William Shakespeare

gigatos | február 14, 2022

Post Views: 6

Összegzés

William Shakespeare (Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Angliai Királyság, 1564. április 23. körül – július.-Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Angliai Királyság, április 23. – július.

Az Encyclopædia Britannica szerint „Shakespeare-t általában minden idők legnagyobb írójaként, az irodalomtörténet egyedülálló alakjaként tartják számon. Más költők, mint Homérosz és Dante Alighieri, vagy olyan regényírók, mint Leó Tolsztoj vagy Charles Dickens hírneve átlépte az országhatárokat, de egyikük sem érte el Shakespeare hírnevét, akinek műveit ma gyakrabban és több országban olvassák és adják elő, mint valaha. Egyik nagy kortársa, Ben Jonson jóslata tehát beteljesedett: „Shakespeare nem egy korszakhoz, hanem az örökkévalósághoz tartozik”.

Harold Bloom amerikai kritikus a „nyugati kánon” csúcsán Dante Alighieri mellé helyezi Shakespeare-t: „Soha egyetlen más író sem rendelkezett annyi nyelvi erőforrással, mint Shakespeare, olyan bőséges a Love’s Labours Lostban, hogy az a benyomásunk, hogy egyszer s mindenkorra elértük a nyelv számos határát. Shakespeare legnagyobb eredetisége azonban a karakterek ábrázolásában rejlik: Bottom egy melankolikus diadalmenet; Shylock, mindannyiunk számára állandóan kétértelmű probléma; de Sir John Falstaff olyan eredeti és olyan elsöprő, hogy vele Shakespeare száznyolcvan fokkal megfordítja, mit jelent embert teremteni szavakkal”.

Jorge Luis Borges írta róla: „Shakespeare a legkevésbé angol Anglia költői közül. Az új-angliai Robert Frosttal, William Wordsworth-szel, Samuel Johnsonnal, Chaucerrel és azokkal az ismeretlenekkel összehasonlítva, akik az elégiákat írták vagy énekelték, szinte idegen. Anglia a visszafogottság, a jól nevelt visszafogottság hazája; a túlzás, a túlzás és a pompa Shakespeare-re jellemző”.

Shakespeare a saját korában is nagyra becsült költő és drámaíró volt, de hírneve csak a 19. században érte el jelenlegi magasságait. Különösen a romantikusok üdvözölték zsenialitását, a viktoriánusok pedig olyan áhítattal imádták Shakespeare-t, amelyet George Bernard Shaw „bardolatriának” nevezett.

A 20. században a legkülönbözőbb művészeti, szellemi és drámai mozgalmak többször feldolgozták és újra felfedezték darabjait. Shakespeare komédiáit és tragédiáit minden jelentős nyelvre lefordították, és világszerte folyamatosan tanulmányozzák és előadják a különböző kulturális és politikai kontextusokban. Ráadásul a darabjait fűszerező idézetek és aforizmák közül sokan a mindennapi nyelvhasználat részévé váltak, mind az angol, mind más nyelveken. Személyes szinten pedig az évek során sok spekuláció látott napvilágot az életével kapcsolatban, megkérdőjelezve a szexualitását, a vallási hovatartozását, sőt még a műveinek szerzőségét is.

Shakespeare életéről nagyon kevés dokumentált tény van, bár valószínű, hogy 1564. április 23-án született. Annyi bizonyos, hogy ugyanezen év április 26-án keresztelték meg a Warwickshire-i Stratford-upon-Avon-i Szentháromság-templomban, és ott halt meg 1616. április 23-án, a Julián-naptár szerint (a Gergely-naptár szerint május 3-án), 52. születésnapjának feltételezett napján.

Kezdet

William Shakespeare (más írásmóddal Shakspere, Shaksper és Shake-speare, mert az Erzsébet-korban a helyesírás nem volt sem rögzített, sem abszolút) 1564 áprilisában született Stratford-upon-Avonban. Nyolc gyermeke közül harmadikként született John Shakespeare, a kerületben előkelő pozícióba emelkedett, jómódú kereskedő és Mary Arden, aki egy ősökkel rendelkező család sarja volt.

Születése idején családja a Henley Street-en, Stratford-upon-Avonban élt. Születésének pontos napja nem ismert, mivel akkoriban csak a keresztelési bizonyítványt állították ki, jelen esetben április 26-án, így feltételezhető, hogy néhány nappal korábban (2-3 nappal) született, és nem több mint egy héttel később, ahogy az szokásos volt. A hagyomány szerint születésének dátumát április 23-ra, Szent György ünnepére teszik, talán a Julián-naptár szerinti halála napjával, 1616. április 23-ával analóg módon, de ezt a dátumot egyetlen dokumentum sem támasztja alá, bár ez a legvalószínűbb dátum.

Shakespeare apja, aki William születésekor jólétének csúcsán volt, nem sokkal később kegyvesztetté vált. Illegális gyapjúkereskedelemmel vádolták, ezért elvesztette kiemelkedő pozícióját a kerületi önkormányzatban. Az is felmerült, hogy a család mindkét felén a katolikus hithez való esetleges kötődés is szerepet játszhatott a vádemelésében.

William Shakespeare valószínűleg a szülővárosa központjában található helyi gimnáziumban, a Stratford Grammar Schoolban végezte korai iskolai tanulmányait, amely intenzív latin nyelvtani és irodalmi oktatást biztosíthatott számára. Bár az Erzsébet-korszakban a gimnáziumok színvonala meglehetősen egyenetlen volt, vannak arra utaló jelek, hogy a Stratford Grammar School meglehetősen jó volt. Az, hogy Shakespeare ebbe az iskolába járt, csak feltételezés, amely azon a tényen alapul, hogy egy helyi önkormányzati tisztviselő fiaként törvényesen jogosult volt az ingyenes oktatásra. Ezt azonban semmilyen dokumentum nem bizonyítja, mivel a plébániai nyilvántartás elveszett. Abban az időben John Cotton, egy széleskörű humanista háttérrel rendelkező, katolikus tanító vezette; a gimnáziumban (amely a 16. századi spanyol gimnáziumnak vagy a mai érettséginek felel meg) 8-15 éves korig tanítottak, és az oktatás középpontjában a latin nyelv elsajátítása állt; a magasabb szinteken az angol nyelv használata tilos volt a latin nyelv folyékony elsajátításának elősegítése érdekében; a Shakespeare által ismert, latinra fordított Aesopus, Ovidius és Vergilius műveinek tanulmányozása volt a jellemző; az iskola tanterve pedig a Shakespeare által jól ismert szerzők, Aesopus latinra fordított műveinek, Ovidius és Vergilius tanulmányozásán alapult.

1582. november 28-án, tizennyolc éves korában Shakespeare feleségül vette a 26 éves Anne Hathawayt, aki a Stratford melletti Temple Graftonból származott. Anne két szomszédja, Fulk Sandalls és John Richardson azt vallotta, hogy a szertartásnak nem volt akadálya. Úgy tűnik, hogy az esküvő megszervezésével siettek, talán azért, mert Anne három hónapos terhes volt. Házassága után William Shakespeare-nek alig van nyoma a történelmi feljegyzésekben, egészen addig, amíg meg nem jelenik a londoni színházi színpadon. 1583. május 26-án a házaspár elsőszülött lányát, Susannát Stratfordban keresztelték meg. Egy fiút, Hamnetet és egy másik lányt, Juditot, akik ikreknek születtek, szintén nem sokkal később keresztelték meg. A drámaíró végrendeletéből ítélve, amely némileg lenézi Anne Hathawayt, a házasság nem volt jó.

Az 1580-as évek végét a drámaíró „elveszett éveiként” emlegetik, mivel nincs bizonyíték arra, hogy hol tartózkodott, vagy milyen okból döntött úgy, hogy Stratfordból Londonba költözik. Egy ma már alig hihető legenda szerint Sir Thomas Lucy, a helyi elöljáró parkjában szarvasvadászaton kapták, és menekülni kényszerült. Egy másik feltételezés szerint Stratfordban járva csatlakozhatott a Lord Chamberlain’s Men színtársulathoz. Egy 17. századi életrajzíró, John Aubrey feljegyzi az író egyik társának fiának tanúvallomását, miszerint Shakespeare egy ideig vidéki iskolamesterként dolgozhatott.

London és a színházi átjárás

1592-ben Shakespeare már Londonban dolgozott drámaíróként, és eléggé ismert volt ahhoz, hogy Robert Greene gúnyos jellemzést adjon róla, aki úgy ábrázolja őt, mint „egy karrierista, tollunkkal megszépített dolmányost, aki tigrisszívvel, komédiásbőrbe burkolózva azt hiszi magáról, hogy képes fehér versekkel lenyűgözni, mint a legjobbak”, és azt is mondja, hogy „azt hiszi magáról, hogy ő az egyetlen rázóscénás az országban” (az eredetiben Greene a rázóscénás szót használja, utalva a szerző hírnevére és vezetéknevére is, egy paronómiajátékkal).

1596-ban, mindössze tizenegy éves korában meghalt Hamnet, az író egyetlen fia, akit ugyanezen év augusztus 11-én temettek el Stratfordban. Egyes kritikusok szerint fia halála inspirálhatta Shakespeare-t a Hamlet (1601 körül) megírására, amely egy korábbi darab átdolgozása, amely sajnos nem maradt fenn.

1598-ra Shakespeare a Bishopsgate-i Szent Heléna plébániára tette át a lakóhelyét. Az ő neve vezeti Ben Jonson Every Man in His Humour című művének színészlistáját.

Hamarosan színész, író és végül a Lord Chamberlain’s Men néven ismert színtársulat társtulajdonosa lett, amelyet, mint a korabeli társulatokat, arisztokrata pártfogójáról, a Lord Chamberlainről neveztek el. A társaság olyan népszerűvé vált, hogy I. Erzsébet halála és I. Jakab trónra lépése után az új uralkodó védelmébe vette, és átnevezte a társaságot King’s Men-nek.

1604-ben Shakespeare háziúrja lányának házasítójaként működött közre. Az 1612-ben, az ügy bíróság elé állításakor készült jogi dokumentációból kiderül, hogy Shakespeare 1604-ben Christopher Mountjoy, egy London északnyugati részén élő hugenotta kézműves bérlője volt. Mountjoy tanonca, Stephen Belott el akarta venni mestere lányát, ezért a drámaírót választották közvetítőnek, hogy segítsen a hozomány részleteiről tárgyalni. Shakespeare szolgálatainak köszönhetően a házasságot megszervezték, de nyolc évvel később Belott beperelte apósát, mert nem fizette ki teljes egészében a megbeszélt hozományt. Az írót tanúként idézték be, de nem emlékezett az általa javasolt összegre.

Számos jogi ügyekkel és üzleti tranzakciókkal kapcsolatos dokumentum bizonyítja, hogy a Londonban töltött idő alatt Shakespeare elég gazdag lett ahhoz, hogy megvásároljon egy ingatlant Blackfriarsban, és Stratford második legnagyobb házának tulajdonosa legyen.

Az elmúlt évek

Shakespeare 1611-ben visszavonult szülőfalujába, de különböző pereskedésekbe keveredett, például a közös földek bekerítésével kapcsolatos vitába, amely egyrészt a juhok legeltetését ösztönözte, másrészt viszont a szegényeket kárhoztatta, megfosztva őket egyetlen megélhetési forrásuktól. Mivel az írónak bizonyos gazdasági érdeke fűződött az ilyen ingatlanokhoz, egyesek nemtetszésére semleges álláspontot képviselt, amely csak a saját hasznát biztosította. Utolsó vásárlását 1613 márciusában nem szülővárosában, hanem Londonban hajtotta végre: 140 fontért vásárolt egy házat és udvart a Blackfriars Színház közelében, amelyből csak hatvan fontot fizetett ki a helyszínen, mert másnap a maradékért jelzálogot adott az eladónak. Shakespeare egyébként nem csak a saját nevére jegyeztette be a vásárlást, hanem William Johnson, John Jackson és John Hemynge nevére is, utóbbi egyike volt azoknak a színészeknek, akik a First Folio kiadását népszerűsítették. Ennek az eljárásnak az volt a jogi következménye – írja Shakespeare nagy életrajzírója, Sidney Lee -, hogy „megfosztotta feleségét, ha túlélte volna, az özvegyi hozományra való jogától ezen a birtokon”; de néhány hónappal később katasztrófa történt: leégett a Globe Színház, és vele együtt a drámaíró összes kézirata, valamint a Cardenio című vígjáték, amelyet a La Mancha-i Don Quijote egyik epizódja ihletett; erről a darabról azért tudunk, mert 1653. szeptember 9-én Humphrey Maseley kiadó engedélyt kapott egy darab kiadására, amelyet Fletcher és Shakespeare Cardenio története néven ír le; Sidney Lee szerint nem maradt ránk ilyen című dráma, és valószínűleg a Cardenno vagy Cardenna című elveszett komédiával azonosítható, amelyet Shakespeare társulata kétszer is előadott az udvar előtt, először 1613 februárjában, Erzsébet hercegnő házasságkötésének ünnepsége alkalmából, másodszor pedig június 8-án, a Savoyai herceg követe előtt, vagyis néhány nappal a Globe színház leégése előtt.

Shakespeare életének utolsó heteiben azt a férfit, aki feleségül vette volna lányát, Judithot – egy Thomas Quiney nevű kocsmárost – a helyi egyházi bíróság előtt promiszkuitással vádolták meg. Egy Margaret Wheeler nevű nő gyermeket szült, és azt állította, hogy Quiney az apa. A nő és gyermeke nem sokkal később meghalt. Ez azonban kihatott az író leendő vejének hírnevére, és Shakespeare átdolgozta végrendeletét, hogy megóvja lánya örökségét Quiney esetleges jogi problémáitól.

Shakespeare a Julián-naptár szerint 1616. április 23-án halt meg (a Gergely-naptár szerint május 3-án). Anne haláláig volt a felesége, és két lánya, Susannah és Judith maradt utána. Az előbbi feleségül ment Dr. John Hallhoz. Azonban sem Susannah, sem Judit gyermekeinek nem voltak utódai, így jelenleg nincsenek élő leszármazottai az írónak. Az a hír járta azonban, hogy Shakespeare volt a keresztfia, a költő és drámaíró William Davenant igazi apja.

Shakespeare halálát mindig is hajlamosak voltak az itallal kapcsolatba hozni – a legelterjedtebb kommentár szerint magas lázban halt meg, amely részegségének következménye volt -, de úgy tűnik, hogy a drámaíró Ben Jonsonnal és Michael Draytonnal találkozott, hogy kollégáival együtt ünnepeljenek néhány új irodalmi ötletet. Német tudósok legújabb kutatásai szerint nagyon valószínű, hogy az angol drámaíró rákban szenvedett.

Shakespeare földi maradványait a stratfordi Szentháromság-templom kórusában temették el. Az a megtiszteltetés, hogy a templom kórusában, a főoltár közelében temették el, nem drámaírói tekintélyének, hanem annak köszönhető, hogy a templomtól 440 fontért (ami akkoriban jelentős összegnek számított) tizedet vásárolt. Shakespeare síremlékén, amelyet családja állított a sírja melletti falon, író testtartásban látható, és minden évben, születésének emléknapján új tollat adnak a kezébe.

Abban az időben az volt a szokás, hogy amikor új síroknak kellett helyet biztosítani, a régieket kiürítették, és tartalmukat egy közeli kegyhelyre vitték. Az Encyclopaedia Britannica szerint talán attól tartva, hogy földi maradványait exhumálják, maga Shakespeare írta volna a következő sírfeliratot a sírkövére:

Egy legenda szerint Shakespeare kiadatlan művei vele együtt nyugszanak a sírjában. Senki sem merte ellenőrizni a legenda valóságtartalmát, talán a fent említett sírfelirat átkától való félelem miatt.

Nem tudni, hogy a létező Shakespeare-portrék közül melyik a leghűbb az író képéhez, mivel sok közülük hamisítvány, amelyet az első fólió metszetéről utólag festettek. A legpontosabbnak az 1600 és 1610 között készült úgynevezett Chandos-portrét tartják, amely a londoni National Portrait Galleryben található. A kép a negyvenes évei elején járó szerzőt ábrázolja, szakállal és aranyozott fülbevalóval a bal fülében.

A Shakespeare-vita

Különös, hogy a nyugati kánon egyik szerzőjéről az utókor számára fennmaradt összes tudás nem más, mint a legkülönfélébb spekulációkból összeállított konstrukció. Még azt is megvitatták, hogy Shakespeare-e a darabjainak valódi szerzője, egyesek Francis Baconnak, Christopher Marlowe-nak tulajdonítják (a valóság az, hogy mindezek a képzelgések abból az egyszerű tényből fakadnak, hogy a szerzőről rendelkezésre álló adatok nagyon kevesek, és ellentétben állnak zseniális munkásságának hatalmas erejével, amely termékeny és a legcsavarosabb értelmezésekre ad okot.

Közel százötven évvel Shakespeare 1616-ban bekövetkezett halála után kezdtek kétségek merülni fel a neki tulajdonított darabok valódi szerzőségét illetően. A kritikusok „stratfordiánusokra” (annak a tézisnek a hívei, hogy a neki tulajdonított darabok valódi szerzője a Stratfordban született és ott is halt William Shakespeare) és „anti-Stratfordiánusokra” (akik azt állították, hogy a darabokat más szerzőnek tulajdonítják) oszlottak. A második álláspont jelenleg nagyon is kisebbségben van.

Történelmi dokumentumok bizonyítják, hogy 1590 és 1620 között több, William Shakespeare szerzőjének tulajdonított színdarabot és verset adtak ki, és hogy az ezeket a darabokat játszó Lord Chamberlain’s Men (később King’s Men) társulat tagjai között volt egy ilyen nevű színész. Ez a színész azonosítható azzal a William Shakespeare-rel, aki a feljegyzések szerint Stratfordban élt és halt meg, mivel ez utóbbi végrendeletében bizonyos ajándékokat tesz a londoni színtársulat tagjainak.

Az úgynevezett „stratfordiánusok” úgy vélik, hogy ez a színész a Shakespeare-nek tulajdonított darabok szerzője is, ami egyrészt azon a tényen alapszik, hogy ugyanaz a nevük, másrészt az 1623-as First Folio kiadásában szereplő, a „Hattyú az Avonból” és a „stratfordi emlékművére” utaló verseken. Ez utóbbi a stratfordi Szentháromság-templomban található síremlékére utal, amelyen egyébként íróként van ábrázolva, és amelyről legalább az 1630-as évekből vannak leírások a településre látogatóktól. E nézet szerint Shakespeare darabjait a stratfordi William Shakespeare írta, aki elhagyta szülővárosát, és Londonban lett sikeres színész és drámaíró.

Az úgynevezett „antisztratfordisták” nem értenek egyet. Szerintük a stratfordi Shakespeare nem más, mint egy szalmabábu, amely egy másik drámaíró valódi szerzőségét takarja, aki inkább titokban akarta tartani kilétét. Ennek az elméletnek különböző alapjai vannak: állítólagos kétértelműségek és hiányosságok a Shakespeare-ről szóló történelmi dokumentációban; az a meggyőződés, hogy a darabok magasabb szintű műveltséget igényelnek, mint amivel Shakespeare vélhetően rendelkezett; állítólag rejtett kódolt üzenetek a darabokban; és párhuzamok Shakespeare darabjainak szereplői és bizonyos drámaírók élete között.

A 19. században a legnépszerűbb alternatív jelölt Sir Francis Bacon volt. Sok korabeli „anti-Stratfordiánus” azonban szkeptikus volt ezzel a hipotézissel szemben, még ha nem is tudtak alternatívát javasolni. Walt Whitman amerikai költő is tanúsította ezt a szkepticizmust, amikor Horace Traubelnek azt mondta: „Veletek vagyok, barátaim, amikor nemet mondtok Shaksperre (sic): ennél messzebbre nem tudok menni. Ami Bacont illeti, nos, majd meglátjuk, majd meglátjuk. 1980 óta a legnépszerűbb jelölt Edward de Vere, Oxford 17. grófja, akit 1920-ban John Thomas Looney, 1984-ben pedig Charlton Ogburn javasolt. A költő és drámaíró Christopher Marlowe is felmerült alternatívaként, bár korai halála miatt a második helyre szorult. Számos más jelöltet is javasoltak, bár ezek nem nyertek nagy visszhangot.

Tudományos körökben a legszélesebb körben elfogadott álláspont az, hogy a nevét viselő darabok szerzője a stratfordi William Shakespeare volt.

Az utóbbi időben azonban Derek Jacobi és Mark Rylance színészek nyilatkozatai nyomán felerősödött a Shakespeare szerzőségéről szóló pletyka. Mindkettő egy úgynevezett nyilatkozatot adott ki a híres drámaíró személyazonosságáról. A nyilatkozat megkérdőjelezi, hogy William Shakespeare, egy 16. századi közember, aki írástudatlan háztartásban nőtt fel Stratford-upon-Avonban, írta-e azokat a zseniális darabokat, amelyek a nevét viselik. Az állítás szerint egy olyan ember, aki alig tudott írni és olvasni, nem rendelkezhetett azokkal a szigorú jogi, történelmi és matematikai ismeretekkel, amelyek a Shakespeare-nek tulajdonított tragédiákban, komédiákban és szonettekben mindenütt megtalálhatóak.

Az évek során voltak olyan elméletek, amelyek szerint William Shakespeare csupán álnév volt, amely mögé más illusztris nevek, például Christopher Marlowe (1564-1593), a filozófus és irodalmár Francis Bacon (1561-1626) vagy Edward de Vere (1550-1604), Oxford 17. grófja bújhattak. Jacobi azt állítja, hogy Edward de Vere-t részesíti előnyben, aki I. Erzsébet (1533-1603) uralkodása idején gyakran megfordult az udvari életben, és őt nevezi a legkedveltebb „jelöltjének”, tekintettel a gróf életrajza és a Shakespeare könyveiben elbeszélt számos esemény közötti feltételezett hasonlóságra.

Mi az egyik fő oka annak, hogy Shakespeare szerzőségét megkérdőjelezték? A World Book Encyclopedia rámutat arra, hogy „nem volt hajlandó elhinni, hogy egy Stratford on Avon-i színész ilyen darabokat írhatott. Vidéki származása nem illett bele abba a képbe, amelyet a nagy íróról alkottak”. Az enciklopédia hozzáteszi, hogy az állítólagos írók többsége „a nemességhez vagy más kiváltságos osztályokhoz tartozott”. Így sokan azok közül, akik megkérdőjelezték Shakespeare irodalmi apaságát, úgy vélik, hogy „csak egy művelt, kifinomult, felsőbb osztálybeli szerző írhatta a darabokat”. Sok tudós azonban úgy véli, hogy Shakespeare írta őket.

A szerző magánéletéről és állítólagos homoszexualitásáról sok szó esett, és a spekulációk fő alapját egy rendkívül eredeti szonettgyűjtemény adja, amelyet nyilvánvalóan a beleegyezése nélkül adtak ki. Az is felmerült a gyanú, hogy volt egy szeretője, aki boldogtalanná tette a házasságát, mivel felesége és három gyermekének anyja jóval idősebb volt nála, és az esküvő előtt terhes volt. Ez a gyanú a végrendeletének egyik híres idézetén alapul: „Rád hagyom a második legjobb ágyamat”, amely a legkülönbözőbb értelmezésekre és nem kevés találgatásra adott okot. A legáltalánosabb ahhoz a tényhez kapcsolódik, hogy a pár kapcsolata nem volt teljesen kielégítő. Egy másik azonban az ellenkező irányba mutat, hiszen a drámaíró állítólag feleségének szentelt egy szonettet A világ felesége címmel.

Shakespeare kegyetlenségét a szonettjeiben szereplő női alakkal és következésképpen a hálójukba kerülő férfi naivitásával szemben is szorosan követte. A nők promiszkuitásának, testi és hamisságának témái – amelyeket a drámaíró leírt és humorosan bírált – elegendő bizonyítékot szolgáltatnak azok számára, akik feltételezik, hogy bizonyos előszeretettel viseltetne a férfiak iránt, és elutasítaná a hölgyek kokettálását, amelyet egyébként mindig felületességükre és anyagias érdekeikre utalva említ.

Lásd 144. szonettjének alábbi töredékét:

Világosan látszik a kemény shakespeare-i kritika a nő szerepével kapcsolatban, aki első látásra úgy tűnik, hogy a drámaíró és pártfogója románca között áll. Azok, akik vitatják ezt a feltételezést, azt kifogásolják, hogy a szonett költői hangja nem feltétlenül egyezik a szerző személyiségével.

Az igazság az, hogy Shakespeare az ő szemléletét parodizálja, amint azt az idézetből is láthatjuk:

Ez az egész probléma elmosódik, ha egy pillanatra megállunk, és elemezzük néhány leghíresebb színházi szövegét. Shakespeare egyik vígjátékában, az Ahogy tetszik címűben a férfiak világának romlottságát és egy nő – Rosalind – képességét emeli ki, hogy helyreállítsa az eredeti rendet és békét teremtsen. Bár a cselekmény hősnője női alak, csak akkor válik bátorrá és nagy tettekre képessé, amikor átveszi egy férfi, Ganümédész – egy mitológiai szereplő, Jupiter férfi szeretője – szerepét.

A tragédia felé haladva a Lear király esete is nagyon reprezentatív. A szerző itt a férfiak vakságát emeli ki, különösen Learét, aki száműzi lányát, Cordeliát, mert a három nővér közül egyedül őszintének ad hangot. A feminista tanulmányok szerint Shakespeare a korabeli társadalmat támadta, és fiktív neveket és helyeket használt, hogy elkerülje az udvari üldöztetést.

Megvédi a nőt, és ráébreszti a férfiakat, hogy elhallgattatása katasztrófával végződne, ahogyan a Lear feloldásában is, és a darabbal kapcsolatos más vélemények szerint a drámaíró szerint a nők nem kerülhetnek a trónra, mert ez káoszt és vitákat vonna maga után. Amikor Lear király hatalmat ad két legidősebb lányának, Gonerilnek és Regannak, azok hirtelen megváltoztatják viselkedésüket apjukkal szemben, és elnyomó kínzásnak vetik alá, amely fokozatosan felemészti az életét. A kormányzat hanyatlik, a királyi kíséret szétesik, mígnem ismét egy férfi veszi át a hatalmat.

1559-ben, öt évvel Shakespeare születése előtt, I. Erzsébet uralkodása idején az anglikán egyház bizonytalan időszak után végleg elvált a katolikus egyháztól. Emiatt az angol katolikusokra nyomást gyakoroltak, hogy térjenek át az anglikanizmusra, és törvényeket hoztak az áttérést megtagadók üldözésére. Egyes történészek azt állítják, hogy Shakespeare idejében jelentős és széleskörű ellenállás volt az új hit bevezetésével szemben. Egyes kritikusok mind történelmi, mind irodalmi bizonyítékok alapján azt állítják, hogy Shakespeare egyike volt ezeknek az ellenzőknek, bár ezt nem tudták meggyőzően bizonyítani. Annyi bizonyos, hogy Shakespeare jobban érezte magát a filokatolikus I. Jakab uralkodása alatt, mint az antikatolikus I. Erzsébet alatt.

Vannak arra utaló jelek, hogy a drámaíró családjának néhány tagja katolikus volt. A legfontosabb egy John Shakespeare, a költő apja által aláírt röpirat, amelyben állítólag titkos katolikus vallását vallotta. A szöveget, amelyet Shakespeare szülőházának egyik szarufájában találtak a 18. században, egy vezető tudós, Edmond Malone elemezte. Ez azonban elveszett, így hitelessége nem bizonyítható. John Shakespeare is azok közé tartozott, akik nem jártak templomba, de a megbízottak szerint állítólag „az adósság miatti büntetőeljárástól való félelem miatt”, és nem azért, mert nem fogadta el az anglikán vallást.

Shakespeare édesanyja, Mary Arden egy jól ismert katolikus családhoz tartozott Warwickshire-ben; 1606-ban lánya, Susannah egyike volt azon kevés Stratfordban élő nőknek, akik nem voltak hajlandók áldozni, ami a katolicizmus iránti szimpátiára utalhat. Richard Davies fődiakónus, egy 18. századi anglikán lelkész állítólag ezt írta Shakespeare-ről: „Pápistaként halt meg.” Sőt, az író által fiatalkorában látogatott stratfordi iskola hat tanára közül négy katolikus szimpatizáns volt, és Simon Hunt, valószínűleg Shakespeare egyik tanára, végül jezsuita lett.

Bár ezen elméletek egyike sem bizonyítja egyértelműen, hogy Shakespeare katolikus volt, Clare Asquith történész azon a véleményen van, hogy Shakespeare írásaiban érzékelhető a katolicizmus iránti szimpátia. Asquith szerint Shakespeare pozitív kifejezéseket használ a protestánsokra, például „magas” (és negatív kifejezéseket – „alacsony”, „sötét”).

Bár Shakespeare iskolázottságáról sok mindent nem tudni, az biztos, hogy a művész nem jutott egyetemi oktatáshoz, és barátja, Ben Jonson, aki igen, egyszer sajnálkozott „kevés latinja és még kevesebb görögje” miatt, ami nem akadályozta meg abban, hogy „az Avon édes hattyújának” nevezze őt, és hozzátegye, hogy „nem egy századból való, hanem minden időkből”. Bizonyos értelemben nem is olyan csekély iskolázottsága (Stratfordban volt egy jó iskola, és Shakespeare ott tanulhatott meg jó néhány latin klasszikus művet) előnyére vált, mivel műveltsége nem a korabeli általános minták szerint alakult; William Shakespeare autodidaktaként – amint azt Luis Astrana Marín, a teljes művek szakértő ismerője és fordítója megjegyezte – rendkívül ritka irodalmi forrásokhoz jutott hozzá egy könyvkereskedővel való barátságának köszönhetően. Írásainak elemzései azt mutatják, hogy mohó olvasó volt; némelyikük valóságos szövegek százait tartalmazza a legkülönfélébb forrásokból. Műveinek azonban négy fő forrása van.

Először is az angol történészek, különösen Raphael Holinshed 1587-ben megjelent The Chronicles of England, Scotlande, and Irelande című művének második kiadása, amely forrásként szolgált néhány történelmi drámájához, a Macbeth cselekményéhez, valamint a Lear király és a Cymbeline egyes részeihez; Plutarkhosz Párhuzamos életek című művét Jacques Amyot francia változatából barátja, Thomas North újrafordításában (1573), amelyből Titus Andronicus, Julius Caesar, Coriolanus és Antonius és Kleopátra című műveit merítette, valamint Montaigne Esszék John Florio fordításában (1603), amely A vihar egyes részeit formálta.

Másodszor, inspirációs forrásként meg kell említenünk a novellieriket (Mateo Bandellótól származik a Como gustéis és a Rómeó és Júlia története, amely Lope de Vegától a Castelvines y Monteses és Francisco Rojas Zorrillától a Los bandos de Verona; Giambattista Giraldi Cinthiótól az Othello; Giovanni Boccacciótól az A buen fin no hay mal tiempo és Giovanni Fiorentinótól A velencei kalmár és A windsori víg feleségek; Giovanni Boccaccio A buen fin no hay mal tiempo és Giovanni Fiorentino A velencei kalmár és A windsori víg nők; Chaucer is ihletett néhány művet) és különféle művek, köztük spanyolok, mint Antonio de Eslava Noches de invierno vagy Pero Mexía Silva de varia lección című műve.

Harmadszor, az előtte álló angol drámairodalom is inspirálta, amelyből rengeteg cselekményt, karaktert és kompozíciós elvet merített. Néha egész darabokat is átdolgozott (például volt egy korábbi, Thomas Kydnek tulajdonított, 1589-es Hamlet, amely sikeres volt, és nem maradt fenn, de Shakespeare későbbi darabját inspirálta). Számos színdarab szövegét idézte vagy idézte meg, korai műveiben különösen érzékeny volt Christopher Marlowe mintájára. Ez az utánzó buzgalom nem maradt észrevétlen kortársa, Robert Greene számára sem, aki plagizálónak nézte őt, és 1592-ben egy Horatius által idézett, jól ismert mesére utalva a következőket írta:

Végül Shakespeare a mitológiában (nagyon jól ismerte Ovidius Metamorfózisait) és a retorikában is jártas volt, bár stílusa néha tudatosan kerüli az utóbbi merev és mechanikus szimmetriáit, máskor pedig túlságosan szójátékosnak mutatkozik, ahogyan az akkoriban a John Lyly által terjesztett eufuizmus divatja volt, amely viszont Antonio de Guevara stílusából származott, bár Shakespeare szót emelt e stílus túlzásai ellen.

Shakespeare elismerte, hogy nagy asszimilátor (a szintézis ereje jellemzi a nagy költőket, mint például Dante Alighieri), és ezt a LXXVI. szonettjében ki is jelentette; de ebben a szonettben azt is állította, hogy képes felülmúlni modelljeit azzal, hogy valami radikálisan régit újjá tesz, új életet lehel bele. Ahelyett, hogy kitalálta volna, vagy az eredetiségre apellált volna, előzetesen létező történeteket vett, például Hamletet, és megadta nekik azt, ami hiányzott belőlük a kiemelkedéshez. Mindazonáltal, és mindezek ellenére, teljesen eredetinek is mutatkozott, olykor szándékosan elhatárolta magát minden hagyománytól, mint szonettjeiben, amelyek a Petrarcaizmus minden kánonját megfordítják egy férfinak szánt daloskönyv kidolgozásával, és amelyekben nem több és nem kevesebb, mint a kor nárcizmusának, a kor nárcizmusának elhagyását követeli, a pillanat nárcizmusának feladása, hogy a szerelem által az örökkévalóság transzcendenciáját szülje, ami meglehetősen elvontnak tűnhet, de éppen ennyire elvontak és rejtélyesek ezek a versek, amelyek mindegyike mindig tartalmaz egy drámai mozzanatot, egy cselekvésre való felhívást.

Háttér: Erzsébet-kori színház

Amikor Shakespeare elkezdte színházi tevékenységét, az egy átmeneti időszak változásain ment keresztül. Eredetileg a színház Angliában népszerű látványosság volt, amely a kor más népszerű szórakozásaihoz kapcsolódott, mint például a medvecsalogatás (harc egy láncra vert medvével veszett kutyák ellen). Gyökerei a késő középkorban találhatók, egy hármas drámai hagyományban: a vallási témájú misztériumjátékok, amelyek a különböző céhek ünnepeinek megünneplésére szolgáltak; a moralitások vagy erkölcsi játékok, amelyek allegorikus jellegűek és hivatásos színészek adták elő; valamint az udvari betétek, amelyek a nemesség szórakoztatására készültek.

A legjelentősebb nemesek a nevüket viselő színészcsoportokat támogatták. Így az Erzsébet-korszakban olyan társaságok alakultak, mint a Hundson Men (később Lord Chamberlain’s Men), az Admiral’s Men és a Queen’s Men, amelyek a legfontosabbak közé tartoztak. Ezek a színtársulatok néha arisztokrata pártfogóik palotájában léptek fel. A The King’s Men például, miután I. Jakab király védnökséget vállalt a társulat felett, havonta egyszer lépett fel az udvarban. A mecénás támogatása elengedhetetlen volt a darab jövőbeli sikerének biztosításához.

A színdarabokat eredetileg a fogadók belső udvarán adták elő. Még Shakespeare idejében is voltak olyan helyek, ahol színházi előadásokat tartottak. Előadásokra azonban nem nagyon voltak alkalmasak, mivel a vendéglő aktivitása néha megnehezítette az előadásokat. A hatóságok is ellenezték őket, akiket aggasztottak az ott kialakult rendetlenség és veszekedések, valamint az ott zajló „gonosz inkontinencia gyakorlatok”. A higiéniai tényező is ellenük szólt: nagyon gyakori volt a pestis, és a tömeges összejövetelek nem éppen az egészséget segítették elő.

Ezen okok miatt fokozatosan megjelentek a színházi tevékenységet szabályozó jogszabályok, és egyre nehezebb volt engedélyt kapni a vendéglőkben tartott előadásokra. Ez a város peremén szebb, állandó színházak építéséhez, valamint a színészi pálya megszilárdulásához és professzionalizálódásához vezetett. Az első színház, amelyet egyszerűen csak Színháznak hívtak, 1576-ban épült. A többi később épült: a Curtain, a Rose, a Swan és a Globe. Ez utóbbi, amely 1599-ben épült, és a többihez hasonlóan a városon kívül helyezkedett el, hogy elkerülje a londoni várossal való problémákat, mind közül a leghíresebb volt, és annak a társulatnak a kedvence, amelynek William Shakespeare is tagja volt.

Mindezek a színházak a fogadók udvarainak mintájára épültek. Egyik sem maradt fenn eredeti állapotában, de néhány korabeli hivatkozásnak köszönhetően nagyjából elképzelhető a formájuk. Ezek hatszög vagy nyolcszög alakú épületek voltak (vannak kivételek), mérsékelten fedett színpaddal, amely kissé a szabadtéri aréna közepébe nyúlt, és amelyet két-három emeletnyi galéria vett körül. Az emelvény két szintből állt, az egyik valamivel több mint egy méterrel az aréna fölött, tetővel és oszlopokkal alátámasztva, a másik pedig valamivel magasabban, a színpadgépek működtetéséhez és a színpadkép manőverezéséhez szükséges berendezéseket rejtő tetővel. Zászlót hordozhatott, és még egy tornyot is szimulálhatott.

Ezek a színházak igen tekintélyes befogadóképességgel rendelkeztek. A számítások szerint például a The Globe körülbelül 2000 néző befogadására alkalmas.

Eleinte a komédiások társadalmi státusza, különösen a legszerényebbeké, nem volt könnyen megkülönböztethető a csavargók vagy koldusok társadalmi státuszától. Idővel azonban az új színházak megnyitásával az Erzsébet-kori színészek fokozatosan nagyobb társadalmi státuszba kerültek.

A kezdetleges díszletek miatt az előadóra hárult a fő felelősség a darabért, így technikája a nyelvi, gesztikulációs és extravagáns jelmezekben való túlzásba vitelre hajlott. Mivel a nőknek tilos volt színpadra lépniük, a női szerepeket gyerekeknek vagy serdülőknek adták, ami az erotikus kétértelműség komikus játékára adta magát. A beszéd nagyon fontos volt, és az a tény, hogy a színpadot kissé előrébb, az udvarra helyezték, azt jelentette, hogy a színpadot gyakran használták monológokra. A festett díszletek hiánya miatt a színész gyakran a közönség képzeletét hívta segítségül, az író pedig hipotípiákhoz folyamodott. A közönség sokszínű és heterogén volt, és ennek következtében a legműveltebb és legfinomabb szerelmi gáláns és a legcsavarosabb eufista pedantéria durva célzások és trágár, trágár viccek keveredtek.

A közönség a színházba a kínált ülőhely kényelmétől függő áron járt. A legolcsóbb jegyekért állni kellett, és ki kellett tenni az időjárásnak; a legolcsóbb jegyek a nemeseknek és a gazdagoknak kedveztek, akik fedett helyen, a naptól védve ülhettek.

A drámaírói hivatás nem volt jól megfizetett, és a darabok minden joga az azokat játszó társulatokra szállt át; így a darabok gyakran többszörös átdolgozást és adaptációt szenvedtek el különböző tollak által, nem mindig ügyesen vagy tisztelettudóan, nem is beszélve a színészek szeszélyeiből fakadó vágásokról. A szerző nevét csak két-három évvel később említették (és gyakran pontatlanul), így az írók nem élvezhették munkájuk gyümölcsét, kivéve, ha részesedéssel rendelkeztek a társaságban, mint Shakespeare és más drámaírók, akik együtt dolgoztak és megosztoztak a nyereségen.

Az Erzsébet-kori színház, és különösen Shakespeare színházának egyik legfontosabb jellemzője az a sokrétűség, amelyen a cselekménye forog. A tragikus, a komikus, a költői, a földi és a természetfeletti, a valóságos és a fantasztikus többé-kevésbé keveredik ezekben a darabokban. A melankolikus és az aktív közötti átmenetek gyorsak, és gyakran párbajokban és harcokban nyilvánulnak meg a színpadon, amelyek a kor ízlésének megfelelő, élénk koreográfiát alkottak.

A bolond fontos szereplő Shakespeare művében, hiszen ez adja meg neki a kifejezés szabadságát és a könnyedséget. Elismerték, hogy olyan mentális hiányossággal vagy fizikai hiányossággal rendelkezik, amely lehetővé tette számára, hogy olyan dolgokat mondjon ki vagy fejezzen ki véleményt vitás kérdésekről, amelyek nagyobb szereplők szájából tilosak lettek volna. Kétségtelen, hogy ez a trükk ideális volt az angol szerző számára, hiszen a királyi családdal szembeni bármilyen kritikát igazolni lehetett azzal, hogy azt egy olyan szereplőnek tulajdonították, aki nem úgy gondolkodik, mint a többi ember többsége, tekintettel az általa elszenvedett hiányosságokra.

Shakespeare színháza

Hologramos kéziratok és pontos keletkezési dátumok hiányában nagyon nehéz Shakespeare bibliográfiai kronológiát felállítani. Az első fóliót, amely irodalmi termésének nagy részét tartalmazza, társulatának két színésze, John Heminges és Henry Condell adta ki 1623-ban, nyolc évvel a szerző halála után. Ez a könyv történetekre, komédiákra és tragédiákra osztotta drámairodalmát. 750 példány készült belőle, amelyeknek egyharmada maradt fenn napjainkig, többségük hiányos. Ennek a munkának köszönhetően a drámaíró nyomtatásban nem megjelent drámai munkásságának fele megmaradt, mivel Shakespeare nem akart drámaíróként bevonulni a történelembe.

A First Folio kizárólag drámai műveket tartalmaz (lírai költeményei nem szerepelnek a kiadásban), összesen 36 darabot: 11 tragédiát, 15 vígjátékot és 10 történelmi darabot. Nem tartalmazza a hagyományosan Shakespeare-nek tulajdonított darabokat, például a Pericles és a The Two Noble Kinsmen című vígjátékokat, valamint a III. Edward című történelmi darabot. Míg a Periklész esetében Shakespeare közreműködése meglehetősen biztosnak tűnik, a másik két darab esetében ez nem igaz, így a Shakespeare-kánonban szereplő címek száma a változatoktól függően 37 és 39 között változik.

Mint sok nyugati tragédia, Shakespeare tragédiája is gyakran ábrázol egy főszereplőt, aki kiesik a kegyelem pusztaságából, és végül meghal, a főszereplő többi tagjával együtt. Azt feltételezik, hogy a drámaíró műfaji fordulatai a komédia szöges ellentéte; azt az érzést példázza, hogy az emberek elkerülhetetlenül boldogtalanok saját hibáik miatt, vagy akár erényeik ironikusan tragikus gyakorlása miatt, vagy a sors természete miatt, vagy az ember szenvedésre, bukásra és halálra való alkata miatt….. Más szóval, ez egy olyan ábrázolás, amelynek szükségszerűen boldogtalan vége van.

Shakespeare már pályája kezdetétől fogva komponált tragédiákat: az egyik legkorábbi a Titus Andronicus című római tragédia volt, amelyet néhány évvel később a Rómeó és Júlia követett. A leghíresebbek azonban egy hétéves periódusban, 1601 és 1608 között születtek: Hamlet, Othello, Lear király, Macbeth (a négy fő), Antonius és Kleopátra, valamint a kevésbé ismert Timon Athénban és a Troilus és Cressida.

Sokan hangsúlyozták ezekben a darabokban a tragédia arisztotelészi koncepcióját: a főhősnek csodálatra méltó, de hibás figurának kell lennie, akit a közönség képes megérteni és együttérezni vele. Valójában Shakespeare minden tragikus karaktere képes a jóra és a rosszra egyaránt. A darab mindig ragaszkodik a szabad akarat fogalmához; az (anti)hős lealacsonyodhat vagy visszafejlődhet, és tettei által megválthatja magát. A szerző viszont végül az elkerülhetetlen végzetükbe vezeti őket.

Az alábbiakban Shakespeare teljes tragédiáit soroljuk fel, a művek keletkezésének hozzávetőleges dátuma szerint:

A shakespeare-i komédia alapvető jellemzői között találjuk a komikus látásmódot, a szójátékokkal teli nyelv dialektikáját, a társadalmi osztály, nem, nemi hovatartozás vagy hatalom által ellentétes karakterek közötti ellentétet (reprezentatív példa erre A cickány megzabolázása, amelyet néha A bátor megzabolázása címen is fordítanak); az erotikus utalásokat és konnotációkat, az álruhákat és a kaotikus szétszóródásra és zűrzavarra való hajlamot, amíg a történet cselekménye az elveszett dolgok visszaszerzéséhez és a természetes keretein belüli helyreállításához vezet. A komédia panorámája egy olyan társadalom feltárását is magában foglalja, amelynek minden tagját egyformán tanulmányozzák, egészen másképp, mint ahogyan a társadalom az ő történelmi darabjaiban látható, amelyek a hatalomra való machiavellista törekvésre („homoklétra”, mert tartalmi üressége miatt) és a király által a földön képviselt isteni kozmikus rend megbontására épülnek. A komédia mint a társadalmi típusok galériája tehát szélesebb teret foglal el Shakespeare-nél, mint a tragikus és a történelmi, és jobban tükrözi korának társadalmát, bár a szerző tehetsége a különösen egyénített karakterek megteremtésére, mint Falstaff esetében, ezen a téren is kiemelkedik.

Míg a cselekmény hangvétele gyakran burleszkszerű, máskor a cselekményben lappang egy nyugtalanító tragikus elem, mint A velencei kalmárban. Amikor olyan témákkal foglalkozik, amelyek tragikus végkifejletet válthatnak ki, Shakespeare a tőle megszokott módon, anélkül, hogy állást foglalna, gyógymódot javasolna, moralizálna vagy egyáltalán prédikálna, a bűn, a gonoszság és az emberi irracionalitás veszélyeire próbál tanítani, anélkül, hogy a tragédiáiban megjelenő pusztításba kellene belebuknia, és a helyreállító és helyreállító rendet a természetre bízza.

A vígjátékok befejezése általában ünnepi és élvezetes. Meg kell jegyezni, hogy a vulgáris nyelvezet és a kettős célzások, valamint a különböző nézőpontok, a sorsfordulatok és az identitások felbomlásának nagyságrendje elkerülhetetlenül hozzátesznek egy olyan összetevőt, amelyet gyakran meglepő véletlenek kísérnek. A szex paródiája, az álruha szerepe és a természet varázslatos ereje, amely helyrehozza a korrupt és kapzsi társadalom által okozott károkat és sebeket, a shakespeare-i komédia transzcendens elemei.

Az ember teljesen megváltoztatja gondolkodásmódját és cselekvésmódját azzal, hogy a vadonba menekül, elmenekül a civilizáció elől, és átadja magát az ellentétek játékának. Végezetül érdemes megjegyezni, hogy a társadalmi szféra, amelyet Shakespeare a darabjaiban használ, talán némileg szűkebb, mint a legtöbb vígjátékban.

Mint említettük, a bolond – aki a korabeli udvarban igen népszerű figura volt – az a rendíthetetlen elem, amelyen a drámaíró szabadabbnak érzi magát, hogy kifejezze, amit gondol, tekintve, hogy egy ilyen személy véleményét soha nem tartották érvényesnek – tökéletes ürügy a kidolgozásra.

Shakespeare komédiáinak keletkezési ideje 1590 és 1612 közé tehető, ami írói munkásságának kiindulópontja és csúcspontja. Az első és legkevésbé kidolgozott A veronai két úr volt, ezt követte A velencei kalmár, Sok hűhó semmiért, Ahogy tetszik, A tél meséje, A vihar és még számos más, alább felsorolt darab:

Fontos tisztázni, hogy A vihar, a Téli mese, a Cymbeline és a Periklész sokak szerint költői fantáziák (angolul a romance kifejezést használják), mivel olyan jellemzőkkel rendelkeznek, amelyek megkülönböztetik őket a többi vígjátéktól.

A First Folio csak azokat a műveket sorolja a „történelmi művek” (históriák) közé, amelyek Anglia viszonylag újkori történelmével kapcsolatosak. Más történelmi témájú darabok, például az ókori Rómában játszódó darabok, vagy akár a Macbeth, amelyben egy valódi skót király szerepel, nem tartoznak ide. Összesen tizenegy van (vagy tíz, ha nem számítjuk a ma már apokrifnek tekintett III. Edwardot). A drámaíró által e darabok megkomponálásához használt forrás jól ismert: Raphael Holinshed krónikái.

Az alábbiakban e művek listája következik, a művek keletkezésének hozzávetőleges dátuma szerint rendezve.

Komoly kétségek merültek fel a lista első, III. Edward szerzőségével kapcsolatban. Az utolsó, VIII. Henrik című darabot feltehetően John Fletcherrel közösen írta, aki Shakespeare-t váltotta a King’s Men társulat fő drámaírójaként.

Az angol királyokról írt tíz darabját, az úgynevezett „Történelmi ciklus”-t, amelyet Shakespeare hét angol királynak szentelt, általában a történelmi darabjain belül csoportosítják. Ebből a ciklusból kimaradnak a Lear királyról (egy legendás királyról) és a Macbethről (amely a skót király, Macbeth skót király életén alapul) szóló darabok, valamint egy III. Edwardról szóló darab (bár egyre több jel utal arra, hogy ezt Shakespeare írta, legalábbis részben, szerzőségét nem sikerült megállapítani). Ez a ciklus kizárja János királyt és VIII. Henriket, mert nem követik a történelmi sorrendet.

E darabok közül nyolc két tetralógiába van csoportosítva, amelyek megírásának sorrendje nem esik egybe az ábrázolt történelmi események időrendi sorrendjével. A tetralógiák közül az elsőt a VI. Henrik uralkodásának (1422-1461) szentelt három alkotás alkotja, valamint az ambiciózus és szörnyűséges III. Richárdnak (aki 1483-1485 között uralkodott) szentelt alkotás. Valószínűleg mindegyik 1590 és 1594 között keletkezett.

A második tetralógia, amely a II. Richárdból, a IV. Henrik két részéből és az V. Henrikből áll, visszamegy az időben. A könyv II. Richárd (1377-1399), IV. Henrik (1399-1413) és V. Henrik (1413-1422) uralkodására összpontosít. Mindezek a művek az 1594-1597 közötti időszakban keletkeztek.

Mivel a közönség nagy része analfabéta volt, ezek a színdarabok alkalmasak voltak a történelem közvetítésére, és ennek következtében a hazaszeretet és az angol kultúra szeretetének erősítésére, valamint a polgárháborúk elutasításának érzésének kialakítására. A történelmi színdarabok a szórakoztatás mellett megerősítették és igazolták a monarchia hatalmát azok számára, akik esetleg megkérdőjelezték annak legitimitását. Shakespeare darabjaiban a király, akárcsak Lope de Vega darabjaiban, a kozmikus rend földi képviselője. Ezt elemezték később a Greenblatthoz hasonló tudósok, akik az uralkodó diskurzusra és az Erzsébet-kori színháznak a királyi tekintély érvényesítésére, a rend fenntartására és a felforgatás megakadályozására irányuló képességére összpontosítottak.

Mivel a színházi társulatok függése arisztokrata mecénásaiktól (és a The King’s Men esetében a királyi tekintélytől), logikus, hogy a nemességhez tartozó, Anglia történelmében fontos történelmi személyiségeket bemutató darabokat írtak és adtak elő. Ez V. Henrik esete, aki az agincourt-i csatában győzött Anglia örök riválisa, Franciaország csapatai felett. A kiemelkedő történelmi tények felvállalásával, a vereségek figyelmen kívül hagyásával és a győzelem hősiességének eltúlzásával – amelyet az uralkodó uralkodónak tulajdonítottak – ezeknek a műveknek sikerült növelniük a korona iránti népi rajongást.

A Shakespeare-dráma korai időszakában a cél az volt, hogy legitimálják a Tudor-dinasztia hatalmát, amelyet 1485-ben, éppen III. Richárd, a shakespeare-i drámák egyik legundorítóbb szereplőjének megbuktatása után ültettek a trónra. A Tudorok trónra lépése bizonyos aggályokat váltott ki, egyrészt walesi származásuk, másrészt a trónigényük problematikus volta miatt (úgy tűnik, VII. Henrik, a dinasztia első uralkodója arra alapozta jogait, hogy V. Henrik özvegyétől, Katalin francia hercegnőtől származik, aki néhány évvel később újra férjhez ment Owen Tudorhoz, egy walesi nemeshez, akinek kevés befolyása volt a nemzeti monarchiára).

Vannak azonban olyan kritikusok, akik úgy vélik, hogy Shakespeare történelmi darabjai burkolt kritikát tartalmaznak a monarchiával szemben, amelyet a törvényekkel való esetleges problémák elkerülése érdekében lepleztek le.

A prózában vagy versben írt lovagi elbeszélések a hősi fantázia gyakori műfaja volt Európában a középkortól a reneszánszig; az angol, francia, spanyol, olasz és német nyelvű lovagi könyvek Artúr-mítoszokat, kelta és angolszász legendákat is tartalmazhattak; a mágia és a fantázia is szerepet kapott, és érezhető volt a tündérek és más babonák elveszett, kereszténység előtti mitológiája iránti nosztalgia is. Ez a legendás elbeszélés, amelynek végső kifejeződése és mesterműve talán Sir Thomas Malory Arthur halála című műve volt, már alternatív és népszerű lett, a népnyelvvel azonosítva, szemben az egyházi szférához kötődő, moralizálóbb keresztény elbeszéléssel, amely egy szűkebb közönségnek szólt és latinul íródott. Az ilyen típusú népszerű tartalmak meghatározására a romantikus vagy regényes kifejezést választották.

Nagy-Britanniában a XVI. század végén és a XVII. század elején a romantika olyan fantasztikus műfajként jelent meg, amelyben bizonyos jellegzetes konvenciók (különleges képességekkel rendelkező lovagok, mágia, boszorkányság, a valóság megváltoztatása, a női alak udvarlása, hőstettek és merész kalandok) mellett megjelent Amerika meghódításának ténye: a fajok és barbár kultúrák olvasztótégelye, amely számos utazó és drámaíró számára szolgált inspirációul. William Shakespeare-nél az a darab, amely a fent említett konvenciókat egyesíti, és olyan színházi produkcióvá formálja, amely éppoly érdekes, mint amilyen valószerűtlen, A vihar, amelyet Shakespeare drámai végrendeletének tartanak, mivel valószínűleg ez volt az utolsó darabja.

A darabot 1611-ben mutatták be először, majd 1613 februárja körül, I. Jakab király lányának, Stuart Erzsébetnek és Frigyes heidelbergi hercegnek az esküvője alkalmából másodszor is színre vitték. A darab számos párhuzamot mutat a jakobinus korszak legjelentősebb alakjaival: a nászálarc, amelyet Prospero készít Miranda és Ferdinánd örömére, megfelel Ceres és Juno isteni alakjának, akik boldog jövőt ígérnek, ha a boldog pár megígéri, hogy a házasságkötés utánig megőrzi a tisztaságot. Ez megfelelt az uralkodónak, aki éppúgy ismert volt hagyományos erkölcseinek szigoráról, mint a mágia és a boszorkányság iránti morbid érdeklődéséről, amelyek szintén fontos szerepet játszanak a darabban. Ezek a gyakorlatok a tizenhatodik és a tizennyolcadik század között valóban a nők elégetéséhez vezettek, és I. Jakab habozás nélkül halálra ítélt mindenkit, akit ilyen szertartások elvégzésével gyanúsítottak. A Vihar témája tehát csakis egy uralkodóban – Prosperóban – nyilvánulhatott meg, akinek érdeke, hogy véget vessen egy vén boszorkány gonosz varázslatának, amely a sziget társadalmi rendjét fenyegető betöréssel fenyegeti. E korszak varázslatos világa azonban Shakespeare utolsó korszakának más regényes és fantasztikus komédiáiban is felbukkan, mint pl.:

A Vihart Shakespeare drámai végrendeletének tartják. Látszólag Antonio de Eslava egyik Téli éjszakája ihlette, a szigeten hajótörést szenvedett, mágikus képességei miatt félig ember és félig isteni Prospero herceg végül eltörik a pálcáját, miközben elgondolkodik korlátozott hatalmán, és szinte lehetetlen nem Shakespeare szájába adni a szavait:

Shakespeare John Fletcherrel közösen írt néhány darabja elveszett, például a Cardenio, amelyet Miguel de Cervantes Don Quijote című művének egy epizódja ihletett, vagy a Két nemes lovag (mivel ez utóbbi darab nem szerepelt a First Folio kiadásában, sok olvasó megkérdőjelezi a drámaíró szerzőségét). Másfelől, és figyelembe véve Shakespeare számos produkciójának viszontagságait, egyesek szerint a produkciók fele megfelelne Fletcher profiljának és stílusának.

Shakespeare, mint minden nagy költő, nagy szintetizáló erővel rendelkezett; a teljes nyelvvel írt, árnyalt és kiterjedt lexikonnal. Óvatosan bánt üres verseinek retorikai stilizálásával, gyakran kissé az eufuizmus barokk fogalmi hagyományába ágyazva, ami miatt ma már maguknak az angoloknak is meglehetősen nehezen érthető és megfejthető; tudatosan kerülte a retorikai szimmetriákat, a kifejezések túl nyilvánvaló ellentétpárjait; a nyelv ekkor még proteikus nyelv volt, a szavak jelentését még nem rögzítették egyértelműen a lexikai repertoárok. Ha túlhajszolt nyelvezete akadálya is volt és van (és volt még akkor is, amikor Voltaire Angol leveleiben támadta stílusának antiklasszikus puffogtatását) a szerző művének megbecsülésének, az is igaz, hogy ez az alap, amelyen a szerző művét értékelni lehet, az is igaz, hogy ez az az alap, amelyen a kor más neves drámaíróihoz és költőihez – mint például a spanyol Miguel de Cervantes, Lope de Vega, Francisco de Quevedo, Luis de Góngora és Calderón de la Barca – hasonló hírneve és tekintélye nyugszik, mint a metaforák csiszolója és a neologizmusok feltalálója.

Általánosságban elmondható, hogy a kritikusok William Shakespeare drámai munkásságának két fő szempontját emelték ki.

Először is, a szerző szinte embertelen közönye és távolságtartása szereplőinek valóságától, amelyet a legnagyobb önvizsgálattal és mélységgel oszt meg pszichológiájának megteremtésében is. Shakespeare nem moralizál, nem prédikál, nem javasol hitet, hitet, etikát vagy bármilyen megoldást az emberi problémákra: felveti, és mindenkinél jobban teszi ezt, az emberi lét néhány alapvető szorongását (lenni vagy nem lenni, hálátlanság, gyermeki kötelesség (Lear király) vagy sem, üres becsvágy), de soha nem ad választ: Nem tudjuk, mit gondolt Shakespeare, akinek a világ látványa nem számít, még akkor sem, ha alapvetően pesszimista és komor a látomása annak a nyomorúságos és minimális helyzetnek a láttán, amelyet az álmokkal azonos anyagból készült ember foglal el a titokzatos, mélységes, érthetetlen és értelmetlen univerzumban. Míg a spanyol barokk színház az istenit részesíti előnyben az emberivel szemben, addig Shakespeare egyformán osztozik az égi és a földi iránti félelemben (pontosabban csodálatban):

Több dolog van az égen és a földön, Horatio, mint amiről a te filozófiád csak álmodni tud.

Mivel Shakespeare mindenre nyitott, nem szab magának semmilyen vallási, etikai vagy filozófiai korlátot; Julius Caesart arra készteti, hogy azt mondja, hogy „a hallott csodák közül a legkülönösebbnek az tűnik nekem, hogy az embereknek félniük kell”, és egyébként is csak „mások félelmétől” lehet félni.

A kritikusok néha rámutattak a mizantrópia állandó szálára a művében, másrészt pedig csak az isteni és emberi dolgoktól való kozmikus elszakadás képes ilyen kifejezéseket kitalálni:

Az élet egy idióta által elmesélt történet, egy ordítással és dühvel teli történet, amely nem jelent semmit.

Vagy:

A derék természet azt fogja mondani: „Ez egy ember volt….. Mikor jön a következő?

Másodszor, a kritikusok az „avoni hattyú” rendkívüli szintetizáló erejét emelték ki lírikusként; fantáziája képes dióhéjban látni egy univerzumot; mint a karakterek megalkotója, mindegyikük önmagában egy-egy világképet képvisel, ezért is nevezték őt a Költő költőjének. III. Richárd, Hamlet, Othello, Brutus, Macbeth, Lady Macbeth, Falstaff… hiteles alkotások. Ugyanakkor, és éppen ezért, őt is bírálták: darabjainak szereplői autistának tűnnek, nem tudják, hogyan kell meghallgatni egymást, és világukban elzárkóznak a másik mély megértésétől. Milyen szimpátia van Hamlet és szegény, meggyötört barátnője, Ophelia között? „Hallgatták”-e valaha is egymást Marcus Antonius és Kleopátra, akik bár szeretők, de betegesen gyanakvóak egymásra? A kritikus Harold Bloom erre mutatott rá, mint a Shakespeare és Cervantes közötti egyik legfeltűnőbb és legérzékenyebb különbségre. Ez utóbbiban empátia, barátság és emberi kapcsolat van a szereplői között, így tanulnak egymástól és fejlődnek, míg Shakespeare autista tragikus karakterei képtelenek megérteni egymást és megvalósítani ezt az emberi közeledést.

Shakespeare tanulmányozását sokféle nézőpontból közelítették meg. A historizmus eleinte történeti és külsődleges szempontból elemezte műveit, figyelmét az irodalmon kívüli dolgokra összpontosítva. A neokriticizmus reakcióként inkább magának a műnek az elemzése felé hajlott, figyelmen kívül hagyva minden irodalmon kívüli elemet. Ennek a kritikai iskolának a fő képviselője Stephen Greenblatt volt.

Az utóbbi években a feminista szemléletű Shakespeare-tanulmányok, amelyeket olyan szerzők, mint Bloom, keményen bíráltak, némileg teret nyertek tudományos körökben.

Shakespeare költészete

Shakespeare amellett, hogy megkérdőjelezhetetlenül jelentős drámaíró volt, költő és szonettíró is volt, és általánosan elfogadott nézet, hogy inkább lírikusként, mint drámaíróként értékelte magát, és csak mint ilyen remélte, hogy túléli korát. Bár elsősorban hosszú elbeszélő és mitológiai verseket írt, különösen a tisztán lírai szonettek kivételes szerzőjeként emlékeznek rá.

Ez utóbbit először a Palladis Tamia (Wit’s Treasury) (London, 1598) című művében említi Francis Meres, a cambridge-i bölcsészdoktor, aki Shakespeare-t „cukros szonettjeiért” dicséri; ez az említés azt mutatja, hogy a kéziratos példányok ebben az időben már közeli barátai körében keringtek:

Ahogy Euphorbius lelke Püthagoraszban vélte magát lakozni, úgy él Ovidius szellemes és kedves lelke Shakespeare szelíd és finom nyelvében. Tanúja, az ő Vénusz és Adonisza, az ő Lucretia, az ő Cukros szonettjei, amelyeket csak bizalmas barátai ismertek. És ahogy a latinoknál Plautust és Senecát tartják a legjobbnak a komédia és a tragédia terén, úgy az angoloknál Shakespeare a legkiválóbb mindkét műfajban. A vígjátékok közül A veronai két úr, az Egyenlőségek, az Elveszett szerelmi fáradságok, a Megnyert szerelmi fáradságok, a Szentivánéji álom és a Velencei kalmár című művei. A tragédiák közül a II. Richárd, III. Richárd, IV. Henrik, János király, Titus Andronicus és a Rómeó és Júlia. És ahogy Epio Stolo azt mondta, hogy a múzsák Plautus nyelvén beszélnének, ha latinul akarnának beszélni, úgy mondom én is, hogy a múzsák Shakespeare gyönyörű kifejezésével beszélnének, ha angolul akarnának beszélni.

Nem sokkal később, 1599-ben néhány szonettjét, a 138. és a 144. szonettet, valamint a Love’s Labours Lost című vígjátékában szereplő hármat (a későbbi kiadásokban számos variációval) kinyomtatták a The Passionate Pilgrim című lírai költeménygyűjteményben, amely különböző szerzők szonettjeinek gyűjteménye, és amelyet teljes egészében tévesen Avon hattyújának tulajdonítanak, és amely a többi szonettje között nyolc másik szonettet is tartalmaz, amelyeket stílus és tartalom alapján joggal tulajdonítottak neki. Csak 1609-ben jelent meg egy titokzatos teljes kiadás, valószínűleg a szerző engedélye nélkül, egy bizonyos T. T. (Thomas Thorpe, egy kiadó, aki íróbarát volt és maga is író) által. A dedikáció egy bizonyos Mr. W. H.

A monogram mögött álló személyazonosságot nem lehet biztosan megállapítani, és többféle elmélet is született a mögöttük álló személyiségre vonatkozóan; a legvalószínűbb, hogy a költő egyik rendszeres pártfogója volt, és a kritikusok túlnyomó többsége hajlik arra, hogy a monogramokat megfordítva, Henry Wriothesley (1573), Southampton grófja, mivel Shakespeare már nyilvánosan kifejezte neki elismerését más versek dedikálásával: a Vénusz és Adonisz és a Lukrécia megerőszakolása. De egy másik lehetséges jelölt William Herbert, Pembroke grófja és Mary Herbert fia, aki Sir Philip Sidney, az Árkádia című művet komponáló híres költő húga volt; ez utóbbi mellett szól az is, hogy a színház iránti rajongása intenzív volt, és Shakespeare színtársulatának, a King’s Men-nek a pártfogója volt. Mindketten jóképű, a művészet és az irodalom pártfogása iránt elkötelezett nemesek voltak, és jóval fiatalabbak a költőnél, ami a versek igazi befogadójának feltétele.

A Thorpe kiadása által megállapított rend egy sajátos szerkezetet rögzített, amely nagyon eltér a szokásos itáliai Petrarchan daloskönyvtől; valóban, nincsenek más metrumú kompozíciók, amelyek megtörnék az egyhangúságot, a metrum nagyon eltér a klasszikus szonettétől (három serventéből és egy párosból áll, az úgynevezett Shakespeare-szonett), és nagyrészt egy férfi barátságának (vagy szerelmének) szenteli, akit gyakran interpellál, hogy saját képét és hasonlatosságát megteremtse:

Teremts egy másik énedet, az irántam érzett szeretetből, hogy a szépség megmaradjon neked vagy a tiédnek.

Ezzel egy teljesen megújult és eredeti hagyományba illeszkedik, aminek maga a költő is ironikusan tudatában volt:

Miért olyan híján vannak verseim az új formáknak, miért olyan lázadóak minden változatosság vagy eleven változás ellen? Miért nem hajlok az idők folyamán az újonnan felfedezett módszerekre és furcsa díszítésekre? Miért írok mindig egy dologról, mindig ugyanarról, és miért csomagolom találmányaimat ismerős köntösbe, miközben minden egyes szó szinte hirdeti a nevemet, elárulja születését és jelzi forrását? Ó, tudd meg, édes szerelmem, hogy mindig rólad írok, és hogy te és a szerelem vagy az én örök témám; így minden tehetségem abban áll, hogy az újat régi szavakba burkolom, és újra felhasználom azt, amit már használtam. Mert ahogy a nap minden nap új és régi, úgy az én szerelmem is mindig megismétli a már elmondottakat.

Két egymást követő szonettsorozatra osztható: a 126 szonettre, amely egy szőke, jóképű, magas származású barátot, a költő pártfogóját ünnepli, akinek a magány, a nárcizmus és a gyönyörök elhagyását és örökösök nemzését javasolja, és az utolsó 28 szonettre, amely egy sötét hajú asszonyról szól, aki házas volt, mint a 152. szonettben található utalásból következtethetünk, és valószínűleg művelt nő lehetett, hiszen tudott spinetten vagy csembalón játszani. A szonettek közül kettőt külön vizsgálunk, mivel ezek ugyanannak a görög antológiából származó epigrammának a változatai.

Másrészt Shakespeare, a rejtélyes címzett és a sötét hölgy hármasában időnként egy rivális költő is megjelenik, ami tovább bonyolítja egy olyan szerelem történetét, amelyet a kor nyelvén akár barátságként vagy a költő és pártfogója között kialakuló különleges dilemmaként is fel lehetett volna fogni. A szakértők (William Minto, majd később Edward Dowden, Tylor és Frederick Furnivall) többnyire azt állítják, hogy ez a költő a hellenista George Chapman volt, mivel őt azonosítják az alexandrinák szerzőjeként, olyan versek szerzőjeként, amelyek akkoriban meglehetősen ritkák voltak az angol metrikában, és amelyeket csak ez a szerző használt akkoriban.

A szonettek témái a szerelem és az idő, amelyek bizonyos értelemben ellentétesek egymással; ez utóbbiban a mulandóság témája mélyrehatóan, olykor a metafizikáig hatolva kerül terítékre. Minden szonett drámai mozzanatot is tartalmaz; mindenekelőtt az üzenet erkölcsi és szellemi értékét és a filozófiát értékelhetjük, amelyet hagy bennünk: a legtöbbet kell kihozni abból a kevés időből, amelyet az élet kínál nekünk, hogy teljes mértékben átadhassuk magunkat neki. Claudio Guillén azt is kiemeli, hogy „Shakespeare mer új dolgokat mondani, teljesen új dolgokat, mint például a barátság és a szerelem közötti különbségtétel hiánya, valamint a nő és a férfi iránti szerelem közötti alapvető különbségtétel hiánya”.

A szonettek kronológiáját nehéz megállapítani, de feltételezhető, hogy 1592 és 1597 között keletkeztek.

Minden történelmi korszak az uralkodó aggodalmaknak és érdekeknek megfelelően bizonyos színdarabokat helyezett előtérbe. A 18. században uralkodó „költői igazságosság” koncepciója Shakespeare számos tragédiájának elutasításához vezetett, mivel az ő kritériumai szerint a színháznak az erény példáit kell népszerűsítenie. Samuel Johnson (1709-1784) angol kritikus nem fogadta el a Lear király kegyetlennek és feleslegesnek tartott befejezését, és Nahum Tate 1681-es változata egészen a 19. század közepéig felváltotta Shakespeare változatát, amely nagy sikerével meghökkentette az olvasóközönséget: happy enddel zárul, amelyben Cordeliának és Learnek sikerül győzedelmeskednie az akadályokon, és a főhős feleségül megy Edgardóhoz, Gloucester grófjának törvényes örököséhez.

A híres színész, David Garrick (1717-1779) 1731-ben lépett fel először a púpos III. Richárd szerepében egy londoni nyomornegyed színház színpadán, és átütő sikert aratott. Amikor átvette az elegáns Drury Lane Színház vezetését, káprázatos előadása valóságos „Shakespeare-mániát” váltott ki, amely akkor érte el a tetőpontját, amikor maga Garrick szervezte meg az első jubileumot a költő tiszteletére Stratfordban (1769), amely esemény olyan lelkesedést váltott ki, hogy még Írország is a Shakespeare-nek tulajdonított hamis irodalmi dokumentumokat exhumált a zászlaja alatt. 1772-re Garrick a Hamlet nagy részét megváltoztatta, eltávolítva a sírásók jelenetét, és felmentve Laertest a kardjában lévő méreg miatti vád alól. Ráadásul Gertrúd királynőnek sikerül túlélnie, hogy bűnbánó életet éljen, ami az eredetiben nem így van. Ezzel egy időben a drámaíró híre egész Európában elterjedt; Voltaire tette őt ismertté Levelek Angliából című művében, Jean-François Ducis pedig Hamlet-adaptációjának ősbemutatójával mutatta be a párizsi színpadon (ugyanebben az évben Gotthold Ephraim Lessing Németországban kiadta Hamburgische Dramaturgie című kritikai színházi tanulmánygyűjteményét, amelyben a klasszikus francia tragédia elvetése és Shakespeare új felemelése mellett érvelt, ahogyan azt Johann Gottfried Herder is tette 1771-ben Blättern von Deutscher Art und Kunst című művében. Ahogy Garrick Angliában, Friedrich Ludwig Schröder színész és színházigazgató is hozzájárult a Hamlet németországi ősbemutatójával (1777) ahhoz, hogy Shakespeare életre keljen a német színpadon. Goethe Weimarban Shakespeare és Calderón darabjait játszotta, amikor a fejedelemség színházának rendezésével bízták meg, és ő maga és Friedrich von Schiller is megtapasztalta az angol géniusz hatását saját darabjaiban. Spanyolországban 1772-ben Ramón de la Cruz, 1798-ban pedig Leandro Fernández de Moratín fordította le a Hamletet.

Shakespeare (és Pedro Calderón de la Barca) újjáéledése meghatározó esemény volt az európai színháztörténetben, mivel elősegítette a preromantika megjelenését, és egyúttal lehetővé tette a német nemzeti dráma, majd később Victor Hugo francia romantikus drámájának kialakulását.

1807-ben Thomas Bowdler kiadta a Családi Shakespeare-t, egy módosított változatot, hogy véleménye szerint alkalmasabbá tegye a nők és a gyermekek számára, hogy ne „sértse az erényes és vallásos elmét”. Ebből az adaptációból származik az angol bowdlerize szó, amely a puritán cenzúrát jelöli.

A viktoriánus korszakban az előadásokat általában a korszak rekonstruálására tett régészeti kísérlet jellemezte, és a színészek és színészek a pozitivizmus dokumentarista módszertanának megfelelően a történelmi realizmus megszállottjai voltak. A művészeti avantgárd a drámaíróra is hatással volt: Gordon Craig 1911-ben kubista Hamletet próbált írni. Az ő ikonoklasztikus színpadi koncepciója nyitotta meg az utat Shakespeare darabjainak különböző esztétikai átdolgozásai előtt a 20. században. 1936-ban Orson Welles Harlemben egy újszerű Macbeth-et állított színpadra, nemcsak a darab korát változtatta meg, hanem afroamerikai színészeket is alkalmazott. Laurence Olivier V. Henrik című játékfilmjében, amelyet a második világháború harcosainak tiszteletére forgattak, a brit hazaszeretetre való buzdítás érdekében kiemeltek bizonyos részeket, amelyek közül a legjelentősebb az uralkodónak a francia csapatok elleni agincourt-i csata előtt a csapataihoz intézett szónoklata. Ugyanez igaz a mai napig számtalan színházi és filmes adaptációra.

Így Shakespeare művének adaptációja, értelmezése és kiforgatása sokáig sajátos erkölcsi, politikai és esztétikai érdekek terméke volt, és ezek elhomályosították azt a sivár életfelfogást, amelyet Shakespeare valóban kínál.

Ami a más kultúrákra, különösen a spanyol kultúrára gyakorolt hatását illeti, Shakespeare mindig is gazdag inspirációs forrást jelentett a modern és kortárs írók számára, de csak a XIX. században vált igazán érezhetővé. Spanyol-Amerikában olyan írók, mint Rubén Darío és különösen José Enrique Rodó esszéíró különös érdeklődéssel olvasták a Vihart. Rodó például jól ismert Ariel című esszéjében (1900) egy egész Amerika-értelmezést fogalmazott meg, amely két főszereplőjének, Arielnek és Calibannak a mítoszán alapul.

Az egyetemes irodalom szerzőjének koronázására azonban Spanyolországban egészen a 18. század végéig kellett várni, amikor Voltaire az angol szerző iránti bizonyos kíváncsiságot keltett a spanyol felvilágosodásban azzal, amit az Angol levelekben írt róla; Ramón de la Cruz 1772-ben fordította le a Hamletet Jean-François Ducis (1733-1816) francia redukciójából, aki Shakespeare tragédiáinak francia fordításait angol nyelvtudás nélkül, a neoklasszicizmus ízlésének megfelelően versbe foglalta, és többek között eltörölte az erőszakos befejezést. Ezt a fordítást azonban soha nem adták ki. Leandro Fernández de Moratín viszont kinyomtatta a sajátját, szintén Ducis rossz francia változatából, és a modelljéhez más hiányosságokat is hozzátett (Madrid: Villalpando, 1798).

Egyes művekből más változatok is készültek (Macbé vagy Los Remordimientos, 1818, Manuel García, szintén Ducis francia változatából), de csak a 19. század második felében történtek átfogó erőfeszítések a szerző teljes életművének lefordítására, amelyeket kétségtelenül az a tekintély ösztönzött, amelyet a szerző a német romantika által neki kijáró lankadatlan dicsérettel szerzett.

1872 alapvető év volt a spanyol Shakespeare-recepcióban. Megjelentek az első közvetlen fordítások angolból: Obras de William Shakspeare trad. fielmente del… inglés con presencia de las primeras ediciones y de los textos d á luz por los más célebres comentadores del inmortal poeta, Madrid, 1872-1877 (Imp. Manuel Minuesa, R. Berenguuillo). A fordítást Matías de Velasco y Rojas, Dos Hermanas márki készítette, de nem jutott tovább három kötetnél; a második és a harmadik kötetet 1872-ben nyomtatták ki, az elsőt a verseivel és szonettjeivel, a másodikat A velencei kalmárral, a harmadikat a Júlia és Rómeóval.

1872 és 1876 között Jaime Clark lefordította a Rómeó és Júliát; a Hamletet; az Othellót; a Lear királyt; a Velencei kalmárt; az Ahogy tetsziket; a Tizenkettedik éjszakát és a Vihart. 1873-ban a gibraltári William Mcpherson elkezdte kinyomtatni 23 darab fordítását fehér hendikepben, fontos prológusokkal.

Másrészt 1872-től 1912-ig gyakran adták elő darabjait Madridban; Shakespeare még Manuel Tamayo y Baus Un drama nuevo című drámájában is szerepelt, noha már korábban is szerepelt Enrique Zumel Guillermo Shakespeare című drámájában (Granada: José María Zamora, 1853). Hasonlóképpen, a spanyol kritikusok először vállalkoztak Shakespeare alapos tanulmányozására; az elsők Guillermo Macpherson és barátja, Eduardo Benot (1885), és különösen Eduardo Juliá Martínez (1918) voltak, akik a centenáriumi dátumot kihasználva egyfajta regényes életrajzzal népszerűsítették Shakespeare alakját, amely Shakespeare y su tiempo: historia y fantasía (1916) címmel „a szórakoztatás látszata közepette az igazságok feltárására” (xii. o.) törekedett. A mű jól dokumentált, amit a bőséges jegyzetanyag és a záró függelék is tükröz (Juliá ezt követően írta meg érdekes Shakespeare Spanyolországban (1918) című művét, amely Alfonso Par azonos című művének alapjául szolgált. Több más darab mellett lefordította a Lear királyt katalán és spanyol nyelvre. 1916-ban, a drámaíró halálának harmadik századik évfordulójával egy időben írta meg katalánul a Vida de Guillem Shakespeare-t, amely 1930-ban jelent meg spanyolul, és ugyanebben az évben a Contribución a la bibliografía española de Shakespeare-t. Elkötelezettségét két kolosszális mű koronázta meg, az egyik 1935-ben jelent meg, a Shakespeare en la literatura española, két kötetben, a másik pedig a következő évben, a posztumusz Representaciones shakespearianas en España, szintén két kötetben. Itt kell megemlíteni egy másik spanyol Shakespeare-kutatót, Ricardo Ruppert y Ujaravit (1920), a realista írót, Juan Valerát és a ’98-as nemzedék tagjait, mint Miguel de Unamuno és Valle-Inclán, akik az Avon hattyújának szenteltek néhány esszét.

A fordítások közül kiemelkedik a már említett William Macpherson (1885-1900) nyolc kötetben megjelent teljes műve, a hozzá tartozó bevezetővel együtt. Rafael Martínez Lafuente Shakespeare összes művei szintén előkelő helyet foglalnak el, bár valószínűleg francia fordítások, mivel prológusukban Victor Hugónak a drámaíró életéről és munkásságáról szóló esszéinek töredékeit tartalmazzák, amelyek megelőzték a francia fordítást. A teljes művet, sőt még a tulajdonított címeket is tartalmazza Luis Astrana Marín 1920 és 1930 között kiadott prózai változata, amelyet Federico García Lorca széles körben olvasott; Astrana életrajzot is írt, amelyet kibővített formában újranyomott, és átfogó tanulmányt készített a műről, amelyet monumentális kiadásának bevezetőjeként használt. Említést érdemelnek még a szimbolisták, Antonio Ferrer és Robert (Noche de Epifanía (Rómeó és Júlia (1918) és a Hamlet (1918) Gregorio Martínez Sierra által készített fordításai és feldolgozásai. A William Macpherson és Rafael Martínez Lafuente által használt és felhalmozott tanulmányok és fordítások jelentős része szintén megtalálható a Biblioteca del Ateneo de Madridban.

A modern fordítások közül Luis Astrana Marín híres és már említett prózai fordítása mellett meg kell említeni José María Valverde Obras completas (Barcelona: Planeta, 1967) című, szintén prózában megjelent művét, valamint a valenciai Shakespeare Intézet által 1980 óta Manuel Ángel Conejero és Jenaro Talens vezetésével készített kétnyelvű, spanyol nyelvű, üres verses kiadásokat, amelyeket teljes egészében ennek a törekvésnek szenteltek. Figyelemre méltóak a 20. század második felének legjelentősebb spanyol tragikus drámaírója, Antonio Buero Vallejo néhány darabjának változatai is. Ángel Luis Pujante 1986 óta az Editorial Espasa-Calpe kiadónál teljes műveinek új fordítását is vállalja.

Végül a Murciai Egyetemen létrehoztak egy online adatbázist, amely tartalmazza Shakespeare összes történelmi szövegének spanyol fordítását, a szerző öt életrajzát, kiegészítő anyagokat és az Ángel-Luis Pujante és Juan F. Cerdá által összeállított Shakespeare Spanyolországban című bibliográfiát. Kétnyelvű jegyzetelt bibliográfia

Shakespeare életrajzának filmváltozatai közé tartozik a John Madden által rendezett Shakespeare in Love (1998), a Miguel és William (2007), amelyet Inés París rendező és forgatókönyvíró készített Miguel de Cervantesről és Shakespeare-ről, valamint a Roland Emmerich által rendezett Anonymous (2011), amely egy politikai cselekmény keretében teszi fel a lehetséges választ a művek szerzőségére.

Shakespeare szövegei alapján mintegy 250 film készült, ami jól mutatja Shakespeare művének óriási hatását. A leggyakrabban filmre vitt darab a Hamlet, amelyből 1907 és 2000 között 61 filmadaptáció és 21 televíziós sorozat készült.Néhány Shakespeare-darabból készült film:

Tragédia

A listában ábécé sorrendben szerepelnek. Lásd a fenti listát időrendi sorrendben.

Vígjáték

Ezek ábécé sorrendben vannak felsorolva. Lásd a fenti listát időrendi sorrendben.

Történelmi dráma