Roy Lichtenstein

gigatos | mai 8, 2022

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Résumé

Roy Fox Lichtenstein (27 octobre 1923 – 29 septembre 1997) était un artiste pop américain. Dans les années 1960, avec Andy Warhol, Jasper Johns et James Rosenquist, entre autres, il est devenu une figure de proue du nouveau mouvement artistique. Son œuvre définit les prémisses du pop art par la parodie. Inspiré par la bande dessinée, Lichtenstein produit des compositions précises qui documentent tout en parodiant, souvent de manière ironique. Son travail a été influencé par la publicité populaire et le style de la bande dessinée. Ses œuvres étaient considérées comme « perturbatrices ». Il a décrit le pop art comme « non pas de la peinture »américaine » mais de la peinture industrielle ». Ses peintures ont été exposées à la galerie Leo Castelli de New York.

Whaam ! et Drowning Girl sont généralement considérés comme les œuvres les plus célèbres de Lichtenstein. Drowning Girl, Whaam ! et Look Mickey sont considérées comme ses œuvres les plus influentes. Son œuvre la plus chère est Masterpiece, qui a été vendue pour 165 millions de dollars en janvier 2017.

Lichtenstein est né dans une famille juive allemande de la classe moyenne supérieure à New York. Son père, Milton, était courtier en immobilier et sa mère, Beatrice (Werner), femme au foyer. Il a grandi dans l »Upper West Side de New York et a fréquenté l »école publique jusqu »à l »âge de douze ans. Il a ensuite fréquenté la Dwight School de New York, dont il est sorti diplômé en 1940. Lichtenstein s »est d »abord intéressé à l »art et au design comme un passe-temps, par le biais de l »école. Grand amateur de jazz, il assiste souvent aux concerts de l »Apollo Theater à Harlem. Il dessinait fréquemment des portraits des musiciens jouant de leurs instruments. Lors de sa dernière année de lycée, en 1939, Lichtenstein s »inscrit à des cours d »été à l »Art Students League de New York, où il travaille sous la tutelle de Reginald Marsh.

Lichtenstein quitte ensuite New York pour étudier à l »université d »État de l »Ohio, qui propose des cours en atelier et un diplôme en beaux-arts. Ses études sont interrompues par un engagement de trois ans dans l »armée pendant et après la Seconde Guerre mondiale, entre 1943 et 1946. Après avoir suivi des programmes de formation en langues, en ingénierie et en pilotage, qui ont tous été annulés, il a servi en tant qu »infirmier, dessinateur et artiste.

Lichtenstein rentre chez lui pour rendre visite à son père mourant et est libéré de l »armée, ce qui lui permet de bénéficier du G.I. Bill. Il reprend ses études dans l »Ohio sous la supervision de l »un de ses professeurs, Hoyt L. Sherman, qui est largement considéré comme ayant eu un impact significatif sur son travail futur (Lichtenstein nommera plus tard un nouveau studio qu »il a financé à l »OSU le Hoyt L. Sherman Studio Art Center).

Lichtenstein s »inscrit au programme d »études supérieures de l »université d »État de l »Ohio et est engagé comme professeur d »art, poste qu »il occupera de façon intermittente pendant les dix années suivantes. En 1949, Lichtenstein obtient un Master of Fine Arts de l »Ohio State University.

En 1951, Lichtenstein présente sa première exposition personnelle à la Carlebach Gallery de New York et s »installe la même année à Cleveland, où il restera six ans, tout en retournant fréquemment à New York. Pendant cette période, il a occupé des emplois aussi variés que celui de dessinateur ou de décorateur de fenêtres entre deux périodes de peinture. À cette époque, son œuvre oscille entre le cubisme et l »expressionnisme. En 1954, son premier fils, David Hoyt Lichtenstein, aujourd »hui auteur-compositeur, est né. Son deuxième fils, Mitchell Lichtenstein, est né en 1956.

En 1957, il retourne dans le nord de l »État de New York et recommence à enseigner. C »est à cette époque qu »il adopte le style de l »expressionnisme abstrait, étant un converti tardif à ce style de peinture. En 1958, Lichtenstein commence à enseigner dans le nord de l »État de New York, à la State University of New York à Oswego. À cette époque, il commence à incorporer des images cachées de personnages de dessins animés tels que Mickey Mouse et Bugs Bunny dans ses œuvres abstraites.

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En 1960, il commence à enseigner à l »université Rutgers où il est fortement influencé par Allan Kaprow, qui est également professeur à l »université. En 1961, Lichtenstein commence ses premières peintures pop en utilisant des images de dessins animés et des techniques dérivées de l »apparence de l »impression commerciale. Cette phase se poursuivra jusqu »en 1965, et comprendra l »utilisation d »images publicitaires suggérant le consumérisme et les tâches ménagères. Sa première œuvre à utiliser à grande échelle des figures aux contours durs et des points Ben-Day est Look Mickey (1961, National Gallery of Art, Washington, D.C.). Cette œuvre est le résultat d »un défi lancé par l »un de ses fils, qui lui a montré une bande dessinée de Mickey Mouse en disant : « Je parie que tu ne peux pas peindre aussi bien que ça, hein, papa ? ». La même année, il a produit six autres œuvres avec des personnages reconnaissables provenant d »emballages de chewing-gum et de dessins animés.

En 1961, Leo Castelli commence à exposer les œuvres de Lichtenstein dans sa galerie à New York. Lichtenstein présente sa première exposition personnelle à la galerie Castelli en 1962 ; la collection entière est achetée par des collectionneurs influents avant même l »ouverture de l »exposition. Un groupe de peintures réalisées entre 1961 et 1962 se concentre sur des objets domestiques solitaires tels que des baskets, des hot-dogs et des balles de golf. En septembre 1963, il prend un congé de son poste d »enseignant au Douglass College de Rutgers.

Ses œuvres étaient inspirées par des bandes dessinées mettant en scène des histoires de guerre et des histoires romantiques. « À cette époque », a raconté plus tard Lichtenstein, « je m »intéressais à tout ce que je pouvais utiliser comme sujet qui était émotionnellement fort – généralement l »amour, la guerre, ou quelque chose de très chargé et émotionnel à opposer aux techniques de peinture retirées et délibérées ».

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Période du plus haut profil du Lichtenstein

C »est à cette époque que Lichtenstein commence à trouver la célébrité non seulement en Amérique mais dans le monde entier. Il retourne à New York pour être au centre de la scène artistique et démissionne de l »université Rutgers en 1964 pour se concentrer sur sa peinture. Lichtenstein a utilisé de la peinture à l »huile et de la peinture Magna (les premières peintures acryliques) dans ses œuvres les plus connues, comme Drowning Girl (1963), qui s »inspire de l »histoire principale du numéro 83 de Secret Hearts de DC Comics. (Drowning Girl est aujourd »hui exposée au Museum of Modern Art de New York.) Drowning Girl présente également des contours épais, des couleurs vives et des points Ben-Day, comme s »ils avaient été créés par reproduction photographique. À propos de son propre travail, Lichtenstein dira que les expressionnistes abstraits « posaient des choses sur la toile et réagissaient à ce qu »ils avaient fait, aux positions des couleurs et aux tailles. Mon style est complètement différent, mais la nature des lignes est à peu près la même ; les miennes n »ont simplement pas l »air calligraphiques, comme celles de Pollock ou de Kline ».

Plutôt que de tenter de reproduire ses sujets, l »œuvre de Lichtenstein s »attaque à la manière dont les médias de masse les dépeignent. Il ne se prend toutefois jamais trop au sérieux, déclarant : « Je pense que mon travail est différent des bandes dessinées – mais je ne l »appellerais pas transformation ; je ne pense pas que ce que l »on entend par là soit important pour l »art. » Lorsque l »œuvre de Lichtenstein a été exposée pour la première fois, de nombreux critiques d »art de l »époque ont contesté son originalité. Son travail a été sévèrement critiqué comme étant vulgaire et vide. Le titre d »un article du magazine Life en 1964 demandait : » Est-il le pire artiste des États-Unis ? « . Lichtenstein répondait à ces affirmations en offrant des réponses telles que celles-ci : « Plus mon œuvre est proche de l »original, plus son contenu est menaçant et critique. Cependant, mon travail est entièrement transformé dans la mesure où mon objectif et ma perception sont entièrement différents. Je pense que mes peintures sont transformées de manière critique, mais il serait difficile de le prouver par une quelconque argumentation rationnelle. » Il a parlé de l »expérience de cette lourde critique dans une interview avec April Bernard et Mimi Thompson en 1986. Suggérant qu »il était parfois difficile d »être critiqué, Lichtenstein a déclaré : « Je ne doute pas quand je peins réellement, c »est la critique qui vous fait vous interroger, c »est vrai. »

Son image la plus célèbre est sans doute Whaam ! (1963, Tate Modern, Londres), l »un des premiers exemples connus de pop art, adapté d »une planche de bande dessinée dessinée par Irv Novick dans un numéro de 1962 de All-American Men of War de DC Comics. Le tableau représente un avion de chasse tirant une roquette sur un avion ennemi, avec une explosion rouge et jaune. Le style cartoon est accentué par l »utilisation de la lettre onomatopéique « Whaam ! » et la légende encadrée « J »ai appuyé sur la commande de tir … et devant moi des roquettes ont fusé dans le ciel … ». Ce diptyque est à grande échelle, mesurant 1,7 x 4,0 m (5 ft 7 in x 13 ft 4 in). Whaam reprend les thèmes de bandes dessinées de certaines de ses peintures précédentes et fait partie d »un ensemble d »œuvres sur le thème de la guerre créées entre 1962 et 1964. C »est l »une de ses deux grandes peintures remarquables sur le thème de la guerre. Elle a été achetée par la Tate Gallery en 1966, après avoir été exposée à la Leo Castelli Gallery en 1963, et (aujourd »hui à la Tate Modern) est restée dans leur collection depuis lors. En 1968, l »entrepreneur Karl Ströher de Darmstadt acquiert plusieurs œuvres majeures de Lichtenstein, telles que Nurse (1964), Compositions I (1964), We rose up slowly (1964) et Yellow and Green Brushstrokes (1966). Après avoir été prêté au Hessiches Landesmuseum de Darmstadt pendant plusieurs années, le directeur fondateur du Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden, a pu acquérir en 1981 un total de 87 œuvres, principalement du Pop Art américain et de l »Art minimal pour le musée en construction jusqu »en 1991.

Lichtenstein a commencé à expérimenter la sculpture vers 1964, démontrant un talent pour la forme qui était en contradiction avec la platitude insistante de ses peintures. Pour Head of Girl (1964) et Head with Red Shadow (1965), il collabore avec un céramiste qui sculpte la forme de la tête dans l »argile. Lichtenstein applique ensuite une glaçure pour créer le même type de motifs graphiques que ceux qu »il utilise dans ses peintures ; l »application de lignes noires et de points Ben-Day sur des objets tridimensionnels entraîne un aplatissement de la forme.

La plupart des œuvres les plus connues de Lichtenstein sont des copies relativement proches, mais non exactes, de planches de bandes dessinées, un sujet qu »il a largement abandonné en 1965, bien qu »il ait parfois intégré les bandes dessinées dans ses œuvres de différentes manières au cours des décennies suivantes. Ces panneaux ont été dessinés à l »origine par des artistes de bandes dessinées tels que Jack Kirby et les artistes de DC Comics Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick et Jerry Grandenetti, qui ont rarement été crédités. Jack Cowart, directeur exécutif de la Lichtenstein Foundation, conteste l »idée que Lichtenstein était un copiste, déclarant : « L »œuvre de Roy était un émerveillement devant les formules graphiques et la codification du sentiment qui avaient été élaborées par d »autres. Les panneaux étaient modifiés dans leur échelle, leur couleur, leur traitement et dans leurs implications. Il n »y a pas de copie exacte », ont critiqué l »utilisation par Lichtenstein de l »imagerie et des œuvres d »art de la bande dessinée, en particulier dans la mesure où cette utilisation a été perçue comme l »approbation d »une vision condescendante de la bande dessinée par le courant artistique dominant ; le dessinateur Art Spiegelman a déclaré que « Lichtenstein a fait ni plus ni moins pour la bande dessinée qu »Andy Warhol pour la soupe ».

Les œuvres de Lichtenstein basées sur des panneaux agrandis de bandes dessinées ont suscité un vaste débat sur leurs mérites en tant qu »art. Lichtenstein lui-même a admis : « Je copie nominalement, mais je reformule en réalité la chose copiée en d »autres termes. Ce faisant, l »original acquiert une texture totalement différente. Ce ne sont pas des coups de pinceau épais ou fins, ce sont des points, des couleurs plates et des lignes inflexibles. » Eddie Campbell a écrit sur son blog : « Lichtenstein a pris une image minuscule, plus petite que la paume de la main, imprimée avec des encres en quatre couleurs sur du papier journal, l »a agrandie à la taille conventionnelle à laquelle l » »art » est fait et exposé, et l »a finie en peinture sur toile. » En ce qui concerne Lichtenstein, Bill Griffith a dit un jour : « Il y a le grand art et le petit art. Et puis il y a le grand art qui peut prendre le petit art, l »amener dans un contexte de grand art, se l »approprier et l »élever à quelque chose d »autre. »

Bien que le travail de Lichtenstein basé sur la bande dessinée ait gagné une certaine acceptation, des préoccupations sont encore exprimées par des critiques qui disent que Lichtenstein n »a pas crédité, payé des redevances, ou demandé la permission des artistes originaux ou des détenteurs de droits d »auteur. Dans une interview pour un documentaire de la BBC Four en 2013, Alastair Sooke a demandé à l »artiste de bande dessinée Dave Gibbons s »il considérait Lichtenstein comme un plagiaire. Gibbons a répondu : « Je dirais plutôt »copieur ». En musique par exemple, vous ne pouvez pas simplement siffler l »air de quelqu »un d »autre ou interpréter l »air de quelqu »un d »autre, aussi mauvais soit-il, sans d »une certaine manière créditer et donner un paiement à l »artiste original. C »est à dire, c »est »WHAAM ! par Roy Lichtenstein, d »après Irv Novick ». » Sooke lui-même soutient que « Lichtenstein a transformé l »œuvre de Novick de plusieurs manières subtiles mais cruciales ».

Ernesto Priego, fondateur de la revue, maître de conférences à la City University de Londres et docteur à l »University College de Londres, note que le fait que Lichtenstein n »ait pas crédité les créateurs originaux de ses œuvres de bande dessinée est le reflet de la décision de National Periodical Publications, le prédécesseur de DC Comics, d »omettre tout crédit pour ses auteurs et artistes :

En plus d »incarner le préjugé culturel à l »encontre de la bande dessinée en tant que véhicule de l »art, des exemples comme l »appropriation du vocabulaire de la bande dessinée par Lichtenstein soulignent l »importance de prendre en considération le format de la publication lorsqu »on définit la bande dessinée, ainsi que l »économie politique impliquée par des types spécifiques de publications historiques, en l »occurrence la bande dessinée grand public américaine. Dans quelle mesure National Periodical Publications (plus tard DC) était-il responsable du rejet des rôles de Kanigher et Novick en tant qu »artistes à part entière en ne leur accordant pas le plein crédit d »auteur sur la publication elle-même ? »

En outre, M. Campbell note qu »à une époque, les auteurs de bandes dessinées refusaient souvent d »attribuer leur travail.

Dans un récit publié en 1998, Novick a déclaré qu »il avait rencontré Lichtenstein à l »armée en 1947 et que, en tant qu »officier supérieur, il avait répondu aux plaintes déchirantes de Lichtenstein concernant les tâches subalternes qui lui étaient confiées en le recommandant pour un meilleur emploi. Jean-Paul Gabilliet a mis en doute ce récit, affirmant que Lichtenstein avait quitté l »armée un an avant la date à laquelle, selon Novick, l »incident s »est produit. Bart Beaty, notant que Lichtenstein s »était approprié Novick pour des œuvres telles que Whaam ! et Okay Hot-Shot, Okay !, déclare que l »histoire de Novick « semble être une tentative de diminuer personnellement » l »artiste plus célèbre.

En 1966, Lichtenstein s »éloigne de son imagerie très célèbre du début des années 1960 et entame sa série Modern Paintings, qui comprend plus de 60 peintures et dessins d »accompagnement. À l »aide de ses points Ben-Day caractéristiques et de formes et lignes géométriques, il crée des images incongrues et stimulantes à partir de structures architecturales familières, de motifs empruntés à l »Art Déco et d »autres motifs subtilement évocateurs, souvent séquentiels. La série Modern Sculpture de 1967-8 fait référence à des motifs de l »architecture Art Déco.

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Au début des années 1960, Lichtenstein reproduit des chefs-d »œuvre de Cézanne, Mondrian et Picasso avant de se lancer dans la série Brushstrokes en 1965. Lichtenstein a continué à revisiter ce thème plus tard dans sa carrière avec des œuvres telles que Bedroom at Arles qui s »inspire de Bedroom in Arles de Vincent van Gogh.

En 1970, Lichtenstein est chargé par le Los Angeles County Museum of Art (dans le cadre de son programme Art and Technology développé entre 1967 et 1971) de réaliser un film. Avec l »aide des studios Universal Film, l »artiste conçoit et réalise Three Landscapes, un film de paysages marins, directement lié à une série de collages sur le thème du paysage qu »il a réalisés entre 1964 et 1966. Bien que Lichtenstein ait prévu de produire 15 courts métrages, l »installation à trois écrans – réalisée avec le cinéaste indépendant new-yorkais Joel Freedman – s »est avérée être la seule aventure de l »artiste dans ce domaine.

Toujours en 1970, Lichtenstein achète une ancienne remise à calèches à Southampton, Long Island, y construit un studio et passe le reste des années 1970 dans une relative solitude. Dans les années 1970 et 1980, son style commence à s »assouplir et il développe ce qu »il avait fait auparavant. Lichtenstein commence une série de peintures Miroirs en 1969. En 1970, tout en poursuivant la série des Miroirs, il commence à travailler sur le thème des entablements. Les Entablatures consistent en une première série de peintures de 1971 à 1972, suivie d »une deuxième série en 1974-76, et de la publication d »une série d »impressions en relief en 1976. Il a produit une série de « Studios d »artistes » qui incorporaient des éléments de ses travaux précédents. Un exemple notable est Artist »s Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis) qui incorpore cinq autres œuvres précédentes, intégrées dans la scène.

Lors d »un voyage à Los Angeles en 1978, Lichtenstein est fasciné par la collection de gravures et de livres illustrés expressionnistes allemands de l »avocat Robert Rifkind. Il commence à produire des œuvres qui empruntent des éléments stylistiques présents dans les peintures expressionnistes. L »Arbre blanc (1980) évoque les paysages lyriques de Der Blaue Reiter, tandis que Dr. Waldmann (1980) rappelle le Dr. Mayer-Hermann (1926) d »Otto Dix. Les petits dessins au crayon de couleur sont utilisés comme modèles pour les gravures sur bois, un médium privilégié par Emil Nolde et Max Pechstein, ainsi que par Dix et Ernst Ludwig Kirchner. À la fin des années 1970 également, le style de Lichtenstein est remplacé par des œuvres plus surréalistes telles que Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen). Une importante série de peintures surréalistes-pop de 1979 à 1981 est basée sur des thèmes amérindiens. Ces œuvres vont d »Amerind Figure (1981), une sculpture stylisée grandeur nature rappelant un totem profilé en bronze patiné noir, à la tapisserie monumentale en laine Amerind Landscape (1979). Les œuvres « indiennes », comme les autres parties de la série surréaliste, puisent leurs thèmes dans l »art contemporain et d »autres sources, notamment des livres sur le design amérindien provenant de la petite bibliothèque de Lichtenstein.

Les peintures, sculptures et dessins de nature morte de Lichtenstein, qui s »étendent de 1972 au début des années 1980, couvrent une variété de motifs et de thèmes, y compris les plus traditionnels comme les fruits, les fleurs et les vases. En 1983, Lichtenstein réalise deux affiches anti-apartheid, simplement intitulées « Against Apartheid ». Dans sa série Reflection, réalisée entre 1988 et 1990, Lichtenstein réutilise les motifs de ses œuvres précédentes. Interiors (1991-1992) est une série d »œuvres représentant des environnements domestiques banals inspirés par des publicités pour des meubles que l »artiste trouvait dans des annuaires téléphoniques ou sur des panneaux publicitaires. S »inspirant des gravures monochromes d »Edgar Degas présentées lors d »une exposition au Metropolitan Museum of Art de New York en 1994, les motifs de sa série Paysages à la chinoise sont formés de points de Benday simulés et de contours de blocs, rendus en couleurs vives et dures, sans aucune trace de la main. Le nu est un élément récurrent dans l »œuvre de Lichtenstein des années 1990, comme dans Collage for Nude with Red Shirt (1995).

En plus des peintures et des sculptures, Lichtenstein a également réalisé plus de 300 impressions, principalement en sérigraphie.

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En 1969, Gunter Sachs demande à Lichtenstein de créer Composition et Leda and the Swan, pour la suite de chambre à coucher Pop Art du collectionneur au Palace Hotel de Saint-Moritz. À la fin des années 1970 et au cours des années 1980, Lichtenstein reçoit d »importantes commandes d »œuvres dans des lieux publics : les sculptures Lamp (26 pieds de haut), Brushstrokes in Flight (cinq étages de haut), Mural with Blue Brushstroke (murale avec coup de pinceau bleu) et El Cap de Barcelona (1992) à Barcelone. En 1994, Lichtenstein a créé la peinture murale Times Square de 53 pieds de long, en émail sur métal, dans la station de métro Times Square. En 1977, il a été chargé par BMW de peindre une version de course du groupe 5 de la BMW 320i pour le troisième volet du BMW Art Car Project. Le logo de DreamWorks Records a été son dernier projet réalisé. « Je n »ai pas l »habitude de faire ce genre de choses (un logo d »entreprise) et je n »ai pas l »intention de le refaire », autorise Lichtenstein. « Mais je connais Mo Ostin et David Geffen et cela me semblait intéressant ».

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Lichtenstein a reçu de nombreux doctorats honorifiques, notamment de la George Washington University (1996), du Bard College, du Royal College of Art (1993), de l »Ohio State University (1987), du Southampton College (1980) et du California Institute of the Arts (1977). Il a également été membre du conseil d »administration de la Brooklyn Academy of Music.

En 1949, Lichtenstein épouse Isabel Wilson, qui avait auparavant été mariée à l »artiste de l »Ohio Michael Sarisky. Cependant, les hivers brutaux du nord de l »État ont eu raison de Lichtenstein et de sa femme, après qu »il ait commencé à enseigner à l »Université d »État de New York à Oswego en 1958. Le couple vend la maison familiale de Highland Park, dans le New Jersey, en 1963 et divorce en 1965.

Lichtenstein épouse sa seconde femme, Dorothy Herzka, en 1968. En 1966, ils louent une maison à Southampton, New York, que Larry Rivers avait achetée au coin de sa propre maison. Trois ans plus tard, ils achètent une maison de calèche de 1910 face à l »océan sur Gin Lane. De 1970 à sa mort, Lichtenstein partage son temps entre Manhattan et Southampton. Il possédait également une maison sur l »île de Captiva.

En 1991, Lichtenstein entame une liaison avec la chanteuse Erica Wexler qui devient la muse de sa série de Nus, dont le « Nudes with Beach Ball » de 1994. Elle avait 22 ans et lui 68. La liaison a duré jusqu »en 1994 et s »est terminée lorsque Wexler est partie en Angleterre avec son futur mari Andy Partridge de XTC. Selon Wexler, Lichtenstein et sa femme Dorothy s »entendaient et ils avaient tous deux des personnes importantes en plus de leur mariage.

Lichtenstein est mort d »une pneumonie le 29 septembre 1997 au New York University Medical Center, où il avait été hospitalisé pendant plusieurs semaines, quatre semaines avant son 74e anniversaire. Il laisse derrière lui sa seconde épouse, Dorothy Herzka, et ses fils, David et Mitchell, issus de son premier mariage.

Le pop art continue d »influencer le 21e siècle. Lichtenstein et Andy Warhol ont été utilisés dans la tournée PopMart de U2 en 1997 et 1998 et dans une exposition en 2007 à la British National Portrait Gallery.

Parmi les nombreuses autres œuvres d »art perdues lors des attaques du World Trade Center le 11 septembre 2001, une peinture de la série The Entablature de Lichtenstein a été détruite dans l »incendie qui a suivi.

Son œuvre Crying Girl était l »une des œuvres d »art ramenées à la vie dans La nuit au musée : La bataille du Smithsonian.

En 1964, Lichtenstein devient le premier Américain à exposer à la Tate Gallery de Londres, à l »occasion de l »exposition » »54- »64 : Painting and Sculpture of a Decade ». En 1967, sa première rétrospective muséale a lieu au Pasadena Art Museum, en Californie. La même année, sa première exposition personnelle en Europe a lieu dans les musées d »Amsterdam, de Londres, de Berne et de Hanovre. Lichtenstein participe ensuite à Documentas IV (1968) et VI (1977). Lichtenstein a eu sa première rétrospective au musée Guggenheim en 1969, organisée par Diane Waldman. Le Guggenheim a présenté une deuxième rétrospective de Lichtenstein en 1994. Lichtenstein est devenu le premier artiste vivant à avoir une exposition de dessins en solo au Museum of Modern Art de mars à juin 1987. Parmi les rétrospectives récentes, citons l »exposition « All About Art », Louisiana Museum of Modern Art, au Danemark, en 2003 (qui a ensuite voyagé à la Hayward Gallery, Londres, au Museo Reina Sofia, Madrid, et au San Francisco Museum of Modern Art, jusqu »en 2005) ; et « Classic of the New », Kunsthaus Bregenz (2005), « Roy Lichtenstein : Meditations on Art », Museo Triennale, Milan (2010, a voyagé au Museum Ludwig, Cologne). Fin 2010, la Morgan Library & Museum a présenté Roy Lichtenstein : The Black-and-White Drawings, 1961-1968. Une autre grande rétrospective a été inaugurée à l »Art Institute of Chicago en mai 2012, avant d »être présentée à la National Gallery of Art de Washington, à la Tate Modern de Londres et au Centre Pompidou de Paris en 2013. 2013 : Roy Lichtenstein, Olyvia Fine Art. 2014 : Roy Lichtenstein : Intimate Sculptures, The FLAG Art Foundation. Roy Lichtenstein : Opera Prima, Galerie civique d »art moderne et contemporain, Turin. 2018 : Exposition à la Tate Liverpool, Merseyside, Royaume-Uni.

En 1996, la National Gallery of Art de Washington, D.C. est devenue le plus grand dépôt d »œuvres de l »artiste lorsque Lichtenstein a fait don de 154 gravures et de 2 livres. L »Art Institute of Chicago possède plusieurs œuvres importantes de Lichtenstein dans sa collection permanente, notamment Brushstroke with Spatter (1966) et Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). Les collections personnelles de la veuve de Lichtenstein, Dorothy Lichtenstein, et de la Roy Lichtenstein Foundation se comptent par centaines. En Europe, le Museum Ludwig de Cologne possède l »une des collections les plus complètes de Lichtenstein avec Takka Takka (1962), Nurse (1964), Compositions I (1964), tandis que le Frankfurt Museum für Moderne Kunst possède We rose up slowly (1964) et Yellow and Green Brushstrokes (1966). En dehors des États-Unis et de l »Europe, la collection Kenneth Tyler de la National Gallery of Australia possède un fonds important de gravures de Lichtenstein, comptant plus de 300 œuvres. Au total, on estime que quelque 4 500 œuvres sont en circulation.

Après la mort de l »artiste en 1997, la Fondation Roy Lichtenstein a été créée en 1999. En 2011, le conseil d »administration de la fondation a décidé que les avantages de l »authentification étaient plus importants que les risques de poursuites judiciaires prolongées.

Fin 2006, la fondation a envoyé une carte de vœux sur laquelle figurait une photo de Electric Cord (1961), un tableau disparu depuis 1970 après avoir été envoyé au restaurateur d »art Daniel Goldreyer par la galerie Leo Castelli. La carte invitait le public à signaler toute information sur sa localisation. En 2012, la fondation a authentifié l »œuvre lorsqu »elle a fait surface dans un entrepôt de la ville de New York.

Entre 2008 et 2012, suite au décès du photographe Harry Shunk en 2006, la Fondation Lichtenstein a acquis la collection de matériel photographique réalisée par Shunk et son János Kender ainsi que les droits d »auteur des photographes. En 2013, la fondation a fait don du fonds Shunk-Kender à cinq institutions – le Getty Research Institute à Los Angeles, le Museum of Modern Art à New York, la National Gallery of Art à Washington, le Centre Pompidou à Paris et la Tate à Londres – qui permettront à chaque musée d »avoir accès à la part des autres.

Depuis les années 1950, les œuvres de Lichtenstein ont été exposées à New York et ailleurs avec Leo Castelli dans sa galerie et chez Castelli Graphics ainsi qu »avec Ileana Sonnabend dans sa galerie à Paris, et à la Ferus Gallery, Pace Gallery, Gagosian Gallery, Mitchell-Innes & Nash, Mary Boone, Brooke Alexander Gallery, Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind, Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon et Sperone Westwater Galleries, entre autres. La galerie Leo Castelli a représenté Lichtenstein en exclusivité depuis 1962, date à laquelle une exposition personnelle de l »artiste a affiché complet avant son ouverture.

À partir de 1962, la galerie Leo Castelli, à New York, a régulièrement exposé les œuvres de l »artiste. La Gagosian Gallery expose des œuvres de Lichtenstein depuis 1996.

Big Painting No. 6 (1965) est devenue l »œuvre de Lichtenstein la plus chère en 1970. Comme l »ensemble de la série Brushstrokes, le sujet du tableau est le processus de la peinture expressionniste abstraite par le biais de larges coups de pinceau et de gouttes, mais le résultat de la simplification de Lichtenstein, qui utilise un fond de points Ben-Day, est une représentation de la mécanique de l »art.

Le tableau de Lichtenstein, Torpedo … Los ! (1963) s »est vendue chez Christie »s pour 5,5 millions de dollars en 1989, une somme record à l »époque, faisant de lui l »un des trois seuls artistes vivants à avoir attiré des sommes aussi importantes. En 2005, In the Car a été vendu pour la somme record de 16,2 millions de dollars (10 millions de livres sterling).

En 2010, son tableau de 1964, de style bande dessinée, Ohhh…Alright…, qui avait appartenu à Steve Martin puis à Steve Wynn, a été vendu pour la somme record de 42,6 millions de dollars (26,7 millions de livres sterling) lors d »une vente chez Christie »s à New York.

Basée sur un dessin de William Overgard de 1961 pour une bande dessinée de Steve Roper, l »œuvre de Lichtenstein intitulée I Can See the Whole Room…and There »s Nobody in It ! (1961) représente un homme regardant à travers un trou dans une porte. Elle a été vendue par le collectionneur Courtney Sale Ross pour 43 millions de dollars, soit le double de son estimation, chez Christie »s à New York en 2011 ; le mari de la vendeuse, Steve Ross, l »avait acquise aux enchères en 1988 pour 2,1 millions de dollars. La peinture mesure quatre pieds sur quatre pieds et est réalisée au graphite et à l »huile.

La peinture comique Sleeping Girl (1964) de la collection de Beatrice et Phillip Gersh a établi un nouveau record pour Lichtenstein : 44,8 millions de dollars chez Sotheby »s en 2012.

En octobre 2012, son tableau Electric Cord (1962) a été rendu à la veuve de Leo Castelli, Barbara Bertozzi Castelli, après avoir été perdu pendant 42 ans. Castelli avait envoyé le tableau à un restaurateur d »art pour le nettoyer en janvier 1970, et ne l »a jamais récupéré. Il est décédé en 1999. En 2006, la Fondation Roy Lichtenstein a publié une image du tableau sur sa carte de vœux et a demandé à la communauté artistique de l »aider à le retrouver. Le tableau a été retrouvé dans un entrepôt de New York, après avoir été exposé à Bogota, en Colombie.

En 2013, le tableau Femme au chapeau fleuri a établi un autre record à 56,1 millions de dollars, car il a été acheté par le joaillier britannique Laurence Graff à l »investisseur américain Ronald O. Perelman.

Ce chiffre a été dépassé en 2015 par la vente de Nurse pour 95,4 millions de dollars lors d »une vente aux enchères chez Christie »s.

En janvier 2017, Masterpiece a été vendu pour 165 millions de dollars. Le produit de cette vente sera utilisé pour créer un fonds pour la réforme de la justice pénale.

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Sources