Alexander Archipenko
gigatos | január 20, 2022
Összegzés
Alexander Porfyrovych Archipenko ukrán származású amerikai szobrász volt, aki 1887. május 30-án született Kijevben és 1964. február 25-én halt meg New Yorkban.
A mérnök fiaként Alekszandr Arcsipenko matematikát is tanult. A művészt lenyűgözte a művészet és a tudomány kapcsolata. 1902 és 1906 között Kijevben és Moszkvában képezte magát festészet és szobrászat terén. Ebben az időszakban a kijevi bizánci ikonok, freskók és mozaikok lenyűgözték. Moszkvai tartózkodása után 1908-ban Párizsba költözött, ahol kapcsolatba került az avantgárd mozgalmakkal, különösen a kubista csoporttal. A La Ruche, passage de Dantzig 2. szám alatt telepedett le, az 1889-es világkiállítás egykori borpavilonjában, amelyet művészi műtermekké alakítottak át. Egyedül dolgozott, és inkább a Louvre-ba ment, hogy az archaikus görög szobrászatot tanulmányozza, mint a Beaux-Arts-ba, ahol megvetette az akadémiai oktatást. A művész már a kijevi művészeti iskolában szemrehányást tett tanárainak, akik végül kirúgták. Rodin hatására egészen az 1906-ban Moszkvában bemutatott műveiig, 24 évesen a párizsi avantgárd szobrászat egyik vezetőjeként érvényesült.
1910-ben kiállított a párizsi Salon des indépendants kiállításon. 1911. április 21-én, pénteken, a 27. Szalonban Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, André Lhote, Joseph Csaky és Archipenko művei a Fauve-kiállítás által kiváltott kritikákhoz hasonlóan gyújtó hangú kritikát kaptak. A „mesterkockáknak” tekintett kiállítás még Guillaume Apollinaire-t is megdöbbentette. A kubizmus elhajlása, karikatúrája, sőt akadémiaellenessége miatt is szemrehányást tettek nekik. Sajnálatos volt Picasso és Braque (akik kizárólag Daniel-Henry Kahnweiler galériájában állítottak ki) hiánya ezen a kiállításon.
Első önálló kiállítására 1912-ben került sor Németországban, a Folkwang Hagen Múzeumban. Még abban az évben művészeti iskolát nyitott Párizsban, és csatlakozott a Section d’Or-hoz, ahol elkészítette első domborműveit: a szobrászfestményeket. 1912 októberében a Galerie de la Boétie-ban rendezték meg a Section d’Or csoport első kiállítását, amelyen Léger, Gleizes, Metzinger, Gris, Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Villon, Lhote, La Fresnaye, Marcoussis és Archipenko vett részt. Harmincegy művész kétszáz festménye Picasso jelenléte nélkül. A kiállítás didaktikus jellegű: a kubizmus négy évvel születése után elméleti szakaszba lépett. A Section d’Or csoport kiállítása kemény kritikát váltott ki e forradalmi művekkel szemben: Apollinaire a L’Intransigeant hasábjain vagy a katalógusok előszavaiban védelmezte őket.
1913-ban négy művét mutatták be a New York-i Armory Show-n. Elkészítette első metszeteit, amelyek 1914-ben a Lacerba című olasz futurista kiadványban jelentek meg. Részt vett az 1914-es Salon des Indépendants-on és az 1920-as Velencei Biennálén. A háborús évek alatt a művész a Nizza melletti Cimiezben élt. 1919 és 1921 között Genfben, Zürichben, Párizsban, Londonban, Brüsszelben, Athénban és más európai városokban állított ki. Első önálló kiállítására az Egyesült Államokban 1921-ben került sor New Yorkban, a Société Anonyme-ban. 1923-ban Berlinből az Egyesült Államokba távozott, ahol az évek során több művészeti iskolát nyitott New Yorkban, Woodstockban, Los Angelesben és Chicagóban. A következő harminc évben az Egyesült Államokban tanított művészeti iskolákban és egyetemeken, még a rövid életű New Bauhausban is. 1928-ban amerikai állampolgár lett.
1933-ban a Century of Progress világkiállítás keretében a chicagói Ukrán Pavilonban állított ki. 1937 és 1939 között a chicagói New Bauhaus School of Industrial Arts társult oktatója volt. A művész német múzeumokban található műveinek többségét a nácik elkobozták azzal a szándékkal, hogy megtisztítsák az elfajzott művészetet. 1947-ben belülről megvilágított szobrokat készített. Munkáiból 1955-ben és 1956-ban vándorkiállítást kísért végig Németországban. Elkezdte írni Archipenko: 50 év alkotás 1908-1958 című könyvét, amely 1960-ban jelent meg. A könyv ötven művészettörténész hozzászólását és Archipenko szövegeit tartalmazza a művészi alkotásról. 1962-ben beválasztották az Amerikai Művészeti és Irodalmi Akadémia tagjai közé.
Archipenko számára „nehéz egy művész munkásságát korszakokba sorolni”. Hozzáteszi: „Soha nem tartoztam iskolákhoz: kiutasítottak az iskolákból. Kutattam, feltaláltam és kísérleteztem, aztán utánoztak… Minden művész számára a művészet egy kreatív felfelé ívelő áramlás az igazság egyéni felfedezése felé a természet formáiban, és a korszakok csak a kritikusok fejében létező dobozok.
A szobrászat által felvetett probléma Archipenko szerint a térfogat és a tömegek egymáshoz való kapcsolódása. Ebben még szélsőségesebb, mint az olyan modern szobrászok, mint Brancusi vagy Duchamp-Villon, akik hozzá hasonlóan az Aranymetszet csoport tagjai. Fő kérdése az üresség, amely a hiányzó tárgy erejével bír, és így térfogatot teremt. Szobrászatának alapelvei az egyszerűsítés és a térfogatok egyértelműsége a figurális aspektus megtartása mellett. Nagy matematikai szigorral jellemezhető művészete a női testnek hagy túlnyomó helyet. Gyermekkorában szívesen emlékszik vissza az ősi szlávok kőbálványainak mindenhatóságára.
Picasso kidolgozta e szobrászati nyelvtan első szabályait: a polikrómia, a legkülönfélébb anyagok integrálása, a síkok ritmikus használata és a nyitott formák megjelenése. A festészethez hasonlóan a kubista szobrászat is elsősorban a tárgyak és a tér viszonyával foglalkozik, azokkal a térfogatokkal és ürességekkel, amelyek elválasztják őket egymástól, vagy amelyekbe beillesztik őket. Az olasz futurizmus hatása, különösen Boccioni révén, akivel Archipenko 1912-ben találkozott, dinamikus formák kialakulásához vezetett. Archipenko különösen a homorú és domború formák dialektikáját vizsgálta.
A kubizmus formai leltárából sztereometrikusan leegyszerűsített testtömegekkel, térben felegyenesedett figurákkal, fazettált formákkal, éles szögekkel, kristályos törésekkel alakított ki egyéni stílust, amelyet a manierizmus is inspirált.
Boccioni kivételével egyetlen szobrász sem tette abszolútumként fel a tér elemzését, az évtized központi problémáját. Nincs még egy művész, aki a térfogat és az üresség kölcsönhatását ilyen személyes módon az expresszív és lírai, dinamikus és szoborszerű tartományok felé tolta volna. Elérte a formai szigor és a játékos vonzerő közötti egységet. Egyetlen formában egyesítette a négy megfoghatatlan elemet: a teret, az átláthatóságot, a fényt és a tükröződést, és egy homorú formájú, modern szobrot hozott létre.
A Torzó (1909) az első kubista tendenciákat mutató szobra. Megmutatja, hogyan bontja szét és lyukasztja át a térbe való behatolás érdekében a köteteket.
1909-ben és a következő évben még semmit sem tudott a kubizmusról, és Barlach vagy Köllwitz hajtogatott szobrai inspirálták (Nő és macska 1910-ben vagy Nő macskával 1911-ben). 1911-12-ben kibontakoznak, és dagadó combjaiban és karjaiban kubista hatást, vagy épp ellenkezőleg, etikát érezhetünk (Sétáló nő 1912-ben). 1911-től kezdve aktívan részt vett a kubista mozgalomban. Azok a plasztikai problémák, amelyekkel szobrászata akkoriban foglalkozott, határozottan újak voltak: a teljes térfogat, az üregek és az üreges teljes térfogatok viszonya. A „hiányzó valóságot” akarta szimbolizálni. Az 1912-es Femme qui marche című filmmel először kímélte meg a fejét negatívban. 1912-ben határozta meg kedvenc témáját: a test és a tér egymásba hatolását, a homorú és domború görbék kialakítását, hogy a szobrászati forma valamilyen módon érzékelhetővé váljon a mátrixán keresztül. Kidolgozta saját elméletét a komplementer formákról: minden üresség létrehozza képzeletbeli ellentétét.
Az 1912-ben készült Medrano című művével hozta létre első, különböző festett anyagokból (üveg, fa és fém) készült asszamblázsát. Folyamatos művészi kutatásai során új alkotási módszereket fejlesztett ki, és kölcsönhatást teremtett a festészet és a szobrászat között. A Medrano I Le Jongleur 1912-ben fából, üvegből és fémhuzalból, üveg, fémfólia, drót, hengeres kúpok és polikróm festékkel energetizált korongok felhasználásával faharlekinekre emlékeztető, csuklós babákat készített. A forma felszabadításával Archipenko szakított a hagyományos szobrászattal, és az avantgárd egyik mesterévé vált. Újraélesztette a nyugati szobrászat által a 17. század óta elhanyagolt műfajt, a polikrómiát.
Az 1912-ben készült szobor-festményei festett gipszreliefek. A festészet és a szobrászat között a forma és a szín kölcsönös kapcsolatát tanulmányozta, ahogyan az egyik kiemeli vagy csökkenti a másikat. Ez a két művészet vizuális és spirituális szinten egyesül, vagy ellentétben áll egymással, a céltól függően.
1913-tól 1916-ig a forma uralta a valóságot. Az 1912-ben készült Tánc című művével egy felfelé ívelő, könnyedséggel átitatott belső teret határozott meg egy pár által alkotott arabeszk révén. Ezt a szobrot az üresség köré szervezte. Ebben az ürességről és teljességről szóló művében óvatos volt, hogy ne fejezze be a testeket, amelyek végtagjait akkor állította meg, amikor a plasztika ezt parancsolta neki, az üresség mint érdekelt bevezetésével, mint a Nő 1915-ben, amelynek feje egy rés köré rajzolódik.
1913-ban készített egy drótszobrot, amelyet Apollinaire „en baleine de parapluie”-nak nevezett el. Később a kubizmussal való foglalkozása a konstruktivizmus felé fordul.
Az 1913-ban készült La Boxe című képével a művész a sport brutális energiáját próbálta absztrakt formákba átültetni. A bokszolók éles, egymásba fonódó, hevesen összecsapó formákká redukálódnak, az izmokat ritmikus energia váltja fel.
A Tête constructiviste (1913) síkok összeszereléséből áll. A Gondolier (1914) kissé eltolt szakaszokból áll, hogy a futurista perspektívában a mozgás érzetét keltse, a Csendélet (1915) pedig egyike kevés domborművű festményének.
Amikor az 1920-as évek elején megérkezett az Egyesült Államokba, átvette a hagyományt: a simaság uralkodik, tökéletes és laza. A Femme (1920) című művével azonnal visszatért a szobrászathoz, egy magas fémfigurával egy festett táblán. Hagyományos lett.
1924 és 1928 között fejlesztette ki az Archipenturát. Az 1924-es archipeintura vásznak, amelyeket ügyesen elrejtett motorok hoznak mozgásba: a készülék alján lévő elektromos mechanizmus mozgásba hozza a központi keretet, és a festett töredékek ezrei egymás után jelennek meg a felületen, hogy egy teljes képet alkossanak. Ezt a találmányt New Yorkban valósították meg. Kutatásai mindig is műveinek vizuális animációját célozták, akár úgy, hogy a tömegbe szúrja őket, hogy a tér áthatoljon rajtuk, akár úgy, hogy olyan anyagokat használ, mint az üveg, a fa vagy a fém, sőt, szobrászfestményei esetében a színek hozzáadásával.
Az En Famille (1935) a konstruktivizmus által befolyásolt, koncentrált mű.
A két dimenzióban is akad egy-egy kivételes mű, mint például ez a gouache-alapú női alak, amelynek váltakozó barna és fehér tömegei a test domborzatát hozzák létre (Holdfény 1937-ben).
Az 1940-es és 50-es években folytatta művészi felfedezéseit az anyagok és technikák felhasználásával. A Figure assise esetében például kivágott és meggyújtott műanyagot használt. Kezdeti formáit, amelyek többsége már eltűnt, óriási formátumokban vette fel (Figures d’acier 1951-ben, Cléopâtre 1957-ben). Az 1950-es években rájött, hogy egy ideig tévedett az orientációjában, és nekilátott a kezdetek pasztörizálásának, illetve rekonstruálásának, mivel számos műve nem élte túl az első világháborút.
Az 1950-es évek végétől visszatért kubo-konstruktivista stílusához, erősen geometrikus, jelentős üres tereket megőrző, legtöbbször szimmetrikus alakzatokkal (Kimono 1961-ben vagy Roi Salomon 1963-ban).
Külső hivatkozások
Cikkforrások
