Pierre Bonnard
gigatos | février 14, 2022
Résumé
Pierre Bonnard (3 octobre 1867 – 23 janvier 1947) était un peintre, illustrateur et graveur français, connu surtout pour les qualités décoratives stylisées de ses peintures et son utilisation audacieuse de la couleur. Membre fondateur du groupe post-impressionniste de peintres d »avant-garde Les Nabis, ses premières œuvres ont été fortement influencées par le travail de Paul Gauguin, ainsi que par les estampes d »Hokusai et d »autres artistes japonais. Bonnard a été une figure de proue de la transition entre l »impressionnisme et le modernisme. Il a peint des paysages, des scènes urbaines, des portraits et des scènes domestiques intimes, où les arrière-plans, les couleurs et le style de peinture prenaient généralement le pas sur le sujet.
Pierre Bonnard est né à Fontenay-aux-Roses, dans les Hauts-de-Seine, le 3 octobre 1867. Sa mère, Élisabeth Mertzdorff, est alsacienne. Son père, Eugène Bonnard, originaire du Dauphiné, était un haut fonctionnaire du ministère français de la Guerre. Il avait un frère, Charles, et une sœur, Andrée, qui a épousé en 1890 le compositeur Claude Terrasse.
Il a suivi sa scolarité au Lycée Louis-le-Grand et au Lycée Charlemagne de Vanves. Il a montré un talent pour le dessin et l »aquarelle, ainsi que pour les caricatures. Il peint fréquemment dans les jardins de la maison de campagne de ses parents, au Grand-Lemps, près de La Côte-Saint-André, dans le Dauphiné. Il a également montré un grand intérêt pour la littérature. Il obtient son baccalauréat classique, et, pour satisfaire son père, obtient entre 1886 et 1887 sa licence en droit, et commence à exercer en tant qu »avocat en 1888.
Parallèlement à ses études de droit, il suit des cours de dessin à l »Académie Julian à Paris. C »est à l »Académie Julien qu »il rencontre ses futurs amis et collègues artistes, Paul Sérusier, Maurice Denis, Gabriel Ibels et Paul Ranson.
En 1888, Bonnard est accepté à l »École des Beaux-Arts, où il rencontre Édouard Vuillard et Ker Xavier Roussel. Il vend également sa première œuvre d »art commerciale, un dessin pour une affiche de France-Champagne, ce qui l »aide à convaincre sa famille qu »il peut gagner sa vie en tant qu »artiste. Son premier atelier se trouve rue Lechapelais.
De 1893 jusqu »à sa mort, Bonnard a vécu avec Marthe de Méligny (1869-1942), et elle a été le modèle de nombre de ses tableaux, y compris de nombreux nus. Son nom de naissance était Maria Boursin, mais elle l »avait changé avant de rencontrer Bonnard. Ils se marient en 1925. Dans les années précédant leur mariage, Bonnard a eu des relations amoureuses avec deux autres femmes, qui ont également servi de modèles pour certains de ses tableaux, Renée Monchaty (la compagne du peintre américain Harry Lachmann) et Lucienne Dupuy de Frenelle, l »épouse d »un médecin ; il a été suggéré que Bonnard aurait été le père du deuxième fils de Lucienne. Renée Monchaty s »est suicidée peu après le mariage de Bonnard et de Méligny.
Bonnard reçoit des pressions d »une autre direction pour continuer à peindre. Alors qu »il avait obtenu sa licence d »avocat en 1888, il échoue à l »examen d »inscription au registre officiel des avocats. L »art était sa seule option. Après les vacances d »été, il rejoint ses amis de l »Académie Julien pour former Les Nabis, un groupe informel d »artistes aux styles et philosophies différents mais aux ambitions artistiques communes. À cette époque, Bonnard, comme il l »écrira plus tard, ignorait tout des peintres impressionnistes, ou de Gauguin et d »autres nouveaux peintres. Son ami Paul Sérusier lui montre une peinture sur une boîte à cigares en bois qu »il a réalisée après avoir rendu visite à Paul Gauguin à Pont-Aven, utilisant, comme Gauguin, des taches de couleur pure. En 1890, Denis, âgé de vingt ans, formalise la doctrine selon laquelle un tableau est considéré comme « un plan de surface recouvert de couleurs assemblées dans un certain ordre ».
Certains des Nabis avaient des approches très religieuses, philosophiques ou mystiques de leurs peintures, mais Bonnard restait plus joyeux et sans affiliation. Le peintre-écrivain Aurélien Lugné-Poe, qui partageait un atelier au 28 de la rue Pigalle avec Bonnard et Vuillard, écrira plus tard : « Pierre Bonnard était l »humoriste parmi nous ; sa gaieté nonchalante, son humour s »exprimaient dans ses productions, dont l »esprit décoratif conservait toujours une sorte de satire, dont il s »est éloigné par la suite. »
En 1891, il rencontre Toulouse-Lautrec et, en décembre 1891, il expose ses œuvres à l »exposition annuelle de la Société des Artistes Indépendants. La même année, Bonnard s »associe à La Revue Blanche, dont il dessine le frontispice avec Édouard Vuillard. En mars 1891, ses œuvres sont exposées avec celles des autres Nabis au Barc de Boutteville.
Le style des arts graphiques japonais devient une influence importante sur Bonnard. En 1893, une grande exposition d »œuvres d »Utamaro et d »Hiroshige se tient à la galerie Durand-Ruel, et l »influence japonaise, en particulier l »utilisation de points de vue multiples, et l »utilisation de motifs géométriques audacieux dans les vêtements, comme les blouses à carreaux, commence à apparaître dans son travail. En raison de sa passion pour l »art japonais, son surnom parmi les Nabis devient Le Nabi le trés japonard.
Il se consacre de plus en plus à l »art décoratif, concevant des meubles, des tissus, des éventails et d »autres objets. Il continue à concevoir des affiches pour France-Champagne, ce qui lui permet de gagner un public en dehors du monde de l »art. En 1892, il commence à créer des lithographies, et peint Le Corsage a carreaux et La Partie de croquet. Il réalise également une série d »illustrations pour les livres de musique de son beau-frère, Claude Terrasse.
En 1894, il prend une nouvelle direction et réalise une série de tableaux représentant des scènes de la vie parisienne. Dans ses scènes urbaines, les bâtiments et même les animaux sont au centre de l »attention ; les visages sont rarement visibles. Il réalise également le premier portrait de sa future femme, Marthe, qu »il épouse en 1925. En 1895, il participe très tôt au mouvement de l »Art nouveau en concevant un vitrail, intitulé Maternité, pour Tiffany.
En 1895, il présente sa première exposition individuelle de peintures, affiches et lithographies à la galerie Durand-Ruel. Il illustre également un roman, Marie, de Peter Nansen, publié en série par La Revue Blanche. L »année suivante, il participe à une exposition collective de Nabis à la galerie Amboise Vollard. En 1899, il participe à une autre grande exposition d »œuvres des Nabis.
Tout au long du début du 20e siècle, alors que de nouveaux mouvements artistiques émergent, Bonnard ne cesse d »affiner et de réviser son style personnel, et d »explorer de nouveaux sujets et supports, mais en gardant constantes les caractéristiques de son œuvre. Travaillant dans son atelier du 65 rue de Douai à Paris, il présente des peintures au Salon des Indépendants en 1900, et réalise également 109 lithographies pour Parallèment, un livre de poèmes de Verlaine. Il participe également à une exposition avec les autres Nabis à la galerie Bernheim Jeaune. Il présente neuf tableaux au Salon des Indépendants en 1901. En 1905, il réalise une série de nus et de portraits, et en 1906, il fait une exposition personnelle à la galerie Bernheim-Jeune. En 1908, il illustre un livre de poésie d »Octave Mirbeau, et fait son premier long séjour dans le Sud de la France, chez le peintre Manguin à Saint-Tropez. En 1909, il commence une série de panneaux décoratifs, intitulée Méditerranée, pour le mécène russe Ivan Morozov.
Pendant les années de la Première Guerre mondiale, Bonnard se concentre sur les nus et les portraits et, en 1916, il achève une série de grandes compositions, dont La Pastorale, Méditterranée, La Paradis Terreste et Paysage de Ville. Sa réputation dans le milieu artistique français est assurée ; en 1918, il est choisi, avec Renoir, comme président d »honneur de l »Association des jeunes artistes français.
Dans les années 1920, il réalise des illustrations pour un livre d »André Gide (1924) et un autre de Claude Anet (1923). Il expose au Salon d »Automne en 1923, et est honoré en 1924 par une rétrospective de soixante-huit de ses œuvres à la Galerie Druet. En 1925, il achète une villa à Cannes.
En 1938, ses œuvres et celles de Vuillard sont présentées lors d »une exposition à l »Art Institute of Chicago. Le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale en septembre 1939 oblige Bonnard à quitter Paris pour le sud de la France, où il reste jusqu »à la fin de la guerre. Sous l »occupation allemande, il refuse de peindre un portrait officiel du leader collaborationniste français, le Maréchal Pétain, mais accepte une commande pour peindre un tableau religieux de Saint François de Sales, avec le visage de son ami Vuillard, qui était mort deux ans plus tôt.
Il a terminé son dernier tableau, L »amandier en fleur, une semaine avant sa mort dans son chalet de la route de Serra Capeou, près du Cannet, sur la Côte d »Azur, en 1947. Le Musée d »art moderne de New York a organisé une rétrospective posthume de l »œuvre de Bonnard en 1948, alors qu »à l »origine, il s »agissait de célébrer le 80e anniversaire de l »artiste.
L »art japonais joue un rôle important dans l »œuvre de Bonnard. Il a pu voir ces œuvres à l »origine grâce à la galerie parisienne de Siegfried Bing. Bing ramenait du Japon des œuvres de Hokusai et d »autres graveurs japonais, et publiait un journal d »art mensuel, Le Japon Artistique, entre mai 1888 et avril 1891. qui proposait des illustrations en couleur de 1891. En 1890, Bing organise une importante exposition de sept cents estampes qu »il a ramenées du Japon, et fait une donation d »art japonais au Louvre.
Bonnard a notamment utilisé le modèle de l »art japonais dans une série de tableaux représentant quatre femmes dans des jardins, peints en 1890-91, et actuellement au Musée d »Orsay. Il utilise le format appelé kakemono, avec une toile verticale étroite. Les formes féminines sont réduites à des silhouettes plates, et il n »y a aucun rendu de la profondeur dans le tableau. Les visages des femmes sont à peine visibles ; les motifs des costumes et le feuillage derrière eux dominent les tableaux. La décoration des costumes et de l »arrière-plan occulte pratiquement les visages. Il a souvent représenté des femmes portant des blouses à carreaux, un motif qu »il disait avoir découvert dans des estampes chinoises.
Parmi ses œuvres dans le format du kakemono japonais figurent les quatre tableaux de Femmes au jardin (1890-91). Conçu à l »origine comme un écran unique, il a décidé de le diviser en quatre panneaux décoratifs distincts. Les visages sont détournés du spectateur et les images sont entièrement dominées par les couleurs et les motifs audacieux des costumes et des arrière-plans. Les modèles sont sa sœur Andréé et sa cousine Berthe Schaedin.
Bonnard a écrit : « Notre génération a toujours cherché les rapports de l »art avec la vie ». Bonnard et les autres Nabis étaient particulièrement intéressés par l »intégration de leur art dans des formes populaires, telles que les affiches, les couvertures et illustrations de journaux, les gravures de livres, ainsi que dans la décoration domestique ordinaire, sous la forme de peintures murales, de paravents peints, de textiles, de tapisseries, de meubles, de verre et de vaisselle.
Au début de sa carrière, Bonnard a conçu des affiches pour une société française de champagne, ce qui lui a valu l »attention du public. Il réalise ensuite de nombreux ensembles de gravures illustrant les œuvres des auteurs d »avant-garde de son époque.
Bonnard est connu pour son utilisation intense de la couleur, notamment via des zones construites avec de petites marques de pinceau et des valeurs proches. Ses compositions souvent complexes – généralement des intérieurs ensoleillés et des jardins peuplés d »amis et de membres de la famille – sont à la fois narratives et autobiographiques. Le penchant de Bonnard pour la représentation de scènes intimes de la vie quotidienne lui a valu d »être qualifié d » »Intimiste » ; sa femme Marthe a été un sujet omniprésent pendant plusieurs décennies. On la voit assise à la table de la cuisine, avec les restes d »un repas, ou nue, comme dans une série de tableaux où elle est allongée dans la baignoire. Il a également peint plusieurs autoportraits, des paysages, des scènes de rue et de nombreuses natures mortes, qui représentent généralement des fleurs et des fruits.
Bonnard ne peignait pas d »après nature, mais dessinait son sujet – parfois en le photographiant également – et prenait des notes sur les couleurs. Il peignait ensuite la toile dans son atelier à partir de ses notes. « J »ai tous mes sujets sous la main », dit-il, « Je retourne les regarder. Je prends des notes. Puis je rentre chez moi. Et avant de commencer à peindre, je réfléchis, je rêve. »
Il travaille simultanément sur de nombreuses toiles qu »il accroche aux murs de son petit atelier. De cette façon, il pouvait déterminer plus librement la forme d »un tableau ; « Cela me dérangerait que mes toiles soient tendues sur un cadre. Je ne sais jamais à l »avance quelles dimensions je vais choisir ».
Claude Roger-Marx a remarqué qu »il « attrape les poses fugitives, vole les gestes inconscients, cristallise les expressions les plus fugaces ».
Bien que Bonnard ait évité l »attention du public, ses œuvres se sont bien vendues tout au long de sa vie. Au moment de sa mort, sa réputation avait été éclipsée par les développements ultérieurs de l »avant-garde dans le monde de l »art. Lors d »une rétrospective de l »œuvre de Bonnard à Paris en 1947, Christian Zervos a évalué l »artiste en termes de relation avec l »impressionnisme, et l »a trouvé insuffisant. « Dans l »œuvre de Bonnard », écrit-il, « l »impressionnisme devient insipide et tombe en déclin ». En réponse, Henri Matisse écrit : « Je maintiens que Bonnard est un grand artiste pour notre époque et, naturellement, pour la postérité. »
Bonnard était décrit, par son propre ami et par les historiens, comme un homme au « tempérament calme » et à l »indépendance discrète. Sa vie a été relativement exempte de « tensions et de revirements de circonstances fâcheuses ». Il a été suggéré que : « Comme Daumier, dont la vie ne connut guère de sérénité, Bonnard a produit au cours de ses soixante années d »activité une œuvre qui suit une ligne régulière de développement. »
Bonnard a été décrit comme « le plus profondément idiosyncrasique de tous les grands peintres du XXe siècle », et les points de vue inhabituels de ses compositions reposent moins sur les modes traditionnels de structure picturale que sur des couleurs voluptueuses, des allusions poétiques et un esprit visuel. Identifié comme un praticien tardif de l »impressionnisme au début du XXe siècle, il a depuis été reconnu pour son utilisation unique de la couleur et son imagerie complexe. « Ce ne sont pas seulement les couleurs qui rayonnent dans un Bonnard », écrit Roberta Smith, « il y a aussi la chaleur des émotions mélangées, frottées dans la douceur, enveloppées dans des voiles chromatiques et intensifiées par des énigmes spatiales inattendues et par des figures insaisissables et mal à l »aise ».
Deux grandes expositions de l »œuvre de Bonnard ont eu lieu en 1998 : De février à mai à la Tate Gallery de Londres, et de juin à octobre au Museum of Modern Art de New York. En 2009, l »exposition « Pierre Bonnard : The Late Interiors » a été présentée au Metropolitan Museum of Art. Dans sa critique de l »exposition pour le magazine The New Republic, Jed Perl a écrit :
« De tous les grands peintres du vingtième siècle, Bonnard est celui qui présente le plus d »idiosyncrasie. Ce qui le soutient, ce ne sont pas les idées traditionnelles de structure et d »ordre picturaux, mais plutôt une combinaison unique de goût visuel, de perspicacité psychologique et de sentiment poétique. Il possède également une qualité que l »on pourrait qualifier d »esprit perceptif – un instinct pour savoir ce qui va fonctionner dans un tableau. Presque invariablement, il reconnaît le point précis où sa volupté peut devenir incontrôlable, où il doit introduire une note ironique. L »esprit de Bonnard a tout à voir avec la nature excentrique de ses compositions. Il trouve amusant de glisser une figure dans un coin, ou d »avoir un chat qui regarde le spectateur. Ses caprices métaphoriques ont un côté comique, comme lorsqu »il transforme une figure en un motif de papier peint. Et lorsqu »il imagine qu »une corbeille de fruits est un amas d »émeraudes, de rubis et de diamants, il le fait avec le panache d »un magicien qui fait sortir un lapin d »un chapeau. »
En 2016, la Légion d »honneur de San Francisco a accueilli l »exposition « Pierre Bonnard : Painting Arcadia », présentant plus de 70 œuvres couvrant l »ensemble de la carrière de l »artiste.
Le prix record de Bonnard dans une vente publique est celui de Terrasse à Vernon, vendu par Christie »s en 2011 pour 8 485 287 € (7 014 200 £).
En 2014, le tableau La femme aux Deux Fauteuils, d »une valeur estimée à environ 600 000 € (497 000 £), qui avait été volé à Londres en 1970, a été découvert en Italie. Le tableau, ainsi qu »une œuvre de Paul Gauguin intitulée Fruits sur une table avec un petit chien, avaient été achetés par un employé de Fiat en 1975, lors d »une vente de biens perdus des chemins de fer, pour 45 000 lires (environ 32 £).
Bonnard figure en bonne place dans le roman The Sea de John Banville, qui a remporté le prix Booker en 2005. Dans ce roman, le protagoniste et historien de l »art Max Morden écrit un livre sur Bonnard et discute de la vie et de l »œuvre du peintre tout au long du roman.
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Sources
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