Robert Rauschenberg

gigatos | janvier 3, 2022

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Résumé

Milton Ernest « Robert » Rauschenberg (22 octobre 1925 – 12 mai 2008) est un peintre et graphiste américain dont les premières œuvres anticipent le mouvement pop art. Rauschenberg est bien connu pour ses Combines (1954-1964), un groupe d »œuvres d »art qui incorporent des objets quotidiens comme matériaux artistiques et qui brouillent les distinctions entre peinture et sculpture. Rauschenberg était à la fois peintre et sculpteur, mais il a également travaillé avec la photographie, la gravure, la fabrication de papier et la performance.

Rauschenberg a reçu de nombreux prix au cours de sa carrière artistique de près de 60 ans. Parmi les plus importantes, citons le Grand Prix international de peinture de la 32e Biennale de Venise en 1964 et la Médaille nationale des arts en 1993.

Rauschenberg a vécu et travaillé à New York et sur l »île de Captiva, en Floride, jusqu »à sa mort le 12 mai 2008.

Rauschenberg est né Milton Ernest Rauschenberg à Port Arthur, au Texas, fils de Dora Carolina (née Matson) et d »Ernest R. Rauschenberg. Son père était d »ascendance allemande et cherokee et sa mère d »ascendance néerlandaise. Son père travaillait pour Gulf States Utilities, une compagnie d »électricité. Ses parents sont des chrétiens fondamentalistes. Il avait une sœur cadette nommée Janet Begneaud.

À 18 ans, Rauschenberg est admis à l »université du Texas à Austin, où il commence à étudier la pharmacologie, mais il abandonne peu après en raison de la difficulté des cours – sans se rendre compte à ce moment-là qu »il est dyslexique – et de son refus de disséquer une grenouille en cours de biologie. Il est appelé sous les drapeaux dans la marine américaine en 1944. Basé en Californie, il sert comme technicien en neuropsychiatrie dans un hôpital de la marine jusqu »à sa libération en 1945 ou 1946.

Rauschenberg étudie ensuite au Kansas City Art Institute et à l »Académie Julian à Paris, en France, où il rencontre Susan Weil, une autre étudiante en art. En 1948, Rauschenberg rejoint Weil et s »inscrit au Black Mountain College en Caroline du Nord.

À Black Mountain, Rauschenberg cherche à rencontrer Josef Albers, un des fondateurs du Bauhaus en Allemagne, dont il a entendu parler dans un numéro d »août 1948 du magazine Time. Il espérait que les méthodes d »enseignement rigoureuses d »Albers pourraient mettre un frein à sa négligence habituelle. Les cours préliminaires de design d »Albers reposaient sur une discipline stricte qui ne permettait aucune « expérimentation non influencée ».

Rauschenberg devient, selon ses propres termes, « le cancre d »Albers, l »exemple exceptionnel de ce dont il ne parlait pas ». Bien que Rauschenberg ait considéré Albers comme son plus important professeur, il a trouvé une sensibilité plus compatible avec John Cage, un compositeur établi de musique d »avant-garde. Comme Rauschenberg, Cage s »était éloigné des enseignements disciplinaires de son instructeur, Arnold Schönberg, en faveur d »une approche plus expérimentale de la musique. Cage a apporté à Rauschenberg un soutien et des encouragements indispensables au cours des premières années de sa carrière, et les deux hommes sont restés amis et collaborateurs artistiques pendant les décennies qui ont suivi.

De 1949 à 1952, Rauschenberg a étudié avec Vaclav Vytlacil et Morris Kantor à l »Art Students League de New York, où il a rencontré les artistes Knox Martin et Cy Twombly.

Rauschenberg épouse Susan Weil au cours de l »été 1950 dans la maison familiale de Weil à Outer Island, Connecticut. Leur unique enfant, Christopher, est né le 16 juillet 1951. Ils se séparent en juin 1952 et divorcent en 1953. Par la suite, Rauschenberg a eu des relations amoureuses avec ses collègues artistes Cy Twombly et Jasper Johns, entre autres. Son partenaire pour les 25 dernières années de sa vie était l »artiste Darryl Pottorf,

Dans les années 1970, il s »installe à NoHo, à Manhattan, à New York.

Rauschenberg a acheté la Beach House, sa première propriété sur l »île de Captiva, le 26 juillet 1968. Toutefois, la propriété ne devient sa résidence permanente qu »à l »automne 1970.

Rauschenberg est mort d »une insuffisance cardiaque le 12 mai 2008 sur l »île de Captiva, en Floride.

L »approche de Rauschenberg a parfois été qualifiée de « néo-dadaïste », une étiquette qu »il partageait avec le peintre Jasper Johns. Rauschenberg a déclaré que « la peinture est liée à la fois à l »art et à la vie » et qu »il voulait travailler « dans l »intervalle entre les deux ». Comme nombre de ses prédécesseurs dadaïstes, Rauschenberg remet en question la distinction entre les objets d »art et les objets du quotidien, et son utilisation de matériaux ready-made reprend les questions intellectuelles soulevées par Fountain (1917) de Marcel Duchamp. L »influence dadaïste de Duchamp peut également être observée dans les peintures de Jasper Johns représentant des cibles, des chiffres et des drapeaux, qui sont des symboles culturels familiers : « des choses que l »esprit connaît déjà ».

Au Black Mountain College, Rauschenberg a expérimenté divers médiums artistiques, notamment la gravure, le dessin, la photographie, la peinture, la sculpture et le théâtre ; ses œuvres présentent souvent une combinaison de ces médiums. Il a créé ses peintures Night Blooming (1951) à Black Mountain en pressant des cailloux et du gravier dans un pigment noir sur une toile.

De l »automne 1952 au printemps 1953, Rauschenberg voyage en Italie et en Afrique du Nord avec son collègue et partenaire Cy Twombly. Il y crée des collages et de petites sculptures, dont les Scatole Personali et Feticci Personali, à partir de matériaux trouvés. Il les expose dans des galeries à Rome et à Florence. À la surprise de Rauschenberg, un certain nombre d »œuvres se vendent ; il jette celles qui ne se vendent pas dans le fleuve Arno, suivant la suggestion d »un critique d »art qui a fait la critique de son exposition.

À son retour à New York en 1953, Rauschenberg commence à créer des sculptures avec des matériaux trouvés dans son quartier de Lower Manhattan, tels que de la ferraille, du bois et de la ficelle. Tout au long des années 1950, Rauschenberg subvient à ses besoins en concevant des vitrines pour Tiffany & Co. et Bonwit Teller, d »abord avec Susan Weil, puis en partenariat avec Jasper Johns sous le pseudonyme de Matson Jones.

Lors d »un incident célèbre survenu en 1953, Rauschenberg a demandé un dessin au peintre expressionniste abstrait Willem de Kooning dans le but exprès de l »effacer pour en faire une déclaration artistique. Cette œuvre conceptuelle, intitulée Erased de Kooning Drawing, a été exécutée avec le consentement de l »artiste aîné.

En 1961, Rauschenberg a exploré une approche conceptuelle similaire en présentant une idée comme l »œuvre d »art elle-même. Il a été invité à participer à une exposition à la Galerie Iris Clert à Paris, où les artistes devaient présenter des portraits de Clert, la galeriste. La soumission de Rauschenberg consistait en un télégramme déclarant « Ceci est un portrait d »Iris Clert si je le dis ».

En 1962, les peintures de Rauschenberg commencent à incorporer non seulement des objets trouvés, mais aussi des images trouvées. Après une visite au studio d »Andy Warhol cette année-là, Rauschenberg commence à utiliser un procédé de sérigraphie, habituellement réservé aux moyens de reproduction commerciaux, pour transférer des photographies sur la toile. Les sérigraphies réalisées entre 1962 et 1964 ont conduit les critiques à identifier le travail de Rauschenberg au Pop art.

Rauschenberg a expérimenté la technologie dans ses œuvres d »art depuis la réalisation de ses premières Combines au milieu des années 1950, où il utilisait parfois des radios, des horloges et des ventilateurs électriques en état de marche comme matériaux sculpturaux. Il a ensuite approfondi son intérêt pour la technologie en travaillant avec Billy Klüver, chercheur scientifique aux Laboratoires Bell. Ensemble, ils réalisent certaines des expériences technologiques les plus ambitieuses de Rauschenberg, comme Soundings (1968), une installation lumineuse qui réagit au son ambiant. En 1966, Klüver et Rauschenberg ont officiellement lancé Experiments in Art and Technology (E.A.T.), une organisation à but non lucratif créée pour promouvoir les collaborations entre artistes et ingénieurs.

En 1969, la NASA invite Rauschenberg à assister au lancement d »Apollo 11. En réponse à cet événement marquant, Rauschenberg crée sa série de lithographies Stoned Moon. Il s »agissait de combiner des diagrammes et d »autres images provenant des archives de la NASA avec ses propres dessins et textes manuscrits.

À partir de 1970, Rauschenberg travaille depuis sa maison et son studio de Captiva, en Floride. Les premières œuvres qu »il crée dans son nouveau studio sont Cardboards (1971-72) et Early Egyptians (1973-74), pour lesquelles il utilise des matériaux d »origine locale comme le carton et le sable. Alors que ses œuvres précédentes mettaient souvent en avant l »imagerie et les matériaux urbains, Rauschenberg privilégie désormais l »effet des fibres naturelles présentes dans le tissu et le papier. Il imprime sur des textiles en utilisant sa technique de transfert de solvant pour réaliser les Hoarfrost (ces derniers présentent de grandes étendues de tissu collé sur des panneaux de bois). Rauschenberg a créé sa série Jammer (1975-76) en utilisant des tissus colorés inspirés par son voyage à Ahmedabad, en Inde, une ville célèbre pour ses textiles. La simplicité sans imagination de la série Jammer est un contraste frappant avec les Hoarfrosts remplis d »images et le caractère grinçant de ses premières œuvres réalisées à New York.

Les voyages internationaux sont devenus un élément central du processus artistique de Rauschenberg après 1975. En 1984, Rauschenberg a annoncé le début de son projet Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) aux Nations Unies. Presque entièrement financé par l »artiste, le projet ROCI consistait en une tournée de sept ans dans dix pays du monde. Rauschenberg a pris des photographies dans chaque lieu et a créé des œuvres d »art inspirées par les cultures qu »il a visitées. Les œuvres ainsi créées ont été présentées dans le cadre d »une exposition locale dans chaque pays. Rauschenberg faisait souvent don d »une œuvre d »art à une institution culturelle locale.

À partir du milieu des années 1980, Rauschenberg se concentre sur la sérigraphie d »images sur une variété de métaux traités différemment, tels que l »acier et l »aluminium réfléchissant. Il a créé de nombreuses séries de « peintures métalliques », notamment : Borealis (1988-92), Urban Bourbons (1988-1996), Phantoms (1991), et Night Shades (1991). En outre, tout au long des années 1990, Rauschenberg a continué à utiliser de nouveaux matériaux tout en continuant à travailler avec des techniques plus rudimentaires. Dans le cadre de son engagement avec les dernières innovations technologiques, il transfère, dans ses dernières séries de peintures, des images photographiques numériques à jet d »encre sur divers supports de peinture. Pour ses Retraites arcadiennes (1996), il a transféré des images sur de la fresque humide. Conformément à son engagement en faveur de l »environnement, Rauschenberg a utilisé des colorants et des pigments biodégradables, ainsi que de l »eau plutôt que des produits chimiques dans le processus de transfert.

Les peintures blanches, les peintures noires, et les peintures rouges

En 1951, Rauschenberg crée sa série White Painting dans la tradition de la peinture monochromatique établie par Kazimir Malevich, qui réduisait la peinture à ses qualités les plus essentielles pour une expérience de pureté esthétique et d »infini. Les White Paintings ont été présentées à la Stable Gallery d »Eleanor Ward à New York à l »automne 1953. Rauschenberg utilise de la peinture blanche ordinaire et des rouleaux à peinture pour créer des surfaces lisses et sans fioritures qui, au premier abord, semblent être des toiles vierges. Cependant, au lieu de les percevoir comme étant sans contenu, John Cage a décrit les White Paintings comme des « aéroports pour les lumières, les ombres et les particules », des surfaces qui reflétaient les délicats changements atmosphériques de la pièce.Rauschenberg lui-même a dit qu »elles étaient affectées par les conditions ambiantes, « de sorte que vous pourriez presque dire combien de personnes sont dans la pièce ».Comme les White Paintings, les peintures noires de 1951-1953 ont été exécutées sur plusieurs panneaux et étaient principalement des œuvres unicolores. Rauschenberg applique de la peinture noire mate et brillante sur des fonds texturés de papier journal sur toile, laissant parfois le papier journal visible.

En 1953, Rauschenberg est passé de la série des White Painting et des peintures noires à l »expressionnisme exacerbé de sa série des Red Painting. Il considérait le rouge comme « la couleur la plus difficile » à peindre et relevait le défi en faisant couler, en collant et en pressant des couches de pigment rouge directement sur des supports en toile comprenant des tissus à motifs, du papier journal, du bois et des clous. Les surfaces matérielles complexes des Red Paintings sont les précurseurs de la célèbre série Combine (1954-1964) de Rauschenberg.

Combine

Rauschenberg collectait des objets mis au rebut dans les rues de New York et les ramenait dans son atelier où il les intégrait à son travail. Il a déclaré qu »il « voulait quelque chose d »autre que ce que je pouvais fabriquer moi-même et je voulais utiliser la surprise, la collectivité et la générosité de la découverte de surprises. Ainsi, l »objet lui-même a été modifié par son contexte et il est donc devenu une nouvelle chose. »

Le commentaire de Rauschenberg concernant le fossé entre l »art et la vie constitue le point de départ d »une compréhension de ses contributions en tant qu »artiste. Il voyait la beauté potentielle dans presque tout ; il a dit un jour : « Je plains vraiment les gens qui pensent que des choses comme les porte-savons, les miroirs ou les bouteilles de Coca sont laides, parce qu »ils sont entourés de ce genre de choses toute la journée et que cela doit les rendre malheureux ». Sa série Combine a conféré aux objets quotidiens une nouvelle signification en les faisant entrer dans le contexte des beaux-arts aux côtés des matériaux de peinture traditionnels. Les Combines éliminent les frontières entre l »art et la sculpture, de sorte que les deux sont présents dans une seule œuvre d »art. Si « Combines » fait techniquement référence au travail de Rauschenberg de 1954 à 1964, Rauschenberg a continué à utiliser des objets quotidiens tels que des vêtements, des journaux, des débris urbains et des cartons tout au long de sa carrière artistique.

Ses œuvres de transition qui ont conduit à la création de Combines sont Charlene (1954) et Collection (19541955), où il a collé des objets tels que des foulards, des ampoules électriques, des miroirs et des bandes dessinées. Bien que Rauschenberg ait utilisé des journaux et des textiles à motifs dans ses peintures noires et ses Red Paintings, il a donné aux objets quotidiens une importance égale à celle des matériaux de peinture traditionnels dans les Combines. Considérée comme l »une des premières Combines, Bed (1955) a été créée en étalant de la peinture rouge sur une couette, un drap et un oreiller bien usés. L »œuvre a été accrochée verticalement au mur comme une peinture traditionnelle. En raison des liens intimes entre les matériaux et la vie de l »artiste, Bed est souvent considéré comme un autoportrait et une empreinte directe de la conscience intérieure de Rauschenberg. Certains critiques ont suggéré que l »œuvre pouvait être lue comme un symbole de violence et de viol, mais Rauschenberg a décrit Bed comme « l »une des images les plus amicales que j »aie jamais peintes ». Parmi ses Combines les plus célèbres figurent celles qui intègrent des animaux taxidermisés, comme Monogram (1955-1959), qui comprend une chèvre angora empaillée, et Canyon (1959), qui présente un aigle royal empaillé. Bien que l »aigle ait été sauvé de la poubelle, Canyon a suscité l »ire du gouvernement en raison de la loi de 1940 sur la protection des aigles chauves et des aigles royaux.

À l »origine, les critiques considéraient les Combines en fonction de leurs qualités formelles : couleur, texture et composition. La vision formaliste des années 1960 a ensuite été réfutée par le critique Leo Steinberg, qui a déclaré que chaque Combine était « une surface réceptrice sur laquelle les objets sont dispersés, sur laquelle des données sont saisies ». Selon Steinberg, l »horizontalité de ce qu »il appelait le « plan d »image plat » de Rauschenberg avait remplacé la verticalité traditionnelle de la peinture, ce qui a permis de créer les surfaces liées à la matière unique de l »œuvre de Rauschenberg.

Performance et danse

Rauschenberg a commencé à explorer son intérêt pour la danse après avoir déménagé à New York au début des années 1950. Il est d »abord exposé à la danse d »avant-garde et à l »art de la performance au Black Mountain College, où il participe au Theatre Piece No. 1 (1952) de John Cage, souvent considéré comme le premier Happening. Il a commencé à concevoir des décors, des éclairages et des costumes pour Merce Cunningham et Paul Taylor. Au début des années 1960, il participe aux expériences radicales de danse-théâtre à la Judson Memorial Church de Greenwich Village, et il chorégraphie sa première performance, Pelican (1963), pour le Judson Dance Theater en mai 1963. Rauschenberg était très ami avec les danseurs affiliés à Cunningham, notamment Carolyn Brown, Viola Farber et Steve Paxton, qui ont tous participé à ses chorégraphies. Le lien permanent de Rauschenberg avec la Merce Cunningham Dance Company prend fin après sa tournée mondiale de 1964. En 1966, Rauschenberg crée la performance Open Score dans le cadre de 9 Evenings : Theatre and Engineering au 69th Regiment Armory, à New York. Cette série a contribué à la création d »Experiments in Art and Technology (E.A.T.).

En 1977, Rauschenberg, Cunningham et Cage ont renoué avec leur collaboration pour la première fois depuis treize ans, pour créer Travelogue (1977), pour lequel Rauschenberg a fourni les costumes et les décors. Rauschenberg n »a plus chorégraphié ses propres œuvres après 1967, mais il a continué à collaborer avec d »autres chorégraphes, dont Trisha Brown, pendant le reste de sa carrière artistique.

Commissions

Tout au long de sa carrière, Rauschenberg a conçu de nombreuses affiches pour soutenir les causes qui lui tenaient à cœur. En 1965, lorsque le magazine Life lui commande la visualisation d »un Enfer moderne, il n »hésite pas à exprimer sa rage à l »égard de la guerre du Viêt Nam et d »autres problèmes sociopolitiques contemporains, notamment la violence raciale, le néonazisme, les assassinats politiques et les catastrophes écologiques.

Le 30 décembre 1979, le Miami Herald a imprimé 650 000 exemplaires de Tropic, son magazine du dimanche, avec une couverture conçue par Rauschenberg. En 1983, il remporte un Grammy Award pour la conception de la pochette de l »album Speaking in Tongues de Talking Heads. En 1986, BMW a demandé à Rauschenberg de peindre une BMW 635 CSi grandeur nature pour le sixième volet du célèbre BMW Art Car Project. La voiture de Rauschenberg a été la première du projet à présenter des reproductions d »œuvres du Metropolitan Museum of Art de New York, ainsi que ses propres photographies.

En 1998, le Vatican a commandé à Rauschenberg une œuvre en l »honneur du Jubilé de l »an 2000, qui sera exposée dans la salle liturgique Padre Pio, à San Giovanni Rotondo, en Italie. Travaillant sur le thème du Jugement dernier, Rauschenberg a créé The Happy Apocalypse (1999), une maquette de vingt pieds de long. L »œuvre a finalement été rejetée par le Vatican au motif que la représentation de Dieu par Rauschenberg sous la forme d »une antenne parabolique constituait une référence théologique inappropriée.

Rauschenberg a eu sa première exposition personnelle à la Betty Parsons Gallery au printemps 1951. En 1953, lors d »un séjour en Italie, il est remarqué par Irene Brin et Gaspero del Corso, qui organisent sa première exposition européenne dans leur célèbre galerie de Rome. En 1953, Eleanor Ward invite Rauschenberg à participer à une exposition commune avec Cy Twombly à la Stable Gallery. Lors de sa deuxième exposition personnelle à New York, à la Charles Egan Gallery en 1954, Rauschenberg présente ses Red Paintings (1953-1953) et Combines (1954-1964). Leo Castelli organise une exposition personnelle des Combines de Rauschenberg en 1958. La seule vente a été l »acquisition par Castelli lui-même de Bed (1955), qui fait désormais partie de la collection du Museum of Modern Art de New York.

La première rétrospective de la carrière de Rauschenberg est organisée par le Jewish Museum, à New York, en 1963. En 1964, il devient l »un des premiers artistes américains à remporter le Grand Prix international de peinture de la Biennale de Venise (Mark Tobey et James Whistler avaient auparavant remporté les prix de peinture en 1895 et 1958 respectivement). Une rétrospective de mi-carrière a été organisée par la National Collection of Fine Arts (aujourd »hui le Smithsonian American Art Museum), Washington, D.C., et a voyagé à travers les États-Unis entre 1976 et 1978.

Dans les années 1990, une rétrospective a été organisée au Solomon R. Guggenheim Museum, New York (1997), qui a voyagé dans les musées de Houston, Cologne et Bilbao jusqu »en 1999. Une exposition de Combines a été présentée au Metropolitan Museum of Art, New York (qui a voyagé au Museum of Contemporary Art, Los Angeles, au Centre Georges Pompidou, Paris, et au Moderna Museet, Stockholm, jusqu »en 2007). La première rétrospective posthume de Rauschenberg a été organisée à la Tate Modern (itinérante au Museum of Modern Art, New York, et au San Francisco Museum of Modern Art jusqu »en 2017).

Parmi les autres expositions, citons : Robert Rauschenberg : Jammers, Gagosian Gallery, Londres ( A Visual Lexicon, Leo Castelli Gallery ( Rauschenberg in China, Ullens Center for Contemporary Art, Beijing ( et Rauschenberg : The 14 Mile au Los Angeles County Museum of Art (2018-2019).

Rauschenberg croyait fermement au pouvoir de l »art comme catalyseur du changement social. Le Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) a été lancé en 1984 dans le but de susciter un dialogue international et d »améliorer la compréhension culturelle par l »expression artistique. Une exposition ROCI a été présentée à la National Gallery of Art, D.C., en 1991, à l »issue d »une tournée dans dix pays : Mexique, Chili, Venezuela, Chine, Tibet, Japon, Cuba, U.R.S.S., Allemagne et Malaisie.

En 1970, Rauschenberg a créé un programme appelé Change, Inc. pour accorder des subventions d »urgence uniques allant jusqu »à 1 000 dollars à des artistes visuels en fonction de leurs besoins financiers. En 1990, Rauschenberg a créé la Fondation Robert Rauschenberg (RRF) afin de promouvoir la sensibilisation aux causes qui lui tenaient à cœur, telles que la paix dans le monde, l »environnement et les questions humanitaires. En 1986, Rauschenberg a reçu le Golden Plate Award de l »American Academy of Achievement. En 1993, le président Bill Clinton lui a décerné la National Medal of Arts. En 2000, Rauschenberg a été honoré par le prix d »excellence de l »amfAR pour ses contributions artistiques à la lutte contre le sida.

La RRF possède aujourd »hui de nombreuses œuvres de Rauschenberg, de toutes les périodes de sa carrière. En 2011, la fondation a présenté The Private Collection of Robert Rauschenberg en collaboration avec la Gagosian Gallery, avec des sélections de la collection d »art personnelle de Rauschenberg. Les recettes de l »exposition ont permis de financer les activités philanthropiques de la fondation. En 2011 également, la fondation a lancé son projet « Artist as Activist » et a invité l »artiste Shepard Fairey à se concentrer sur une question de son choix. L »œuvre éditée qu »il a réalisée a été vendue afin de récolter des fonds pour la Coalition pour les sans-abri. Le RRF continue de soutenir les artistes émergents et les organisations artistiques par des subventions et des collaborations philanthropiques chaque année. La RRF propose plusieurs programmes de résidence qui se déroulent au siège de la fondation à New York et dans la propriété de l »artiste décédé à Captiva Island, en Floride.

En 2013, Dale Eisinger de Complex a classé Open Score (1966) au septième rang de sa liste des plus grandes œuvres d »art performance de tous les temps.

En 2010, Studio Painting (1960-61), l »un des Combines de Rauschenberg initialement estimé entre 6 et 9 millions de dollars, a été acheté à la collection de Michael Crichton pour 11 millions de dollars chez Christie »s, à New York. En 2019, Christie »s a vendu la sérigraphie Buffalo II (1964) pour 88,8 millions de dollars, pulvérisant le précédent record de l »artiste.

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Lobbying pour les droits de suite des artistes

Au début des années 1970, Rauschenberg a fait pression sur le Congrès américain pour qu »il adopte un projet de loi visant à indemniser les artistes lorsque leurs œuvres sont revendues sur le marché secondaire. Rauschenberg a repris son combat pour les redevances de revente des artistes après que le baron des taxis Robert Scull a vendu une partie de sa collection d »œuvres d »expressionnisme abstrait et d »art pop pour 2,2 millions de dollars. Scull avait initialement acheté les peintures de Rauschenberg intitulées Thaw (dégel) (environ dix ans plus tard, Scull a vendu les pièces pour 85 000 et 90 000 dollars lors d »une vente aux enchères organisée en 1973 par Sotheby Parke Bernet à New York.

Les efforts de lobbying de Rauschenberg ont été récompensés en 1976 lorsque le gouverneur californien Jerry Brown a signé la loi California Resale Royalty Act de 1976. Après cette victoire californienne, l »artiste a continué à œuvrer en faveur d »une législation nationale sur les redevances de revente.

Sources