Edvard Munch
gigatos | január 26, 2022
Összegzés
Edvard Munch (1863. december 12. – 1944. január 23.) norvég festőművész. Legismertebb műve, A sikoly a világ művészetének egyik ikonikus képévé vált.
Gyermekkorát betegség, gyász és a családban öröklődő mentális betegségtől való félelem árnyékolta be. Munch a Kristiania (a mai Oslo) Királyi Művészeti Iskolában tanult, majd bohém életet kezdett élni a nihilista Hans Jæger hatása alatt, aki arra ösztönözte, hogy fesse meg saját érzelmi és lelki állapotát („lélekfestészet”). Ebből alakult ki jellegzetes stílusa.
Az utazás új hatásokat és új lehetőségeket hozott. Párizsban sokat tanult Paul Gauguintől, Vincent van Goghtól és Henri de Toulouse-Lautrec-től, különösen a színhasználatukról. Berlinben találkozott August Strindberg svéd drámaíróval, akit megfestett, amikor nekilátott Az élet fríze című nagy kánonjának, amely mélyen átélt témák – szerelem, szorongás, féltékenység, árulás – atmoszférával átitatott sorozatát ábrázolja.
A Sikoly Krisztiániában fogant. Munch elmondása szerint naplementekor sétált, amikor „meghallotta a természet hatalmas, végtelen sikolyát”. A festmény gyötrődő arcát széles körben azonosítják a modern ember szorongásával. 1893 és 1910 között két festett és két pasztellváltozatot, valamint számos grafikát készített. Az egyik pasztellkép végül a negyedik legmagasabb névleges árat érte el, amelyet aukción festményért fizettek.
Miközben hírneve és gazdagsága nőtt, érzelmi állapota bizonytalan maradt. Rövid ideig fontolgatta a házasságot, de nem tudta elkötelezni magát. Egy 1908-as idegösszeomlás arra kényszerítette, hogy felhagyjon az erős alkoholfogyasztással, és felvidította, hogy Krisztiánia lakossága egyre inkább elfogadta, és a város múzeumaiban egyre többet szerepelt. Későbbi éveit nyugalomban és magányosan töltötte. Bár műveit a náci Németországban betiltották, legtöbbjük túlélte a II. világháborút, és ezzel örökséget biztosított számára.
Gyermekkor
Edvard Munch a norvégiai Løten Ådalsbruk falujában, egy parasztházban született Laura Catherine Bjølstad és Christian Munch, egy pap fia gyermekeként. Christian orvos és egészségügyi tiszt volt, aki 1861-ben vette feleségül a nála feleannyi idős Laurát. Edvardnak volt egy idősebb nővére, Johanne Sophie, és három fiatalabb testvére: Peter Andreas, Laura Catherine és Inger Marie. Laura művészileg tehetséges volt, és talán bátorította Edvardot és Sophie-t. Edvard rokonságban állt Jacob Munch festőművésszel és Peter Andreas Munch történésszel.
A család 1864-ben költözött Christianiába (1877-ben átnevezték Kristianiára, ma Oslo), amikor Christian Munchot kinevezték az Akershus erőd orvosi tisztjének. Edvard édesanyja 1868-ban tuberkulózisban halt meg, akárcsak Munch kedvenc nővére, Johanne Sophie 1877-ben. Anyjuk halála után a Munch testvéreket apjuk és Karen nagynénjük nevelte fel. Edvard gyakran betegeskedett a tél nagy részében, és nem járt iskolába, ezért rajzolt, hogy elfoglalja magát. Iskolatársai és nagynénje tanították. Christian Munch történelmet és irodalmat is tanított fiának, és eleven szellemtörténetekkel és Edgar Allan Poe amerikai író történeteivel szórakoztatta a gyerekeket.
Ahogy Edvard emlékezett rá, Christian pozitív viselkedését a gyermekeivel szemben beárnyékolta beteges pietizmusa. Munch így írt: „Apám temperamentumilag ideges és megszállottan vallásos volt – a pszichoneurozisig. Tőle örököltem az őrület magvait. A félelem, a bánat és a halál angyalai álltak mellettem születésem napjától fogva”. Christian azzal dorgálta meg a gyerekeit, hogy az anyjuk lenéz a mennyből, és bánkódik a rossz viselkedésük miatt. A nyomasztó vallásos közeg, Edvard rossz egészségi állapota és az eleven kísértettörténetek hozzájárultak ahhoz, hogy hátborzongató látomásai és rémálmai ihletet kapjanak; a fiú úgy érezte, hogy a halál folyamatosan közeledik felé. Munch egyik kisebbik nővérénél, Lauránál már korán mentális betegséget diagnosztizáltak. Az öt testvér közül csak Andreas ment férjhez, de ő néhány hónappal az esküvő után meghalt. Munch később ezt írta: „Az emberiség két legfélelmetesebb ellenségét örököltem – a fogyasztás és az őrület örökségét”.
Christian Munch katonai fizetése nagyon alacsony volt, és a magánpraxis kialakítására tett kísérletei kudarcba fulladtak, így családja előkelő, de örökös szegénységben élt. Gyakran költöztek egyik olcsó lakásból a másikba. Munch korai rajzai és akvarelljei ezeket a belső tereket és az egyes tárgyakat, például gyógyszeres üvegeket és rajzeszközöket, valamint néhány tájképet ábrázoltak. Tizenéves korára a művészet uralta Munch érdeklődését. Tizenhárom évesen Munch először az újonnan alakult Művészeti Egyesületben találkozott más művészekkel, ahol a norvég tájképiskola munkáit csodálta. Visszatért, hogy lemásolja a festményeket, és hamarosan olajjal kezdett festeni.
Tanulmányok és hatások
1879-ben Munch beiratkozott egy műszaki főiskolára, hogy mérnöki tanulmányokat folytasson, ahol kiválóan teljesített fizikából, kémiából és matematikából. Megtanult méretarányos és perspektivikus rajzot, de gyakori betegségei megszakították tanulmányait. A következő évben, apja nagy csalódására, Munch elhagyta a főiskolát azzal az elhatározással, hogy festő lesz. Apja a művészetet „szentségtelen mesterségnek” tekintette, szomszédai pedig keserűen reagáltak rá, és névtelen leveleket küldtek neki. Apja fanatikus pietizmusával ellentétben Munch ésogmatikusan állt a művészethez. Célját naplójában írta le: „A művészetemben megpróbálom megmagyarázni az életet és annak értelmét magamnak”.
1881-ben Munch beiratkozott a Kristianiai Királyi Művészeti és Design Iskolába, amelynek egyik alapítója távoli rokona, Jacob Munch volt. Tanárai Julius Middelthun szobrász és Christian Krohg naturalista festő voltak. Még abban az évben Munch az akadémián elsajátított figurális képzés gyors elsajátításáról első portréiban tett tanúbizonyságot, köztük az apjáról készült portréban és első önarcképében. 1883-ban Munch részt vett első nyilvános kiállításán, és műtermét más diákokkal osztotta meg. Karl Jensen-Hjellről, egy hírhedt bohém-közeli emberről készült egészalakos portréja a kritikusok elutasító reakcióját váltotta ki: „Ez az impresszionizmus a végletekig fokozódott. A művészet paródiája.” Munch aktfestményei ebből az időszakból csak vázlatokban maradtak fenn, kivéve az Álló akt (1887) című képet. Ezeket valószínűleg az apja kobozta el.
Munchra fiatal korától kezdve hatással voltak az impresszionisták, mint Édouard Manet, később pedig a posztimpresszionista művészek, köztük Vincent van Gogh és Paul Gauguin. Ezekben a korai években számos stílussal kísérletezett, köztük a naturalizmussal és az impresszionizmussal. Néhány korai műve Manet-re emlékeztet. E próbálkozások közül számos kedvezőtlen kritikát váltott ki belőle a sajtó részéről, és apja állandó dorgálásokat intézett hozzá, aki ennek ellenére kisebb összegeket biztosított számára a megélhetéshez. Egy alkalommal azonban Munch apja, talán Munch unokatestvérének, Edvard Diriksnek (egy elismert, hagyományos festőművésznek) negatív véleménye által befolyásolva, legalább egy képet (valószínűleg egy aktot) megsemmisített, és nem volt hajlandó több pénzt megelőlegezni művészeti kellékekre.
Munch az apja haragját is kivívta Hans Jægerrel, a helyi nihilistával való kapcsolata miatt, aki a „pusztítás szenvedélye egyben alkotó szenvedély is” kódex szerint élt, és aki az öngyilkosságot, mint a szabadsághoz vezető végső utat hirdette. Munch az ő rosszindulatú, establishment-ellenes bűvkörébe került. „Az elképzeléseim a bohémek, vagy inkább Hans Jæger hatására fejlődtek ki. Sokan tévesen azt állították, hogy az én elképzeléseim Strindberg és a németek hatása alatt alakultak ki… de ez tévedés. Akkorra már kialakultak.” Ebben az időben Munch – sok más bohémtől eltérően – még tisztelte a nőket, valamint visszafogott és jó modorú volt, de kezdett engedni a köréhez tartozó tivornyáknak és verekedéseknek. Elbizonytalanította az akkoriban zajló szexuális forradalom és a körülötte lévő független nők. Később cinikus lett a szexuális kérdésekkel kapcsolatban, ami nemcsak viselkedésében és művészetében, hanem írásaiban is kifejezésre jutott, erre példa A szabad szerelem városa című hosszú verse. Munch továbbra is a családjától függött sokszor, és a bohém életével kapcsolatos aggodalmak miatt Munch kapcsolata az apjával továbbra is feszült maradt.
Számos kísérlet után Munch arra a következtetésre jutott, hogy az impresszionista nyelvezet nem nyújt elegendő kifejezési lehetőséget. Felületesnek és túlságosan a tudományos kísérletezéshez hasonlónak találta. Úgy érezte, hogy mélyebbre kell hatolnia, és érzelmi tartalommal és kifejező energiával teli helyzeteket kell felfedeznie. Jæger parancsára, miszerint Munch „írja meg az életét”, vagyis hogy Munchnak saját érzelmi és pszichológiai állapotát kell feltárnia, a fiatal művész elmélkedés és önvizsgálat időszakába kezdett, és gondolatait „lelki naplójában” rögzítette. Ez a mélyebb látásmód segített neki, hogy művészetének új szemléletmódja felé mozduljon el. Azt írta, hogy A beteg gyermek (1886) című festménye, amely nővére halálán alapul, az első „lélekfestménye” volt, az első szakítása az impresszionizmussal. A festmény negatív visszhangot kapott a kritikusoktól és a családjától, és a közösségben „az erkölcsi felháborodás heves kitörését” váltotta ki.
Egyedül barátja, Christian Krohg védte meg:
Ő másképp fest, vagy inkább másképp tekint a dolgokra, mint más művészek. Csak a lényeget látja, és természetesen csak ezt festi. Éppen ezért Munch képei általában „nem teljesek”, ahogyan azt az emberek oly örömmel fedezik fel magukban. Ó, dehogynem, teljesek. Az ő teljes alkotása. A művészet akkor teljes, ha a művész valóban mindent elmondott, ami a fejében volt, és éppen ez az előnye Munchnak a másik generáció festőivel szemben, hogy valóban tudja, hogyan mutassa meg nekünk, amit érzett, ami megragadta, és ennek rendel alá minden mást.
Munch az 1880-as években és az 1890-es évek elején továbbra is különböző ecsetvonás-technikákat és színpalettákat alkalmazott, miközben küzdött stílusa meghatározásáért. Művészete továbbra is a naturalista, mint a Hans Jæger portréja című művében, és az impresszionista, mint a Rue Lafayette című művében. Az Inger a tengerparton (1889), amely újabb zűrzavart és vitát váltott ki, már sejteti az érett stílusának egyszerűsített formáit, erős körvonalait, éles kontrasztjait és érzelmi tartalmát. Kezdte gondosan kiszámítani kompozícióit, hogy feszültséget és érzelmeket teremtsen. Bár stilisztikailag a posztimpresszionisták hatása alatt állt, a kialakult tematika szimbolista tartalmú volt, és inkább egy lelkiállapotot ábrázolt, mint a külső valóságot. Munch 1889-ben mutatta be első önálló kiállítását, amelyen szinte az összes addigi művét bemutatta. A kapott elismerés egy kétéves állami ösztöndíjhoz vezetett, amellyel Párizsban tanulhatott Léon Bonnat francia festőnél.
Úgy tűnik, Munch már korán kritikusa volt a fotográfiának mint művészeti formának, és megjegyezte, hogy „soha nem fog versenyezni az ecsettel és a palettával, amíg nem lehet fényképeket készíteni a Mennyben vagy a Pokolban!”.
Munch fiatalabbik húga, Laura volt a témája 1899-es belső Melankólia című művének: Laura. Amanda O’Neill így ír a műről: „Ebben a felhevült klausztrofób jelenetben Munch nemcsak Laura tragédiáját ábrázolja, hanem saját rettegését is az őrülettől, amelyet ő is örökölhetett volna”.
Párizs
Munch az Exposition Universelle (1889) ünnepségei alatt érkezett Párizsba, és két norvég művésztársával lakott együtt. Reggel (1884) című képét a norvég pavilonban állították ki. Délelőttjeit Bonnat forgalmas műtermében töltötte (ahol női modellek is voltak), délutánjait pedig a kiállításon, a galériákban és a múzeumokban (ahol a tanulóknak másolatokat kellett készíteniük, hogy megtanulják a technikát és a megfigyelést). Munch kevés lelkesedést jegyzett fel Bonnat rajzórái iránt – „Fáraszt és untat – zsibbasztó” -, de élvezte a mester kommentárjait a múzeumi kirándulások során.
Munchot lenyűgözte a modern európai művészet hatalmas tárlata, köztük három olyan művész alkotásai, akik később nagy hatással voltak rá: Paul Gauguin, Vincent van Gogh és Henri de Toulouse-Lautrec – mindannyian arról nevezetesek, hogyan használták a színeket az érzelmek közvetítésére. Munchot különösen Gauguin „realizmus elleni reakciója” és hitvallása inspirálta, miszerint „a művészet emberi munka és nem a természet utánzása”, amit korábban Whistler is vallott. Ahogy egyik berlini barátja később Munchról mondta: „nem kell Tahitiig utaznia ahhoz, hogy meglássa és megtapasztalja az emberi természet primitívségét. Ő magában hordozza a saját Tahitijét”. Gauguin, valamint Max Klinger német művész metszeteinek hatására Munch a grafikával mint médiummal kísérletezett, hogy műveinek grafikai változatait létrehozza. 1896-ban készítette el első fametszeteit – ez a médium ideálisnak bizonyult Munch szimbolikus képi világához. Kortársával, Nikolai Astruppal együtt Munchot a fametszet médium újítójaként tartják számon Norvégiában.
1889 decemberében apja meghalt, és Munch családja nincstelenné vált. Hazatért, és egy gazdag norvég gyűjtőtől nagy összegű kölcsönt intézett, amikor a gazdag rokonok nem tudtak segíteni, és ettől kezdve anyagi felelősséget vállalt a családjáért. Christian halála nyomasztotta, és öngyilkossági gondolatok gyötörték: „Együtt élek a halottakkal – az anyámmal, a nővéremmel, a nagyapámmal, az apámmal… Ölje meg magát, és akkor vége. Miért éljek?” Munch következő évi festményei között vázlatos kocsmai jelenetek és egy sor világos városkép szerepelt, amelyeken Georges Seurat pointillista stílusával kísérletezett.
Berlin
1892-re Munch megfogalmazta jellegzetes és eredeti, szinesztetikus esztétikáját, amelyet a Melankólia (1891) című művében láthatunk, amelyben a szín a szimbólumokkal teli elem. A művész és újságíró Christian Krohg szerint a Melankólia az első norvég művész által készített szimbolista festmény, amelyet 1891-ben állítottak ki az oslói őszi kiállításon. 1892-ben Adelsteen Normann a Berlini Művészek Szövetsége nevében meghívta Munchot, hogy állítson ki a novemberi kiállításon, amely a társaság első egyéni kiállítása volt. Festményei azonban keserű vitákat váltottak ki (a „Munch-ügy” néven emlegetett), és egy hét után a kiállítást bezárták. Munch örült a „nagy felfordulásnak”, és egy levelében azt írta: „Soha nem szórakoztam még ilyen jól – hihetetlen, hogy egy olyan ártatlan dolog, mint a festészet, ekkora felhajtást keltett”.
Berlinben Munch bekapcsolódott az írók, művészek és kritikusok nemzetközi körébe, köztük a svéd drámaíró és vezető értelmiségi August Strindbergbe, akit 1892-ben megfestett. Megismerkedett Holger Drachmann dán íróval és festővel is, akit 1898-ban festett meg. Drachmann 17 évvel idősebb volt Munchnál, és 1893-94-ben ivócimborája volt a Zum schwarzen Ferkelben. Drachmann 1894-ben írt Munchról: „Keményen küzd. Sok szerencsét a küzdelmeidhez, magányos norvég”.
A Berlinben töltött négy év alatt Munch felvázolta a legtöbb ötletet, amelyekből később fő műve, Az élet fríz című, először könyvillusztrációnak szánt, később azonban festményekben is kifejeződött. Keveset adott el, de némi bevételre tett szert abból, hogy belépődíjat szedett a vitatott festményei megtekintéséért. Munch már akkor is vonakodott megválni festményeitől, amelyeket „gyermekeinek” nevezett.
Más festményei, köztük kaszinójelenetek, a formák és részletek egyszerűsítését mutatják, ami korai érett stílusát jellemezte. Munch a sekély képi teret és a minimális hátteret kezdte előnyben részesíteni frontális figurái számára. Mivel a pózokat úgy választotta meg, hogy a lelkiállapotok és pszichológiai állapotok legmeggyőzőbb képét adják, mint a Hamu című képen, a figurák monumentális, statikus minőséget kölcsönöznek. Munch figurái mintha színházi színpadon játszanának szerepeket (mivel minden egyes szereplő egyetlen pszichológiai dimenziót testesít meg, mint a Sikolyban, Munch férfi- és nőalakjai inkább szimbolikusnak, mint realisztikusnak kezdtek tűnni. Azt írta: „Nem kellene többé belső tereket festeni, olvasó embereket és kötögető nőket: élő emberek lennének, akik lélegeznek és éreznek, szenvednek és szeretnek”.
A sikoly
A Sikoly négy változatban létezik: két pasztellkép (1893 és 1895) és két festmény (1893 és 1910). A Sikolyról több litográfia is létezik (1895 és később).
Az 1895-ös pasztellkép 2012. május 2-án 119 922 500 dollárért kelt el az árverésen, jutalékkal együtt. Ez a legszínesebb a változatok közül, és az egyik háttérfigura lefelé forduló testtartása teszi különlegessé. Ez az egyetlen olyan változat, amely nincs norvég múzeumban.
Az 1893-as változatot 1994-ben ellopták az oslói Nemzeti Galériából, majd visszaszerezték. Az 1910-es festményt 2004-ben lopták el az oslói Munch Múzeumból, de 2006-ban korlátozott károkkal visszaszerezték.
A Sikoly Munch leghíresebb műve, és az egyik legfelismerhetőbb festmény az egész művészetben. Széles körben úgy értelmezik, hogy a modern ember egyetemes szorongását ábrázolja. A széles, rikító színsávokkal és erősen leegyszerűsített formákkal festett, magas nézőpontot alkalmazó alkotás a gyötrődő alakot egy érzelmi válságba került, ruhába öltözött koponyává redukálja.
Ezzel a festménnyel Munch elérte kinyilvánított célját: „a lélek tanulmányozását, vagyis saját magam tanulmányozását”. Munch leírta, hogyan született meg a festmény: „Két barátommal sétáltam az úton, amikor a nap lenyugodott; hirtelen az ég olyan vörös lett, mint a vér. Megálltam, és a kerítésnek támaszkodtam, kimondhatatlanul fáradtnak éreztem magam. Tűz- és vérnyelvek húzódtak a kékesfekete fjord fölött. A barátaim továbbmentek, míg én a félelemtől reszketve lemaradtam. Aztán meghallottam a természet hatalmas, végtelen sikolyát”. Később így írta le a festmény mögött meghúzódó személyes gyötrelmeit: „több éven át majdnem megőrültem… Ismerik a képemet, a ‘Sikoly’-t? A végsőkig feszültem – a természet sikoltozott a véremben… Ezután feladtam a reményt, hogy valaha is képes leszek újra szeretni”.
Martha Tedeschi író a festmény hatásait összegezve megállapította:
Whistler Anyja, Wood Amerikai gótika, Leonardo da Vinci Mona Lisája és Edvard Munch Sikolya mind olyasmit értek el, amit a legtöbb festmény – függetlenül művészettörténeti jelentőségétől, szépségétől vagy pénzértékétől – nem: szinte minden néző számára szinte azonnal közölnek egy konkrét jelentést. Ez a néhány mű sikeresen átjutott a múzeumlátogató elit birodalmából a populáris kultúra hatalmas színterére.
Az élet fríze – vers az életről, a szerelemről és a halálról
1893 decemberében a berlini Unter den Lindenben rendezték meg Munch munkáinak kiállítását, amelyen többek között hat festményt mutattak be Tanulmány egy sorozathoz címmel: Szerelem. Ezzel kezdődött az a ciklus, amelyet később Az élet frízének – Egy költemény az életről, a szerelemről és a halálról címet adta. Az Élet frízének motívumai, mint például A vihar és a Holdfény, át vannak itatva az atmoszférával. Más motívumok a szerelem éjszakai oldalát világítják meg, mint a Rózsa és Amelie és a Vámpír. A Halál a betegszobában témája a húga, Sophie halála, amelyet számos későbbi variációban dolgozott fel. Az egész családját ábrázoló festmény drámai fókusza szétszóródik a gyász különálló és egymástól elszakadt alakjaiban. A motívumspektrumot 1894-ben kibővítette a Szorongás, a Hamu, a Madonna és a Nők három stádiumban (az ártatlanságtól az öregségig) című képekkel.
A 20. század elején Munch a „Fríz” befejezésén dolgozott. Számos képet festett, több közülük nagyobb formátumban, és bizonyos mértékig a kor szecessziós esztétikáját megjelenítve. A Metabolizmus (1898) című nagyméretű, eredetileg Ádám és Éva című festményhez faragott domborművekkel díszített fakeretet készített. Ez a mű felfedi Munchnak az „ember bukásával” való foglalkozását és pesszimista szerelemfilozófiáját. Az olyan motívumok, mint Az üres kereszt és a Golgota (mindkettő 1900 körül) metafizikai irányultságot tükröznek, és Munch pietista neveltetését is tükrözik. A teljes Fríz először az 1902-es berlini szecessziós kiállításon volt látható.
„Az élet frízének” témája Munch egész munkásságában visszatér, de különösen az 1890-es évek közepén összpontosított rá. Vázlatokon, festményeken, pasztellképeken és grafikákon érzelmei mélyére hatolt, hogy megvizsgálja fő motívumait: az élet szakaszait, a femme fatale-t, a szerelem reménytelenségét, a szorongást, a hűtlenséget, a féltékenységet, a szexuális megaláztatást, az elválást az életben és a halálban. Ezek a témák olyan festményeken jutnak kifejezésre, mint A beteg gyermek (1893-94), a Hamu (1894) és A híd. Az utóbbi sánta alakokat ábrázol, vonások nélküli vagy rejtett arcokkal, amelyek fölött súlyos fák és merengő házak fenyegető alakjai rajzolódnak ki. Munch a nőket vagy törékeny, ártatlan szenvedőként ábrázolta (lásd Pubertás és Szerelem és fájdalom), vagy nagy vágyakozás, féltékenység és kétségbeesés okaként (lásd Elválás, Féltékenység és Hamu).
Munch gyakran használ árnyékokat és színgyűrűket alakjai körül, hogy a félelem, a fenyegetés, a szorongás vagy a szexuális intenzitás auráját hangsúlyozza. Ezeket a festményeket úgy értelmezték, mint a művész szexuális szorongásainak tükröződését, bár azt is lehet állítani, hogy magához a szerelemhez fűződő viharos viszonyát és az emberi létezéssel kapcsolatos általános pesszimizmusát ábrázolják. E vázlatok és festmények közül sok készült több változatban, mint például a Madonna, a Kéz és a Pubertás, és átírták fametszetnyomatok és litográfiák formájában is. Munch nem szívesen vált meg a festményeitől, mert műveit egységes kifejezésmódú alkotásoknak tekintette. Ezért, hogy tőkét kovácsoljon a termeléséből és némi bevételre tegyen szert, a grafikához fordult, hogy sok festményét, köztük e sorozat képeit is sokszorosítsa. Munch elismerte munkásságának személyes céljait, de művészetét egy szélesebb célnak is felajánlotta: „Művészetem valójában önkéntes vallomás és kísérlet arra, hogy megmagyarázzam magamnak az élethez való viszonyomat – ez tehát valójában egyfajta egoizmus, de folyamatosan abban reménykedem, hogy ezáltal másoknak is segíthetek a tisztánlátásban”.
Bár erősen negatív reakciókat váltott ki, az 1890-es években Munch kezdett némi megértést kapni művészi céljai iránt, ahogy egy kritikus írta: „A forma kíméletlen megvetésével, a tisztaság, az elegancia, a teljesség és a realizmus iránti kíméletlen megvetéssel, a tehetség intuitív erejével festi meg a lélek legfinomabb látomásait”. Egyik nagy támogatója Berlinben Walther Rathenau, a későbbi német külügyminiszter volt, aki nagyban hozzájárult sikeréhez.
Párizs, Berlin és Krisztiánia
1896-ban Munch Párizsba költözött, ahol az Élet frízének témáinak grafikai ábrázolására összpontosított. Továbbfejlesztette fametszet- és litográfiai technikáját. Munch Önarckép csontvázkarral (1895) című műve a Paul Klee által is használt metsző tű-tinta módszerrel készült. Munch a tuberkulózisról szóló A beteg gyermek többszínű változatát is elkészítette, amely jól fogyott, valamint több aktot és a Csók (1892) több változatát is. 1896 májusában Siegfried Bing kiállítást rendezett Munch munkáiból a Bing’s Maison de l’Art Nouveau-ban. A kiállításon hatvan művet mutattak be, köztük a Csók, a Sikoly, a Madonna, a Beteg gyermek, a Halálkamra és a Másnap. Bing kiállítása segített abban, hogy Munchot megismertesse a francia közönséggel. Ennek ellenére a párizsi kritikusok közül sokan még mindig „erőszakosnak és brutálisnak” tartották Munch munkásságát, még akkor is, ha kiállításai komoly figyelmet és jó látogatottságot kaptak. Anyagi helyzete jelentősen javult, és 1897-ben Munch a norvégiai Åsgårdstrand kisvárosban, a 18. század végén épült Kristiania fjordjaira néző nyaralót vásárolt magának, egy kis halászkunyhót, amely a 18. század végén épült. Ezt az otthont „Boldog háznak” nevezte el, és a következő 20 évben szinte minden nyáron visszatért ide. Ez a hely hiányzott neki, amikor külföldön volt, és amikor depressziósnak és kimerültnek érezte magát. „Åsgårdstrandban sétálni olyan, mintha a festményeim között sétálnék – annyira inspirál a festészet, amikor itt vagyok”.
1897-ben Munch visszatért Krisztiániába, ahol szintén nem szívesen fogadták – egy kritikus így írt róla: „E képek közül jó néhányat már korábban is kiállítottak. Véleményem szerint ezek az ismerkedés hatására javulnak”. 1899-ben Munch intim kapcsolatot kezdett Tulla Larsennel, egy „felszabadult” felsőosztálybeli nővel. Együtt utaztak Olaszországba, és visszatérésük után Munch művészetének újabb termékeny korszaka kezdődött, amely tájképeket és „Az élet fríze” sorozatának utolsó képét, Az élet táncát (1899) foglalta magába. Larsen nagyon vágyott a házasságra, Munch pedig kikönyörögte. Ivása és rossz egészségi állapota felerősítette félelmeit, ahogy harmadik személyben írta: „Gyermekkora óta gyűlölte a házasságot. Beteg és ideges otthona azt az érzést keltette benne, hogy nincs joga megházasodni”. Munch majdnem beadta a derekát Tullának, de 1900-ban elmenekült előle, jelentős vagyonától is elfordulva, és Berlinbe költözött. Tizennyolc különböző változatban megalkotott Lányok a mólón című műve a női fiatalság témáját mutatta be negatív konnotációk nélkül. 1902-ben tematikusan állította ki műveit a berlini Szecesszió csarnokában, ami „szimfonikus hatást keltett – nagy feltűnést keltett – sok ellenszenvet és sok tetszést”. A berlini kritikusok kezdték értékelni Munch munkásságát, noha a közönség még mindig idegennek és furcsának találta műveit.
A jó sajtóvisszhangnak köszönhetően Munchra felfigyeltek Albert Kollman és Max Linde befolyásos mecénások. Az események fordulatát így írta le naplójában: „Húsz évnyi küzdelem és nyomorúság után a jó erők végre segítségemre sietnek Németországban – és egy fényes ajtó nyílik meg előttem”. E pozitív változás ellenére azonban Munch önpusztító és kiszámíthatatlan viselkedése előbb egy másik művésszel való heves veszekedésbe, majd a rövid megbékélésre visszatért Tulla Larsen jelenlétében egy véletlen lövésbe keveredett, amely során két ujja megsérült. Munch később a lövöldözés és az azt követő események következményeként kettéfűrészelte az őt és Larsent ábrázoló önarcképét. A nő végül elhagyta őt, és feleségül ment Munch egy fiatalabb kollégájához. Munch ezt árulásnak vette, és még jó ideig eltöprengett a megaláztatáson, a keserűség egy részét pedig új festményekben vezette le. Az 1906-07-ben készült Csendélet (A gyilkosnő) és Az I. Marat halála című festményei egyértelműen utalnak a lövöldözési incidensre és annak érzelmi utóhatásaira.
1903-04-ben Munch Párizsban állított ki, ahol a merészen hamis színvilágukról híres fauvisták valószínűleg látták műveit, és inspirációt meríthettek belőlük. Amikor a fauve-ok 1906-ban megrendezték saját kiállításukat, Munchot is meghívták, és műveit az övékkel együtt állította ki. Rodin szobrászatának tanulmányozása után Munch kísérletezhetett a plasztilin felhasználásával, mint a tervezés segédeszközével, de kevés szobrot készített. Ez idő alatt Munch számos megbízást kapott portrékra és grafikákra, ami javított általában bizonytalan anyagi helyzetén. 1906-ban megfestette a berlini Deutsches Theaterben található kis Kammerspiele Színházban egy Ibsen-darab paravánját, amelyben az Élet frízét függesztették ki. A színház igazgatója, Max Reinhardt később eladta; a kép ma a berlini Nationalgalerie-ben található. Egy korábbi tájképes időszak után 1907-ben ismét az emberi alakok és helyzetek felé fordult.
Meghibásodás és helyreállítás
1908 őszén Munch szorongása, amelyet a túlzott alkoholfogyasztás és a verekedés súlyosbított, akuttá vált. Ahogy később írta: „Az állapotom az őrület határán volt – az egész az érintés határán mozgott”. Hallucinációknak és üldözési érzéseknek kitéve Daniel Jacobson klinikájára került. A következő nyolc hónapig tartó terápia, amelyben Munch részesült, diétát és „elektrifikációt” tartalmazott (ez az akkoriban idegbetegségek kezelésére divatos kezelés volt, nem tévesztendő össze az elektrokonvulzív terápiával). Munch kórházi tartózkodása stabilizálta személyiségét, és miután 1909-ben visszatért Norvégiába, munkássága színesebbé és kevésbé pesszimistává vált. Hangulatát tovább derítette, hogy a krisztusi közvélemény végre felmelegedett a munkái iránt, és a múzeumok elkezdték vásárolni a festményeit. A Szent Oláva Királyi Lovagrend lovagjává avatták „a művészet terén tett szolgálataiért”. Első amerikai kiállítása 1912-ben volt New Yorkban.
Dr. Jacobson a felépülése részeként azt tanácsolta Munchnak, hogy csak jó barátokkal barátkozzon, és kerülje a nyilvános ivást. Munch megfogadta ezt a tanácsot, és eközben számos egészalakos portrét készített barátairól és mecénásairól – hízelgéstől mentes, őszinte portrékat. Tájképeket és jeleneteket is alkotott, amelyeken emberek dolgoznak és játszanak, új, optimista stílusát használva – széles, laza ecsetvonásokkal, élénk színekkel, gyakori fehér térrel és ritka feketével -, és csak alkalmanként utalva morbid témáira. A több bevétel révén Munch több ingatlant tudott vásárolni, amelyek új távlatokat biztosítottak művészetének, és végre el tudta látni a családját.
Az I. világháború kitörése Munchot megosztott lojalitással találta, ahogyan ő fogalmazott: „Minden barátom német, de én Franciaországot szeretem”. Az 1930-as években német mecénásai, akik közül sokan zsidók voltak, elvesztették vagyonukat, néhányan pedig életüket a náci mozgalom felemelkedése során. Munch norvég nyomdászokat talált, hogy helyettesítsék a németeket, akik a grafikai munkáit nyomtatták. Tekintettel rossz egészségi állapotára, 1918-ban Munch szerencsésnek érezte magát, hogy túlélte a spanyolnáthát, a világméretű járványt abban az évben.
Későbbi évek
Munch az utolsó két évtizedét magányosan töltötte szinte önellátó birtokán, az oslói Skøyenben található Ekelyben. Kései festményei közül sok a tanyasi életet ünnepli, köztük több olyan is, amelyeken „Rousseau” nevű munkalovát használta modellként. Minden erőfeszítés nélkül Munch folyamatosan vonzotta a női modelleket, akiket számos aktfestmény témájaként festett meg. Néhányukkal valószínűleg szexuális kapcsolata is volt. Munch időnként elhagyta otthonát, hogy megrendelésre falképeket fessen, többek között a Freia csokoládégyár számára készülteket.
Munch élete végéig folytatta a kíméletlen önarcképek festését, kiegészítve életének önvizsgálati ciklusát és érzelmi és fizikai állapotának kíméletlen sorozatát. Az 1930-as és 1940-es években a nácik „degenerált művészetnek” bélyegezték Munch munkásságát (Picasso, Klee, Matisse, Gauguin és sok más modern művész munkáival együtt), és 82 művét eltávolították a német múzeumokból. Adolf Hitler 1937-ben kijelentette: „Felőlünk ezek az őskori kőkorszaki kultúrbarbárok és művészeti dadogók visszatérhetnek őseik barlangjaiba, és ott alkalmazhatják primitív nemzetközi karcolásukat”.
1940-ben a németek megszállták Norvégiát, és a náci párt átvette a kormányt. Munch 76 éves volt. Munch szinte teljes műgyűjteményével a háza második emeletén, a náci elkobzástól való félelemben élt. A nácik által korábban elvett festmények közül hetvenegyet, köztük A sikolyt és A beteg gyermeket, gyűjtők vásárlásával visszakapta Norvégia (a másik tizenegyet soha nem kapta vissza), és ezeket is elrejtették a nácik elől.
Munch 1944. január 23-án, körülbelül egy hónappal 80. születésnapja után, az Oslo melletti Ekelyben lévő házában halt meg. A nácik által megrendezett temetése azt sugallta a norvégoknak, hogy náci szimpatizáns volt, a független művész egyfajta kisajátítása. Oslo városa 1946-ban vásárolta meg az Ekely-birtokot Munch örököseitől; házát 1960 májusában lebontották.
Munch halálakor megmaradt műveit Oslo városára hagyta, amely felépítette a Munch Múzeumot Tøyenben (1963-ban nyitotta meg kapuit). A múzeum mintegy 1100 festményből, 4500 rajzból és 18 000 grafikából álló gyűjteményt őriz, amely a világ legszélesebb körű gyűjteménye. A Munch Múzeum Munch hivatalos hagyatékaként szolgál; aktívan reagált a szerzői jogokat érintő jogsértésekre, valamint a művek szerzői jogainak tisztázása terén, például Munch A sikoly című képének megjelenése egy 2006-os M&M’s reklámkampányban. A Munch Múzeum és Edvard Munch hagyatékának amerikai szerzői jogi képviselője az Artists Rights Society.
Munch művészete erősen személyre szabott volt, és keveset tanított. „Privát” szimbolizmusa sokkal személyesebb volt, mint más szimbolista festőké, például Gustave Moreau-é és James Ensoré. Munch mégis nagy hatást gyakorolt, különösen a német expresszionistákra, akik követték filozófiáját: „Nem hiszek abban a művészetben, amely nem az Embernek a szíve megnyitására irányuló késztetésének kényszerű eredménye”. Számos festménye, köztük A sikoly, a rendkívül személyes jelentésük mellett egyetemes vonzerővel is bír.
Munch művei ma számos jelentős múzeumban és galériában vannak jelen Norvégiában és külföldön. Házikóját, a „Boldog ház”-at 1944-ben Åsgårdstrand önkormányzatának adományozták, amely egy kis Munch-múzeumként működik. A leltár pontosan úgy maradt fenn, ahogyan ő maga hagyta.
A Sikoly egyik változatát 1994-ben ellopták a Nemzeti Galériából. 2004-ben a Sikoly egy másik változatát, valamint egy Madonnát ábrázolót a Munch Múzeumból lopták el egy merész, nappali rablás során. Ezek végül mind visszakerültek, de a 2004-es rablás során ellopott festmények nagymértékben megrongálódtak. Ezeket aprólékosan restaurálták, és most ismét kiállították őket. 2005-ben három Munch-művet loptak el a Hotel Refsnes Godsból; ezeket rövidesen visszaszerezték, bár az egyik művet a rablás során megrongálták.
2006 októberében a színes fametszet Két ember. A magányos (To mennesker. De ensomme) új rekordot állított fel a grafikái között, amikor egy oslói árverésen 8,1 millió koronáért (1,27 millió dollár, ami 2020-ban 1 600 000 dollárnak felel meg) kelt el. Ez egyben a legmagasabb ár, amelyet Norvégiában árverésen fizettek érte. 2008. november 3-án a Vámpír című festménye új rekordot állított fel a festményei között, amikor 38 162 000 dollárért (2020-ban 45 900 000 dollárnak megfelelő összegért) kelt el a Sotheby’s New York-i aukcióján.
Munch képe a norvég 1000 koronás bankjegyen is szerepel, a művei által ihletett képekkel együtt.
2012 februárjában egy nagyszabású Munch-kiállítás, az Edvard Munch. A modern szem” című kiállítás nyílt a frankfurti Schirn Kunsthalle-ban; a tárlatot Mette-Marit, Norvégia koronahercegnője nyitotta meg.
A Sikoly 2012 májusában 119,9 millió dollárért (ami 2020-ban 135 200 000 dollárnak felel meg) kelt el, és ezzel a második legdrágább műalkotás, amelyet valaha nyílt aukción eladtak. (2013 novemberében Lucian Freud három tanulmánya (Three Studies of Lucian Freud) című műve felülmúlta, amely 142,4 millió dollárért kelt el).
2013-ban a norvég posta négy Munch-képet ábrázolt egy bélyegsorozaton, hogy 2014-ben Munch születésének 150. évfordulójára emlékezzen.
2016. november 14-én Munch A lányok a hídon című művének egy változata 54,5 millió dollárért (2020-ban 58 800 000 dollárnak megfelelő összegért) kelt el a New York-i Sotheby’s árverésén, ami a második legmagasabb ár, amelyet Munch egyik festményéért elértek.
2019 áprilisában a British Museum adott otthont az Edvard Munch: Love and Angst című, 83 műtárgyból álló tárlatot, köztük A sikoly ritka eredeti lenyomatát.
Egyetemi Aula
1911-ben Munch és Emanuel Vigeland között került sor az Oslói Egyetem Aula (aula) nagy falainak díszítésére kiírt végső versenyre. Az epizód az „Aula-vita” néven vált ismertté. Végül 1914-ben Munchot bízták meg az Aula díszítésével, és a munka 1916-ban készült el. A norvég monumentális festészet e főműve 11 festményt tartalmaz, amelyek 223 m2-en terülnek el. A Nap, a Történelem és az Alma Mater a kulcsművek ebben a sorozatban. Munch kijelentette: „Azt akartam, hogy a díszítések egy teljes és független gondolatvilágot alkossanak, és azt akartam, hogy vizuális kifejezésük egyszerre legyen jellegzetesen norvég és univerzálisan emberi”. 2014-ben felvetették, hogy az Aula festményeinek értéke legalább 500 millió korona.
Általános források
Cikkforrások
