William Shakespeare

gigatos | janvier 17, 2022

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Résumé

William Shakespeare (Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Royaume d »Angleterre, c. 23 avril 1564-juillet.-Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Royaume d »Angleterre, 23 avril-juillet.

Selon l »Encyclopædia Britannica, « Shakespeare est généralement reconnu comme le plus grand écrivain de tous les temps, une figure unique dans l »histoire de la littérature. La renommée d »autres poètes, comme Homère et Dante Alighieri, ou de romanciers comme Léon Tolstoï ou Charles Dickens, a dépassé les frontières nationales, mais aucun d »entre eux n »a atteint la réputation de Shakespeare, dont les œuvres sont aujourd »hui lues et jouées plus fréquemment et dans plus de pays que jamais. La prophétie de l »un de ses grands contemporains, Ben Jonson, s »est donc réalisée : « Shakespeare n »appartient pas à un seul âge mais à l »éternité ».

Le critique américain Harold Bloom place Shakespeare aux côtés de Dante Alighieri au sommet de son « canon occidental » : « Aucun autre écrivain n »a jamais eu autant de ressources linguistiques que Shakespeare, si abondantes dans Peines d »Amour Perdues que nous avons l »impression que, une fois pour toutes, de nombreuses limites du langage ont été atteintes. La plus grande originalité de Shakespeare réside toutefois dans la représentation des personnages : Bottom est un triomphe mélancolique ; Shylock, un problème équivoque permanent pour nous tous ; mais Sir John Falstaff est si original et si radical qu »avec lui, Shakespeare transforme à cent quatre-vingts degrés ce que c »est que de créer un homme par les mots ».

Jorge Luis Borges a écrit à son sujet : « Shakespeare est le moins anglais des poètes anglais. Comparé à Robert Frost (originaire de la Nouvelle-Angleterre), à William Wordsworth, à Samuel Johnson, à Chaucer et aux inconnus qui ont écrit, ou chanté, les élégies, il est presque un étranger. L »Angleterre est la patrie de l »understatement, de la réticence bien élevée ; l »hyperbole, l »excès et la splendeur sont typiques de Shakespeare ».

Shakespeare était un poète et un dramaturge vénéré à son époque, mais sa réputation n »a atteint son apogée qu »au XIXe siècle. Les romantiques, en particulier, ont salué son génie, et les Victoriens ont voué à Shakespeare un culte que George Bernard Shaw a qualifié de « bardolâtrie ».

Au XXe siècle, ses pièces ont été adaptées et redécouvertes à de nombreuses reprises par toutes sortes de mouvements artistiques, intellectuels et dramatiques. Les comédies et les tragédies de Shakespeare ont été traduites dans toutes les langues principales, et sont constamment étudiées et jouées dans divers contextes culturels et politiques à travers le monde. En outre, nombre des citations et aphorismes qui émaillent ses pièces sont entrés dans l »usage courant, tant en anglais que dans d »autres langues. Et sur le plan personnel, au fil des ans, sa vie a fait l »objet de nombreuses spéculations, mettant en cause sa sexualité, son appartenance religieuse et même la paternité de ses œuvres.

Il existe très peu de faits documentés sur la vie de Shakespeare, bien qu »il soit probable qu »il soit né le 23 avril 1564. Ce que l »on peut affirmer, c »est qu »il a été baptisé à la Holy Trinity Church de Stratford-upon-Avon, dans le Warwickshire, le 26 avril de la même année, et qu »il y est mort le 23 avril 1616, selon le calendrier julien (3 mai dans le grégorien), jour supposé de son 52e anniversaire.

Débuts

William Shakespeare (également orthographié Shakspere, Shaksper et Shake-speare, car l »orthographe à l »époque élisabéthaine n »était ni fixe ni absolue) est né à Stratford-upon-Avon en avril 1564. Il était le troisième des huit enfants nés de John Shakespeare, un commerçant prospère qui a atteint une certaine notoriété dans le bourg, et de Mary Arden, qui descendait d »une famille d »ancêtres.

À l »époque de sa naissance, sa famille vivait dans Henley Street, à Stratford-upon-Avon. Le jour exact de sa naissance n »est pas connu, car à l »époque seul l »acte de baptême était fait, le 26 avril en l »occurrence, on peut donc supposer qu »il est né quelques jours plus tôt (2 ou 3 jours) et pas plus d »une semaine plus tard, comme c »était l »usage. La tradition a traditionnellement fixé la date de sa naissance au 23 avril, jour de la fête de Saint-Georges, peut-être par analogie avec le jour de sa mort, le 23 avril 1616, selon le calendrier julien, mais cette date n »est étayée par aucun document, bien qu »elle soit la plus probable.

Le père de Shakespeare, qui était au sommet de sa prospérité lorsque William est né, est tombé en disgrâce peu après. Accusé de commerce illégal de laine, il perd son poste important au sein du gouvernement de l »arrondissement. Il a également été suggéré qu »une possible affinité avec la foi catholique, des deux côtés de la famille, pourrait avoir joué un rôle dans son inculpation.

William Shakespeare a probablement fait ses premières études à l »école secondaire locale, Stratford Grammar School, située au centre de sa ville natale, qui a dû lui fournir une éducation intensive en grammaire et littérature latines. Bien que la qualité des grammar schools à l »époque élisabéthaine soit plutôt inégale, certains éléments indiquent que celle de Stratford était assez bonne. La fréquentation de cette école par Shakespeare est une pure conjecture, fondée sur le fait qu »il avait légalement droit à une éducation gratuite en tant que fils d »un fonctionnaire du gouvernement local. Cependant, aucun document n »existe pour le prouver, les registres paroissiaux ayant été perdus. À l »époque, elle était dirigée par John Cotton, un professeur de grande culture humaniste et catholique ; une grammar school (équivalent d »un grammar school du XVIe siècle espagnol ou du baccalauréat actuel) dispensait des cours de 8 à 15 ans et l »enseignement était centré sur l »apprentissage du latin ; aux niveaux supérieurs, l »usage de l »anglais était interdit afin de favoriser la maîtrise de la langue latine ; l »étude des œuvres d »Ésope traduites en latin, d »Ovide et de Virgile, auteurs que Shakespeare connaissait, prévalait.

Le 28 novembre 1582, alors qu »il a dix-huit ans, Shakespeare épouse Anne Hathaway, 26 ans, de Temple Grafton, près de Stratford. Deux des voisins d »Anne, Fulk Sandalls et John Richardson, ont témoigné qu »il n »y avait aucun obstacle à la cérémonie. Il semble qu »il y ait eu une certaine précipitation pour organiser le mariage, peut-être parce qu »Anne était enceinte de trois mois. Après son mariage, il n »y a pratiquement aucune trace de William Shakespeare dans les archives historiques, jusqu »à ce qu »il fasse son apparition sur la scène théâtrale de Londres. Le 26 mai 1583, la fille aînée du couple, Susanna, est baptisée à Stratford. Un fils, Hamnet, et une autre fille, Judith, nés jumeaux, ont également été baptisés peu après. À en juger par le testament du dramaturge, qui est quelque peu dédaigneux à l »égard d »Anne Hathaway, le mariage n »a pas été heureux.

La fin des années 1580 est connue comme les « années perdues » du dramaturge, car il n »existe aucune preuve de l »endroit où il se trouvait, ni de la raison pour laquelle il a décidé de quitter Stratford pour Londres. Selon une légende, aujourd »hui peu crédible, il aurait été surpris en train de chasser le cerf dans le parc de Sir Thomas Lucy, le magistrat local, et aurait été contraint de fuir. Selon une autre hypothèse, il aurait rejoint la troupe théâtrale des Lord Chamberlain »s Men lors de son passage à Stratford. Un biographe du XVIIe siècle, John Aubrey, rapporte le témoignage du fils de l »un des compagnons de l »écrivain, selon lequel Shakespeare a peut-être passé quelque temps comme maître d »école à la campagne.

Londres et son passage par le théâtre

En 1592, Shakespeare était déjà à Londres où il travaillait comme dramaturge, et était suffisamment connu pour mériter une description méprisante de Robert Greene, qui le dépeint comme « un choucas carriériste, embelli de nos plumes », qui, avec son cœur de tigre enveloppé dans la peau d »un comédien, se croit capable d »impressionner avec des vers blancs comme les meilleurs d »entre vous », et dit aussi qu »il « se croit le seul shake-scene du pays » (dans l »original, Greene utilise le mot shake-scene, faisant allusion à la fois à la réputation de l »auteur et à son nom de famille, dans un jeu de paronomase).

En 1596, alors qu »il n »a que onze ans, Hamnet, le fils unique de l »écrivain, meurt et est enterré à Stratford le 11 août de la même année. Certains critiques ont affirmé que la mort de son fils avait peut-être inspiré à Shakespeare l »écriture de Hamlet (vers 1601), une réécriture d »une pièce antérieure qui, malheureusement, n »a pas survécu.

En 1598, Shakespeare avait transféré sa résidence dans la paroisse de St Helen »s à Bishopsgate. Son nom figure en tête de la liste des acteurs dans Every Man in His Humour de Ben Jonson.

Il devient rapidement acteur, écrivain et, enfin, copropriétaire de la compagnie théâtrale connue sous le nom de Lord Chamberlain »s Men, nommée, comme d »autres à l »époque, d »après son mécène aristocrate, le Lord Chamberlain. La compagnie est devenue si populaire qu »après la mort d »Elizabeth I et l »accession de Jacques Ier au trône, le nouveau monarque l »a prise sous sa protection, la rebaptisant les King »s Men.

En 1604, Shakespeare a servi d »entremetteur à la fille de son propriétaire. Des documents juridiques datant de 1612, date à laquelle l »affaire a été portée en justice, montrent qu »en 1604, Shakespeare avait été locataire de Christopher Mountjoy, un artisan huguenot du nord-ouest de Londres. L »apprenti de Mountjoy, Stephen Belott, ayant l »intention d »épouser la fille de son maître, le dramaturge est choisi comme intermédiaire pour aider à négocier les détails de la dot. Grâce aux services de Shakespeare, le mariage est arrangé, mais huit ans plus tard, Belott intente un procès à son beau-père pour ne pas avoir payé intégralement la dot convenue. L »écrivain a été convoqué pour témoigner, mais il ne se souvenait pas du montant qu »il avait proposé.

Plusieurs documents relatifs à des questions juridiques et à des transactions commerciales montrent que, pendant son séjour à Londres, Shakespeare est devenu suffisamment riche pour acheter une propriété à Blackfriars et devenir le propriétaire de la deuxième plus grande maison de Stratford.

Ces dernières années

Shakespeare se retira dans son village natal en 1611, mais se trouva mêlé à divers procès, tels qu »un litige sur la clôture des terres communes qui, si d »un côté encourageait le pâturage pour les moutons, de l »autre condamnait les pauvres en les privant de leur seule source de subsistance. L »auteur ayant un certain intérêt économique dans ces propriétés, il a adopté, au grand dam de certains, une position neutre qui n »a fait qu »assurer son propre bénéfice. En mars 1613, il fait son dernier achat, non pas dans sa ville natale, mais à Londres, en achetant pour 140 livres une maison et une cour près du théâtre de Blackfriars, dont il n »a payé que soixante livres sur place, car le lendemain, il a hypothéqué la maison pour le reste au vendeur. Par ailleurs, Shakespeare n »a pas enregistré l »achat en son seul nom, mais a associé ceux de William Johnson, John Jackson et John Hemynge, ce dernier étant l »un des acteurs qui ont promu l »édition du First Folio. L »effet juridique de cette procédure, écrit Sidney Lee, le grand biographe de Shakespeare, « était de priver sa femme, si elle survivait, du droit à la dot de la veuve sur cette propriété » ; mais quelques mois plus tard, le désastre frappe : le Globe Theatre brûle, et avec lui tous les manuscrits du dramaturge, ainsi que sa comédie Cardenio, inspirée d »un épisode de Don Quichotte de la Manche ; nous connaissons cette pièce parce que le 9 septembre 1653, l »éditeur Humphrey Maseley obtient une licence pour la publication d »une pièce qu »il décrit comme l »Histoire de Cardenio, par Fletcher et Shakespeare ; Sidney Lee dit qu »aucun drame de ce titre ne nous est parvenu, et qu »il faut probablement l »identifier avec la comédie perdue appelée Cardenno ou Cardenna, qui fut jouée deux fois devant la Cour par la compagnie de Shakespeare, la première en février 1613, à l »occasion des festivités du mariage de la princesse Elizabeth, et la seconde le 8 juin, devant l »ambassadeur du duc de Savoie, c »est-à-dire quelques jours avant l »incendie du théâtre du Globe.

Dans les dernières semaines de la vie de Shakespeare, l »homme qui devait épouser sa fille Judith – un tavernier nommé Thomas Quiney – a été accusé de promiscuité devant le tribunal ecclésiastique local. Une femme nommée Margaret Wheeler avait donné naissance à un enfant, et affirmait que Quiney était le père. La femme et son enfant sont morts peu après. Cela a cependant affecté la réputation du futur gendre de l »écrivain, et Shakespeare a révisé son testament afin de préserver l »héritage de sa fille de tout problème juridique que Quiney pourrait avoir.

Shakespeare est mort le 23 avril 1616, selon le calendrier julien (3 mai dans le calendrier grégorien). Il est resté marié à Anne jusqu »à sa mort, et a laissé deux filles, Susannah et Judith. La première a épousé le Dr John Hall. Cependant, ni les enfants de Susannah ni ceux de Judith n »ont eu de descendance, de sorte qu »il n »y a actuellement aucun descendant vivant de l »écrivain. La rumeur veut cependant que Shakespeare soit le véritable père de son filleul, le poète et dramaturge William Davenant.

On a toujours eu tendance à associer la mort de Shakespeare à la boisson – il est mort, selon le commentaire le plus répandu, des suites d »une forte fièvre, résultat de son ivresse – mais il semble que le dramaturge ait rencontré Ben Jonson et Michael Drayton pour célébrer avec ses collègues quelques nouvelles idées littéraires. Des recherches récentes menées par des scientifiques allemands ont montré qu »il est très probable que le dramaturge anglais souffrait d »un cancer.

La dépouille de Shakespeare a été enterrée dans le chœur de l »église Holy Trinity, à Stratford. L »honneur d »être enterré dans le chœur, près du maître-autel de l »église, n »est pas dû à son prestige de dramaturge, mais à l »achat d »une dîme de l »église pour 440 £ (une somme considérable à l »époque). Le monument funéraire de Shakespeare, érigé par sa famille sur le mur près de sa tombe, le représente dans une attitude d »écriture, et chaque année, lors de la commémoration de sa naissance, une nouvelle plume est placée dans sa main.

À l »époque, lorsqu »on avait besoin de place pour de nouvelles tombes, il était de coutume de vider les anciennes et de déplacer leur contenu dans un ossuaire voisin. Craignant peut-être que ses restes ne soient exhumés, selon l »Encyclopaedia Britannica, Shakespeare lui-même aurait composé l »épitaphe suivante pour sa pierre tombale :

Une légende prétend que les œuvres non publiées de Shakespeare reposent avec lui dans sa tombe. Personne n »a osé vérifier la véracité de la légende, peut-être par crainte de la malédiction de l »épitaphe susmentionnée.

On ignore lequel de tous les portraits existants de Shakespeare est le plus fidèle à l »image de l »écrivain, car beaucoup d »entre eux sont des faux, peints après coup à partir de la gravure du First Folio. Le portrait dit de Chandos, datant d »entre 1600 et 1610, à la National Portrait Gallery (Londres), est considéré comme le plus précis. Elle représente l »auteur au début de la quarantaine, avec une barbe et une boucle d »oreille dorée à l »oreille gauche.

Le débat sur Shakespeare

Il est curieux que tout ce qui est parvenu à la postérité sur l »un des auteurs du canon occidental ne soit qu »une construction faite des spéculations les plus diverses. On a même discuté de la question de savoir si Shakespeare est le véritable auteur de ses pièces, attribuées par certains à Francis Bacon, à Christopher Marlowe (la réalité est que toutes ces imaginations découlent du simple fait que les données disponibles sur l »auteur sont très peu nombreuses et contrastent avec l »énormité de son œuvre géniale, qui est fertile et donne lieu aux interprétations les plus tordues.

Près de cent cinquante ans après la mort de Shakespeare en 1616, des doutes ont commencé à surgir quant à la véritable paternité des pièces qui lui sont attribuées. Les critiques se divisent en « stratfordiens » (partisans de la thèse selon laquelle William Shakespeare, né et mort à Stratford, est le véritable auteur des pièces qui lui sont attribuées) et en « anti-stratfordiens » (partisans de l »attribution de ces pièces à un autre auteur). La deuxième position est, à l »heure actuelle, très minoritaire.

Des documents historiques montrent qu »entre 1590 et 1620, plusieurs pièces et poèmes attribués à l »auteur William Shakespeare ont été publiés, et que la compagnie qui jouait ces pièces, les Lord Chamberlain »s Men (plus tard King »s Men), comptait parmi ses membres un acteur portant ce nom. Cet acteur peut être identifié avec le William Shakespeare dont on sait qu »il a vécu et est mort à Stratford, car ce dernier fait certains dons dans son testament aux membres de la compagnie théâtrale londonienne.

Les « Stratfordiens » pensent que cet acteur est également l »auteur des pièces attribuées à Shakespeare, en se basant sur le fait qu »elles portent le même nom et sur les poèmes encomiastiques inclus dans l »édition de 1623 du First Folio, dans lesquels il est fait référence au « Cygne d »Avon » et à son « monument de Stratford ». Ce dernier fait référence à son monument funéraire dans l »église de la Sainte Trinité, à Stratford, sur lequel il est d »ailleurs représenté comme un écrivain, et dont on trouve des descriptions par des visiteurs de la localité depuis au moins les années 1630. Selon ce point de vue, les pièces de Shakespeare ont été écrites par William Shakespeare, originaire de Stratford, qui a quitté sa ville natale et a réussi comme acteur et dramaturge à Londres.

Les soi-disant « anti-Stratfordiens » ne sont pas d »accord. Selon eux, le Shakespeare de Stratford ne serait rien d »autre qu »un homme de paille dissimulant la véritable paternité d »un autre dramaturge qui aurait préféré garder son identité secrète. Cette théorie repose sur différents fondements : de prétendues ambiguïtés et lacunes dans la documentation historique sur Shakespeare ; la conviction que les pièces exigeraient un niveau de culture supérieur à celui que Shakespeare aurait eu ; des messages codés prétendument cachés dans les pièces ; et des parallèles entre les personnages des pièces de Shakespeare et la vie de certains dramaturges.

Au cours du XIXe siècle, le candidat alternatif le plus populaire était Sir Francis Bacon. De nombreux « anti-Stratfordiens » de l »époque étaient cependant sceptiques quant à cette hypothèse, même s »ils n »étaient pas en mesure de proposer une alternative. Le poète américain Walt Whitman a témoigné de ce scepticisme lorsqu »il a déclaré à Horace Traubel : « Je suis avec vous, les gars, lorsque vous dites « non » à Shaksper (sic) : c »est le plus loin que je puisse aller. Quant à Bacon, eh bien, on verra, on verra. Depuis les années 1980, le candidat le plus populaire est Edward de Vere, 17e comte d »Oxford, proposé par John Thomas Looney en 1920, et par Charlton Ogburn en 1984. Le poète et dramaturge Christopher Marlowe a également été considéré comme une alternative, bien que sa mort précoce le relègue au second rang. De nombreux autres candidats ont été proposés, mais ils n »ont pas fait beaucoup d »adeptes.

La position la plus répandue dans les milieux universitaires est que le William Shakespeare de Stratford est l »auteur des pièces qui portent son nom.

Récemment, cependant, la rumeur de la paternité de Shakespeare s »est amplifiée à la suite des déclarations des acteurs Derek Jacobi et Mark Rylance. Tous deux ont publié une « déclaration de doute raisonnable » concernant l »identité du célèbre dramaturge. La déclaration remet en question le fait que William Shakespeare, un roturier du XVIe siècle élevé dans un foyer analphabète à Stratford-upon-Avon, ait écrit les pièces brillantes qui portent son nom. La déclaration affirme qu »un homme qui savait à peine lire et écrire ne pouvait pas posséder les connaissances juridiques, historiques et mathématiques rigoureuses qui parsèment les tragédies, comédies et sonnets attribués à Shakespeare.

Au fil des ans, certaines théories ont laissé entendre que William Shakespeare n »était qu »un pseudonyme derrière lequel pouvaient se cacher d »autres noms illustres tels que Christopher Marlowe (1564-1593), le philosophe et homme de lettres Francis Bacon (1561-1626) ou Edward de Vere (1550-1604), 17e comte d »Oxford. Jacobi affirme avoir une préférence pour Edward de Vere, qui fréquentait la cour sous le règne d »Elizabeth I (1533-1603), et le décrit comme son « candidat » préféré, étant donné les similitudes supposées entre la biographie du comte et de nombreux événements relatés dans les livres de Shakespeare.

Quelle est l »une des principales raisons pour lesquelles la paternité de Shakespeare a été remise en question ? L »encyclopédie World Book souligne « le refus de croire qu »un acteur de Stratford on Avon ait pu écrire de telles pièces ». Son milieu rural ne correspondait pas à l »image qu »ils se faisaient du grand auteur ». L »encyclopédie ajoute que la plupart des auteurs présumés « appartenaient à la noblesse ou à d »autres classes privilégiées ». Ainsi, nombre de ceux qui ont mis en doute la paternité littéraire de Shakespeare estiment que « seul un auteur éduqué, raffiné et issu de la classe supérieure aurait pu écrire les pièces ». Cependant, de nombreux spécialistes pensent que Shakespeare les a écrites.

On a beaucoup parlé de la vie personnelle de l »auteur et de sa prétendue homosexualité, spéculation qui trouve son principal fondement dans un recueil de sonnets très original qui a été publié, apparemment sans son consentement. On a également soupçonné qu »il avait un amant qui a rendu son mariage malheureux, car sa femme et mère de ses trois enfants était beaucoup plus âgée que lui et était enceinte avant le mariage. Ce soupçon se fonde sur une célèbre citation de son testament : « Je vous laisse mon deuxième meilleur lit », un passage qui a donné lieu aux interprétations les plus disparates et à pas mal de spéculations. La plus générale est liée au fait que la relation du couple n »était pas entièrement satisfaisante. Mais une autre pointe dans la direction opposée, puisque le dramaturge aurait dédié un sonnet à sa femme intitulé La femme du monde.

La cruauté de Shakespeare envers la figure féminine dans ses sonnets et, par conséquent, envers la naïveté de l »homme qui tombe dans leurs filets, a également été suivie de près. Les thèmes de la promiscuité, du charnel et du mensonge des femmes – décrits et critiqués avec humour par le dramaturge – sont des preuves suffisantes pour ceux qui supposent qu »il aurait une certaine prédilection pour les hommes et une répudiation de la coquetterie des dames, de toute façon toujours mentionnées en allusion à leur superficialité et à leurs intérêts matérialistes.

Voir une partie du fragment suivant de son sonnet 144 :

On peut clairement voir la sévère critique shakespearienne du rôle d »une femme qui, à première vue, semble s »interposer entre la romance du dramaturge et son mécène. Ceux qui contestent cette hypothèse le font en objectant que la voix poétique du sonnet ne correspond pas nécessairement à la personnalité de l »auteur.

La vérité est que Shakespeare parodie son point de vue, comme nous le voyons dans la citation :

Tout ce problème s »estompe si nous nous arrêtons un instant pour analyser certains de ses passages théâtraux les plus célèbres. Dans l »une de ses comédies, intitulée As You Like It, Shakespeare met en évidence la corruption du monde masculin et la capacité d »une femme – Rosalind – à rétablir l »ordre originel et à ramener la paix. Cependant, bien que l »héroïne de l »intrigue soit une figure féminine, elle ne devient courageuse et capable de grandes actions que lorsqu »elle endosse le rôle d »un homme, Ganymède – un personnage mythologique, l »amant masculin de Jupiter.

Pour ce qui est de la tragédie, le cas du Roi Lear est également très représentatif. L »auteur y met en évidence l »aveuglement des hommes, notamment de Lear, qui bannit sa fille Cordélia pour avoir été la seule des trois sœurs à exprimer son honnêteté.Les études féministes souligneront que Shakespeare s »en prend à sa société contemporaine, et qu »il utilisera des noms et des lieux fictifs pour échapper aux persécutions de la cour.

Il défend la femme et fait comprendre aux hommes que la réduire au silence aboutirait à une catastrophe, comme c »est le cas dans le dénouement de Lear. D »autres opinions sur la pièce disent que les femmes ne pourraient pas accéder au trône, selon le dramaturge, car cela entraînerait le chaos et la controverse. Lorsque le roi Lear donne le pouvoir à ses deux filles aînées, Goneril et Régan, elles changent brusquement de comportement envers leur père et le soumettent à une torture oppressante qui consumera progressivement sa vie. Le gouvernement se détériore et l »entourage royal s »effrite jusqu »à ce qu »un homme reprenne le pouvoir.

En 1559, cinq ans avant la naissance de Shakespeare, sous le règne d »Elizabeth I, l »Église d »Angleterre s »est finalement séparée, après une période d »incertitude, de l »Église catholique. Pour cette raison, les catholiques anglais ont été poussés à se convertir à l »anglicanisme, et des lois ont été établies pour persécuter ceux qui refusaient de se convertir. Certains historiens affirment qu »à l »époque de Shakespeare, l »imposition de la nouvelle foi faisait l »objet d »une opposition importante et généralisée. Certains critiques, se fondant sur des preuves historiques et littéraires, ont affirmé que Shakespeare faisait partie de ces opposants, bien qu »ils n »aient pas été en mesure de le prouver de manière concluante. Ce qui est certain, c »est que Shakespeare était plus à l »aise sous le règne du philocatholique Jacques Ier que sous celui de l »anticatholique Elisabeth Ier.

Il existe des indications selon lesquelles certains membres de la famille du dramaturge étaient catholiques. Le plus important est un pamphlet signé par John Shakespeare, le père du poète, dans lequel il aurait professé son catholicisme secret. Le texte, trouvé dans l »un des chevrons de la maison natale de Shakespeare au XVIIIe siècle, a été analysé par un éminent spécialiste, Edmond Malone. Cependant, il a été perdu, et son authenticité ne peut être prouvée. John Shakespeare faisait également partie de ceux qui n »assistaient pas aux services religieux, mais c »était soi-disant « par crainte d »être poursuivi pour dettes », selon les commissaires, et non parce qu »il n »acceptait pas la religion anglicane.

La mère de Shakespeare, Mary Arden, appartenait à une famille catholique bien connue du Warwickshire ; en 1606, sa fille Susannah était l »une des rares femmes vivant à Stratford à refuser de communier, ce qui pourrait suggérer des sympathies pour le catholicisme. L »archidiacre Richard Davies, un ecclésiastique anglican du XVIIIe siècle, aurait écrit à propos de Shakespeare : « Il est mort papiste ». En outre, quatre des six professeurs de l »école de Stratford que l »écrivain aurait fréquentée dans sa jeunesse étaient des sympathisants catholiques, et Simon Hunt, probablement l »un des professeurs de Shakespeare, est finalement devenu jésuite.

Bien qu »aucune de ces théories ne prouve de manière concluante que Shakespeare était catholique, l »historienne Clare Asquith est d »avis que les sympathies de Shakespeare pour le catholicisme sont perceptibles dans ses écrits. Selon Asquith, Shakespeare utilise des termes positifs, tels que « haut » (et des termes négatifs – « bas », « sombre ») pour les protestants.

Bien que l »on ignore beaucoup de choses sur l »éducation de Shakespeare, il est certain que l »artiste n »a pas eu accès à une formation universitaire, et son ami Ben Jonson, qui en avait une, a un jour déploré « son peu de latin et encore moins de grec », ce qui ne l »a pas empêché de l »appeler « doux cygne de l »Avon » et d »ajouter qu » »il n »est pas d »un siècle, mais de tous les temps ». D »une certaine manière, son éducation pas si limitée (il y avait une bonne école à Stratford, et Shakespeare a pu y apprendre quelques classiques latins) était un avantage, puisque sa culture n »était pas modelée sur le modèle commun de son époque ; en tant qu »autodidacte, William Shakespeare, comme le note un connaisseur expert et traducteur de ses œuvres complètes, Luis Astrana Marín, avait accès à des sources littéraires extrêmement rares grâce à l »amitié qu »il entretenait avec un libraire. L »analyse de ses écrits révèle qu »il était un lecteur vorace ; certains d »entre eux sont de véritables centaines de textes puisés dans les sources les plus diverses. Mais il y a quatre sources principales pour ses œuvres.

Tout d »abord, les historiens anglais, en particulier la deuxième édition de The Chronicles of England, Scotlande, and Irelande de Raphael Holinshed, publiée en 1587, comme source pour certains de ses drames historiques, pour l »intrigue de Macbeth et pour des parties du Roi Lear et de Cymbeline ; Les Vies parallèles de Plutarque dans la retraduction de la version française de Jacques Amyot par son ami Thomas North (1573), d »où il tire son Titus Andronicus, son Julius Caesar, son Coriolanus et son Antony and Cleopatra, et les Essais de Montaigne dans la traduction de John Florio (1603), qui ont façonné certains passages de La Tempête.

Deuxièmement, il faut mentionner comme source d »inspiration les novellieri (de Mateo Bandello vient l »histoire de As You Like It et celle de Roméo et Juliette, qui a également inspiré Castelvines y Monteses de Lope de Vega et Los bandos de Verona de Francisco Rojas Zorrilla ; de Giambattista Giraldi Cinthio celle d »Othello ; de Giovanni Boccaccio A buen fin no hay mal tiempo et de Giovanni Fiorentino Le Marchand de Venise et Les Joyeuses Femmes de Windsor ; A buen fin no hay mal tiempo de Giovanni Boccaccio et Le marchand de Venise et Les joyeuses épouses de Windsor de Giovanni Fiorentino ; Chaucer a également inspiré certaines œuvres) et des œuvres diverses de toutes sortes, parfois espagnoles, comme Noches de invierno d »Antonio de Eslava ou Silva de varia lección de Pero Mexía.

Troisièmement, il s »est également inspiré de la production dramatique anglaise qui l »a précédé, dans laquelle il a puisé une foule d »intrigues, de personnages et de principes de composition. Il lui arrivait même de remanier des pièces entières (par exemple, il existait un Hamlet antérieur attribué à Thomas Kyd, datant de 1589, qui fut un succès et n »a pas été conservé, mais qui a inspiré la pièce ultérieure de Shakespeare). Il a cité ou évoqué des textes de nombreuses pièces de théâtre, étant particulièrement sensible au modèle de Christopher Marlowe dans ses premières œuvres. Cet empressement imitatif ne passa pas inaperçu à son contemporain Robert Greene, qui le prit pour un plagiaire et écrivit en 1592, faisant allusion à une fable bien connue citée par Horace, ce qui suit :

Enfin, Shakespeare était également très versé dans la mythologie (il connaissait très bien les Métamorphoses d »Ovide) et dans la rhétorique, bien que son style évite parfois consciemment les symétries rigides et mécaniques de cette dernière et se montre parfois trop joueur de mots, comme c »était alors la mode pour l »euphuisme, diffusé par John Lyly et dérivé à son tour du style d »Antonio de Guevara, bien que Shakespeare se soit élevé contre les excès de ce style.

Shakespeare s »est reconnu comme un grand assimilateur (le pouvoir de synthèse caractérise les grands poètes, comme par exemple Dante Alighieri) et l »a déclaré dans son sonnet LXXVI ; mais il a également prétendu dans ce sonnet être capable de dépasser ses modèles en rendant quelque chose de radicalement ancien nouveau, en lui insufflant une vie nouvelle. Au lieu d »inventer ou de faire appel à l »originalité, il a pris des histoires préexistantes, comme celle d »Hamlet, et leur a donné ce qui leur manquait pour être éminentes. Néanmoins, et malgré tout, il se montre aussi d »une totale originalité, se démarquant parfois délibérément de toute tradition, comme dans ses Sonnets, qui renversent tous les canons du pétrarquisme en élaborant un carnet de chants destiné à un homme et où il exige, ni plus ni moins, l »abandon du narcissisme de l »époque, l »abandon du narcissisme de l »époque, l »abandon du narcissisme de l »instant pour engendrer la transcendance de l »éternité à travers l »amour, ce qui peut sembler assez abstrait, mais c »est ainsi que sont abstraits et énigmatiques ces poèmes, dont chacun contient toujours un mouvement dramatique, une invocation à l »action.

Contexte : le théâtre élisabéthain

Lorsque Shakespeare a commencé son activité théâtrale, celle-ci subissait les changements d »une période de transition. À l »origine, le théâtre en Angleterre était un spectacle populaire, associé à d »autres divertissements très répandus à l »époque, comme le bear baiting (combat d »un ours enchaîné contre des chiens enragés). Ses racines se trouvent à la fin de l »époque médiévale, dans une triple tradition dramatique : les pièces à mystères, aux thèmes religieux et destinées à solenniser les festivités des différentes corporations ; les moralités ou pièces de morale, de caractère allégorique et interprétées par des acteurs professionnels ; et les intermèdes courtois, pièces destinées au divertissement de la noblesse.

Les nobles les plus éminents parrainaient des groupes d »acteurs portant leur nom. Ainsi, à l »époque élisabéthaine, des compagnies telles que les Hundson Men (plus tard les Lord Chamberlain »s Men), les Admiral »s Men et les Queen »s Men, parmi les plus importantes, ont vu le jour. Ces compagnies théâtrales se produisaient parfois dans le palais de leurs mécènes aristocrates. Les King »s Men, par exemple, après le parrainage de la compagnie par le roi Jacques Ier, se produisaient à la cour une fois par mois. Le soutien d »un mécène était essentiel pour assurer le succès futur de la pièce.

À l »origine, les pièces étaient jouées dans les cours intérieures des auberges. Même à l »époque de Shakespeare, certains de ces lieux continuaient à accueillir des représentations théâtrales. Cependant, ils n »étaient pas très adaptés aux représentations, car l »activité de l »auberge rendait parfois les représentations difficiles. Ils se heurtent également à l »opposition des autorités, qui s »inquiètent du désordre et des rixes qui s »y déroulent, ainsi que des » méchantes pratiques d »incontinence » qui y ont cours. Le facteur hygiène joue également en leur défaveur : la peste est très fréquente et les rassemblements de masse ne favorisent pas vraiment la santé.

Pour ces raisons, une législation est progressivement apparue pour réglementer l »activité théâtrale, et il est devenu plus difficile d »obtenir des licences pour se produire dans les auberges. Cela a conduit à la construction de théâtres fixes plus salubres à la périphérie de la ville, ainsi qu »à la consolidation et à la professionnalisation de la carrière d »acteur. Le premier théâtre, appelé simplement Le Théâtre, a été construit en 1576. D »autres ont été construits plus tard : The Curtain, The Rose, The Swan et The Globe. Ce dernier, construit en 1599 et situé, comme les autres, à l »extérieur de la ville, pour éviter les problèmes avec la Cité de Londres, était le plus célèbre de tous, et le favori de la compagnie dont William Shakespeare était membre.

Tous ces théâtres ont été construits sur le modèle des cours des auberges. Aucun d »entre eux n »a survécu dans son état original, mais il est possible d »avoir une idée approximative de leur forme, grâce à quelques références de l »époque. Il s »agissait d »enceintes de forme hexagonale ou octogonale (il existe des exceptions), avec une scène modérément couverte qui s »enfonçait légèrement au centre d »une arène en plein air entourée de deux ou trois étages de galeries. La plate-forme se composait de deux niveaux, l »un à un peu plus d »un mètre au-dessus de l »arène, couvert et soutenu par des colonnes, et l »autre un peu plus haut avec un toit dissimulant les appareils nécessaires au fonctionnement de la machinerie de scène et à la manœuvre de la mise en scène. Il pouvait porter un drapeau et même simuler une tour.

Ces théâtres avaient une capacité d »accueil très respectable. Il a été estimé, par exemple, que le Globe pouvait accueillir environ 2 000 spectateurs.

Au début, le statut social des comédiens, surtout des plus humbles, ne se distinguait pas facilement de celui d »un clochard ou d »un mendiant. Au fil du temps, cependant, avec l »ouverture des nouveaux théâtres, les acteurs de l »ère élisabéthaine ont progressivement acquis un statut social plus important.

La scénographie rudimentaire signifiait que l »interprète portait la responsabilité principale de la pièce, de sorte que sa technique tendait à la surinterprétation dans le langage, la gesticulation et les costumes flamboyants. Comme il était interdit aux femmes de monter sur scène, les rôles féminins étaient confiés à des enfants ou à des adolescents, ce qui se prêtait au jeu comique de l »ambiguïté érotique. La parole était très importante, et le fait que la scène ait été déplacée quelque peu vers l »avant dans la cour signifiait qu »elle était souvent utilisée pour des monologues. En l »absence de décors peints, l »acteur fait souvent appel à l »imagination du public et l »écrivain a recours à des hypotypes. L »auditoire était bigarré et hétérogène, et il en résultait un mélange d »allusions grossières et de plaisanteries paillardes, de galanteries amoureuses les plus cultivées et raffinées et de pédanteries euphuitiques les plus tordues.

Les spectateurs venaient au théâtre pour un prix qui variait en fonction du confort du siège offert. Le billet le moins cher exigeait de rester debout et de s »exposer aux intempéries ; les billets les moins abordables favorisaient la noblesse et les riches, qui pouvaient s »asseoir à l »abri et à l »abri du soleil.

Le métier de dramaturge n »était pas bien rémunéré, et tous les droits sur les pièces passaient aux compagnies qui les jouaient ; ainsi, les pièces subissaient souvent de multiples refontes et adaptations par diverses plumes, pas toujours habiles ni respectueuses, sans parler des coupes qu »elles subissaient au gré des acteurs. Le nom de l »auteur n »étant mentionné (et souvent de manière inexacte) que deux ou trois ans plus tard, les écrivains ne jouissaient pas des fruits de leur travail, à moins qu »ils ne possèdent des parts dans la société, comme c »était le cas de Shakespeare et d »autres dramaturges qui travaillaient ensemble et partageaient les bénéfices.

L »une des caractéristiques les plus importantes du théâtre élisabéthain, et de celui de Shakespeare en particulier, est la multitude de niveaux sur lesquels tournent ses intrigues. Le tragique, le comique, le poétique, le terrestre et le surnaturel, le réel et le fantastique s »entremêlent plus ou moins dans ces pièces. Les transitions entre le mélancolique et l »actif sont rapides et se manifestent souvent par des duels et des combats sur scène, qui ont dû constituer une chorégraphie vivante très au goût de l »époque.

Le fou est un personnage important dans l »œuvre de Shakespeare, car il lui donne une liberté d »expression et une aisance. On lui reconnaît une insuffisance mentale ou une déficience physique qui lui permet de dire des choses ou d »exprimer des opinions sur des sujets controversés qui auraient été interdites dans la bouche de personnages plus importants. Sans doute ce stratagème était-il idéal pour l »auteur anglais, puisque toute critique de la royauté pouvait être justifiée en l »attribuant à un personnage qui ne pense pas comme la majorité des autres personnes, compte tenu des insuffisances dont il souffre.

Le théâtre de Shakespeare

En l »absence de manuscrits olographes et de dates précises de composition, il est très difficile d »établir une chronologie bibliographique shakespearienne. Le First Folio, qui rassemble l »essentiel de sa production littéraire, a été publié par deux acteurs de sa compagnie, John Heminges et Henry Condell, en 1623, huit ans après la mort de l »auteur. Ce livre divisait sa production dramatique en Histoires, Comédies et Tragédies, et 750 copies ont été faites, dont un tiers a survécu jusqu »à nos jours, la plupart d »entre elles étant incomplètes. Grâce à ce travail, la moitié des œuvres dramatiques non imprimées du dramaturge ont été préservées, car Shakespeare ne tenait pas à entrer dans l »histoire en tant que dramaturge.

Le First Folio contient exclusivement des œuvres dramatiques (aucun de ses poèmes lyriques n »est inclus dans l »édition), au nombre de 36 : 11 tragédies, 15 comédies et 10 pièces historiques. Elle ne comprend pas certaines pièces traditionnellement attribuées à Shakespeare, telles que les comédies Périclès et The Two Noble Kinsmen, ni la pièce historique Edward III. Si dans le cas de Périclès, l »implication de Shakespeare semble assez certaine, il n »en va pas de même pour les deux autres pièces, de sorte que le nombre de titres inclus dans le canon shakespearien varie, selon les versions, entre 37 et 39.

Comme de nombreuses tragédies occidentales, la tragédie de Shakespeare met souvent en scène un protagoniste qui tombe du désert de la grâce et finit par mourir, ainsi qu »une proche proportion du reste du corps dirigeant. Il a été suggéré que l »interprétation du genre par le dramaturge est à l »opposé de la comédie ; elle illustre le sentiment que les êtres humains sont inévitablement malheureux à cause de leurs propres erreurs, ou même de l »exercice ironiquement tragique de leurs vertus, ou par la nature du destin, ou la condition de l »homme à souffrir, tomber et mourir….. En d »autres termes, il s »agit d »une représentation dont la fin est nécessairement malheureuse.

Shakespeare a composé des tragédies dès le début de sa carrière : l »une des premières est la tragédie romaine Titus Andronicus, suivie quelques années plus tard de Roméo et Juliette. Toutefois, les plus célèbres ont été écrits au cours d »une période de sept ans, entre 1601 et 1608 : Hamlet, Othello, Le Roi Lear, Macbeth (les quatre principaux) et Antony and Cleopatra, ainsi que les moins connus Timon d »Athènes et Troilus and Cressida.

Nombreux sont ceux qui ont souligné dans ces pièces le concept aristotélicien de tragédie : le protagoniste doit être un personnage admirable mais imparfait, avec un public capable de le comprendre et de sympathiser avec lui. En effet, chacun des personnages tragiques de Shakespeare est capable à la fois de bien et de mal. La pièce insiste toujours sur le concept du libre arbitre ; le (anti)héros peut se dégrader ou régresser et se racheter par ses actions. L »auteur, en revanche, finit par les conduire à leur perte inévitable.

Voici la liste des tragédies complètes de Shakespeare, classées selon la date approximative de leur composition :

Si le ton de l »intrigue est souvent burlesque, à d »autres moments, un élément tragique inquiétant est latent, comme dans Le Marchand de Venise. Lorsqu »il aborde des thèmes susceptibles de déclencher une issue tragique, Shakespeare tente d »enseigner, à sa manière habituelle, sans prendre parti, sans proposer de remèdes, sans faire de morale ni prêcher quoi que ce soit, les dangers du vice, du mal et de l »irrationalité humaine, sans qu »il soit nécessaire de tomber dans la destruction qui apparaît dans ses tragédies et en laissant à la Nature le soin de restaurer et de rétablir l »ordre.

Les fins de comédies sont généralement festives et agréables. Il convient de noter que le langage vulgaire et les doubles entendements, ainsi que l »ampleur des différents points de vue, les changements de fortune et le bouleversement des identités, constituent un ingrédient inévitable qui s »accompagne souvent de coïncidences surprenantes. La parodie du sexe, le rôle du déguisement et le pouvoir magique de la nature pour réparer les dommages et les blessures infligés par une société corrompue et avide sont des éléments transcendants de la comédie shakespearienne.

L »homme change complètement sa façon de penser et d »agir en se réfugiant dans la nature et en fuyant la civilisation, se prêtant au jeu des oppositions. Enfin, il convient de noter que la sphère sociale que Shakespeare utilise dans ses pièces est peut-être un peu plus étroite que celle que l »on trouve dans la plupart des comédies.

Comme mentionné ci-dessus, le bouffon – qui était un personnage très populaire à la cour de l »époque – est l »élément inébranlable sur lequel le dramaturge se sent plus libre d »exprimer ses pensées, considérant que les opinions d »une telle personne n »étaient jamais considérées comme valides – une excuse parfaite pour élaborer.

On estime que la date de composition des comédies de Shakespeare se situe entre 1590 et 1612, comme point de départ et point culminant de son travail d »écrivain. Le premier et le moins élaboré était Les Deux Gentilshommes de Vérone, suivi par Le Marchand de Venise, Beaucoup de bruit pour rien, Comme il vous plaira, Un conte d »hiver, La Tempête, et bien d »autres encore énumérés ci-dessous :

Il est important de préciser que La Tempête, Le Conte d »hiver, Cymbeline et Périclès sont considérés par beaucoup comme des fantaisies poétiques (on utilise en anglais le terme romance), car ils possèdent des caractéristiques qui les distinguent du reste des comédies.

Le First Folio ne classe dans la catégorie des « œuvres historiques » (histories) que celles qui se rapportent à l »histoire relativement récente de l »Angleterre. D »autres pièces à thème historique, comme celles qui se déroulent dans la Rome antique, ou encore Macbeth, qui met en scène un véritable roi d »Écosse, ne sont pas classées ici. Il y en a onze en tout (ou dix, si l »on exclut Édouard III, considéré aujourd »hui comme apocryphe). La source utilisée par le dramaturge pour la composition de ces pièces est bien connue : il s »agit des Chroniques de Raphaël Holinshed.

Voici une liste de ces œuvres, classées selon la date approximative de leur composition.

Il existe de sérieux doutes quant à la paternité du premier de la liste, Édouard III. On pense que le dernier, Henry VIII, a été écrit en collaboration avec John Fletcher, qui a remplacé Shakespeare comme principal dramaturge de la compagnie des King »s Men.

Les dix pièces qu »il a écrites sur les rois anglais, connues sous le nom de « cycle historique », que Shakespeare a consacrées à sept rois anglais, sont généralement regroupées parmi ses pièces historiques. Ce cycle exclut les pièces sur le roi Lear (un roi légendaire) et Macbeth (basée sur la vie du roi écossais, Macbeth d »Écosse) et une pièce sur Édouard III (bien qu »il y ait de plus en plus d »indications qu »elle a été écrite par Shakespeare, du moins en partie, sa paternité n »a pas été établie). Ce cycle exclut le roi Jean et Henri VIII car ils ne suivent pas la séquence historique.

Huit de ces pièces sont regroupées en deux tétralogies dont l »ordre d »écriture ne coïncide pas avec l »ordre chronologique des événements historiques dépeints. La première de ces tétralogies comprend les trois consacrées au règne d »Henri VI (1422-1461), ainsi que celle consacrée à l »ambitieux et terrible Richard III (qui régna entre 1483 et 1485). Tous ont probablement été composés entre 1590 et 1594.

La deuxième tétralogie, composée de Richard II, des deux parties d »Henri IV et d »Henri V, remonte le temps. Elle se concentre sur les règnes de Richard II (1377-1399), Henri IV (1399-1413) et Henri V (1413-1422). Toutes ces œuvres ont été composées dans la période 1594-1597.

Étant donné qu »une grande partie du public était analphabète, ces pièces étaient un bon moyen de communiquer l »histoire et, par conséquent, d »encourager le patriotisme et l »amour de la culture anglaise, ainsi que d »inculquer un sentiment de rejet des guerres civiles. En plus de constituer un divertissement, les pièces historiques réaffirment et justifient le pouvoir de la monarchie auprès de ceux qui pourraient mettre en doute sa légitimité. Dans les pièces de Shakespeare, le roi, comme dans celles de Lope de Vega, est le représentant de l »ordre cosmique sur terre. C »est ce que les chercheurs de la stature de Greenblatt analyseront plus tard, en se concentrant sur le discours dominant et la capacité du théâtre élisabéthain à affirmer l »autorité royale, à maintenir l »ordre et à décourager la subversion.

Étant donné la dépendance des compagnies théâtrales à l »égard de leurs mécènes aristocrates (et, dans le cas de The King »s Men, à l »égard de l »autorité royale), il est logique que des pièces soient écrites et jouées mettant en scène des personnages historiques appartenant à la noblesse et importants dans l »histoire de l »Angleterre. C »est le cas d »Henri V, vainqueur à la bataille d »Agincourt des troupes françaises, l »éternel rival de l »Angleterre. En reprenant des faits historiques importants, en ignorant les défaites et en exagérant l »héroïsme de la victoire, qui était attribuée au monarque régnant, ces ouvrages ont réussi à accroître la dévotion populaire envers la couronne.

Aux débuts du théâtre shakespearien, il s »agissait de légitimer l »autorité de la dynastie des Tudor, intronisée en 1485, précisément après le renversement de Richard III, l »un des personnages les plus abominables du théâtre shakespearien. L »accession au trône des Tudor avait suscité quelques réticences, tant en raison de leur origine galloise que de la nature problématique de leurs prétentions au trône (apparemment, Henri VII, le premier monarque de la dynastie, fondait ses droits sur sa descendance de la princesse française Catherine, veuve d »Henri V, qui s »était remariée quelques années plus tard à Owen Tudor, un noble gallois peu influent sur la monarchie nationale).

Cependant, certains critiques pensent que les pièces historiques de Shakespeare contiennent des critiques voilées de la monarchie, déguisées pour éviter d »éventuels problèmes avec la loi.

Les récits chevaleresques écrits en prose ou en vers étaient un genre courant d »heroic fantasy en Europe du Moyen Âge à la Renaissance ; les livres chevaleresques en anglais, français, espagnol, italien et allemand pouvaient également contenir des mythes arthuriens et des légendes celtiques et anglo-saxonnes ; la magie et la fantaisie étaient également impliquées, et la nostalgie de la mythologie pré-chrétienne perdue des fées et autres superstitions était également perceptible. Ce récit légendaire, dont la dernière expression et le chef-d »œuvre est peut-être La Mort d »Arthur de Sir Thomas Malory, était déjà devenu alternatif et populaire, identifié à la langue vernaculaire par opposition à un récit chrétien plus moralisateur, lié à la sphère ecclésiastique, destiné à un public plus select et en latin. Pour définir ce type de contenu populaire, le terme romance ou romanesque a été choisi.

En Grande-Bretagne, à la fin du XVIe et au début du XVIIe siècle, le roman s »est imposé comme un genre fantastique dans lequel, en plus de suivre certaines conventions caractéristiques (chevaliers dotés de pouvoirs spéciaux, magie, sorcellerie, altération de la réalité, séduction du personnage féminin, exploits et aventures audacieuses), on a ajouté le fait de la conquête de l »Amérique : un creuset de races et de cultures barbares qui a servi d »inspiration à de nombreux voyageurs et dramaturges. Chez William Shakespeare, la pièce qui réunit toutes les conventions susmentionnées et les façonne en une production théâtrale aussi intéressante qu »irréelle est La Tempête, considérée comme le testament dramatique de Shakespeare car il s »agit probablement de sa dernière pièce.

Elle a été représentée pour la première fois en 1611 et a fait l »objet d »une seconde mise en scène vers février 1613 à l »occasion du mariage d »Elizabeth Stuart, fille du roi Jacques Ier, avec le prince Frédéric de Heidelberg. La pièce présente de nombreux parallèles avec les figures les plus marquantes de l »époque jacobine : le masque nuptial que Prospero crée pour le plaisir de Miranda et Ferdinand correspond aux figures divines de Cérès et Junon, promettant un avenir heureux si l »heureux couple promet de garder la chasteté jusqu »après le mariage. Cela aurait pu convenir au monarque, qui était aussi bien connu pour la rigueur de ses mœurs traditionnelles que pour son intérêt morbide pour la magie et la sorcellerie, qui figurent également en bonne place dans la pièce. En effet, ces pratiques ont conduit à l »immolation par le feu de femmes entre le XVIe et le XVIIIe siècle, et Jacques Ier a sans hésiter condamné à mort toute personne soupçonnée de pratiquer ces cérémonies. Le thème de La Tempête ne pouvait donc se manifester que par un monarque – Prospero – désireux de mettre fin à la malédiction d »une vieille sorcière, qui menaçait de s »immiscer dans l »ordre social de l »île. Le monde magique de cette période réapparaît cependant dans d »autres comédies romanesques et fantastiques de la dernière période de Shakespeare, telles que :

La Tempête est considérée comme le testament dramatique de Shakespeare. Apparemment inspiré d »une des Nuits d »hiver d »Antonio de Eslava, le prince Prospero, naufragé sur une île, semi-humain et semi-divin en raison de ses pouvoirs magiques, finit par briser sa baguette en réfléchissant à son pouvoir limité, et il est presque impossible de ne pas mettre ses mots dans la bouche même de Shakespeare :

Certaines des pièces que Shakespeare a écrites avec John Fletcher ont été perdues, par exemple Cardenio, inspiré d »un épisode du Don Quichotte de Miguel de Cervantes, ou Les Deux Nobles Chevaliers (comme cette dernière pièce n »a pas été incluse dans le Premier Folio, de nombreux lecteurs remettent en question la paternité du dramaturge). D »autre part, et compte tenu des vicissitudes de nombreuses productions de Shakespeare, certains soutiennent que la moitié d »entre elles correspondraient au profil et au style de Fletcher.

Shakespeare possédait, comme tous les grands poètes, un grand pouvoir de synthèse ; il écrivait avec toute la langue et possédait un lexique nuancé et étendu. Il était attentif à la stylisation rhétorique de ses vers blancs, souvent quelque peu ancrés dans la tradition conceptualiste baroque de l »euphuisme, ce qui explique qu »ils soient aujourd »hui assez difficiles à comprendre et à déchiffrer, même pour les Anglais eux-mêmes ; il évitait sciemment les symétries rhétoriques, les oppositions de termes trop évidentes ; la langue était alors protéiforme et le sens des mots n »était pas encore clairement fixé par les répertoires lexicaux. Si son langage surchargé est et a été (et l »était même lorsque Voltaire attaquait dans ses Lettres anglaises la bouffonnerie anti-classique de son style) un obstacle à l »appréciation de l »œuvre de l »auteur, il est également vrai qu »il est la base sur laquelle l »œuvre de l »auteur peut être appréciée, il est également vrai que c »est le fondement sur lequel reposent sa renommée et son prestige en tant que polisseur de métaphores et inventeur de néologismes comparables à ceux d »autres dramaturges et poètes renommés de son époque, tels que les Espagnols Miguel de Cervantes, Lope de Vega, Francisco de Quevedo, Luis de Góngora et Calderón de la Barca.

De manière générale, les critiques ont mis l »accent sur deux aspects principaux de l »œuvre dramatique de William Shakespeare.

Tout d »abord, une indifférence et un détachement presque inhumains de l »auteur par rapport à la réalité de ses personnages, qu »il partage également avec la plus grande introspection et profondeur dans la création de sa psychologie. Shakespeare ne moralise pas, ne prêche pas, ne propose pas de foi, de croyance, d »éthique ou de solution aux problèmes humains : il soulève, et le fait mieux que quiconque, certaines des angoisses fondamentales de la condition humaine (être ou ne pas être, ingratitude, filialité (Roi Lear) ou non, ambition vide), mais il ne donne jamais de réponses : Nous ne savons pas ce que pensait Shakespeare, pour qui le spectacle du monde est sans importance, même si sa vision sous-jacente est pessimiste et sombre face à la position misérable et minimale occupée par un homme fait de la même matière que les rêves dans un univers mystérieux, profond, incompréhensible et sans signification. Alors que le théâtre baroque espagnol privilégie le divin sur l »humain, Shakespeare partage tout autant son émerveillement (ou, plus exactement, son émerveillement) devant le céleste et le terrestre :

Il y a plus de choses dans le ciel et sur la terre, Horatio, que tout ce dont votre philosophie peut rêver.

Parce que Shakespeare est ouvert à tout, il ne s »impose aucune limite religieuse, éthique ou philosophique ; il fait dire à Jules César que « de toutes les merveilles que j »ai entendues, la plus étrange me semble être que les hommes doivent avoir peur » et que de toute façon on ne peut avoir peur que « de la peur des autres ».

Les critiques ont parfois souligné le fil constant de misanthropie dans son œuvre et, d »autre part, seul un détachement cosmique de tout ce qui est divin et humain est capable d »inventer des phrases comme celle-ci :

La vie est une histoire racontée par un idiot, une histoire pleine de rugissement et de fureur, qui ne signifie rien.

Ou :

La nature droite dira, « C »était un homme…. Quand est-ce qu »il y en aura un autre ?

Deuxièmement, les critiques ont souligné l »extraordinaire pouvoir de synthèse du « Cygne d »Avon » en tant que lyrique ; sa fantaisie est capable de voir un univers en un clin d »œil ; en tant que créateur de personnages, chacun d »entre eux représente une vision du monde en soi, raison pour laquelle il a été appelé le poète du poète. Richard III, Hamlet, Othello, Brutus, Macbeth, Lady Macbeth, Falstaff… sont des créations authentiques. Cependant, et pour cette raison même, il a également été critiqué : les personnages de ses pièces semblent autistes, ils ne savent pas s »écouter et restent fermés dans leur monde à toute compréhension profonde de l »autre. Quelle sympathie y a-t-il entre Hamlet et sa pauvre petite amie torturée, Ophélie ? Marc-Antoine et Cléopâtre, qui, bien qu »amoureux, se méfient pathologiquement l »un de l »autre, se sont-ils jamais « écoutés » ? Le critique Harold Bloom a souligné qu »il s »agissait là de l »une des différences les plus notables et les plus sensibles entre Shakespeare et Cervantès. Chez ce dernier, il existe une empathie, une amitié et un lien humain entre ses personnages, de sorte qu »ils apprennent les uns des autres et évoluent, alors que les personnages tragiques autistes de Shakespeare sont incapables de se comprendre et de réaliser ce rapprochement humain.

L »étude de Shakespeare a été abordée sous de nombreux angles différents. Dans un premier temps, l »historicisme a analysé son œuvre d »un point de vue historique et extérieur, en concentrant son attention sur l »extra-littéraire. En réaction, le néocriticisme était plus enclin à analyser l »œuvre elle-même, en faisant abstraction de tout élément extra-littéraire. Le principal représentant de cette école de critique est Stephen Greenblatt.

Ces dernières années, les études de Shakespeare d »un point de vue féministe, sévèrement critiquées par des auteurs tels que Bloom, ont gagné du terrain dans les cercles académiques.

La poésie de Shakespeare

En plus d »être un dramaturge d »une importance incontestable, Shakespeare était également un poète et un sonneur, et l »on pense généralement qu »il s »estimait davantage comme un parolier que comme un dramaturge et qu »à ce titre, il espérait survivre à son époque. Bien qu »il ait surtout écrit de longs poèmes narratifs et mythologiques, on se souvient surtout de lui comme d »un auteur exceptionnel de sonnets purement lyriques.

La première mention de ces derniers figure dans le Palladis Tamia (Wit »s Treasury) (Londres, 1598) du bachelier en arts de Cambridge Francis Meres, qui fait l »éloge de Shakespeare pour ses « sonnets en sucre » ; cette mention montre que des copies manuscrites de ces derniers circulaient parmi ses amis proches à cette époque :

De même que l »âme d »Euphorbe se considérait comme vivant dans Pythagore, de même l »âme spirituelle et douce d »Ovide vit dans la langue mélodieuse et douce de Shakespeare. Témoin, sa Vénus et Adonis, sa Lucrèce, ses Sonnets du sucre, connus de ses amis intimes. Et comme Plaute et Sénèque sont considérés comme les meilleurs pour la comédie et la tragédie chez les Latins, Shakespeare, chez les Anglais, est le plus excellent dans les deux genres. En ce qui concerne la comédie, citons Les Deux Gentilshommes de Vérone, Equivocations, Peines d »amour perdues, Peines d »amour gagnées, Songe d »une nuit d »été et Marchand de Venise. Pour la tragédie, il s »agit de Richard II, Richard III, Henry IV, King John, Titus Andronicus et Romeo and Juliet. Et comme Epio Stolo disait que les Muses parleraient dans la langue de Plaute si elles voulaient parler latin, je dis que les Muses parleraient dans la belle phrase de Shakespeare si elles voulaient parler anglais.

Peu de temps après, en 1599, certains de ses sonnets, 138 et 144, plus trois inclus dans sa comédie Peines d »Amour Perdues, ont été imprimés (avec de nombreuses variations dans les éditions ultérieures) dans un recueil de poèmes lyriques intitulé Le Pèlerin Passionné, un mélange de divers auteurs faussement attribué dans son intégralité au Cygne d »Avon et qui inclut parmi ses autres sonnets huit autres qui lui ont été attribués à juste titre pour des raisons de style et de contenu. Ce n »est qu »en 1609 qu »une mystérieuse édition complète parut, probablement sans la permission de l »auteur, chez un certain T. T. (Thomas Thorpe, un éditeur ami des écrivains et écrivain lui-même). La dédicace est adressée à un certain M. W. H.

Il n »y a aucun moyen d »établir avec certitude l »identité de ces initiales, et diverses théories ont été avancées quant au personnage qui se cache derrière ; la plus probable est qu »il s »agissait d »un des mécènes réguliers du poète, et la grande majorité des critiques sont enclins à penser que les initiales sont inversées et qu »il s »agit de Henry Wriothesley (1573), comte de Southampton, puisque Shakespeare lui avait déjà exprimé publiquement sa reconnaissance en lui dédicaçant d »autres poèmes : Venus and Adonis et The Rape of Lucrece. Mais un autre candidat possible est William Herbert, comte de Pembroke et fils de Mary Herbert, sœur de Sir Philip Sidney, le célèbre poète qui a composé L »Arcadie ; en faveur de ce dernier, on dit aussi qu »il avait une dévotion intense pour le théâtre et qu »il était le patron des King »s Men, la compagnie théâtrale de Shakespeare. Tous deux étaient de beaux nobles dévoués au patronage de l »art et des lettres, et considérablement plus jeunes que le poète, ce qui est une condition pour tout véritable destinataire de poèmes.

L »ordre établi par l »édition de Thorpe a consacré une structure particulière, très différente de l »habituel recueil de chants pétrarquiens italiens ; en effet, il n »y a pas de compositions dans d »autres mètres pour rompre la monotonie, le mètre est très différent de celui du sonnet classique (il se compose de trois serventes et d »un couplet, le soi-disant sonnet shakespearien) et il est consacré en grande partie à l »amitié (ou à l »amour) d »un homme, qu »il interpelle fréquemment pour créer sa propre image et ressemblance :

Créez un autre vous, par affection pour moi, afin que la beauté survive pour vous ou les vôtres.

Il est ainsi installé dans une tradition totalement renouvelée et originale, et le poète lui-même en était ironiquement conscient :

Pourquoi mes vers sont-ils si dépourvus de formes nouvelles, si rebelles à toute variation ou à tout changement vif ? Pourquoi, avec l »époque, ne suis-je pas enclin à des méthodes nouvellement découvertes et à des habillages étranges ? Pourquoi écris-je toujours une seule chose, toujours la même, et enveloppe-je mes inventions dans un vêtement familier, alors que chaque mot proclame presque mon nom, révèle sa naissance et indique sa source ? Oh, sache, mon doux amour, que j »écris toujours sur toi, et que toi et l »amour sont mon thème éternel ; de sorte que tout mon talent consiste à envelopper le nouveau dans des mots anciens et à réutiliser ce que j »ai déjà utilisé. Car comme le soleil est chaque jour nouveau et ancien, mon amour répète toujours ce qui a déjà été dit.

Il peut être divisé en deux séries successives de sonnets : l »une de 126, qui célèbre une amie de haute naissance, blonde et belle, mécène du poète, à qui il propose de quitter la solitude, le narcissisme et les plaisirs et d »engendrer des héritiers, et les 28 derniers, qui concernent une femme brune, qui était mariée, comme on peut le déduire d »une allusion dans le sonnet 152, et était probablement une femme instruite, puisqu »elle pouvait jouer de l »épinette ou du clavecin. Deux des sonnets sont considérés séparément, car ils sont des versions d »une même épigramme de l »Anthologie grecque.

D »autre part, un poète rival apparaît aussi occasionnellement dans le trio de Shakespeare, de l »énigmatique destinataire et de la dame sombre, un fait qui complique encore l »histoire d »un amour qui, dans le langage de l »époque, pourrait aussi être compris comme une amitié ou comme ce type particulier de dilemme qui s »établit entre un poète et son mécène. Les experts (William Minto, suivi plus tard par Edward Dowden, Tylor et Frederick Furnivall) soutiennent pour la plupart que ce poète était l »helléniste George Chapman, puisqu »il est identifié comme l »auteur d »alexandrins, vers qui étaient alors assez rares dans la métrique anglaise et qui n »ont été utilisés à cette époque que par cet auteur.

Les thèmes des Sonnets sont l »amour et le temps, qui sont en quelque sorte opposés l »un à l »autre ; dans ces derniers, le thème de la fugacité est exploré en profondeur, atteignant parfois la métaphysique. Chaque sonnet contient également un mouvement dramatique ; on peut aussi apprécier, avant tout, la valeur morale et spirituelle du message et la philosophie qu »il nous laisse : profiter du peu de temps que la vie nous offre pour s »y donner pleinement. Claudio Guillén souligne également que « Shakespeare ose dire des choses nouvelles, complètement nouvelles, comme la non-différence entre l »amitié et l »amour, et aussi la non-différence essentielle entre l »amour de la femme et l »amour de l »homme ».

La chronologie des sonnets est difficile à établir, mais on suppose qu »ils ont été composés entre 1592 et 1597.

Chaque époque historique a donné la priorité à certaines pièces en fonction des préoccupations et des intérêts dominants. Le concept de « justice poétique » qui prévalait au XVIIIe siècle a conduit au rejet de nombreuses tragédies de Shakespeare, puisque, selon ses critères, le théâtre devait promouvoir des exemples de vertu. Le critique anglais Samuel Johnson (1709-1784) n »acceptait pas la fin du Roi Lear, qu »il jugeait cruelle et inutile, et la version de 1681 de Nahum Tate a remplacé celle de Shakespeare jusqu »au milieu du XIXe siècle, étonnant le public de lecteurs par son grand succès : elle présente une fin heureuse dans laquelle Cordélia et Lear parviennent à triompher des obstacles, et le protagoniste épouse Edgardo, l »héritier légitime du comte de Gloucester.

En 1731, le célèbre acteur David Garrick (1717-1779) apparaît pour la première fois dans le rôle du bossu Richard III sur la scène d »un théâtre des bas-fonds de Londres et remporte un succès retentissant. Lorsqu »il prend la direction de l »élégant théâtre de Drury Lane, son éblouissante prestation déclenche une véritable « Shakespeare-mania », qui atteint son apogée lorsque Garrick organise lui-même le premier jubilé en l »honneur du poète à Stratford (1769), un événement qui suscite un tel enthousiasme que même l »Irlande exhume sous sa bannière de faux documents littéraires attribués à Shakespeare. En 1772, Garrick a modifié une grande partie d »Hamlet en supprimant la scène des fossoyeurs et en exemptant Laertes de toute responsabilité pour le poison contenu dans son épée. De plus, la reine Gertrude parvient à survivre pour mener une vie de repentance, ce qui n »est pas le cas dans l »original. Dans le même temps, la renommée du dramaturge s »étend à toute l »Europe ; Voltaire le fait connaître dans ses Lettres d »Angleterre, et Jean-François Ducis l »introduit sur la scène parisienne en jouant pour la première fois son adaptation d »Hamlet. (La même année, Gotthold Ephraim Lessing publie en Allemagne sa Hamburgische Dramaturgie, un recueil d »études théâtrales critiques dans lequel il prône la répudiation de la tragédie française classique et la nouvelle élévation de Shakespeare, comme le fera Johann Gottfried Herder en 1771 dans ses Blättern von Deutscher Art und Kunst. Comme Garrick en Angleterre, Friedrich Ludwig Schröder, acteur et directeur de théâtre, a contribué avec sa première représentation d »Hamlet en Allemagne (1777) à faire vivre Shakespeare sur la scène allemande. Goethe a joué des pièces de Shakespeare et de Calderón à Weimar lorsqu »il a été chargé de diriger le théâtre de la principauté, et lui-même et Friedrich von Schiller ont ressenti l »influence du génie anglais dans leurs propres pièces. En Espagne, Ramón de la Cruz a traduit le Hamlet en 1772 et Leandro Fernández de Moratín en 1798.

La renaissance de Shakespeare (ainsi que celle de Pedro Calderón de la Barca) a été un événement décisif dans l »histoire du théâtre européen, car elle a favorisé l »arrivée du préromantisme et a en même temps rendu possible l »émergence du drame national allemand et, plus tard, du drame romantique français de Victor Hugo.

En 1807, Thomas Bowdler publie Family Shakespeare, une version modifiée pour la rendre, selon lui, plus adaptée aux femmes et aux enfants, afin qu »elle n »offense pas « l »esprit vertueux et religieux ». Cette adaptation a donné naissance au mot anglais bowdlerize, qui désigne la censure puritaine.

À l »époque victorienne, les spectacles étaient généralement caractérisés par une tentative archéologique de reconstitution d »une époque, et les metteurs en scène et les acteurs étaient obsédés par le réalisme historique selon la méthodologie documentaire du positivisme. L »avant-garde artistique touche également le dramaturge : Gordon Craig tente un Hamlet cubiste en 1911. Sa conception iconoclaste de la scène a ouvert la voie à diverses révisions esthétiques des pièces de Shakespeare au XXe siècle. En 1936, Orson Welles a monté un Macbeth innovant à Harlem, transposant non seulement l »époque de la pièce mais employant également des acteurs afro-américains. Le long métrage Henry V de Laurence Olivier, tourné en l »honneur des combattants de la Seconde Guerre mondiale, a vu certains passages mis en avant pour encourager le patriotisme britannique, le plus significatif étant la harangue du monarque à ses troupes avant la bataille d »Agincourt contre les troupes françaises. Il en va de même pour d »innombrables adaptations théâtrales et cinématographiques à ce jour.

Ainsi, l »adaptation, l »interprétation et la déformation de l »œuvre de Shakespeare ont été pendant longtemps le produit d »intérêts moraux, politiques et esthétiques spécifiques, et ils ont occulté la sombre conception de la vie que Shakespeare offre véritablement.

En termes d »influence sur d »autres cultures, et sur la culture hispanique en particulier, Shakespeare a toujours été une riche source d »inspiration pour les écrivains modernes et contemporains, mais il ne s »est vraiment imposé qu »au XIXe siècle. En Amérique espagnole, des écrivains comme Rubén Darío et surtout l »essayiste José Enrique Rodó ont lu La Tempête avec un intérêt particulier. Rodó, par exemple, a articulé dans son célèbre essai Ariel (1900) toute une interprétation de l »Amérique basée sur les mythes de deux de ses principaux personnages, Ariel et Caliban.

Mais son couronnement en tant qu »auteur de la littérature universelle a dû attendre en Espagne jusqu »à la fin du XVIIIe siècle, lorsque Voltaire a suscité parmi les Lumières espagnoles une certaine curiosité pour l »auteur anglais à travers ce qu »il a dit de lui dans ses Lettres anglaises ; Ramón de la Cruz a traduit l »Hamlet en 1772 à partir de la réduction française de Jean-François Ducis (1733-1816), qui avait adapté les traductions françaises des tragédies de Shakespeare en vers sans connaître l »anglais selon les goûts du néoclassicisme et en éliminant la fin violente, entre autres retouches. Cette traduction n »a toutefois jamais été publiée. Leandro Fernández de Moratín, par contre, a imprimé le sien, également à partir de la mauvaise version française de Ducis, ajoutant d »autres déficiences à celles de son modèle (Madrid : Villalpando, 1798).

Il y a eu d »autres versions d »œuvres individuelles (Macbé ou Los Remordimientos, 1818, de Manuel García, également d »après la version française de Ducis), mais ce n »est que dans la seconde moitié du XIXe siècle qu »un effort global de traduction de l »ensemble de l »œuvre de l »auteur a été entrepris, sans doute stimulé par le prestige que l »auteur avait acquis grâce aux éloges sans réserve que lui avait prodigués le romantisme allemand.

1872 est une année fondamentale dans la réception espagnole de Shakespeare. Les premières traductions directes de l »anglais ont été publiées : Obras de William Shakspeare trad. fielmente del… inglés con presencia de las primeras ediciones y de los textos d á luz por los más célebres comentadores del inmortal poeta, Madrid, 1872-1877 (Imp. Manuel Minuesa, R. Berenguuillo). La traduction est de Matías de Velasco y Rojas, marquis de Dos Hermanas, mais elle ne dépassa pas trois volumes ; le deuxième et le troisième furent imprimés en 1872, le premier avec ses poèmes et sonnets, le deuxième avec Le Marchand de Venise et le troisième avec Juliette et Roméo.

Entre 1872 et 1876, Jaime Clark traduit Roméo et Juliette, Hamlet, Othello, Le Roi Lear, Le Marchand de Venise, Comme il vous plaira, Twelfth Night et La Tempête. En 1873, le Gibraltarien William Mcpherson commence à imprimer sa traduction de 23 pièces en hendécasyllabique blanc, avec d »importants prologues.

En revanche, de 1872 à 1912, les représentations de ses pièces sont fréquentes à Madrid ; Shakespeare apparaît même comme un personnage dans Un drama nuevo de Manuel Tamayo y Baus, bien qu »il soit déjà apparu en tant que tel dans le drame Guillermo Shakespeare d »Enrique Zumel (Grenade : José María Zamora, 1853). De même, les critiques espagnols entreprennent pour la première fois une étude approfondie de Shakespeare ; les premiers sont Guillermo Macpherson et son ami Eduardo Benot (1885) et surtout Eduardo Juliá Martínez (1918), qui profite de la date du centenaire pour populariser la figure de Shakespeare avec une sorte de biographie inédite qui, sous le titre Shakespeare y su tiempo : historia y fantasía (1916), vise à exposer » des vérités parmi les apparences du divertissement » (p. xii). L »ouvrage est bien documenté, comme en témoignent les nombreuses annotations et les appendices finaux. Juliá a ensuite écrit son intéressant Shakespeare en Espagne (1918), qui a servi de base à l »ouvrage du même nom d »Alfonso Par. Entre autres pièces, il a traduit le Roi Lear en catalan et en espagnol. En 1916, coïncidant avec le troisième centenaire de la mort du dramaturge, il écrit en catalan Vida de Guillem Shakespeare, qui paraît en espagnol en 1930, et la même année Contribución a la bibliografía española de Shakespeare ; son dévouement sera couronné par deux ouvrages colossaux, l »un publié en 1935, Shakespeare en la literatura española, en deux volumes, et l »autre l »année suivante, le posthume Representaciones shakespearianas en España, également en deux volumes. Il convient également de mentionner un autre spécialiste espagnol de Shakespeare, Ricardo Ruppert y Ujaravi (1920), l »écrivain réaliste Juan Valera et des membres de la Génération 98 tels que Miguel de Unamuno et Valle-Inclán, qui ont consacré quelques essais au Cygne de l »Avon.

Parmi les traductions, les œuvres complètes en huit volumes du susdit William Macpherson (1885-1900), avec leurs introductions correspondantes, se distinguent. Les Complete Works of Shakespeare de Rafael Martínez Lafuente occupent également une place privilégiée, bien qu »il s »agisse très probablement de retraductions du français, puisqu »elles incluent dans leur prologue des fragments des essais de Victor Hugo sur la vie et l »œuvre du dramaturge qui ont précédé une traduction française. L »ensemble de l »œuvre, et même les titres attribués, sont repris dans la version en prose de Luis Astrana Marín, publiée entre 1920 et 1930, qui a été largement lue par Federico García Lorca ; Astrana a également composé une biographie qu »il a rééditée sous une forme augmentée et a réalisé une étude globale de son œuvre qu »il a utilisée comme introduction à son édition monumentale. Il convient également de mentionner les traductions et adaptations réalisées par les symbolistes Antonio Ferrer et Robert (Noche de Epifanía (Roméo et Juliette (1918) et Hamlet (1918) de Gregorio Martínez Sierra. Un nombre considérable d »études et de traductions utilisées et accumulées par William Macpherson et Rafael Martínez Lafuente se trouvent également à la Biblioteca del Ateneo de Madrid.

Parmi les traductions modernes, outre la célèbre traduction en prose de Luis Astrana Marín, déjà mentionnée, il convient de citer les Obras completas de José María Valverde (Barcelone : Planeta, 1967), également en prose, et les éditions bilingues avec version espagnole en vers blancs réalisées par l »Institut Shakespeare de Valence, entièrement consacré à cette entreprise depuis 1980 sous la direction de Manuel Ángel Conejero et Jenaro Talens. On notera également les versions de certaines des pièces du plus important dramaturge tragique espagnol de la seconde moitié du XXe siècle, Antonio Buero Vallejo. Ángel Luis Pujante a également entrepris une nouvelle traduction de ses œuvres complètes pour Editorial Espasa-Calpe depuis 1986.

Enfin, à l »université de Murcie, une base de données a été créée en ligne avec les textes de toutes les traductions en espagnol des textes historiques de Shakespeare, cinq biographies de l »auteur, des matériaux complémentaires et la bibliographie compilée par Ángel-Luis Pujante et Juan F. Cerdá Shakespeare en Espagne. Bibliographie annotée bilingue

Parmi les versions cinématographiques de la biographie de Shakespeare, citons Shakespeare in Love (1998), réalisé par John Madden, Miguel et William, 2007, du réalisateur et scénariste Inés París sur Miguel de Cervantes et Shakespeare, et Anonymous (2011), réalisé par Roland Emmerich, qui pose une réponse possible sur la paternité de ses œuvres dans le contexte d »un complot politique.

Quelque 250 films ont été produits à partir des textes de Shakespeare, ce qui démontre l »énorme influence de l »œuvre de Shakespeare. La pièce la plus fréquemment filmée est Hamlet, avec 61 adaptations cinématographiques et 21 séries télévisées entre 1907 et 2000.Voici quelques films basés sur les pièces de Shakespeare :

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Débuts

Londres et son passage par le théâtre

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Contexte : le théâtre élisabéthain

Le théâtre de Shakespeare

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