Jean-Baptiste Camille Corot
gigatos | január 19, 2022
Összegzés
Jean-Baptiste-Camille Corot (1796. július 16. – 1875. február 22.) francia táj- és portréfestő, valamint metszetkészítő. A tájképfestészet egyik meghatározó alakja, akinek hatalmas munkássága egyszerre utal a neoklasszikus hagyományra és előlegezi meg az impresszionizmus plein-air újításait.
Korai élet és képzés
Jean-Baptiste-Camille Corot (röviden Camille Corot) 1796. július 16-án született Párizsban, a ma már lebontott Rue du Bac 125. szám alatti házban. Családja nagypolgári családból származott – apja parókakészítő, anyja molnárnő volt -, és néhány művészkollégájával ellentétben egész életében nem érezte a pénz hiányát, mivel szülei jó befektetéseket eszközöltek és jól vezették vállalkozásaikat. Miután a szülei összeházasodtak, megvették a molnárüzletet, ahol az édesanyja dolgozott, és az apja feladta parókakészítői karrierjét, hogy az üzlet üzleti részét vezesse. Az üzlet a divatos párizsiak híres célpontja volt, és kiváló jövedelemhez juttatta a családot. Corot a család három gyermeke közül a második volt, akik ezekben az években az üzletük felett laktak.
Corot ösztöndíjat kapott, hogy a roueni Lycée Pierre-Corneille-ben tanulhasson, de tanulmányi nehézségek után otthagyta, és bentlakásos iskolába ment. „Nem volt kitűnő tanuló, és egész iskolai pályafutása alatt egyetlen díjra sem jelölték, még a rajzórákra sem”. Ellentétben sok mesterrel, akik már korán tehetséget és hajlamot mutattak a művészet iránt, 1815 előtt Corot nem mutatott ilyen érdeklődést. Ezekben az években a Sennegon családnál élt, amelynek pátriárkája Corot apjának barátja volt, és aki sok időt töltött a fiatal Corot-val természetjáráson. Corot ezen a vidéken készítette első természet utáni festményeit. Tizenkilenc évesen Corot „nagy gyerek volt, félénk és esetlen. Elpirult, ha megszólították. A szép hölgyek előtt, akik anyja szalonjában megfordultak, zavarba jött, és menekült, mint egy vadállat… Érzelmileg gyengéd és jól nevelt fiú volt, aki imádta az anyját, és reszketett, ha az apja megszólalt”. Amikor Corot szülei 1817-ben új lakóházba költöztek, a 21 éves Corot beköltözött a harmadik emeleti dorombos-ablakos szobába, amely egyben első műterme is lett.
Apja segítségével Corot egy drapériánál tanult, de gyűlölte a kereskedelmi életet, és megvetette az általa „üzleti trükköknek” nevezett dolgokat, mégis hűségesen kitartott a szakmában 26 éves koráig, amikor apja beleegyezett, hogy a művészi hivatást válassza. Később Corot így nyilatkozott: „Megmondtam apámnak, hogy az üzlet és én egyszerűen összeférhetetlenek vagyunk, és hogy elválok”. Az üzleti tapasztalat azonban hasznosnak bizonyult, mivel a szövetek színeinek és textúráinak megismerése révén segített neki esztétikai érzékének kialakításában. Talán unaloműzésből 1821 körül fordult az olajfestészet felé, és rögtön tájképekkel kezdett foglalkozni. Nővére halála után, 1822-től kezdődően Corot évi 1500 frankos juttatást kezdett kapni, amely élete hátralévő részében megfelelően finanszírozta új karrierjét, műtermét, anyagait és utazásait. Azonnal kibérelt egy műtermet a quai Voltaire-on.
Abban az időszakban, amikor Corot megszerezte az eszközöket, hogy a művészetnek szentelhesse magát, a tájképfestészet fellendülőben volt, és általában két táborra oszlott: a dél-európai neoklasszicisták által festett történeti tájképek, amelyek valós és elképzelt helyszínek idealizált, ókori, mitológiai és bibliai alakokkal benépesített látványát ábrázolták; és az észak-európai neorealista tájképek, amelyek nagyrészt hűek voltak a tényleges domborzati, építészeti és növényvilághoz, és gyakran parasztok alakjait ábrázolták. Mindkét megközelítésben a tájképfestők jellemzően szabadtéri vázlatkészítéssel és előzetes festéssel kezdtek, a befejező munkát pedig beltérben végezték. A 19. század elején a francia tájképfestőkre nagy hatással volt az angol John Constable és J. M. W. Turner munkássága, akik megerősítették a realizmus irányzatát, és eltávolodtak a neoklasszicizmustól.
1821 és 1822 között Corot egy rövid ideig Achille Etna Michallon-nál tanult, egy Corot korabeli tájképfestőnél, aki Jacques-Louis David festő pártfogoltja volt, és aki már akkor is elismert tanár volt. Michallon nagy hatással volt Corot pályájára. Corot rajzórákon többek között litográfiákat követett le, háromdimenziós formákat másolt, valamint tájképvázlatokat és -festményeket készített a szabadban, különösen Fontainebleau erdeiben, a normandiai kikötőkben és a Párizstól nyugatra fekvő falvakban, például Ville-d’Avray-ban (ahol szüleinek vidéki háza volt). Michallon megismertette őt a francia neoklasszicista hagyomány elveivel is, ahogyan azt Pierre-Henri de Valenciennes teoretikus híres értekezése képviselte, és ahogyan azt Claude Lorrain és Nicolas Poussin francia neoklasszicisták művei példázzák, akiknek fő célja az ideális szépség ábrázolása volt a természetben, összekapcsolva az ókori eseményekkel.
Bár ez az iskola hanyatlóban volt, még mindig nagy befolyással bírt a Szalonban, Franciaország legjelentősebb művészeti kiállításán, amelyet minden egyes alkalommal több ezren látogattak meg. Corot később így nyilatkozott: „Első tájképemet a természetről készítettem… ennek a festőnek a szeme alatt, akinek egyetlen tanácsa az volt, hogy a legnagyobb lelkiismeretességgel adjam vissza mindazt, amit magam előtt látok. A lecke bevált; azóta mindig nagy becsben tartom a pontosságot”. Michallon korai, 1822-ben bekövetkezett halála után Corot Michallon tanáránál, Jean-Victor Bertin-nél, Franciaország legismertebb neoklasszikus tájképfestőinél tanult, aki Corot-val botanikai témájú litográfiák másolatait rajzoltatta meg, hogy megtanulja a pontos organikus formákat. Bár Corot nagyra becsülte a neoklasszicistákat, képzettségét nem korlátozta az elképzelt természetben játszódó allegóriák hagyományára. Feljegyzőkönyveiben a fatörzsek, sziklák és növények pontos ábrázolásai láthatók, amelyeken az északi realizmus hatása érződik. Corot egész pályafutása során hajlamos volt mindkét hagyományt alkalmazni munkáiban, és néha a kettőt ötvözte.
Első utazás Olaszországba
Szülei támogatásával Corot követte a francia festők jól bevált mintáját, akik Olaszországba mentek, hogy tanulmányozzák az olasz reneszánsz mestereit és lerajzolják a római ókor omladozó emlékeit. Szülei az indulás előtt azt a feltételt szabták neki, hogy festsen nekik egy önarcképet, az elsőt. Corot 1825 és 1828 közötti olaszországi tartózkodása rendkívül formáló és termékeny volt, amely alatt több mint 200 rajzot és 150 festményt készített. Több, szintén külföldön tanuló fiatal francia festővel dolgozott és utazott együtt, akik együtt festettek, és esténként a kávézókban társasági életet éltek, egymást kritizálták és pletykáltak. Corot keveset tanult a reneszánsz mesterektől (bár később Leonardo da Vincit nevezte meg kedvenc festőjeként), és ideje nagy részét Róma környékén és az olasz vidéken töltötte. Gyakori célpontja volt a Farnese-kert, ahonnan csodálatos kilátás nyílik az ókori romokra, és három különböző napszakban festette meg. A gyakorlat különösen értékes volt abban, hogy megértette mind a középtáv-, mind a panorámaperspektíva kihívásait, és hogy az ember alkotta építményeket hatékonyan helyezze el a természeti környezetben. Megtanulta azt is, hogyan lehet az épületeknek és a szikláknak megfelelő fénnyel és árnyékkal a térfogat és a szilárdság hatását adni, miközben sima és vékony technikát alkalmaz. Továbbá a megfelelő alakok világi környezetbe helyezése a jó tájképfestészet elengedhetetlen kelléke volt, hogy emberi kontextust és léptéket adjon, és ez még fontosabb volt az allegorikus tájképeknél. Ennek érdekében Corot natúr ruhába öltöztetett és meztelen figuratanulmányokon is dolgozott. Télen műteremben töltötte az időt, de amint az időjárás engedte, gyorsan visszatért a kinti munkához. Olaszország intenzív fénye jelentős kihívást jelentett: „Ez a nap olyan fényt bocsát ki, amely kétségbeejt. Érezteti velem a palettám teljes tehetetlenségét”. Megtanulta elsajátítani a fényt, és megtanulta a köveket és az eget finom és drámai variációkban megfesteni.
Corot figyelmét nemcsak az olasz építészet és a fény kötötte le. A későn érő Corot-t az olasz nők is elbűvölték: „Még mindig náluk vannak a legszebb nők a világon, akikkel találkoztam….a szemük, a válluk, a kezük látványos. Ebben felülmúlják a mi nőinket, másrészt viszont kecsességben és kedvességben nem érnek fel hozzájuk… Jómagam, mint festő, az olasz nőt kedvelem, de ha érzelmekről van szó, a francia nő felé hajlok”. A nők iránti erős vonzalma ellenére a festészet iránti elkötelezettségéről írta: „Egyetlen célom van az életben, amelyet hűségesen követni akarok: tájképeket készíteni. Ez a szilárd elhatározás tart távol a komoly kötődéstől. Vagyis a házasságban… de független természetem és a komoly tanulás iránti nagy szükségletem miatt könnyelműen veszem a dolgot”.
Törekvés a szalonra
Az első és a második olaszországi látogatását követő hatéves időszakban Corot a Szalonban való bemutatásra szánt nagyméretű tájképek elkészítésére összpontosított. Számos szalonfestménye olasz olajvázlatainak adaptációja volt, amelyeket a műteremben átdolgozott a neoklasszikus elveknek megfelelő, elképzelt formai elemek hozzáadásával. Erre példa első szalonbejegyzése, a Narniai kilátás (1827), ahol egy római vízvezeték romjáról készült gyors, természetes tanulmányát a poros, ragyogó napsütésben egy hamisan idilli pásztorhelyszínné alakította át hatalmas árnyas fákkal és zöld pázsittal, amivel a neoklasszicista zsűritagokat akarta megszólítani. Számos kritikus nagyra értékelte plein-air olasz festményeit „impresszionizmus csírái”, a természetes fényhez való hűségük és az akadémikus értékek kerülése miatt, noha tanulmányoknak szánták őket. Néhány évtizeddel később az impresszionizmus forradalmasította a művészetet azzal, hogy hasonló megközelítést alkalmazott – a szabadban végzett gyors, spontán festés -, azonban míg az impresszionisták gyorsan alkalmazott, keveretlen színeket használtak a fény és a hangulat megragadására, Corot általában kevert és kevert színeket használt az álomszerű hatások elérése érdekében.
A műtermen kívül Corot az olasz módszereket követve beutazta Franciaországot, és rusztikus tájképekre koncentrált. Visszatért a normandiai tengerpartra és Rouenbe, a városba, ahol fiatalkorában élt. Corot néhány portrét is készített barátairól és rokonairól, és megkapta első megbízásait. Az unokahúgáról, Laure Sennegonról készült, púderkék ruhába öltözött, érzékeny portréja az egyik legsikeresebb portréja volt, amelyet később a Louvre-nak adományoztak. Minden családi portréból jellemzően két példányt festett, egyet az alany és egyet a család számára, és gyakran készített másolatokat tájképeiről is.
1829 tavaszán Corot Barbizonba jött, hogy a fontainebleau-i erdőben fessen; először 1822-ben festett az erdőben, Chaillyban. 1830 őszén és 1831 nyarán visszatért Barbizonba, ahol rajzokat és olajtanulmányokat készített, amelyekből az 1830-as szalonra szánt festményt, a Fontainebleau-i erdő látképét (ma a washingtoni Nemzeti Galériában található) és az 1831-es szalonra egy másik, a Fontainebleau-i erdő látképét készítette el. Itt találkozott a barbizoni iskola tagjaival: Théodore Rousseau-val, Paul Huet-val, Constant Troyonnal, Jean-François Millet-vel és a fiatal Charles-François Daubigny-vel. Corot 1831-ben és 1833-ban egy portrét és több tájképet állított ki a Szalonban. A Szalon kritikusai hűvösen fogadták, és Corot úgy döntött, hogy visszatér Olaszországba, mivel neoklasszikus témáival nem tudta őket kielégíteni.
Pályafutás közepén
Két olaszországi útja során Észak-Olaszországot, Velencét és ismét a római vidéket kereste fel. 1835-ben Corot szenzációt keltett a Szalonban Agar dans le desert (Hágár a pusztában) című bibliai festményével, amely Hágárt, Sára szolgálóját és a gyermek Izmaelt ábrázolta, amint szomjan halnak a sivatagban, amíg egy angyal meg nem menti őket. A háttér valószínűleg egy olasz tanulmányból származik. Corot ezúttal a neoklasszikus eszmény váratlanul merész, friss kinyilatkoztatásával aratott sikert a kritikusoknál, mivel „a környezet és a szenvedély vagy szenvedés közötti harmóniát mutatta be, amelyet a festő úgy döntött, hogy ábrázol benne”. Ezt más bibliai és mitológiai témákkal folytatta, de ezek a festmények nem arattak akkora sikert, mivel a szalonkritikusok Poussinnal való összehasonlításban hiányolták. 1837-ben festette legkorábbi fennmaradt aktját, A szajnai nimfa című képét. Később azt tanácsolta tanítványainak: „Az akt tanulmányozása, látják, a legjobb lecke, amit egy tájképfestő kaphat. Ha valaki tudja, hogyan kell mindenféle trükk nélkül lehozni egy alakot, akkor képes tájképet készíteni; másképp soha nem képes rá”.
Az 1840-es években Corot-nak továbbra is meggyűlt a baja a kritikusokkal (számos művét határozottan elutasították a szalonkiállításra), és a közönség sem vásárolt meg sok művet. Bár az elismerés és az establishment általi elfogadás lassan jött, 1845-ben Baudelaire a „modern tájképfestészeti iskola” vezetőjének kiáltotta ki Corot-t. Míg egyes kritikusok Corot színeit „fakónak”, munkáit pedig „naiv esetlenségnek” találták, Baudelaire okosan így reagált: „M. Corot inkább harmonista, mint kolorista, és kompozíciói, amelyek mindig teljesen mentesek a pedantériától, éppen a színek egyszerűsége miatt csábítóak”. 1846-ban a francia kormány a Légion d’honneur keresztjével tüntette ki, 1848-ban pedig a Szalonon másodosztályú kitüntetést kapott, de ennek következtében kevés állami mecenatúrát kapott. Egyetlen megrendelésre készült munkája egy 1847-ben egy keresztelőkápolna számára festett vallásos festmény volt, amelyet a reneszánsz mesterek stílusában festett. Bár az establishment továbbra is visszafogta, más festők elismerték Corot növekvő tekintélyét. Delacroix 1847-ben így jegyezte fel naplójában: „Corot igazi művész. A festőt a maga helyén kell látni ahhoz, hogy az ember képet kapjon értékéről… Corot mélyen elmélyül egy témában: az ötletek jönnek hozzá, és munka közben hozzáteszi; ez a helyes megközelítés”. Delacroix ajánlására Constant Dutilleux festő megvásárolt egy Corot-képet, és hosszú és gyümölcsöző kapcsolat kezdődött a művésszel, amely barátságot és mecénásokat hozott neki. Corot közmegítélése az 1848-as forradalom után drámaian javult, amikor Corot-t felvették a Szalon zsűrijének tagjává. 1867-ben a Szalon tisztségviselőjévé léptették elő.
Miután lemondott a nőkkel való hosszú távú kapcsolatokról, Corot még az ötvenes éveiben is nagyon közel maradt szüleihez. Egy kortársa így nyilatkozott róla: „Corot elvi ember, öntudatlanul keresztény; minden szabadságát átadja az édesanyjának… többször is könyörögnie kell neki, hogy engedélyt kapjon arra, hogy elmenjen… minden második pénteken vacsorázni”. Gyakori utazásaitól eltekintve Corot szülei haláláig szorosan kötődött családjához, majd végre elnyerte a szabadságot, hogy kedvére járjon. Ez a szabadság lehetővé tette számára, hogy informális foglalkozásokra tanítványokat fogadjon, köztük a zsidó művészeket, Édouard Brandont és a későbbi impresszionista Camille Pissarrót, aki rövid időre közéjük tartozott. Corot lendülete és éleslátó tanácsai lenyűgözték tanítványait. Charles Daubigny így nyilatkozott: „Ő egy tökéletes Öreg Öröm, ez a Corot atya. Összességében egy csodálatos ember, aki vicceket kever a nagyon jó tanácsaiba”. Egy másik diák azt mondta Corot-ról: „az újságok annyira eltorzították Corot-t, Theokritoszt és Vergiliust adták a kezébe, hogy egészen meglepett, hogy sem görögül, sem latinul nem tud… Fogadtatása nagyon nyílt, nagyon szabad, nagyon mulatságos: fél lábon vagy két lábon ugrálva beszél vagy hallgatja az embert; operafoszlányokat énekel nagyon igaz hangon”, de van egy „ravasz, harapós oldala, amelyet gondosan elrejtett a jó természete mögött”.
Az 1850-es évek közepére Corot egyre inkább impresszionista stílusa kezdte elnyerni azt az elismerést, amely megalapozta helyét a francia művészetben. „M. Corot kitűnik… a növényzet friss kezdetekben való ábrázolásában; csodálatosan adja vissza az új világ első csemetéit”. Az 1850-es évektől kezdve Corot sok tájkép-szuvenírt és paysage-t festett, álmodozó képzeletbeli festményeket korábbi látogatásaiból megemlékezett helyszínekről, amelyeket könnyed és lazán pöttyözött vonásokkal festett.
Későbbi évek
Az 1860-as években Corot még mindig keverte a parasztfigurákat a mitológiai alakokkal, a neoklasszicizmust a realizmussal, ami miatt egy kritikus így siránkozott: „Ha M. Corot egyszer s mindenkorra megölné az erdei nimfákat, és parasztokkal helyettesítené őket, mérhetetlenül kedvelném őt”. A valóságban a későbbi életében valóban megszaporodtak az emberi alakjai és csökkentek a nimfák, de még az emberi alakok is gyakran idilli álmodozásba helyeződtek.
Későbbi életében Corot műterme tele volt tanítványokkal, modellekkel, barátokkal, gyűjtőkkel és kereskedőkkel, akik jöttek-mentek a mester toleráns szemei alatt, ami arra késztette őt, hogy megjegyezze: „Miért van az, hogy tízen vagytok körülöttem, és egyikőtöknek sem jut eszébe, hogy újra meggyújtsa a pipámat”. A kereskedők elkapkodták műveit, és árai gyakran 4000 frank fölött voltak festményenként. Corot a sikert biztosítva bőkezűen adakozott pénzéből és idejéből. A művészek közösségének rangidős tagjává vált, és befolyását arra használta, hogy más művészek számára megbízásokat szerezzen. 1871-ben 2000 fontot adott a poroszok által ostromlott Párizs szegényeinek. (lásd: francia-porosz háború) A tényleges párizsi kommün idején Alfred Robaut-val együtt Arras-ban volt. 1872-ben ajándékba vett egy házat Auvers-ben Honoré Daumier-nek, aki ekkor már vak, eszköztelen és hajléktalan volt. 1875-ben 10 000 frankot adományozott Millet özvegyének gyermekei támogatására. Jótékonysága szinte közmondásos volt. Anyagilag is támogatta a párizsi rue Vandrezanne-on lévő gyermeknapközi otthon fenntartását. Későbbi életében is szerény és szerény ember maradt, apolitikus és elégedett volt életének szerencséjével, és közel állt hozzá az a meggyőződése, hogy „az embereknek nem szabad büszkeséggel felfújniuk magukat, legyenek azok császárok, akik ezt vagy azt a tartományt hozzáadják birodalmukhoz, vagy festők, akik hírnevet szereznek”.
A művészek, a gyűjtők és a nagyvonalúbb kritikusok körében elért nagy siker és elismerés ellenére számos barátja mégis úgy vélte, hogy hivatalosan elhanyagolták, és 1874-ben, nem sokkal halála előtt aranyérmet adományoztak neki. Párizsban halt meg 78 éves korában gyomorrontásban, és a Père Lachaise temetőben temették el.
Számos követője Corot tanítványainak nevezte magát. A legismertebbek Camille Pissarro, Eugène Boudin, Berthe Morisot, Stanislas Lépine, Antoine Chintreuil, François-Louis Français, Charles Le Roux és Alexandre Defaux.
Corot a tájképfestészet meghatározó alakja. Munkássága egyszerre utal a neoklasszikus hagyományra és vetíti előre az impresszionizmus plein-air újításait. Claude Monet 1897-ben így nyilatkozott róla: „Itt csak egy mester van, Corot. Mi semmi vagyunk hozzá képest, semmi”. Az alakfestészethez való hozzájárulása aligha kevésbé fontos; Degas inkább az alakjait részesítette előnyben, mint a tájképeit, és Picasso klasszikus alakjai nyíltan hódolnak Corot hatása előtt.
A történészek korszakokra osztották munkásságát, de a felosztás pontjai gyakran homályosak, mivel egy-egy képet gyakran évekkel azután fejezett be, hogy elkezdte. Korai korszakában hagyományosan és „feszesen” festett – aprólékos pontossággal, világos körvonalakkal, vékony ecsetkezeléssel, a tárgyak abszolút meghatározásával, monokróm aláfestéssel vagy ébauche-val. Miután betöltötte az 50. életévét, módszerei megváltoztak, és a tónusok szélességére és a vastagabb festékfelvitellel közvetített költői erő megközelítésére helyezték a hangsúlyt; és körülbelül 20 évvel később, körülbelül 1865-től kezdve festésmódja líraibbá, impresszionistább hangvételűvé vált. Részben ez a kifejezésmódbeli fejlődés tekinthető úgy, mint ami átmenetet jelent ifjúkorának meleg természetes fénnyel átitatott plein-air festményei és késői érettségének műteremben készült, egységes ezüstös tónusokba burkolt tájképei között. Utolsó 10 évében a párizsi művészkörök „Père (atya) Corot”-jává vált, ahol személyes szeretettel tekintettek rá, és Meindert Hobbema, Claude Lorrain, J.M.W. Turner és John Constable mellett a világ öt-hat legnagyobb tájképfestőjének egyikeként ismerték el. Hosszú és termékeny élete során több mint 3000 festményt festett.
Bár Corot-t gyakran az impresszionista gyakorlat előfutáraként tartják számon, tájképeihez hagyományosabban közelített, mint ahogy azt általában gondolják. A későbbi impresszionistákhoz képest Corot palettája visszafogott, a barnák és feketék („tiltott színek” az impresszionisták körében), valamint a sötét és ezüstös zöld dominálnak. Bár időnként gyorsnak és spontánnak tűnnek, vonásai általában kontrolláltak és óvatosak, kompozíciói pedig jól átgondoltak, és általában a lehető legegyszerűbben és legtömörebben ábrázoltak, ami fokozza a képek költői hatását. Ahogy ő maga nyilatkozta: „Észrevettem, hogy minden, amit első próbálkozásra jól csináltam, igazabb volt, és a formák szebbek”.
Corot hasonlóan hagyományosan közelítette meg témáit. Bár a plein-air tanulmányok nagy támogatója volt, alapvetően műtermi festő volt, és kevés kész tájképe készült el a motívum előtt. Corot élete nagy részében a nyarakat utazással és tanulmányok és vázlatok gyűjtésével töltötte, a teleket pedig a csiszoltabb, piacképes művek befejezésével. A Borromeai szigetek fürdőzői (1865-70) című művének címe például az olaszországi Maggiore-tóra utal, annak ellenére, hogy Corot 20 éve nem járt Olaszországban. Az, hogy a közvetlen megfigyelés helyett inkább a képzeletből és az emlékezetből származó képek rajzolására helyezte a hangsúlyt, összhangban volt a Szalon zsűrijének ízlésével, amelynek tagja volt.
Az 1860-as években Corot érdeklődni kezdett a fotográfia iránt, maga is fényképezett, és számos korai fotóssal ismerkedett meg, aminek hatására festészeti palettáját még inkább elnyomta a fényképek monokróm tónusaihoz igazodva. Ez azt eredményezte, hogy festményei még kevésbé drámaivá, de némileg költőibbé váltak, ami miatt egyes kritikusok monotonitásra hivatkoztak későbbi munkáiban. Théophile Thoré azt írta, hogy Corot-nak „csak egyetlen oktávja van, rendkívül korlátozott és moll hangnemben; egy zenész azt mondaná. Alig ismer mást, mint egyetlen napszakot, a reggelt, és egyetlen színt, a halványszürkét”. Corot erre válaszolt:
Amit a festészetben látni kell, vagy inkább amit keresek, az a forma, az egész, a tónusok értéke… Ezért számomra a szín csak ezután jön, mert mindennél jobban szeretem az összhatást, a tónusok harmóniáját, míg a szín egyfajta sokkot ad, amit nem szeretek. Talán ennek az elvnek a túlzása az, ami miatt az emberek azt mondják, hogy ólmos tónusaim vannak.
A sokkoló színektől való idegenkedésével Corot élesen eltért a feltörekvő impresszionistáktól, akik felkarolták az élénk színekkel való kísérletezést.
Tájképei mellett (a kései stílus annyira népszerű volt, hogy számos hamisítvány is létezik) Corot számos értékes alakos képet is készített. Bár az alanyok néha pásztori környezetbe kerültek, ezek többnyire műtermi művek voltak, amelyeket az élő modellről rajzoltak meg, sajátos és kifinomult módon. Tájképeihez hasonlóan szemlélődő líraiság jellemzi őket, amire remek példák a L’Algérienne (Algériai nő) és a La Jeune Grecque (Görög lány) című kései festményei. Corot mintegy ötven portrét festett, többnyire családtagokról és barátokról. Tizenhárom fekvő aktot is festett, Les Repos (1860) című képe pózában feltűnően hasonlít Ingres híres Le Grande Odalisque (1814) című képéhez, de Corot nőalakja ehelyett egy rusztikus bacchante. Talán utolsó alakos festményén, a Kék ruhás hölgyön (1874) Corot Degas-ra emlékeztető, lágy, mégis kifejező hatást ér el. Figurafestészetének minden esetben visszafogott a szín, és figyelemre méltó az ereje és tisztasága. Corot számos metszetet és ceruzavázlatot is készített. A vázlatok némelyike vizuális szimbólumrendszert használt – a fényterületeket ábrázoló körök és az árnyékot jelképező négyzetek. Kísérletezett a cliché verre eljárással is – a fényképezés és a metszet hibridje. Az 1830-as évektől kezdődően Corot – tanítványai segítségével – dekoratív paneleket és falakat is festett barátai otthonában.
Corot 1860 körül foglalta össze a művészethez való hozzáállását: „A művészetemmel éppúgy értelmezem, mint a szememmel”.
Corot művei Franciaország és Hollandia, Nagy-Britannia, Észak-Amerika és Oroszország múzeumaiban találhatók.
Corot műveinek erős piaca és viszonylag könnyen utánozható késői festészeti stílusa 1870 és 1939 között hatalmas Corot-hamisítványok gyártását eredményezte. René Huyghe híres poénja szerint „Corot háromezer vásznat festett, amelyekből tízezret eladtak Amerikában”. Bár ez humoros túlzás, a hamisítványok ezrei gyűltek össze, csak a Jousseaume-gyűjteményben 2414 ilyen mű található. A problémát tetézte Corot laza hozzáállása, amely ösztönözte a másolást és a hamisítást. Megengedte tanítványainak, hogy lemásolják műveit, sőt, hogy a műveket kölcsönvegyék, hogy később visszaadják, a tanulói és gyűjtői példányokat kijavította és aláírta, a műveket pedig kölcsönadta hivatásos másolóknak és kölcsönző ügynökségeknek. Etienne Moreau-Nélaton Corot-katalógus szerint az egyik másolóműhelyben „A mester önelégült ecsetje néhány személyes és határozott retusálással hitelesítette ezeket a másolatokat. Amikor már nem volt ott, hogy befejezze a „hasonmásait”, nélküle folytatták a gyártást”. Corot műveinek katalogizálása, amellyel megpróbálták elkülöníteni a másolatokat az eredetitől, visszafelé sült el, amikor a hamisítók a kiadványokat útmutatóként használták hamis festményeik bővítéséhez és finomításához.
Corot két műve is szerepel és fontos szerepet játszik a 2008-as L’Heure d’été (angolul Summer Hour) című francia film cselekményében. A filmet a Musée d’Orsay készítette, és a két művet a múzeum adta kölcsön a film forgatásához.
A québeci Île des Sœurs-on van egy Rue Corot nevű utca, amelyet a művészről neveztek el.
Arthur Conan Doyle 1890-es A négyek jele című regényében Thaddeus Sholto egy ismeretlen Corot-művet mutat be.
Hivatkozások
Cikkforrások
