Stuart Davis

Delice Bette | septembre 13, 2022

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Résumé

Stuart Davis (né le 7 décembre 1892 à Philadelphie, mort le 24 juin 1964 à New York) était un peintre et graveur moderniste américain, surtout connu pour ses études de la vie quotidienne américaine, dépeinte dans des couleurs vives. Il est devenu célèbre pour avoir adapté le langage de la musique jazz à la peinture moderne.

Jeunesse et éducation

Stuart Davis était le fils d »Edward Wyatt Davis et de la sculptrice Helen Stuart Davis. Les deux parents ont étudié à l »Académie des Beaux-Arts de Pennsylvanie. La mère a exposé ses œuvres à Philadelphie et à New York. Le père était à la tête du département artistique de la Philadelphia Press, où il employait ses amis John French Sloan, William Glackens, George Luks et Everett Shinn comme illustrateurs. En 1901, la famille Davis s »installe à East Orange, dans le New Jersey. En 1909, Davis abandonne le lycée et passe les trois années suivantes à étudier à l »école d »art new-yorkaise de Robert Henri (fondateur du groupe des Huit). Bien qu »il ait peint dans un style réaliste, il a rejeté l »idéalisme académique, incitant ses élèves à observer et à étudier la vie urbaine telle qu »ils l »observaient dans les rues, les salles de concert, les tavernes et ailleurs. L »appréciation de Davis pour l »art contemporain et abstrait découle précisément de son intérêt pour le travail des futurs membres de l »école Ashcan.

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Adapter les acquis du modernisme

En 1913, Davis a exposé cinq aquarelles à l »Armory Show, une exposition internationale d »art moderne qui a suscité son intérêt pour l »art du modernisme. L »exposition était dominée par les artistes français, dont l »art a eu l »influence la plus visible sur l »art américain. Avec des œuvres d »artistes tels que : Henri Matisse, Georges Braque, Marcel Duchamp et Pablo Picasso Le fauvisme et le cubisme ont été largement présentés. Davis a pu voir comment les artistes européens d »avant-garde, par exemple Henri Matisse et Paul Gauguin, réalisaient leurs idées novatrices sur les formes modernes. Ils utilisaient des couleurs qui n »avaient aucun rapport avec la réalité. Davis a été initié au cubisme, qui soumet les formes à la fragmentation, aplatit l »espace et utilise des mots tirés de titres de journaux ou d »étiquettes de produits comme éléments de composition dans les peintures. Dans les années qui suivent, Davis s »efforce d »assimiler les acquisitions du modernisme qu »il a connues à l »Armory Show, notamment en ce qui concerne la couleur, la forme, le traitement de la surface et la composition de l »œuvre. Il était conscient que l »expérience qu »il avait acquise pendant sa période de travail avec Robert Henri ne suffisait plus.

Entre 1911 et 1916, Davis travaille comme illustrateur et caricaturiste pour le magazine The Masses, poursuivant ses expérimentations avec divers styles, dont le post-impressionnisme, le fauvisme et le cubisme. Ses nombreuses peintures de 1916-1919, telles que Gloucester Street (Museum of Fine Arts, Boston), Garage (1917, Collection of Earl Davis) et Gas Station (1917, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden), se caractérisent par des couleurs vives et des coups de pinceau fluides et énergiques. Après deux étés passés à Provincetown, dans le Massachusetts, Davis s »est intéressé à la côte de la Nouvelle-Angleterre, devenant un habitué de Gloucester pendant les saisons d »été jusqu »en 1934. Inspiré par les peintures de Cézanne, Gauguin, Matisse et van Gogh, il a peint des paysages colorés et des scènes portuaires. En 1921, il réalise certaines des œuvres les plus abstraites de sa carrière, notamment des peintures ayant pour sujet des paquets de cigarettes, des étiquettes, des ampoules électriques, des bouteilles de bain de bouche, des salières et des fouets à œufs, toutes inspirées du dadaïsme. Le tableau Lucky Strike (1921, Musée d »art moderne) en est un exemple. Il représente un paquet de cigarettes peint avec précision dans un style de collage cubiste, avec des couleurs qui se chevauchent, du sombre contre du clair, des formes verticales et horizontales. En 1922, Davis devient membre des Modern Artists of America. En tant qu »artiste moderne établi, il s »est frayé un chemin dans les cercles de l »avant-garde new-yorkaise. Au fil des ans, il se lie d »amitié avec des peintres abstraits tels que Charles Demuth, Arshile Gorky, John D. Graham et le poète William Carlos Williams.

En 1927 et 1928, il travaille à sa célèbre série Eggbeater (batteur à œufs), une exploration personnelle de la forme et de l »espace cubistes dans laquelle il utilise des objets tels qu »un batteur à œufs, un ventilateur électrique et des gants en caoutchouc. Cette série apparaît comme une sorte de catharsis par laquelle il a tenté de se débarrasser des derniers vestiges d »illusionnisme dans son œuvre. Il a peint les accessoires susmentionnés, qui sont des éléments de la nature morte, à plusieurs reprises jusqu »à ce qu »ils cessent d »exister à ses yeux et dans son esprit, à l »exception de la relation entre la couleur, la ligne et la forme. Dans ces œuvres, ainsi que dans d »autres de la même période, il atteint un degré d »abstraction simplifiée qui dépasse tout ce qu »il s »est proposé de créer au cours des dix années suivantes. Il a également établi certains motifs d »arrangement dans ses peintures, qu »il a ensuite développés dans d »autres œuvres.

Voyage à Paris

Après des débuts réussis à la Valentine Gallery, sa marraine, Gertrude Vanderbilt Whitney, l »encourage à se rendre à Paris. Grâce à son soutien financier, il s »y rend avec son amie Bessie Chosak. À Paris, il installe un studio dans le quartier de Montparnasse. Pendant son séjour de quatorze mois, il a peint des paysages de rue, utilisant des couleurs brillantes et des détails typiquement français tels que des balustrades, des volets, des mansardes et des cafés. En 1929, il a épousé Bessie Chosak.

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Retour aux États-Unis

En 1929, Davis retourne aux États-Unis. La même année, son mentor, Robert Henri, meurt. Dans les années 30, l »Amérique était en proie à la Grande Dépression. Lorsque, en 1933, le président Franklin Delano Roosevelt a annoncé le lancement d »un programme fédéral de soutien aux arts, Davis a été l »un des premiers à s »y associer. Entre 1933 et 1939, il réalise plusieurs fresques murales dans le cadre du Public Works of Art Program, du Federal Art Project et de la Works Progress Administration. Grâce au soutien financier du gouvernement, il a pu poursuivre son exploration du formalisme et des thèmes américains. Pour promouvoir les intérêts des artistes et les protéger de la guerre et du fascisme, il devient membre de l »Artists Union et de l »American Artists » Congress. En 1934, il est élu président de l »Union des artistes. De 1935 à 1936, il a édité le magazine Art Front. Cependant, il s »efforçait de ne pas combiner son travail social avec ses activités artistiques. Dans les années 1930, les principales peintures de Davis montrent une continuation de l »interaction entre des objets clairement définis et fragmentés et une structure géométrique et abstraite. Parallèlement, l »artiste a réalisé de nombreuses expériences d »abstraction totale, notamment dans des dessins au trait et des peintures. Ses couleurs deviennent de plus en plus vives et, dans de nombreuses œuvres, il intensifie l »impression de rythme, de mouvement, de gaieté et de rythme par une complication croissante de formes plus petites, plus irrégulières et plus contrastées. Les peintures du début des années 1930 présentent des objets ordonnés et clairement reconnaissables : une pompe à essence, des bâtiments, des meubles, des chapeaux, des voitures et des panneaux, dans des paysages urbains vivants. Dans les œuvres de la fin des années 1930, les objets sont dématérialisés, se transformant en formes aux contours colorés. C »est le début de vingt-cinq années de peinture abstraite mature dans la carrière de l »artiste. La grande fresque murale Histoire de la communication de 1939 (14 × 46 m), conservée uniquement sous forme d »esquisse, dont le sujet reconnaissable a probablement été conditionné par les circonstances de la commande, constitue une certaine exception.

Cependant, au début des années 1940, on trouve également dans l »œuvre de l »artiste des tableaux qui présentent un degré plus ou moins élevé de figurativisme, comme New York Under Gaslight de 1941. Parallèlement, Davis produit une série de brillants paysages abstraits : Paysage mort chaud en six couleurs (1940), Arboretum par flash (1942), Parc d »Ursine (1942) et Ultramarine (1943). De manière caractéristique, ils abandonnent l »illusion visuelle naturaliste, bien qu »ils conservent de fortes associations avec le paysage. Des formes répétées et déchiquetées créent un motif général fracturé. Les couleurs utilisées sont résolument rouges, vertes et bleues, avec de nettes ruptures en noir et blanc. À la fin des années 1940, Davis a produit une série de petites peintures expérimentales auxquelles il a donné les titres Pad (plutôt au sens de jazz) et Max, ainsi que des numéros séquentiels pour les distinguer. Ils sont dépourvus de tout élément les associant au figurativisme, à l »exception du mot « Pad », et sont l »expression d »une expérimentation abstraite, allant de formes purement géométriques à des formes fortement expressionnistes. Leur exemple est The Mellow Pad, sur lequel l »artiste a travaillé par intermittence entre 1945 et 1951, et qui était une tentative de développer les croquis abstraits susmentionnés en une composition plus monumentale.

Parallèlement à ses activités de peintre, Davis est actif en tant que professeur : en 1932, il enseigne à l »Art Students League de New York, en 1940, il devient conférencier à la New School for Social Research, et en 1950, à l »université de Yale.

Davis a beaucoup peint jusqu »à sa mort. Dans de nombreuses petites peintures, à l »huile ou à la gouache, il expérimente de nouvelles idées ou revisite des motifs plus anciens en vue d »éventuelles variantes, comme Combinaison Concrete II (1958) ou The Paris Bit (1959), un pastiche nostalgique de réminiscences parisiennes. Il a laissé dans son atelier plusieurs peintures et dessins inachevés, qui témoignent de ses méthodes de création et de l »inépuisable fertilité de son imagination. Il a également laissé de nombreux carnets d »observations et de notes sur ses idées de développement éventuel. Davis est presque le seul peintre américain du XXe siècle dont l »œuvre a transcendé tous les changements de style, de mouvement et de mode. Même dans les années 1950, lorsque l »expressionnisme abstrait domine la scène américaine, l »artiste continue à avoir du respect et de l »admiration pour les nouveaux artistes les plus expérimentaux.

Au cours des dernières années de sa vie, Davis a continué à connaître le succès artistique. En 1952 et 1954, il reçoit, en tant que représentant des États-Unis, les honneurs de la Biennale de Venise. En outre, il a reçu le prix international Solomon R. Guggenheim en 1958 et 1960. Il est mort subitement d »une attaque cérébrale, laissant derrière lui un héritage artistique de peintures et une réputation d »être l »un des premiers modernistes américains. Dans les pages du New York Times, le critique d »art Brian O »Doherty le décrit comme « l »un des rares grands peintres que l »Amérique ait produit et qui n »ait jamais été anachronique ».

Davis a commencé sa carrière artistique dans la tradition du réalisme américain, représentée par l »école de Robert Henri. Il explore ensuite la peinture post-impressionniste et fauviste et, dans les années 1920, les techniques européennes de l »abstraction et du cubisme synthétique. Ces expériences ont abouti à la série Eggbeater. C »est à Davis que l »on doit le développement de la variété américaine du cubisme européen. Grâce à son utilisation d »un argot et d »un symbolisme typiquement américains, ses peintures ont cimenté la position des États-Unis dans le monde de l »art contemporain. Davis a été l »un des premiers à traiter le jazz et le swing avec la peinture. Son utilisation de couleurs vives et pulsées, de lignes expressives et de formes répétitives donne un rythme visuel à ses peintures, qui rappelle la syncope et l »improvisation si caractéristiques de la musique jazz. Davis a introduit une nouvelle approche post-cubiste de l »abstraction, en éparpillant des formes sur la toile et en manipulant des couleurs vives de manière à rejeter un point focal pour attirer l »attention du spectateur. Cette nouvelle méthode, dans laquelle toutes les parties du tableau sont égales, conçues pour que l »œil du spectateur puisse errer sans être dirigé, a marqué une étape importante vers l »abstraction totale réalisée par les expressionnistes abstraits tels que Jackson Pollock. La transformation par Davis d »objets de consommation et de publicités en œuvres d »art préfigure le Pop Art des années 1960. Davis reste l »un des artistes américains les plus importants de l »entre-deux-guerres.

Prace Stuarta Davisa znajdują się w zbiorach głównych amerykańskich muzeów sztuki, w tym : Addison Gallery of American Art, Amon Carter Museum of American Art, Art Institute of Chicago, Biblioteka Kongresu, Brooklyn Museum, Carnegie Museum of Art, Dallas Museum of Art, Fine Arts Museums of San Francisco, Harvard University Art Museums, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Hyde Collection, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Memorial Art Gallery, Museum of Fine Arts w Bostonie, Metropolitan Museum of Art, Montclair Art Museum, Museum of Fine Arts, Houston, Museum of Modern Art, Muzeum Thyssen-Bornemisza, National Gallery of Australia, National Portrait Gallery, Norton Museum of Art, Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Phillips Collection, Portland Museum of Art, Princeton University Art Museum, San Diego Museum of Art, San Francisco Museum of Modern Art, Smithsonian American Art Museum and the Renwick Gallery, Virginia Museum of Fine Arts, Walker Art Center, Whitney Museum of American Art.

Sources

Stuart Davis
Stuart Davis
Niektóre źródła (Smithsonian Institution) wymieniają rok 1894.
^ Patterson, J. (2009). Stuart Davis »s painting and politics in the 1930s. The Burlington Magazine, 151465–468.
^ Philip Cooper, Cubism. Ediz. Phaidon, Londra, 1995.
^ a b c d e f Cécile Whiting, Stuard Davis, Oxford Art Online