Robert Altman

gigatos | avril 1, 2022

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Résumé

Robert Bernard Altman (20 février 1925 – 20 novembre 2006) est un réalisateur, scénariste et producteur américain. Altman est connu pour avoir été nommé cinq fois à l »Oscar du meilleur réalisateur et pour être une figure marquante de l »ère du Nouvel Hollywood.

Son style de réalisation couvre de nombreux genres, mais généralement avec une touche « subversive » qui s »appuie généralement sur la satire et l »humour pour exprimer ses opinions personnelles. Altman a acquis la réputation d »être « anti-Hollywood » et non-conformiste, tant dans ses thèmes que dans son style de réalisation. Les acteurs appréciaient tout particulièrement de travailler sous sa direction, car il les encourageait à improviser, stimulant ainsi leur propre créativité.

Il préférait les grands ensembles pour ses films et a développé une technique d »enregistrement multipiste qui produisait des dialogues superposés de plusieurs acteurs. L »expérience du spectateur est ainsi plus naturelle, plus dynamique et plus complexe. Il a également utilisé des caméras très mobiles et des zooms pour mettre en valeur l »activité qui se déroule à l »écran. La critique Pauline Kael, écrivant sur son style de mise en scène, a déclaré qu »Altman pouvait « faire des feux d »artifice cinématographiques à partir de presque rien ». Les réalisations les plus célèbres d »Altman sont M*A*S*H (1970), McCabe & Mrs. Miller (1971), The Long Goodbye (1973), Nashville (1975), 3 Women (1977), The Player (1992), Short Cuts (1993) et Gosford Park (2001).

En 2006, l »Academy of Motion Picture Arts and Sciences a reconnu l »ensemble de l »œuvre d »Altman en lui décernant un prix honorifique. Il n »a jamais remporté d »Oscar en compétition, malgré sept nominations. Ses films M*A*S*H, McCabe & Mrs. Miller, The Long Goodbye et Nashville ont été inscrits au registre national des films des États-Unis. Altman est l »un des trois cinéastes dont les films ont remporté l »Ours d »or à Berlin, le Lion d »or à Venise et la Palme d »or à Cannes (les deux autres étant Henri-Georges Clouzot et Michelangelo Antonioni).

Altman est né le 20 février 1925 à Kansas City, dans le Missouri. Il est le fils de Helen (née Matthews), une descendante du Mayflower originaire du Nebraska, et de Bernard Clement Altman, un riche vendeur d »assurances et joueur amateur, issu d »une famille de la classe supérieure. Les ancêtres d »Altman étaient allemands, anglais et irlandais ; son grand-père paternel, Frank Altman, Sr. a anglicisé l »orthographe du nom de famille de « Altmann » à « Altman ». mais il n »a pas continué à suivre ou à pratiquer la religion à l »âge adulte, bien qu »il ait été qualifié de « sorte de catholique » et de directeur catholique. Il a fait ses études dans des écoles jésuites, dont la Rockhurst High School, à Kansas City. Il est diplômé de l »Académie militaire Wentworth à Lexington, dans le Missouri, en 1943.

Peu après l »obtention de son diplôme, Altman s »engage dans les forces aériennes de l »armée américaine à l »âge de 18 ans. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il effectue plus de 50 missions de bombardement en tant que copilote d »un B-24 Liberator au sein du 307e groupe de bombardement à Bornéo et dans les Indes orientales néerlandaises. Il travaille dans la publicité pour une société qui a inventé une machine à tatouer pour identifier les chiens. Il se lance dans le cinéma sur un coup de tête, en vendant un scénario à la RKO pour le film Bodyguard de 1948, qu »il a coécrit avec George W. George. Le succès immédiat d »Altman l »encourage à s »installer à New York, où il tente de se forger une carrière d »écrivain. N »ayant guère de succès, il retourne à Kansas City en 1949, où il accepte un poste de réalisateur et de scénariste de films industriels pour la Calvin Company. Altman a réalisé quelque 65 films industriels et documentaires pour la Calvin Company. Grâce à ses premiers travaux sur les films industriels, Altman expérimente la technique narrative et développe son utilisation caractéristique des dialogues superposés. En février 2012, un des premiers films Calvin réalisés par Altman, Modern Football (1951), a été retrouvé par le cinéaste Gary Huggins.

1950s

Les premières incursions d »Altman dans la réalisation télévisuelle se font dans la série dramatique de DuMont Pulse of the City (1953-1954), et dans un épisode de la série western de 1956 The Sheriff of Cochise. En 1956, il est engagé par un homme d »affaires local pour écrire et réaliser un long métrage à Kansas City sur la délinquance juvénile. Le film, intitulé The Delinquents, réalisé pour 60 000 dollars, est acheté par United Artists pour 150 000 dollars, et sort en 1957. Bien que primitif, ce film d »exploitation pour adolescents contient les fondements de l »œuvre ultérieure d »Altman dans son utilisation d »un dialogue décontracté et naturaliste. Grâce à ce succès, Altman quitte Kansas City pour la Californie pour la dernière fois. Il coréalise The James Dean Story (1957), un documentaire sorti à la hâte dans les cinémas pour profiter de la mort récente de l »acteur et commercialisé auprès de ses nouveaux admirateurs. Les deux œuvres attirent l »attention d »Alfred Hitchcock qui engage Altman comme réalisateur pour sa série d »anthologie Alfred Hitchcock Presents sur CBS. Après seulement deux épisodes, Altman démissionne en raison de divergences avec un producteur, mais cette exposition lui permet de se forger une carrière réussie à la télévision. Au cours de la décennie suivante, Altman travaille de manière prolifique à la télévision (et presque exclusivement dans des séries dramatiques) en réalisant de multiples épisodes de Whirlybirds, The Millionaire, U.S. Marshal, The Troubleshooters, The Roaring 20s, Bonanza, Bus Stop, Kraft Mystery Theater, Combat ! ainsi que des épisodes uniques de plusieurs autres séries notables, dont Hawaiian Eye, Maverick (l »épisode de la quatrième saison « Bolt From the Blue », également écrit par Altman et mettant en vedette Roger Moore), Lawman, Surfside 6, Peter Gunn et Route 66.

1960s

Dans les années 1960, Altman s »est imposé comme un réalisateur de télévision grâce à sa capacité à travailler rapidement et efficacement avec un budget limité. Bien qu »il soit souvent renvoyé de projets télévisés pour avoir refusé de se conformer aux mandats des chaînes, Altman parvient toujours à décrocher de nouvelles missions. En 1964, les producteurs décident de développer « Once Upon a Savage Night », l »un de ses épisodes du Kraft Suspense Theatre, pour en faire un téléfilm sous le titre Nightmare in Chicago.

Deux ans plus tard, Altman est engagé pour réaliser le film à petit budget Countdown, consacré aux voyages dans l »espace, mais il est renvoyé quelques jours après la fin du projet parce qu »il a refusé de monter le film à une longueur raisonnable. Il ne réalisera plus de film jusqu »à That Cold Day in the Park (1969), qui sera un désastre pour la critique et le box-office.

Au cours de la décennie, Altman a commencé à exprimer des sous-textes politiques dans ses œuvres. En particulier, il exprime des sentiments anti-guerre concernant la guerre du Vietnam. De ce fait, la carrière d »Altman a quelque peu souffert de son association avec le mouvement anti-guerre.

1970s

En 1969, Altman s »est vu proposer le scénario de MASH, une adaptation d »un roman peu connu datant de la guerre de Corée et satirisant la vie dans les services armés ; plus d »une douzaine d »autres cinéastes l »avaient refusé. Altman a hésité à accepter la production, et le tournage a été si tumultueux qu »Elliott Gould et Donald Sutherland ont tenté de faire renvoyer Altman pour ses méthodes de tournage peu orthodoxes. Néanmoins, MASH a été largement salué comme un classique lors de sa sortie en 1970. Il a remporté la Palme d »or au Festival de Cannes 1970 et a été nommé cinq fois aux Oscars. Il s »agit du film le plus rentable d »Altman, sorti à une époque où le sentiment anti-guerre s »intensifiait aux États-Unis. L »Academy Film Archive a conservé MASH en 2000.

Désormais reconnu comme un talent majeur, Altman remporte des succès critiques avec McCabe & Mrs. Miller (1971), un western révisionniste dans lequel les chansons mordantes de Leonard Cohen soulignent une vision grinçante de la frontière américaine ; The Long Goodbye (1973), une adaptation controversée du roman de Raymond Chandler (Thieves Like Us (1974), une adaptation du roman d »Edward Anderson précédemment filmé par Nicholas Ray sous le titre They Live by Night (Ils vivent la nuit) et Nashville (1975), dont le thème politique fort a pour toile de fond le monde de la musique country. Les stars du film ont écrit leurs propres chansons ; Keith Carradine a remporté un Oscar pour la chanson « I »m Easy ». Bien que ses films aient souvent été accueillis par des avis divergents, de nombreux critiques de cinéma éminents de l »époque (dont Pauline Kael, Vincent Canby et Roger Ebert) sont restés fidèles à son style de réalisation tout au long de la décennie.

Le public met du temps à apprécier ses films, et il ne veut pas avoir à satisfaire les responsables des studios. En 1970, après la sortie de MASH, il a fondé Lion »s Gate Films pour avoir une liberté de production indépendante. La société d »Altman ne doit pas être confondue avec l »actuelle Lionsgate, un groupe canadien de production de films.

1980s

En 1980, il a réalisé le film musical Popeye. Produit par Robert Evans et écrit par Jules Feiffer, le film est basé sur la bande dessinée

En 1981, le réalisateur vend Lion »s Gate au producteur Jonathan Taplin après que sa satire politique Health (tournée au début de 1979 pour une sortie à Noël) ait été mise au placard par son distributeur de longue date, la 20th Century Fox, à la suite de projections tests et de festivals tièdes tout au long de 1980. Le départ de la Fox d »Alan Ladd Jr, partisan de longue date d »Altman, a également joué un rôle décisif dans le report de la sortie du film.

Incapable d »obtenir des financements importants à l »ère des superproductions de l »après-Nouveau Hollywood en raison de sa réputation changeante et des événements particulièrement tumultueux qui ont entouré la production de Popeye, Altman a commencé à « réaliser des propriétés dramatiques lettrées avec des budgets dérisoires pour la scène, la vidéo à domicile, la télévision et des sorties limitées en salles », notamment les films Secret Honor et Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean, une adaptation aux antipodes de la critique d »une pièce qu »Altman avait mise en scène à Broadway115 .

En 1982, Altman met en scène une production de The Rake »s Progress d »Igor Stravinsky à l »université du Michigan, où il donne parallèlement un cours sur ses films. Peu de temps après, il est revenu au cinéma Secret Honor avec des étudiants. En 2008, la bibliothèque de l »université du Michigan a acquis les archives d »Altman. Il a également coécrit le tube « Black Sheep » de John Anderson en 1983.

La comédie pour adolescents O.C. et Stiggs (1985), un retour avorté au cinéma hollywoodien, qualifié rétrospectivement par le British Film Institute de « probablement le film le moins réussi d »Altman », a fait l »objet d »une sortie commerciale limitée en 1987 après avoir été mis de côté par MGM.

Adapté par Altman et Sam Shepard pour le Cannon Group à partir de la pièce de Shepard nommée au prix Pulitzer, Fool for Love, il a mieux marché que la plupart de ses films de l »époque, rapportant 900 000 dollars sur le marché intérieur avec un budget de 2 millions de dollars et des critiques positives de Roger Ebert et Vincent Canby. Pourtant, la popularité auprès du public lui échappe toujours.

Il a continué à retrouver un minimum de faveur de la part de la critique avec son documentaire télévisé Tanner »88 (1988), une collaboration avec Garry Trudeau qui se déroule dans le cadre d »une campagne présidentielle américaine, pour lequel il a remporté un Primetime Emmy Award.

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1990s

En 1990, Altman réalise Vincent & Theo, un film biographique sur Vincent van Gogh qui devait être une mini-série télévisée diffusée au Royaume-Uni. La version théâtrale du film a connu un succès modeste aux États-Unis, marquant un tournant important dans la résurgence critique du réalisateur.

Il a véritablement relancé sa carrière avec The Player (1992), une satire d »Hollywood. Coproduit par l »influent David Brown (The Sting, Jaws, Cocoon), le film est nommé pour trois Oscars, dont celui du meilleur réalisateur. Bien qu »il n »ait pas remporté l »Oscar, il a reçu le prix du meilleur réalisateur au Festival de Cannes, au BAFTA et au New York Film Critics Circle.

Altman réalise ensuite Short Cuts (1993), une adaptation ambitieuse de plusieurs nouvelles de Raymond Carver, qui dépeint la vie de divers citoyens de Los Angeles sur plusieurs jours. Les nombreux acteurs du film et l »entrelacement de plusieurs intrigues différentes sont similaires à ceux de ses films à large distribution des années 1970. Il a remporté le Lion d »or au Festival international du film de Venise 1993 et une autre nomination à l »Oscar du meilleur réalisateur.

Le reste des années 1990 est marqué par un succès limité pour Altman. Son film Prêt-à-Porter (également connu sous le nom de Ready to Wear), sorti en 1994, a bénéficié d »une importante publicité avant sa sortie, mais a été un échec commercial et critique, bien qu »il ait obtenu plusieurs nominations pour des prix de fin d »année, dont deux Golden Globe, et qu »il ait remporté le prix du National Board of Review pour le meilleur jeu d »acteur par un ensemble. En 1996, Altman réalise Kansas City, exprimant son amour du jazz des années 30 à travers une histoire compliquée d »enlèvement. L »histoire reçoit des critiques tièdes à positives, mais ne rapporte presque rien au box-office, tout comme le thriller juridique The Gingerbread Man en 1998.

Il termine la décennie sur une bonne note, avec Cookie »s Fortune, une comédie noire excentrique sur le suicide d »une riche douairière, son premier film en près de six ans à rentrer dans son budget, et qui lui vaut les éloges de la critique. Il a été élu membre de l »Académie américaine des arts et des sciences en 1999.

2000s

Gosford Park (2001), un meurtre mystérieux dans une maison de campagne britannique, a été inclus dans la liste des dix meilleurs films de l »année par de nombreux critiques. Il a remporté l »Oscar du meilleur scénario original (Julian Fellowes) et six autres nominations, dont deux pour Altman, en tant que meilleur réalisateur et meilleur film.

En travaillant avec des studios indépendants tels que Fine Line, aujourd »hui fermé, Artisan (qui a été absorbé par l »actuelle Lionsgate) et USA Films (aujourd »hui Focus Features), Altman a pu réaliser le genre de films qu »il a toujours voulu faire sans l »interférence des studios. Une version cinématographique de la série radiophonique publique A Prairie Home Companion de Garrison Keillor est sortie en juin 2006. Jusqu »à sa mort, Altman a continué à développer de nouveaux projets, notamment un film basé sur Hands on a Hard Body : The Documentary (1997).

En 2006, l »Academy of Motion Picture Arts and Sciences a décerné à Altman un Academy Honorary Award for Lifetime Achievement. Lors de son discours d »acceptation, il a révélé qu »il avait subi une transplantation cardiaque dix ou onze ans auparavant. Le réalisateur a alors plaisanté en disant que l »Académie avait peut-être agi prématurément en reconnaissant l »ensemble de son œuvre, car il avait l »impression d »avoir encore quatre décennies de vie devant lui.

Franc-tireur et auteur

Après une carrière réussie à la télévision, Altman entame sa nouvelle carrière dans l »industrie cinématographique alors qu »il est en pleine maturité. Il comprend les limites créatives imposées par le genre télévisuel et entreprend de réaliser et d »écrire des films qui expriment ses visions personnelles de la société américaine et d »Hollywood. Ses films seront plus tard décrits comme des « attaques auteuristes » et des « variations idiosyncrasiques » de films traditionnels, utilisant généralement une comédie subtile ou une satire pour exprimer ses observations.

Ses films étaient généralement liés à des sujets politiques, idéologiques et personnels, et Altman était connu pour « refuser de compromettre sa propre vision artistique ». Il a été décrit comme « anti-Hollywood », ignorant souvent les pressions sociales qui affectaient les autres membres de l »industrie, ce qui a rendu plus difficile pour lui de faire voir nombre de ses films. Il a déclaré que son indépendance en tant que cinéaste l »a globalement aidé :

Je ne pense pas qu »il y ait un cinéaste vivant, ou qui ait jamais vécu, qui ait eu une meilleure chance que moi. Je n »ai jamais été sans projet et il s »agissait toujours d »un projet que j »avais choisi. Je ne sais donc pas comment cela pourrait être mieux. Je ne suis pas devenu un magnat, je ne construis pas de châteaux et je n »ai pas une immense fortune personnelle, mais j »ai pu faire ce que je voulais faire et je l »ai fait souvent.

« Altman était un véritable franc-tireur du cinéma », affirme l »auteur Ian Freer, car il allait à l »encontre de la conformité commerciale de l »industrie cinématographique : « Il était le fléau de l »establishment cinématographique, et son œuvre jetait généralement un regard astucieux et cinglant sur l »étendue de la culture américaine, explosant souvent les genres et les archétypes de personnages ; Altman était fasciné par les gens avec des imperfections, les gens tels qu »ils sont vraiment, et non tels que les films voudraient vous le faire croire. » Le réalisateur Alan Rudolph, lors d »un hommage spécial à Altman, qualifie son style cinématographique de « Altmanesque ».

Avec son style de réalisation indépendant, il s »est forgé une mauvaise réputation auprès des scénaristes et de ceux qui travaillent dans le domaine du cinéma. Il admet : » J »ai une mauvaise réputation auprès des scénaristes, qui s »est développée au fil des ans : »Oh, il ne fait pas ce que vous écrivez, bla bla bla »… Ring Lardner était très en colère contre moi » parce qu »il ne suivait pas son scénario. Ring Lardner était très en colère contre moi » parce qu »il ne suivait pas son scénario. 18 Altman ne s »entendait pas non plus très bien avec les dirigeants des studios, il a même frappé un jour un cadre sur le nez et l »a envoyé dans une piscine parce qu »il insistait pour qu »il coupe six minutes d »un film sur lequel il travaillait : 9

Sa réputation parmi les acteurs était meilleure. Avec eux, son indépendance s »étendait parfois à son choix d »acteurs, allant souvent à l »encontre du consensus. Cher, par exemple, lui attribue le lancement de sa carrière avec la pièce de théâtre et le film Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean (1982). « Sans Bob, je n »aurais jamais eu de carrière cinématographique. Tout le monde lui a dit de ne pas m »engager. Tout le monde. … Personne ne voulait me donner une chance. Je suis convaincue que Bob était le seul à être assez courageux pour le faire. » D »autres, comme Julianne Moore, décrivent leur travail avec lui :

Vous savez, tout ce qu »on dit sur Bob, c »est qu »il est irascible et difficile. Eh bien, il n »a jamais été comme ça avec un acteur ou une personne créative que j »ai vu. Jamais, jamais, jamais. Il gardait tout ça pour les gens d »argent.. : 431

Le réalisateur Robert Dornhelm a déclaré qu »Altman « considérait le film comme un lieu artistique pur ». Avec Short Cuts (1993), par exemple, le distributeur l »a « supplié » de couper quelques minutes de la durée, pour que le film reste commercialement viable : « Bob pensait simplement que l »antéchrist essayait de détruire son art. C »étaient des gens bien intentionnés qui voulaient qu »il obtienne ce qu »il méritait, c »est-à-dire un gros succès commercial. Mais quand il s »agissait de l »art ou de l »argent, il était avec l »art. » : 438

Sally Kellerman, qui a remarqué l »attitude obstinée d »Altman, regrette toujours d »avoir laissé passer sa chance de jouer dans l »un de ses films :

Je venais de terminer le tournage de Last of the Red Hot Lovers quand Bob m »a appelée un jour à la maison. « Sally, tu veux être dans mon film après le prochain ? » a-t-il demandé. « Seulement si c »est un bon rôle », ai-je répondu. Il m »a raccroché au nez.

Thèmes et sujets

Contrairement aux réalisateurs dont l »œuvre s »inscrit dans divers genres cinématographiques, tels que les westerns, les comédies musicales, les films de guerre ou les comédies, l »œuvre d »Altman a été définie comme plus « anti-genre » par divers critiques. Cela est dû en partie à la nature satirique et comique de nombre de ses films. Geraldine Chaplin, fille de Charlie Chaplin, a comparé l »humour de ses films à celui des films de son père :

Ils sont drôles dans le bon sens du terme. Drôles d »une manière critique – de ce qu »est le monde et du monde dans lequel nous vivons. Ils étaient tous deux des génies à leur manière. Ils modifient votre expérience de la réalité. Ils ont leur monde et ils ont leur humour. Cet humour est si rare. 287

Altman a clairement indiqué qu »il n »aimait pas les « histoires » dans ses films, contrairement à la façon dont la plupart des télévisions et des films grand public sont réalisés. Selon Mitchell Zuckoff, biographe d »Altman, « il n »aimait pas le mot « histoire », car il pensait qu »une intrigue devait être secondaire par rapport à une exploration du comportement humain pur (ou, mieux encore, impur) » : xiii Zuckoff décrit les objectifs qui sous-tendent de nombreux films d »Altman : « Il aimait la nature chaotique de la vie réelle, avec ses perspectives contradictoires, ses rebondissements surprenants, ses actions inexpliquées et ses fins ambiguës. Il aimait particulièrement les voix multiples, tantôt discutant, tantôt s »accordant, se chevauchant idéalement, un cocktail ou une scène de rue capturés tels qu »il les vivait. xiii Julianne Moore, après avoir vu certains de ses films, attribue au style de mise en scène d »Altman sa décision de devenir une actrice de cinéma plutôt qu »une actrice de théâtre :

Je l »ai ressenti très fort. Et je me suis dit : « Je ne sais pas qui est ce type, mais c »est ce que je veux faire. Je veux faire ce genre de travail. » À partir de ce moment-là, j »ai vu ses films dès que je le pouvais, et il a toujours été mon réalisateur préféré, pour ce qu »il disait sur le plan thématique et émotionnel et pour ce qu »il pensait des gens.. : 324

Charles Derry, auteur de films, écrit que les films d »Altman « contiennent de manière caractéristique des observations perspicaces, des échanges révélateurs et des moments de révélation limpide de la folie humaine ». Parce qu »Altman était un observateur perspicace de la société et « particulièrement intéressé par les gens », note Derry, nombre de ses personnages de films avaient « cette imperfection négligée associée aux êtres humains tels qu »ils sont, à la vie telle qu »elle est vécue ». En conséquence, ses films sont souvent une critique indirecte de la société américaine.

Dans de nombreux films d »Altman, le contenu satirique est évident : MASH (McCabe & Mrs. Miller), l »auteur Matthew Kennedy déclare que Nashville (Un mariage (Altman lui-même a déclaré que Le Joueur (1992) était « une satire très légère » de l »industrie cinématographique hollywoodienne, et Vincent Canby était d »accord, affirmant que « en tant que satire, Le Joueur chatouille. Il ne fait pas couler le sang ». La satire de ses films a parfois conduit à leur échec au box-office si leur nature satirique n »était pas comprise par le distributeur. Altman attribue l »échec au box-office de The Long Goodbye (1973), une histoire policière, au marketing erroné du film en tant que thriller :

Quand le film a ouvert, ça a été un gros, gros flop. … Je suis allé voir David Picker et j »ai dit : « Vous ne pouvez pas faire ça. Pas étonnant que ce putain de film soit un échec. Il donne la mauvaise impression. Vous le faites ressembler à un thriller et ce n »en est pas un, c »est une satire.

De même, Altman attribue l »échec de O.C. & Stiggs au fait qu »il a été commercialisé comme un « film d »adolescent » typique, plutôt que ce qu »il a filmé comme, une « satire d »un film d »adolescent », a-t-il dit.

Dialogue d »improvisation

Altman privilégie les histoires exprimant les interrelations entre plusieurs personnages, s »intéressant davantage à la motivation des personnages qu »aux intrigues complexes. Il avait donc tendance à n »esquisser qu »une intrigue de base pour le film, se référant au scénario comme à un « plan » d »action. En encourageant ses acteurs à improviser des dialogues, Altman s »est fait connaître comme un « réalisateur d »acteurs », une réputation qui a attiré de nombreux acteurs de renom dans ses grandes distributions. Les acteurs apprécient de travailler avec Altman en partie parce qu » »il leur donne la liberté de développer leurs personnages et de modifier souvent le scénario par l »improvisation et la collaboration », note Derry. Richard Baskin affirme que « Bob était plutôt extraordinaire dans sa façon de laisser les gens faire ce qu »ils faisaient. Il vous faisait confiance pour faire ce que vous faisiez et par conséquent vous tuiez pour lui ».

282 Geraldine Chaplin, qui a joué à Nashville, se souvient d »une de ses premières séances de répétition :

Il a dit : « Vous avez apporté vos scénarios ? » On a dit oui. Il a dit : « Eh bien, jetez-les. Vous n »en avez pas besoin. Vous devez savoir qui vous êtes, où vous êtes et avec qui vous êtes. » … C »était comme être sur scène avec une salle pleine à chaque seconde. Tous les numéros de cirque que vous aviez dans votre corps, vous les faisiez juste pour lui. : 282

Altman laissait régulièrement ses acteurs développer un personnage par l »improvisation pendant les répétitions ou parfois pendant le tournage. Une telle improvisation était peu courante dans le cinéma en raison du coût élevé de la production d »un film, qui nécessite une planification minutieuse, des scénarios précis et des répétitions, avant que le film coûteux ne soit exposé. Néanmoins, Altman préférait utiliser l »improvisation comme un outil pour aider ses acteurs à développer leur personnage. Altman a déclaré qu » »une fois que nous commençons à tourner, c »est une chose bien établie. L »improvisation est mal comprise. Nous ne lâchons pas les gens comme ça ». Bien qu »il essayait d »éviter de dicter le moindre geste de ses acteurs, préférant les laisser se contrôler :

Lorsque je fais le casting d »un film, la majeure partie de mon travail de création est terminée. Je dois être là pour allumer l »interrupteur et les encourager comme une figure paternelle, mais ce sont eux qui font tout le travail. … Tout ce que j »essaie de faire, c »est de faciliter la tâche de l »acteur, parce qu »une fois que vous commencez à tourner, l »acteur est l »artiste. … Je dois leur donner confiance et veiller à ce qu »ils bénéficient d »une certaine protection pour qu »ils puissent être créatifs. … Je les laisse faire ce pour quoi ils sont devenus acteurs en premier lieu : créer.

Carol Burnett se souvient qu »Altman admettait que beaucoup des idées de ses films venaient des acteurs. « On n »entend jamais un réalisateur dire ça. C »était vraiment une chose étonnante », a-t-elle déclaré. 328 D »autres, comme Jennifer Jason Leigh, ont fait preuve de créativité :

Il vous inspirait, par pure nécessité, à inventer des choses dont vous ne vous saviez pas capable, que vous ne saviez pas que vous aviez en vous. Il était si authentiquement malicieux et si drôle. 435

Il aimait travailler avec plusieurs des mêmes interprètes, notamment Shelley Duvall et Bert Remsen (Jeff Goldblum, Lily Tomlin, Lyle Lovett, Henry Gibson, David Arkin, et John Schuck (Tim Robbins, Carol Burnett, Belita Moreno, Richard E. Grant, Geraldine Chaplin, Craig Richard Nelson, Sally Kellerman et Keith Carradine (3 films chacun). Krin Gabbard ajoute qu »Altman aimait utiliser des acteurs « qui s »épanouissent en tant qu »improvisateurs », comme Elliott Gould, qui a joué dans trois de ses films, MASH, The Long Goodbye et California Split. Gould se souvient que lors du tournage de MASH, son premier travail d »acteur avec Altman, lui et son partenaire Donald Sutherland ne pensaient pas qu »Altman savait ce qu »il faisait. Il a écrit des années plus tard : » Je pense qu »avec le recul, Donald et moi étions deux acteurs élitistes et arrogants qui ne comprenaient vraiment pas le génie d »Altman » : 174 D »autres membres du casting ont immédiatement apprécié le style de mise en scène d »Altman. René Auberjonois explique :

On pensait que les films étaient comme ça. Qu »ils étaient une expérience aussi joyeuse. Si vous avez eu une carrière, vous avez vite compris que la plupart des réalisateurs ne font pas vraiment confiance aux acteurs, ne veulent pas vraiment les voir jouer. C »était la différence avec Bob Altman. Il aimait les acteurs et voulait les voir jouer.. : 175

Contrairement à la télévision et aux films traditionnels, Altman a également évité la « narration conventionnelle » et a choisi de montrer la « confusion agitée de la vie réelle », observe Albert Lindauer. Parmi les diverses techniques utilisées pour obtenir cet effet, ses films comprennent souvent « une profusion de sons et d »images, par des acteurs énormes ou des personnages fous, des intrigues multiples ou pas d »intrigue du tout, … et une dépendance à l »improvisation. » Quelques mois avant sa mort, Altman a tenté de résumer les motifs qui sous-tendent son style cinématographique :

J »assimile ce travail plus à la peinture qu »au théâtre ou à la littérature. Les histoires ne m »intéressent pas. Au fond, je suis plus intéressé par le comportement. Je ne dirige pas, je regarde. Je dois être enthousiaste si je veux que le public le soit aussi. Parce que ce que je veux vraiment voir d »un acteur, c »est quelque chose que je n »ai jamais vu auparavant, donc je ne peux pas lui dire ce que c »est. J »essaie d »encourager les acteurs à ne pas se relayer. A gérer la conversation comme une conversation. Je veux dire, c »est ça le travail, je pense. C »est de créer une zone de confort pour qu »un acteur puisse aller au-delà de ce qu »il pensait pouvoir faire. : 8

Techniques du son

Altman était l »un des rares cinéastes à « prêter toute son attention aux possibilités du son » lors du tournage. Il a essayé de reproduire les sons naturels d »une conversation, même avec des acteurs de grande taille, en branchant des microphones cachés aux acteurs, puis en les enregistrant en train de se parler les uns aux autres avec plusieurs bandes sonores. Pendant le tournage, il portait un casque pour s »assurer que les dialogues importants pouvaient être entendus, sans les accentuer. Il en résulte une « expérience audio dense » pour les spectateurs, qui peuvent entendre de multiples bribes de dialogues, comme s »ils écoutaient des conversations privées. Altman reconnaissait que, même si la présence de grands acteurs nuisait au succès commercial d »un film, « j »aime voir beaucoup de choses se passer ».

Altman a utilisé pour la première fois des bandes sonores superposées dans MASH (1970), une technique sonore que l »auteur de cinéma Michael Barson décrit comme « une innovation époustouflante pour l »époque ». Il l »a développée, selon Altman, pour forcer les spectateurs à prêter attention et à s »engager dans le film comme s »ils étaient un participant actif. Selon certains critiques, l »une des utilisations les plus extrêmes de cette technique se trouve dans McCabe et Mrs. Miller (1971), également considéré comme l »un de ses meilleurs films.

Distribution d »ensemble

Le chevauchement des dialogues entre de grands groupes d »acteurs ajoute de la complexité aux films d »Altman, qui ont souvent été critiqués pour leur aspect désordonné ou décousu au premier visionnage. Certains de ses détracteurs ont changé d »avis après les avoir revus. Le critique de cinéma britannique David Thomson a donné une mauvaise critique à Nashville (1975) après l »avoir vu une première fois, mais il a écrit plus tard : « Mais le fait de revenir à Nashville et à certains des premiers films, … m »a fait réfléchir : Il reste énigmatique de savoir à quel point Nashville est organisé ou volontaire. … La mosaïque, ou le mélange, permet une liberté et une idiosyncrasie humaine que Renoir aurait pu admirer. » Pendant le tournage du film, les acteurs ont été inspirés, et la co-star Ronee Blakley était convaincue du succès final du film :

Oui, je pensais que ça allait être génial, tout le travail était si bon, chaque acteur était inspiré, et l »équipe d »Altman était intensément compétente, et il était ce genre rare de génie qui sait ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas au moment où ça se passe.

Thomson a reconnu plus tard que ces aspects faisaient partie du style d »Altman, à partir de MASH (1970) : « MASH a commencé à développer le style crucial d »Altman, fait de superpositions, de sons flous et d »images si glissantes de zoom qu »il n »y a aucun sens de la composition. C »est ce qui rend Nashville si absorbant. » Altman a expliqué que pour lui, une telle superposition de dialogues dans ses films était plus proche de la réalité, en particulier avec les grands groupes : « Si vous avez quatorze personnes à une table de dîner, il me semble assez improbable que seuls deux d »entre eux parlent. » Pauline Kael écrit qu »Altman, » le maître des grands ensembles, de l »action décousue et des voix qui se chevauchent, démontre qu »… il peut faire des feux d »artifice cinématographiques à partir de presque rien. «

Photographie

Le style de mise en scène distinctif d »Altman se retrouve dans ses préférences en matière de tournage. Il utilise notamment des compositions grand écran, destinées à capturer les nombreuses personnes ou activités qui se déroulent simultanément à l »écran. Pour certains films, comme McCabe and Mrs. Miller, il a créé une atmosphère visuelle puissante avec le directeur de la photographie Vilmos Zsigmond, notamment des scènes utilisant un travail de caméra fluide, des zooms et un effet de fumée à l »aide de filtres à brouillard spéciaux. Le réalisateur Stanley Kubrick a dit à Altman que « le travail de caméra était merveilleux » et lui a demandé « Comment avez-vous fait ? ».

Dans Nashville, Altman a utilisé des décors aux couleurs marquées de rouges, de blancs et de bleus. Pour The Long Goodbye, il a insisté pour que Zsigmond garde la caméra mobile en la fixant sur des objets en mouvement. Zsigmond affirme qu »Altman « voulait faire quelque chose de différent » dans ce film et lui a dit qu »il « voulait que la caméra bouge – tout le temps. En haut, en bas. D »avant en arrière. D »un côté à l »autre. » Le directeur de la photographie Roger Deakins, discutant de son utilisation des zooms, a commenté : « Je trouverais assez excitant de tourner un film avec un zoom s »il s »agissait de ce genre de regard observateur et itinérant pour lequel Robert Altman était connu. Il mettait la caméra sur un bras à potence et flottait à travers la scène et choisissait ces plans au fur et à mesure – une façon assez agréable de travailler. »

Zsigmond se souvient également que travailler avec Altman était amusant :

Nous avons plutôt aimé faire des choses « improvisées ». Altman est un grand improvisateur. Au cours des premiers jours du tournage, il « créait » différentes approches au pied levé. Il me montrait comment il voulait que la caméra bouge – toujours bouger. C »était amusant. Les acteurs ont adoré, et j »ai toujours été mis au défi de trouver des moyens de filmer ce qu »Altman proposait.

La photographie de Vilmos Zsigmond dans McCabe et Mrs. Miller a reçu une nomination aux British Academy Film Awards.

Partitions de musique

Lorsqu »il utilisait de la musique dans ses films, Altman était connu pour être très sélectif, choisissant souvent des musiques qu »il aimait personnellement. Le réalisateur Paul Thomas Anderson, qui a travaillé avec lui, note que « l »utilisation de la musique par Altman est toujours importante », ajoutant : « Bob aimait sa musique, n »est-ce pas ? Mon Dieu, il adorait sa musique ». Comme il était un « grand fan » de la musique de Leonard Cohen, par exemple, disant qu »il « se défonçait et jouait ce genre de choses » tout le temps, il a utilisé trois de ses chansons dans McCabe et Mrs. Miller (1971), et une autre pour la scène finale de Un mariage (1978).

Pour Nashville (1975), Altman a fait écrire par ses acteurs de nombreuses nouvelles chansons de musique country afin de créer une atmosphère réaliste. Il a incorporé une « mélodie répétée de façon obsédante » dans The Long Goodbye (1973), et a employé Harry Nilsson et Van Dyke Parks pour la partition de Popeye (1980). 347

Un certain nombre d »experts en musique ont écrit sur l »utilisation de la musique par Altman, notamment Richard R. Ness, qui a écrit sur les partitions de nombreux films d »Altman dans un article, considéré comme une ressource précieuse pour comprendre la technique cinématographique d »Altman. De même, Krin Gabbard, professeur d »études cinématographiques, a analysé l »utilisation par Altman de la musique jazz dans Short Cuts (1993), notant que peu de critiques ont considéré « l »importance de la musique » dans le film.

Le jazz était également important dans Kansas City (1996). Dans ce film, la musique est considérée comme la base de l »histoire. Altman déclare que « l »idée n »était pas d »être trop spécifique quant à l »histoire », mais de faire en sorte que le film lui-même soit « plutôt une sorte de jazz ». La technique d »Altman consistant à faire du thème d »un film une forme de musique, a été considérée comme « une expérience que personne n »avait tentée auparavant », Altman admettant qu »elle était risquée. « Je ne savais pas si ça allait marcher. … Si les gens »comprennent », alors ils ont vraiment tendance à aimer ça. »

Parmi les réalisateurs influencés par Altman figurent Paul Thomas Anderson, Wes Anderson, Judd Apatow, Richard Linklater, Alejandro González Iñárritu, Noah Baumbach, David Gordon Green, les frères Safdie, Harmony Korine et Michael Winterbottom.

En tant que directeur

Altman a reçu de nombreux prix et nominations, dont sept nominations aux Oscars et un Oscar d »honneur en 2006. Il a été nommé à sept reprises aux British Academy Film Awards et a remporté deux prix pour The Player (1992) et Gosford Park (2001). Il a reçu le Primetime Emmy Award de la meilleure réalisation pour une série dramatique pour Tanner »88 (1988). Il a également été nommé cinq fois aux Golden Globe Awards et a remporté le Golden Globe Award du meilleur réalisateur pour Gosford Park. Il a également reçu plusieurs prix de festivals de cinéma, dont la prestigieuse Palme d »or du Festival de Cannes pour M*A*S*H et le prix du meilleur réalisateur du Festival de Cannes pour The Player. Il a également reçu l »Ours d »or du Festival international du film de Berlin et le Lion d »or du Festival du film de Venise. En 1994, il a reçu le Directors Guild of America Lifetime Achievement Award.

Famille

Altman s »est marié trois fois : Sa première femme était LaVonne Elmer. Ils ont été mariés de 1947 à 1949, et ont eu une fille, Christine. Sa deuxième femme était Lotus Corelli. Ils ont été mariés de 1950 à 1955, et ont eu deux fils, Michael et Stephen. À quatorze ans, Michael a écrit les paroles de « Suicide Is Painless », la chanson thème du film MASH d »Altman. Stephen est un concepteur de production qui a souvent travaillé avec son père. La troisième épouse d »Altman était Kathryn Reed. Ils ont été mariés de 1957 à sa mort en 2006. Ils ont eu deux fils, Robert et Matthew. Altman est devenu le beau-père de Konni Reed lorsqu »il a épousé Kathryn.

Kathryn Altman, décédée en 2016, a coécrit un livre sur Altman qui a été publié en 2014. Elle avait servi de consultante et de narratrice pour le documentaire Altman de 2014, et avait pris la parole lors de nombreuses projections rétrospectives des films de son mari.

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Maisons

Dans les années 1960, Altman a vécu pendant des années à Mandeville Canyon, à Brentwood, en Californie. Il a résidé à Malibu tout au long des années 1970, mais a vendu cette maison et la société de production Lion »s Gate en 1981. « Je n »avais pas le choix », a-t-il déclaré au New York Times. « Personne ne répondait au téléphone » après le flop de Popeye. Il a déménagé sa famille et le siège de son entreprise à New York, mais est finalement revenu à Malibu, où il a vécu jusqu »à sa mort.

Opinions politiques

En novembre 2000, Altman a affirmé qu »il déménagerait à Paris si George W. Bush était élu, mais a plaisanté en disant qu »il avait voulu dire Paris, Texas, lorsque cela s »est produit. Il a fait remarquer que « l »État se porterait mieux s »il (Bush) n »était plus là ». Altman était un fervent consommateur de marijuana, et a été membre du conseil consultatif de NORML. Il était également athée et militant anti-guerre. Il est l »une des nombreuses personnalités, dont le linguiste Noam Chomsky et l »actrice Susan Sarandon, à avoir signé la déclaration « Not in Our Name », qui s »oppose à l »invasion de l »Irak en 2003. Julian Fellowes estime que les positions anti-guerre et anti-Bush d »Altman lui ont coûté l »Oscar du meilleur réalisateur pour Gosford Park. 478

Altman a méprisé la série télévisée M*A*S*H qui a suivi son film de 1970, la considérant comme l »antithèse de ce dont parlait son film, et qualifiant ses messages anti-guerre de « racistes ». Dans le commentaire du DVD de MASH de 2001, il a clairement exposé les raisons pour lesquelles il désapprouvait la série.

Altman est décédé d »une leucémie au Cedars-Sinai Medical Center de Los Angeles le 20 novembre 2006, à l »âge de 81 ans.

Un autre réalisateur, Paul Thomas Anderson, a dédié son film There Will Be Blood (2007) à Altman. Anderson avait travaillé comme réalisateur de réserve sur A Prairie Home Companion pour des raisons d »assurance, au cas où Altman, âgé de 80 ans et malade, ne pourrait pas terminer le tournage.

Lors d »un hommage rendu à Altman quelques mois après sa mort, il a été décrit comme un « cinéaste passionné » et un auteur qui rejetait les conventions, créant ce que le réalisateur Alan Rudolph a appelé un style de films « Altmanesque ». Il préférait les grandes distributions d »acteurs, les conversations naturelles qui se chevauchent, et encourageait ses acteurs à improviser et à exprimer leur créativité innée, mais sans crainte d »échouer. Lily Tomlin l »a comparé à « un grand patriarche bienveillant qui veillait toujours sur vous en tant qu »acteur », ajoutant que « vous n »avez pas peur de prendre des risques avec lui. »

Nombre de ses films sont décrits comme « des satires acides et des études de caractères de la contre-culture qui ont redéfini et revigoré le cinéma moderne. » Bien que ses films couvrent la plupart des genres cinématographiques, comme les westerns, les comédies musicales, les films de guerre ou les comédies, il était considéré comme « anti-genre » et ses films étaient « franchement subversifs ». On sait qu »il détestait le « faux-semblant » qu »il voyait dans la plupart des films grand public, et « il voulait les faire exploser » par la satire.

L »acteur Tim Robbins, qui a joué dans un certain nombre de films d »Altman, décrit certains des aspects uniques de sa méthode de mise en scène :

Il créait un monde unique et merveilleux sur ses plateaux, … où le père espiègle laissait jouer les « enfants acteurs ». Où l »imagination était encouragée, nourrie, moquée, embrassée et Altmanisée. Une douce anarchie que beaucoup d »entre nous n »avaient pas ressentie depuis la cour de récréation, libérée par le cœur sauvage de Bob.

Les archives personnelles d »Altman se trouvent à l »université du Michigan. Elles comprennent environ 900 boîtes de papiers personnels, de scripts, de documents juridiques, commerciaux et financiers, de photographies, d »accessoires et de matériel connexe. Altman avait tourné Secret Honor à l »université, et y avait également dirigé plusieurs opéras.

Depuis 2009, le prix Robert Altman est décerné au réalisateur, au directeur de casting et à l »ensemble des acteurs d »un film lors de la cérémonie annuelle des Independent Spirit Awards.

En 2014, un long métrage documentaire, Altman, est sorti, qui se penche sur sa vie et son œuvre avec des extraits de films et des interviews.

Sources