Renaissance

gigatos | janvier 14, 2022

Résumé

Renaissance, renaissance ou renaissancecentisme sont les termes utilisés pour identifier la période de l »histoire européenne allant approximativement du milieu du 14e siècle à la fin du 16e siècle. Les chercheurs ne sont toutefois pas parvenus à un consensus sur cette chronologie, les dates variant considérablement selon les auteurs. Bien que les transformations aient été assez évidentes dans la culture, la société, l »économie, la politique et la religion, caractérisant le passage du féodalisme au capitalisme et signifiant une évolution par rapport aux structures médiévales, le terme est plus communément utilisé pour décrire ses effets sur les arts, la philosophie et les sciences.

Elle a été appelée Renaissance en raison de l »intense réévaluation des références de l »Antiquité classique, qui a guidé un adoucissement progressif de l »influence du dogmatisme religieux et du mysticisme sur la culture et la société, avec une appréciation concomitante et croissante de la rationalité, de la science et de la nature. Dans ce processus, l »être humain a été investi d »une nouvelle dignité et placé au centre de la création, et c »est pour cette raison que le principal courant de pensée de cette période a reçu le nom d »humanisme.

Le mouvement s »est d »abord manifesté dans la région italienne de Toscane, avec pour principaux centres les villes de Florence et de Sienne, d »où il s »est étendu au reste de la péninsule italienne puis à pratiquement tous les pays d »Europe occidentale, sous l »impulsion du développement de la presse et de la circulation des artistes et des œuvres. L »Italie est toujours restée le lieu où le mouvement a présenté son expression la plus typique, mais des manifestations Renaissance de grande importance ont également eu lieu en Angleterre, en France, en Allemagne, en Hollande et dans la péninsule ibérique. La diffusion internationale des références italiennes a généralement produit un art très différent de ses modèles, influencé par les traditions régionales, qui, pour beaucoup, se définit comme un nouveau style, le maniérisme. Le terme « Renaissance » a été enregistré pour la première fois par Giorgio Vasari au XVIe siècle, un historien qui s »est efforcé de placer Florence comme protagoniste de toutes les innovations les plus importantes, et ses écrits ont exercé une influence décisive sur la critique ultérieure.

Pendant longtemps, cette période a été considérée aux États-Unis et en Europe comme un mouvement homogène, cohérent et toujours progressif, comme la période la plus intéressante et la plus féconde depuis l »Antiquité, et l »une de ses phases, la Haute Renaissance, a été consacrée comme l »apothéose de la longue recherche précédente de l »expression la plus sublime et de l »imitation la plus parfaite des classiques, et son héritage artistique a été considéré comme un paradigme de qualité insurpassable. Cependant, les études menées au cours des dernières décennies ont révisé ces points de vue traditionnels, les considérant comme non fondés ou stéréotypés, et ont considéré la période comme beaucoup plus complexe, diverse, contradictoire et imprévisible que ce qui avait été supposé pendant des générations. Le nouveau consensus qui s »est établi reconnaît toutefois la Renaissance comme un jalon important de l »histoire européenne, comme une phase de changement rapide et pertinent dans de nombreux domaines, comme une constellation de signes et de symboles culturels qui ont défini une grande partie de ce qu »était l »Europe jusqu »à la Révolution française, et qui restent très influents aujourd »hui encore dans de nombreuses régions du monde, tant dans les cercles universitaires que dans la culture populaire.

L »humanisme peut être désigné comme la principale valeur cultivée à la Renaissance, sur la base de concepts ayant une origine lointaine dans l »Antiquité classique. Selon Lorenzo Casini, « l »un des fondements du mouvement de la Renaissance était l »idée que l »exemple de l »Antiquité classique constituait un modèle d »excellence inestimable sur lequel les temps modernes, si décadents et indignes, pouvaient se pencher pour réparer les dommages causés depuis la chute de l »Empire romain ». Il était également entendu que Dieu n »avait donné qu »une seule Vérité au monde, celle qui avait produit le christianisme et qu »elle seule avait préservée dans son intégralité, mais des fragments en avaient été accordés à d »autres cultures, la culture gréco-romaine se distinguant parmi elles, et c »est pour cette raison que ce qui restait de l »Antiquité en bibliographie et autres reliques était tenu en haute estime.

Plusieurs éléments ont contribué à la naissance en Italie de l »humanisme dans sa forme la plus typique. Le souvenir des gloires de l »Empire romain conservées dans les ruines et les monuments, et la survie du latin en tant que langue vivante sont des aspects pertinents. Les travaux des grammairiens, des commentateurs, des médecins et d »autres érudits maintenaient en circulation des références au classicisme, et la préparation des avocats, secrétaires, notaires et autres fonctionnaires exigeait généralement l »étude de la rhétorique et de la législation latines. L »héritage classique n »a jamais totalement disparu pour les Italiens, et la Toscane y est fortement associée. Mais si cette culture des classiques y avait survécu, elle était pauvre en comparaison de l »intérêt suscité par les auteurs anciens en France et dans d »autres pays nordiques, au moins depuis le IXe siècle. C »est lorsque la mode du classicisme a commencé à décliner en France à la fin du XIIIe siècle qu »elle a commencé à s »échauffer en Italie centrale, et il semblerait que cela soit dû en partie à l »influence française. Pétrarque (1304-1374) est traditionnellement appelé le fondateur de l »humanisme, mais compte tenu de l »existence de plusieurs précurseurs notables, tels que Giovanni del Virgilio à Bologne, ou Albertino Mussato à Padoue, plutôt qu »un fondateur, il est le premier grand représentant du mouvement.

Plus qu »une philosophie, l »humanisme était aussi un mouvement littéraire et une méthode d »apprentissage qui avait un large éventail d »intérêts, dans lesquels la philosophie n »était pas la seule et peut-être même pas la prédominante. Elle accordait une plus grande valeur à l »utilisation de la raison individuelle et à l »analyse des preuves empiriques, contrairement à la scolastique médiévale, qui se limitait essentiellement à consulter les autorités du passé, principalement Aristote et les premiers Pères de l »Église, et à débattre des différences entre les auteurs et les commentateurs. L »humanisme ne s »est pas débarrassé de ces sources, et une partie non négligeable de sa formation provient des fondements médiévaux, mais il a commencé à les réexaminer à la lumière de nouvelles propositions et d »une foule d »autres textes anciens qui ont été redécouverts. Dans la description de l »Encyclopaedia Britannica,

L »humanisme se consolide à partir du XVe siècle, principalement grâce aux écrits de Marsilio Ficino, Lorenzo Valla, Leonardo Bruni, Poggio Bracciolini, Érasme de Rotterdam, Rudolph Agricola, Pic de la Mirandole, Petrus Ramus, Juan Luis Vives, Francis Bacon, Michel de Montaigne, Bernardino Telesio, Giordano Bruno, Tommaso Campanella et Thomas More, entre autres, qui discutent de divers aspects du monde naturel, de l »homme, du divin, de la société, des arts et de la pensée, incorporant une pléthore de références de l »Antiquité mises en circulation par des textes inconnus jusqu »alors – grecs, latins, arabes, juifs, byzantins et d »autres origines – représentant des écoles et des principes aussi divers que le néoplatonisme, l »hédonisme, l »optimisme, l »individualisme, le scepticisme, le stoïcisme, l »épicurisme, l »hermétisme, l »anthropocentrisme, le rationalisme, le gnosticisme, le cabalisme et bien d »autres encore. Parallèlement, la reprise de l »étude de la langue grecque, entièrement abandonnée en Italie, a permis de réexaminer les textes originaux de Platon, Aristote et d »autres auteurs, générant de nouvelles interprétations et des traductions plus précises, qui ont modifié l »impression que l »on se faisait de leur corpus d »idées. Mais si l »humanisme a été remarquable pour ce qu »il a influencé dans les domaines de l »éthique, de la logique, de la théologie, de la jurisprudence, de la rhétorique, de la poétique, des arts et des humanités, pour le travail de découverte, d »exégèse, de traduction et de diffusion des textes classiques, et pour la contribution qu »il a apportée à la philosophie de la Renaissance dans les domaines de la philosophie morale et politique, selon Smith et alii, la plupart des travaux spécifiquement philosophiques de la période ont été réalisés par des philosophes formés dans l »ancienne tradition scolastique et disciples d »Aristote et par des métaphysiciens disciples de Platon.

La brillante floraison culturelle et scientifique de la Renaissance a placé l »homme, son raisonnement logique et la science comme les mesures et les arbitres de la vie manifeste. Cela a donné lieu à des sentiments d »optimisme, ouvrant positivement l »homme à la nouveauté et encourageant son esprit de recherche. Le développement d »une nouvelle attitude à l »égard de la vie a laissé derrière lui la spiritualité excessive du gothique et a considéré le monde matériel avec ses beautés naturelles et culturelles comme un lieu à apprécier, en mettant l »accent sur l »expérience individuelle et les possibilités latentes de l »homme. En outre, les expériences démocratiques italiennes, le prestige croissant de l »artiste en tant que savant et non en tant que simple artisan, ainsi qu »une nouvelle conception de l »éducation qui valorise les talents individuels de chacun et cherche à faire de l »homme un être complet et intégré, avec la pleine expression de ses facultés spirituelles, morales et physiques, nourrissent de nouveaux sentiments de liberté sociale et individuelle.

Les théories de la perfectibilité et du progrès sont discutées, et la préparation que les humanistes préconisent pour la formation de l »homme idéal, à la fois corps et esprit, philosophe, scientifique et artiste, élargit la structure pédagogique médiévale du trívio et du quadrívio, créant dans ce processus de nouvelles sciences et disciplines, un nouveau concept d »enseignement et d »éducation et une nouvelle méthode scientifique. Au cours de cette période, divers instruments scientifiques ont été inventés, diverses lois naturelles et des objets physiques inconnus jusqu »alors ont été découverts, et la face même de la planète a changé pour les Européens après les découvertes des grandes navigations. La physique, les mathématiques, la médecine, l »astronomie, la philosophie, l »ingénierie, la philologie et diverses autres branches du savoir ont atteint un niveau de complexité, d »efficacité et de précision sans précédent, chacune contribuant à une croissance exponentielle du savoir total, ce qui a conduit à concevoir l »histoire de l »humanité comme une expansion continue et toujours pour le mieux. Cet esprit de confiance en la vie et en l »homme relie la Renaissance à l »Antiquité classique et définit une grande partie de son héritage. Le passage suivant, tiré du Pantagruel de François Rabelais (1532), est souvent cité pour illustrer l »esprit de la Renaissance :

Malgré l »idée que la Renaissance pouvait se faire d »elle-même, le mouvement ne pouvait jamais être une imitation littérale de la culture antique, car tout s »est passé sous le manteau du catholicisme, dont les valeurs et la cosmogonie étaient très différentes de celles du paganisme antique. Ainsi, d »une certaine manière, la Renaissance a été une tentative originale et éclectique d »harmoniser le néoplatonisme païen avec la religion chrétienne, l »eros avec la charitas, ainsi que les influences orientales, juives et arabes, et où l »étude de la magie, de l »astrologie et de l »occulte a joué un rôle important dans l »élaboration de systèmes de discipline et d »amélioration morale et spirituelle et d »un nouveau langage symbolique.

Si, auparavant, le christianisme avait été l »unique voie vers Dieu, fondant toute l »explication de la vie et du monde et fournissant une justification à l »ordre social dominant, les humanistes allaient montrer qu »il existait de nombreuses autres voies et possibilités, qu »ils ne cherchaient pas à nier l »essence du credo – cela aurait été impossible à maintenir pendant longtemps, toutes les dénégations radicales à cette époque se terminant par une répression violente – mais transformaient l »interprétation des dogmes et leurs relations avec la vie et les drames sociaux. Cela a donné à la religion plus de souplesse et d »adaptabilité, mais a entraîné un déclin de son prestige et de son influence sur la société à mesure que l »homme s »émancipait un peu plus de sa tutelle. La pensée médiévale avait tendance à considérer l »homme comme une créature vile, une « masse de pourriture, de poussière et de cendres », comme le disait Pierre Damien au XIe siècle. Mais lorsque Pic de la Mirandole apparaît au XVe siècle, l »homme représente déjà le centre de l »univers, un être mutant, immortel, autonome, libre, créatif et puissant, faisant écho aux voix plus anciennes d »Hermès Trismégiste (« Le grand miracle est l »homme ») et de l »Arabe Abdala (« Il n »y a rien de plus merveilleux que l »homme »).

D »une part, certains de ces hommes se considéraient comme les héritiers d »une tradition disparue depuis un millier d »années, croyant en fait faire revivre une grande culture antique, et se sentant même un peu comme des contemporains des Romains. Mais il y en avait d »autres qui voyaient leur propre époque comme distincte à la fois du Moyen Âge et de l »Antiquité, avec un mode de vie jamais vu auparavant, et souvent proclamé comme la perfection des siècles. D »autres courants prônent la perception que l »histoire est cyclique et comporte des phases inévitables d »ascension, d »apogée et de déclin, et que l »homme est un être soumis à des forces qui le dépassent et ne maîtrise pas totalement ses pensées, ses capacités et ses passions, ni la durée de sa propre vie. Et il y avait les mécontents, qui n »appréciaient pas la sécularisation rapide de la société et l »ostentation des riches et prêchaient un retour au mysticisme médiéval et à l »austérité. Des recherches récentes ont montré que la multiplication d »œuvres éclectiques, de méthodologies idiosyncrasiques, d »opinions divergentes, l »ambition d »un savoir encyclopédique, la redéfinition des canons esthétiques et philosophiques et des codes d »éthique, ont suscité tant de débats à l »époque qu »il est devenu évident que la pensée de la Renaissance était bien plus hétérogène qu »on ne le pensait et que si la période a été si dynamique et créative, c »est notamment en raison du volume des controverses.

La Renaissance a souvent été décrite comme une époque optimiste – et la documentation montre qu »elle était perçue ainsi à son époque dans les cercles influents – mais lorsqu »ils ont été confrontés à la vie en dehors des livres, ses philosophes ont toujours eu du mal à faire face au conflit entre l »idéalisme édénique qu »ils proposaient comme l »héritage naturel de l »homme, un être créé à la ressemblance de Dieu, et la dureté brutale de la tyrannie politique, les révoltes populaires et les guerres, les épidémies, la pauvreté et la faim endémiques, et les drames moraux chroniques de l »homme ordinaire, réel.

Quoi qu »il en soit, l »optimisme qui s »est maintenu au moins parmi les élites sera à nouveau perdu au XVIe siècle, avec la réapparition du scepticisme, du pessimisme, de l »ironie et du pragmatisme chez Érasme, Machiavel, Rabelais et Montaigne, qui vénèrent la beauté des idéaux du classicisme mais constatent avec tristesse l »impossibilité de leur application pratique. Si une partie de la critique comprend ce changement d »atmosphère comme la phase finale de la Renaissance, une autre partie l »a défini comme l »un des fondements d »un mouvement culturel distinct, le maniérisme.

La Renaissance est généralement divisée en trois grandes phases, le Trecento, le Quattrocento et le Cinquecento, correspondant aux 14e, 15e et 16e siècles, avec un bref interlude entre les deux dernières appelé la Haute Renaissance.

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Trecento

Le Trecento (XIVe siècle) représente la préparation de la Renaissance et est un phénomène essentiellement italien, plus précisément de la région de Toscane, et bien que dans plusieurs centres, il y ait eu à cette époque un processus naissant d »humanisation de la pensée et un éloignement du gothique, comme à Pise, Sienne, Padoue, Venise, Vérone et Milan, dans la plupart de ces endroits les régimes gouvernementaux étaient trop conservateurs pour permettre des changements culturels significatifs. Il revenait à Florence d »assumer l »avant-garde intellectuelle, en menant la transformation du modèle médiéval au modèle moderne. Cependant, cette centralisation à Florence n »apparaîtra vraiment qu »à la fin du Trecento.

L »identification des éléments fondateurs de la Renaissance italienne passe nécessairement par l »étude de l »économie et de la politique florentines et de leurs impacts sociaux et culturels, mais les aspects obscurs sont nombreux et le domaine est sujet à controverse. Cependant, selon Richard Lindholm, il existe un consensus assez large sur le fait que le dynamisme économique, la flexibilité de la société face aux défis, sa capacité à réagir rapidement en temps de crise, sa volonté d »accepter les risques, ainsi qu »un sentiment civique passionné à grande échelle, ont été des facteurs déterminants pour l »épanouissement culturel, architectural et artistique qui s »est développé et renforcé.

Le système de production développe de nouvelles méthodes, avec une nouvelle division du travail et une mécanisation progressive. L »économie florentine était principalement axée sur la production et le commerce des tissus. Il s »agissait d »une économie instable mais dynamique, capable de s »adapter radicalement face à des événements imprévus tels que les guerres et les épidémies. Une période favorable s »ouvre vers 1330, et après la peste de 1348, elle émerge renouvelée et encore plus vigoureuse, offrant des tissus et des vêtements de grand luxe et de grande sophistication.

Depuis le siècle précédent, la société toscane a vu se développer une classe moyenne qui s »est émancipée financièrement grâce à l »organisation en guildes, des corporations de métiers qui monopolisaient la prestation de certains services et la production de certains matériaux et objets. À Florence, ils étaient divisés en deux catégories : les arts majeurs (fourreurs, médecins et apothicaires) et les arts mineurs, qui comprenaient un grand nombre de métiers moins prestigieux et moins rentables, tels que les arts des pêcheurs, des tavailleurs, des cordonniers, des boulangers, des armuriers, des forgerons, etc. L »Art de la Laine, par exemple, contrôlait la production, la teinture et le commerce des tissus, rideaux, vêtements et fils de laine, y compris les opérations d »importation et d »exportation, contrôlait la qualité des produits, fixait les prix et évitait toute concurrence. Les autres ont travaillé de la même manière. Les guildes avaient plusieurs fonctions : un mélange de syndicat, de confrérie, d »école pour les apprentis dans les métiers, de société d »aide mutuelle pour les membres et de club social. Les Arts majeurs deviennent riches et puissants, entretiennent des chapelles et des autels somptueux dans les principales églises et érigent des monuments. Ils agissaient tous dans une remarquable harmonie, ayant des objectifs communs, et dominaient pratiquement la conduite des affaires publiques par l »intermédiaire de leurs délégués dans les conseils civiques et les magistères. Les différentes guildes de chaque ville employaient ensemble la quasi-totalité de la population urbaine économiquement active, et ne pas être membre de la guilde de son métier était un obstacle presque insurmontable à la réussite professionnelle, en raison du contrôle strict qu »elles exerçaient sur les marchés et l »offre de main-d »œuvre. D »autre part, l »appartenance offrait des avantages évidents pour le travailleur, et le succès de ce modèle a permis à la population d »accéder pour la première fois à la propriété à grande échelle, une évolution qui s »est accompagnée d »un intérêt accru pour les arts et l »architecture.

Leurs dirigeants possédaient généralement de grandes entreprises privées, jouissaient d »un grand prestige et s »élevaient socialement en assumant des fonctions publiques, en parrainant les arts et l »Église et en construisant des manoirs et des palais pour y vivre, formant ainsi un nouveau patriciat. Les grands hommes d »affaires avaient souvent des intérêts parallèles dans les maisons de change, les précurseurs de la banque, et déplaçaient des fortunes en finançant ou en gérant les domaines des princes, des empereurs et des papes. Cette bourgeoisie émancipée est devenue un pilier du gouvernement et un nouveau marché pour l »art et la culture. Les familles de cette classe, comme les Mozzi, les Strozzi, les Peruzzi et les Médicis, allaient bientôt rejoindre la noblesse et certaines allaient même régner sur des États.

Au cours de ce siècle, Florence a connu d »intenses luttes de classes, une crise socio-économique plus ou moins chronique et a subi un net déclin de son pouvoir tout au long du siècle. À cette époque, les États consacraient une grande partie de leur énergie à deux activités principales : soit ils attaquaient et pillaient leurs voisins et s »emparaient de leurs territoires, soit ils étaient de l »autre côté, essayant de résister aux attaques. Les domaines de Florence étaient depuis longtemps menacés, la ville a été impliquée dans plusieurs guerres, dont elle est sortie vaincue la plupart du temps, mais en remportant parfois de brillantes victoires ; plusieurs banques importantes ont fait faillite ; elle a souffert d »épidémies de peste ; l »alternance rapide au pouvoir des factions opposées des Guelfes et des Gibelins, engagées dans des querelles sanglantes, ne permet pas la tranquillité sociale ni l »établissement d »objectifs politico-administratifs à long terme, le tout étant aggravé par des soulèvements populaires et l »appauvrissement des campagnes, mais dans le processus, la bourgeoisie urbaine fera des essais démocratiques de gouvernement. Malgré des difficultés et des crises récurrentes, Florence atteindra le milieu du siècle comme une ville puissante sur la scène italienne ; au siècle dernier, elle était plus grande, mais elle subordonnait encore plusieurs autres villes et maintenait une importante flotte marchande et des liens économiques et diplomatiques avec plusieurs États au nord des Alpes et autour de la Méditerranée. Il convient de noter que la démocratie de la république florentine diffère des interprétations modernes du terme. En 1426, Leonardo Bruni a déclaré que la loi reconnaissait l »égalité de tous les citoyens, mais que dans la pratique, seules l »élite et la classe moyenne avaient accès aux fonctions publiques et avaient une réelle voix dans la prise de décision. Cela est dû en grande partie à la lutte des classes quasi constante de la Renaissance.

D »autre part, l »émergence de la notion de libre concurrence et l »accent mis sur le commerce ont structuré le système économique selon une logique capitaliste et matérialiste, où la tradition, y compris religieuse, a été sacrifiée au profit du rationalisme, de la spéculation financière et de l »utilitarisme. En même temps, les Florentins n »ont jamais développé, comme cela s »est produit dans d »autres régions, un préjugé moral contre le commerce ou contre la richesse elle-même, considérée comme un moyen d »aider son prochain et de participer activement à la société, et ils étaient en fait conscients que le progrès intellectuel et artistique dépendait en grande partie du succès matériel, mais comme l »avarice, l »orgueil, la cupidité et l »usure étaient considérés comme des péchés, l »Église s »est associée aux intérêts des hommes d »affaires en apaisant les conflits de conscience et en offrant une série de mécanismes compensatoires pour les dérapages.

L »idée avait été intégrée à la doctrine selon laquelle le pardon des péchés et le salut de l »âme pouvaient également être gagnés par le service public et l »embellissement des villes et des églises avec des œuvres d »art, en plus de la pratique d »autres actions vertueuses, comme l »ordre des messes et le parrainage du clergé et des confréries et de leurs initiatives, choses aussi salutaires pour l »esprit qu »utiles pour accroître le prestige du donateur. En effet, la charité était un ciment social important et une garantie de sécurité publique. En plus de soutenir l »embellissement des villes, il permettait également de soutenir les pauvres, les hôpitaux, les asiles, les écoles et le financement de nombreuses demandes administratives, y compris les guerres, ce qui explique que les États aient toujours eu un intérêt marqué pour le bon fonctionnement de ce système. Une culture pragmatique et laïque s »est renforcée de diverses manières, ainsi que l »apport des humanistes, dont beaucoup étaient conseillers des princes ou en charge de hautes magistratures civiques, qui ont transformé la société et influencé directement le marché de l »art et ses formes de production, de distribution et d »évaluation.

Même si le christianisme n »avait jamais été sérieusement remis en question, à la fin du siècle commence une période de déclin progressif du prestige de l »Église et de la capacité de la religion à contrôler les gens et à offrir un modèle cohérent de culture et de société, non seulement en raison du contexte politique, économique et social en voie de sécularisation, mais aussi parce que les scientifiques et les humanistes ont commencé à chercher des explications rationnelles et démontrables aux phénomènes de la nature, remettant en question les explications transcendantales, traditionnelles ou folkloriques, ce qui a à la fois affaibli le canon religieux et modifié la relation entre Dieu, l »homme et le reste de la Création. De cet affrontement, poursuivi et renouvelé tout au long de la Renaissance, l »homme ressortira bon, beau, puissant, magnifié, et le monde sera considéré comme un endroit où il fait bon vivre.

La démocratie florentine, aussi imparfaite soit-elle, finit par se perdre dans une série de guerres extérieures et de troubles intérieurs, et dans les années 1370, Florence semble se diriger rapidement vers un nouveau gouvernement seigneurial. La mobilisation de la puissante famille Albizzi interrompt ce processus, mais au lieu de préserver le système communal, elle assume l »hégémonie politique et installe une république oligarchique, avec le soutien d »alliés issus du patriciat de la haute bourgeoisie. Dans le même temps, une opposition se forme, centrée sur les Médicis, qui commencent leur ascension. Malgré la brièveté de ces expériences de démocratie et la frustration de nombre de leurs objectifs idéaux, leur émergence a représenté un jalon dans l »évolution de la pensée politique et institutionnelle européenne.

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Quattrocento

Après que Florence ait connu des moments de grand éclat, la fin du Trecento avait trouvé la ville acculée par les avancées du duché de Milan, avait perdu plusieurs territoires et tous ses anciens alliés, et s »était vu couper l »accès à la mer. Le Quattrocento (XVe siècle) s »ouvre avec les troupes milanaises aux portes de Florence, après avoir dévasté les campagnes au cours des années précédentes. Mais soudain, en 1402, un nouvel épisode de peste tue leur général, Giangaleazzo Visconti, et empêche la ville de succomber au sort d »une grande partie du nord et du nord-ouest de l »Italie, déclenchant une résurgence de l »esprit civique. Dès lors, les intellectuels et historiens locaux, inspirés également par la pensée politique de Platon, Plutarque et Aristote, commencent à organiser et à proclamer le discours selon lequel Florence a fait preuve d »une « résistance héroïque » et est devenue le plus grand symbole de la liberté républicaine, en plus d »être le maître de toute la culture italienne, l »appelant la Nouvelle Athènes.

En combinant l »obtention de l »indépendance et l »humanisme philosophique qui prenait de l »ampleur, on a réuni certains des principaux éléments qui ont permis à Florence de rester sur le devant de la scène politique, intellectuelle et artistique. Cependant, dans les années 1420, les classes ouvrières ont été privées de la plupart des pouvoirs qu »elles avaient acquis et ont cédé à un nouveau paysage politique, dominé tout au long du siècle par le gouvernement des Médicis, un gouvernement nominalement républicain mais en fait aristocratique et seigneurial. Ce fut une déception pour les bourgeois en général, mais cela renforça la coutume du mécénat, fondamentale pour l »évolution du classicisme. La tension sociale n »a jamais été complètement étouffée ou résolue, et elle semble avoir toujours été un autre ferment important du dynamisme culturel de la ville.

L »expansion de la production locale de tissus de luxe cesse dans les années 1420, mais les marchés se rétablissent et se développent à nouveau au milieu du siècle dans le commerce des tissus espagnols et orientaux et dans la production d »options plus populaires. Malgré les habituels bouleversements politiques périodiques, la ville connaît une nouvelle période de prospérité et intensifie le mécénat artistique, reconquiert des territoires et achète le domaine des villes portuaires pour restructurer son commerce international. Il acquiert la primauté politique dans toute la Toscane, bien que Milan et Naples restent des menaces constantes. L »oligarchie bourgeoise florentine monopolise alors tout le système bancaire européen et acquiert un éclat aristocratique et une grande culture, et remplit ses palais et chapelles d »œuvres classiques. L »ostentation a suscité le mécontentement des classes moyennes, qui s »est matérialisé par un retour à l »idéalisme mystique du style gothique. Ces deux tendances opposées ont marqué la première moitié de ce siècle, jusqu »à ce que la petite bourgeoisie abandonne ses résistances, rendant possible une première grande synthèse esthétique qui débordera de Florence sur presque tout le territoire italien, définie par la primauté du rationalisme et des valeurs classiques.

Pendant ce temps, l »humanisme mûrissait et se répandait en Europe grâce à Ficino, Rodolphus Agricola, Érasme de Rotterdam, Mirandola et Thomas More. Leonardo Bruni a inauguré l »historiographie moderne et la science et la philosophie ont progressé avec Luca Pacioli, János Vitéz, Nicolas Chuquet, Regiomontanus, Nicolau de Cusa et Georg von Peuerbach, parmi beaucoup d »autres. Parallèlement, l »intérêt pour l »histoire ancienne a conduit des humanistes tels que Niccolò de » Niccoli et Poggio Bracciolini à parcourir les bibliothèques d »Europe à la recherche de livres perdus d »auteurs classiques. De nombreux documents importants ont en effet été retrouvés, comme le De architectura de Vitruve, les discours de Cicéron, les Institutes of Oratory de Quintilien, l »Argonautica de Valerius Flacco et le De rerum natura de Lucretius. La reconquête de la péninsule ibérique sur les Maures a également mis à la disposition des érudits européens une vaste collection de textes d »Aristote, d »Euclide, de Ptolémée et de Plotin, conservés dans des traductions arabes et inconnus en Europe, ainsi que des œuvres musulmanes d »Avicenne, de Geber et d »Averroès, contribuant ainsi de manière significative à un nouvel épanouissement de la philosophie, des mathématiques, de la médecine et d »autres spécialités scientifiques.

Le perfectionnement de la presse par Johannes Gutenberg au milieu du siècle a grandement facilité et rendu moins coûteuse la diffusion des connaissances à un public plus large. Le même intérêt pour la culture et la science entraîne la création de grandes bibliothèques en Italie et vise à redonner au latin, devenu un dialecte multiforme, sa pureté classique, pour en faire la nouvelle lingua franca de l »Europe. La restauration du latin découle de la nécessité pratique de gérer intellectuellement cette nouvelle bibliothèque de la Renaissance. En même temps, elle a eu pour effet de révolutionner la pédagogie et de fournir un nouveau corpus substantiel de structures syntaxiques et de vocabulaire à l »usage des humanistes et des littéraires, qui ont ainsi revêtu leurs propres écrits de l »autorité des anciens. L »intérêt des élites pour la collection d »art ancien est également important, car il stimule les études et les fouilles qui mènent à la découverte de diverses œuvres d »art, ce qui stimule le développement de l »archéologie et influence les arts visuels.

L »érudit grec Manuel Crisoloras, qui a réintroduit l »étude de la langue grecque en Italie entre 1397 et 1415, et de nombreux autres intellectuels, comme Demetrius Calcondilas, à la fin de l »Empire byzantin en 1453, ont donné une impulsion supplémentaire à ce processus, George de Trebizonda, John Argirópulo, Theodore Gaza et Barlaon de Seminara, ont émigré dans la péninsule italienne et dans d »autres parties de l »Europe, diffusant des textes classiques de philosophie et instruisant les humanistes dans l »art de l »exégèse. Une grande partie de ce que nous connaissons aujourd »hui de la littérature et de la législation gréco-romaines a été conservée par l »Empire byzantin, et cette nouvelle connaissance des textes classiques originaux, ainsi que de leurs traductions, a été, selon Luiz Marques, « l »une des plus grandes opérations d »appropriation d »une culture par une autre, comparable dans une certaine mesure à celle de la Grèce par la Rome des Scythes au deuxième siècle avant J.-C. Elle reflète, en outre, le passage, crucial pour l »histoire du Quattrocento, de l »hégémonie intellectuelle d »Aristote à celle de Platon et de Plotin. Dans ce grand afflux d »idées, toute la structure de l »ancienne Paideia, un ensemble de principes éthiques, sociaux, culturels et pédagogiques conçus par les Grecs et destinés à former un citoyen modèle, a été réintroduite en Italie. Les nouvelles informations et connaissances et la transformation concomitante de tous les domaines de la culture ont amené les intellectuels à penser qu »ils se trouvaient au milieu d »une phase de renouveau comparable aux phases brillantes des civilisations anciennes, par opposition au Moyen Âge précédent, qui a été considéré comme un âge d »obscurité et d »ignorance.

La mort de Laurent de Médicis en 1492, qui avait régné sur Florence pendant près de trente ans et s »était fait connaître comme l »un des plus grands mécènes du siècle, ainsi que l »effondrement du pouvoir aristocratique en 1494, ont marqué la fin de la phase dorée de la ville. Tout au long du Quattrocento, Florence a été la principale – mais jamais la seule – plaque tournante de la diffusion du classicisme et de l »humanisme dans le centre-nord de l »Italie, et a cultivé la culture qui s »est imposée comme l »expression la plus parfaite de la Renaissance et le modèle auquel toutes les autres expressions étaient comparées. Cette tradition élogieuse s »est renforcée après le lancement par Vasari, au XVIe siècle, de ses Vies des artistes, jalon inaugural de l »historiographie de l »art moderne, qui attribuait aux Florentins un net protagonisme et une excellence supérieure. Cet ouvrage a eu un large retentissement et a influencé le cours de l »historiographie pendant des siècles.

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Haute Renaissance

La Haute Renaissance englobe chronologiquement les dernières années du Quattrocento et les premières décennies du Cinquecento, et est grossièrement délimitée par les œuvres de maturité de Léonard de Vinci (à partir de 1480 environ) et le sac de Rome en 1527. Au cours de cette période, Rome s »est imposée comme l »avant-garde artistique et intellectuelle, laissant Florence à l »arrière-plan. Cela est dû principalement au mécénat papal et à un programme de rénovation et d »embellissement urbain, qui visait à revitaliser l »ancienne capitale impériale en s »inspirant, précisément, de la gloire des Césars, dont les papes se considéraient comme les héritiers légitimes. En même temps, en tant que siège de la papauté et plate-forme de ses prétentions impérialistes, elle réaffirme sa condition de « chef du monde ».

Cela se traduit par la recréation de pratiques sociales et symboliques imitant celles de l »Antiquité, telles que les grandes processions triomphales, les fêtes publiques somptueuses, la frappe de médailles, les représentations théâtrales grandiloquentes mettant en scène des personnages historiques, mythologiques et allégoriques. Rome n »avait jusqu »alors produit aucun grand artiste de la Renaissance, et le classicisme avait été implanté par la présence temporaire d »artistes venus d »ailleurs. Mais lorsque des maîtres de la stature de Raphaël, Michel-Ange et Bramante se sont installés dans la ville, une école locale dynamique s »est formée, faisant de la ville le plus riche dépôt d »art de la Haute Renaissance.

À cette époque, le classicisme était le courant esthétique dominant en Italie, avec de nombreux centres importants de culture et de diffusion. Pour la première fois, l »Antiquité a été comprise comme une civilisation définie, avec son propre esprit, et non comme une séquence d »événements isolés. En même temps, cet esprit a été identifié comme très proche de celui de la Renaissance, donnant aux artistes et aux intellectuels le sentiment, d »une certaine manière, de pouvoir dialoguer sur un pied d »égalité avec les maîtres du passé qu »ils admiraient. Ils avaient enfin « maîtrisé » la langue qu »ils avaient reçue, et pouvaient désormais l »utiliser avec plus de liberté et de compréhension.

Au fil des siècles, un large consensus s »est formé pour considérer que la Haute Renaissance a représenté la maturation des idéaux les plus chers de toute la génération précédente de la Renaissance, l »humanisme, la notion d »autonomie de l »art, la transformation de l »artiste en scientifique et en érudit, la recherche de la fidélité à la nature et le concept de génie. Il a reçu le nom de « Haut » en raison de ce caractère prétendument exemplaire, du point culminant d »une trajectoire d »ascension continue. Nombreux sont les historiens qui ont enregistré des témoignages passionnés d »admiration pour l »héritage des artistes de l »époque, la qualifiant d »époque « miraculeuse », « sublime », « incomparable », « héroïque », « transcendante », que la critique a longtemps enveloppée d »une aura de nostalgie et de vénération. Comme elle l »a fait avec tous les vieux consensus et mythes, la critique récente s »est chargée de déconstruire et de réinterpréter davantage cette tradition, la considérant comme une vision quelque peu évasive, esthétisante et superficielle d »un contexte social marqué, comme il l »a toujours été, par d »énormes inégalités sociales, la tyrannie, la corruption, les guerres vaines et d »autres problèmes, « une fantaisie belle mais finalement tragique », comme l »a observé Brian Curran.

On a également reproché à cette surévaluation d »être excessivement fondée sur le concept de génie, d »attribuer toutes les contributions pertinentes à une poignée d »artistes et de n »identifier comme « classique » et « meilleur » qu »un courant esthétique particulier, alors que l »examen des preuves a montré que l »Antiquité et la Haute Renaissance étaient bien plus variées que ne le prétendait la vision hégémonique.

Cependant, on a reconnu l »importance historique de la Haute Renaissance en tant que concept historiographique qui a été plus, mais qui est toujours très influent, et on a reconnu que les normes esthétiques introduites par Léonard, Raphaël et Michel-Ange, en particulier, ont établi un canon différent de leurs prédécesseurs et extrêmement réussi à être accepté, devenant ainsi référentiel pendant une longue période. Ces trois maîtres, malgré le révisionnisme récent et la relativisation des valeurs qui en découle, sont encore largement considérés comme la plus haute expression de la période et l »incarnation la plus complète du concept de génie de la Renaissance. Dans cette phase, leur style se caractérise par un classicisme très idéalisé et somptueux, qui synthétise des éléments choisis dans des sources classiques particulièrement prestigieuses, en dépréciant le réalisme que certains courants du Quattrocento pratiquaient encore. Selon Hauser,

Pendant l »exil des papes en Avignon, la ville de Rome avait connu un grand déclin, mais depuis leur retour au siècle précédent, les pontifes avaient cherché à la réorganiser et à la revitaliser, employant une armée d »archéologues, d »humanistes, d »antiquaires, d »architectes et d »artistes pour étudier et conserver les ruines et les monuments et pour embellir la ville afin qu »elle soit à nouveau digne de son illustre passé. Si, selon Jill Burke, c »était devenu une habitude pour beaucoup de gens de la Renaissance d »affirmer qu »ils vivaient dans un nouvel âge d »or, jamais auparavant cette affirmation n »avait été réaffirmée avec autant de vigueur et d »engagement que par les papes Jules II et Léon X, les principaux responsables de la transformation de Rome en l »un des centres artistiques européens les plus grands et les plus cosmopolites de leur époque et les principaux proclamateurs de l »idée que, dans leur génération, les siècles avaient atteint leur perfection.

Le corollaire du changement de mentalité entre le Quattrocento et le Cinquecento est que si, dans le premier, la forme est une fin, dans le second, elle est un commencement ; si, dans le premier, la nature fournissait les modèles que l »art imitait, dans le second, la société aura besoin de l »art pour prouver que ces modèles existent. L »art le plus prestigieux est devenu fortement autoréférentiel et éloigné de la réalité quotidienne, bien qu »il soit imposé au peuple dans les principaux espaces publics et dans le discours officiel. Raphaël a résumé les contraires dans sa célèbre fresque L »École d »Athènes, l »un des tableaux les plus importants de la Haute Renaissance, qui ressuscite le dialogue philosophique entre Platon et Aristote, c »est-à-dire entre idéalisme et empirisme.

Le classicisme de cette phase, bien que mûr et riche, parvenant à façonner des œuvres de grande puissance, avait une forte charge formaliste et rétrospective, et pour cette raison, il a été considéré par certains critiques récents comme une tendance conservatrice plutôt que progressiste. L »humanisme lui-même, dans sa version romaine, a perdu son ardeur civique et anticléricale et a été censuré et domestiqué par les papes, qui l »ont converti, en substance, en une justification philosophique de leur programme impérialiste. Le code d »éthique qui s »imposait dans les milieux illustrés, construction abstraite et théâtre social au sens le plus concret du terme, prescrivait la modération, la maîtrise de soi, la dignité et la politesse en toute chose. Le Courtier de Baldassare Castiglione en est la synthèse théorique.

Malgré le code d »éthique qui circule parmi les élites, les contradictions et les failles de l »idéologie dominante sont aujourd »hui évidentes pour les chercheurs. Le programme d »embellissement de Rome a été critiqué comme étant une initiative destructive plutôt que constructive qui a laissé un certain nombre de travaux inachevés et a inutilement rasé ou modifié d »authentiques monuments et bâtiments de l »Antiquité. Cette société est restée autoritaire, inégalitaire et corrompue, et à en juger par certains éléments, elle semble avoir été exceptionnellement corrompue, à tel point que ses détracteurs contemporains ont considéré le sac de la ville en 1527 comme une punition divine pour ses crimes, ses péchés et ses scandales. En ce sens, l »autre « manuel » important de la période est Le Prince de Machiavel, un tutoriel sur la manière d »accéder au pouvoir et d »y rester, où il déclare qu » »il n »y a pas de bonnes lois sans bonnes armes », ne distinguant pas le pouvoir de l »autorité et légitimant l »usage de la force pour le contrôle des citoyens. Ce livre a été une référence clé pour la pensée politique de la Renaissance dans sa phase finale et une source d »inspiration importante pour la philosophie de l »État moderne. Bien que Machiavel soit parfois accusé de froideur, de cynisme, de calcul et de cruauté, au point que l »expression « machiavélique » vient de lui, l »ouvrage constitue un document historique précieux en tant qu »analyse complète de la pratique politique et des valeurs dominantes de l »époque.

Des événements tels que la découverte de l »Amérique et la Réforme protestante, et des techniques telles que la presse à caractères mobiles, ont transformé la culture et la vision du monde des Européens, en même temps que l »attention de toute l »Europe se tournait vers l »Italie et ses progrès, les grandes puissances que sont la France, l »Espagne et l »Allemagne désirant la partager et en faisant un champ de bataille et de pillage. Avec les invasions qui ont suivi, l »art italien a étendu son influence sur une vaste région du continent.

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Cinquecento et maniérisme italien

Le Cinquecento (XVIe siècle) est la phase ultime de la Renaissance, lorsque le mouvement se transforme et s »étend à d »autres parties de l »Europe. Suite au sac de Rome en 1527 et à la contestation de l »autorité papale par les protestants, l »équilibre politique du continent se modifie et sa structure socioculturelle est bouleversée. L »Italie a subi les pires conséquences : en plus d »être envahie et saccagée, elle a cessé d »être le centre commercial de l »Europe, car de nouvelles routes commerciales ont été ouvertes par les grandes navigations. Tout le panorama change, l »influence catholique décline et des sentiments de pessimisme, d »insécurité et d »aliénation apparaissent, qui caractérisent l »atmosphère du maniérisme.

La chute de Rome a signifié qu »il n »y avait plus de centre « unique » dictant l »esthétique et la culture. Des écoles régionales nettement différenciées sont apparues à Florence, Ferrare, Naples, Milan, Venise et bien d »autres, et la Renaissance s »est ensuite définitivement répandue dans toute l »Europe, se transformant et se diversifiant profondément à mesure qu »elle intégrait un ensemble varié d »influences régionales. L »art de longeurs tels que Michel-Ange et Titien a enregistré dans son style le passage d »un âge de certitude et de clarté à un âge de doute et de drame. Les réalisations intellectuelles et artistiques de la Haute Renaissance étaient encore fraîches et ne pouvaient être facilement oubliées, même si leur substrat philosophique ne pouvait plus rester valable face à de nouveaux faits politiques, religieux et sociaux. Le nouvel art et la nouvelle architecture qui se sont créés, où des noms comme Parmigianino, Pontormo, Tintoretto, Rosso Fiorentino, Vasari, Palladio, Vignola, Romano, Cellini, Bronzino, Giambologna, Beccafumi, bien qu »inspirés par l »Antiquité, ont réorganisé et traduit ses systèmes de proportion et de représentation spatiale et ses valeurs symboliques dans des œuvres agitées, déformées, ambivalentes et précieuses.

Ce changement était en préparation depuis un certain temps. Dans les années 1520, la papauté était mêlée à tant de conflits internationaux et la pression qui l »entourait était si forte que peu de gens doutaient que Rome était condamnée, considérant que sa chute n »était qu »une question de temps. Bien avant le désastre de 1527, Raphaël lui-même, traditionnellement considéré comme l »un des plus purs représentants de la modération et de l »équilibre considérés comme typiques de la Haute Renaissance, avait conçu dans plusieurs œuvres importantes les scènes aux contrastes si forts, les groupes si mouvementés, les personnages à l »expression si passionnée, et dans des positions si peu naturelles et rhétoriques que, selon Frederick Hartt, il pourrait être considéré non seulement comme un précurseur du maniérisme, mais aussi du baroque, et s »il avait vécu plus longtemps, il aurait sans doute accompagné Michel-Ange et d »autres dans la transition complète vers un style qui se différencie de manière cohérente de celui du début du siècle.

Vasari, l »un des principaux érudits du Cinquecento, ne percevait pas de solution radicale de continuité entre la Haute Renaissance et la période suivante dans laquelle il vivait lui-même, il se considérait encore comme un homme de la Renaissance et, en expliquant les différences évidentes entre l »art des deux périodes, il disait que les successeurs de Léonard, Michel-Ange et Raphaël travaillaient dans un « style moderne », une « nouvelle voie », qui cherchait à imiter certaines des œuvres les plus importantes de l »Antiquité qu »ils connaissaient. Il se référait principalement au groupe du Laocoon, redécouvert en 1506, qui fit sensation dans les milieux artistiques romains, et au torse du Belvédère, qui commençait à la même époque à devenir célèbre et très étudié. Ces œuvres ont exercé une grande influence sur les premiers maniéristes, dont Michel-Ange, mais elles n »appartiennent pas à la période classique, mais à la période hellénistique, qui était à bien des égards une école anti-classique. Les Renaissants ne comprenaient pas non plus le terme « classique » tel qu »il a été entendu à partir du XVIIIe siècle, c »est-à-dire l »expression d »un idéal de pureté, de majesté, de perfection, d »équilibre, d »harmonie et de modération émotionnelle, la synthèse de tout ce qui est bon, utile et beau, qu »ils identifiaient comme existant dans la Grèce antique entre le Ve et le IVe siècle avant Jésus-Christ. Il est difficile de déterminer comment la Renaissance a perçu les différences entre les courants esthétiques contrastés de la culture gréco-romaine dans son ensemble (l » »Antiquité »). La quasi-totalité des œuvres de l »Antiquité auxquelles ils avaient accès à l »époque étaient des relectures hellénistiques et romaines de modèles grecs perdus, un répertoire formel très éclectique qui incorporait de multiples référents issus de près de mille ans d »histoire gréco-romaine, une période au cours de laquelle les changements de goût et de style étaient variés et spectaculaires. Ils semblent avoir considéré l »Antiquité plutôt comme une période culturelle monolithique, ou du moins comme une période dans laquelle ils pouvaient puiser des éléments choisis à volonté pour créer une « Antiquité utilisable », adaptée aux exigences de l »époque. Le critique Ascanio Condivi rapporte un exemple de cette position chez Michel-Ange, en disant que lorsque le maître voulait créer une forme idéale, il ne se contentait pas d »observer un seul modèle, mais en recherchait plusieurs et tirait de chacun les meilleurs traits. Raphaël, Bramante et d »autres auraient utilisé la même approche.

Cependant, après le XVIIe siècle et pendant longtemps, le maniérisme a été considéré comme une dégénérescence des idéaux classiques authentiques, développée par des artistes dérangés ou plus préoccupés par les aléas d »une virtuosité morbide et futile. De nombreux critiques ultérieurs ont attribué le caractère dramatique et asymétrique des œuvres de cette période à une imitation exagérée du style de Michel-Ange et de Giulio Romano, mais ces traits ont également été interprétés comme le reflet d »une époque troublée et désabusée. Hartt a souligné l »influence des mouvements de réforme de l »Église sur le changement de mentalité. La critique récente comprend que les mouvements culturels sont toujours le résultat de facteurs multiples, et le maniérisme italien ne fait pas exception, mais on considère qu »il était par essence le produit d »environnements de cour conservateurs, d »un cérémonialisme complexe et d »une culture éclectique et ultra-sophistiquée, plutôt qu »un mouvement intentionnellement anti-classique.

Quoi qu »il en soit, la polémique a eu pour effet de diviser les spécialistes du maniérisme en deux courants principaux. Pour certains, la diffusion de l »influence italienne en Europe au cours du Cinquecento a produit des expressions plastiques si polymorphes et si distinctes de celles du Quattrocento et de la Haute Renaissance qu »il est devenu problématique de les décrire comme faisant partie du phénomène originel, leur semblant à bien des égards constituer une antithèse des principes classiques si prisés par les phases précédentes, et qui définiraient la « vraie » Renaissance. Ils ont ainsi établi le maniérisme comme un mouvement indépendant, le reconnaissant comme une forme d »expression exquise, imaginative et vigoureuse, une importance renforcée par le fait qu »il s »agit de la première école d »art moderne. L »autre courant critique, en revanche, l »analyse comme un approfondissement et un enrichissement des présupposés classiques et comme une conclusion légitime du cycle de la Renaissance ; il ne s »agit pas tant d »une négation ou d »une déformation de ces principes que d »une réflexion sur leur applicabilité pratique à ce moment historique et d »une adaptation – parfois douloureuse mais généralement créative et réussie – aux circonstances de l »époque. Pour rendre le tableau encore plus complexe, l »identification même des traits caractéristiques du maniérisme, ainsi que sa chronologie et son applicabilité à des régions et des domaines autres que les arts visuels, ont été au centre d »une autre controverse monumentale, que beaucoup considèrent comme insoluble.

Outre les changements culturels provoqués par le réarrangement politique du continent, le XVIe siècle est marqué par une autre grande crise, la Réforme protestante, qui renverse à jamais l »ancienne autorité universelle de l »Église romaine. L »un des impacts les plus importants de la Réforme sur l »art de la Renaissance a été la condamnation des images sacrées, qui a dépeuplé les temples nordiques de représentations picturales et sculpturales de saints et de personnages divins, et de nombreuses œuvres d »art ont été détruites dans des vagues de fureur iconoclaste. Avec cela, les arts représentatifs sous influence réformiste se sont tournés vers les personnages et la nature profanes. La papauté, cependant, s »est vite rendu compte que l »art pouvait être une arme efficace contre les protestants, contribuant à une évangélisation plus large et plus séduisante pour les grandes masses populaires. Au cours de la Contre-Réforme, de nouveaux préceptes sont systématisés, qui déterminent en détail comment l »artiste doit créer des œuvres à thème religieux, en cherchant à mettre en valeur l »émotion et le mouvement, considérés comme les ressources les plus intelligibles et les plus attrayantes pour gagner la simple dévotion du peuple et assurer ainsi la victoire contre les protestants. Mais si, d »une part, la Contre-Réforme a donné lieu à davantage de commandes d »art sacré, la liberté d »expression artistique que l »on avait pu observer dans les phases précédentes a disparu, une liberté qui avait permis à Michel-Ange d »orner son immense panneau du Jugement dernier, peint au cœur du Vatican, d »une multitude de corps nus d »une grande sensualité, même si le domaine profane restait peu touché par la censure.

Le Cinquecento est également l »époque de la fondation des premières académies d »art, comme l »Académie des arts du design à Florence et l »Académie de Saint-Luc à Rome, une évolution des guildes d »artistes qui a établi l »académisme comme un système d »enseignement supérieur et un mouvement culturel, normalisant l »apprentissage, stimulant le débat théorique et servant d »instrument aux gouvernements pour la diffusion et la consécration d »idéologies non seulement esthétiques, mais aussi politiques et sociales. Les théoriciens de l »art maniéristes ont approfondi les débats promus par la génération précédente, accentué les liens entre l »intellect humain et la créativité divine, et donné du prestige à la diversité. Pour Pierre Bourdieu, la création du système académique a signifié la formulation d »une théorie dans laquelle l »art était une incarnation des principes du Beau, du Vrai et du Bien, une extension naturelle de l »idéologie de la Haute Renaissance, mais les maniéristes étaient ouverts à l »existence de diverses normes valides, ce qui permettait aux créateurs une grande liberté dans divers aspects, en particulier dans l »art profane, libre du contrôle de l »Église. L »accent mis dans les académies sur l »amélioration technique et la référence constante aux modèles anciens établis a également servi à déplacer une partie de l »intérêt principal de dire quelque chose à montrer comment bien quelque chose avait été dit, présentant l »artiste comme un érudit. L »influence des académies a mis du temps à s »imposer, mais au cours du baroque et du néoclassicisme, elles ont fini par dominer l »ensemble du système artistique européen.

La Renaissance a été historiquement vantée comme l »ouverture d »une nouvelle ère, une ère illuminée par la Raison dans laquelle les hommes, créés à l »image de la Divinité, accompliraient la prophétie de régner sur le monde avec sagesse, et dont les œuvres merveilleuses les placeraient en compagnie des héros, des patriarches, des saints et des anges. On comprend aujourd »hui que la réalité sociale ne reflétait pas les grands idéaux exprimés dans l »art, et que cet ufanisme exalté qui entourait le mouvement était en grande partie l »œuvre de la Renaissance elle-même, dont la production intellectuelle, qui se présentait comme les fondateurs d »un nouvel âge d »or et qui plaçait Florence au centre de tout, a déterminé une grande partie de l »orientation de la critique ultérieure. Même les mouvements anti-classiques ultérieurs, tels que le baroque, ont reconnu dans les classiques et leurs héritiers de la Renaissance des valeurs précieuses.

Au milieu du XIXe siècle, cette période était devenue l »un des principaux champs d »investigation des chercheurs, et la publication en 1860 de l »ouvrage classique de Jacob Burckhardt, The History of the Renaissance in Italy, a été le couronnement de cinq siècles de tradition historiographique qui plaçait la Renaissance comme le premier jalon de la modernité, la comparant au retrait d »un voile des yeux de l »humanité, lui permettant de voir clairement. Mais l »œuvre de Burckhardt est apparue alors qu »une tendance révisionniste de cette tradition se faisait déjà sentir, et le retentissement qu »elle a provoqué n »a fait qu »accentuer la polémique. Depuis lors, une masse de nouvelles études a révolutionné la manière dont l »art ancien était étudié et compris.

La tradition et l »autorité ont été mises de côté au profit de l »étude préférentielle des sources primaires et d »analyses plus critiques, nuancées, contextualisées et inclusives ; on s »est rendu compte qu »il y avait beaucoup plus de diversité d »opinions parmi les Renaissance eux-mêmes qu »on ne le pensait, et que c »est à cette diversité que l »on doit le dynamisme et l »originalité de la période ; les progrès rapides des techniques scientifiques de datation et de restauration et d »analyse physico-chimique des matériaux ont permis de consolider de nombreuses attributions traditionnelles de paternité et d »en abandonner définitivement beaucoup d »autres, réorganisant ainsi de manière significative la carte de la production artistique ; de nouvelles chronologies ont été définies et les individualités artistiques et leurs contributions redéfinies ; de nouvelles voies de diffusion et d »influence ont été identifiées et de nombreuses œuvres importantes ont été redécouvertes. Dans ce processus, un certain nombre de canons historiographiques ont été renversés, et la tradition même de diviser l »histoire en périodes définies (« Renaissance », « Baroque », « Néoclassicisme »), a été considérée comme une construction artificielle qui fausse la compréhension d »un processus social en cours et crée des stéréotypes conceptuels incohérents. En outre, l »étude de l »ensemble du contexte historique, politique et social a été et est largement approfondie, plaçant les expressions culturelles sur une toile de fond valorisée, d »une manière qui ne cesse de s »actualiser et de devenir plus plurielle.

Ainsi, de nombreux historiens ont commencé à conclure que la Renaissance avait été chargée d »une appréciation trop positive, et que cela dévalorisait automatiquement, et sans justification solide, le Moyen Âge et d »autres périodes. Une grande partie du débat moderne a cherché à déterminer si elle représentait effectivement une amélioration par rapport à la période antérieure. Il a été souligné que nombre des facteurs sociaux négatifs communément associés au Moyen Âge – pauvreté, corruption, persécutions religieuses et politiques – semblent s »être aggravés. De nombreuses personnes qui ont vécu la Renaissance ne la considéraient pas comme un « âge d »or », mais étaient conscientes des graves problèmes sociaux et moraux, comme Savonarole, qui a déclenché un spectaculaire renouveau religieux à la fin du 15e siècle, qui a provoqué la destruction de nombreuses œuvres d »art et a finalement conduit à sa mort sur le bûcher. Johan Huizinga a soutenu que la Renaissance était, à certains égards, une période de déclin du Moyen Âge, détruisant de nombreuses choses qui étaient importantes. Par exemple, le latin avait réussi à évoluer et à rester bien vivant à cette époque, mais l »obsession de la pureté classique a interrompu ce processus naturel et l »a fait revenir à sa forme classique. Pour Jacques Le Goff et d »autres de son école, la Renaissance est une période où les continuités par rapport au Moyen Âge sont plus importantes que les ruptures – notamment la permanence du concept de droit divin des rois et des rituels de la monarchie sacrée, les bases techniques de la production matérielle, la conception de l »histoire, de la recherche de l »autorité chez les anciens, de la réflexion sur les fondements de la société et de sa division en trois ordres, et du rôle dominant de l »Église -, et a souligné que l »idée d »une renaissance et le désir d »un retour à un âge d »or idéalisé situé dans l »Antiquité ont imprégné la culture européenne jusqu »après la Révolution française ; En effet, plusieurs « renaissances » ont fleuri avant et après celle d »Italie, notamment carolingienne, ottonienne et néoclassique. De nombreux chercheurs ont souligné que, durant cette phase, la récession économique a prédominé sur les périodes de prospérité, mais d »autres réfutent en disant que cela semble avoir été un phénomène européen et non spécifiquement italien ou florentin, tandis qu »Eugenio Garin, Lynn Thorndike et plusieurs autres considèrent que les progrès scientifiques réalisés étaient peut-être en réalité beaucoup moins originaux qu »on ne le suppose.

Les historiens marxistes ont préféré décrire la Renaissance en termes matérialistes, soutenant que les changements dans l »art, la littérature et la philosophie n »étaient qu »une partie de la tendance générale de la société féodale vers le capitalisme, qui a abouti à l »émergence d »une classe bourgeoise qui avait le temps et l »argent pour se consacrer aux arts. Il est également avancé que le recours aux références classiques était à cette époque souvent un prétexte pour légitimer les desseins de l »élite, et l »inspiration dans la Rome républicaine et surtout dans la Rome impériale aurait donné lieu à la formation d »un esprit de compétitivité et de mercenariat que l »arriviste utilisait pour une ascension sociale souvent sans scrupules.

En commençant par l »émergence de l »avant-garde moderne au début du XXe siècle, puis en plusieurs vagues successives de réchauffements, la critique récente a étendu les relations de la Renaissance culturelle à pratiquement tous les aspects de la vie de cette période, et a interprété son héritage de manières si diverses que les anciens consensus se sont effondrés sur de nombreux sujets particuliers. L »impression certaine a toutefois été préservée que, dans de nombreux domaines, la période a été fertile en réalisations magistrales et novatrices et qu »elle a laissé une empreinte profonde sur la culture et la société de l »Occident pour une longue période.

Si la critique récente a fortement ébranlé le prestige traditionnel de la Renaissance, valorisant toutes les périodes de manière égale et les appréciant pour leurs spécificités, cela a en même temps permis un enrichissement et un élargissement extraordinaires de la compréhension que nous en avons aujourd »hui, mais ce prestige n »a jamais été sérieusement menacé, principalement parce que la Renaissance, de manière indéniable, a été l »un des fondements et une partie essentielle de la civilisation occidentale moderne, et constitue une référence encore vivante aujourd »hui. Certaines de ses œuvres les plus importantes sont également devenues des icônes de la culture populaire, comme le David et La Création de Michel-Ange et la Joconde de Vinci. Le nombre d »études sur le sujet, qui augmente de jour en jour, et la controverse persistante sur de nombreux aspects, montrent que la Renaissance est suffisamment riche pour continuer à attirer l »attention des critiques et du public.

Malgré des opinions très divergentes sur certains aspects, il semble aujourd »hui y avoir un consensus sur le fait que la Renaissance a été une période où de nombreuses croyances profondément ancrées et considérées comme vraies ont été mises en discussion et testées par des méthodes d »investigation scientifiques, inaugurant une phase où la prédominance de la religion et de ses dogmes a cessé d »être absolue et a ouvert la voie au développement de la science et de la technologie telles que nous les connaissons aujourd »hui. La pensée politique ultérieure n »aurait pas été articulée sans les fondements humanistes consolidés à la Renaissance, lorsque les philosophes ont cherché dans l »Antiquité des précédents pour défendre le régime républicain et la liberté humaine, actualisant des idées qui ont eu un impact décisif sur la jurisprudence, la théorie constitutionnelle et la formation des États modernes.

Dans le domaine des arts visuels, des moyens ont été développés qui ont permis un immense bond en avant par rapport au Moyen Âge en termes de capacité à représenter l »espace, la nature et le corps humain, en faisant revivre des techniques perdues depuis l »Antiquité et en en créant de nouvelles dès lors. Le langage architectural des palais, des églises et des grands monuments qui a été établi à partir de l »héritage classique reste encore valable aujourd »hui et est utilisé lorsque l »on souhaite donner de la dignité et de l »importance à une construction moderne. Dans la littérature, les langues vernaculaires sont devenues dignes de transmettre la culture et la connaissance, et l »étude des textes des philosophes gréco-romains a diffusé des maximes qui sont encore présentes dans la voix populaire aujourd »hui et qui encouragent des valeurs élevées telles que l »héroïsme, l »esprit public et l »altruisme, qui sont des éléments fondamentaux pour la construction d »une société plus juste et plus libre pour tous. La révérence pour le passé classique et ses meilleures valeurs a créé une nouvelle vision de l »histoire et a fondé l »historiographie moderne, et a fourni la base pour la formation d »un système d »éducation qui, à l »époque, s »étendait au-delà des élites et qui, aujourd »hui encore, structure le programme scolaire d »une grande partie de l »Occident et sous-tend son ordre social et ses systèmes de gouvernement. Enfin, la vaste production artistique qui survit dans tant de pays d »Europe continue d »attirer des foules de toutes les parties du monde et constitue une part importante de la définition même de la culture occidentale.

Avec autant d »associations, les chercheurs ont beau s »efforcer de faire la lumière sur le sujet, il reste criblé de légendes, de stéréotypes et de passion, surtout dans la vision populaire. Pour reprendre les termes de John Jeffries Martin, directeur du département d »histoire de l »université de Duke et éditeur d »un important volume d »essais critiques publié en 2003, où il résume l »évolution de l »historiographie et les tendances de la critique plus récente,

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Arts visuels

Dans le domaine des arts, la Renaissance se caractérise, de manière très générale, par l »inspiration des anciens Grecs et Romains, et par la conception de l »art comme une imitation de la nature, l »homme ayant une place privilégiée dans ce panorama. Mais plus qu »une imitation, la nature devait, pour être bien représentée, subir une traduction qui l »organisait sous une optique rationnelle et mathématique, comme le miroir d »un ordre divin qu »il appartenait à l »art de dévoiler et d »exprimer, dans une période marquée par une grande curiosité intellectuelle, un esprit analytique et organisateur, une mathématisation et une scientifisation de tous les phénomènes naturels. C »était une époque d »aspirations grandioses, l »artiste se rapprochait du scientifique et du philosophe, et les humanistes aspiraient à une connaissance encyclopédique ; d »importants traités de normalisation et divers essais sur l »art et l »architecture sont apparus, jetant les bases d »une nouvelle historiographie et d »une nouvelle approche du processus de création. Tous les arts ont bénéficié des avancées scientifiques, introduisant des améliorations des techniques et des matériaux dans divers domaines. Parmi les faits marquants, citons, par exemple, la récupération de la technique de fonte à la cire perdue, qui a permis de créer des monuments à une échelle sans précédent par rapport aux bronzes médiévaux, et la popularisation des mécanismes optiques et mécaniques comme aides à la peinture et à la sculpture. D »autre part, la science a bénéficié de l »art, en élevant le niveau de précision et de réalisme des illustrations dans les traités scientifiques et dans l »iconographie des personnages historiques, et en profitant des idées sur la géométrie et l »espace lancées par les artistes et de l »élan d »exploration et d »observation du monde naturel.

Le canon gréco-romain des proportions détermine à nouveau la construction de la figure humaine ; la culture de la beauté typiquement classique revient également. L »étude de l »anatomie humaine, l »assimilation croissante de la mythologie gréco-romaine dans le discours visuel et la réapparition du nu, libéré des tabous dont le thème avait été revêtu au Moyen Âge, ont largement renouvelé l »iconographie de la peinture et de la sculpture de l »époque, et ouvert de vastes champs nouveaux de recherche formelle et symbolique, a favorisé l »exploration de différentes émotions et états d »esprit, influencé la mode et les manières, stimulé le collectionnisme, l »antiquariat et l »archéologie, et créé une nouvelle tradition visuelle à l »influence durable, tandis que le mécénat civil et privé a fourni les moyens d »une extraordinaire floraison d »art profane. L »intérêt pour la représentation du naturel a également fait renaître la tradition du portrait, qui avait été largement abandonnée après la chute de l »Empire romain.

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Le système de production

L »artiste de la Renaissance était un professionnel. Jusqu »au XVIe siècle, les exemples documentés d »œuvres créées en dehors du système de commande sont extrêmement rares, et la grande majorité des professionnels étaient liés à une guilde. Les peintres florentins appartenaient à l »un des arts majeurs, de façon intéressante, celui des médecins et des apothicaires. Les sculpteurs de bronze constituaient également une classe distinguée, appartenant à l »art de la soie. Les autres, en revanche, appartenaient aux arts mineurs, comme les artistes de la pierre et du bois. Tous étaient considérés comme des professionnels des arts mécaniques, qui, dans l »échelle de prestige de l »époque, se situaient en dessous des arts libéraux, les seuls dans lesquels la noblesse pouvait s »engager professionnellement sans déshonneur. Les guildes organisent le système de production et de commerce, et participent à la répartition des commandes entre les différents ateliers privés tenus par les maîtres, où sont employés de nombreux aides et où sont admis et préparés les disciples au métier. La famille du postulant payait la majeure partie de sa formation, mais il recevait une certaine aide du maître au fur et à mesure qu »il devenait capable de bien remplir ses fonctions et de collaborer efficacement aux affaires commerciales de l »atelier. Les femmes n »étaient pas admises. L »apprentissage était exhaustif, rigoureusement discipliné et durait de nombreuses années, les élèves, en plus d »étudier les techniques des métiers, étaient des serviteurs pour des tâches de nettoyage et d »organisation de l »atelier et d »autres à la discrétion du maître, ils collaboraient à la formation des élèves plus jeunes, et avant de terminer le cours et d »être admis dans la guilde, aucun élève ne pouvait recevoir de commandes en son nom. Il y a des artistes qui ne maintiennent pas d »atelier permanent et qui restent itinérants dans différentes villes pour des emplois temporaires, rejoignant des groupes déjà organisés ou recrutant des aides dans la ville même où le travail doit être effectué, mais ils sont une minorité. Le maintien d »une base fixe, d »autre part, n »empêchait pas les ateliers de recevoir des commandes d »autres endroits, surtout si leurs maîtres étaient renommés.

On se souvient surtout de la contribution des artistes de la Renaissance pour les grands autels, les monuments, les sculptures et les peintures, mais les ateliers d »art étaient des entreprises dont le marché était très varié. Outre les grandes œuvres pour les églises, les palais et les bâtiments publics, ils ont répondu à des commandes plus petites et plus populaires, décorant des fêtes et des événements privés, civiques et religieux, créant des décors et des costumes de théâtre, des vêtements de luxe, des bijoux, peignant des armoiries et des emblèmes, Ils fabriquaient des armures, des armes, des montures et des ustensiles ménagers décorés, ainsi qu »une foule d »autres articles, et beaucoup tenaient des boutiques ouvertes au public en permanence, où ils présentaient une vitrine des spécialités de la maison.

Les artistes en général étaient mal payés, il existe de nombreux témoignages de pauvreté, et seuls les maîtres et leurs principaux assistants parvenaient à une situation confortable, certains maîtres sont même devenus riches, mais leurs revenus étaient toujours soumis à un marché très fluctuant. Tout au long de la Renaissance, les humanistes et les grands artistes ont mené un travail systématique pour émanciper la classe artistique des arts mécaniques et l »installer parmi les libéraux, obtenant en cela un succès considérable mais pas complet. La coutume de reconnaître le talent exceptionnel d »un artiste existait déjà auparavant ; Giotto, Verrocchio, Donatello et bien d »autres ont été loués avec enthousiasme et à grande échelle par leurs contemporains, mais jusqu »à l »arrivée de Michel-Ange, Raphaël et Léonard, aucun artiste n »avait été l »objet de la flatterie des puissants à un degré aussi élevé, inversant presque la relation d »autorité entre l »employé et l »employeur, et entre l »élite et la plèbe, et cela était dû autant au changement de la compréhension du rôle de l »art qu »à la conscience de ces artistes de leur valeur et à leur détermination à la faire reconnaître.

La plus grande contribution de la peinture de la Renaissance a été sa nouvelle façon de représenter la nature, grâce à une telle maîtrise de la technique picturale et de la perspective centrale qu »elle a pu créer une illusion efficace d »espace tridimensionnel sur une surface plane. Une telle réalisation signifiait une rupture radicale avec le système de représentation médiéval, avec sa statique, son espace sans profondeur, son schématisme figuratif et son système symbolique de proportions, où les personnages les plus importants étaient de plus grande taille. Le nouveau paramètre établi avait un fondement mathématique et physique, son résultat était « réaliste » (dans le sens de créer une illusion d »espace efficace), et son organisation était centrée sur le point de vue de l »observateur. Nous pouvons y voir un reflet de la popularisation des principes du rationalisme, de l »anthropocentrisme et de l »humanisme. Le langage visuel formulé par les peintres de la Renaissance a connu un tel succès qu »il reste valable aujourd »hui, étant considéré par beaucoup comme la manière la plus naturelle de représenter l »espace.

La peinture de la Renaissance est par essence linéaire ; le dessin est désormais considéré comme le fondement de tous les arts visuels et sa maîtrise, un prérequis pour tout artiste. À cette fin, l »étude des sculptures et des reliefs de l »Antiquité a été d »une grande utilité, car elle a permis de développer un vaste répertoire de thèmes et de gestes et postures corporels, mais l »observation directe de la nature a constitué un autre élément important. Dans la construction de la peinture, la ligne constituait conventionnellement l »élément démonstratif et logique, et la couleur indiquait des états affectifs ou des qualités spécifiques. Une autre différence par rapport à l »art du Moyen Âge est l »introduction d »un plus grand dynamisme dans les scènes et les gestes, et la découverte de l »ombrage, ou clair-obscur, comme ressource plastique et mimétique.

Giotto, agissant entre le 13e et le 14e siècle, est le plus grand peintre du début de la Renaissance italienne et le principal pionnier des naturalistes en peinture. Son œuvre révolutionnaire, qui contraste avec la production des maîtres du gothique tardif tels que Cimabue et Duccio, a fait une forte impression sur ses contemporains et dominera toute la peinture italienne du Trecento par sa logique, sa simplicité, sa précision et sa fidélité à la nature. Ambrogio Lorenzetti et Taddeo Gaddi poursuivent la ligne de Giotto sans innover, bien que dans d »autres cas, des caractéristiques progressives soient mélangées à des éléments du gothique encore fort, comme on le voit dans l »œuvre de Simone Martini et d »Orcagna. Le style naturaliste et expressif de Giotto, cependant, représente l »avant-garde de la visualisation de cette phase et se répand à Sienne, qui, pour un temps, devance Florence dans les avancées artistiques. De là, il s »est répandu dans le nord de l »Italie.

Au Quattrocento, les représentations de la figure humaine acquièrent solidité, majesté et puissance, reflétant le sentiment de confiance en soi d »une société qui devient très riche et complexe, formant un panel multiforme de tendances et d »influences. Mais pendant la majeure partie du siècle, l »art révélera le choc entre les ultimes échos du gothique spirituel et abstrait, illustrés par Fra Angelico, Paolo Uccello, Benozzo Gozzoli et Lorenzo Monaco, et les nouvelles forces organisatrices, naturalistes et rationnelles du classicisme, représentées par Botticelli, Pollaiuolo, Piero della Francesca et Ghirlandaio.

En ce sens, après Giotto, le prochain jalon de l »évolution est Masaccio, dont les œuvres présentent un aspect clairement ennobli et dont la présence visuelle est résolument concrète, avec une utilisation efficace des effets de volume et d »espace tridimensionnel. Il a apporté une contribution importante à l »articulation du langage visuel moderne de l »Occident ; tous les grands peintres florentins de la génération suivante ont été influencés par lui, et lorsque son œuvre a été « redécouverte » par Léonard de Vinci, Michel-Ange et Raphaël, elle a été encore plus appréciée, restant populaire pendant six siècles. Pour de nombreux critiques, il est le véritable fondateur de la Renaissance en peinture, et l »on a dit de lui qu »il était « le premier à avoir su peindre des hommes qui touchaient vraiment les pieds sur terre ».

À Venise, un autre centre de grande importance et peut-être le principal rival de Florence au cours de ce siècle, il y avait un groupe d »artistes illustres, tels que Jacopo Bellini, Giovanni Bellini, Vittore Carpaccio, Mauro Codussi et Antonello da Messina. Sienne, qui avait fait partie de l »avant-garde les années précédentes, hésitait désormais entre l »attrait spirituel du gothique et l »attrait profane du classicisme, et était en perte de vitesse. Pendant ce temps, dans d »autres régions du nord de l »Italie, le classicisme commençait à se renforcer, grâce au Pérugin à Pérouse, à Cosimo Tura à Ferrare, à Pinturicchio, Melozzo da Forli et Mantegna à Padoue et à Mantoue. Pisanello a été actif dans un grand nombre de villes.

Il convient également de rappeler l »influence renouvelée sur les peintres italiens de la technique de la peinture à l »huile, qui, au Quattrocento, se développait aux Pays-Bas et avait atteint un haut niveau de raffinement, permettant de créer des images beaucoup plus précises et nettes et avec un ombrage beaucoup plus subtil que celui obtenu avec la fresque, l »encaustique et la tempera, une nouveauté qui a eu un impact important sur le portrait et la peinture de paysage. Les toiles flamandes étaient très appréciées en Italie précisément pour ces qualités, et un grand nombre d »entre elles ont été importées, copiées ou imitées par les Italiens.

Plus tard, à la Haute Renaissance, Léonard de Vinci pénètre le terrain des atmosphères ambiguës et mystérieuses avec une technique à l »huile sophistiquée, tout en combinant fortement l »art et la science. Avec Raphaël, le système de représentation classique atteint une échelle grandiose, créant des architectures et des paysages illusionnistes imposants, mais il traduit également dans ses madones une douceur inconnue jusqu »alors, qui devient rapidement très populaire. À Venise, Titien se distingue surtout en explorant de nouveaux rapports chromatiques et une technique picturale plus libre et plus gestuelle. Michel-Ange, couronnant le processus d »exaltation de l »homme, dans la chapelle Sixtine, l »a porté à une expression gonflée du mythique, du sublime, de l »héroïque et du pathétique. De nombreux autres ont laissé des contributions importantes, comme Correggio, Sebastiano del Piombo, Andrea del Sarto, Jacopo Palma, Giorgione et Pontormo.

Mais cette phase, d »un grand équilibre formel, ne durera pas longtemps, et sera bientôt profondément transformée, laissant place au maniérisme. Avec les maniéristes, toute la conception de l »espace est modifiée, la perspective est fragmentée en de multiples points de vue et les proportions de la figure humaine sont déformées à des fins expressives ou esthétiques, formulant un langage visuel plus dynamique, vibrant, subjectif, dramatique, précieux, intellectualiste et sophistiqué.

En sculpture, les signes d »une revalorisation de l »esthétique classique sont anciens. Nicola Pisano a réalisé vers 1260 une chaire pour le baptistère de Pise, qui est considérée comme la manifestation précurseur de la Renaissance en sculpture, où il a inséré un grand nu masculin représentant la vertu de Fortitude, et il semble clair que son inspiration principale est venue de l »observation des sarcophages romains décorés de reliefs qui existaient dans le cimetière de Pise. Sa contribution, bien que limitée à très peu d »œuvres, est considérée comme aussi importante pour l »histoire de la sculpture que celle de Giotto pour la peinture. En fait, l »art de Giotto est largement redevable aux recherches de Nicola Pisano.

Son fils Giovanni Pisano et d »autres disciples importants, comme Arnolfo di Cambio et Lapo di Ricevuto, tireront de précieux enseignements de leur contact avec le classicisme, mais leur style progresse de manière inégale à cet égard. Giovanni dominera ensuite la scène à Florence, Pise et Sienne au début du XIVe siècle, créera d »autres nus importants, dont un féminin qui reproduit le modèle classique de la Vénus pudica, et sera l »un des introducteurs d »un nouveau genre, celui des cruxifixes douloureux, d »un grand drame et d »une large influence, jusqu »alors peu répandus en Toscane. Son talent polyvalent donnera naissance à des œuvres aux lignes nettes et pures, comme le portrait d »Enrico Scrovegni. Ses madones, ses reliefs et la chaire de la cathédrale de Pise sont, en revanche, beaucoup plus émouvants et dramatiques.

Au milieu du siècle dernier, Andrea Pisano a acquis une certaine notoriété en tant qu »auteur des reliefs de la porte sud du baptistère de Florence et architecte de la cathédrale d »Orvieto. Il fut le maître d »Orcagna, dont le tabernacle d »Orsanmichele est l »un des chefs-d »œuvre de l »époque, et de Giovanni di Balduccio, auteur d »un monument funéraire exquis et complexe dans la chapelle Portinari de Milan. Sa génération a été dominée par l »influence de la peinture de Giotto. Malgré les avancées promues par un certain nombre de maîtres actifs, leur travail reflète encore une intersection de courants qui serait typique de l »ensemble du Trecento, et les éléments gothiques sont encore prédominants ou importants dans tous ces ouvrages.

Vers la fin du Trecento, la figure de Lorenzo Ghiberti apparaît à Florence, auteur des reliefs du Baptistère de Saint-Jean, où les modèles classiques sont solidement établis. Donatello a ensuite mené les avancées sur différents fronts, exerçant une large influence. Ses principales œuvres comprennent des statues de prophètes de l »Ancien Testament, dont Habakkuk et Jérémie sont parmi les plus impressionnantes. Il a également innové dans la statuaire équestre, en créant le monument de Gattamelata, le plus important du genre depuis celui de Marcus Aurelius au deuxième siècle. Enfin, sa Madeleine pénitente en bois et en airain de 1453 est une image de douleur, d »austérité et de transfiguration sans équivalent à son époque, introduisant dans la statuaire un sens poignant du drame et de la réalité que l »on n »avait vu que dans l »hellénisme.

Dans la génération suivante, Verrocchio se distingue par la théâtralité et le dynamisme de ses compositions. Il était peintre, sculpteur, scénographe et décorateur, l »un des principaux favoris des Médicis. Son Christ et saint Thomas est d »un grand réalisme et d »une grande poésie. Il a composé un Enfant avec un dauphin pour la fontaine de Neptune à Florence, qui est le prototype de la figure serpentine, qui sera le modèle formel le plus prestigieux du maniérisme et du baroque, et avec sa Dame au bouquet de fleurs, il a présenté un nouveau modèle de buste, incluant les bras et la moitié du corps, qui est devenu populaire. Sa plus grande œuvre, le monument équestre à Bartolomeo Colleoni à Venise, est une expression de puissance et de force plus intense que la Gattamelata. Verrocchio a exercé une influence sur de nombreux peintres et sculpteurs du XVe siècle, dont Léonard, le Pérugin et Raphaël, et est considéré comme l »un des plus grands artistes du siècle.

Parmi les autres noms notables, citons Luca della Robbia et sa famille, une dynastie de potiers, créateurs d »une nouvelle technique d »émaillage et de vitrification des céramiques. Une technique similaire, la majolique, était connue depuis des siècles, mais Luca en a développé une variante et l »a appliquée avec succès à des sculptures et des ensembles décoratifs de grande envergure. Son invention a augmenté la durabilité et la résistance des pièces, préservé les couleurs vives et permis une installation en extérieur. Luca était également un sculpteur de marbre réputé, et Leon Battista Alberti l »a placé parmi les chefs de file de l »avant-garde florentine, aux côtés de Masaccio et de Donatello. Les grands vulgarisateurs de la technique céramique sont toutefois son neveu Andrea della Robbia et son fils Giovanni della Robbia, qui ont agrandi les dimensions des assemblages, enrichi la palette chromatique et raffiné la finition. Cette technique a été gardée secrète pendant longtemps.

Florence est restée le centre de l »avant-garde jusqu »à l »apparition de Michel-Ange, qui a travaillé pour les Médicis et à Rome pour les papes, et a été le nom le plus influent de la sculpture de la Haute Renaissance jusqu »au milieu du Cinquantième siècle. Son œuvre s »éloigne du classicisme pur de David et Bacchus pour atteindre le maniérisme, exprimé dans des œuvres véhémentes et dramatiques telles que les Esclaves, le Moïse et les nus de la chapelle Médicis à Florence. Des artistes tels que Desiderio da Settignano, Antonio Rosselino, Agostino di Duccio et Tullio Lombardo ont également laissé des œuvres d »une grande maîtrise et importance, comme l »Adam de Lombardo, le premier nu grandeur nature connu depuis l »Antiquité.

Le cycle de la Renaissance se termine avec Giambologna, Baccio Bandinelli, Francesco da Sangallo, Jacopo Sansovino et Benvenuto Cellini, entre autres, avec un style d »un grand dynamisme et d »une grande expressivité, illustré par l »Enlèvement aux Sabines de Giambologna. D »excellents artistes d »autres pays européens commençaient déjà à travailler selon des lignes clairement italiennes, comme Adriaen de Vries et Germain Pilon, répandant le goût italien sur une large zone géographique et donnant lieu à diverses formulations syncrétiques avec des écoles régionales.

La sculpture était présente partout, dans les rues comme monuments et ornements des bâtiments, dans les salles de la noblesse, dans les églises, et dans le foyer le plus simple il y avait toujours une image de dévotion. Les vases, les meubles et les ustensiles quotidiens de l »élite comportaient souvent des détails sculptés ou gravés, et les miniatures telles que les médailles commémoratives peuvent être incluses dans ce domaine. C »est à cette époque que se développent les moyens techniques qui permettent un immense bond en avant par rapport au Moyen Âge en termes de capacité à créer des formes libres dans l »espace et à représenter la nature et le corps humain. La publication de divers traités et commentaires sur cet art introduit des méthodologies et des théories qui élargissent la compréhension du domaine et l »ancrent dans une conceptualisation plus scientifique, fondant une tradition critique influente. L »amélioration des techniques de sculpture a permis la création d »œuvres à une échelle connue seulement dans l »Antiquité, et l »esprit civique des Florentins a stimulé l »invention de nouveaux modèles de monuments publics, une typologie associée à une autre compréhension de la capacité de représentation de l »homme en tant que pratique sociale et éducative.

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Musique

En général, la musique de la Renaissance n »offre pas un panorama de ruptures abruptes de continuité, et toute cette longue période peut être considérée comme le terrain de la lente transformation de l »univers modal en univers tonal, et de la polyphonie horizontale en harmonie verticale. La Renaissance est également une période de grand renouveau dans le traitement de la voix et dans l »orchestration, dans l »instrumentation et dans la consolidation des genres et des formes purement instrumentales avec les suites de danse pour les bals, la demande de divertissement musical étant forte pour chaque fête ou cérémonie, publique ou privée.

Dans la technique de composition, la polyphonie mélismatique des organons, directement dérivée du chant grégorien, est abandonnée au profit d »une écriture plus dépouillée, avec des voix traitées de manière de plus en plus équilibrée. Au début de la période, le mouvement parallèle est utilisé avec parcimonie, les altérations sont rares mais les dissonances sévères sont courantes. Plus loin, l »écriture à trois voix commence à comporter des triades, donnant une impression de tonalité. La musique descriptive ou programmatique est tentée pour la première fois, les modes rythmiques rigides cèdent la place à l »isorythmie et à des formes plus libres et plus dynamiques comme la ballade, la chanson et le madrigal. Dans la musique sacrée, la forme de la messe est devenue la plus prestigieuse. La notation évolue vers l »adoption de notes de valeur inférieure, et vers la fin de la période, l »intervalle de tierces devient accepté comme consonance, alors qu »auparavant seuls la quinte, l »octave et l »unisson l »étaient.

Les précurseurs de cette transformation n »étaient pas italiens, mais français, comme Guillaume de Machaut, auteur de la plus grande réalisation musicale du Trecento dans toute l »Europe, la Messe de Notre-Dame, et Philippe de Vitry, dont Pétrarque faisait l »éloge. De la musique italienne de cette première phase, très peu de choses nous sont parvenues, bien que l »on sache que l »activité était intense et presque entièrement dans le domaine profane, les principales sources de partitions étant le Codex Rossi, le Codex Squarcialupi et le Codex Panciatichi. Parmi ses représentants figurent Matteo da Perugia, Donato da Cascia, Johannes Ciconia et surtout Francesco Landini. Ce n »est qu »au cours du Cinquecento que la musique italienne a commencé à développer ses propres caractéristiques originales, étant jusqu »alors très dépendante de l »école franco-flamande.

La prédominance des influences nordiques ne signifie pas que l »intérêt des Italiens pour la musique était faible. En l »absence d »exemples musicaux de l »Antiquité à imiter, les philosophes italiens comme Ficino se sont tournés vers les textes classiques de Platon et d »Aristote pour trouver des références afin de créer une musique digne des anciens. Dans ce processus, un rôle important a été joué par Lorenzo de » Medici à Florence, qui a fondé une académie musicale et a attiré plusieurs musiciens européens, et par Isabella d »Este, dont la petite mais brillante cour à Mantoue attirait des poètes qui écrivaient des poèmes simples en italien pour les mettre en musique, et là, la récitation de la poésie, comme dans d »autres centres italiens, était généralement accompagnée de musique. Le genre privilégié était la frottola, qui présentait déjà une structure harmonique tonale bien définie et contribuerait à renouveler le madrigal, avec sa fidélité typique au texte et aux affections. D »autres genres polyphoniques, comme la messe et le motet, utilisent désormais pleinement l »imitation entre les voix et sont tous traités de manière similaire.

D »importants compositeurs flamands travaillent en Italie, comme Adriaen Willaert et Jacob Arcadelt, mais les figures les plus célèbres du siècle sont Giovanni da Palestrina, italien, et Orlando de Lasso, flamand, qui établissent une norme pour la musique chorale qui sera suivie sur tout le continent, avec une écriture mélodieuse et riche, d »un grand équilibre formel et d »une noble expressivité, préservant l »intelligibilité du texte, un aspect qui, à l »époque précédente, était souvent secondaire et se perdait dans la complexité complexe du contrepoint. L »impression que dégage sa musique correspond à la grandeur idéaliste de la Haute Renaissance, qui s »épanouit dans une phase où le maniérisme se manifeste déjà fortement dans d »autres arts tels que la peinture et la sculpture. À la fin du siècle, trois grandes figures apparaissent, Carlo Gesualdo, Giovanni Gabrieli et Claudio Monteverdi, qui introduiront des progrès dans l »harmonie et un sens de la couleur et du timbre qui enrichiront la musique en lui donnant une expressivité et un drame maniéristes et la prépareront au baroque. Monteverdi en particulier est important pour avoir été le premier grand opéra de l »histoire, et ses opéras L »Orfeo (1607) et L »Arianna (1608, perdu, il ne reste qu »un seul air célèbre, la Complainte) représentent le noble coucher de soleil de la musique de la Renaissance et les premiers grands jalons du baroque musical.

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Architecture

La permanence de nombreuses traces de la Rome antique dans le sol italien n »a jamais cessé d »influencer la plastique des bâtiments locaux, que ce soit dans l »utilisation d »éléments structurels ou de matériaux utilisés par les Romains, ou dans le maintien du souvenir des formes classiques. Néanmoins, au Trecento, le gothique reste le style dominant et le classicisme n »émergera avec force qu »au siècle suivant, dans le cadre d »un nouvel intérêt pour les grandes réalisations du passé. Cet intérêt a été stimulé par la redécouverte de bibliographie classique considérée comme perdue, comme le De Architectura de Vitruve, trouvé dans la bibliothèque de l »abbaye de Monte Cassino en 1414 ou 1415. L »auteur y exalte le cercle comme forme parfaite, et développe les proportions idéales du bâtiment et de la figure humaine, ainsi que la symétrie et la relation de l »architecture avec l »homme. Ses idées seront ensuite développées par d »autres architectes, comme le premier grand représentant du classicisme architectural, Filippo Brunelleschi, qui s »est également inspiré des ruines qu »il avait étudiées à Rome. Il a été le premier à utiliser les ordres architecturaux modernes de manière cohérente, en établissant un nouveau système de proportions basé sur l »échelle humaine. On lui doit également l »utilisation précurseur de la perspective pour la représentation illusionniste d »un espace tridimensionnel sur un plan bidimensionnel, une technique qui sera largement développée dans les siècles à venir et qui définira tout le style de l »art futur, inaugurant une association fructueuse entre l »art et la science. Leon Battista Alberti est un autre architecte de grande importance, considéré comme un exemple parfait de « l »homme universel » de la Renaissance, polyvalent dans diverses spécialités. Il est l »auteur du traité De re aedificatoria, qui deviendra canonique. D »autres architectes, artistes et philosophes ont alimenté la discussion, comme Luca Pacioli dans son De Divina Proportione, Léonard de Vinci avec ses projets d »églises centrées et Francesco di Giorgio avec le Trattato di architettura, ingegneria e arte militare.

Parmi les caractéristiques les plus notables de l »architecture de la Renaissance figure le retour du modèle du temple centralisé, conçu sur une croix grecque et couronné d »une coupole, reflétant la popularisation des concepts de la cosmologie néoplatonicienne et avec l »inspiration concomitante de bâtiments reliques comme le Panthéon de Rome. Le premier édifice de ce type à être construit à la Renaissance est peut-être San Sebastiano à Mantoue, œuvre d »Alberti de 1460, mais laissée inachevée. Le modèle était basé sur une échelle plus humaine, abandonnant le verticalisme intense des églises gothiques et faisant de la coupole la couronne d »une composition qui excellait en intelligibilité. En ce qui concerne la structure et les techniques de construction de la coupole, de grandes avancées ont été réalisées à la Renaissance, mais elle a été ajoutée tardivement au projet, les toits en bois étant préférés. Parmi les plus importantes, citons la coupole octogonale de la cathédrale de Florence, réalisée par Brunelleschi, qui n »a pas utilisé d »échafaudages soutenus par le sol ni de béton pour sa construction, et celle de la basilique Saint-Pierre de Rome, réalisée par Michel-Ange, qui date déjà du XVIe siècle.

Avant le Cinquecento, il n »y avait pas de mot pour désigner les architectes au sens où on l »entend aujourd »hui, et ils étaient appelés maîtres d »œuvre. L »architecture était l »art le plus prestigieux de la Renaissance, mais la plupart des grands maîtres de l »époque, lorsqu »ils ont commencé à pratiquer les arts du bâtiment, étaient déjà des artistes réputés mais n »avaient pas de formation dans ce domaine, et venaient de la sculpture ou de la peinture. On faisait appel à eux pour les grands projets de bâtiments publics, de palais et d »églises, et l »architecture populaire était confiée à de petits bâtisseurs. Contrairement à la pratique médiévale, caractérisée par la fonctionnalité et l »irrégularité, les maîtres concevaient les bâtiments comme des œuvres d »art, étaient pleins d »idées sur les géométries divines, les symétries et les proportions parfaites, étaient désireux d »imiter les bâtiments romains, et créaient des dessins détaillés et un modèle en bois à petite échelle du bâtiment, qui servait de plan aux constructeurs. Ces conceptions étaient innovantes d »un point de vue structurel et plastique, mais n »accordaient que peu d »attention à leur faisabilité pratique et aux besoins de l »utilisation quotidienne, notamment en ce qui concerne la distribution des espaces. Ce sont les constructeurs qui ont dû résoudre les problèmes techniques qui se sont posés pendant les travaux, en essayant de conserver le projet initial, mais en apportant souvent d »importantes adaptations et modifications en cours de route, si le projet ou une partie de celui-ci s »avérait irréalisable. Selon M. Hartt, lorsque des ouvrages importants et complexes tels que des églises étaient entrepris, les constructeurs étaient rarement sûrs de pouvoir aller jusqu »au bout. Cependant, certains maîtres y ont travaillé pendant de longues années et sont devenus de grands connaisseurs du sujet, introduisant d »importantes nouveautés techniques, structurelles et fonctionnelles. Ils ont également conçu des fortifications, des ponts, des canaux et d »autres structures, ainsi que des plans d »urbanisme à grande échelle. La plupart des nombreux plans de ville de la Renaissance ne se sont jamais concrétisés, et parmi ceux qui ont été lancés, aucun n »est allé très loin, mais depuis lors, ils ont été une source d »inspiration pour les urbanistes de toutes les générations.

Du côté profane, les aristocrates tels que les Médicis, les Strozzi, les Pazzi, assuraient leur statut en ordonnant la construction de palais d »une grande grandeur et originalité, tels que le palais Pitti (Brunelleschi), le palais Médicis Riccardi (Michelozzo), le palais Rucellai (Alberti) et le palais Strozzi (Maiano), Tous transforment le même modèle des palais médiévaux italiens, avec un corps plus ou moins cubique, des étages avec de hauts plafonds, structurés autour d »une cour intérieure, avec une façade rustique et couronnée par une grande corniche, ce qui leur donne un aspect de solidité et d »invincibilité. Des formes plus purement classiques sont illustrées dans la Villa Médicis de Giuliano da Sangallo. On trouve des variations intéressantes de ce modèle à Venise, étant donné les caractéristiques inondées du terrain.

Après la figure de proue de la Haute Renaissance, Donato Bramante, qui a déplacé le centre d »intérêt architectural de Florence à Rome et qui est l »auteur de l »un des édifices sacrés les plus modèles de sa génération, le Tempietto, nous trouvons Michel-Ange lui-même, considéré comme l »inventeur de l »ordre colossal et, pendant un certain temps, l »architecte des travaux de la basilique Saint-Pierre. Michel-Ange, de l »avis de ses propres contemporains, a été le premier à défier les règles jusqu »alors établies de l »architecture classique, en développant un style personnel, car il a été, selon Vasari, le premier à s »ouvrir à une véritable liberté créative. Il représente donc la fin du « classicisme collectif », plutôt homogène dans ses solutions, et le début d »une phase d »individualisation et de multiplication des langages architecturaux. Il a ouvert la voie, grâce à l »immense prestige dont il jouissait parmi les siens, à la nouvelle génération de créateurs pour qu »ils réalisent d »innombrables expériences à partir du canon classique de l »architecture, rendant cet art indépendant des anciens – bien que largement redevable envers eux. Parmi les noms les plus remarquables de cette époque figurent Della Porta, Sansovino, Palladio, Fontana, Peruzzi et Vignola. Parmi les modifications introduites par ce groupe figurent l »assouplissement de la structure du frontispice et l »annulation des hiérarchies des anciens ordres, avec une grande liberté pour l »emploi de solutions peu orthodoxes et le développement d »un goût pour un jeu purement plastique avec les formes, donnant beaucoup plus de dynamisme aux espaces intérieurs et aux façades. De tous les architectes de la Renaissance tardive, Palladio a été le plus influent, et reste aujourd »hui l »architecte le plus étudié au monde. Il a été le créateur d »une école féconde, appelée palladianisme, qui a perduré, avec des hauts et des bas, jusqu »au vingtième siècle.

Avec la circulation croissante d »artistes, d »humanistes et d »enseignants entre les villes situées au nord des Alpes et la péninsule italienne, et avec la grande circulation des textes imprimés et des œuvres d »art par le biais des reproductions en gravure, le classicisme italien entame au milieu du 15e siècle une phase de diffusion à travers le continent. François Ier de France et Charles V, empereur du Saint Empire romain germanique, ont rapidement reconnu le potentiel du prestige de l »art italien pour promouvoir leurs images royales, et ont été des agents décisifs pour sa diffusion intensive au-delà des Alpes. Mais c »était au début du XVIe siècle, alors que le cycle de la Renaissance mûrissait déjà en Italie depuis au moins deux cents ans et était déjà dans sa phase maniériste.

Il convient donc de noter qu »il n »y a pas eu de Quattrocento ou de Haute Renaissance dans le reste de l »Europe. Au cours du Cinquecento, période où l »italianisation européenne atteint son apogée, les traditions régionales, même si elles connaissent dans une certaine mesure le classicisme, sont encore fortement imprégnées de styles déjà obsolètes en Italie, tels que le roman et le gothique. Le résultat a été très hétérogène et richement hybride, a produit l »ouverture de multiples voies, et son analyse a été remplie de controverses, où le seul grand consensus qui s »est formé souligne la diversité du mouvement, sa large irradiation et la difficulté d »une description généraliste cohérente pour ses manifestations, dans la perspective de l »existence d »écoles régionales et nationales avec une forte individualité, chacune avec une histoire et des valeurs spécifiques.

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France

L »influence de la Renaissance via les Flandres et la Bourgogne existait déjà depuis le XVe siècle, comme le montre la production de Jean Fouquet, mais la guerre de Cent Ans et les épidémies de peste ont retardé son épanouissement, qui ne se produit qu »à partir de l »invasion française de l »Italie par Charles VIII en 1494. La période s »étend jusqu »à environ 1610, mais sa fin est tumultueuse avec les guerres de religion entre catholiques et huguenots, qui ont dévasté et affaibli le pays. Pendant son mandat, la France commence le développement de l »absolutisme et s »étend par la mer pour explorer l »Amérique. Le point central est établi à Fontainebleau, siège de la cour, et l »école de Fontainebleau y est formée, intégrée par des Français, des Flamands et des Italiens comme Rosso Fiorentino, Antoine Caron, Francesco Primaticcio, Niccolò dell »Abbate et Toussaint Dubreuil, étant une référence pour d »autres comme François Clouet, Jean Clouet, Jean Goujon, Germain Pilon et Pierre Lescot. Leonardo y était également présent. Malgré cela, la peinture a connu un développement relativement pauvre et peu innovant, davantage axé sur le détail précieux et la virtuosité, aucun artiste français de cette période n »a acquis une renommée continentale comme l »ont fait tant d »Italiens, et le classicisme n »est perceptible qu »à travers le filtre maniériste. D »autre part, un style de décoration émergea, qui fut bientôt largement imité en Europe, combinant peinture, stuc en relief et éléments en bois sculpté.

L »architecture est l »un des arts les plus originaux de la Renaissance française, et aucun bâtiment comparable aux grands palais français tels que ceux de Fontainebleau, des Tuileries, de Chambord, du Louvre et d »Anet n »est apparu dans toute l »Europe en dehors de l »Italie, la plupart avec de grands jardins à la française. Les architectes Pierre Lescot et Philibert de l »Orme se distinguent, fortement influencés par les travaux de Vignola et Palladio, partisans d »un classicisme plus pur et organisateurs de façades et de plans symétriques. Quoi qu »il en soit, leur classicisme n »était pas pur : ils réorganisaient les ordres classiques de différentes manières, créaient des variantes, dynamisaient les plans et les volumes et accordaient une grande importance à une décoration luxuriante et fantaisiste, contredisant les principes de rationalité, de simplicité et d »économie formelle du classicisme plus typique, tout en préservant les traditions locales caractéristiques du gothique.

Dans le domaine de la musique, on assiste à une grande floraison à travers l »école de Bourgogne, qui domine la scène musicale européenne au 15e siècle et donnera naissance à l »école franco-flamande, qui produira des maîtres tels que Josquin des Prez, Clément Janequin et Claude Le Jeune. La chanson française du XVIe siècle jouera un rôle dans la formation de la canzona italienne, et sa Musique mesurée établira un modèle d »écriture vocale déclamatoire dans une tentative de recréer la musique du théâtre grec, et favorisera l »évolution vers la tonalité complète. Un genre de musique sacrée distinct de ses modèles italiens apparaît également, connu sous le nom de chanson spirituelle. En littérature, se distinguent Rabelais, précurseur du genre fantastique, Montaigne, vulgarisateur du genre de l »essai dont il est encore aujourd »hui l »un des plus grands noms, et le groupe qui compose la Pléiade, avec Pierre de Ronsard, Joachim du Bellay et Jean-Antoine de Baïf, qui cherche une actualisation vernaculaire de la littérature gréco-romaine, l »émulation de formes spécifiques et la création de néologismes à partir du latin et du grec.

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Pays-Bas et Allemagne

Les Flamands étaient en contact avec l »Italie depuis le XVe siècle, mais ce n »est qu »au XVIe siècle que le contexte se transforme et se caractérise par la Renaissance, dont la durée de vie est relativement courte. Dans cette phase, la région s »enrichit, la Réforme protestante devient une force décisive, opposée à la domination catholique de Charles Quint, entraînant de graves conflits qui diviseront la région. Les villes commerciales de Bruxelles, Gand et Bruges renforcent les contacts avec l »Italie du Nord et commandent des œuvres ou attirent des artistes italiens, tels que les architectes Tommaso Vincidor et Alessandro Pasqualini, qui y ont passé la majeure partie de leur vie. L »amour de la gravure a amené de nombreuses reproductions d »œuvres italiennes dans la région, Dürer a laissé une trace indélébile lors de son passage, Érasme a maintenu l »humanisme en vie et Raphaël a fait exécuter des tapisseries à Bruxelles. Vesalius a fait d »importantes avancées en anatomie, Mercator en cartographie et la nouvelle presse a trouvé à Anvers et à Louvain des conditions propices à la fondation de maisons d »édition influentes.

En musique, les Pays-Bas, avec le nord-ouest de la France, deviennent le principal centre pour toute l »Europe grâce à l »école franco-flamande. En peinture, elle a développé une école originale, qui a popularisé la peinture à l »huile et accordé une énorme attention aux détails et aux lignes, en restant très fidèle aux sujets sacrés et en intégrant sa tradition gothique aux innovations maniéristes italiennes. Jan van Eyck, Rogier van der Weyden et Hieronymus Bosch ont été ses précurseurs au 15e siècle, et la région a rapidement apporté sa propre contribution à l »art européen, consolidant la peinture de paysage avec Joachim Patinir et la peinture de genre avec Pieter Brueghel l »Ancien et Pieter Aertsen. D »autres noms remarquables sont Mabuse, Maarten van Heemskerck, Quentin Matsys, Lucas van Leyden, Frans Floris, Adriaen Isenbrandt et Joos van Cleve.

L »Allemagne a dynamisé sa Renaissance en fusionnant son riche passé gothique avec des éléments italiens et flamands. L »un de ses premiers maîtres fut Konrad Witz, suivi par Albrecht Altdorfer et Albrecht Dürer, qui séjourna deux fois à Venise et y fut profondément influencé, regrettant de devoir retourner dans le nord. Avec l »érudit Johann Reuchlin, Dürer a été l »un des principaux artisans de la diffusion de la Renaissance en Europe centrale et aux Pays-Bas, où ses célèbres gravures ont fait l »objet d »éloges de la part d »Érasme, qui l »a appelé « l »Apeles des lignes noires ». L »école romaine a été un élément important dans la formation du style de Hans Burgkmair et Hans Holbein, tous deux originaires d »Augsbourg, visités par Titien. En musique, il suffit de citer Orlando de Lasso, membre de l »école franco-flamande installé à Munich, qui deviendra le compositeur le plus célèbre d »Europe de sa génération, au point d »être adoubé par l »empereur Maximilien II et anobli par le pape Grégoire XIII, ce qui est extrêmement rare pour un musicien.

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Portugal

L »influence de la Renaissance au Portugal s »étend du milieu du 15e siècle à la fin du 16e siècle. Bien que la Renaissance italienne ait eu un impact modeste sur l »art, les Portugais ont contribué à élargir la vision du monde des Européens et à stimuler la curiosité humaniste.

Pionnier de l »exploration européenne, le Portugal a prospéré à la fin du XVe siècle grâce à ses navigations vers l »Orient, engrangeant d »immenses profits qui ont dopé la bourgeoisie commerciale et enrichi la noblesse, permettant le luxe et la culture de l »esprit. Le contact avec la Renaissance s »est fait par l »influence de riches marchands italiens et flamands qui ont investi dans le commerce maritime. Les contacts commerciaux avec la France, l »Espagne et l »Angleterre sont assidus et les échanges culturels s »intensifient.

En tant que grande puissance navale, elle a attiré des spécialistes des mathématiques, de l »astronomie et de la technologie navale, tels que Pedro Nunes et Abraão Zacuto ; les cartographes Pedro Reinel, Lopo Homem, Estevão Gomes et Diogo Ribeiro, qui ont réalisé des avancées cruciales dans la cartographie du monde. Et des envoyés en Orient, comme l »apothicaire Tomé Pires et le médecin Garcia de Orta, ont collecté et publié des ouvrages sur les nouvelles plantes et les médicaments locaux.

En architecture, les bénéfices du commerce des épices dans les premières décennies du XVIe siècle ont financé un somptueux style de transition, qui mêle des éléments marins au gothique, au manuélin. Le monastère des Jerónimos, la tour de Belém et la fenêtre du chapitre du couvent du Christ à Tomar sont les plus connus. Diogo Boitaca et Francisco de Arruda en étaient les architectes. En peinture, Nuno Gonçalves, Gregório Lopes et Vasco Fernandes se distinguent. En musique, Pedro de Escobar et Duarte Lobo, ainsi que quatre recueils de chants, dont le Cancioneiro de Elvas et le Cancioneiro de Paris.

En littérature, Sá de Miranda a introduit les formes de vers italiens ; Garcia de Resende a compilé le Cancioneiro Geral en 1516 et Bernardim Ribeiro a été le pionnier du bucolisme. Gil Vicente les a fusionnés avec la culture populaire, racontant l »évolution des temps, et Luís de Camões a inscrit les réalisations des Portugais dans le poème épique Os Lusíadas. La littérature de voyage est particulièrement florissante : João de Barros, Castanheda, António Galvão, Gaspar Correia, Duarte Barbosa, Fernão Mendes Pinto, entre autres, décrivent de nouvelles terres et sont traduits et diffusés par la nouvelle presse. Après avoir participé à l »exploration portugaise du Brésil, en 1500, Amerigo Vespucci, agent des Médicis, invente le terme de Nouveau Monde.

Les échanges internationaux intenses ont donné naissance à plusieurs savants humanistes et cosmopolites : Francisco de Holanda, André de Resende et Damião de Góis, ami d »Érasme, qui ont écrit avec une rare indépendance sous le règne de Manuel Ier ; Diogo et André de Gouveia, qui ont réalisé d »importantes réformes de l »enseignement via la France. Les rapports et produits exotiques du comptoir portugais d »Anvers ont suscité l »intérêt de Thomas More et de Durer pour le monde extérieur. À Anvers, les profits et les connaissances des Portugais ont contribué à alimenter la Renaissance néerlandaise et l »âge d »or des Pays-Bas, surtout après l »arrivée de la communauté juive cultivée et riche expulsée du Portugal.

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Espagne

En Espagne, les circonstances étaient à plusieurs égards similaires. La reconquête du territoire espagnol sur les Arabes et le fantastique afflux de richesses en provenance des colonies américaines, avec les intenses échanges commerciaux et culturels qui en découlent, ont été à l »origine d »une phase d »expansion et d »enrichissement sans précédent de l »art local. Des artistes tels que Alonso Berruguete, Diego de Siloé, Tomás Luis de Vitoria, El Greco, Pedro Machuca, Juan Bautista de Toledo, Cristóbal de Morales, Garcilaso de la Vega, Juan de Herrera, Miguel de Cervantes et bien d »autres ont laissé des œuvres remarquables de style classique ou maniériste, plus dramatiques que leurs modèles italiens, car l »esprit de la Contre-Réforme y avait une place forte et, dans des écrivains sacrés comme Thérèse d »Avila, Ignace de Loyola et Jean de la Croix, de grands représentants. En particulier dans l »architecture, l »ornementation luxuriante est devenue typique du style connu sous le nom de plateresque, une synthèse unique des influences gothiques, mauresques et de la Renaissance. L »Université de Salamanque, dont l »enseignement avait des allures humanistes, ainsi que l »installation d »Italiens tels que Pellegrino Tibaldi, Leone Leoni et Pompeo Leoni ont donné une force supplémentaire au processus.

La Renaissance tardive a même traversé l »océan et s »est enracinée en Amérique et en Orient, où subsistent encore de nombreux monastères et églises fondés par les colonisateurs espagnols dans les centres du Mexique et du Pérou, et par les Portugais au Brésil, à Macao et à Goa, dont certains sont aujourd »hui des sites du patrimoine mondial.

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Angleterre

En Angleterre, la Renaissance a coïncidé avec l »ère dite élisabéthaine, marquée par une grande expansion maritime et une relative stabilité intérieure après les ravages de la longue guerre des Roses, où il est devenu possible de penser à la culture et à l »art. Comme dans la plupart des autres pays d »Europe, l »héritage gothique encore vivant se mêle à des références de la Renaissance tardive, mais ses traits distinctifs sont la prédominance de la littérature et de la musique sur les autres arts, et sa validité jusqu »à environ 1620. Des poètes comme John Donne et John Milton recherchent de nouvelles façons de comprendre la foi chrétienne, et des dramaturges comme Shakespeare et Marlowe se déplacent avec aisance entre les thèmes centraux de la vie humaine – la trahison, la transcendance, l »honneur, l »amour… la mort – dans des tragédies célèbres comme Roméo et Juliette, Macbeth, Othello, le Maure de Venise (Shakespeare) et le Docteur Faustus (Marlowe), ainsi que sur leurs aspects plus prosaïques et légers dans des fables charmantes comme Le Songe d »une nuit d »été (Shakespeare). Des philosophes tels que Francis Bacon ont repoussé les limites de la pensée abstraite et réfléchi à une société idéale. Dans le domaine de la musique, l »école italienne de madrigaux a été assimilée par Thomas Morley, Thomas Weelkes, Orlando Gibbons et bien d »autres, a acquis une saveur locale indéniable et a créé une tradition qui reste vivante aujourd »hui, aux côtés de grands polyphonistes sacrés tels que John Taverner, William Byrd et Thomas Tallis, ce dernier laissant le célèbre motet Spem in alium, pour quarante voix réparties en huit chœurs, une composition inégalée en son temps pour sa maîtrise dans la gestion d »immenses masses vocales. En architecture, Robert Smythson et les palladianistes Richard Boyle, Edward Lovett Pearce et Inigo Jones se distinguent, dont l »œuvre a eu des répercussions même en Amérique du Nord, faisant des disciples en George Berkeley, James Hoban, Peter Harrison et Thomas Jefferson. En peinture, la Renaissance a été reçue principalement par l »Allemagne et les Pays-Bas, avec la figure majeure de Hans Holbein, s »épanouissant ensuite avec William Segar, William Scrots, Nicholas Hilliard et plusieurs autres maîtres de l »école Tudor.

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Histoire, philosophie et esthétique

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Arts et sciences

Sources

1. Renascimento
2. Renaissance