Andy Warhol

gigatos | február 9, 2022

Összegzés

Andy Warhol (1928. augusztus 6. – 1987. február 22.) amerikai képzőművész, filmrendező és producer, a pop art néven ismert képzőművészeti mozgalom egyik vezető alakja. Művei a művészi kifejezés, a reklám és a hatvanas évekre virágzó celebkultúra kapcsolatát vizsgálják, és számos médiumot felölelnek, többek között festészetet, szitanyomatot, fotográfiát, filmet és szobrászatot. Legismertebb művei közé tartoznak a Campbell’s Soup Cans (1962) és a Marilyn Diptych (1962) című szitanyomatok, az Empire (1964) és a Chelsea Girls (1966) című kísérleti filmek, valamint a Exploding Plastic Inevitable (1966-67) néven ismert multimédiás események.

A Pittsburghben született és nevelkedett Warhol kezdetben sikeres karriert futott be kereskedelmi illusztrátorként. Miután az 1950-es évek végén több galériában is kiállította munkáit, befolyásos és ellentmondásos művészként kezdett elismerést kapni. New York-i műterme, a The Factory közismert találkozóhellyé vált, ahol előkelő értelmiségiek, transzvesztiták, drámaírók, bohém utcai emberek, hollywoodi hírességek és gazdag mecénások találkoztak. A Warhol szupersztárok néven ismert személyiségek gyűjteményét támogatta, és neki tulajdonítják a széles körben használt „15 perc hírnév” kifejezés inspirálását. Az 1960-as évek végén menedzselte és producerként működtette a The Velvet Underground nevű kísérleti rockzenekart, és megalapította az Interview magazint. Számos könyv szerzője, köztük az Andy Warhol filozófiája és a Popism: The Warhol Sixties című könyvek. A melegfelszabadító mozgalom előtt nyíltan melegként élt. 1968 júniusában majdnem megölte Valerie Solanas radikális feminista, aki a stúdiójában lelőtte. Az epehólyagműtétet követően Warhol 1987 februárjában, 58 éves korában szívritmuszavarban halt meg New Yorkban.

Warholról számos retrospektív kiállítás, könyv, játék- és dokumentumfilm készült. A szülővárosában, Pittsburghben található Andy Warhol Múzeum, amely kiterjedt állandó műgyűjteményt és archívumokat őriz, az Egyesült Államok legnagyobb, egyetlen művésznek szentelt múzeuma. A The Economist 2009-es cikkében Warhol a „művészeti piac haranglábának” nevezte. Számos alkotása igen gyűjthető és nagy értékű. A legmagasabb ár, amelyet valaha is fizettek Warhol festményéért, 105 millió dollár az 1963-as Silver Car Crash (Double Disaster) című szerigráfiáért. Művei között van néhány a valaha eladott legdrágább festmények közül.

Korai élet és kezdetek (1928-1949)

Warhol 1928. augusztus 6-án született a pennsylvaniai Pittsburghben. Ondrej Warhola (amerikai nevén Andrew Warhola, Sr., 1889-1942) és Julia (szül. Zavacká, 1892-1972) negyedik gyermeke volt, akiknek első gyermeke hazájukban, Ausztria-Magyarországon született, és az Egyesült Államokba költözésük előtt meghalt.

Szülei lemkó munkásosztálybeli emigránsok voltak az osztrák-magyarországi Mikóból (ma Miková, a mai Szlovákia északkeleti részén található). Warhol édesapja 1914-ben vándorolt ki az Egyesült Államokba, édesanyja pedig 1921-ben, Warhol nagyszülei halála után csatlakozott hozzá. Warhol apja egy szénbányában dolgozott. A család a Beelen Street 55-ben, majd később a 3252 Dawson Street-en lakott Pittsburgh Oakland negyedében. A család ruszin katolikus volt, és a Szent János Krizosztom bizánci katolikus templomba jártak. Andy Warholnak két idősebb testvére volt – Pavol (Ján Pittsburghben született. Pavol fia, James Warhola sikeres gyermekkönyv-illusztrátor lett.

Harmadik osztályos korában Warholnak Sydenham-kórja (más néven Szent Vitus-tánc) volt, a végtagok akaratlan mozgását okozó idegrendszeri betegség, amely feltehetően a skarlát szövődménye, ami a bőr pigmentfoltosságát okozó skarlátbetegség szövődménye. Az ágyhoz kötöttség idején rajzolt, rádiót hallgatott, és filmsztárok képeit gyűjtötte az ágya körül. Warhol később úgy jellemezte ezt az időszakot, mint ami nagyon fontos volt személyiségének, készségeinek és preferenciáinak kialakulásában. Amikor Warhol 13 éves volt, édesapja balesetben meghalt.

Warhol tizenévesként 1945-ben érettségizett a Schenley High Schoolban, és tizenévesként elnyerte a Scholastic Art and Writing Awardot is. A középiskola elvégzése után az volt a szándéka, hogy a Pittsburghi Egyetemen művészetpedagógiát tanuljon, abban a reményben, hogy rajztanár lesz, de tervei megváltoztak, és beiratkozott a pittsburghi Carnegie Institute of Technology-ra, a mai Carnegie Mellon Egyetemre, ahol kereskedelmi művészetet tanult. Az ott töltött idő alatt Warhol csatlakozott az egyetemi Modern Tánc Klubhoz és a Beaux Arts Society-hez. A Cano című művészeti diákmagazin művészeti vezetőjeként is dolgozott, 1948-ban egy címlapot, 1949-ben pedig egy egész oldalas belső illusztrációt illusztrált. Úgy vélik, ez volt az első két publikált műve. Warhol 1949-ben képzőművészeti alapdiplomát szerzett képi tervezésből. Még ugyanebben az évben New Yorkba költözött, és magazinillusztrációs és reklámszakmai karrierbe kezdett.

1950s

Warhol korai karrierje a kereskedelmi és reklámművészetnek szólt, ahol első megbízása az volt, hogy cipőket rajzoljon a Glamour magazin számára az 1940-es évek végén. Az 1950-es években Warhol az Israel Miller cipőgyártó cég tervezőjeként dolgozott. Miközben a cipőiparban dolgozott, Warhol kifejlesztette a „foltos vonal” technikáját: tintát vitt fel a papírra, majd a tintát még nedves állapotban letörölte, ami a legkezdetlegesebb mértékben hasonlított a nyomtatáshoz. A pauszpapír és a tinta használata lehetővé tette számára, hogy megismételje az alapképet, és a téma végtelen variációit is létrehozza. John Coplans amerikai fotográfus így emlékezett erre

senki sem rajzolt úgy cipőt, mint Andy. Valahogy minden cipőnek sajátos temperamentumot adott, egyfajta ravasz, Toulouse-Lautrec-féle kifinomultságot, de a forma és a stílus pontosan átjött, és a csat mindig a megfelelő helyen volt. A gyerekek a lakásban [amelyet Andy New Yorkban osztott meg – a Coplans jegyzete] észrevették, hogy Andy cipőrajzain egyre hosszabbak és hosszabbak lettek a vampok, de Millert ez nem zavarta. Miller imádta őket.

1952-ben Warhol első önálló kiállítása a New York-i Hugo Galériában volt, és bár a kiállítás nem aratott osztatlan sikert, 1956-ban már részt vett első csoportos kiállításán a New York-i Museum of Modern Artban. Warhol „szeszélyes” tintarajzai cipőreklámokról szerepeltek a New York-i Bodley Galériában 1957-ben rendezett legkorábbi kiállításai között.

Warhol szokása volt az epidiaszkóppal vetített fényképek átrajzolása. Az „első barátja”, Edward Wallowitch nyomatainak felhasználásával a fényképek finom átalakuláson mentek keresztül, miközben Warhol gyakran felületesen követte a kontúrokat és az árnyékokat. Warhol Wallowitch Young Man Smoking a Cigarette (1956 körüli) című fotóját használta egy 1958-as könyvborító tervéhez, amelyet a Simon and Schusternek nyújtott be Walter Ross The Immortal című pulp-regényéhez, majd később más fotókat is felhasznált festménysorozatához.

A lemezipar gyors fejlődésével az RCA Records egy másik szabadúszó művésszel, Sid Maurerrel együtt felbérelte Warholt, hogy tervezzen albumborítókat és promóciós anyagokat.

1960s

Warhol korán alkalmazta a szitanyomásos nyomtatási eljárást, mint festménykészítési technikát. 1962-ben Max Arthur Cohn tanította meg Warholnak a szitanyomás technikáját a manhattani grafikai vállalkozásában. Popism: The Warhol Sixties című könyvében Warhol ezt írja: „Amikor valamit pontosan rosszul csinálsz, mindig előkerül valami”.

1962 májusában Warhol a Time magazin egyik cikkében szerepelt Big Campbell’s Soup Can with Can Opener (Vegetable) (1962) című festményével, amely a legmaradandóbb motívumát, a Campbell’s levesesdobozt indította el. Ez a festmény lett Warhol első múzeumi kiállítása, amikor 1962 júliusában a Hartfordban található Wadsworth Atheneumban kiállították. 1962. július 9-én a Los Angeles-i Ferus Galériában nyílt meg Warhol kiállítása Campbell’s Soup Cans című festményével, amely a pop art nyugati parti debütálását jelentette.

1962 novemberében Warholnak kiállítása volt Eleanor Ward New York-i Stable Galleryjében. A kiállításon szerepeltek a Gold Marilyn, a klasszikus „Marilyn” sorozatból nyolc, „Flavor Marilyns” néven is ismert művek, a Marilyn Diptychon, a 100 levesesdoboz, a 100 kólásüveg és a 100 dollárbankó. A Flavor Marilyns-t az al-sorozat tizennégy vászonból álló, egyenként 20″ x 16″ méretű csoportjából választották ki. A vásznak némelyikét különböző Life Savers cukorkákról nevezték el, például Cherry Marilyn, Lemon Marilyn, Mentás, Levendulás, Szőlős vagy Édesgyökeres Marilyn. A többit a háttér színei alapján azonosították. A Gold Marilyn című képet Philip Johnson építész vásárolta meg, és a Museum of Modern Artnak adományozta. A kiállításon Warhol találkozott John Giorno költővel, aki 1964-ben szerepelt Warhol első filmjében, a Sleepben.

Warhol az 1960-as években kezdett festményeket készíteni olyan ikonikus amerikai tárgyakról, mint a dollárbankjegyek, gombafelhők, elektromos székek, Campbell’s leveses dobozok, Coca-Cola palackok, hírességek, mint Marilyn Monroe, Elvis Presley, Marlon Brando, Troy Donahue, Muhammad Ali és Elizabeth Taylor, valamint a polgárjogi mozgalom birminghami kampánya során afroamerikai tüntetőkre támadó rendőrkutyákról készült újságcímek vagy fényképek. Ezekben az években alapította meg stúdióját, a „The Factory”-t, és művészek, írók, zenészek és underground hírességek széles körét gyűjtötte maga köré. Munkái népszerűek és ellentmondásosak lettek. Warhol ezt mondta a Coca-Coláról:

Az a nagyszerű ebben az országban, hogy Amerika indította el azt a hagyományt, hogy a leggazdagabb fogyasztók lényegében ugyanazokat a dolgokat vásárolják meg, mint a legszegényebbek. Nézheted a tévét, és láthatod a Coca-Colát, és tudod, hogy az elnök Coca-Colát iszik, Liz Taylor Coca-Colát iszik, és gondolj csak bele, te is ihatsz Coca-Colát. A kóla az kóla, és semmilyen pénzzel nem lehet jobb kólát kapni, mint amit a sarki csöves iszik. Minden kóla egyforma, és minden kóla jó. Liz Taylor tudja ezt, az elnök tudja ezt, a csöves tudja ezt, és te is tudod.

1962 decemberében a New York-i Museum of Modern Art szimpóziumot rendezett a pop artról, amelyen olyan művészeket támadtak, mint Warhol, amiért „kapituláltak” a fogyasztói társadalom előtt. A kritikusokat megdöbbentette Warhol nyílt elfogadása a piaci kultúra iránt, ami meghatározta a fogadtatását.

Warhol 1964 tavaszán rendezte meg második kiállítását az Istálló Galériában, ahol kereskedelmi dobozokból álló szobrokat állított ki, amelyeket egy raktárra emlékeztető módon halmoztak és szórtak szét a térben. A kiállításhoz Warhol egyedi megrendelésre fadobozokat rendelt, és szitanyomással grafikákat készített rájuk. A szobrok – Brillo Box, Del Monte Peach Box, Heinz Tomato Ketchup Box, Kellog’s Cornflakes Box, Campbell’s Tomato Juice Box és Mott’s Apple Juice Box – a doboz méretétől függően 200-400 dollárért keltek el.

Sorsfordító esemény volt az Amerikai szupermarket című kiállítás Paul Bianchini Upper East Side-i galériájában 1964 őszén. A tárlatot egy tipikus kis szupermarket környezeteként mutatták be, azzal a különbséggel, hogy minden benne – a termékek, konzervek, húsok, plakátok a falon stb. – a kor kiemelkedő popművészei alkották, köztük Claes Oldenburg szobrászművész, Mary Inman és Bob Watts. Warhol egy 12 dolláros papír bevásárlótáskát tervezett – egyszerű fehér színű, piros Campbell’s leveses dobozokkal. A Campbell’s levesesdobozról készült festménye 1500 dollárba került, míg egy-egy dedikált doboz 3 darabot 18 dollárért, azaz 6,50 dollárért adtak el. A kiállítás volt az egyik első olyan tömegrendezvény, amely közvetlenül szembesítette a nagyközönséget mind a pop arttal, mind pedig azzal az örök kérdéssel, hogy mi is a művészet.

Az 1950-es években Warhol reklámillusztrátorként asszisztenseket alkalmazott, hogy növelje termelékenységét. Az együttműködés továbbra is meghatározó marad (ez különösen igaz volt az 1960-as években. Az egyik legfontosabb munkatársa ebben az időszakban Gerard Malanga volt. Malanga a „The Factory”-ban, Warhol 47. utcai (később a Broadwayre költözött), alumíniumfóliával és ezüstfestékkel bélelt stúdiójában segítette a művészt a szitanyomatok, filmek, szobrok és egyéb művek elkészítésében. Warhol Factory társaságának további tagjai közé tartozott Freddie Herko, Ondine, Ronald Tavel, Mary Woronov, Billy Name és Brigid Berlin (akitől állítólag azt az ötletet kapta, hogy telefonbeszélgetéseit magnóra vegye).

A hatvanas években Warhol bohém és ellenkultúrás különcöket is nevelt, akiket „szupersztároknak” nevezett el, köztük Nicót, Joe Dallesandrót, Edie Sedgwicket, Vivát, Ultra Violetet, Holly Woodlawnt, Jackie Curtist és Candy Darlingot. Ezek az emberek mindannyian részt vettek a Factory filmjeiben, és néhányan – mint például Berlin – Warhol haláláig barátságban maradtak vele. A New York-i underground művészet fontos alakjai

1968. június 3-án Valerie Solanas radikális feminista írónő Warhol és Mario Amaya műkritikus és kurátor Warhol stúdiójában, a Factoryban lelőtte Warholt. A lövöldözés előtt Solanas marginális figurája volt a Factory szcénának. Ő írta 1967-ben a SCUM kiáltványt, egy szeparatista feminista traktátust, amely a férfiak kiiktatását szorgalmazta; és szerepelt az 1968-as I, a Man című Warhol-filmben. A támadás napján Solanast korábban kitessékelték a Factoryból, miután visszakérte a Warholnak adott forgatókönyvét. A forgatókönyv nyilvánvalóan rossz helyre került.

Amaya csak kisebb sérüléseket szenvedett, és még aznap kiengedték a kórházból. Warhol súlyosan megsérült a támadásban, és alig élte túl. Egész hátralévő életében fizikai károsodást szenvedett, többek között sebészeti fűzőt kellett viselnie. A lövöldözés mély hatást gyakorolt Warhol életére és művészetére.

Solanast a támadás másnapján letartóztatták, miután feladta magát a rendőrségen. Magyarázatként azt mondta, hogy Warhol „túl nagy befolyást gyakorolt az életemre”. Ezt követően paranoid skizofréniát diagnosztizáltak nála, és végül három évre ítélték a büntetés-végrehajtási intézet felügyelete alá. A lövöldözés után a Factory szcéna erősen megnövelte a biztonsági intézkedéseket, és sokak számára véget értek a „Factory 60-as évek” („A régi Factory napok szupersztárjai nem nagyon jártak az új Factoryba”).

Warhol a következőket mondta a támadásról:

Mielőtt meglőttek, mindig úgy gondoltam, hogy inkább félig vagyok ott, mint teljesen – mindig azt gyanítottam, hogy a tévét nézem, ahelyett, hogy élném az életet. Az emberek néha azt mondják, hogy a filmekben valótlanul történnek a dolgok, de valójában az életben történnek a dolgok, ami valótlan. A filmekben az érzelmek olyan erősnek és valóságosnak tűnnek, míg amikor a dolgok valóban megtörténnek veled, az olyan, mintha tévét néznél – nem érzel semmit. Amikor lelőttek, és azóta is tudtam, hogy a tévét nézem. A csatornák váltogatják egymást, de az egész csak tévé.

1969-ben Warhol és John Wilcock brit újságíró megalapította az Interview magazint.

1970s

Warholnak 1971-ben retrospektív kiállítása volt a Whitney Museum of American Artban. Mao Zedong kínai kommunista vezető híres portréja 1973-ban készült. 1975-ben kiadta The Philosophy of Andy Warhol (Andy Warhol filozófiája, 1975) című könyvét. A könyvben megfogalmazott gondolat: „A pénzkeresés művészet, a munka művészet, a jó üzlet pedig a legjobb művészet”.

Az 1960-as évek sikeréhez és botrányos munkásságához képest az 1970-es évek sokkal nyugodtabb évtized volt, mivel Warhol vállalkozóbbá vált. New York City különböző szórakozóhelyein, többek között a Max’s Kansas Cityben és később, az 1970-es években a Studio 54-ben szocializálódott. Általában csendesnek, félénknek és aprólékos megfigyelőnek tartották. Robert Hughes művészeti kritikus „a Union Square fehér vakondjának” nevezte.

1977-ben Richard Weisman műgyűjtő megbízásából Warhol elkészítette az Athletes című, tíz portrét, amelyek a kor vezető sportolóit ábrázolják.

Bob Colacello szerint Warhol ideje nagy részét arra fordította, hogy új, gazdag mecénásokat kerítsen fel portrémegbízásokra – köztük Mohammad Reza Pahlavi iráni sahot, feleségét, Farah Pahlavi császárnőt, nővérét, Ashraf Pahlavi hercegnőt, Mick Jaggert, Liza Minnellit, John Lennont, Diana Rosst és Brigitte Bardot-t. 1979-ben a kritikusok nem kedvelték az 1970-es évek személyiségeiről és hírességeiről készült portrékat, felületesnek, felületesnek és kommersznek nevezve azokat, amelyek nem mutatnak mélységet vagy utalnak az alanyok jelentőségére.

1979-ben Warhol és régi barátja, Stuart Pivar megalapította a New York Academy of Artot.

1980s

Warhol az 1980-as években újra kritikai és pénzügyi sikereket ért el, részben annak köszönhetően, hogy számos termékeny fiatalabb művésszel kötött barátságot, akik az 1980-as évek New York-i művészetének „bikapiacát” uralták: Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle és más úgynevezett neoexpresszionisták, valamint az európai transzavantgárd mozgalom tagjai, köztük Francesco Clemente és Enzo Cucchi. Warhol az utcán is hitelességet szerzett, és a Fab Five Freddy graffitiművész azzal tisztelgett Warhol előtt, hogy egy egész vonatot festett Campbell leveses dobozokkal.

Warholt azért is kritizálták, mert pusztán „üzleti művész” lett. A kritikusok lehúzták a manhattani Zsidó Múzeumban 1980-ban rendezett Tíz portré a huszadik századi zsidókról című kiállítását, amelyet Warhol – akit nem érdekelt a zsidóság és a zsidók – a naplójában így jellemzett: „El fogják adni”. Utólag azonban egyes kritikusok úgy tekintettek Warhol felszínességére és kommercialitására, mint „korunk legragyogóbb tükrére”, azt állítva, hogy „Warhol valami ellenállhatatlant ragadott meg az amerikai kultúra hetvenes évekbeli korszellemében”.

Warhol az intenzív hollywoodi csillogást is nagyra értékelte. Egyszer azt mondta: „Imádom Los Angelest. Szeretem Hollywoodot. Olyan gyönyörűek. Minden műanyag, de én szeretem a műanyagot. Én is műanyag akarok lenni.” Warhol időnként a divat kifutókon sétált és termékmegjelenéseket vállalt, a Zoli ügynökség, majd később a Ford Models képviseletében.

Az 1984-es szarajevói téli olimpia előtt 15 másik művésszel – köztük David Hockney-val és Cy Twomblyval – összefogott, és egy gyorskorcsolyázót készített a Művészet és Sport gyűjteménybe. A Speed Skater a szarajevói téli olimpia hivatalos plakátján szerepelt.

1984-ben a Vanity Fair megbízta Warholt, hogy készítsen egy portrét Prince-ről, egy cikkhez, amely a Purple Rain és a hozzá tartozó film sikerét ünnepelte. Az Orange Prince (1984), amely Warhol pályafutása során készített számos híresség-portréjára utal, hasonló kompozícióval készült, mint az 1962-es Marilyn „Flavors” sorozat, amely Warhol első híresség-portréi közé tartozik. Prince-t a Warhol által gyakran használt pop színpalettán ábrázolja, élénk narancssárga színben, élénkzöld és kék színű kiemelésekkel. Az arcvonások és a haj szitanyomással készültek feketével a narancssárga háttérre.

1985 szeptemberében Warhol és Basquiat közös kiállítása, a Paintings negatív kritikák közepette nyílt meg a Tony Shafrazi Galériában. Ugyanebben a hónapban Warhol félelmei ellenére a Leo Castelli Galériában bemutatták Reigning Queens című szitanyomat-sorozatát. Az Andy Warhol Naplójában Warhol ezt írta: „Állítólag csak Európának készültek – itt senkit sem érdekelnek a királyi családok, és ez egy újabb rossz kritika lesz”.

1987 januárjában Warhol Milánóba utazott, hogy megnyitja utolsó kiállítását, az Utolsó vacsora címűt a Palazzo delle Stelline-ban. A következő hónapban Warhol és a dzsesszzenész Miles Davis modellkedett Koshin Satoh divatbemutatóján a New York-i Tunnelben 1987. február 17-én.

Halál

Warhol 1987. február 22-én reggel 6 óra 32 perckor, 58 éves korában halt meg Manhattanben. A hírek szerint a New York-i kórházban végzett epehólyagműtétje után jól gyógyult, mielőtt álmában halt meg a műtét utáni hirtelen szívritmuszavar miatt. A diagnózist és a műtétet megelőzően Warhol halogatta a visszatérő epehólyagproblémáinak kivizsgálását, mivel félt bemenni a kórházakba és orvosokhoz. Családja beperelte a kórházat a nem megfelelő ellátás miatt, mondván, hogy a ritmuszavart a nem megfelelő ellátás és a vízmérgezés okozta. A műhibaper gyorsan peren kívül rendeződött; Warhol családja meg nem nevezett összeget kapott.

Nem sokkal Warhol halála előtt az orvosok arra számítottak, hogy Warhol túléli a műtétet, bár az eset újraértékelése mintegy harminc évvel a halála után számos jel mutatott arra, hogy Warhol műtétje valójában kockázatosabb volt, mint eredetileg gondolták. Abban az időben széles körben arról számoltak be, hogy Warhol egy „rutinműtét” következtében halt meg, bár ha figyelembe vesszük az olyan tényezőket, mint a kora, a családjában előforduló epehólyagproblémák, a korábbi lőtt seb, valamint a beavatkozást megelőző hetekben fennálló egészségi állapota, akkor úgy tűnt, hogy a műtétet követő halálozás potenciális kockázata jelentős volt.

Warhol testvérei visszavitték a holttestet Pittsburghbe, ahol a Thomas P. Kunsak temetkezési vállalatnál nyílt koporsós virrasztást tartottak. A tömör bronz koporsó aranyozott sínekkel és fehér kárpitozással volt ellátva. Warhol fekete kasmír öltönyt, paisley nyakkendőt, platinaszőke parókát és napszemüveget viselt. Egy kis imakönyvet és egy vörös rózsát tartva fektették le. A temetési liturgiát a Pittsburgh északi részén lévő Szentlélek bizánci katolikus templomban tartották. A gyászbeszédet Peter Tay monszinyor mondta. Yoko Ono és John Richardson voltak a szónokok. A koporsót fehér rózsákkal és spárgapáfrányokkal borították be. A liturgia után a koporsót a Pittsburgh déli külvárosában, Bethel Parkban található Keresztelő Szent János Bizánci Katolikus Temetőbe vitték.

A sírnál a pap rövid imát mondott, és szenteltvizet locsolt a koporsóra. Mielőtt a koporsót leeresztették, Warhol barátja és az Interview reklámigazgatója, Paige Powell a sírba dobta a magazin egy példányát, egy Interview pólót és egy üveg Estée Lauder „Beautiful” parfümöt. Warholt édesanyja és édesapja mellé temették. Warhol emlékére 1987. április 1-jén gyászszertartást tartottak Manhattanben, a Szent Patrik katedrálisban.

Festmények

Az 1960-as évek elejére a pop-art olyan kísérleti formává vált, amelyet több művész egymástól függetlenül alkalmazott; az úttörők közül néhányan, mint például Roy Lichtenstein, később a mozgalom szinonimájává váltak. Warhol, aki a „pop pápájaként” vált híressé, ehhez az új stílushoz fordult, ahol a népszerű témák a művész palettájának részét képezhették. Korai festményein rajzfilmekből és reklámokból vett képek láthatók, kézzel festett festékcseppekkel. Marilyn Monroe egy pop art festmény volt, amelyet Warhol készített, és nagyon népszerű volt. Ezek a festékcseppek a sikeres absztrakt expresszionisták (például Willem de Kooning) stílusát utánozták. Warhol első pop art festményei 1961 áprilisában kerültek kiállításra, és a New York-i Bonwit Teller áruház kirakatának hátteréül szolgáltak. Ez volt az a színpad, amelyet egykoron pop art kortársai, Jasper Johns, James Rosenquist és Robert Rauschenberg is megtiszteltek.

Muriel Latow galériás volt az, aki mind a levesesdobozok, mind Warhol dollárfestményeinek ötletével előállt. 1961. november 23-án Warhol írt Latow-nak egy 50 dolláros csekket, amely a 2009-ben megjelent Pop, The Genius of Warhol című Warhol-életrajz szerint fizetség volt azért, hogy ő találta ki a levesesdobozok mint témák ötletét. Első nagy kiállítására Warhol megfestette a híres Campbell’s leveses dobozokat, amelyeket állítása szerint élete nagy részében ebédre fogyasztott.

Ezekből a kezdetekből alakította ki későbbi stílusát és témáit. Ahelyett, hogy egy jellegzetes témán dolgozott volna, ahogyan kezdte, egyre inkább egy jellegzetes stíluson dolgozott, lassan kiiktatva a kézzel készített tárgyakat a művészi folyamatból. Warhol gyakran használt szitanyomatot; későbbi rajzait diavetítésekről pauszolta. Festői hírnevének csúcsán Warholnak több asszisztense is volt, akik az ő utasításait követve készítették szitanyomás sokszorosítóit, hogy különböző változatokat és variációkat készítsenek.

Warhol komikus és komoly műveket egyaránt készített; témája lehetett egy leveses doboz vagy egy elektromos szék. Warhol ugyanazt a technikát használta – a sorozatban sokszorosított, gyakran élénk színekkel festett szitanyomatokat -, akár hírességeket, akár hétköznapi tárgyakat, akár öngyilkosságot, autóbaleseteket és katasztrófákat ábrázoló képeket festett, mint az 1962-63-as Halál és katasztrófa sorozatban.

1979-ben Warhol a BMW megbízásából megfestette az akkori „elit szupersportkocsi”, a BMW M1 egy Group-4-es versenyváltozatát a BMW Art Car Project negyedik részéhez. Akkoriban arról számoltak be, hogy az őt megelőző három művésztől eltérően Warhol úgy döntött, hogy közvetlenül maga fest közvetlenül az autóra, ahelyett, hogy a technikusok átvitték volna az autóra a méretarányos modelltervét. Azt is jelezték, hogy Warhol összesen csak 23 percet töltött a teljes autó megfestésével.

Warhol munkáinak egy részét, valamint saját személyiségét is keatonesként jellemezték. Warholt úgy jellemezték, mint aki a médiával szemben ostobát játszik. Néha nem volt hajlandó magyarázatot adni a munkáira. Azt sugallta, hogy minden, amit a munkáiról tudni kell, „már ott van a felszínen”.

Rorschach tintafoltjait popkommentárnak szánja a művészetről és arról, hogy mi lehetne a művészet. Ebben a kontextusban említésre méltóak tehéntapétái (szó szerint tehénmotívumos tapéta) és oxidációs festményei (vizelettel oxidált rézfestékkel készített vásznak) is. Ugyanilyen figyelemre méltó az is, ahogyan ezek a művek – és az előállításuk eszközei – Andy New York-i „gyárának” hangulatát tükrözték. Bob Colacello életrajzíró néhány részletet közöl Andy „húgyfestményeiről”:

Victor … Andy szellempisilője volt az Oxidáción. Eljött a Factoryba, hogy a vásznakra vizeljen, amelyeket Andy vagy Ronnie Cutrone – Andy által nagyra értékelt második szellempisilő – már alapozott rézalapú festékkel, aki azt mondta, hogy a Ronnie által szedett B-vitamin szebb színt adott, amikor a vizeletben lévő sav zölddé változtatta a rezet. Andy valaha is használta a saját vizeletét? A naplómból kiderül, hogy amikor először kezdte a sorozatot, 1977 decemberében, igen, és sokan voltak még: fiúk, akik eljöttek ebédelni, túl sok bort ittak, és viccesnek vagy akár hízelgőnek találták, hogy megkérték őket, segítsenek Andy-nek „festeni”. Andy járásában mindig volt egy kis plusz ugrálás, amikor a műtermébe vezette őket.

Warhol 1982-ben készült portréja Basquiatról, Jean-Michel Basquiat, egy oxidált réz „pisi-festmény” fölött készült szitanyomat. Sok évnyi szitanyomás, oxidáció, fotózás stb. után Warhol visszatért a festészethez, ecsettel a kezében. 1983-ban Warhol elkezdett együttműködni Basquiat-val és Clemente-vel. Warhol és Basquiat 1984 és 1985 között több mint 50 nagyméretű közös művet alkotott. A bemutatásukkor megfogalmazott kritikák ellenére Warhol néhányat közülük „remekműveknek” nevezett, és ezek későbbi munkásságára is hatással voltak.

1984-ben Alexander Iolas gyűjtő és galériás megbízást kapott Warholtól, hogy Leonardo da Vinci Az utolsó vacsora című művén alapuló művet készítsen egy kiállításra a milánói Palazzo delle Stelline régi refektóriumában, a Santa Maria delle Grazie-szal szemben, ahol Leonardo da Vinci freskója látható. Warhol túlteljesítette a megrendelésben foglaltakat, és közel 100 variációt készített a témára, többnyire selyemképeket és festményeket, köztük egy Basquiat-val közös szobrot, a Tíz bokszzsák (Utolsó vacsora) címűt. 1987 januárjában 22 selyemképből álló tárlattal megnyílt milánói kiállítás volt a művész és a galériás utolsó kiállítása. Az Utolsó vacsora című sorozatot egyesek „vitathatatlanul a legjobbjának”, mások viszont „vágyálomszerűnek, vallásosnak” és „szellemtelennek” tartották. Ez a legnagyobb vallási témájú művekből álló sorozat, amelyet bármelyik amerikai művész készített.

Maurizio Cattelan képzőművész leírja, hogy nehéz elválasztani a mindennapi találkozásokat Andy Warhol művészetétől: „Talán ez a legnagyobb dolog Warholban: ahogyan behatolt a világunkba és összegezte azt, olyannyira, hogy elválasztani őt és a mindennapi életünket alapvetően lehetetlen, és mindenképpen felesleges”. Warhol inspirációt jelentett Cattelan magazin- és fotóösszeállításai, például a Permanent Food, a Charley és a Toilet Paper felé.

A halála előtti időszakban Warhol a Mercedes-Benz számára készített Cars című festménysorozaton dolgozott.

Művészeti piac

Andy Warhol munkásságának értéke 1987-ben bekövetkezett halála óta folyamatosan emelkedik. Művei 2014-ben 569 millió dollárt halmoztak fel árveréseken, ami a globális műtárgypiac több mint hatodát tette ki. Voltak azonban visszaesések is. Dominique Lévy műkereskedő szerint „a Warhol-kereskedelem valami olyasmit mozog, mint egy felfelé húzott hintaló: emelkedik és süllyed, de minden új csúcs és mélypont az előző fölött van”. Ezt annak tulajdonítja, hogy folyamatosan új gyűjtők érkeznek, akiket a Warhol iránti érdeklődés izgat. „Különböző pillanatokban a gyűjtők különböző csoportjai léptek be a Warhol-piacra, és ez a kereslet csúcspontjait, majd elégedettséget és lassulást eredményezett”, mielőtt a folyamat egy másik demográfiai csoporttal vagy a következő generációval megismétlődne.

1998-ban a Marilyn Monroe-t ábrázoló Orange Marilyn (1964) 17,3 millió dollárért kelt el, ami akkoriban rekordot jelentett, hiszen ez volt a legmagasabb ár, amit Warhol műalkotásáért fizettek. 2007-ben Warhol egyik 1963-as Elizabeth Taylort ábrázoló festménye, a Liz (Színes Liz), amely Hugh Grant színész tulajdonában volt, 23,7 millió dollárért kelt el a Christie’s árverésén.

2007-ben Stefan Edlis és Gael Neeson 80 millió dollárért adta el Warhol Turquoise Marilyn (1964) című képét Steven A. Cohen pénzembernek. 2007 májusában a Green Car Crash (1963) 71,1 millió dollárért, a Lemon Marilyn (1962) pedig 28 millió dollárért kelt el a Christie’s háború utáni és kortárs művészeti aukcióján. 2007-ben a Large Campbell’s Soup Can (1964) a Sotheby’s aukcióján 7,4 millióért kelt el egy dél-amerikai gyűjtőnek. 2009 novemberében 200 egydolláros bankjegy (1962) a Sotheby’s aukcióján 43,8 millió dollárért.

2008-ban az Eight Elvises (1963) című alkotást Annibale Berlingieri 100 millió dollárért adta el egy magánvásárlónak. A mű Elvis Presley-t ábrázolja fegyverforgató pózban. Először 1963-ban állították ki a Los Angeles-i Ferus Galériában. Warhol 22 változatot készített a Dupla Elvisről, amelyek közül kilencet múzeumokban őriznek. 2012 májusában a Double Elvis (Ferus Type) a Sotheby’s árverésén 37 millió dollárért kelt el. 2014 novemberében a Triple Elvis (Ferus Type) 81,9 millió dollárért kelt el a Christie’s árverésén.

2010 májusában a Sotheby’s-nél 32,6 millió dollárért kelt el Warhol 1986-os lila önarcképe, amely Tom Ford divattervező tulajdonában volt. 2010 novemberében az Elizabeth Taylorról készült Men in Her Life (1962) 63,4 millió dollárért kelt el a Phillips de Pury-nál, a Coca-Cola (4) (1962) pedig 35,3 millió dollárért a Sotheby’s-nél. 2011 májusában Warhol 1963-64-ben készült első önarcképe 38,4 millió dollárért kelt el, egy 1986-ban készült vörös önarckép pedig 27,5 millió dollárért kelt el a Christie’s-nél. 2011 májusában Liz

2013 novemberében Warhol ritkán látható 1963-as diptichonja, a Silver Car Crash (Double Disaster) 105,4 millió dollárért kelt el a Sotheby’s-nél, ami új rekordot jelentett a művész számára. 2013 novemberében a Coca-Cola (3) (1962) című alkotás 57,3 millió dollárért kelt el a Christie’s-nél. 2014 májusában a White Marilyn (1962) 41 millió dollárért kelt el a Christie’s-nél. 2014 novemberében a Marlon Brandót ábrázoló Four Marlons (1964) 69,6 millió dollárért kelt el a Christie’s-nél. 2015 májusában az 1963-65-ben festett Silver Liz (diptichon) 28 millió dollárért, a Colored Mona Lisa (1963) pedig 56,2 millió dollárért kelt el a Christie’s-nél. 2017 májusában Warhol 1962-es Big Campbell’s Soup Can With Can Opener (Vegetable) című festménye 27,5 millió dollárért kelt el a Christie’s-nél.

Gyűjtők

Warhol korai gyűjtői és befolyásos támogatói között volt Emily és Burton Tremaine. A több mint 15 megvásárolt műalkotás közül a Marilyn Diptichon (ma a londoni Tate Modernben található) és az Egy fiú Megnek (ma a washingtoni National Gallery of Artban található) közvetlenül Warhol műterméből kerültek ki 1962-ben. Egyik karácsonykor Warhol egy kis Marilyn Monroe-fejet hagyott Tremaine-ék New York-i lakásának ajtajánál, hálából a támogatásukért és bátorításukért.

Filmográfia

Warhol 1962-ben részt vett La Monte Young Trio for Strings című statikus kompozíciójának bemutatóján, és ezt követően megalkotta híres statikus filmsorozatát. Jonas Mekas filmrendező, aki elkísérte Warholt a Trio premierjére, azt állítja, hogy Warhol statikus filmjeit közvetlenül az előadás ihlette. 1963 és 1968 között több mint 60 filmet készített, valamint mintegy 500 rövid fekete-fehér „próbafelvételt” a Factory látogatóiról. Egyik leghíresebb filmje, az Alvás, John Giorno költő hat órán át tartó alvását követi nyomon. A Blow Job című 35 perces film egyetlen folyamatos felvétel DeVeren Bookwalter arcáról, aki állítólag orális szexet kap Willard Maas filmrendezőtől, bár a kamera soha nem billen lefelé, hogy ezt láthassa. Egy másik, az Empire (1964) nyolc órányi felvételből áll, amely a New York-i Empire State Buildinget mutatja be alkonyatkor. Az Eat című film egy férfiról szól, aki 45 percen keresztül gombát eszik.

A Batman Drakula egy 1964-es film, amelyet Warhol készített és rendezett, a DC Comics engedélye nélkül. Kizárólag a művészeti kiállításain vetítették. Mivel Warhol rajongott a Batman-sorozatért, a film egy „tisztelgés” volt a sorozat előtt, és a kirívóan kempinges Batman első megjelenésének tartják. A filmet egészen a közelmúltig elveszettnek hitték, mígnem a 2006-os Jack Smith and the Destruction of Atlantis című dokumentumfilmben hosszasan mutattak be jeleneteket a képből.

Warhol 1965-ös Vinyl című filmje Anthony Burgess népszerű disztópikus regényének, az Egy órai narancsnak az adaptációja. Mások a Factory törzsvendégei, például Brigid Berlin, Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico és Jackie Curtis rögtönzött találkozásait rögzítik. A legendás underground művész, Jack Smith is szerepel a Camp című filmben.

Legnépszerűbb és legsikeresebb filmje a Chelsea Girls (1966) volt. A film rendkívül újszerű volt, mivel két 16 mm-es filmet vetítettek egyszerre, két különböző történetet mutatva be párhuzamosan. A vetítőfülkéből a hangot az egyik filmhez felhangosították, hogy megvilágítsák az adott „történetet”, míg a másikhoz lehalkították. A képek megsokszorozódása Warhol 1960-as évek eleji, korszakalkotó szitanyomatos munkáit idézte.

Warhol rajongott Radley Metzger filmrendező munkásságáért, és úgy nyilatkozott, hogy Metzger filmje, a The Lickerish Quartet „egy felháborítóan perverz mestermű”. A Blue Movie – egy film, amelyben a Warhol szupersztár Viva az ágyban szeretkezik Louis Waldonnal, egy másik Warhol szupersztárral – volt Warhol utolsó filmje rendezőként. A film, amely a pornó aranykorának egyik meghatározó filmje volt, akkoriban vitatott volt a szexuális együttlét nyílt megközelítése miatt. A Blue Movie-t 2005-ben mutatták be nyilvánosan New Yorkban, több mint 30 év után először.

Az 1968-as lövöldözés után a visszavonult Warhol lemondott a filmkészítésben való személyes részvételéről. Munkatársa és rendezőasszisztense, Paul Morrissey vette át a Factory kollektíva filmkészítési feladatait, és a Flesh, Trash és Heat című filmekkel a Warhol-márkájú mozit a mainstream, narratív alapú, B-filmes exploitation-filmek irányába terelte. Mindezek a filmek, beleértve a későbbi Andy Warhol’s Dracula és Andy Warhol’s Frankenstein című filmeket is, sokkal mainstreamebbek voltak, mint bármi, amivel Warhol rendezőként próbálkozott. Ez utóbbi „Warhol-filmek” főszereplője Joe Dallesandro volt – inkább Morrissey-sztár, mint igazi Warhol-szupersztár.

Az 1970-es évek elején a Warhol által rendezett filmek többségét Warhol és a körülötte lévő, az üzletét irányító emberek kivonták a forgalomból. Warhol halála után a filmeket a Whitney Múzeum lassan restaurálta, és időnként múzeumokban és filmfesztiválokon vetítik őket. A Warhol által rendezett filmek közül csak kevés érhető el videón vagy DVD-n.

Zene

A hatvanas évek közepén Warhol örökbe fogadta a Velvet Underground zenekart, és az Exploding Plastic Inevitable multimédiás performanszművészeti show egyik meghatározó elemévé tette őket. Warhol Paul Morrisseyvel együtt a zenekar menedzsereként tevékenykedett, és bemutatta őket Nicónak (aki Warhol kérésére fellépett a zenekarral). A Velvet Underground menedzselése során Andy teljesen feketébe öltöztette őket, hogy az általa is bemutatott filmek előtt lépjenek fel. 1966-ban ő „gyártotta” első albumukat, a The Velvet Underground & Nico-t, és ő készítette az album grafikáját is. Az album elkészítésében való tényleges részvétele csupán annyi volt, hogy fizette a stúdióidőt. A zenekar első albuma után Warhol és a zenekar vezetője, Lou Reed egyre inkább kezdtek nézeteltérésekbe a zenekar irányát illetően, és művészi barátságuk véget ért. 1989-ben, Warhol halála után Reed és John Cale 1972 óta először újra összeállt, hogy megírják, előadják, felvegyék és kiadják a Songs for Drella című konceptalbumot, amely Warhol előtt tisztelegve készült. 2019 októberében jelentették, hogy a pittsburghi Andy Warhol Múzeum egyik archívumában felfedeztek egy hangszalagot Reed nyilvánosan ismeretlen zenéjéből, amely Warhol 1975-ös könyvére, „The Philosophy of Andy Warhol: From A to B and Back Again” című könyvére épül.

Warhol számos lemezborítót tervezett különböző művészek számára, kezdve John Wallowitch debütáló albumának, a This Is John Wallowitch!!! (1964). Ő tervezte a Rolling Stones Sticky Fingers (1971) és Love You Live (1977) című albumainak borítóját, valamint John Cale The Academy in Peril (1972) és Honi Soit (1981) című albumainak borítóját. Warhol egyik utolsó munkája Aretha Franklin portréja volt, amelyet az 1986-os Aretha című aranylemezének borítójára készített.

Warhol erősen befolyásolta az új hullámot

Találkoztam vele néhányszor, de ritkán osztottunk meg többet közhelyeken kívül. Amikor először találkoztunk, kínos csend támadt, amíg meg nem jegyezte az élénksárga cipőmet, és lelkesen beszélni nem kezdett. Nagyon felszínes akart lenni. És látszólag érzelemmentes, közömbös, mint egy döglött hal. Lou Reed jellemezte őt a legmélyebben, amikor egyszer azt mondta, hogy Andy babáját kellene piacra dobni: egy olyan babát, amit felhúzol, és nem csinál semmit. De sikerült jól megfigyelnem őt, és ez segített a filmben Kölcsönvettük a ruháit a pittsburghi múzeumból, épek voltak, mosatlanok. Még a zsebeit sem ürítették ki: volt benne palacsinta, fehér, halálosan halvány fond de teint, amit Andy mindig az arcára kent, egy darabokra tépett csekk, valakinek a címe, rengeteg homeopátiás tabletta és egy paróka. Andy mindig hordta azokat az ezüst parókákat, de soha nem ismerte el, hogy parókák voltak. Az egyik fodrásza nemrég azt mondta nekem, hogy rendszeresen vágatta a parókáit, mintha igazi haj lenne. Amikor a parókát levágták, a következő hónapban egy másikat tett fel, mintha megnőtt volna a haja.

A Triumph zenekar is írt egy dalt Andy Warholról, a „Stranger In A Strange Land” címűt az 1984-es Thunder Seven című albumukról.

Könyvek és nyomtatás

Az 1950-es évek elejétől kezdve Warhol számos kötés nélküli portfóliót készített munkáiból.

Warhol számos bekötött, saját kiadású könyve közül az első a 25 Cats Name Sam and One Blue Pussy volt, amelyet 1954-ben Seymour Berlin nyomtatott Arches márkájú vízjeles papírra, a litográfiákhoz az ő foltos vonaltechnikáját alkalmazva. Az eredeti kiadás 190 számozott, kézzel színezett példányra volt limitálva, Dr. Martin tusmosásainak felhasználásával. A legtöbbet Warhol ajándékba adta ügyfeleinek és barátainak. A 4. számú példányt, amely az elülső borítón „Jerry” felirattal szerepel, és amelyet Geraldine Stutznak adtak, 1987-ben egy fakszimile-nyomtatáshoz használták fel, az eredetit pedig 2006 májusában a Doyle New York 35 000 dollárért árverezte el.

Warhol egyéb saját kiadású könyvei közé tartozik:

Warhol A La Recherche du Shoe Perdu (1955) című könyve jelentette „átmenetét a kereskedelmi művészből a galériás művészbe”. (A cím Warhol szójátéka Marcel Proust francia író À la recherche du temps perdu című művének címével.)

A hírnév megszerzése után Warhol több könyvet is „írt”, amelyek kereskedelmi forgalomba kerültek:

Warhol hozta létre az Interview című divatmagazint, amely a mai napig megjelenik. A borítón látható, hóbortos címsor vagy a saját kézírása, vagy pedig édesanyja, Julia Warhola kézírása, aki gyakran készített szövegeket korai reklámfilmjeihez.

Egyéb média

Bár Andy Warhol leginkább festményeiről és filmjeiről ismert, számos különböző médiumban alkotott.

Szexualitás

Warhol homoszexuális volt. 1980-ban egy interjúalanyának azt mondta, hogy még mindig szűz. Bob Colacello életrajzíró, aki jelen volt az interjún, úgy vélte, hogy ez valószínűleg igaz, és hogy az a kevés szex, amit folytatott, valószínűleg „a voyeurizmus és a maszturbáció keveréke volt – hogy Warhol szüzességéről szóló állítását ellentmondani látszik az 1960-ban kondilomata, egy nemi úton terjedő betegség miatt kapott kórházi kezelése. Ennek ellentmondanak szeretői is, köztük Warhol múzsája, BillyBoy, aki azt állította, hogy orgazmusig szexeltek: „Amikor nem Andy Warhol volt, és amikor csak kettesben voltunk, hihetetlenül nagylelkű és nagyon kedves ember volt. Engem az az Andy Warhol csábított el, akit egyedül láttam. Valójában, amikor nyilvánosan voltam vele, valahogy az idegeimre ment…., azt mondtam: „Egyszerűen ellenszenves vagy, nem bírom elviselni téged.””. Billy Name azt is tagadta, hogy Warhol csak kukkoló volt, mondván: „Ő volt a szexualitás esszenciája. Mindent áthatott. Andy ezt sugározta, nagyszerű művészi kreativitásával együtt….Ez örömöt hozott az egész New York-i művészvilágnak”. „De a személyisége annyira sebezhető volt, hogy védekezéské vált az üres homlokzat felállítása.” Warhol szeretői közé tartozott John Giorno, Charles Lisanby és Jon Gould. Tizenkét évig tartó barátja volt Jed Johnson, akivel 1968-ban ismerkedett meg, és aki később belsőépítészként szerzett hírnevet.

Az a tény, hogy Warhol homoszexualitása befolyásolta munkásságát és alakította a művészet világához való viszonyát, a művészről szóló kutatások egyik fő témája, és maga Warhol is foglalkozott vele interjúkban, kortársaival folytatott beszélgetésekben és kiadványaiban (pl. Popism: The Warhol 1960s). Warhol egész pályafutása során készített erotikus fotókat és rajzokat férfiaktokról. Leghíresebb munkái közül sok (Liza Minnelli, Judy Garland és Elizabeth Taylor portréi, valamint olyan filmjei, mint a Blow Job, a My Hustler és a Lonesome Cowboys) a meleg underground kultúrából merít, vagy nyíltan a szexualitás és a vágy összetettségét kutatja. Amint azzal számos tudós foglalkozott, számos filmjét meleg pornószínházakban, köztük a New Andy Warhol Garrick Theatre-ben és az 55th Street Playhouse-ban mutatták be az 1960-as évek végén.

Warhol első műveit, a férfi aktokról készült homoerotikus rajzokat, amelyeket egy képzőművészeti galériába küldött, elutasították, mert túlságosan nyíltan melegek voltak. A Popism című művében a művész felidéz egy Emile de Antonio filmrendezővel folytatott beszélgetést arról, hogy Warholnak milyen nehézséget okozott, hogy az akkor még híresebb (de titokban élő) meleg művészek, Jasper Johns és Robert Rauschenberg társadalmi elfogadásban részesítsék. De Antonio elmagyarázta, hogy Warhol „túlságosan hetyke volt, és ez felzaklatta őket”. Erre Warhol így reagált: „Erre nem tudtam mit mondani. Túlságosan is igaz volt. Ezért úgy döntöttem, hogy egyszerűen nem fogok törődni vele, mert ezek mind olyan dolgok voltak, amelyeken amúgy sem akartam változtatni, amelyeken nem gondoltam, hogy ‘kellene’ változtatnom … Mások megváltoztathatják a hozzáállásukat, de én nem”. Warhol életrajzának feltárása során sokan fordulnak ehhez az időszakhoz – az 1950-es évek végéhez és az 1960-as évek elejéhez – mint személyisége kialakulásának kulcsmomentumához. Egyesek szerint az, hogy Warhol gyakran nem volt hajlandó kommentálni a munkáit, nem beszélt magáról (interjúkban olyan válaszokra szorítkozott, mint „Öhm, nem” és „Öhm, igen”, és gyakran hagyta, hogy mások beszéljenek helyette), sőt még popstílusának fejlődése is azokra az évekre vezethető vissza, amikor Warholt először utasították el a New York-i művészvilág belső körei.

Vallási meggyőződések

Warhol gyakorló ruszin katolikus volt. Rendszeresen önkénteskedett New York-i hajléktalanszállókon, különösen az év forgalmasabb időszakában, és vallásos emberként jellemezte magát. Warhol számos későbbi munkája vallási témákat ábrázolt, köztük két sorozat, a Reneszánsz festmények részletei (1984) és az Utolsó vacsora (1986). Ezen kívül egy sor vallási témájú művet találtak posztumusz a hagyatékában.

Warhol élete során rendszeresen járt liturgiára, és Warhol templomának, a Szent Vincent Ferrer templomnak a papja szerint a művész szinte naponta járt oda, bár nem figyelték meg, hogy áldozott vagy gyóntatott, és a hátsó padokban ült vagy térdelt. A pap úgy gondolta, hogy félt a felismeréstől; Warhol azt mondta, hogy önérzetesen félt attól, hogy egy római rítusú templomban „ortodox módon” (jobbról balra, nem pedig fordítva) keresztet vet.

Művészetére érezhetően hatott a keleti keresztény hagyomány, amely annyira nyilvánvaló volt az istentiszteleti helyeken.

Warhol testvére úgy jellemezte a művészt, hogy „nagyon vallásos volt, de nem akarta, hogy az emberek tudjanak róla, mert magánügy”. Hitének magánjellege ellenére Warhol gyászbeszédében John Richardson áhítatosnak ábrázolta azt: „Biztos tudomásom szerint legalább egy megtérésért volt felelős. Nagy büszkeséggel finanszírozta unokaöccse papi tanulmányait”.

Gyűjtemények

Warhol lelkes gyűjtő volt. Barátai „Andy cuccai”-ként emlegették számos gyűjteményét, amelyek nemcsak négyemeletes városi házát, hanem egy közeli raktárhelyiséget is megtöltöttek. Gyűjteményének valódi nagyságára csak halála után derült fény, amikor a pittsburghi Andy Warhol Múzeum 641 doboznyi „cuccot” vett át.

Warhol gyűjteménye többek között tartalmazott egy Coca-Cola emléktáblát és 19. századi festményeket, valamint repülőgépes étlapokat, kifizetetlen számlákat, pizzatésztát, pornográf pépregényeket, újságokat, bélyegeket, szupermarketek szórólapjait és süteményes dobozokat. Jelentős műalkotások is voltak benne, például George Bellows Miss Bentham című műve. Egyik fő gyűjteménye a parókái voltak. Warholnak több mint 40 darab volt a tulajdonában, és nagyon védte a parókáit, amelyeket egy New York-i parókakészítő varrt Olaszországból importált hajból. 1985-ben egy lány lekapta Warhol parókáját a fejéről. Később kiderült, hogy Warhol aznapra vonatkozó naplóbejegyzésében ezt írta: „Nem tudom, mi tartott vissza attól, hogy lelökjem a lányt az erkélyről”.

1960-ban megvásárolta Jasper Johns egy villanykörtét ábrázoló rajzát.

A pittsburghi múzeumban Warhol dobozaiban talált másik tárgy egy mumifikálódott emberi lábfej volt az ókori Egyiptomból. A Carnegie Természettudományi Múzeum antropológiai kurátora úgy vélte, hogy Warhol valószínűleg egy bolhapiacon találta.

Andy Warhol is sok könyvet gyűjtött, személyes gyűjteményében több mint 1200 cím található. Ezek közül 139 címet a Sotheby’s 1988-as aukciós katalógusa, a The Andy Warhol Collection (Az Andy Warhol-gyűjtemény) révén nyilvánosan is azonosítottak, és online is megtekinthetők. Könyvgyűjteménye tükrözi eklektikus ízlését és érdeklődési körét, és olyan könyveket is tartalmaz, amelyeket néhány ismerőse és barátja írt, illetve amelyek róla szólnak. Néhány cím a gyűjteményéből: The Two Mrs. Grenville: A Novel by Dominick Dunne, Artists in Uniform by Max Eastman, Andrews’ Diseases of the Skin: Clinical Dermatology by George Clinton Andrews, D.V. by Diana Vreeland, Blood of a Poet by Jean Cocteau, Watercolours by Francesco Clemente, Little World, Hello! by Jimmy Savo, Hidden Faces by Salvador Dalí és The Dinah Shore Cookbook by Dinah Shore.

2002-ben az amerikai posta 18 centes bélyeget adott ki Warhol emlékére. Az arizonai Scottsdale-i Richard Sheaff által tervezett bélyeget az Andy Warhol Múzeumban tartott ünnepségen mutatták be, és Warhol „Önarckép, 1964” című festményét ábrázolja. 2011 márciusában a New York-i Union Square-en leleplezték Andy Warhol és Polaroid fényképezőgépének krómozott szobrát.

A Merkúr egyik kráterét 2012-ben Warholról nevezték el.

Warhol Alapítvány

Warhol végrendeletében úgy rendelkezett, hogy teljes vagyonát – néhány szerény, családtagoknak szánt hagyaték kivételével – egy olyan alapítvány létrehozására fordítja, amely a „vizuális művészetek fejlesztését” szolgálja. Warholnak olyan sok holmija volt, hogy a Sotheby’s-nek kilenc napba telt, amíg halála után elárverezte a hagyatékát; az árverés több mint 20 millió dolláros bevételt hozott.

1987-ben Warhol végakaratának megfelelően létrejött az Andy Warhol Alapítvány a Vizuális Művészetekért. Az alapítvány Andy Warhol hagyatékaként szolgál, de küldetése „az innovatív művészi kifejezés és az alkotói folyamat előmozdítása”, és „elsősorban a kihívást jelentő és gyakran kísérleti jellegű munkák támogatására összpontosít”.

Az Artists Rights Society az Andy Warhol Foundation for the Visual Arts amerikai szerzői jogi képviselője az összes Warhol-alkotás tekintetében, kivéve a Warhol-filmek állóképeit. A Warhol-filmfotók amerikai szerzői jogi képviselője a pittsburghi Warhol Múzeum. Ezenkívül az Andy Warhol Foundation for the Visual Arts képarchívumára vonatkozóan is vannak megállapodások. A Warholról készült digitális képeket kizárólag a Corbis kezeli, míg a Warholról készült transzparens képeket az Art Resource.

Az Andy Warhol Alapítvány 2007-ben háromkötetes kiadványban jelentette meg 20. évfordulós éves jelentését: I. kötet, 1987-2007; II. kötet, Támogatások és kiállítások; és III. kötet, Hagyományőrző program.

Az Alapítvány jelenleg állítja össze a festmények és szobrok katalógusát, amely a művész pályafutásának több évét felölelő kötetekben jelenik meg. A IV. és V. kötetek 2019-ben jelentek meg. A további kötetek összeállítása még folyamatban van.

Az Alapítvány továbbra is az Egyesült Államok egyik legnagyobb képzőművészeti támogatásokat nyújtó szervezete.

Warhol számos műve és tárgya látható a pittsburghi Andy Warhol Múzeumban. Az alapítvány több mint 3000 műalkotást adományozott a múzeumnak.

Warhol megalapította az Interview magazint, az általa „támogatott” hírességek színpadát és egy olyan üzletet, amelyet barátai vettek igénybe. Minden könyvénél másokkal dolgozott együtt (néhányat Pat Hackett-tel közösen írt.) Azt is mondhatnánk, hogy embereket gyártott (mint a Warholi-féle „Szupersztár” és a Warholi-portré). Warhol termékeket támogatott, reklámokban szerepelt, és gyakran vendégszerepelt hírességként televíziós műsorokban és filmekben (a Love Boat-tól kezdve a Richard Pryor-filmig mindenben feltűnt, a Dinamitcsirke című filmben is).

Ebben a tekintetben Warhol az „Art Business” és az „üzleti művészet” rajongója volt – sőt, a The Philosophy of Andy Warhol from A to B and Back Again című könyvében írt arról, hogy érdekli a művészetről mint üzletről való gondolkodás.

Filmek

Warhol saját magát alakította a Cocaine Cowboys (1979) és a Tootsie (1982) című filmekben.

Halála után Warholt Crispin Glover alakította Oliver Stone The Doors (1991) című filmjében, David Bowie Julian Schnabel Basquiat (1996) című filmjében, Jared Harris pedig Mary Harron I Shot Andy Warhol (1996) című filmjében. Warhol Michael Daugherty Jackie O (1997) című operájában is szerepel, mint szereplő. Mark Bringleson színész egy rövid cameo erejéig Warhol szerepében tűnik fel az Austin Powers című filmben: International Man of Mystery (1997). Jonas Mekas avantgárd filmrendező számos filmje örökítette meg Warhol életének pillanatait. Sean Gregory Sullivan az 54 (1998) című filmben ábrázolta Warholt. Guy Pearce alakította Warholt az Edie Sedgwick életéről szóló Factory Girl (2007) című filmben. Greg Travis színész a Watchmen (2009) című film egy rövid jelenetében alakítja Warholt.

A Highway to Hell című filmben Andy Warholék egy csoportja a Good Intentions Paving Company tagja, ahol a jó szándékú lelkeket aszfaltba őrlik. A Men in Black 3 (2012) című filmben Andy Warholról kiderül, hogy valójában a MIB beépített W ügynöke (Bill Hader alakítja). Warhol 1969-ben bulit rendez a The Factory-ban, ahol K és J (J a jövőből) MIB-ügynökök keresik fel. W ügynök kétségbeesetten próbál véget vetni a beépített munkájának („Annyira kifogytam az ötletekből, hogy leveses dobozokat és banánokat festek, az isten szerelmére!”, „Meg kell színlelned a halálomat, oké? Nem tudok többé szitárzenét hallgatni.” és „Nem tudom megkülönböztetni a nőket a férfiaktól.”).

Andy Warhol (Tom Meeten alakításában) Noel Fielding 2012-es brit televíziós sorozatának, a Noel Fielding’s Luxury Comedy-nek egyik főszereplője. A karaktert robotszerű manírokkal ábrázolják. A 2017-es The Billionaire Boys Club című filmben Cary Elwes alakítja Warholt a Ron Levin (Kevin Spacey alakítja), Warhol barátjának igaz története alapján készült filmben, akit 1986-ban meggyilkoltak. 2016 szeptemberében jelentették be, hogy Jared Leto fogja alakítani a címszereplőt a Warhol című, Michael De Luca által rendezett és Terence Winter által írt amerikai életrajzi drámafilmben, amely Victor Bockris Warhol: The Biography című könyve alapján készül.

Televízió

Warhol a Vinyl című tévésorozat visszatérő szereplője volt, akit John Cameron Mitchell alakított. Warholt Evan Peters alakította az American Horror Story című sorozatban: Cult című epizódban: Valerie Solanas Died for Your Sins: Scumbag”. Az epizód a Valerie Solanas (Lena Dunham) által Warhol ellen elkövetett merényletkísérletet mutatja be.

1969 elején Andy Warhol a Braniff International megbízásából két televíziós reklámfilmben szerepelt a luxus légitársaság „When You Got It – Flaunt It” kampányának népszerűsítésére. A kampányt a Lois Holland Calloway reklámügynökség készítette, amelyet George Lois, az Esquire magazin híres címlapsorozatának alkotója vezetett. Az első reklámfilmsorozatban valószínűtlen embereket párosítottak össze, akikben közös volt, hogy mindketten a Braniff Airways járatain repültek. Warhol a bokszlegenda Sonny Listonnal állt párba. A furcsa reklámfilm bevált, akárcsak a többi, amelyben olyan valószínűtlen útitársak szerepeltek, mint Salvador Dalí festő és Whitey Ford baseball-legenda.

A Braniff számára két további reklámfilmet készítettek, amelyekben híres személyiségek szálltak be egy Braniff repülőgépbe, és egy Braniff hostess üdvözölte őket, miközben kifejtették, hogy szeretnek a Braniff járatain repülni. Warhol szerepelt az első ilyen reklámfilmben is, amelyet szintén Lois készített, és 1969 nyarán jelent meg. Lois tévesen azt állította, hogy 1967-ben a Braniff megbízta őt, hogy abban az évben képviselje a céget, de akkoriban a Madison Avenue reklámdoyenne Mary Wells Lawrence, aki a Braniff elnökének és elnökének, Harding Lawrence-nek a felesége volt, képviselte a dallasi székhelyű légitársaságot. Lois 1968. december 1-jén lépett a Wells Rich Greene ügynökség élére. Warhol Braniff számára készített filmjeinek jogai és az általa aláírt szerződések egy magánalapítvány tulajdonában vannak, és a texasi Dallasban található Braniff Airways Foundation kezeli őket.

Könyvek

Warhol címmel 2020-ban jelent meg Blake Gopnik műkritikus Andy Warhol-életrajza.

Cikkforrások

1. Andy Warhol
2. Andy Warhol