Simone Martini

gigatos | janvier 6, 2022

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Résumé

Simone Martini était un disciple de Duccio di Buoninsegna, et a probablement appris son art de peintre dans son environnement. Il connaissait également les innovations de Giotto, mais s »est consciemment abstenu de les utiliser. Il était proche de l »art gothique français, dont les lignes élégantes sont reconnaissables dans ses œuvres. Grâce à lui, l »école siennoise jouit d »une brève réputation supérieure à celle de Florence. Il a travaillé à Assise, à Naples, à Rome et au palais des papes à Avignon. En dehors des commissions officielles de la République, il travaille peu à Sienne, et beaucoup plus pour les Anjou de Naples. Grâce à son travail à Avignon, les caractéristiques de la peinture siennoise, avec sa composition et sa coloration de style byzantin, et ses lignes gothiques occidentales, se sont répandues d »abord en France et ensuite dans d »autres parties de l »Europe. Ce style peut être considéré comme un précurseur direct du gothique international. Outre ses fresques, il a également réalisé un grand nombre de peintures sur panneaux, et ces panneaux en bois facilement transportables ont largement contribué à la diffusion de sa réputation sur de vastes territoires et à la popularisation ultérieure du style siennois dans toute l »Europe. Il utilisait souvent des fonds d »or, qui n »étaient pas affectés par les nouvelles réalisations en matière de représentation spatiale. Dans de nombreux cas, il a utilisé un outil métallique à l »extrémité gravée pour imprimer des motifs floraux et autres motifs décoratifs sur le fond d »or, marquant ainsi les cadres, les glands ou l »ourlet des vêtements. C »est dans les œuvres de Simone Martini que l »on observe pour la première fois la représentation individualiste de ses portraits dans la peinture médiévale. Le portrait de profil du roi Robert de Naples ou la figure du cardinal Gentile da Montefiore dans la chapelle Saint-Martin en sont des exemples.

La chapelle de Saint Martin

À Assise, Simone Martini a décoré une série de fresques dans la chapelle de Saint-Martin, l »une des églises inférieures de la basilique de Saint-François. La chapelle a été consacrée en 1312 par le cardinal Gentile da Montefiore, qui a laissé dans son testament une somme substantielle de six cents pièces d »or à l »ordre franciscain pour couvrir les frais de décoration de la chapelle. Ce cycle de fresques est également lié à la cour de Naples, puisque le roi Robert, en tant qu »exécuteur testamentaire de son fondateur, le cardinal Montefiore, dit le légat de Hongrie, a joué un rôle dans sa réalisation. La date des peintures murales de la chapelle Saint-Martin est sujette à controverse, notamment en raison de leur qualité artistique, car il reste peu d »œuvres signées et datées de la période de maturité de Martini. La date la plus probable pour les peintures murales est la première moitié des années 1320, mais certains spécialistes pensent qu »elles datent de quelques années plus tôt, en 1317. Sur une surface semi-circulaire élevée du mur d »entrée de la chapelle, l »artiste a représenté les saints les plus populaires de l »époque (saint François d »Assise, saint Antoine de Padoue, sainte Marie-Madeleine, sainte Catherine d »Alexandrie, saint Louis de France, saint Louis de Toulouse, sainte Claire d »Assise et sainte Élisabeth de la maison d »Árpád). Lorsque Martini a conçu le cycle de fresques de la chapelle, ces représentations des saints n »étaient probablement pas prévues dans les plans originaux, mais ont probablement été réalisées en 1317 en l »honneur de saint Louis de Toulouse, l »année de sa canonisation.Le cycle de fresques décrit la vie de saint Martin, qui est né au IVe siècle en Pannonie, est devenu soldat et a ensuite consacré sa vie entièrement à la religion. Lorsque le peintre a choisi les scènes de la vie du saint à représenter, il a cherché un parallèle idéologique avec les fresques sur la vie de saint François dans la basilique située au-dessus. Les fresques « Saint Martin partage son manteau avec un mendiant » « Jusqu »à l »enterrement du saint » suivent la vie de Saint Martin en dix scènes de miracles et autres actes significatifs. Leur atmosphère reflète la vie dans les cours médiévales. Les dix scènes de la vie de saint Martin sont séparées par des cadres ornementés. Ils portaient à l »origine des inscriptions, mais celles-ci sont aujourd »hui complètement effacées et devenues illisibles. Outre les fresques, les vitraux de la chapelle sont également des œuvres d »art importantes, probablement basées sur des dessins de Simone Martini, avant que la chapelle ne soit peinte. Les vitraux étaient toujours réalisés avant que les chapelles ne soient peintes, car les verres colorés modifiaient considérablement l »éclairage de l »intérieur et donc l »effet des peintures. Dans l »arc en demi-cercle au-dessus de l »entrée, il a peint la scène de la « Consécration de la chapelle ». Sur le tableau, le cardinal Gentile s »agenouille devant saint Martin, qui l »aide à se relever du sol. La scène se déroule sous un ciboire de style gothique aux arcs semi-circulaires avec trois bras de chaque côté. La représentation réaliste du cardinal par Simone est l »une des premières du mouvement réaliste.Les scènes de la vie de Saint-Martin se succèdent en trois bandes, de gauche à droite et de bas en haut, en partant de l »entrée. La rangée du bas montre « Saint Martin partage son manteau avec un mendiant », « Le rêve de Saint Martin », « Saint Martin est anobli » et « Saint renonce aux armes », la rangée du milieu « Miracle de l »enfant ressuscité », « Méditation », « Messe miraculeuse », « Miracle du feu », la rangée du haut « Mort de Saint Martin » et « Enterrement de Saint Martin ».

Le cycle des fresques de St Martin

Les quatre premières des dix scènes dépeignent le saint comme une personne séculière.

Dans l »église inférieure de la basilique Saint-François, dans le transept de droite, sur le mur extérieur de la chapelle de Saint-Nicolas, Simone Martini a peint un large bandeau de sept saints et une Vierge à l »Enfant. Les fresques pourraient avoir été peintes vers 1318, mais certains chercheurs pensent qu »il est possible qu »elles aient été peintes une décennie plus tard. Toute la bande est entourée d »un cadre orné, les personnages sont séparés par de fines colonnes, les lignes sont harmonieuses et les couleurs utilisées pour les peindre sont vives. Les personnages sont, de gauche à droite, saint François, saint Louis de Toulouse, sainte Élisabeth de Hongrie, sainte Marguerite, le prince Imre, saint Étienne, la Vierge à l »Enfant et saint Lazare.

Le roi Robert de Naples, un ami de Pétrarque, est arrivé au pouvoir après que son frère Louis ait abdiqué la couronne. Louis entra dans l »ordre des franciscains, devint plus tard évêque de Toulouse, et fut canonisé après sa mort. Le roi Robert voulait commémorer son frère. En 1317 (en même temps que sa canonisation), il a donc chargé un artiste de réaliser son portrait. Le panneau a été peint à l »origine dans une chapelle de l »église de San Lorenzo Maggiore à Naples et est toujours exposé à la pinacothèque de Capodimonte à Naples. Le panneau était encadré dans un large cadre décoré de lys, l »emblème de la Maison d »Anjou. Saint Louis est représenté au centre de la composition, assis sur un trône, dans une vue frontale rigide. Le prince porte une robe sacerdotale ornée par-dessus son habit franciscain et porte sur sa tête une mitre d »évêque décorée de pierres précieuses et de perles. Il tient une houlette de berger dans sa main droite et la couronne royale dans sa main gauche, qu »il tient au-dessus de la tête de son frère. Le saint est couronné par deux anges, entrelaçant ainsi les couronnements terrestre et céleste de Louis. Le tableau reflète la dignité royale des personnages, avec le tapis d »Anatolie, le disque en verre véritable qui maintient les robes ensemble, et les représentations des bijoux et des robes ornées des personnages. Robert d »Anjou a voulu souligner la légitimité de son règne, se protéger des accusations d »usurpation du trône, et mettre en avant le fait que le peintre a probablement réalisé un portrait réaliste du roi, la figure de Saint Louis semble immatérielle, regardant au loin, appartenant apparemment déjà à la sphère divine, tandis que son frère, contrairement à lui, fait partie de la réalité terrestre

Au bas du panneau se trouve l »histoire de Saint Louis de Toulouse en cinq scènes. Dans la première image, Saint Louis accepte d »être consacré évêque de Toulouse. Pour des raisons politiques, cela s »est fait secrètement en décembre 1296 à Rome en présence du pape Boniface VIII et du roi Charles II de Naples (le père de Louis), qui souhaitait acquérir une plus grande influence dans une région très importante pour le roi Philippe IV de France. Louis ne veut pas participer aux jeux politiques et n »est prêt à servir comme évêque que s »il peut entrer dans l »ordre des Franciscains. Dans la deuxième image, Louis prononce les vœux du 5 février 1297 sur la base d »un pacte secret avec le pape et devient membre de l »ordre des franciscains, dans la troisième image, il distribue de la nourriture sainte aux nécessiteux, dans la quatrième image, ses funérailles, un acte digne d »un grand prêtre, et dans la cinquième image, l »un de ses actes miraculeux consistant à ressusciter un enfant qui était mort peu avant.

Les recherches suggèrent que le polyptyque de Sainte Catherine (peinture à plusieurs panneaux) est entièrement l »œuvre de Simone Martini. Certains chercheurs ont suggéré que les figures de martyrs de saint Dominique et de saint Pierre ont été réalisées par ses assistants, mais cela est peu probable car l »implication des assistants n »a été soulignée que plus tard dans son œuvre. Dans les annales du monastère de Santa Caterina à Pise, il est indiqué que la commande a été passée en 1319 par un certain Petrus Converus, et que l »œuvre était destinée à l »autel principal du monastère. Elle est toujours exposée au musée San Matteo de Pise et est considérée comme la plus importante peinture signée de l »artiste. Le retable se compose de sept pièces, chaque pièce étant divisée en trois parties. Le retable comporte un total de quarante-trois figures d »apôtres, de martyrs, d »évêques et de prophètes. Au fil des siècles, les pièces du panneau ont été placées côte à côte dans des ordres différents. Actuellement, les triangles ci-dessus montrent le Sauveur au centre, avec le roi David jouant de la harpe et Moïse avec les tablettes de chaque côté, et les prophètes Jérémie, Isaïe et Ézéchiel. Dans la deuxième rangée, deux personnages occupent chacun des sept panneaux. Au centre se trouvent les archanges Michel et Gabriel, avec les apôtres et l »évangéliste Matthieu. Leurs noms apparaissent sur le fond doré, chacun tenant un exemplaire de l »Évangile. De gauche à droite : Thaddée, Simon, Philippe, Jacques le Jeune, André, Pierre, Paul, Jacques l »Ancien, Matthieu l »Évangéliste, Barthélemy, Thomas et Matthieu l »Apôtre. Dans la rangée du milieu se trouvent les grandes figures de Marie-Madeleine, saint Dominique, saint Jean l »Évangéliste, la Vierge à l »Enfant, saint Jean Baptiste, saint Pierre le Martyr et sainte Catherine d »Alexandrie. Au-dessus de la Madone dans le cadre se trouve la signature de l »artiste « Symon de Senis me pinxit ». La ligne inférieure, l »ordre des parties de la prédelle, est moins problématique. Au centre, le Christ avec la Vierge Marie et Saint Marc. Les autres personnages sont, de gauche à droite, saint Étienne, sainte Apollonie, saint Jérôme, saint Luc, saint Grégoire, saint Luc, saint Thomas d »Aquin, saint Augustin d »Hippone, sainte Agnès, saint Ambroise, sainte Orsolya et saint Laurent. Le fait que le panneau soit divisé en tant de parties a donné à l »artiste l »opportunité de représenter d »autres figures en plus de celles traditionnellement représentées dans ce type d »œuvre, comme saint Jérôme et saint Grégoire, qui étaient associés à l »ordre du dominicain commanditaire. En outre, il y a aussi des canonisations récentes, celle de St Domonkos, le fondateur de l »Ordre de Domonkos, et celle de St Pierre le Martyr. L »une des particularités de ce panneau est qu »il représente saint Thomas d »Aquin en pleine gloire, bien que sa canonisation n »ait eu lieu qu »en 1323.

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Le retable du Bienheureux Augustin à Tarano

Auguste était une figure populaire de l »époque. Il a étudié le droit à l »université de Bologne, puis est entré dans l »ordre de Saint-Augustin, où il est devenu général de l »ordre. Au sommet de sa carrière, il décide de se retirer dans l »ermitage de San Leonardo al Lago, non loin de Sienne. Le retable est composé de cinq panneaux, le représentant et quatre de ses miracles. À l »origine, elle était accrochée au mur de l »église de Saint-Augustin, au-dessus du cercueil du bienheureux Augustin. Avec l »autel qui lui est dédié, le cercueil et le panneau forment un ensemble commémoratif distinctif. La tablette n »a pu être datée qu »approximativement, mais elle était probablement déjà terminée en 1324, lorsque la ville a organisé une grande et coûteuse fête en l »honneur d »Auguste. Au centre du panneau, un Auguste au visage jeune tient un livre (les statuts de l »ordre de Saint-Augustin). Le peintre l »a représenté dans la gloire, même s »il n »a pas été canonisé. Les arbres à côté de lui et les ermites âgés peints dans les médaillons au-dessus de lui font référence à la vie d »ermite isolée qu »il menait à San Leonardo al Lago. Les quatre miracles concernent tous l »aide qu »il apporte à des personnes (dans trois cas des enfants) victimes d »accidents. Le miracle du loup attaquant l »enfant montre la ville de Sienne, le miracle de l »enfant tombant du balcon montre une rue de la ville, le miracle de l »enfant tombant du berceau montre l »intérieur d »une maison, et le miracle du chevalier tombant dans un ravin montre les environs de Sienne en arrière-plan.

La plaque de Saint László

La plaque de Saint-Lazare à Altomonte (Altomonte, Museo della Consolazione) a été réalisée pour Filippo di Sangineto, un influent courtisan napolitain, lorsqu »il a passé une longue période à Sienne sur ordre de l »empereur. Le petit panneau était probablement en deux parties, dont la partie survivante représente le roi Saint Lazio de Hongrie. Le choix du sujet exprime les liens étroits qui unissaient le client à la branche hongroise de la Maison d »Anjou. Le saint se tient devant un fond d »or orné, une hache de guerre à la main. Les couleurs utilisées pour le panneau sont vives, et la forme du manteau du saint donne une impression de spatialité.

Salutations d »un ange

Greetings from an Angel est l »une des œuvres les plus populaires de Simone Martini et aussi l »une des plus gothiques. Peint en 1333 pour l »autel de Saint Ansanus dans la cathédrale de Sienne, il est actuellement exposé à la Galerie des Offices à Florence. Son cadre est une architecture gothique richement incrustée, articulée par des arcs brisés. Dans le triptyque principal (tableau à trois panneaux), la Madone recouverte d »un manteau se contracte en entendant le message de l »ange. Ses traits sont tendus, comme si l »ange l »avait réveillée de son sommeil. L »artiste a apporté un soin particulier à la représentation de l »ange. Il tient une branche de palmier dans sa main, les plis de sa robe à carreaux spéciale donnant une idée de son apparence orageuse. Ses ailes sont élaborées avec le soin méticuleux d »un peintre de miniatures. Le dossier de la chaise est recouvert d »un linceul rouge décoré de délicats motifs floraux dorés. Outre les personnages, des détails rendus avec précision, le bord orné du missel, le sol en marbre et le vase avec des lys ajoutent à l »élégance du tableau. Les médaillons situés en haut du panneau représentent, de gauche à droite, les prophètes Jérémie, Ézéchiel, Isaïe et Daniel, identifiés par leurs noms inscrits sur les parchemins qu »ils tiennent dans leurs mains. La représentation vivante et subtile du dialogue entre l »ange et Marie rend le mysticisme de Simone Martini encore vivant et apprécié aujourd »hui. Les deux figures saintes situées de part et d »autre du triptyque ont probablement été peintes par le beau-frère de l »artiste, Lippo Memmi, comme l »indique le fait que ces deux figures sont très différentes des figures centrales et qu »elles sont également signées par Memmi.

Simone Martini s »est installé à Avignon à l »invitation du cardinal Jacopo Stefaneschi au début de 1336 avec sa famille et quelques assistants, et y est mort en 1344. Pendant les huit années passées à Avignon, il a reçu de nombreuses commandes, mais la grande majorité de ses œuvres ont été détruites. Les fresques Jésus avec les anges et Vierge à l »enfant, commandées par le cardinal Stefaneschi pour le portail de Notre-Dame-des-Doms, sont des synoptiques fragmentaires. L »attrait particulier de ces synopsies est qu »elles offrent un aperçu du processus créatif, des corrections et des modifications iconographiques apportées au cours du travail. Il utilise ici, pour la première fois, l »iconographie de la Madonna dell »Umiltà (Madone des humbles), où Marie n »est pas assise sur un trône mais sur le sol. En outre, seul un dessin du XVIIe siècle conserve le souvenir de la fresque de Saint-Georges peinte sur la façade de l »église, qui a été détruite au début du XIXe siècle. Cette fresque a également été commandée par le cardinal Jacopo Stefaneschi et n »était pas seulement une représentation de son saint patron, mais incarnait également une idée ecclésiastique. Ici, la fresque rappelle que les chevaliers chrétiens avaient autant le devoir de libérer l »Église emprisonnée en Avignon que Saint-Georges celui de sauver la princesse du dragon. Il a également décoré un livre pour le cardinal, en peignant la figure de la Vierge Marie arrachant un enfant du purgatoire au début d »un codex d »hymnes mariaux acquis par l »archiprêtre.Simone Martini s »est lié d »amitié avec Pétrarque pendant son séjour à Avignon et a peint son portrait de Laura. Le portrait, que le poète mentionne dans deux de ses sonnets, a été perdu, mais la miniature de la page de titre, d »inspiration humaniste tant dans le sujet que dans la conception, qu »il a peinte pour un codex appartenant à Pétrarque, a survécu. Le livre contient les œuvres de Virgile avec des commentaires de Servius. L »image montre Servius tirant un rideau pour montrer le poète à un chevalier, un paysan et un berger. La miniature est peinte à l »aquarelle et à la détrempe diluée, avec des couches de peinture translucides et des lignes harmonieuses et rythmées, et est influencée par la peinture gothique française. Parmi ses dernières œuvres, le Polyptyque de la Passion (dont des fragments ont été dispersés dans les musées d »Europe) est si différent stylistiquement de ses autres œuvres d »Avignon que sa date est incertaine. Les panneaux de ce petit polyptyque, commandé pour une dévotion privée, dépeignent la vie du Christ dans d »élégantes variations sur les compositions de Duccio de l »Octave de Maestà. Certains spécialistes pensent qu »elle a été achevée avant qu »il ne s »installe à Avignon, puis transportée en France. D »autres pensent qu »il s »agit de l »une de ses dernières œuvres, commandée par Napoleone Orsini, qui est mort à Avignon en 1342. Cette théorie est étayée par le fait que les armoiries de la famille Orsini apparaissent en arrière-plan. La dernière œuvre connue de Simone Martini est une peinture de la Sainte Famille, signée et datée de 1342. (Liverpool, Walker Art Gallery). Il s »agit d »un autre tableau de dévotion privée de petite taille, caractérisé par l »élégance et une harmonie de couleurs vives semblables à celles de l »émail. Il ne reste aucune trace écrite des deux dernières années de la vie de Simone Martini, au cours desquelles ses œuvres ont été détruites.

Sources