arlequin soutenu (Portrait de Jaime Sabartés (Museu Picasso, Barcelone), Portrait de Mateu Fernández de Soto (Museu Picasso, Malaga) et Autoportrait bleu (Museu Picasso, Paris).

Fin janvier 1902, il rompt son accord avec Mañach, et après le règlement correspondant, il retourne à Barcelone. Il commence à travailler dans l »atelier d »Ángel Fernández de Soto, au numéro 6 de la rue Nou de la Rambla, où, au printemps, la couleur bleue commence à dominer son travail. Avec Fernández de Soto, il a visité les bordels de Barcelone, ce qui s »est traduit par une série de dessins érotiques, dont un Autoportrait avec nu (dessin à l »encre et à l »aquarelle d »Ángel Fernández de Soto avec une femme) et La macarra (composition allégorique), propriété du musée Picasso de Barcelone.

À Paris, Mañach organise une exposition de peintures et de pastels à la galerie Berthe Weill du 1er au 15 avril, avec des œuvres de Picasso et de Lemaire, et une autre en juin à la même galerie avec des œuvres de Picasso et de Matisse. À Barcelone, Picasso reçoit un avis l »invitant à effectuer son service militaire en octobre. Pour l »éviter, il a dû payer deux mille pesetas, une somme fournie par son oncle. Juste après, il revient à Paris avec Sébastien Junyer, et montre pour la première fois ses peintures bleues du 15 novembre au 15 décembre dans une exposition collective organisée à nouveau par Mañach à la galerie Berthe Weill.

De cette date date un Portrait de Germaine que Acquavella Galleries a acquis pour 18,6 millions de dollars lors d »une vente aux enchères chez Christie »s en 2006. En décembre 1902, il s »installe pour un temps dans l »appartement de Max Jacob au 87 Boulevard Voltaire ; la chambre n »ayant qu »un seul lit, Picasso travaille la nuit et dort le jour pendant que Jacob travaille. À cette époque, il ne pouvait pas acheter de toile et devait se contenter de dessiner.

En janvier 1903, Picasso retourne à Barcelone. Au printemps, il commence le tableau Vie (Cleveland Museum of Fine Arts), l »une des toiles les plus grandes et les plus complexes de sa période bleue, considérée comme son œuvre la plus importante de ces années-là, une œuvre au symbolisme inhabituellement obscur dans ses premières œuvres et sujette à de multiples interprétations académiques, sur lesquelles l »artiste ne s »est jamais prononcé. Picasso a réalisé quatre esquisses préparatoires pour le tableau, en variant au moins deux fois la composition des figures ; il faut noter que la figure masculine, qui était au départ un autoportrait, a fini par être une représentation de son ami Carlos Casagemas. La vie résume la plupart des thèmes et de l »atmosphère de la période bleue : le pessimisme nihiliste développé pendant ses années de formation à Barcelone, intensifié par les difficultés matérielles dont il souffrait alors. « La solitude des enfants, la misère des pauvres, des mendiants et des aveugles sont souvent représentés dans les tableaux de cette période : Les deux sœurs (musée de l »Ermitage, Saint-Pétersbourg), Les pauvres au bord de la mer (National Gallery of Art, Washington D. C.), Le vieux guitariste (The Old Guitarist, Saint-Pétersbourg), Les pauvres au bord de la mer (National Gallery of Art, Washington D. C.), Les pauvres au bord de la mer (National Gallery of Art, Saint-Pétersbourg), Les pauvres au bord de la mer (National Gallery of Art, Saint-Pétersbourg), Les pauvres au bord de la mer (National Gallery of Art, Saint-Pétersbourg). C.), Le vieux guitariste aveugle (Art Institute of Chicago), L »ascète (Barnes Foundation, Philadelphie) et La Celestina (Carlota Valdivia) (Musée Picasso, Paris) comptent parmi les premiers chefs-d »œuvre de Picasso.

Vers la fin de 1903, Picasso commence à penser que ce n »est qu »en s »installant définitivement en France que sa réputation dépassera les frontières de l »Espagne. Il s »installe dans l »atelier du sculpteur Pablo Gargallo (1881-1934), alors à Paris, au 28 Carrer del Comerç à Barcelone, où il termine La Celestina (Carlota Valdivia) et commence un nouveau Portrait de Jaime Sabartés (Kunsternes Museum, Oslo), qu »il termine au printemps 1904.

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Paris, Bateau Lavoir. La période rose

En avril 1904, Picasso s »installe à Paris au Bateau-Lavoir, situé dans le quartier de Montmartre, dans un atelier que son ami le sculpteur Paco Durrio est sur le point de quitter. Il y reprend ses contacts avec plusieurs artistes espagnols qui vivent également au Bateau-Lavoir, notamment Ricardo Canals, qui lui enseigne la technique de la gravure en septembre de la même année, et son épouse ; également avec Manuel Hugué et son épouse Totote, ainsi qu »avec Ramon Pichot et Germaine, la danseuse pour laquelle son ami Casagemas s »était suicidé. Pendant l »été, il entretient une relation avec « Madeleine », qui apparaît dans plusieurs dessins et peintures, comme La femme de l »acrobate (Art Institute of Chicago) et inspire le sujet de La famille d »Arlequin (1905). En août 1904, Picasso rencontre sa première compagne sentimentale : Fernande Olivier (1881-1966), modèle d »artiste et amie de Benedetta, la femme de Ricardo Canals, connue dans la colonie espagnole du Bateau-Lavoir comme « la belle Fernande ». Tous deux âgés de vingt et un ans, Fernande est le premier grand amour de Picasso et devient sa source d »inspiration jusqu »en 1910, bien que leur relation ne prenne définitivement fin qu »en 1912.

En octobre 1904, Picasso rencontre le poète André Salmon, ainsi que Guillaume Apollinaire, poète et écrivain précurseur du surréalisme, avec qui il établit une relation très étroite. Picasso devient un habitué du cabaret Lapin Agile (le « Lapin Agile ») et du Cirque Medrano. À partir du moment où il s »est installé à Montmartre, la palette et les thèmes de Picasso ont commencé à changer ; la pauvreté et la difficulté de la vie des artistes de cirque et des acrobates ont apporté un nouveau lyrisme à ses peintures alors qu »il passait de la période bleue à la période dite rose. La période rose se distingue par ses couleurs pastel et ses tons chauds, avec des lignes douces et délicates ; avec un accent particulier sur la ligne et le dessin plutôt que sur la couleur, il continue à travailler les figures avec des proportions allongées qui rappellent son admiration pour le Greco, comme dans L »Acteur (MoMA, New York) ou dans l »aquarelle Le Fou (Museo Picasso, Barcelone), un recours à des formules maniéristes dont on a souligné que Picasso a fait un usage constant tout au long de sa carrière. Les thèmes qu »il aborde sont la joie et l »agitation existentielle ; comme dans la période bleue, une touche de mélancolie est sous-jacente, mais à cette époque, elle est dominée par l »affection, avec de nombreuses références au monde du zoo et du cirque. Il peint des masques, des arlequins, des dresseurs et des clowns ; c »est aussi l »époque des maternités roses. Les œuvres représentatives de cette période sont Acrobat with a Ball (Girl with a Ball) (Pushkin Museum, Moscou), Family of Acrobats (National Gallery of Art, Washington), Acrobat and Young Harlequin (Barnes Foundation, Philadelphie) et Family of Acrobats with a Monkey (Göteborgs Kunstmuseum, Göteborg).

Du 25 février au 6 mars 1905, il expose ses premières toiles roses à la Galerie Sérurier. Les critiques parlent de l »annonce d »une transformation lumineuse de son talent ; après le drame de la période bleue, Apollinaire décrit les œuvres de la période rose dans la Revue immoraliste : » Sous les clinquants de ses saltimbanques, on a vraiment pitié du peuple, versatile, rusé, rusé, pauvre et menteur « . Comme l »a dit Fernande Olivier, Picasso semblait aimer ce pour quoi il n »était pas fait, ce qui était différent de lui : les gitans, les corridas, les cabarets louches, les clowns et le monde du cirque ; il aimait et se plongeait avec délice dans tout ce qui avait une violente couleur locale.

Au printemps de la même année, il peint l »une de ses œuvres majeures de l »année, La Famille de Saltimbanquis, une évolution claire vers la période rose ; un paysage nu et flou dans lequel les figures bien dessinées et stylisées des marionnettistes, personnages marginaux dont la vie solitaire a impressionné Picasso, sont encadrées de manière isolée. Un après-midi, après avoir quitté le Cirque Médrano avec Max Jacob, il a décidé de modeler sa tête dans l »argile, et en travaillant sur la pièce les jours suivants, il a ajouté le chapeau et les clochettes d »un bouffon, à la manière des personnages de cirque. La pièce s »appelait Le fou (tête d »arlequin) (Musée Picasso, Paris), que le galeriste Ambroise Vollard avait fait couler en bronze.

Pendant l »été, il fait un voyage dans le nord des Pays-Bas et séjourne à Schoorl pendant six semaines, à l »invitation de l »écrivain néerlandais Tom Schilperoort. Pendant son séjour, il peint un nu, La beauté hollandaise (Queensland Art Gallery, South Brisbane), et Les trois Hollandaises (Musée Picasso, Paris), une version personnelle du thème classique des trois grâces. Après un bref séjour à Paris, il passe des vacances en août avec Fernande à Tiana, au nord-est de Barcelone. À son retour en septembre, Fernande s »installe dans le modeste studio de Picasso au Bateau-Lavoir ; le début de leur relation est heureux, et les peintures et dessins de Picasso représentant Fernande célèbrent sa beauté et sa proximité personnelle. Picasso avait l »habitude de visiter les petites galeries et, avec Fernande, il assistait aux vernissages populaires des salons officiels.

Gertrude Stein et son frère Leo se sont installés à Paris et ont consacré leur fortune à l »acquisition d »une extraordinaire collection d »art. Leo Stein a acheté Famille d »acrobates avec singes au marchand d »art Clovis Sagot, par l »intermédiaire duquel Leo et Gertrude sont allés visiter l »atelier de Picasso et lui ont acheté de nombreuses œuvres pour 900 francs. Picasso devient un visiteur régulier du salon de Gertrude Stein dans son appartement parisien ; il peint un portrait de Leo et de son fils Michael et commence la première des quatre-vingt à quatre-vingt-dix séances de pose du célèbre Portrait de Gertrude Stein (Metropolitan Museum of Art, New York). Gertrude a récemment acheté la Femme au chapeau de Matisse et décide que les deux artistes doivent se rencontrer.

En 1906, après trois mois de travail sur le Portrait de Gertrude Stein, il l »abandonne temporairement et réalise les premières esquisses des Demoiselles d »Avignon. Il abandonne le thème des arlequins pour des cavaliers et des jeunes gens dans des paysages bucoliques, dans la lignée de Gauguin et de Puvis de Chavannes, dans une recherche de classicisme thématique et formel, qui conduit Picasso à l »étude de l »art ancien ; en mars, il découvre l »art primitif espagnol lors d »une exposition au Louvre de sculptures ibériques trouvées à Osuna et Cerro de los Santos, dont la Dame d »Elche. La galerie d »Ambroise Vollard a acquis la plupart des toiles roses également en mars. En mai, il se rend avec Fernande Olivier à Barcelone, où il la présente à des amis et à des parents, puis pendant l »été à Gósol, à Lérida, où il entre à nouveau en contact avec le primitivisme essentiel de la culture populaire, et peint des scènes de baignade et des nus vus d »une exquise maîtrise du rouge ; cette palette rougeâtre de Gósol reflète un souci du modelage des volumes, et un retour aux racines d »une Méditerranée archaïque. Cela l »a inspiré à créer une série de peintures avec des figures qui reprennent certaines caractéristiques de ce primitivisme, en rupture avec son style précédent. Bien que la simplification des traits et des volumes soient des précurseurs du cubisme, il s »agit d »une étape avec sa propre entité, qui ne peut être incluse dans aucun style reconnu. On peut observer dans ces tableaux ses propres traits de visage même parmi les figures féminines, ce que l »on peut constater en les comparant avec les autoportraits de cette série. Ce séjour a eu un impact important sur l »œuvre de Picasso, car les tableaux de Gósol ont marqué le début de sa révolution cubiste l »année suivante ; des années plus tard, Picasso a repris ce qui aurait été la suite logique de ce style dans sa période néoclassique.

Protocubisme

En août 1906, à son retour de Gósol, il reprend le Portrait de Gertrude Stein, travaillant de mémoire (Stein était en Italie) et réduit son visage à une sorte de masque ibérique, à la fois impassible et expressif. Picasso a dit du Portrait de Gertrude Stein : « Tout le monde pense qu »elle n »est pas du tout comme son portrait, mais cela n »a pas d »importance, elle finira par y ressembler. « Influencé par la sculpture ibérique et les peintures de Cézanne, qu »il voyait exposées dans les salons, Picasso a fait des recherches sur la forme et le volume, comme en témoigne l »Autoportrait à la palette (Philadelphia Museum of Art), une peinture d »un archaïsme presque sauvage qui anticipe également les influences accumulées par Picasso depuis 1905.

Le Salon d »automne de 1906 présente une rétrospective de Gauguin, qui fait une profonde impression sur Picasso et influence grandement son travail ; le Salon comprend également dix œuvres de Cézanne, qui meurt à peu près à la même époque. En hiver, Picasso peint Deux femmes nues (la monumentalité des figures et l »utilisation autonome de la lumière et de l »ombre rappellent Les grandes baigneuses de Cézanne). Vers la fin de l »année, il cesse de peindre et se lance dans une série d »études et de croquis de nus pour une composition à plusieurs figures sur le thème du bordel, qui culminera en 1907 avec la révolution représentée par Les Demoiselles d »Avignon.

La première réaction de l »entourage de Picasso aux études précédentes des jeunes femmes est généralement défavorable : ses amis ne comprennent pas bien ce nouveau style. Dans un carnet, Apollinaire la décrivait comme une « langue merveilleuse qu »aucune littérature ne peut exprimer, car nos mots ont déjà été créés ». Au printemps 1907, Picasso rencontre, par l »intermédiaire d »Apollinaire, Georges Braque qui, après avoir visité son atelier, exprime une certaine agitation envers la peinture à grande échelle.

À la mi-mai, il peint Autoportrait (Národni Galerie, Prague) : la ligne devient un élément structurel dominant, marquant les traits et soulignant même les autres zones de l »image, presque toutes pleines de couleurs et très peu de modèles. Il laisse même des zones de la toile non peintes. Il laisse même des zones de la toile non peintes. Vers la fin du mois de mai, il entame la dernière toile des Jeunes Dames d »Avignon, et les figures masculines disparaissent : l »une d »entre elles, un marin, est enlevée, et une étudiante à gauche est remplacée par une femme nue tenant un rideau.

Encouragé par André Derain, Picasso visite le musée d »ethnographie du palais du Trocadéro à Paris en 1907. C »est son premier contact avec un grand nombre de pièces africaines et océaniennes, que Derain et Matisse collectionnaient depuis longtemps, mais auxquelles Picasso n »avait pas prêté beaucoup d »attention jusqu »alors. La découverte de l »art non occidental donne un nouvel élan aux Demoiselles d »Avignon, et exerce également une influence considérable sur son travail de sculpteur. Picasso modifie alors les visages de certaines des dames, les deux plus « cubistes » des cinq, ressemblant à des masques africains, tandis que les deux centrales sont plus proches du style des fresques médiévales et des premières sculptures ibériques ; le visage de la figure de gauche a également un profil qui rappelle les peintures égyptiennes. Cette période proto-cubiste, qui s »étend de 1907 à 1909, est également connue sous le nom de « période africaine », « période noire » ou « période sombre » de Picasso ; son style est fortement influencé par la sculpture africaine, mais l »artiste a toujours voulu faire le contraire.

Les Demoiselles d »Avignon (MoMA, New York) marquent un nouveau départ pour Picasso, qui élimine les références à la tradition en rompant avec le réalisme, abandonnant les canons de la profondeur spatiale et de la perspective ainsi que l »idéal du corps féminin existant jusqu »alors, réduisant l »œuvre à un ensemble de plans angulaires, sans fond délimité ni perspective spatiale, dans lesquels les formes sont marquées par des lignes claires-obscures. Les tons ocre-rougeâtre sont caractéristiques de sa période rose plus douce, mais la crudité de la peinture les rend agressifs.

Le tableau peut également avoir été influencé par les figures allongées du Greco, en particulier par sa Vision de l »Apocalypse, que Picasso a peut-être vue cet été-là à Paris ; sa structure et sa composition dérivent des Grandes Baigneuses de Cézanne ; la peinture de Cézanne donne aux objets une présence réelle, en insistant sur les volumes et leur poids, sans la palpitation atmosphérique de l »impressionnisme. Selon Fermigier, 1969, p. 69, sa rétrospective au Salon d »Automne de 1907 a déterminé l »évolution ultérieure de Picasso. Braque, lui aussi, inspiré par Cézanne, a commencé une série de paysages montrant sa transition du fauvisme à sa période proto-cubiste.

La relation avec Fernande entre en crise, et ils décident de se séparer à la fin de l »été 1907, bien qu »ils se réconcilient à la fin du mois de novembre. En leur absence, Max Jacob et Apollinaire avaient persuadé Picasso de fumer de l »opium ; Picasso oscillait entre la bénédiction des visions et la crainte de céder à l »apathie et à la lassitude face au travail. La palette de Picasso était remplie de couleurs « africaines » vives : il peint Femme nue (la danseuse d »Avignon) (collection privée, Lausanne), épilogue des Demoiselles d »Avignon, dans lequel les éléments basés sur l »art ibérique et africain atteignent un nouveau degré de simplification géométrique ; dans le même style, La Danse des voiles (nu avec draperie) (Musée de l »Ermitage, Saint-Pétersbourg), commencée en été et achetée par Gertrude Stein avec les esquisses préparatoires de l »œuvre ; également Fleurs sur une table (MoMA, New York). Dans les œuvres suivantes, les tons chair deviennent ocres et bruns, et Picasso est alors confronté à de nombreuses expériences de rupture dans sa peinture : l »abandon de la perspective ; la conquête de l »espace, en fragmentant les plans par des aplats aux contours épais et définis ; la recherche du relief, par des contours bleus exagérés sur fond brun et des ombres épaisses ; on peut citer l »Amitié (musée de l »Ermitage, Saint-Pétersbourg) et le Nu à la serviette (collection particulière, Paris). L »atelier de Picasso est devenu un centre de discussions et de débats, et pas seulement sur son travail. Braque y a apporté ses propres œuvres, Matisse et Picasso ont échangé des tableaux : la nature morte Pichet, bol et citron de Picasso (Fondation Beyeler, Riehen, Bâle) contre le Portrait de Marguerite, sa fille, de Matisse. La relation entre Picasso et Matisse est passée de la concurrence à la moquerie, puis à une intense admiration mutuelle ; Matisse a déclaré que personne n »avait regardé son œuvre comme Picasso, et que personne n »avait regardé l »œuvre de Picasso comme lui.

Cubisme

Avec Les Demoiselles d »Avignon comme point de départ, Braque et Picasso ont fini par formuler le cubisme en 1908. Le cubisme est un tournant radical dans l »histoire de l »art qui a inspiré le reste de l »avant-garde artistique à abandonner l »illusionnisme pictural, rejetant la description naturaliste en faveur de compositions de formes abstraites de la perception conventionnelle, jouant avec la tridimensionnalité et la structure des surfaces. Cette technique, initiée par Picasso et Braque, a eu de nombreux adeptes, tels que Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay et Albert Gleizes.

En janvier 1908, Matisse ouvre son école, l »Académie Matisse. D »autre part, Derain et Braque sont des disciples de Picasso, ce qui, ajouté à leur amitié croissante avec Gertrude Stein, irrite Matisse. Au Salon des Indépendants, en mai de la même année, Derain et Braque présentent des tableaux inspirés du nouveau style de Picasso, ce qui suscite un vif intérêt de la part des critiques. Picasso est outré que la première exposition d »art cubiste se tienne sans reconnaître son rôle de source d »inspiration, en particulier Femme (1908), un nu très récent de Braque, dont il n »avait discuté avec personne, pas même avec Picasso. Après la fermeture du Salon, Braque se rend à l »Estaque jusqu »en septembre. Les éléments africains cèdent progressivement dans l »œuvre de Picasso aux effets de l »influence cézannienne, peut-être liés au réductivisme cézannien des paysages de Braque.

Son ami le peintre allemand Wieghels s »est suicidé au Bateau-Lavoir après une soirée de consommation excessive de diverses drogues ; cette tragédie a convaincu Picasso et Fernande d »abandonner l »opium ; Composition avec une tête de mort (Musée de l »Ermitage, Saint-Pétersbourg), achevée à la fin du printemps, pourrait être une commémoration de la mort de Wieghels.

Durant l »été, Braque réalise à l »Estaque une série de paysages cubistes dans lesquels, plutôt qu »une inspiration, la rupture avec la perspective mécanisée de Cézanne est considérée comme une initiation par le peintre. Picasso loue une ferme dans la rue des Bois-par-Creil-Verneuil-Oise, à 60 kilomètres au nord de Paris ; Fernande mentionne qu »avec cette retraite Picasso cherche à surmonter l »état d »agitation nerveuse que la mort de Wieghels lui a causé. Les deux artistes ont commencé à représenter un sentiment de relief par l »application arbitraire de la lumière et de l »ombre au détriment de l »ombrage naturaliste ; les formes ont été simplifiées à l »extrême, avec une sculpturalité plus grande et plus profonde dans les peintures de Picasso, dont la palette était limitée à une gamme de bruns, de gris et de verts. Les paysages de Picasso sont influencés par Henri Rousseau (1844-1910) et un Cézanne précoce.

Lorsque Braque présente ses paysages au Salon d »Automne en septembre, le jury, dont Matisse fait partie, rejette les œuvres. Selon Apollinaire, Matisse a été le premier à appliquer les termes « cubiste » et « cubisme » lorsqu »il a rejeté les œuvres de Braque soumises au Salon. Cette histoire est considérée comme l »origine officielle du mouvement depuis 1912. Josep Palau i Fabre souligne que l »automne 1908 marque le début de ce qu »il appelle la période verte de Picasso : les natures mortes qu »il peint à cette époque présentent une stylisation formelle qui est peut-être due à l »application des postulats cézanniens, selon lesquels les formes doivent être réduites à des cônes, des cylindres et des sphères. Cette schématisation géométrique n »entraîne pas une perte de corporalité des objets représentés, et peut donc être qualifiée de relief plat. Tout au long de l »été et du mois d »octobre, il achève la version finale de Trois femmes (Musée de l »Ermitage, Saint-Pétersbourg), dans laquelle les influences africaines des premières études du tableau sont diluées dans le nouveau style de la période verte.

Après l »exposition des œuvres de Braque à la galerie de Daniel-Henry Kahnweiler, mieux accueillie par la critique que ses œuvres présentées au Salon des Indépendants, Picasso organise un banquet au Bateau-Lavoir en l »honneur de Rousseau, pour fêter le fait qu »il vient d »acheter une œuvre du peintre, Portrait de femme, pour cinq francs chez l »antiquaire du Père Soulier. Au cours de cet hiver, les échanges d »idées entre Braque et Picasso s »intensifient au quotidien, tandis que leur amitié se renforce. La nature morte aux fruits, motif emblématique de Cézanne, est l »un des thèmes que les deux peintres partagent à cette époque : Le compotier (Fruit Dish) (MoMA, New York), Nature morte aux poissons et aux bouteilles (Musée d »Art Moderne de Lille Métropole, Villeneuve d »Ascq). Il travaille également pendant l »hiver au Carnaval au Bistrot (Musée Picasso, Paris), qui se cristallise au début de 1909 dans Pain et coupe de fruits avec fruits sur une table (Musée d »Art Basel).

Picasso commence à être apprécié des collectionneurs ; un ami des Stein, qui vient d »acheter ses Trois femmes, le Suisse Hermann Rupf achète plusieurs de ses œuvres, et Dutilleul (également client de Braque) commence sa collection. En mars 1909, le Mercure de France publie un article de Charles Morice dans lequel le terme « cubisme » apparaît pour la première fois. En mai, Picasso et Fernande se rendent à Barcelone pour rendre visite à la famille et à de vieux amis ; il peint un Portrait de Manuel Pallarés (The Detroit Institute of Arts) dans le studio de son ami. Ils s »installent ensuite à Horta de San Juan, onze ans après leur première visite, où il peint et dessine des natures mortes et de nombreux portraits de Fernande, dont Femme nue dans un fauteuil (collection privée, France) et Buste de femme (Fernande) (Hiroshima Museum of Art). La série de portraits de Fernande commencée à Paris culmine avec Femme aux poires (Fernande) (MoMA, New York). Il réalise également six grands paysages, dont Le réservoir (Horta de Ebro) (MoMA, New York), L »usine de Horta (Musée de l »Ermitage, Saint-Pétersbourg) et Maisons sur la colline (Horta de Ebro) (Nouvelle Galerie nationale, Berlin), qui marquent les débuts du cubisme analytique, redevable aux concepts de relief, de « perspective inversée » et de modelé de Cézanne.

Dans les œuvres qu »il a peintes à Horta, les arbres et les formes naturelles ont été oblitérés, et la roche superficiellement amorphe a été analysée et brisée en plans, puis reconstruite en superposant les plans ; dans certains cas, la géométrisation s »étendait au ciel, et l »ensemble offrait une composition rigoureuse avec une profondeur qui n »avait rien à envier à la perspective traditionnelle. L »utilisation de la lumière était entièrement arbitraire, strictement pour accentuer les contours et accentuer les reliefs. Néanmoins, le cubisme analytique reste une révision plutôt qu »un rejet de la tradition ; le tableau reste une fenêtre illusoire sur un monde représenté et reconstruit. Le cubisme synthétique a constitué une négation de la tradition européenne ; le collage a brisé l »inviolabilité de la surface du tableau et la représentation de la réalité a cessé d »être le but du tableau pour devenir son point de départ.

En septembre, il s »installe à Paris, au 11 boulevard de Clichy. Il revint chargé d »œuvres du nouveau style et, malgré le rejet par le public et les critiques de l »exposition que Vollard organisa pour elles, le groupe restreint de collectionneurs dirigé par Gertrude Stein et Sergei Shchukin continua à les acheter. Enfermé dans son nouvel atelier, il continue à développer le cubisme, qu »il partage à cette époque non seulement avec Braque, mais aussi avec un groupe d »artistes montmartrois fortement influencés par le nouveau style, dont Derain, l »Espagnol Juan Gris et Léger. Le cubisme se répand dans toute l »Europe, avec le constructiviste et le suprématiste Malevitch en Russie et Mondrian aux Pays-Bas, bien que tous deux présentent de sérieuses différences avec le style de Picasso : Selon Penrose, leur recherche d »une géométrie pure des formes les a éloignés du sujet pictural pour les conduire vers l »abstraction, ce qui ne faisait pas partie des instincts de Picasso, pour qui supprimer les symboles et les allusions poétiques de la peinture était une forme d »émasculation ; elle a également inspiré les futuristes menés par Marinetti en Italie et les vorticistes en Angleterre, qui ont fondé leur théorie esthétique sur la forme et le mouvement et le rythme mécaniques, tentant d »introduire le temps dans la représentation picturale. Mais Picasso ne cherchait pas à développer des théories ou des écoles ; son besoin était de rompre avec le passé et de donner à l »œuvre d »art sa propre vie intérieure.

Dans l »atelier de Manuel Hugué, il réalise des sculptures telles que Tête de femme (Fernande) (Musée Picasso de Barcelone), inspirées des toiles qu »il a peintes à Horta. Fernande ne se sent pas à l »aise avec les changements qui s »opèrent dans leur environnement et leur mode de vie, elle se languit de la spontanéité de leurs premiers jours ensemble.

Dès 1909, Picasso peint une série de portraits où la rigueur de sa discipline dans sa recherche d »une nouvelle conception de l »espace le conduit à réduire progressivement l »utilisation de la couleur ; dans les paysages de Horta et dans Femme cousant (Collection Claire B. Zeisler, Chicago), peints durant l »hiver 1909-1910, la palette se limite aux ocres, aux gris et aux verts, jusqu »à ce qu »il élimine cette couleur et entre dans un monochrome parfois rompu par de subtils dégradés de gris et d »ocres. En 1910, il peint, entre autres, des portraits d »Ambroise Vollard (Musée Pouchkine, Moscou), de Wilhelm Uhde (Collection Pulitzer, St. Louis) et de Daniel-Henry Kaufmann (St. Louis). Malgré sa tendance progressive à peindre avec l »œil de la pensée plutôt que directement d »après nature, il a travaillé en de nombreuses séances avec les modèles, comme Gertrude Stein avant lui ; malgré le processus progressif de segmentation analytique de l »espace et de la forme, Picasso a saisi la physionomie des modèles.

Picasso et Fernande passent l »été 1910 à Cadaqués (ils louent une maison au bord de la mer, et sont rejoints par Derain et sa femme. Après les vacances, Picasso revient chargé d »œuvres inachevées dans lesquelles une avancée vers le nouveau langage du cubisme est évidente ; dans le Portrait de Daniel-Henry Kahnweiler, qu »il peint après les vacances, la figure est traitée comme une structure tridimensionnelle qui se manifeste par des éléments disloqués dans l »espace dans une trame transparente, vus sous plusieurs angles et formant pourtant un ensemble cohérent, comme c »est également le cas dans des tableaux tels que Femme nue debout (Philadelphia Museum of Art).

Au cours de l »hiver 1910-1911, Picasso et Braque ont collaboré si étroitement qu »il est difficile de retracer l »origine des idées qu »ils ont toutes deux lancées, et comme ils ne signaient pas leurs peintures, il leur était parfois difficile de distinguer leur propre travail de celui de l »autre ; à mesure qu »ils progressaient dans leur analyse de l »objet, Picasso et Braque avaient l »impression de perdre toute référence à sa réalité reconnaissable. L »inclusion d »éléments de la réalité dans leurs compositions cubistes les a ensuite conduits au trompe-l »œil et, de là, à l »invention du collage, rompant ainsi avec la tradition de n »utiliser qu »un seul médium pour une œuvre et remettant en question les principes de la peinture elle-même.

Picasso s »est rendu à Céret, un village français de la région historique du Roussillon, en juillet 1911. Fernande Olivier et Braque le rejoignent en août, et les deux peintres poursuivent leur étroite collaboration dans la définition du cubisme. Ils réalisent plusieurs tableaux dans lesquels ils introduisent dans leurs œuvres l »en-tête du journal local, avec une typographie gothique reconnaissable, comme L »Indépendant (collection privée, Ascona, Suisse). Le 5 septembre, Picasso rentre à Paris et présente au Salon d »Automne de 1911 une pièce cubiste, dont Braque et lui sont absents. Ce fait a choqué la presse de New York, Madrid et Amsterdam, qui couvrait l »événement, car ils étaient connus pour être les fondateurs du style ; plusieurs articles et essais sur Picasso et Braque ont été publiés dans toute l »Europe. La relation avec Fernande s »étant détériorée, Picasso rencontre à l »automne de cette année-là Eva Gouel (Marcelle Humbert), jusqu »alors partenaire sentimentale du peintre polonais Louis Markus, qu »il appelle ma jolie dans plusieurs de ses tableaux.

Au début de l »année 1912, Picasso a réalisé la première sculpture construite, Guitare (MoMA, New York), faite de carton, de ficelle et de fil de fer. Picasso a largement initié un processus qui a conduit à la libération de la sculpture des concepts classiques tels que le volume et au remplacement des processus de modelage ou de sculpture par toutes sortes de techniques constructives qui ont constitué une transformation révolutionnaire de la sculpture. En parallèle avec la technique du collage cubiste, dont le premier exemple est Nature morte à la chaise tressée (Musée Picasso, Paris), créé au printemps 1912, les formes sont réduites à des plans qui peuvent être librement articulés. Les concepts d »assemblage et de construction ont permis d »introduire de nouvelles techniques et de nouveaux matériaux ; la décomposition du volume a apporté de nouvelles perspectives, l »appréciation du vide et de la lumière comme éléments sculpturaux d »importance égale à la masse.

Entre 1912 et 1915, Picasso et Braque développent la deuxième phase du cubisme, dans laquelle ils restituent à leurs œuvres un équivalent des concepts traditionnels qu »ils avaient brisés ou éliminés dans la phase précédente ; les formes, les objets et les mots deviennent reconnaissables tandis que la surface est reconstituée ; ils retrouvent l »usage d »un chromatisme plus solide et brillant, les plans sont clairement soulignés et délimités, se chevauchent et semblent impliquer des surfaces texturées et des motifs décoratifs.

Entre avril et mai 1912, une exposition cubiste a été organisée à la Galeria Dalmau de Barcelone, sans œuvres de Picasso ou de Braque. La relation avec Fernande prend fin ; Picasso écrit à Braque : « Fernande m »a quitté pour un futuriste ». Le 18 mai, il arrive à Céret avec Eva, où il réalise quelques dessins sur lesquels il applique du papier peint du XIXe siècle et des bouts de journal. Lorsqu »en juin Picasso apprend que Fernande a l »intention de partir à Céret pour l »été avec Pitxot et sa femme, il écrit à Kahnweiler pour lui dire de ne rien attendre de lui, qu »il serait heureux de ne jamais la revoir, tout en réaffirmant son amour pour Eva, indiquant qu »il va l »écrire dans ses tableaux. Il est probable qu »entre juin et septembre, il ait travaillé au Nu féminin (« J »aime Eva ») (une œuvre plus légère, plus colorée, avec des touches de couleurs acidulées, où la construction de la figure féminine découle de la technique du collage qu »il utilise dans ses dessins). Échappant à la visite de Fernande, il s »installe le 25 juin à la Villa des Clochettes, à Sorgues-sur-L »ouvèze. Braque est impressionné par les tableaux de Céret, et Picasso lui demande son avis sur Violon (« Jolie Eva ») (Nouvelle galerie d »État de Stuttgart), dans lequel il peint des surfaces imitant des ajouts de bois et de papiers écrits, ou sur L »amateur (Le torero) (Musée des beaux-arts de Bâle). Braque s »installe à Sorgues en août, où ils reprennent leur travail et continuent à définir leurs concepts artistiques.

En septembre 1912, il se rend à Paris pour quelques semaines afin d »organiser son déménagement dans un nouvel atelier au 242 boulevard Raspail, mais il revient à Sorgues, où il travaille sur L »Amateur (Le Torero) et Le Poète (Musée d »art de Bâle). Le durcissement et l »aplatissement des formes caractérisent le cubisme hermétique, qui marque le début de la transition vers le cubisme synthétique. Vers la fin du mois de septembre, il retourne à Paris avec Eva pour récupérer ses affaires et s »installer dans le nouveau studio, où ils emménagent le 1er octobre. À la mi-novembre, il commence la première série de papiers collés, en réponse au travail de Braque sur ce support, en appliquant les techniques d »assemblage et d »incorporation de matériaux de Guitare, partition, verre (McNay Art Museum, San Antonio, Texas) : sur un fond de papier peint, Picasso colle des fragments de papier parmi lesquels se trouve un titre du Journal sur lequel il a conservé les mots La bataille s »est engagée.

À la mi-décembre, il retourne à Céret, d »où il se rend à Barcelone avec Eva pendant les vacances de Noël. De retour à Paris le 21 janvier 1913, il commence à travailler sur le Violon accroché au mur (Musée des Beaux-Arts, Berne), dans lequel il met en œuvre l »ajout de sable à la peinture et, dans une double imitation, simule l »effet de collage au moyen de plans rappelant les papiers découpés (qui imitent à leur tour une texture de bois) que Braque et Picasso utilisaient dans leurs collages, En même temps, il réalise une deuxième série de papiers collés dans lesquels il utilise des journaux contemporains de Paris (dans plusieurs d »entre eux, il utilise Le Figaro) ou de Céret, dans lesquels on peut observer une augmentation de l »abstraction et une plus grande couleur.

Fin février, la première rétrospective Picasso a lieu en Allemagne, à la Moderne Galerie Heinrich Thannhauser de Munich ; huit œuvres de Picasso et trois de Braque sont également incluses dans l »Exposition internationale d »art moderne (l »Armory Show) à New York, dans l »Armory du 69e Régiment, qui a ensuite voyagé à Chicago et à Boston, l »un des événements les plus influents de l »histoire de l »art américain, qui comprend également le célèbre Nu descendant un escalier de Marcel Duchamp.

Picasso et Eva retournent à Céret en mars 1913, mais il se rendra à Barcelone à plusieurs reprises. Son père est décédé au début du mois de mai et Picasso a assisté à ses funérailles. La santé d »Eva n »était pas bonne non plus, et son état s »est aggravé à la fin du printemps. En juin, Picasso retourne à Paris et tombe en même temps malade d »une angine ou d »une bronchite (dont il se remet à la fin du mois de juillet), tout comme Eva, qui ne se rétablit apparemment jamais complètement. En août, ils retournent à Céret, où il achève l »œuvre Man with a Guitar (MoMA, New York), qui montre le cubisme synthétique développé : des motifs fragmentés du cubisme analytique synthétisés en grandes formes plates qui sont des « signes » d »objets. Après un court séjour, ils rentrent à Paris le 19 août, où ils commencent à s »installer dans un nouvel atelier au 5bis rue Schoelcher, sur le boulevard Raspail, avec vue sur le cimetière Montparnasse. Cela a marqué le début de la période connue sous le nom de cubisme poétique.

À l »époque du Salon d »Automne, Picasso peint deux œuvres majeures d »une importance particulière, le Joueur de cartes (MoMA, New York), qui contient de nombreux éléments de collage en trompe-l »œil, et Femme en chemise assise dans un fauteuil (collection privée, New York), qui combine la couleur du cubisme analytique et les motifs schématiques du cubisme synthétique. Il continue également à développer ses assemblages ; vers la fin de l »année, le Russe Vladimir Tatlin, qui connaissait son travail grâce à la collection Chtchoukine à Moscou, se rend à Paris pour voir Picasso et son atelier, où il voit les constructions de ce dernier. À son retour à Moscou, Tatlin réalise ses premières constructions.

En 1914, Picasso réalise une troisième série de papiers collés et le 14 janvier, Kahnweiler publie Le siège de Jérusalem de Max Jacob, illustré par Picasso. Il travaille également à ses constructions, dont Le verre d »absinthe (MoMA, New York), dont son marchand Kahnweiler a commandé six exemplaires en bronze, peints de différentes manières, certains très colorés, d »autres avec une texture sableuse.

Fin juin, Picasso et Eva s »installent à Avignon, près de Derain, qui est à Montfavet, et de Braque à Sorgues. L »attentat de Sarajevo au cours duquel l »archiduc François-Ferdinand d »Autriche et son épouse ont été assassinés a déclenché le début de la Première Guerre mondiale. Apollinaire demande la nationalité française pour s »engager comme volontaire ; Braque et Derain sont mobilisés ; Picasso leur fait ses adieux à la gare d »Avignon le 2 août 1914. À l »automne, toujours à Avignon, Cartes, verres, bouteille de rhum (Vive la France) (collection Leigh B. Bloch, Chicago) ouvre la période du cubisme pointilliste. Il travaille sur des séries de dessins d »hommes appuyés sur une balustrade, une table ou une chaise, dans des styles allant du naturalisme au cubisme ; la toile inachevée L »artiste et son modèle (Musée Picasso, Paris), vraisemblablement Eva, montre une tendance au retour à la figuration figurative qui refera surface plus tard.

De retour à Paris à la mi-novembre, son attitude quelque peu ambivalente vis-à-vis de la guerre et ses relations avec ses mécènes allemands Kahnweiler et Thannhauser, ainsi que le fait que la plupart des jeunes hommes soient au front, font que Picasso est considéré avec suspicion. En hiver, il réalise la peinture à l »huile Nature morte : guitare, journal, verre et trèfle (Musée Picasso, Paris), qui introduit la période connue sous le nom de cubisme froid, dans laquelle la composition est travaillée dans des couleurs froides, avec une prédominance du bleu.

En janvier 1915, il réalise le dessin au crayon Portrait de Max Jacob (Musée Picasso, Paris), dans un style naturaliste. La santé d »Eva continue de décliner et elle subit une opération ; en mai, alors qu »elle est dans un sanatorium, Picasso a une liaison avec Gabrielle Depeyre, avec laquelle il fait un voyage secret à Saint-Tropez la même année. En août, il réalise un autre dessin, Portrait d »Ambroise Vollard (Metropolitan Museum of Art, New York), à la technique classique et à la ressemblance presque photographique. Des dessins de ce type étaient encore contemporains des peintures cubistes, comme Arlequin (MoMA, New York), une composition austère de grandes zones géométriques monochromes sur fond noir, faisant partie d »une longue série sur ce thème, qui peut être comprise comme une allégorie de la perte, notamment de la maladie mortelle d »Eva, transférée à l »hôpital d »Auteil en novembre. Picasso a vécu des moments très difficiles, « ma vie est un enfer », écrit-il à Gertude Stein. Eva est décédée le 14 décembre 1915.

Pendant la guerre, son travail se concentre sur les natures mortes cubistes et les portraits dans un style naturaliste ; le cubisme, le pointillisme, le maniérisme et le néoclassicisme coexistent dans son œuvre à partir de 1917. À la fin de la guerre, bien qu »il continue à travailler simultanément dans ces styles disparates, Picasso s »oriente progressivement vers un style néoclassique, qui devient pleinement développé en 1920 et soutient son intérêt jusqu »en 1924.

Les Ballets Russes

En 1916, il a eu des relations avec deux femmes : Gabrielle Lespinasse, une foraine de Montparnasse avec laquelle il a eu une liaison sans conséquences, et Elvira Paladini, sensuelle et sybarite, dont la présence a stimulé une certaine prémonition de l »Italie dans l »œuvre de Picasso. En mars, Apollinaire revient blessé du front et Picasso réalise plusieurs dessins le représentant au cours des trois mois suivants, comme le Portrait d »Apollinaire (collection privée), également dans un style réaliste. En juin, il commence à déménager au 22 rue Victor-Hugo dans le quartier de Montrouge. Il peint plusieurs portraits d »Elvira Paladini et d »Apollinaire, dans un style réaliste, et plusieurs dessins d »arlequins rappelant la période rose. La première exposition publique des Demoiselles d »Avignon a lieu en juillet au Salon d »Automne, organisé par André Salmon. Comme ce fut le cas pour le cubisme, les critiques ont été plutôt sévères à l »égard d »une œuvre qu »ils ne pouvaient pas comprendre.

Après quelques visites précédentes, Jean Cocteau, qu »il avait rencontré en décembre de l »année précédente, l »invite le 1er mai à concevoir le décor de la compagnie des Ballets russes, dirigée par Sergéi Diágilev, sur un livret de Cocteau lui-même et une musique d »Erik Satie ; au cours de la visite, il doit réaliser un portrait réaliste de l »écrivain. A la fin du mois de mai, Cocteau emmène Diágilev le voir dans son studio, où ils discutent des plans du ballet Parade. En août 1916, il accepte enfin de travailler sur le ballet Parade. Picasso a apporté plusieurs modifications à l »œuvre, des idées que Satie a préférées à celles de Cocteau. Finalement, en septembre, ils se sont mis d »accord, et en janvier 1917, il a confirmé avec Diágilev l »accord pour réaliser les décors et les costumes du ballet pour la somme de 5000 francs, avec 1000 francs supplémentaires s »il devait se rendre à Rome. Entre février et mars, il travaille sur le rideau du ballet Parade (Musée national d »art moderne, Centre Georges Pompidou, Paris).

Le 19 février, il arrive avec Cocteau à Rome pour rejoindre Diagilev et les Ballets Russes. Il reste huit semaines au Grand Hôtel de Russie, à l »angle de la Via del Babuino et de la Piazza del Popolo, où il réalise de nombreux dessins de la Villa Médicis depuis sa fenêtre. Il a réalisé de nombreuses esquisses pour les costumes et les décorations du ballet dans un studio loué au 53b Via Margutta. Lorsqu »il ne travaille pas, il fréquente Diagilev, le chorégraphe de la pièce Léonide Massine, le scénographe Léon Bakst, Cocteau et Igor Stravinsky, dont il fait de rapides portraits et caricatures. Il a également rencontré les artistes futuristes italiens et a visité avec eux les sites célèbres de la ville, la chapelle Sixtine, les chambres de Raphaël et les musées de sculpture du Vatican. Son séjour à Rome renouvelle son intérêt pour le style académique d »Ingres, dont l »influence se reflétera dans son œuvre au cours des années suivantes. Durant cette période, il rencontre la danseuse Olga Jojlova, membre de la compagnie de Diagilev, qu »il finira par épouser.

En mars 1917, Diagilev emmène Picasso, Stravinsky, Cocteau et Massine en voyage à Naples, d »où ils visitent les ruines d »Herculanum et de Pompéi. C »est à cette époque qu »est apparue à Paris la revue littéraire d »avant-garde Nord-Sud, qui, durant sa courte existence, a constitué un puissant forum de discussion sur le cubisme et a tenté de réunir les centres parisiens de la littérature traditionnelle et d »avant-garde, Montmartre et Montparnasse. Parmi ses collaborateurs figurent de nombreux écrivains qui façonneront le surréalisme : Apollinaire (qui a inventé le terme à cette époque), André Breton, Louis Aragon et Tristan Tzara, entre autres. En avril, Cocteau retourne à Paris et Picasso rejoint la compagnie des Ballets Russes lors de leur voyage en Italie pour être près d »Olga, en passant par Florence (où il visite la chapelle Médicis, avec les tombeaux de Michel-Ange) et Venise.

Après la tournée en Italie, la compagnie se rend à Paris à la fin du mois d »avril, où la première représentation de Parade a lieu le 18 mai 1917 au Théâtre du Châtelet. La combinaison de styles avant-gardistes dans l »art, la musique et la chorégraphie, à une époque marquée par la guerre en Europe, a fait de l »œuvre le scandale que Diágilev avait espéré, étant qualifiée d » »offensante et anti-française ». Apollinaire notait dans son essai pour le programme du ballet que la synthèse des dessins de Picasso et de la chorégraphie de Massine réalisait pour la première fois une sorte de « surréalisme où je vois le point de départ d »une série de manifestations de cet Esprit Nouveau ». Entre mai et juin, il réalise un Autoportrait réaliste (Musée Picasso, Paris) et Les yeux de l »artiste (Musée Picasso, Malaga).

Amoureux d »Olga, Picasso accompagne les Ballets russes à Madrid, où ils se produisent pendant le mois de juin ; influencé par Olga et son contact avec la compagnie, Picasso fréquente la haute société madrilène. Le 23 juin, ils arrivent à Barcelone, où les Ballets Russes présentent Las Meninas au Teatro del Liceo. À la fin du mois, la compagnie part pour l »Amérique du Sud, tandis qu »Olga et Picasso, déjà fiancés, restent quatre mois à Barcelone, où ses amis artistes catalans Miguel Utrillo, Ángel Fernández de Soto, Ramón Reventós, Pallarés, Ricardo Canals, les frères Vidal et Francisco Iturrino lui offrent un banquet de bienvenue aux Galerías Layetanes en juillet. Il a peint l »Arlequin naturaliste de Barcelone (Musée Picasso, Barcelone) et Olga Jojlova avec Mantilla (Musée Picasso, Malaga) ; Femme en robe espagnole (La Salchichona) (Musée Picasso, Barcelone), dans une technique divisionniste ; dans un style cubiste, Femme assise dans un fauteuil (Personnage) (Musée Picasso, Barcelone) et Coupe de fruits (Musée Picasso, Barcelone). Il a également réalisé de nombreux dessins de corridas et des portraits et dessins d »Olga.

En novembre, les Ballets Russes retournent en Espagne ; ils présentent Parade à Barcelone, qui reçoit un accueil mitigé ; au cours de la représentation, la sœur de Picasso, Lola, et son mari le présentent à Joan Miró, alors étudiant en art. Fin novembre, Olga et Picasso se préparent à rentrer à Paris.

1918 marque le début de ce que Max Jacob a identifié comme la période des Duchesses, qui s »est terminée vers 1923. Du 23 janvier au 15 février 1918, Picasso expose une série de tableaux proto-cubistes avec Matisse à la galerie Paul Guillaume. Dans un climat encore hostile au cubisme, l »exposition suscite de nombreux commentaires dans la presse ; il est possible que Les Demoiselles d »Avignon en fassent partie. Il achève un Portrait d »Olga dans un fauteuil (Olga insistait pour que ses portraits soient reconnaissables.

Entre avril et mai, il s »installe avec Olga à l »hôtel Lutetia, un hôtel de première classe à la mode sur le boulevard Raspail ; son style de vie change, il fréquente le cercle des Ballets russes et évolue dans la haute société. Le 12 juillet, il épouse Olga, d »abord lors de la cérémonie légale requise, puis lors d »une messe de trois heures à l »église orthodoxe russe de la rue Daru à Paris. Leurs familles n »étant pas présentes, Picasso demande à Jean Cocteau, Max Jacob et Apollinaire de servir de témoins. Après le mariage, Olga refuse de se rendre à Montrouge, affirmant qu »elle ne retournera jamais dans cette maison « qui sentait trop les femmes ». Le 30 juillet, ils arrivent à Biarritz pour leur lune de miel ; ils séjournent à la Villa La Mimoseraie, propriété de leur amie chilienne Eugenia Errázuriz. Il y développe des thèmes marins, comme Les Baigneuses (Musée Picasso, Paris), dans un style maniériste qui rappelle ses figures allongées inspirées du style du Greco. Son hôtesse le présente aux marchands d »art Georges Wildenstein et Paul Rosenberg ; Rosenberg, au nom de Wildenstein, passe un contrat avec Picasso. Il a réalisé quelques portraits dans le style néoclassique d »Ingres de ses femmes et des visiteurs de la société aisée.

Fin septembre, il retourne avec Olga à Montrouge. Paul Rosenberg devient le marchand officiel de Picasso, qui n »accepte qu »un accord verbal avec Picasso, donnant au marchand le premier choix des œuvres de l »artiste ; Daniel-Henry Kahnweiler avait été son marchand de 1907 jusqu »à ce que la guerre franco-allemande éclate et qu »il soit contraint de partir pour la Suisse. Le 8 octobre, Picasso loue un grand appartement dans la rue de La Boëtie. Il est probable qu »à cette époque, il ait rencontré Louis Aragon, et à travers lui et Apollinaire, André Breton. Peu après, le 9 novembre 1918, deux jours avant la signature de l »armistice de Rethondes mettant fin à la Première Guerre mondiale, Apollinaire meurt de la grippe espagnole dans son appartement du boulevard Saint-Germain. Dès lors, Picasso se rendit chaque année à cette date sur la tombe de son ami au cimetière du Père-Lachaise.

En 1919, il continue à travailler simultanément sur des œuvres cubistes et réalistes. Il a produit quelques œuvres réalistes, dans lesquelles on peut voir une certaine monumentalité et un poids sculptural dans les figures, comme la Nature morte à la cruche et aux pommes (Musée Picasso, Paris) dans le style robuste et classique du dernier Ingres, un caractère sculptural et une apparence massive dans les figures qui deviendront apparents dans ses œuvres néoclassiques de 1920.

L »arrivée des Ballets Russes à Londres après la guerre coïncide avec une période où l »intérêt pour l »art, en particulier l »art d »avant-garde, est en vogue, et le ballet permet de combiner le prestige des grands danseurs et le scandale des jeunes artistes révolutionnaires, ce qui plaît aux snobs et attire les intellectuels. Le ballet permet de combiner le prestige des grands danseurs et le scandale des jeunes artistes révolutionnaires, ce qui plaît aux snobs et attire les intellectuels. En mai, Picasso arrive à Londres, où Diagilev prépare un nouveau ballet sur une musique de Manuel de Falla, El sombrero de tres picos, basé sur le roman du même nom de Pedro Antonio de Alarcón. Picasso est enthousiasmé par l »histoire, qui se déroule dans le sud de l »Italie au XVIIIe siècle, et par l »opportunité de travailler à nouveau avec Massine et pour la première fois avec Falla. Au cours de ses trois mois à Londres, il a réalisé de nombreux croquis, dessins et aquarelles pour les décors, les costumes et le rideau, qu »il a peints personnellement, assisté de Vladimir Polunin et de sa femme Elizabeth. Lorsqu »ils n »étaient pas occupés par les répétitions et les tests du ballet, ils interagissaient avec la société anglaise, où Picasso rencontrait de nombreux artistes et écrivains.

La première de El sombrero de tres picos au théâtre de l »Alhambra, le 22 juillet 1919, est un énorme succès qui entraîne bientôt l »ouverture d »écoles de danse espagnole à Londres. Massine avait appris les rythmes du flamenco et les a appliqués à la chorégraphie des danseurs, dont les costumes étaient adaptés à l »action. Picasso avait instinctivement utilisé les courbes et les zig-zags, motifs caractéristiques des charrettes de paysans espagnols, rythmes probablement issus des arabesques calligraphiques arabes. Le contraste du vert, du rose, du rouge et du noir évoquait également l »Espagne. Le critique Jean Bernier a écrit : « tous les costumes sont, sans exception, pleins de chaleur et de force, tempérés par un goût de la dignité très andalou ».

Le succès du ballet s »accompagne d »une vie sociale ; Picasso et Olga, pour le plus grand plaisir d »Olga, sont invités à une série de fêtes de la haute société. Picasso commandait des costumes aux meilleurs tailleurs et apparaissait impeccablement habillé lors des réceptions à la mode. En août, Olga et Picasso retournèrent à Paris, puis se rendirent à Saint-Raphaël sur la Côte d »Azur ; il est probable que pendant le voyage en train, Picasso observa la scène des moissons qu »il a représentée dans La sieste. Le thème des fenêtres de Saint-Raphaël, qu »il a travaillé cet été-là dans de nombreuses aquarelles et dessins, persiste dans l »œuvre de Picasso à son retour à Paris à l »automne jusqu »au début des années 1920.

Installé dans son appartement de la rue de la Boëtie, Picasso s »éloigne progressivement du style de vie bohème qu »il avait connu avant la guerre ; sa vie personnelle est plus calme, même si on peut le voir habillé élégamment lors de cocktails ou d »un dîner avec Olga, habillée en Chanel. Son association avec les Ballets Russes et les marchands d »art Léonce et Paul Rosenberg lui a apporté une attention critique et une visibilité plus favorables.

En décembre 1919, Diagilev, de retour à Paris après la saison londonienne, l »invite à collaborer à un nouveau ballet inspiré de la Commedia dell »Arte, Pulcinella, sur une musique de Stravinsky. Diagilev rejette les premières esquisses, jugées trop modernes et ornées, et Picasso les simplifie par la suite. Diagilev rejette les premières esquisses qu »il juge trop modernes et trop ornées ; Picasso les simplifiera par la suite. Au début des années 1920, il élabore un grand nombre d »esquisses et d »études pour Pulcinella.

Le 23 janvier 1920, Le Chapeau à trois coins est représenté au Théâtre national de l »Opéra à Paris, auquel il a invité son ami Max Jacob, qu »il voit moins souvent. Sur le chemin du théâtre, Jacob est renversé par une voiture et hospitalisé ; Picasso lui rend fréquemment visite à l »hôpital, mais ils commencent à se voir moins par la suite, Jacob cherchant une vie sociale moins tapageuse et moins publique.

L »idée de Massine pour le ballet est née des spectacles de rue qu »ils ont vus lors de leur voyage à Naples en 1917. Avec Diagilev, ils ont élaboré le livret sur la base d »anciens textes napolitains ; la musique de Stravinsky est un arrangement sur la musique de Giovanni Battista Pergolesi, un compositeur italien du XVIIIe siècle. Les premières esquisses de Picasso étaient dans un style pseudo-rococo que, après le rejet initial de Diagilev, il a simplifié en un style cubiste avec de grands aplats de bleu, de gris et de blanc, sur lesquels se détachent les costumes des personnages, basés sur le style des personnages traditionnels de la Commedia dell »Arte. La première de Pulcinella a eu lieu au Théâtre National de l »Opéra à Paris le 15 mai 1920.

Ce style des décors de Pulcinella s »étend à la peinture de Picasso, comme on peut le voir dans Pulcinella avec une guitare devant un rideau (Massine saluant) ; les couleurs sont vives mais pas stridentes, et la surface peinte devient complètement plate. Pendant l »été à Juan-les-Pins, il continue à développer ce style et ce sujet dans une série de gouaches colorées, géométriques et plates sur la Commedia dell »Arte, comme Pierrot et Arlequin (National Gallery of Art, Washington). En septembre, toujours à Juan-les-Pins, il réalise une série de dessins et d »aquarelles sur un thème de l »Antiquité méditerranéenne, un épisode de la tentative d »enlèvement de Déjanire, épouse d »Hercule, par le centaure Nessus, inspiré des fresques pompéiennes vues lors de son voyage à Naples en 1917.

Le 4 février 1921, son premier fils, Pablo, est né. Au printemps, il commence les études pour Cuadro flamenco, un autre ballet de Diagilev, qui engage cette fois un groupe de huit danseurs et chanteurs andalous pour lesquels Falla arrange de la musique populaire. Elle avait été initialement commandée à Juan Gris, également espagnol, mais Picasso, au motif que Gris était malade et n »aurait pas le temps de développer le projet en si peu de temps, l »a devancé en présentant l »idée qu »il avait abandonnée dans Pulcinella d »un rideau avec des ornements rococo et des prosceniums avec des couples regardant le spectacle, comme on peut le voir dans Proyecto de decorado para Cuadro flamenco (Museo Picasso, Paris). Les relations avec Gris s »en trouvent refroidies, une situation qui perdure jusqu »à sa mort en 1927. Le 22 mai, l »œuvre est créée au Théâtre de la Gaîté-Lyrique. La couverture du programme était illustrée de quatre nus sur la plage dans un style néoclassique similaire à d »autres œuvres de la même période. À son retour à Paris, il poursuit ses travaux dans le style néoclassique monumental.

Pendant l »été, évitant la chaleur du sud de la France, il s »installe avec Olga et Pablo à Fontainebleau. L »été à Fontainebleau a été prolifique, avec une majorité d »œuvres dans le style sculptural néoclassique. Les principaux sujets sont la mère et l »enfant et les femmes à une fontaine ; on peut les voir dans Mère et enfant au bord de la mer (Art Institute of Chicago), et Trois femmes à la fontaine (Musée de l »Orangerie, Paris), avec des robes et des coiffures gréco-romaines. Il a également créé deux chefs-d »œuvre dans le style cubiste synthétique : Musiciens avec masques (MoMA, New York) et Musiciens avec masques (Trois musiciens) (Philadelphia Museum of Art) ; le sujet rappelle sa collaboration avec les Ballets Russes, notamment certaines études pour les arlequins et les pierrots de Pulcinella.

En 1922, Breton, conseiller de Jacques Doucet en matière d »art, commence à le convaincre de l »importance d »ajouter des œuvres majeures de Picasso à sa collection d »art moderne, ce qui aboutit en 1924 à l »acquisition des Demoiselles d »Avignon. En juin, lors d »une visite à Dinard (Bretagne), il peint Deux femmes courant sur la plage (La course) (Musée Picasso, Paris), une idéalisation des figures monumentales qu »il avait peintes en 1921 avec un nouvel élément, le traitement du mouvement, qui servira plus tard de modèle pour la toile de fond du Train Bleu de Diagilev en 1924. Il réalise également quelques croquis de son fils et de sa femme et de son fils ensemble, comme on peut le voir dans Famille au bord de la mer (Musée Picasso, Paris). Le 20 décembre 1922, l »adaptation modernisée de Jean Cocteau de l »Antigone de Sophocle est créée au Théâtre de l »Atelier à Montmartre (Paris). La pièce avait des décors de Picasso, des costumes de Coco Chanel et une musique d »Arthur Honegger.

En 1923, Picasso poursuit le thème de l »arlequin ; il peint plusieurs portraits de Jacint Salvadó déguisé en arlequin dans un style moins monumental et plus lyrique, ainsi que des portraits de son fils Pablo et de sa femme Olga, et le Portrait de Doña María (la mère de l »artiste) (collection privée). Il peint également des portraits de son fils Pablo et de sa femme Olga, ainsi que le Portrait de Doña Maria (la mère de l »artiste) (collection privée). Cet été-là, il retourne sur la Riviera et s »installe à Antibes avec Olga et Pablo. Il a réalisé la Flûte de Pan (Musée Picasso, Paris), ainsi que plusieurs dessins et croquis sur le même thème. À Antibes, il rend visite à de nombreux vacanciers mondains, tels que le peintre Gerald Murphy et sa femme Sarah (Beaumont lui demande de concevoir le décor et les costumes du Mercure, qui doit ouvrir ses portes à l »été 1924).

Le chorégraphe Léonide Massine avait quitté les Ballets russes pour produire un ballet pour le comte Étienne de Beaumont dans une série de spectacles privés connus sous le nom de « Soirées de Paris » au cours de l »été 1924, afin d »aider l »aristocratie russe. Avec une musique d »Erik Satie, des décors et des costumes de Picasso, Massine a produit Mercure, le ballet le plus étrange et le plus original depuis Parade. Les plans anguleux et les lignes droites de Parade ont été remplacés par des lignes courbes et ondulées, des silhouettes sinueuses dans la conception des décors et des costumes. La première de Mercure, le 18 juin au Théâtre de la Cigale, est mal accueillie par la critique et le public. Certains surréalistes ont critiqué la participation de Picasso à un projet bourgeois en faveur de l »aristocratie, mais Breton a pris la défense du travail artistique de Picasso, proclamant dans son essai Hommage à Picasso : « En ce qui me concerne, je considère la collaboration de Picasso au Mercure comme l »événement artistique le plus important de ces dernières années.

Deux jours plus tard, Le train bleu, dernière collaboration avec les Ballets russes de Sergei Diagilev, est présenté au Théâtre des Champs-Elysées, le rideau étant peint par le peintre de scène Alexander Shervashidze d »après la gouache de Picasso Deux femmes courant sur la plage (La course). Le rideau a été peint par le peintre de scène Alexander Shervashidze, d »après la gouache de Picasso Deux femmes courant sur la plage (La course). Picasso lui-même a signé le rideau « Dédié à Diágilev Picasso 24 ».

Durant l »été 1924, il s »installe à la Villa La Vigie à Juan-les-Pins. Picasso a élaboré dans un carnet de croquis une série de dessins pré-surréalistes, des constellations de lignes et de points, qui ont été utilisés des années plus tard pour une édition illustrée préparée par Ambroise Vollard du Chef-d »œuvre Inconnu d »Honoré de Balzac ; pour célébrer l »anniversaire de son fils, Picasso a peint des portraits du garçon chaque année ; en 1924, il a peint Pablo de Arlequin (Musée Picasso, Paris).

La controverse autour des Soirées de Paris s »amplifie au cours de l »été et provoque un schisme parmi les ex-dadaïstes, opposant le groupe de Breton à un autre groupe autour d »Ivan Goll. En octobre, Breton publie le Manifeste du surréalisme, dans lequel il expose les conséquences artistiques de la théorie de la psychanalyse et de l »interprétation des rêves de Sigmund Freud. Le terme « surréalisme », inventé par Apollinaire en 1917, a été adopté par Breton comme nom de son groupe. Bien que Picasso n »ait jamais officiellement rejoint le mouvement surréaliste, son travail était très admiré par Breton, comme il l »était par Tristan Tzara et les dadaïstes. Les œuvres de Picasso sont reproduites dans huit des onze numéros de La Révolution Surréaliste, publiés entre 1924 et 1929.

Surréalisme

Depuis son mariage avec Olga et la naissance de leur premier fils, Pablo, Picasso jouit d »une vie familiale heureuse ; il mène une vie sociale très active, alternant avec l »aristocratie et l »intelligentsia parisiennes ; les critiques d »avant-garde font l »éloge de ses réalisations artistiques, bien qu »ils se concentrent sur les aspects formels, ignorant les éléments intuitifs et psychologiques de son travail. Accepté par la société et les critiques, Picasso était considéré comme faisant partie de la tradition française qui se tenait au-dessus des singeries de la nouvelle génération de dadaïstes anti-bourgeois, qui commençaient à être supplantés par le groupe qui allait être connu sous le nom de surréalistes.

En 1925, il peint Pablo de pierrot (Musée Picasso, Paris) pour le quatrième anniversaire de son fils, dans un style naturaliste similaire au portrait d »arlequin qu »il avait réalisé l »année précédente. Il a également peint La Danse (Tate Modern, Londres), un moment crucial dans le développement de Picasso, après une période où il a travaillé à la fois dans une forme décorative de cubisme synthétique et dans un style néoclassique figuratif. La danse est redevable aux deux styles, mais son importance réside dans le fait qu »elle marque une rupture avec une phase sereine et classique et le début d »une nouvelle période de violence émotionnelle et de distorsion expressionniste.

La danse marque le début de la période surréaliste de Picasso, entre 1925 et 1938. Antithèse de ses dessins classiques de danse, le caractère expressionniste du tableau symbolise l »irritation croissante de Picasso à l »égard d »Olga et des femmes en général ; blessé par la mort de son ami Ramon Pichot, il pensait que sa femme Germaine, qui avait été la cause de la mort de Casagemas, avait détruit son ami comme Olga le détruisait. Le deuil de Pichot est aggravé par celui du musicien Erik Satie en juillet. Pendant l »été, il peint Le Baiser (Musée Picasso, Paris) à Juan-les-Pins, d »un esprit encore plus agressif que La Danse. Le motif des têtes superposées, qui apparaît dans la figure de la femme et non dans la sculpture, trouvera une continuité dans son œuvre ultérieure. Les qualités irrationnelles de cette série d »œuvres, ainsi que celles des premières œuvres cubistes, sont ce que Breton trouve d »analogue à la théorie de l »automatisme pratiquée par les artistes surréalistes.

Dans l »essai « Le surréalisme et la peinture », publié en juillet 1925 dans le numéro 4 de La Révolution Surréaliste, Breton déclare que Picasso est un peintre modèle et le revendique comme surréaliste, tout en soulignant l »impossibilité d »appliquer une étiquette qui contraindrait son travail : « L »étiquette « cubiste » a beaucoup fait cette erreur. En novembre, l » »Exposition : La Peinture Surréaliste », à la Galerie Pierre à Paris, a présenté deux des premiers tableaux cubistes de Picasso, ainsi que des œuvres de Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Paul Klee, André Masson, Joan Miró, Man Ray et Pierre Roy ; Breton et Robert Desnos ont écrit la préface du catalogue. La critique de l »exposition par Maurice Raynal dans L »intransigeant disait : « Le « père du cubisme » est devenu le fils adoptif des surréalistes ! En novembre, Picasso accompagne sa mère, qui avait passé les vacances avec eux sur la côte, à Barcelone. Il y rencontre Dalí et assiste à sa première exposition personnelle à la galerie Dalmau.

En 1926, il travaille dans un style qui a été identifié comme le cubisme curviligne, combinant les surfaces sinueuses du cubisme décoratif, la superposition de têtes sur les figures et les déformations courbes explorées dans les dessins de constellations, appliquées à une grille cubiste. On peut le constater dans L »atelier de la couturière (Musée national d »art moderne, Centre Georges Pompidou, Paris) et Le peintre et son modèle (Musée Picasso, Paris), des œuvres monochromes peintes en gris, noir, blanc et ocre cannelle. Il a également exécuté plusieurs portraits présentant une certaine ressemblance avec Marie-Thérèse Walter, une jeune adolescente que certains auteurs pensent qu »il a rencontrée pour la première fois au début de 1925 à la gare Saint-Lazare à Paris. Il a également continué à travailler sur le motif des têtes superposées.

En avril, Dalí lui rend visite dans son atelier ; malgré leur admiration mutuelle, les deux artistes ne deviennent pas des amis proches. Le fait qu »il ait recommandé à Diagilev de travailler avec Miró et Max Ernst sur les décors et les costumes de son Roméo et Juliette a valu à ce dernier d »être menacé d »expulsion du groupe surréaliste, qui s »opposait à la collaboration avec « une production bourgeoise pour la haute société ».

En janvier 1927, il rencontre Marie-Thérèse Walter, une blonde de dix-sept ans, devant les Galeries Lafayette à Paris (bien que certains auteurs situent la date deux ans plus tôt). En six mois, ils sont devenus amants. Bien qu »ils aient gardé leur relation secrète jusqu »à la naissance de leur fille Maya en 1935, des références à Marie-Thérèse apparaissent dans son œuvre peu après sa rencontre avec elle. La tension conjugale avec Olga s »est accrue, sa vie est devenue très compliquée car il a essayé de garder leur relation secrète. Il passe un été malheureux à Cannes à se languir de Marie-Thérèse, tandis qu »Olga n »apprécie pas que Picasso ne soit jamais présent aux réunions sociales qu »il organise.

À la fin de l »été, il exécute un album de dessins, Carnet des Métamorphoses, dans lequel il dote les baigneuses biomorphiques de formes sculpturales éléphantesques, les attributs sexuels atteignant des proportions monumentales, comme on peut le voir dans Baigneur dans le cockpit (Figure féminine) (Musée Picasso, Paris). Bien qu »il s »agisse probablement d »études pour un monument à Apollinaire, Christian Zervos écrit en 1929 que Picasso les a proposées comme monuments pour la Croisette, l »élégante promenade qui sépare la plage des grands hôtels de Cannes. Fin 1927, de retour à Paris, il travaille avec l »imprimeur Louis Fort à une série de treize eaux-fortes, commandées par Vollard, sur le thème de « l »artiste et du modèle » pour le livre Le Chef-d »œuvre Inconnu, qu »il publiera en 1931.

En janvier 1928, il réalise un grand collage intitulé Le Minotaure (Musée national d »art moderne, Centre Georges Pompidou, Paris), composé de deux jambes émergeant d »une tête de taureau, première apparition dans son œuvre du thème mythologique du Minotaure, mi-homme, mi-taureau, qui culmine dans Guernica en 1937. Il a également continué à travailler sur le thème des baigneurs biomorphiques et du peintre et de son modèle.

En mars 1928, il reprend son amitié avec le sculpteur Julio González, dont il visite fréquemment l »atelier de la rue de Médéah pour continuer à apprendre les techniques de soudure. En juin, il réalise sa première sculpture tridimensionnelle depuis 1914, le bronze Métamorphose I (Baigneur) (Musée Picasso, Paris), d »après des dessins de Marie-Thérèse réalisés en 1927.

En été, il s »installe avec Olga et Pablo à Dinard, en Bretagne, en France ; il accueille secrètement Marie-Thérèse dans un camp de vacances pour enfants situé à proximité, et l »initie à ses pratiques sexuelles sadomasochistes préférées. Il continue à travailler sur le thème des baigneurs biomorphiques dans des peintures et des dessins, tels que Bather and Cabin (MoMA, New York), et une série d »études sur des constructions en métal soudé, sur le modèle des constellations de points reliés par un réseau de lignes, en vue d »un futur monument à Apollinaire. De retour à Paris, à l »automne, il travaille avec Gonzalez sur ce projet dans une série de maquettes faites de tiges de fer, que Kahnweiler décrit comme des « dessins dans l »espace ». Les modèles ont été rejetés par le comité en charge du monument, qui les a jugés trop radicaux et inappropriés.

Au printemps 1929, il réalise la sculpture en fer soudé et peint Femme au jardin (Musée Picasso, Paris) dans l »atelier de González. Il commence également les premières études pour La Crucifixion (Musée Picasso, Paris), qu »il achève en 1930. La tension de son mariage avec Olga se reflète dans des œuvres telles que Buste de femme et Autoportrait (collection privée), dans lesquelles une tête de femme sauvage aux mâchoires ouvertes s »impose à un profil classique de lui-même. Également dans Grand Nu dans un fauteuil rouge (Musée Picasso, Paris), où la figure féminine se contorsionne dans un cri, révélant des éléments troublants du subconscient de l »artiste. La nature surréaliste de cette peinture est également apparente dans de nombreuses autres œuvres.

En janvier 1930, il peint Baigneur assis au bord de la mer (MoMA, New York), une femme conçue comme une structure osseuse, une créature menaçante qui contraste avec l »atmosphère sereine de la plage, dont la tête ressemble à celle d »une mante, l »un des symboles préférés des surréalistes (la mante dévore son partenaire pendant le rapport sexuel). Plusieurs œuvres antérieures et postérieures de Picasso présentent le même type de tête, et certaines ont également ce qu »on appelle un vagina dentata, évoquant la « peur de la castration psychosexuelle » que les surréalistes symbolisaient à travers la mante religieuse.

Boisgeloup

Ses œuvres ont été présentées pour la première fois au Museum of Modern Art de New York (MoMA), fondé l »année précédente, dans le cadre de l »exposition « Painting in Paris ». En juin, il acquiert le château de Boisgeloup, à soixante-dix kilomètres au nord-ouest de Paris. Boisgeloup devient un refuge où il peut s »évader avec Marie-Thérèse ; il transforme les écuries en un atelier de sculpture où son désir de revenir au modelage de l »argile ou du plâtre et l »inspiration de sa jeune amante le stimulent à créer de grands bustes en plâtre, dont certains à caractère indubitablement sexuel. À l »automne 1930, il réalise une série de sculptures, pour la plupart sculptées dans le bois, puis coulées en bronze, de petite taille et très stylisées. À cette époque, Marie-Thérèse s »installe au 44 rue Boétie, en face de l »appartement où Picasso vit avec Olga. Au cours de ces premières années des années 1930, Picasso est partagé entre sa réticence à rompre sa relation avec Olga et son obsession pour Marie-Thérèse, qui est la principale source d »inspiration des figures féminines sensuelles et suggestives de son œuvre.

En septembre 1930, il commence la série de cent gravures qui formeront la Suite Vollard ; Picasso travaille sur cette série de 1930 à 1937, bien que l »essentiel du travail ait été réalisé entre 1933 (soixante et une gravures) et 1934 (vingt-quatre gravures). Hans Bollinger a distingué sept groupes thématiques dans la suite Vollard : ((et (vii) le Minotaure aveugle. « L »artiste et le modèle » est un thème général que l »on retrouve dans les gravures de la suite Vollard, notamment dans celles consacrées à l »atelier du sculpteur. Picasso pouvait ainsi se représenter « innocemment » avec Marie-Thérèse, souvent nue. C »est un thème que Picasso a utilisé tout au long des années 1930 ; il a disparu de son œuvre pendant la guerre civile espagnole et l »occupation allemande de la France, bien qu »il l »ait retrouvé dans ses dernières années.

En janvier 1931, il achève Figures au bord de la mer (Musée Picasso, Paris), une scène d »amour sur la plage où les corps, réduits à des formes arrondies et sculpturales, sont tellement mêlés dans l »étreinte qu »il est impossible de distinguer quelle partie du corps appartient à l »homme ou à la femme, la figure de droite, identifiable comme Marie-Thérèse par la forme de sa tête. Picasso souligne ainsi la double nature de la sexualité humaine par la contradiction entre l »apparente tendresse de l »étreinte et la présence rocailleuse des personnages et de leurs langues acérées et agressives. Les têtes des personnages rappellent Le baiser (deux têtes) (Musée Picasso, Paris) de la même date, où les deux têtes qui se dévorent mutuellement reflètent le conflit avec Olga. Parallèlement aux peintures de formes monolithiques, il a produit une série de natures mortes dans un style cubiste décoratif, aux couleurs vives et curvilignes ; on notera en particulier la Grande Nature morte au chandelier (Musée Picasso, Paris), où, dans l »une de ses natures mortes les plus lyriques et sexuellement symboliques, les formes organiques suggèrent le torse de Marie-Thérèse. Le tableau est resté dans la collection personnelle de Picasso jusqu »à sa mort, où il a été donné au Musée Picasso à Paris avec des centaines d »autres œuvres, en lieu et place des droits de succession.

En avril, la galerie londonienne Alex Reid & Lefevre a organisé une rétrospective de trente-sept tableaux, Thirty Years of Pablo Picasso. En mai, il prend enfin possession du château de Boisgeloup, où il continue à travailler le métal avec Gonzalez, incorporant des objets réels dans son œuvre sculpturale. Ses sculptures de 1930, assemblages d »éléments métalliques découpés et soudés, comme Femme au jardin (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), peuvent être comprises comme des « objets poétiques, parfois aux accents surréalistes ». Il revient également au modelage en terre ou en plâtre. Il a réalisé plusieurs bustes et reliefs représentant Marie-Thérèse, comme le Buste de femme (Marie-Thérèse) (Musée Picasso, Paris). Les formes arrondies et les reliefs ont une certaine qualité sexuelle et les traits du visage ressemblent parfois à des organes génitaux (le nez comme un phallus, la bouche comme un vagin), rappelant la sculpture néolithique et africaine. Pendant les vacances d »été à Juan-les-Pins, il réalise une série de dessins et de gravures lyriques et érotiques, qui servent de base aux eaux-fortes de la section intitulée « L »atelier du sculpteur » de la suite Vollard. Il a également réalisé plusieurs petites peintures à l »huile de la Villa Chêne-Roc, où il séjournait. En automne, il revient à son travail de sculpture.

La polarisation politique s »étend à toute l »Europe ; en Espagne, la Deuxième République est proclamée, dont la constitution, malgré les libertés acquises, ne parvient pas à trouver un accord dans des domaines clés avec la droite conservatrice, profondément ancrée dans les zones rurales, et avec l »Église catholique, qui se voit retirer les écoles et les subventions publiques ; dans le reste de l »Europe, on assiste à la montée des gouvernements totalitaires, en particulier le fascisme en Allemagne et en Italie et le stalinisme en Union soviétique. Tout cela dans le contexte d »une dépression économique mondiale.

Le 25 octobre 1931, Picasso a cinquante ans et publie les Métamorphoses d »Ovide pour Albert Skira à Lausanne, soit un total de quinze eaux-fortes pleine page et quinze eaux-fortes demi-page sur lesquelles il travaille depuis l »année précédente. Dans cette série de gravures, Picasso se réfère à la simplicité du dessin classique, représentant clairement les objets et les êtres, comme il l »a fait dans Lysistrata d »Aristophane, publié en 1934. Le 12 novembre, Ambroise Vollard publie Le chef-d »œuvre inconnu de Balzac, avec treize gravures de Picasso, dans lesquelles il met en avant le thème de l »artiste et du modèle. Dans le roman, Balzac pose le conflit de l »artiste entre l »achèvement de l »œuvre et l »atteinte de la perfection, qui se reflète dans la gravure de la série intitulée Peintre et modèle tricotant, dans laquelle le peintre transforme le motif prosaïque en une élégante calligraphie curviligne.

En décembre 1931, il peint Le sculpteur (Musée Picasso, Paris) sur le thème de l »artiste et du modèle, révélant la nature de la relation entre Picasso et Marie-Thérèse ; le sculpteur contemple le buste qu »il a créé, avec le profil classique caractéristique, tandis que le modèle est assis à l »arrière-plan, subordonné à l »artiste et à l »œuvre créée. Il entame également une série de portraits de Marie-Thérèse sur un canapé, où son jeune amant émerge des marges pour occuper une position centrale de « grandeur et de sécurité imperturbables ». Il a également peint Femme au Stiletto (Mort de Marat) qui, d »après la source historique, reflète le ressentiment croissant envers la jalousie et la possessivité d »Olga.

En mars 1932, il complète la série des femmes endormies avec Jeune femme devant le miroir (MoMA, New York), combinant les contours noirs et les formes organiques des grandes natures mortes de 1931 dans l »une des images les plus symboliques et « multi-évocatrices » de Marie-Thérèse créées par Picasso.

En juin, une rétrospective a été présentée aux Galeries Georges Petit à Paris, avec deux cent vingt-cinq peintures, sept sculptures et six livres illustrés sélectionnés par Picasso lui-même, allant de la période bleue à ses derniers portraits de 1932. La réaction des critiques n »a pas été positive, allant de la prudence à la négativité. Il semble que lors de cette exposition, Olga ait découvert l »existence de Marie-Thérèse, ce qui a provoqué des « scènes incandescentes » de jalousie de sa part, bien que la confrontation entre les deux femmes que Picasso redoutait n »ait pas eu lieu. L »exposition a été renouvelée en septembre au Kunsthaus Zürich.

Alors qu »Olga et Pablo passent l »été à Juan-les-Pins, Picasso passe l »été à Boisgeloup avec Marie-Thérèse, où il continue à travailler sur des nus endormis, des scènes de plage et quelques petites sculptures. Il a également réalisé plusieurs dessins de la série Crucifixion de Grünewald. De retour à Paris en automne, il poursuit les portraits de Marie-Thérèse sur un divan et les dessins de la Crucifixion de Grünewald. En octobre, Christian Zervos a commencé la publication d »un catalogue raisonné (entre 1932 et 1974, vingt-huit volumes sont parus, comprenant plus de 16 000 œuvres.

Bien que Picasso ait déjà abordé ce thème dans un collage de 1928, la période comprise entre 1933 et 1938 est la période du Minotaure de Picasso, au cours de laquelle cette figure mythique apparaît de manière répétée dans son œuvre, avec d »autres thèmes classiques. Picasso a trouvé dans la femme torero un moyen pictural de refléter ses conflits avec Marie-Thérèse et Olga, et dans le Minotaure, la bête consciente de sa bestialité, une personnification de son propre conflit face à cette situation, son clivage entre désir et responsabilité morale. Le premier numéro du Minotaure, avec une couverture de Picasso, est paru en mai 1933. Il passe les vacances d »été de 1933 à Cannes avec Olga et Pablo. En septembre, il peint La mort d »un torero à Boisgeloup.

De juin à septembre 1934, il réalise une série de peintures, dessins et gravures de tauromachie. En août, il se rend en Espagne avec Olga et Pablo, et assiste aux corridas de Burgos et de Madrid. Il a visité le musée d »art catalan à Barcelone. Il a réalisé les sculptures Femme au feuillage et Femme à l »orange. Au printemps 1935, la galerie d »exposition de Pierre expose les papiers collés. Il a gravé Minotauromaquia. Il se sépare d »Olga en juin et en octobre naît Maya Picasso, sa fille avec Marie-Thérèse Walter.

Il a réalisé les dessins à l »eau et d »autres sur le thème du Minotaure. La même année, au début de la guerre civile espagnole, il est nommé directeur du musée du Prado à Madrid. Au début du mois d »août, Picasso part pour Mougins et rencontre Dora Maar.

Guernica et le pacifisme

En janvier 1937, l »architecte catalan Josep Lluís Sert lui demande de collaborer à une grande fresque pour le pavillon de la deuxième République espagnole à l »Exposition internationale de Paris. Le gouvernement élu du pays risque d »être défait pendant la guerre civile espagnole par les rebelles militaires de Franco, soutenus par l »Allemagne nazie et l »Italie fasciste. La République espérait montrer au monde que c »était elle qui représentait le peuple espagnol et ses réalisations. Picasso, qui avait accepté en 1936 l »invitation du président de la république de l »époque, Manuel Azaña, à devenir directeur honoraire du musée du Prado à Madrid, était d »abord réticent, à la fois en raison de l »ampleur du projet et parce qu »il n »avait jamais accepté auparavant une commande de nature propagandiste. En février, Dora Maar trouve un très grand atelier au 7 rue des Grands-Augustins, où Picasso pourra mener à bien son projet.

La même année, il réalise Le rêve et le mensonge de Franco, deux gravures au format similaire à celui des bandes dessinées ou des alléluias espagnols, avec un total de dix-huit scènes, destinées à être reproduites sous forme d »estampes ou de cartes postales, dans lesquelles il dénonce le coup d »État fasciste et signale les crimes de la guerre, dépeignant Franco comme une figure maléfique et grotesque. Picasso a commencé à graver ces images le 8 janvier, ce qui signifie qu »il a pu les concevoir de sa propre initiative avant de recevoir la commande pour Guernica. Il a terminé les plaques en juin, et l »ensemble a été publié au profit de la République, accompagné d »un poème qu »il a écrit (Fandango de lechuzas).

Le 26 avril 1937, la légion allemande Condor bombarde Guernica à la demande de Franco. Picasso, qui jusqu »alors n »avait pas été très clair sur le sujet du tableau, s »est inspiré de cet événement pour élaborer la fresque du pavillon de la Seconde République et s »est lancé le 1er mai dans la création de l »une de ses œuvres les plus célèbres : Guernica (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), qui a finalement été exposée dans le pavillon espagnol de l »Exposition internationale. Dora Maar a photographié le processus et les différentes étapes du tableau, que Picasso a achevé début juin. Le tableau symbolise toute l »horreur de la guerre et la tragédie de la mort de nombreuses victimes innocentes.

Également contre la guerre, il a peint la célèbre Colombe de la paix en 1949 à l »occasion de son adhésion au Conseil mondial de la paix. Il a reçu le prix international de la paix en 1955.

D »octobre à décembre 1937, il peint La femme qui pleure (Paris, Musée Picasso). Puis en 1938, il réalise un grand collage, Les Femmes à leur toilette (Paris, Musée national d »art moderne). En juillet 1938, il se rend à Mougins avec Dora Maar. En juillet 1939, il part avec Dora Maar vivre avec Man Ray à Antibes, où il réalise Pêche de nuit à Antibes (Museum of Modern Art, New York). De septembre 1939 à début 1940, il peint Séquence de femmes au chapeau à Royan.

En 1941, il écrit une pièce de théâtre de style surréaliste, Le désir pris par la queue, dont il donne une lecture en mars 1944 chez Michel Leiris avec ses amis Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, Albert Camus, Louise Leiris et Pierre Reverdy, entre autres. La pièce est finalement créée en juillet 1967. Il a également écrit deux autres œuvres littéraires : Les quatre petites filles et L »enterrement du comte Orgaz.

Entre 1942 et 1943, il réalise l »assemblage Tête de taureau (Paris, Musée Picasso), La Aubade (Paris, Musée national d »art moderne), L »Homme au mouton (Paris, Musée Picasso) et rencontre Françoise Gilot en mai 1943.

L »engagement envers le parti communiste

Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, ses tableaux deviennent plus optimistes, plus gais, montrant, comme le titre d »une série de 1946, La joie de vivre ressentie à l »époque. Picasso a vécu avec Marie-Thérèse pendant l »insurrection de Paris en août 1944. Il adhère au Parti communiste français en octobre et inaugure également en octobre le Salon d »Automne et la rétrospective Picasso. L »Ossuaire (New York, Museum of Modern Art) a été peint en avril et mai 1945, sur la base du souvenir de la découverte en décembre 1944 du corps de son ami exécuté, le jeune poète surréaliste Robert Rius.

Picasso part avec Dora Maar au Cap d »Antibes en juillet, et le 26 novembre, Françoise revient vivre avec Picasso. Après la guerre, le cercle d »amis de Picasso est composé d »artistes et d »intellectuels communistes, ce qui, d »une certaine manière, a marqué au moins une partie de son travail entre 1946 et 1953.

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Période de Vallauris

En 1946, Picasso et Françoise partent vivre à Golfe-Juan, et il rend visite à Matisse à Nice. Début juillet, il se rend à Ménerbes (Vaucluse) avec Françoise, dans la maison qu »il a donnée à Dora Maar. Il reçoit quotidiennement des lettres de Marie-Thérèse. Françoise est malheureuse et part au bout de trois semaines pour faire du stop jusqu »à Marseille avec des amis ; Picasso la rencontre en chemin et lui demande de revenir, lui suggérant d »avoir un enfant. Ils visitent Vallauris, où elle modèle trois poteries dans l »atelier de poterie Madoura de Georges Ramié. A leur retour à Golfe-Juan en août, Françoise est enceinte. Picasso avait rencontré Romual Dor de la Souchère, conservateur du musée d »Antibes, au palais Grimaldi, mais il préférait décorer le musée ; entre septembre et octobre, il a peint vingt-deux panneaux pour le palais, qui deviendra plus tard le musée Picasso d »Antibes, avec des thèmes marins et des compositions mythologiques. Les études de faunes et de figures classiques aboutissent au triptyque La joie de vivre (Pastorale) (Musée Picasso, Antibes), titre qu »il emprunte à son ami Matisse, pour une peinture qui reflète le bonheur qu »il partage alors avec Françoise. En octobre, il rencontre Breton, qui vient de rentrer d »un exil aux États-Unis, au premier festival de Cannes. Breton, qui avait refusé de le saluer en août lorsqu »ils se sont rencontrés à Golfe-Juan, a de nouveau snobé Picasso en raison de son affiliation au parti communiste ; ils ne se sont jamais revus. Ce geste est un prélude à la rupture violente entre les surréalistes et le communisme à partir de 1947.

En 1947, il travaille à des natures mortes sur le thème de la chouette sur une chaise, et à des gravures de faunes, de centaures et de bacchantes, sur le thème de l »été à Antibes ; fin janvier, il termine l »huile Monument aux morts espagnols pour la France (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), qu »il avait commencée fin 1945. En février, il commence la série de quarante et une eaux-fortes et aquatintes pour l »édition de Luis de Góngora y Argote : Vingt Poèmes, publiée à Paris par Les Grands en 1949 ; fin mars, il réalise plusieurs lithographies sur le David et Bethsabée de Lucas Cranach l »Ancien (1472-1553) ; le 15 mai naît à Paris son fils Claude, prénom choisi par Françoise en l »honneur de Claude Gillot, professeur de Watteau. Le couple passe de moins en moins de temps dans l »atelier parisien et de plus en plus à Golfe-Juan, où ils déménagent avec l »enfant à la fin du mois de juin ; en août, il retrouve l »atelier de céramique de Georges Ramié à Vallauris, et commence une production intense, environ deux mille pièces entre octobre 1947 et 1948, introduisant des innovations formelles, techniques et coloristiques qui conduisent à une revitalisation de l »industrie céramique de la ville, en déclin depuis la Première Guerre mondiale. En peinture et en gravure, il ne produit que quelques œuvres jusqu »à la fin de l »année ; le travail se poursuit sur les gravures des Vingt Poèmes de Góngora, quelques portraits de Françoise et des natures mortes. En décembre, il a fait les décors d »Oedipus Rex de Sophocle, mis en scène par Pierre Blanchar.

Au printemps 1948, Picasso et Françoise quittent leur appartement de Golfe-Juan, et en mai, Picasso commence à travailler sur une série de trente-huit eaux-fortes et quatre aquatintes pour illustrer le Carmen de Prospero Mérimée (Paris, La Bibliothèque Française), qu »il termine en novembre. En été, ils se sont installés dans une petite maison appelée La Galloise, dans les collines entourant Vallauris. Françoise a établi un dialogue artistique ouvert avec Matisse, par le biais de la correspondance et de visites à l »artiste. Picasso a terminé le poème en six actes Les Quatre Petites Filles, qu »il avait commencé à écrire en novembre 1947. Le 25 août, Picasso se rend au Congrès des intellectuels pour la paix à Wroclaw, puis revient à Vallauris à la mi-septembre. En octobre, il retourne à son atelier à Paris, Françoise étant à nouveau enceinte. Il commence à travailler sur le thème de la femme-fleur et sur plusieurs natures mortes. Il a peint deux versions de La Cuisine, l »une au Musée Picasso à Paris et l »autre au MoMA à New York, des compositions linéaires construites par des rythmes et des lignes de force, avec une faible utilisation de la couleur. En décembre, il peint plusieurs portraits de son fils Claude, et imprime vingt-sept modèles de Femme assise dans un fauteuil, série dans laquelle Françoise porte un manteau que Picasso lui a rapporté de Pologne, qui se poursuit en janvier 1949. Il continue également à travailler sur des natures mortes avec des crustacés : Nature morte au poron (Galerie Fabien Boulakia), Le grand homard rouge (collection particulière).

En février 1949, Louis Aragon se rend dans l »atelier parisien de Picasso pour choisir un dessin pour l »affiche du Congrès mondial des partisans de la paix qui doit se tenir à Paris en avril de la même année. La colombe, un dessin au crayon bleu sur papier, est le motif choisi par Aragon, et l »image est rapidement devenue connue sous le nom de colombe de la paix.

En mars, il commence une série de tableaux de Françoise assise, intitulée Femme assise. Au printemps, il retourne brièvement à Vallauris et achète une usine d »essence abandonnée pour l »utiliser comme atelier, et utilise certaines pièces pour stocker ses travaux de céramique. Il a également commencé à collecter des objets et des déchets, qu »il réutilisera plus tard dans diverses pièces. Il intensifie son travail de sculpture, qu »il avait repris l »année précédente : Femme enceinte figure une forme féminine à partir d »une longue tige de métal, à laquelle il ajoute deux bras au-dessus et deux jambes en dessous, et un ventre gonflé avec deux petits seins au centre. Il réalise à nouveau une série d »œuvres inspirées de peintures de Lucas Cranach l »Ancien : les lithographies Vénus et l »Amour (Jeune fille inspirée par Cranach), propriété de Christie »s, et David et Bethsabée (Cranach) VII (David and Bathsheba (Cranach) VII), au Musée Picasso, Paris. Les variations de Picasso sur le David et Bethsabée de Cranach trouvent leur origine dans une reproduction en noir et blanc du catalogue d »une exposition sur l »artiste tenue à Berlin en 1937, que Kahnweiler lui avait donnée.

Le 19 avril 1949, sa deuxième fille est née, le jour de l »ouverture du Congrès de la paix, et elle a décidé de l »appeler Paloma, d »après le symbole qu »elle avait créé pour les affiches qui apparaissaient dans toutes les rues de Paris.Après la naissance, Françoise a repris son travail de peintre, et Kahnweiler lui a proposé un contrat pour être son marchand d »art exclusif. La famille retourne à Vallauris à l »automne, et Picasso, ayant perdu une partie de son intérêt pour la céramique, revient à la peinture et à la sculpture de manière plus concentrée, produisant plusieurs bronzes, certains avec des motifs africains. L »année suivante, la sculpture occupe la majeure partie de son temps.

Le 6 août 1950, Laurent Casanova inaugure l »exposition L »Homme au mouton à Vallauris. Picasso a peint La Chèvre, Femme avec un landau et Fille sautant à la corde. Le 15 janvier 1951, il peint Massacre en Corée. En 1952, il dessine Guerre et Paix pour décorer la chapelle de Vallauris, il écrit une deuxième pièce : Les Quatre Petites Filles.

En avril 1954, il réalise des portraits de Sylvette David. En décembre, il a commencé la série de variations sur Les femmes d »Alger de Delacroix. En mai 1955, il s »installe avec Jacqueline Roque à la villa La California à Cannes. En juin, une rétrospective a été organisée au Musée des Arts Décoratifs. Pendant l »été, il travaille avec Henri-Georges Clouzot pour le film Picasso Mystère.

En 1956, il réalise Les baigneuses, des sculptures en bois (Stuttgart, Staatsgalerie) qui seront ensuite sculptées en bronze. Il a peint l »atelier de Californie. Le 17 août 1957, il commence à travailler sur une série de 58 interprétations de Las Meninas (Barcelone, Museo Picasso). Le 29 mars 1958, il présente la décoration pour l »Unesco : La chute d »Icare. En septembre, Picasso achète le château de Vauvenargues et peint La baie de Cannes.

Il a épousé Jacqueline à Vallauris le 2 mars 1961 et s »est installé en juin à Notre-Dame-de-Vie à Mougins (près de Cannes). Il a peint : La Femme aux bras écartés, La silla, La mujer y los niños, Los Futbolistas. En novembre 1962, il peint Le viol des Sabines, dont une version se trouve au Musée national d »art moderne de Paris. L »ouverture de la rétrospective au Grand Palais et au Petit Palais a lieu le 19 novembre 1966.

En janvier 1970, le musée Picasso de Barcelone a reçu une donation des œuvres conservées par sa famille. Une exposition de ses œuvres s »est tenue au Palais des Papes d »Avignon de mai à octobre. En avril 1971, la galerie Louise Leiris a exposé 194 dessins réalisés entre le 15 décembre 1969 et le 12 janvier 1971. Une nouvelle exposition à la Galerie Louise Leiris en janvier 1973, montrant 156 gravures réalisées entre fin 1970 et mars 1972.

Décès

En 1973, à l »âge de quatre-vingt-onze ans, il meurt d »un œdème pulmonaire à son domicile de Mougins, en France. Cependant, les autorités locales ne lui permettant pas d »être enterré dans le manoir, sa femme Jacqueline a décidé de l »enterrer au château de Vauvenargues, également propriété de Picasso, où elle sera également enterrée des années plus tard.

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Sources