Akira Kurosawa

gigatos | Marzo 24, 2022

Post Views: 10

Riassunto

Akira Kurosawa (黒澤明, ortografia moderna (新字体): 黒沢明 Kurosawa Akira, * 23 marzo 1910 a Ōmori, Contea di Ebara († 6 settembre 1998 a Setagaya, ibid) è stato un regista giapponese.Con un corpo di lavoro che comprende 30 film in un periodo di 57 anni, è considerato uno dei registi più influenti di tutti i tempi.

Dopo un breve periodo come pittore, Kurosawa entrò nell”industria cinematografica giapponese nel 1938, dove lavorò prima come sceneggiatore e assistente alla regia, prima di lanciare la sua carriera di regista nel 1943 con il film d”azione Judo Saga – La leggenda del grande Judo.

Dopo alcuni piccoli successi locali durante la seconda guerra mondiale, Kurosawa pubblicò il dramma Angel of the Lost insieme allo studio cinematografico Tōhō nel 1948. Il film fu un grande successo commerciale e di critica e lo rafforzò nella sua posizione di uno dei più noti registi giapponesi. Per uno dei ruoli principali, ingaggiò l”allora sconosciuto giovane attore Toshirō Mifune, che raggiunse anch”egli una grande fama locale da un giorno all”altro e successivamente lavorò con Kurosawa in altri sedici film.

Il film Rashomon – Il boschetto del piacere, pubblicato nel 1950, vinse a sorpresa il Leone d”oro alla Mostra internazionale d”arte cinematografica di Venezia e rese così Kurosawa famoso a livello internazionale. Il successo critico e commerciale del film ha portato per la prima volta l”attenzione occidentale sui prodotti dell”industria cinematografica giapponese ed è considerato seminale per la crescente popolarità internazionale del cinema giapponese.

Negli anni ”50 e nei primi anni ”60, Kurosawa fece uscire nuovi film quasi ogni anno, compresi alcuni classici come Ikiru (1952), I sette samurai (1954), Yojimbo – La guardia del corpo (1961), Tra cielo e inferno (1963) e Barba rossa (1965). A partire dagli anni ”70, Kurosawa soffre sempre più spesso di attacchi di depressione, motivo per cui la sua produttività diminuisce bruscamente. La popolarità delle sue opere è comunque rimasta, e molti dei suoi film successivi, come Uzala il Kirghiz (1975), Kagemusha – L”ombra del guerriero (1980), Ran (1985) e Madadayo (1993), sono generalmente considerati come classici della storia del cinema e hanno vinto diversi premi, tra cui l”Oscar.

Nel 1990, Kurosawa è stato premiato con l”Oscar onorario per il lavoro della sua vita e nominato postumo “Asiatico del secolo” nella categoria “Arte, letteratura e cultura” dalla CNN. Molti anni dopo la sua morte, numerose retrospettive, studi e biografie su di lui e sulla sua carriera continuano ad apparire in forma visiva e sonora.

Infanzia e inizi nell”industria cinematografica (1910-1945)

Akira Kurosawa è nato il 23 marzo 1910 nel quartiere Ōmori di Tokyo, il più giovane di otto figli. Suo padre Isamu (1864-1948), membro di una famiglia di samurai della prefettura di Akita, era il preside di una scuola media, mentre sua madre Shima (1870-1952) faceva parte di una famiglia di commercianti di Osaka. Uno dei suoi fratelli morì in giovane età, mentre i suoi due fratelli maggiori avevano già iniziato le loro famiglie, lasciandolo con tre sorelle e due fratelli.

Kurosawa descrive sua madre come una persona molto gentile, ma suo padre come molto severo. Ha dato meno importanza a un”educazione artistica per i suoi figli che a un”educazione tradizionale, spartana-militare. Aveva anche un”affinità per le tradizioni occidentali, specialmente per le opere teatrali e i film dell”Occidente, che considerava di grande valore educativo. A causa di questo, Kurosawa sviluppò in giovane età un fascino per l”intrattenimento occidentale, che avrebbe poi avuto una grande influenza sui suoi film. Il giovane Akira era interessato all”arte e alla pittura, e si dice che un insegnante della scuola primaria in particolare abbia riconosciuto e incoraggiato questo interesse. La componente sportivo-militare della sua educazione scolastica, tuttavia, che consisteva in gran parte nell”addestramento Kendō, gli rimase estranea. Suo padre, “anche se un militare inflessibile”, secondo Kurosawa, sosteneva questa vena artistica.

Un”altra grande influenza sul lavoro successivo di Kurosawa fu suo fratello maggiore Heigo. Dopo il Grande Terremoto del Kantō del 1923, costrinse Akira, allora tredicenne, ad accompagnarlo nella zona del disastro per confrontarlo con le sue paure e per osservare da vicino la devastazione. Questo evento ha costituito la base per la successiva carriera di Kurosawa, in cui spesso ha elaborato artisticamente le proprie paure, traumi e problemi nei suoi film.

Dopo la scuola secondaria, Kurosawa andò alla scuola di pittura occidentale Doshusha nel 1927. Si guadagnava da vivere con illustrazioni e dipinti di ogni genere, ma senza successo. Durante questo periodo fu strettamente associato a suo fratello Heigo, che si separò sempre più dalla sua famiglia e condusse una carriera di successo come benshi nel cinema muto. Attraverso i suoi contatti nell”industria cinematografica, Heigo ha ispirato il giovane Akira con tutte le forme di intrattenimento, comprese le vecchie storie di samurai, la letteratura locale, il circo e il mezzo cinematografico. Con la crescente popolarità dei film sonori, Heigo divenne disoccupato nei primi anni ”30 e successivamente cadde in una grave depressione, che culminò tragicamente nel suo suicidio nel 1933. Secondo Kurosawa, non è mai riuscito a superare completamente il suicidio del fratello. L”evento influenzerà in seguito molte delle sue opere, molte delle quali sono state dedicate a Heigo.

Nel 1935, il neonato studio cinematografico Photo Chemical Laboratories (in breve P.C.L.), più tardi noto come Tōhō, cercava candidati per la posizione di assistente alla regia. Nonostante i dubbi sulla propria competenza, Kurosawa scrisse il saggio richiesto sul tema “Quali sono i difetti fondamentali del cinema giapponese e come possono essere superati”. Senza alcuna speranza di entrare nella shortlist, Kurosawa scrisse un saggio molto cinico con il messaggio di base che i difetti fondamentali non potevano essere superati nemmeno per definizione. Il regista e collaboratore di P.C.L. Kajirō Yamamoto, che sarebbe poi diventato il mentore di Kurosawa, fu, contrariamente alle aspettative, molto preso dal saggio e lo descrisse come “carismatico”. Kurosawa fu selezionato e, con l”appoggio di Yamamoto, gli fu permesso di assumere l”incarico di aiuto regista dal febbraio 1936.

Durante i suoi cinque anni come aiuto regista, Kurosawa lavorò con diversi registi giapponesi, ma il più significativo rimase Yamamoto, con cui collaborò diciassette volte. Nonostante la mancanza di esperienza di Kurosawa, Yamamoto lo promosse ad assistente senior sul set del film dopo solo un anno, espandendo le sue responsabilità dalla costruzione del set alla revisione della sceneggiatura, luci, doppiaggio, produzione del suono, ecc. Questo sviluppo è considerato strumentale alla sua mentalità successiva di prendere in mano da solo la maggior parte della produzione dei suoi film, compresi sceneggiatura, macchina da presa, montaggio e regia.

Su consiglio del suo mentore, Kurosawa iniziò a scrivere le proprie sceneggiature insieme al suo lavoro di aiuto regista e a venderle ad altri registi giapponesi. In pochissimo tempo, si fece un nome come sceneggiatore e fu motivato da questo successo a continuare a scrivere personalmente tutte le sue sceneggiature nella sua carriera successiva. Anche negli anni ”60, quando aveva già un successo internazionale, Kurosawa scriveva ancora sporadicamente sceneggiature per altri registi.

Verso la fine del 1942, circa un anno dopo l”attacco a Pearl Harbor, l”autore giapponese Tsuneo Tomita pubblicò la sua novella Sanshiro Sugata, una storia di judo ispirata al romanzo Musashi. Kurosawa, il cui interesse fu stuzzicato dalla pubblicità del libro, comprò la novella il giorno stesso della pubblicazione, la lesse per intero il giorno stesso e poco dopo avvicinò Tomita per un adattamento cinematografico, che accettò. Il suo istinto sulla popolarità emergente dell”opera si rivelò corretto, poiché solo pochi giorni dopo molti altri studi cinematografici giapponesi vollero acquistare i diritti della novella.

Le riprese dell”adattamento iniziarono a Yokohama nel dicembre 1942 e andarono per lo più lisce, ma ottenere il permesso di pubblicazione dalle autorità di censura giapponesi fu problematico. Hanno descritto il film come “sgradevolmente britannico-americano” e controproducente per la guerra del Pacifico; solo un intervento del noto regista Ozu Yasujirō è riuscito a far cambiare idea alle autorità. Il film uscì finalmente nei cinema giapponesi il 25 marzo 1943 come Judo Saga – The Legend of Great Judo, e fu un successo locale sia di critica che commerciale. Nonostante ciò, quando il film fu ripubblicato nel 1946, le autorità di censura presero la decisione di farlo tagliare di 17 minuti per rimuovere “materiale anticostituzionale”. Il contenuto perduto è ancora oggi considerato perduto.

Il progetto successivo di Kurosawa, il film di propaganda Most Beautiful, è un”eccezione nella sua filmografia. Kurosawa, che a differenza di molte altre personalità note del suo tempo era piuttosto contenuto politicamente, tratta nel film le operaie durante la seconda guerra mondiale in modo fortemente soggettivo e mostra anche chiaramente tratti patriottici. L”origine di ciò è sconosciuta, ma la teoria più diffusa vede i rapporti tesi di Kurosawa con l”autorità di censura giapponese e l”agenzia di protezione costituzionale come decisivi e interpreta il cambiamento di stile e contenuto come un gesto di pacificazione. Anche il processo di produzione del film rappresenta una particolarità, poiché Kurosawa ha richiesto ai suoi attori di vivere in un edificio industriale durante la produzione del film, di mangiare solo nella mensa e di rivolgersi l”un l”altro solo con i loro nomi fittizi. Questa produzione insolita contrasta con il corso abituale della sua opera prima e segna l”inizio della sua abitudine di usare mezzi altrettanto drastici nei film futuri per farli sembrare più autentici.

Molti degli attori erano irritati dal comportamento perfezionista di Kurosawa e quindi scelsero Yōko Yaguchi, l”attrice protagonista del film, per discutere con lui. Paradossalmente, le discussioni tra i due non causarono discordia, anzi si innamorarono e si sposarono un anno dopo, il 21 maggio 1945. La coppia ebbe due figli, un maschio di nome Hisao e una femmina di nome Kazuko, e rimase insieme fino alla morte di Yaguchi nel 1985.

Poco prima del suo matrimonio, Kurosawa fu pressato dal suo studio cinematografico per fare un sequel del suo film d”esordio. Kurosawa rifiutò con veemenza l”idea all”inizio, ma cedette dopo una lunga discussione e fece uscire il sequel del film Sugata Sanshiro nel maggio 1945. Il film ha avuto successo al botteghino, ma è considerato dagli spettatori e dallo stesso regista il suo film più debole.

A causa delle controversie che circondavano il suo primo film e quello che lui diceva essere il budget inutilmente alto per il suo sequel, Kurosawa decise per il suo prossimo progetto di produrre un film che fosse meno costoso e più adatto alla censura di quelli precedenti. Le riprese di The Men Who Stepped on the Tiger”s Tail, basato sul dramma di Kakubi Kanjinchō e interpretato dal famoso attore Enomoto Ken”ichi, furono completate nel settembre 1945. Allo stesso tempo, il Giappone si arrese e iniziò il periodo di occupazione in Giappone, quindi il film dovette essere controllato dalle nuove autorità di censura americane, che lo giudicarono “troppo feudale” e lo misero all”indice. Ironicamente, però, il film avrebbe subito la stessa sorte se il Giappone non si fosse arreso, poiché vecchi documenti delle autorità giapponesi rivelano che volevano metterlo all”indice per essere “troppo occidentale e con valori democratici”. Solo sette anni dopo, nel 1952, il film uscì insieme al suo nuovo lavoro Ikiru – Once Really Alive.

Periodo post-bellico fino a Barba Rossa

Ispirato dai valori democratici dell”occupazione occidentale, Kurosawa intende d”ora in poi produrre film più orientati verso una visione del mondo individualista. Il primo di questi film sarà No Regrets for My Youth del 1946, una critica all”oppressione politica del regime giapponese durante la seconda guerra mondiale. Era particolarmente motivato dal “Takigawa Incident” e dalla spia di guerra Hotsumi Ozaki, ma anche dalle sue esperienze con la censura interna. La protagonista è – cosa insolita per il regista – una donna, Yukie (interpretata da Setsuko Hara), che cresce in una famiglia ricca e si interroga sui propri ideali attraverso le crisi di chi la circonda. La sceneggiatura originale dovette essere riscritta diverse volte e ricevette un”accoglienza divisa dalla critica del suo tempo a causa dei suoi temi controversi e perché il personaggio principale è una donna. Ciononostante, il film fu un grande successo commerciale e di pubblico, e le variazioni del titolo del film si sono affermate come tormentoni del dopoguerra.

La storia d”amore A Beautiful Sunday ha debuttato nel luglio 1947 e racconta la storia di una giovane coppia che sta per godersi la sua prima vacanza insieme in mezzo alla devastazione del Giappone. Il film è stato fortemente influenzato da David Wark Griffith, Frank Capra e Friedrich Wilhelm Murnau, tutti e tre tra i registi preferiti di Kurosawa, e rappresenta una particolarità nella sua filmografia con la sua ripetuta rottura della quarta parete. Lo stesso anno uscì Path of Snow, diretto da Senkichi Taniguchi, di cui Kurosawa aveva scritto la sceneggiatura. Il film è speciale in quanto presentava il debutto del giovane attore emergente Toshirō Mifune, che fu così convincente che Kurosawa gli offrì un contratto con Tōhō nonostante lo scetticismo degli altri giudici del casting. Mifune è apparso in sedici dei film successivi di Kurosawa, nella maggior parte dei casi nel ruolo principale.

Angel of the Lost è considerato da molti, compreso lui stesso, il primo grande lavoro di Kurosawa; fu l”inizio della sua serie di film preferiti dalla critica e dal pubblico che apparivano quasi ogni anno. Anche se la sceneggiatura fu riscritta più volte a causa dell”influenza della censura americana, Kurosawa disse in seguito che il film era il primo in cui aveva potuto esprimersi liberamente. La storia segue un medico e alcolizzato che cerca di salvare uno yakuza con la tubercolosi, e stabilì la collaborazione tra Kurosawa e Toshirō Mifune. Anche se Mifune non fu ingaggiato per il ruolo principale, che fu ricoperto da Takashi Shimura, un collega di lavoro di lunga data di Kurosawa, la sua interpretazione del gangster entusiasmò così tanto quelli sul set del film che Kurosawa modificò brevemente la drammaturgia del film, spostando più attenzione da Shimura a lui. Angel of the Lost ha debuttato a Tokyo nell”aprile 1948 ed è stato accolto euforicamente dalla critica e dagli spettatori. Tra gli altri, Kinema Junpo, la più antica e conosciuta rivista di cinema del Giappone, lo ha nominato film dell”anno.

Motivato dal successo del film, Kurosawa fondò lo studio cinematografico Eiga Geijutsu Kyōkai (tedesco: Filmkunst-Verbund) con il produttore Sōjirō Motoki e i registi Kajiro Yamamoto, Mikio Naruse e Senkichi Taniguchi. Per inaugurare lo studio, Kurosawa fece uscire il film Il duello silenzioso, il suo unico adattamento di un”opera teatrale, nel marzo 1949. Toshirō Mifune fu ingaggiato per il ruolo principale di un aspirante medico alle prese con le conseguenze della sua malattia da sifilide. L”intenzione di Kurosawa era quella di superare la crisi di Mifune, che era stato inserito come gangster da altri registi a causa della sua performance in Angel of the Lost, ma che voleva brillare anche in altri ruoli. Nonostante il tempo molto breve in cui lavorò al film – Kurosawa stesso lo vedeva più come un piccolo progetto secondario che come un lavoro veramente su larga scala – ricevette buone recensioni e fu anche convincente al botteghino. Anche in retrospettiva, il film riceve ancora buone recensioni, anche se molti critici lo classificano come uno dei meno importanti nella filmografia di Kurosawa.

Il suo secondo film dello stesso anno, Un cane randagio, rappresenta il primo di un totale di tre film noir di Kurosawa. Il film poliziesco descrive metaforicamente lo stato d”animo del Giappone durante il dopoguerra attraverso la storia di un giovane poliziotto, interpretato da Mifune, che è alla ricerca della sua pistola rubata. Come nella maggior parte dei suoi film, la regia, il casting e la sceneggiatura sono tutti di Kurosawa, che in questo caso ha preso spunti stilistici dallo scrittore di gialli Georges Simenon. In una sequenza iconica di otto minuti senza parole, il poliziotto cerca per strada la sua pistola. La scena fu poi imitata da numerosi registi, tra cui Francis Ford Coppola e Andrei Tarkovsky. Un”altra particolarità del film sono le immagini di Tokyo distrutta, che mostrano filmati reali dell”amico regista Ishirō Honda, che avrebbe poi avuto la sua svolta con Godzilla. Il film fu un successo critico e commerciale simile a Angel of the Lost ed è anche considerato il fondatore del successivo film poliziesco popolare a livello internazionale, nonché del film poliziesco giapponese in generale.

Il film Scandal, pubblicato nel 1950 da Shōchiku, è una critica alla nascente stampa tabloid giapponese, in particolare al suo disprezzo per la privacy, ed è fortemente ispirato dalle esperienze del regista stesso. Alternando conversazioni in tribunale e lunghi monologhi filosofici sulla libertà d”espressione e la responsabilità sociale, il prodotto finale del film divenne altamente sperimentale, con grande dispiacere di Kurosawa, che in seguito lo descrisse come incompiuto e non focalizzato. Ciononostante, il film, come quelli che lo hanno preceduto, ha avuto un successo locale in tutti i sensi. Ma è la sua seconda opera dello stesso anno, Rashomon – Il boschetto del piacere, che farà di lui e del cinema giapponese una forza internazionale.

Dopo aver completato Scandal, lo studio cinematografico Kadokawa Daiei chiese con successo a Kurosawa di collaborare. Ispirandosi al racconto In the Grove del noto autore Akutagawa Ryūnosuke, che descrive lo stupro di una donna samurai in varie angolazioni, Kurosawa iniziò a lavorare alla sceneggiatura di accompagnamento a metà dell”anno, che fu completata nel giugno 1950 dopo varie riscritture. A differenza dei suoi precedenti film finanziati dalla Toho, Kurosawa ha calcolato un budget relativamente basso per il progetto. Kadokawa Daiei era di conseguenza entusiasta e ha iniziato il casting poco dopo.

Le riprese di Rashomon – La foresta del piacere iniziarono il 7 luglio 1950 e terminarono il 17 agosto dello stesso anno. La foresta primaria di Nara è servita come scenario. La post-produzione fu completata in una settimana dopo le complicazioni causate da un incendio in studio, in modo che il film potesse comunque essere proiettato in anteprima al Teatro Imperiale di Tokyo il 25 agosto 1950; l”uscita in sala nazionale avvenne un giorno dopo. Il film, come la maggior parte dei film di Kurosawa fino a quel momento, fu un successo locale di critica e commerciale, ma era ancora sconosciuto a livello internazionale.

Grazie al successo commerciale di Rashomon e alla sua libertà artistica di non essere legato a un solo studio di produzione, Kurosawa realizzò il suo desiderio per il suo prossimo film e adattò L”idiota, il romanzo omonimo del suo autore preferito Fyodor Mikhailovich Dostoevsky. Anche se ha cambiato il luogo dell”azione dalla Russia a Hokkaidō in Giappone, l”adattamento è molto fedele all”originale, il che lo rende un”eccezione nella filmografia del regista, che di solito prende solo le premesse grezze quando adatta opere ben note. La prima versione del film aveva una durata di circa quattro ore e mezza, con grande dispiacere dello studio di produzione Shōchiku, che lo ritenne troppo lungo per lo spettatore tipico e lo tagliò da 265 a 166 minuti. Il gesto stabilì una lunga inimicizia tra Shōchiku e Kurosawa, il quale, secondo alcune fonti, pretese addirittura che il film non fosse pubblicato nella sua forma abbreviata, e ne approvò l”uscita solo su richiesta dell”attrice Setsuko Hara. La riconciliazione delle due parti non avvenne fino a quarant”anni dopo e portò alla loro terza e ultima collaborazione, Rhapsody in August. Secondo il regista britannico e stretto confidente Alex Cox, in questa occasione Kurosawa cercò senza successo negli archivi dello studio la versione originale del film, che ancora oggi è considerata perduta.

La versione modificata uscì per la prima volta il 23 maggio 1951 con recensioni contrastanti ed è tuttora considerata dalla critica come uno dei film più deboli del regista, soprattutto a causa della trama difficile da seguire, che sembra disarticolata a causa del montaggio radicale di Shōchiku e deve essere spiegata da cartoncini. Tuttavia, il film fu convincente al botteghino, anche grazie alla ritrovata popolarità di Kurosawa e alla partecipazione di Setsuko Hara.

Allo stesso tempo, grazie agli sforzi della rappresentante cinematografica italiana Giuliana Stramigioli, Rashomon – The Pleasure Grove è stato nominato alla prestigiosa Mostra Internazionale d”Arte Cinematografica di Venezia, dove è stato ammesso nella shortlist. Contrariamente a tutte le aspettative, il film vinse il primo premio, il Leone d”oro, il 10 settembre 1951, sorprendendo non solo Kurosawa e il suo studio, ma anche il panorama cinematografico internazionale, al quale i prodotti giapponesi erano stati completamente sconosciuti per decenni.

Dopo che Kadokawa Daiei aveva venduto il film con i sottotitoli a vari cinema nella zona di Los Angeles per un breve periodo, la RKO Pictures si assicurò i diritti di Rashomon negli Stati Uniti. L”acquisto fu considerato un grosso rischio all”epoca, dato che l”unico film giapponese precedentemente uscito negli Stati Uniti, Woman Be Like a Rose di Mikio Naruse, era stato un flop di critica e pubblico. Alla fine, però, l”azione ha dato i suoi frutti. Rashomon divenne un enorme successo, anche grazie alle recensioni euforiche e alla pubblicità di Ed Sullivan, tra gli altri, e cementò il nome di Kurosawa nella schiera dei registi più famosi dell”epoca, accanto a grandi nomi come Alfred Hitchcock e Billy Wilder. Per esempio, Rashomon, che uscì per la prima volta come produzione casalinga in alcuni cinema selezionati in Giappone nel 1950, uscì in tutto il mondo già a metà del 1952, il primo film asiatico mai distribuito.

Il successo del film aiutò l”industria cinematografica giapponese a guadagnare grande attenzione e popolarità nel mercato occidentale, che continua ancora oggi, sostituendo il neorealismo italiano, che ha goduto di grande popolarità per molto tempo attraverso registi come Roberto Rossellini, Federico Fellini e Vittorio De Sica. Tra i registi giapponesi che hanno ricevuto premi cinematografici e sono usciti commercialmente in Occidente in seguito alla scossa di Rashomon ci sono Mizoguchi Kenji e Ozu Yasujirō. Molti anni dopo, il mercato occidentale era ancora aperto alla nuova generazione di registi giapponesi come Kon Ichikawa, Masaki Kobayashi, Nagisa Ōshima, Shōhei Imamura, Jūzō Itami, Takeshi Kitano e Takashi Miike.

Con il suo successo internazionale, Kurosawa si sentì libero artisticamente e anche finanziariamente, tanto che con il suo prossimo film realizzò il suo desiderio di girare un altro dramma. Il risultato fu Ikiru – Once Really Alive, un film su un burocrate di nome Watanabe che soffre di cancro allo stomaco e va alla ricerca di un significato prima della sua morte. Nonostante l”argomento cupo, la sceneggiatura affronta sia la nicchia burocratica del protagonista che la colonizzazione culturale del Giappone da parte degli Stati Uniti con un approccio satirico che è stato spesso paragonato a Bertolt Brecht dalle recensioni contemporanee. Ikiru ha celebrato la sua apertura il 9 ottobre 1952 con vendite di biglietti e recensioni euforiche, non da ultimo per il suo tono satirico, che è stato percepito dal grande pubblico come una rinfrescante revisione generale del genere drammatico altrimenti per lo più campy. Ancora oggi, Ikiru è elencato in numerose liste come uno dei migliori film di tutti i tempi.

Nel dicembre dello stesso anno, Kurosawa si prenota una stanza in una locanda isolata per 45 giorni per lavorare in isolamento alla sceneggiatura di un nuovo film: I sette samurai. The ensemble fu il suo primo film di samurai, il genere che avrebbe rivoluzionato con questo e molti dei suoi lavori successivi. La storia di un povero villaggio nel periodo Sengoku che assume un gruppo di samurai per proteggersi dai banditi è stata riproposta in stile epico: Con un grande cast, sequenze d”azione meticolosamente dettagliate e un tempo di esecuzione di circa tre ore e mezza.

La pre-produzione è durata circa tre mesi, le prove un altro. Le riprese, tuttavia, sono considerate particolarmente eccessive, impiegando 148 giorni (quasi cinque mesi) in un periodo di circa un anno. Le riprese furono accompagnate da numerose complicazioni, tra cui Kurosawa che calcolò male il budget del film e dovette trovare il denaro in diversi modi per pagare gli immensi costi. Questo stress gli ha anche causato problemi di salute, che hanno anche avuto un effetto controproducente sulla produzione. Il film uscì finalmente nell”aprile del 1954, mezzo anno dopo l”uscita nelle sale prevista e con un budget tre volte superiore a quello originariamente previsto, rendendolo il film giapponese più costoso di tutti i tempi fino a quel momento. Come le due opere precedenti di Kurosawa, l”epopea fu lodata al cielo dalla critica e divenne rapidamente un successo internazionale senza pari al botteghino. La reputazione del film ha continuato a crescere nel tempo ed è ora considerato uno dei migliori film di tutti i tempi. Nel 1979, per esempio, vari registi giapponesi lo hanno votato in un sondaggio come miglior film giapponese di tutti i tempi, la rivista Sight & Sound del British Film Institute lo ha classificato come il 17° miglior film di tutti i tempi, e l”Internet Movie Database lo classifica attualmente al 15° posto.

Nel 1954, i test nucleari causarono una ricaduta radioattiva su gran parte del Giappone; in particolare, la radiazione dell”equipaggio del cutter da pesca giapponese Happy Dragon V fece notizia e causò disordini tra la popolazione giapponese. Afflitto da attacchi di panico e paranoia, Kurosawa rilasciò il suo contributo nel novembre 1955 sotto forma del film Equilibrio di una vita, una storia semi-autobiografica su un vecchio proprietario di una fabbrica che, temendo un attacco nucleare, vuole risolutamente trasferire ciascuno dei membri della sua famiglia (imparentati per sangue e fuori dal matrimonio) in una fattoria presumibilmente sicura in Brasile. Per lunghi tratti, la produzione fu molto meno conflittuale di quella dei suoi film precedenti, fino alla morte del suo compositore e amico intimo Fumio Hayasaka per tubercolosi pochi giorni prima della fine delle riprese. La colonna sonora del film fu terminata da Masaru Satō, che avrebbe anche composto la musica dei successivi otto film di Kurosawa. Balance of a Life fu un successo di critica e finanziario, ma non fu all”altezza della reputazione del suo predecessore. Nel corso degli anni, il film ha tuttavia guadagnato popolarità ed è ora considerato da molti recensori rinomati come uno dei migliori ritratti psicoanalitici dell”ansia umana in formato cinematografico.

Il progetto successivo di Kurosawa, Il castello nella foresta di ragnatele, un adattamento approssimativo del Macbeth di William Shakespeare, presentava un ambizioso rimodellamento dell”opera inglese in un contesto giapponese. Per esempio, il regista ha dato istruzioni alla sua attrice principale Yamada Isuzu di vedere l”opera come una rappresentazione cinematografica della letteratura giapponese, piuttosto che europea. Per dare al film l”atmosfera unica dell”antica letteratura giapponese, così come un omaggio alle arti teatrali giapponesi in generale, Kurosawa ha chiesto ai suoi attori di imparare e usare la gestualità e l”enfasi del teatro tradizionale Nō. Il prodotto finale uscì in Giappone il 15 gennaio 1957 e a livello internazionale il giorno seguente con ottime recensioni e un rinnovato successo finanziario. Ancora oggi, Il castello nella foresta di ragnatele è considerato uno dei migliori film di Kurosawa e, nonostante le libertà creative prese con l”originale, è considerato uno dei più popolari adattamenti di Shakespeare.

Un altro adattamento sciolto di un classico europeo è seguito con Nachtasyl, basato sull”opera teatrale omonima di Maxim Gorky. La storia di una coppia sposata che affitta letti a sconosciuti durante il periodo Edo e che successivamente viene coinvolta in situazioni inaspettate è ambientata nei mesi di maggio e giugno del 1957, che corrispondono al periodo delle riprese. A differenza di The Castle in the Cobweb Forest, un film costoso e molto ambizioso, Night Asylum è stato girato su due soli set costrittivi, con l”intenzione di poter evidenziare il confinamento emotivo dei personaggi. A differenza della prima interpretazione di Kurosawa della letteratura russa, L”idiota, il tentativo fu considerato riuscito dagli spettatori e dai recensori. Nachtasyl è spesso considerato uno dei lavori più sottovalutati del regista fino ad oggi.

L”atmosfera dei tre film che seguirono I sette samurai divenne sempre più pessimista e cupa, soprattutto attraverso la considerazione critica della questione se la redenzione può davvero essere raggiunta attraverso la responsabilità personale. Se Equilibrio di una vita era già molto cupo, i due film seguenti in particolare erano dominati da questa filosofia nichilista. Kurosawa stesso se ne accorse e così decise consapevolmente di rendere il suo prossimo film più leggero e divertente, e allo stesso tempo di cimentarsi con il nuovo formato widescreen, che stava attirando sempre più attenzione, soprattutto in Giappone. Il risultato, The Hidden Fortress, è un film d”avventura comico su una principessa medievale, il suo fedele generale e due contadini che affrontano situazioni pericolose per raggiungere la loro regione natale. Uscito nel dicembre 1958, The Hidden Fortress fu un enorme successo commerciale e riuscì anche ad entusiasmare la critica, sia locale che internazionale. Al giorno d”oggi, l”opera è considerata una delle più leggere di Kurosawa, ma gode ancora di grande popolarità ed è regolarmente inclusa nelle liste dei migliori registi. Il regista statunitense George Lucas ha in seguito indicato il film come la più grande ispirazione per la sua space opera Star Wars e ha in parte adottato intere scene come omaggio al lavoro di Kurosawa.

A partire da Rashomon, le opere di Kurosawa cominciarono a diventare sempre più ambiziose; di conseguenza, il budget aumentò costantemente. Per eccesso di prudenza, dopo l”uscita di The Hidden Fortress, la Toho fece la proposta di fungere da sponsor per una nuova compagnia diretta da Kurosawa. Questo avrebbe il vantaggio per la Toho che un fallimento commerciale non comporterebbe perdite potenziali così elevate, mentre Kurosawa sarebbe più libero che mai di controllare la produzione e l”uscita delle sue opere. Kurosawa fu preso dall”idea e fondò la Kurosawa Production Company nell”aprile 1959, con la Toho come investitore.

Nonostante un alto rischio di perdita, Kurosawa ha scelto di inaugurare il suo studio con la sua più chiara critica all”élite economica e politica del Giappone. The Wicked Sleep Well è un film noir su un uomo che si infiltra nella gerarchia di una società giapponese corrotta per trovare i responsabili della morte di suo padre. L”argomento si è rivelato ironicamente attuale: parallelamente alla produzione del film, la folla ha manifestato per le strade del Giappone contro il Trattato di mutua cooperazione e sicurezza tra il Giappone e gli Stati Uniti, un accordo che molti giovani giapponesi sentivano come una massiccia minaccia alla costituzione democratica del paese, soprattutto perché spostava chiaramente il potere alle grandi corporazioni e ai politici. Il film uscì, contrariamente alle aspettative pessimistiche di Kurosawa, nel settembre 1960 con recensioni positive di pubblico e critica. In particolare, la sequenza di apertura di 25 minuti è spesso citata come una delle più forti della storia del cinema.

A causa del successo di Yojimbo, a Kurosawa fu chiesto dalla Toho di sviluppare un sequel. Innamorato dell”idea, ha cercato nei suoi archivi le sue sceneggiature scartate, ha trovato quello che cercava e ne ha riscritto una per il sequel promesso. Sanjuro, che prende il nome dal personaggio del titolo, ha un tono molto più leggero del suo predecessore, nonostante la storia seria di un clan di samurai con conflitti interni e lotte di potere. È anche insolitamente umoristico, mettendo in discussione le regole e i valori insegnati nel jidai-geki tradizionale attraverso l”ironia e il fallimento dei rispettivi protagonisti. Il film uscì il giorno di Capodanno del 1962 e fu un successo ancora maggiore del suo già euforico predecessore, sia dal punto di vista critico che finanziario. Ancora oggi, come Yojimbo, il film è regolarmente indicato come uno dei migliori di Kurosawa.

Nonostante il successo travolgente dei suoi ultimi due film sui samurai, Kurosawa era in attesa di produrre un altro film noir che trattasse il tema del rapimento – il crimine che Kurosawa temeva di più. Il film Between Heaven and Hell fu girato nella seconda metà del 1962 e uscì a livello internazionale nel marzo 1963. Fu il terzo film di fila a battere il record di incassi di Kurosawa e divenne il film di maggior successo dell”intero anno. Il film ha avuto anche un grande successo di critica, che ha fatto una breve pausa dopo che il film è stato accusato di un”ondata di rapimenti di massa in Giappone. Anche Kurosawa ha ricevuto minacce a sua figlia Kazuko. Lo scandalo si spense dopo qualche tempo e oggi il film è unanimemente considerato come una delle migliori produzioni di Kurosawa. Sarebbe stato l”ultimo di tre film noir nel repertorio del regista.

Non molto tempo dopo, si mise al lavoro sul suo nuovo progetto, Red Beard. Influenzato a tratti dal romanzo Umiliati e insultati di Dostoevskij, il film d”epoca è ambientato in una clinica del XIX secolo ed è considerato il più chiaro manifesto cinematografico di Kurosawa di una visione umanistica dell”uomo. Un giovane medico egoista e materialista di nome Yasumoto si sente costretto a lavorare come tirocinante in una clinica sotto la severa tutela del dottor Niide, noto come Barbarossa. Dopo aver inizialmente resistito a Barba Rossa, presto comincia ad ammirare il suo coraggio e successivamente riconsidera la sua opinione sui pazienti della clinica, che prima detestava.

Yūzō Kayama, l”attore che interpreta Yasumoto, era un musicista molto popolare in Giappone; quindi, sia la Toho che Kurosawa ritennero che la sua apparizione fosse una garanzia per lo sperato successo finanziario del film. Le riprese furono le più lunghe della carriera di Kurosawa e si estesero per un anno di lavoro intenso, nonostante i cinque mesi di pre-produzione. Il film fu dichiarato ufficialmente completo nella primavera del 1965, ma lo stress si rivelò negativo per la salute già cagionevole di Kurosawa e di alcuni membri del cast. Red Beard uscì in tutto il mondo nell”aprile 1965 e divenne uno dei film di maggior successo dell”anno. Rimane una delle produzioni più acclamate di Kurosawa fino ad oggi, anche se voci isolate, soprattutto in Occidente, hanno mancato l”impegno di Kurosawa nel cambiamento politico e sociale.

In un certo senso, il film segna la fine di un”epoca. Kurosawa stesso lo ha notato; in un”intervista con il critico cinematografico Donald Richie, per esempio, ha detto che con Barba rossa si era concluso per lui un ciclo e che i suoi film futuri e i suoi metodi di produzione sarebbero stati diversi da quelli precedenti. La sua previsione si è rivelata corretta. Dall”inizio degli anni ”60, i programmi televisivi sostituirono sempre più le produzioni cinematografiche e più le entrate degli studi cinematografici diminuivano, più la loro volontà di rischiare diminuiva, soprattutto in relazione al rischio finanziario che le produzioni costose e le idee audaci di Kurosawa rappresentavano.

Red Beard ha anche segnato circa la metà della sua carriera cronologicamente. Nei precedenti 29 anni nell”industria cinematografica (compresi i cinque come assistente alla regia), aveva prodotto 23 film, mentre ce ne sarebbero stati solo altri sette nei successivi 28 anni. Allo stesso modo, Red Beard segnò l”ultima collaborazione con Toshiro Mifune. Le ragioni di questo non sono mai state rese pubbliche, anche dopo ripetute richieste.

La seconda era (1966-1998)

Dopo la scadenza del contratto di Kurosawa con la Toho nel 1966, l”allora 56enne regista prese in considerazione un drastico cambiamento di direzione. Con il crescente predominio della televisione e le numerose offerte di contratto dall”estero, divenne sempre più simpatico all”idea di lavorare fuori dal Giappone.

Per il suo primo progetto straniero, Kurosawa scelse una storia basata su un articolo della rivista Life. Il thriller d”azione, che sarà girato in inglese come Runaway Train, sarebbe stato il suo primo film a colori. La barriera linguistica si rivelò comunque un grosso problema, e la versione inglese della sceneggiatura non era nemmeno pronta per l”inizio previsto delle riprese nell”autunno 1966. Le riprese, che richiedevano la neve, furono alla fine rimandate di un anno e abbandonate del tutto nel 1968. Solo due decenni dopo Andrei Konchalovsky girò il film come Runaway Train, vagamente basato sulla sceneggiatura di Kurosawa.

Da allora Kurosawa è stato coinvolto in un progetto hollywoodiano molto più ambizioso. Tora! Tora! Tora!, prodotto dalla 20th Century Fox e dalla Kurosawa Productions, era previsto come un ritratto dell”attacco a Pearl Harbor dal punto di vista degli Stati Uniti e del Giappone. Kurosawa doveva girare la metà giapponese e un regista anglofono inizialmente indeterminato la parte americana. Dopo mesi di lavoro intenso e ambizioso da parte di Kurosawa, il progetto cominciò a crollare. Il prestigioso David Lean non fu ingaggiato per la metà in lingua inglese del film, come era stato promesso a Kurosawa, ma il molto meno noto Richard Fleischer. Inoltre, il budget fu ridotto e la parte giapponese del film non doveva essere più lunga di 90 minuti – un grosso problema dato che Kurosawa era stato incaricato di fare un”epopea e aveva messo diversi mesi di lavoro in una sceneggiatura di quattro ore e mezza. Dopo diverse discussioni e un breve intervento del produttore cinematografico Darryl F. Zanuck, un prodotto finale più o meno finito fu finalmente concordato nel maggio 1968.

Le riprese iniziarono all”inizio di dicembre, ma Kurosawa lavorò sul posto come regista solo per tre settimane appena. Aveva problemi a lavorare con una troupe cinematografica che gli era completamente estranea, e i suoi metodi di lavoro irritavano anche i produttori americani, che alla fine conclusero che Kurosawa era malato di mente. Dopo una breve discussione, decise di farsi esaminare all”Università di Kyōto dal neuropsicologo Dr. Murakami, che gli diagnosticò una nevrastenia, affermando: “Soffre di disturbi del sonno suscitati dall”ansia e dall”eccitazione maniacale causata dal quadro clinico di cui sopra. È necessario che riposi e riceva cure mediche per i prossimi due mesi”. Verso Natale 1968, i produttori del film annunciarono che Kurosawa aveva lasciato la produzione del film a causa della stanchezza. In realtà, era stato sommariamente licenziato e alla fine fu sostituito da due registi giapponesi, Kinji Fukasaku e Toshio Masuda.

Tora! Tora! Tora! uscì finalmente nel settembre 1970 con recensioni tiepide – un risultato che, secondo Donald Richie, rappresentò una “tragedia quasi totale” nella carriera di Kurosawa. “Lui (Kurosawa) ha sprecato anni della sua vita su un progetto logisticamente disomogeneo al quale, alla fine, non doveva contribuire a nulla”. L”incidente ha causato una serie di eventi negativi: Il nome di Kurosawa fu eliminato dai titoli di testa, anche se la sceneggiatura delle sequenze giapponesi proveniva da lui, ed entrò in una disputa con il suo collaboratore e amico di lunga data Ryuzo Kikushima che non sarebbe stata risolta fino alla sua morte. Secondo Kurosawa, il progetto esponeva anche la corruzione nella sua stessa azienda, qualcosa che aveva ironicamente affrontato bene in The Wicked Sleep. Inoltre, si è sentito costretto a mettere in discussione la sua stessa salute per la prima volta. Come Kurosawa rivelò più tardi in un”intervista, a questo punto era certo di non voler più fare un film, tanto meno contribuire al mondo del cinema in qualsiasi altro modo.

Attraverso la debacle con Tora! Tora! Kurosawa sapeva che la sua reputazione era in gioco se non si fosse ripreso. Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi e Kon Ichikawa, anch”essi registi e amici di lunga data di Kurosawa, vennero quindi in suo aiuto e fondarono con lui una nuova casa di produzione nel luglio 1969: Yonki no kai (“Il club dei quattro cavalieri”). Anche se il piano ufficiale era che ogni regista usasse la piattaforma per le proprie uscite, molte retrospettive concordano sul fatto che la vera motivazione era quella di aiutare Kurosawa a finire il suo lavoro per reintegrarlo nel mondo del cinema.

Dopo aver lavorato brevemente a un film d”epoca intitolato Dora-heita, che si rivelò troppo costoso, Kurosawa decise di realizzare il film sperimentale Dodeskaden su persone povere e indigenti. Il film è stato girato molto velocemente per gli standard di Kurosawa, in sole nove settimane, anche perché voleva dimostrare come poteva produrre grandi film con un piccolo budget anche dopo una lunga assenza. Per il suo primo film a colori, Kurosawa ha abbandonato la sua vecchia attenzione al montaggio dinamico e alle composizioni complesse delle immagini e si è concentrato maggiormente sulla creazione di palette di colori sorprendenti, quasi surreali, allo scopo di esporre l”ambiente tossico dei suoi personaggi. Il film ha debuttato in Giappone nell”ottobre 1970 e ha suscitato reazioni caute da parte del pubblico che ha trovato il film troppo pessimista e surreale. Il film fu una perdita finanziaria e portò allo scioglimento della Yonki no kai. Dopo qualche tempo, l”accoglienza del film divenne molto più positiva – tra l”altro, fu nominato come “miglior film straniero” agli Oscar del 1972 – ma questo non cambiò lo stato mentale del regista, che cadde in una profonda depressione dopo il suo fallimento.

Incapace di produrre altri film a causa delle spese eccessive e dei problemi di salute, Kurosawa tocca il fondo il 22 dicembre 1971, tagliandosi i polsi e la gola. Il tentativo di suicidio non ebbe successo e il regista si riprese relativamente in fretta, ma decise per la seconda volta che non voleva più contribuire al mondo del cinema.

All”inizio del 1973, il più famoso studio cinematografico russo Mosfilm si avvicinò a Kurosawa e chiese una collaborazione. Nonostante lo scetticismo iniziale, Kurosawa accettò l”offerta di realizzare il suo vecchio sogno di filmare la vita del cacciatore Dersu Usala. Le basi di questo sono state poste negli scritti dell”esploratore russo Vladimir Klawdiyevich Arsenyev (1872-1930). Kurosawa aveva covato il piano fin dalla metà degli anni ”30, ma fino ad allora non aveva trovato nessuno interessato al progetto. Nel dicembre 1973, il regista 63enne si stabilisce in Unione Sovietica, dove vivrà per un altro anno e mezzo. Le riprese iniziarono nel maggio 1974 in Siberia e si rivelarono impegnative a causa delle dure condizioni della natura del luogo, motivo per cui il film non fu completato fino all”aprile 1975. Uzala il Kirghiz, come il film sarà chiamato alla fine, ha celebrato la sua prima mondiale il 2 agosto 1975 come un enorme successo di critica e di spettatori. Non solo il film è diventato uno dei film di maggior successo dell”anno a livello internazionale, accanto a nomi come Jaws e One Flew Over the Cuckoo”s Nest, ma ha anche avuto successo in varie cerimonie di premiazione. Tra gli altri, è stato premiato con l”Oscar nel 1976. Ancora oggi, Uzala il Kirghiz è considerato uno dei migliori film di Kurosawa.

Anche se ricevette un flusso costante di offerte per la televisione, Kurosawa non mostrò mai un serio interesse per la recitazione al di fuori del mondo del cinema. Fino alla sua morte, l”amante autoconfessato del whisky fece un”eccezione solo per una serie di spot pubblicitari per il produttore giapponese Suntory nella primavera del 1976. Anche se il regista malato di mente era permanentemente afflitto dalla paura di non poter più fare film dopo il suo tentativo di suicidio, scrisse permanentemente altre sceneggiature, dipinti e schizzi che voleva registrare per i posteri, anche se non sarebbero mai stati filmati.

Nel 1977, il regista statunitense George Lucas pubblicò Star Wars, un adattamento de La fortezza nascosta di Kurosawa, con grande successo. Lucas, come molti altri registi della New Hollywood, venerava Kurosawa e rimase scioccato nell”apprendere che non era in grado di finanziare i suoi film. I due si sono incontrati a San Francisco nel luglio 1978 per discutere del finanziamento di un nuovo film di Kurosawa: Kagemusha – L”ombra del guerriero, il racconto epico di un ladro ingaggiato per fare il doppio di un signore della guerra giapponese. Lucas era così entusiasta della sceneggiatura e dei quadri che usò i suoi nuovi contatti per convincere la 20th Century Fox a produrre il film. Lo studio accettò nonostante il passato turbolento con il regista giapponese e reclutò Francis Ford Coppola, un altro fan di Kurosawa, come co-produttore.

La produzione iniziò l”aprile successivo, le riprese durarono dal giugno 1979 al marzo 1980 e furono interrotte a volte da varie complicazioni, compreso un secondo casting improvvisato dopo che il protagonista originale Shintarō Katsu fu sostituito da Tatsuya Nakadai a causa di disaccordi. Il film fu completato con qualche settimana di ritardo, ma riuscì comunque a debuttare a Tokyo nella data prevista, nell”aprile del 1980. Divenne rapidamente un successo internazionale – compresa la vittoria della Palma d”Oro al Festival Internazionale di Cannes del 1980 – e, per la gioia di Kurosawa, un successo anche in Giappone. Kurosawa utilizzò il resto dell”anno intensamente per promuovere il film in Europa e in America, nonché per cerimonie di premiazione e una mostra d”arte con disegni concettuali dell”epopea.

Il grande successo di Kagemusha permise a Kurosawa di finanziare il suo progetto da sogno Ran, un film storico di portata inimmaginabile. Il film descrive la caduta di Hidetora Ichimonji, un Daimyō del periodo Sengoku, che decide di dimettersi in favore dei suoi figli. Il suo impero si sgretola sotto gli intrighi e le lotte dei figli; nel corso di questo, Hidetora cade in preda alla follia. Con un budget di 12 milioni di dollari, Ran fu il film giapponese più costoso fino ad allora, motivo per cui Kurosawa ricevette un nuovo aiuto finanziario, questa volta dal produttore francese Serge Silberman, che era diventato particolarmente famoso per la sua collaborazione con Luis Buñuel. Le riprese iniziarono nel dicembre 1983 e durarono poco più di un anno.

Nel gennaio 1985, la post-produzione di Ran fu messa in pausa dalla malattia della moglie di Kurosawa, Yōko, che morì il 1° febbraio dello stesso anno. Nel mezzo del suo dolore, Kurosawa lavorò meticolosamente per completare il film in modo che Ran potesse ancora celebrare la sua prima al Tokyo International Film Festival il 31 maggio 1985. Il film è uscito in tutto il mondo il giorno seguente. Ha avuto un moderato successo in Giappone e un grande successo all”estero, soprattutto in America e in Europa. A settembre e ottobre di quell”anno, Kurosawa viaggiò per il mondo per promuovere il suo film, come aveva fatto per Kagemusha.

Ran ha vinto una moltitudine di premi in tutto il mondo, anche in Giappone. Il mondo del cinema fu quindi sorpreso quando il Giappone non presentò Ran per la categoria di miglior film straniero agli Academy Awards del 1986 a favore di un altro film. L”Accademia ha annunciato poco dopo che Ran era quindi ufficialmente escluso dal concorso, poiché non era chiaro se fosse considerato un film giapponese, un film francese o entrambi allo stesso tempo. Molte personalità dell”industria hollywoodiana, specialmente l”influente regista Sidney Lumet, furono incensati dalla discutibile decisione. Lumet ha poi lanciato con successo una campagna per far premiare Kurosawa nella categoria “Miglior regista”. Ran ha anche vinto un Oscar per i “Migliori costumi”.

Kagemusha e Ran sono solitamente considerati tra le opere più importanti di Kurosawa. Lo stesso regista giapponese ha descritto Ran come il suo miglior film dopo la sua uscita, rompendo la sua abitudine di non favorire nessuno dei suoi film.

Per il suo prossimo film, Kurosawa scelse un tema molto specifico, diverso da tutte le sue opere precedenti. Anche se alcuni dei suoi film contenevano già brevi sequenze di sogni (per esempio Angel of the Lost e Kagemusha), Dreams di Akira Kurosawa è interamente basato su sogni reali del regista in diverse fasi della sua vita. Il film è molto colorato e non contiene quasi nessun dialogo, raccontando invece le sue storie in gran parte attraverso le immagini. Sebbene il budget del film fosse molto inferiore a quello di Ran, gli studi cinematografici giapponesi si rifiutarono di finanziarlo completamente, così Steven Spielberg, un altro noto ammiratore di Kurosawa, chiese aiuto alla Warner Bros. Entertainment, che poco dopo si assicurò i diritti internazionali del film. Questo ha reso più facile per il figlio di Kurosawa, Hisao, co-produttore del film, trovare un compromesso con gli studi cinematografici giapponesi. Le riprese del film sono durate circa otto mesi, finché Sogni di Akira Kurosawa ha potuto celebrare la sua prima a Cannes nel maggio 1990. Il film è stato ben accolto dalla critica ed è stato un successo finanziario, anche se non sulla scala di Ran o Kagemusha. Anche se Dreams di Akira Kurosawa non è considerato uno dei più grandi successi del regista, ha ancora oggi un certo status di culto tra gli spettatori. Alla fine del 1990, Kurosawa ha accettato l”Oscar onorario per il lavoro della sua vita.

Il suo lavoro successivo, Rhapsody in August, era di nuovo una storia convenzionale. Il film tratta le conseguenze delle bombe atomiche sganciate su Hiroshima e Nagasaki alla fine della seconda guerra mondiale. È stato prodotto interamente in Giappone per la prima volta dopo Dodeskaden, e presenta per la prima volta una star del cinema americano, Richard Gere nel ruolo del nipote del protagonista. Le riprese sono iniziate nel gennaio 1991 e il film è uscito a livello internazionale il 25 maggio. Anche se fu un successo finanziario, il film fu accolto in gran parte negativamente, soprattutto negli Stati Uniti, che accusarono il regista giapponese di avere opinioni anti-americane. Lo stesso Kurosawa ha negato le accuse.

Madadayo doveva essere l”ultimo film dell”anziano regista. Segue la vita dell”insegnante di tedesco giapponese Uchida Hyakken attraverso la seconda guerra mondiale e oltre. Gran parte della narrazione del film si limita a una festa di compleanno con i suoi studenti, ai quali espone la sua riluttanza a morire – un argomento che è diventato sempre più rilevante per il regista 81enne. Il film è stato girato da febbraio a settembre 1992; è uscito il 17 aprile 1993. Madadayo si è rivelato un grande successo e ha vinto vari premi sia a livello internazionale che in Giappone, tra cui quattro categorie del Japanese Academy Award, il più importante premio cinematografico giapponese. Nel 1994 ha ricevuto il Premio Kyoto.

Anche dopo Madadayo, Kurosawa non è diventato meno produttivo, scrivendo le sceneggiature di The Sea Comes (1993) e After the Rain (1995), tra gli altri. Poco prima di completare l”ultima sceneggiatura, è scivolato e si è rotto la schiena. L”incidente lasciò il regista paraplegico e lo privò così della possibilità di fare un altro film. Il suo desiderio di morire sul set del suo film non si è avverato.

Dopo l”incidente, la salute di Kurosawa si deteriorò immensamente. Anche se la sua mente rimase inalterata, il suo corpo cedette sempre più e fu in gran parte costretto a letto negli ultimi sei mesi della sua vita. Kurosawa morì infine il 6 settembre 1998 all”età di 88 anni per gli effetti di un ictus. Il suo luogo di riposo è nel cimitero del tempio buddista An”yō-in di Kamakura. Entrambe le sceneggiature che ha lasciato sono state trasformate in film in suo onore, The Sea Comes di Takashi Koizumi del 1999 e After the Rain di Kei Kumai del 2002. Suo nipote, Takayuki Kato, è stato scelto come attore non protagonista in entrambi i film.

Akira Kurosawa ha lasciato un”eredità varia e influente a livello internazionale alle generazioni successive di registi. Questo va dai suoi metodi di lavoro al suo stile e alla sua scelta selettiva di certi temi e filosofie. I metodi di lavoro di Kurosawa prevedevano un”ampia partecipazione a numerosi aspetti della produzione cinematografica. Tra le altre cose, era conosciuto come uno sceneggiatore dotato ma perfezionista che rielaborava o addirittura revisionava la sua sceneggiatura diverse volte.

Come pittore di formazione, Kurosawa ha dato altrettanta importanza all”estetica dei suoi film. A tal fine, controllava anche la macchina da presa ed era noto per rifare o sostituire brevemente alcune inquadrature solo per la cinematografia. Kurosawa ha anche curato la post-produzione, compreso il montaggio del film e del suono, per la maggior parte dei suoi film. Svolgere il suo lavoro di montatore cinematografico parallelamente alla regia è tuttora insolito.

Kurosawa ha lavorato con gli stessi attori nella maggior parte dei film. Il suo gruppo di fiducia fu poi soprannominato “Kurosawa-gumi” (tradotto: “troupe Kurosawa”).

Metodi di lavoro

Kurosawa ha sottolineato con passione che per lui la sceneggiatura è il fondamento di un buon film. Arrivò ad affermare che un regista mediocre può a volte fare un film passabile da una buona sceneggiatura, ma nessun buon regista può mai fare un film passabile da una brutta sceneggiatura. Kurosawa si occupava quindi in gran parte delle sue sceneggiature in prima persona e poi le passava per suggerimenti di miglioramento a un gruppo fidato di amici, soprattutto i cinque sceneggiatori professionisti Eijirō Hisaita, Ryuzo Kikushima, Shinobu Hashimoto, Hideo Oguni e Masato Ide. Tuttavia, il regista stesso ha sempre avuto l”ultima parola sulla versione finale.

Oltre alla sceneggiatura, Kurosawa scriveva spesso note dettagliate, schizzi e disegni concettuali. Questo è servito a elaborare la sua visione e non da ultimo a garantire l”autenticità, che è sempre stata una priorità per il regista. Per esempio, per I sette samurai scrisse sette quaderni con dettagli meticolosi sul background dei personaggi del film, cosa mangiano e indossano, come camminano, come parlano e si comportano con le altre persone, e persino come dovrebbero allacciarsi le scarpe. Per i 101 contadini del film, ha creato un registro composto da oltre 23 alberi genealogici meticolosamente pianificati e ha incaricato i suoi attori di “vivere” fittiziamente nelle famiglie durante il set, anche al di fuori delle riprese. Ha usato metodi altrettanto drastici in un gran numero di opere.

Anche se erano costantemente ben filmati, Kurosawa usava lenti normali e una cinematografia a fuoco profondo nei suoi primi film. A partire da The Seven Samurai, la sua tecnica cambiò drasticamente con lenti a lunga focalizzazione e l”uso simultaneo di più telecamere. Il regista stesso ha detto che questa tecnica di ripresa ha reso più autentica e migliore l”interpretazione dei suoi attori, poiché non sapevano mai quale telecamera sarebbe stata usata nel film, e tanto meno dove sarebbe stata posizionata. L”attenzione spasmodica della telecamera si sposta così sugli attori o sullo scenario in cui si trovano i personaggi. L”approccio sperimentale ha ovviamente funzionato. Tra gli altri, uno degli attori, Tatsuya Nakadai, ha detto in un”intervista che il modo di girare di Kurosawa ha contribuito significativamente alla sua performance. Ma visivamente, questo stile di ripresa ha avuto un effetto anche sul film, soprattutto sulle sequenze d”azione.

Con La fortezza nascosta, Kurosawa iniziò a utilizzare un processo anamorfico. Queste tre tecniche – teleobiettivo, telecamere multiple e formato widescreen – furono usate ampiamente nelle sue opere successive, anche nelle scene con poca o nessuna azione. Un esempio sono le scene iniziali di Between Heaven and Hell nella casa dei protagonisti. Lì, i mezzi sono utilizzati per drammatizzare la tensione in uno spazio molto limitato, così come per rafforzare le relazioni dei personaggi.

In una scena di The Castle in the Cobweb Forest, dove Washizu viene attaccato con le frecce dai suoi stessi uomini, il regista ha fatto tirare frecce vere a Washizu dall”attore Toshiro Mifune. Quest”ultimo ha seguito attentamente i segni di gesso sul terreno per evitare di essere colpito. Anche se Mifune non fu ferito, in seguito raccontò che alcune frecce lo mancarono di poco. Ha portato il trauma dell”esperienza per molti mesi dopo. L”eccentrica intenzione di Kurosawa di rendere più autentica la paura di Mifune, tuttavia, ha funzionato perfettamente, tanto che la scena ha dovuto essere girata solo una volta.

Per rendere il set della clinica in Barba Rossa più grumoso, Kurosawa ha fatto smontare dai suoi assistenti il legno marcio di vecchi set e lo ha riassemblato per gli oggetti di scena. Ha anche incaricato la sua troupe di versare litri di tè vecchio su tutte le tazze da tè per creare l”effetto che siano stantie.

Il direttore artistico e scenografo Muraki Yoshirō è stato incaricato, per la progettazione del terzo castello di Ran, di fotografare le pietre di un vero castello e di ricrearle accuratamente usando blocchi di polistirolo. Ha poi incollato i blocchi di polistirolo pezzo per pezzo per simulare l”aspetto del castello. L”intero processo è stato fatto sotto le precise istruzioni di Kurosawa e ha richiesto diversi mesi. In una famosa scena del film, il castello viene attaccato e dato alle fiamme, motivo per cui parte del team temeva che il calore avrebbe sciolto i blocchi di polistirolo. Su ordine di Kurosawa, i blocchi furono quindi ricoperti con quattro strati di cemento e poi dipinti con il colore dei vecchi blocchi.

Kurosawa diceva spesso che faceva un film solo per avere del materiale da montare in seguito. Il processo di creazione di un prodotto finale dalla materia prima è sempre stata la parte più importante ed emozionante per lui. Hiroshi Nezu, un supervisore di produzione di lunga data, una volta disse: “Crediamo che sia il miglior regista della Toho, il miglior scenarista del Giappone e il miglior montatore del mondo. Un film di Kurosawa si fa con il montaggio, per così dire”.

Teruyo Nogami, che ha servito Kurosawa come assistente al montaggio in diversi film, ha confermato questa opinione: “Il montaggio di Akira Kurosawa era straordinario, il lavoro inimitabile di un genio. Nessuno era suo pari”. Ha affermato che Kurosawa portava nella sua testa ogni informazione su ogni inquadratura: “Quando ha chiesto un”inquadratura in sala di montaggio e gli ho dato quella sbagliata, ha notato subito l”errore. Io avevo preso appunti su ogni scena, lui l”aveva solo in testa”. Ha paragonato i suoi pensieri a un computer che può fare con segmenti di film tagliati quello che fa la tecnologia al giorno d”oggi.

Il metodo abituale di Kurosawa era quello di montare il film pezzo per pezzo in parallelo alla produzione, di solito quotidianamente. Questo si è rivelato particolarmente utile quando è passato a più telecamere.

A causa dell”intenso lavoro di editing, il processo è diventato routine nel corso della sua carriera. Di conseguenza, la post-produzione di un tipico film di Kurosawa può essere straordinariamente breve. Come esempio: Yojimbo ha debuttato il 20 aprile 1961, solo quattro giorni dopo la fine delle riprese.

Mezzi stilistici

Praticamente tutti i commentatori hanno notato nel lavoro di Kurosawa uno stile audace e dinamico che inizialmente non era niente di insolito a Hollywood. Tuttavia, hanno anche sottolineato che fin dall”inizio il regista ha mostrato una tecnica molto diversa dallo stile senza soluzione di continuità della Hollywood classica. Questa tecnica includeva, tra le altre cose, una rappresentazione angosciata dello schermo attraverso l”uso di numerose angolazioni non ripetitive, un disinteresse per il tradizionale asse d”azione a 180 gradi attorno al quale le scene hollywoodiane sono solitamente costruite, e movimenti di camera fluidi che spesso si verificano al posto del montaggio convenzionale per rendere la narrazione più spaziale. Kurosawa fece uso di molti dispositivi stilistici che gli furono attribuiti nella sua carriera, anche se alcuni apparvero più frequentemente.

Nei suoi film degli anni ”40 e ”50, Kurosawa usava spesso il cosiddetto jump cut, un tipo di montaggio cinematografico in cui la cinepresa ingrandisce o rimpicciolisce per gradi, non con una dissolvenza o una carrellata, ma con una serie di jump cut coordinati. Un esempio dal sequel del film Sanshiro Sugata è illustrato dallo studioso di cinema David Bordwell nel suo blog. Lì, Sanshiro, l”eroe del film, lascia la sua amante Sayo, compiendo ripetutamente la stessa azione: Lui si allontana di qualche metro da lei, si gira verso di lei e lei si sporge in avanti. Questo accade tre volte senza che la telecamera segua l”eroe, invece ogni inquadratura è una scena separata e giustapposta. Tagliando in rapida successione, innaturale e sempre più lontano, il film sottolinea la durata dell”assenza di Sanshiro.

Nella sequenza d”apertura di The Seven Samurai, il rim jump è usato due volte. Quando gli abitanti del villaggio sono riuniti in un cerchio, sono visti in estrema distanza dall”alto, poi c”è un taglio e la telecamera è più vicina e poi un altro taglio a livello del suolo dove il dialogo può iniziare. Pochi minuti dopo, quando gli abitanti del villaggio vanno al mulino per chiedere consiglio all”anziano del villaggio, vediamo un”inquadratura lunga del mulino con una ruota che gira lentamente, poi dopo un taglio una vista ancora più ravvicinata della ruota che gira e infine un primo piano. Poiché è stato precedentemente stabilito che l”anziano del villaggio vive nel mulino, queste immagini creano una successiva importante connessione tra l”anziano del villaggio e il mulino.

Alcuni analisti hanno sottolineato la tendenza di Kurosawa a tagliare in un solo movimento. Cioè, dividere una scena che scorre tra due personaggi in movimento in due o più porzioni separate, piuttosto che in un”unica ripresa ininterrotta. Un esempio si trova ancora ne I sette samurai, quando il samurai in piedi Shichirōji vuole confortare il contadino Manzo, che è seduto a terra, e si inginocchia per parlargli. Kurosawa ha filmato questa semplice azione di inginocchiarsi in due inquadrature invece di una per trasmettere l”umiltà di Shichirōji con più forza. Solo nello stesso film, ci sono innumerevoli esempi del genere. Joan Mellen ha detto sull”edizione speciale Criterion Collection dell”epopea: “Kurosawa interrompe e frammenta l”azione per creare un effetto emotivo”.

Una forma di punteggiatura cinematografica che è particolarmente spesso associata a Kurosawa è la cosiddetta transizione “wipe”. L”effetto è creato attraverso l”uso di una stampante ottica. Quando una scena finisce, una linea o una barra sembra muoversi sullo schermo, “cancellando” l”immagine e rivelando contemporaneamente il primo fotogramma della scena seguente. Kurosawa ha spesso usato questa tecnica al posto del solito dissolvi o del taglio normale. Soprattutto nelle sue ultime opere, il regista ha usato il metodo della transizione come marchio di fabbrica; nel film Angel of the Lost, per esempio, è usato dodici volte.

Ci sono molte teorie sul perché Kurosawa fosse così affezionato a questo specifico metodo di transizione. Dato che il “wiping” era usato principalmente nei film muti, ma divenne sempre più raro con i talkie, lo studioso di cinema James Goodwin ha suggerito che fosse un omaggio al defunto fratello di Kurosawa, Heigo, che aveva lavorato come benshi nei film muti e si suicidò a causa della popolarità dei talkie e della sua conseguente disoccupazione. Al di là di questo, però, la “cancellazione” ha anche ragioni stilistiche. Per esempio, Goodwin sostiene che la “cancellazione” in Rashomon ha sempre uno dei tre scopi: Per evidenziare il movimento di un personaggio in viaggio, per segnare gli spostamenti narrativi nelle sequenze giudiziarie, e per formare ellissi temporali tra le azioni (per esempio, tra le dichiarazioni di due personaggi). Sottolinea anche che Kurosawa non usa il metodo della “cancellazione” in Nachtasyl, ma mette in scena i suoi attori e gli oggetti di scena in un modo che simula la “cancellazione” da un”inquadratura all”altra.

Un esempio di uso satirico di questo metodo si trova in Ikiru – Once Really Live. Un gruppo di donne visita l”ufficio del governo locale per presentare una petizione ai burocrati per trasformare un”area di rifiuti in un parco giochi per bambini. Allo spettatore viene poi mostrata una serie di inquadrature dal punto di vista di vari burocrati che usano il metodo “swipe”, e tutti passano il gruppo a un altro dipartimento. L”analista cinematografica Nora Tennessen ha descritto l”effetto del metodo come segue: “L”asciugatura rende la scena più divertente. Le impostazioni dei burocrati sono impilate come carte, ognuna più pedante della precedente”.

Come si evince dalle memorie di Teruyo Nogami, Kurosawa ha sempre prestato grande attenzione alla colonna sonora dei suoi film. Alla fine degli anni ”40, fece il primo uso della sua successiva abitudine di usare la musica come contrappunto al contenuto emotivo di una scena. Nella Hollywood tradizionale, la musica era ed è di solito adattata all”atmosfera di una scena; per esempio, se una scena deve essere triste, suona una musica triste. Il trucco di Kurosawa di fare l”esatto contrario di questo nasce da una tragedia familiare. Quando Kurosawa seppe della morte di suo padre nel 1948, vagò senza meta per le strade di Tokyo. Il suo dolore fu aggravato quando sentì alla radio l”allegra canzone The Cuckoo Waltz. L”artista ha poi commissionato al suo compositore cinematografico Fumio Hasayaka, con cui all”epoca stava lavorando su Angel of the Lost, di registrare la canzone come accompagnamento ironico nella scena della morte di Matsunaga, la scena più triste di tutto il film.

Un altro esempio è il film A Stray Dog. Nella scena culminante in cui Murakami combatte con Yusa in un campo fangoso, improvvisamente suona un pezzo di Wolfgang Amadeus Mozart, suonato al pianoforte da una donna nella casa dei vicini. Un commentatore ha notato: “In contrasto con la scena di violenza primitiva, la serenità di Mozart sembra letteralmente “ultraterrena”. La potenza di questo scontro primordiale è intensificata dalla musica”. L”uso rivoluzionario del suono da parte di Kurosawa non si limitava però alla musica. Come ha sottolineato un critico nella sua recensione de I sette samurai: “Nelle ambientazioni di omicidio e caos, gli uccelli cinguettano in sottofondo, come nella prima scena in cui i contadini lamentano il loro destino apparentemente senza speranza”.

Temi ricorrenti

Molti commentatori hanno notato la presenza regolare nei film di Kurosawa di una relazione complessa tra un uomo più vecchio e uno più giovane, o un maestro e un discepolo. Questo tema è stato senza dubbio influenzato dall”autobiografia. Joan Mellen ha detto in una retrospettiva: “Kurosawa venerava i suoi maestri, specialmente Kajiro Yamamoto, il suo mentore alla Toho. L”immagine istruttiva di un anziano che insegna a un inesperto evoca sempre i momenti di pathos nei film di Kurosawa”. Il critico Tadao Sato vede la figura ricorrente del “maestro” come una sorta di padre surrogato il cui ruolo è quello di assistere e approvare la crescita morale del giovane protagonista.

Nel suo primo film, Judo Sage, la forma narrativa cambia dopo che il maestro di Judo Yano diventa il maestro e la guida spirituale del protagonista, “sotto forma di cronaca, esplorando le tappe della crescente padronanza e maturità dell”eroe”. Il rapporto maestro-discepolo nei suoi film del dopoguerra – come Angel of the Lost, A Stray Dog, The Seven Samurai, Redbeard e Uzala the Kirghiz – comporta pochissime istruzioni dirette, invece l”allievo impara attraverso le proprie esperienze. Stephen Prince collega questa tendenza alla natura privata e non verbale del concetto di illuminazione Zen.

Con Kagemusha, però, secondo Prince, il significato di questo rapporto è cambiato in senso pessimistico. Un ladro scelto come doppelganger di un Daimyō continua la sua identità dopo la morte di quest”ultimo: “Il rapporto è diventato spettrale e si genera dall”aldilà, con il maestro come presenza spettrale. La sua fine è la morte, non il rinnovo dell”impegno verso i vivi, come nei suoi film precedenti”. Tuttavia, secondo un biografo, a Madadayo è emersa una visione più ottimistica di questo tema: “Gli studenti tengono una celebrazione annuale per il loro professore, a cui partecipano decine di ex allievi, ormai di varie età. Questa sequenza estesa esprime, come solo Kurosawa sa fare, le gioie semplici delle relazioni studente-insegnante, della parentela e della vita stessa”.

I film di Kurosawa trattano spesso i destini e le gesta di personaggi eroici. Il tipico eroe di Kurosawa era il risultato del periodo post-bellico in cui i valori feudali furono sostituiti da quelli individualistici a causa dell”occupazione del Giappone. Kurosawa, che fin da giovane era più orientato verso i valori occidentali, accolse questo cambiamento e lo adottò come programma artistico e sociale. Come ha descritto Stephen Prince, “Kurosawa ha accolto il cambiamento del clima politico e si è sforzato di modellarlo con la sua propria voce cinematografica”. Il critico cinematografico giapponese Tadao Sato è d”accordo: “La sconfitta del Giappone nella seconda guerra mondiale ha lasciato molti cittadini giapponesi con la consapevolezza che il governo ha mentito loro per anni e non era né giusto né affidabile. Durante questo periodo, Akira Kurosawa diede alla popolazione irritata il messaggio che il senso della vita non è diretto da una nazione, ma deve essere trovato da ognuno individualmente attraverso la sua sofferenza”. Lo stesso regista ha detto a questo proposito: “Ho sempre pensato che senza l”affermazione dell”io come ideale positivo, non ci può essere né libertà né democrazia”.

La prima di queste figure eroiche è stata, cosa insolita per il regista, una donna: Yukie, interpretata da Setsuko Hara in No Regrets for My Youth. Secondo Prince, la sua “diserzione della sua famiglia, il suo background di aiuto a un villaggio povero, la sua perseveranza nonostante enormi ostacoli, la sua accettazione della responsabilità personale e dell”altruismo, e la sua solitudine esistenziale” sono parti essenziali di un eroe di Kurosawa. Questa solitudine esistenziale caratterizza anche la figura del dottor Sanada, interpretato da Takashi Shimura, in Angel of the Lost: “Kurosawa insiste sul fatto che i suoi eroi rimangono fedeli a se stessi e combattono da soli contro le tradizioni e gli ostacoli per un mondo migliore, anche se l”esito non gli è del tutto chiaro. Separarsi da un sistema corrotto e socialmente stigmatizzante per alleviare la sofferenza di una persona, come fa il dottor Sanada, è la via più onorevole”.

Molti commentatori vedono I sette samurai come la massima espressione degli ideali eroici dell”artista. Joan Mellen descrive questa visione come segue: “I Sette Samurai è soprattutto un omaggio alla classe dei samurai nella sua forma più nobile. Il samurai rappresenta per Kurosawa il meglio della tradizione e dell”integrità giapponese”. I Sette si elevano a una grandezza inaspettata a causa dei tempi caotici della guerra civile, non a dispetto di essa. Kurosawa non cerca i benefici inaspettati se non nella tragedia di questo momento storico”. Lo sconvolgimento costringe i samurai a dimostrare l”altruismo del loro credo di servizio leale lavorando per la gente inferiore, i contadini”. Questo eroismo è però vano, perché “c”era già una classe emergente che avrebbe sostituito l”aristocrazia dei guerrieri”. Il loro coraggio è quindi completamente disinteressato, poiché non possono comunque fermare la distruzione interna della loro classe.

Con il progredire della sua carriera, il regista sembra trovare sempre più difficile mantenere l”ideale eroico. Prince nota: “La visione di Kurosawa è essenzialmente una visione tragica della vita. Quindi la sua sensibilità ostacola i suoi sforzi”. Inoltre, la narrazione dei suoi film successivi mina l”ideale eroico stesso: “Quando la storia è presentata come una forza cieca, come in The Castle in the Cobweb Forest, l”eroismo cessa di essere realtà”. Secondo Prince, la visione del regista alla fine divenne così tetra e nichilista che egli vide la storia semplicemente come un modello eternamente ricorrente di violenza all”interno del quale l”individuo è ritratto non solo come non eroico ma come completamente impotente. (vedi sotto: “Il ciclo della violenza”)

La natura è un elemento significativo nei film di Kurosawa. Secondo Prince, “la sensibilità di Kurosawa è fortemente concentrata sulle sottigliezze e le bellezze delle stagioni e dei paesaggi”. Il regista non ha mai evitato di usare il clima e il tempo come elementi significativi della trama, al punto che sono diventati “partecipanti attivi nell”opera”. “Il caldo soffocante in A Stray Dog and Balance of a Life è onnipresente, sottolineando il tema di un mondo dilaniato dal collasso economico o dalla minaccia nucleare”. Kurosawa stesso una volta ha detto: “Mi piacciono le estati calde, gli inverni freddi, la pioggia battente e molta neve e penso che la maggior parte dei miei film lo dimostri. Mi piacciono gli estremi, perché sono i più vivi”.

Anche il vento è un simbolo significativo: “Una metafora persistente nelle opere di Kurosawa è quella del vento, il vento del cambiamento, della felicità e della sfortuna. La battaglia in Yojimbo si svolge sulla strada principale mentre grandi nuvole di polvere circondano i combattenti. I venti che agitano la polvere hanno portato in città le armi da fuoco insieme alla cultura occidentale. Le cose che porranno fine alla tradizione guerriera”.

La pioggia è anche usata separatamente nei film di Kurosawa: “La pioggia non è mai trattata in modo neutrale nei film di Kurosawa. Quando appare, non è mai sotto forma di una piccola pioggerella, ma sempre in un furioso acquazzone. La battaglia finale ne I sette samurai è una lotta estrema, spirituale e fisica, ed è accompagnata da un temporale furioso, che permette a Kurosawa di visualizzare una fusione definitiva dei gruppi sociali. Ma con l”ambivalenza tipica di Kurosawa, questa visione climatica della mancanza di classe si trasforma in una visione horror. La battaglia è un vortice di pioggia e fango. La fusione dell”identità sociale emerge come espressione del caos infernale”.

A partire da Il castello nella foresta di ragnatele, i film di Kurosawa hanno ripetutamente affrontato cicli storici di implacabile violenza selvaggia, che Stephen Prince descrive come un “contro-movimento al tono eroico dei suoi film”. Secondo Donald Richie, nel film “causa ed effetto è l”unica legge”. La libertà non esiste”. Prince sostiene che gli eventi sono “inscritti in un ciclo temporale che si ripete più e più volte”. Egli prende come base della sua tesi il fatto che, contrariamente all”opera originale di Shakespeare, il padrone di Washizu aveva precedentemente ucciso il suo stesso padrone per ragioni di potere prima di morire lui stesso per mano di Washizu. “Lo sviluppo degli eventi di Macbeth è stato trasmesso da Kurosawa con un”enfasi più netta sugli eventi preordinati e sull”irrilevanza umana attraverso le leggi del karma”.

Gli epici Kagemusha e Ran di Kurosawa segnano una drastica svolta nella visione del mondo del regista. Per Kagemusha, Prince afferma che “mentre una volta l”individuo poteva afferrare con precisione ed esigere gli eventi in modo che si conformassero ai suoi impulsi, ora il sé non è che un epifenomeno di un processo temporale spietato e sanguinario, ridotto in polvere sotto il peso e la forza della storia”.

La sua successiva epopea Ran è, secondo Prince, “una cronaca implacabile della più bassa fame di potere, il tradimento di un padre da parte dei suoi figli, e onnipresenti guerre e omicidi”. L”ambientazione storica del film è usata solo come “commento esplicativo su ciò che Kurosawa è arrivato a percepire come l”atemporalità della propensione umana alla violenza e all”autodistruzione”. “La storia cede il passo alla percezione della vita come una ruota di sofferenza senza fine, che gira costantemente e si ripete sempre”, dice Prince; quel processo è solitamente caratterizzato nelle sceneggiature convenzionali di Hollywood come l”inferno. Secondo Prince, Kurosawa “ha scoperto che l”inferno è sia il risultato inevitabile del comportamento umano che la visualizzazione appropriata della propria amarezza e delusione”.

Leggi anche, biografie – Paolo Uccello

Reputazione tra i direttori

Molti registi famosi sono stati ispirati da Kurosawa e hanno venerato il suo lavoro. Quelli menzionati qui sotto sono una selezione e possono essere divisi approssimativamente in quattro categorie: primo, quelli che, come lo stesso Kurosawa, raggiunsero la ribalta negli anni ”50 e ”60; secondo, i cosiddetti registi della Nuova Hollywood intorno al 1970; terzo, altri registi asiatici; e quarto, registi di tempi più recenti.

Il regista svedese Ingmar Bergman ha definito il suo film La primavera delle fanciulle una “pessima imitazione di Kurosawa” e ha aggiunto: “A quel tempo, la mia ammirazione per il cinema giapponese era al suo massimo. Io stesso sono stato quasi un samurai”. In Italia, Federico Fellini dichiarò Kurosawa “il miglior esempio di tutto ciò che un regista dovrebbe essere”. In Francia, nel 1965, Roman Polanski ha indicato l”artista giapponese, insieme a Fellini e Orson Welles, come uno dei suoi tre registi preferiti, nominando I sette samurai, Il castello nella foresta di ragnatele e La fortezza nascosta come punti di allusione per riecheggiare la sua euforia. Il pioniere del cinema Bernardo Bertolucci disse di lui in un”intervista: “I film di Kurosawa sono le cose che mi hanno ispirato. Mi hanno spinto a voler diventare anch”io un regista”. Il regista tedesco Werner Herzog, rappresentante del Nuovo Cinema Tedesco, ha elencato Kurosawa tra i suoi più grandi idoli: “Quando penso ai miei registi preferiti, mi vengono in mente Griffith, Buñuel, Kurosawa e Eisenstein”. Quando gli è stato chiesto di elencare i suoi registi preferiti, il pioniere del cinema russo Andrei Tarkovsky ha indicato Kurosawa come il migliore e I sette samurai come uno dei suoi dieci film preferiti. Per il visionario cinematografico statunitense Stanley Kubrick, Kurosawa era “uno dei più grandi registi di tutti i tempi”. L”amico più intimo di Kubrick, Anthony Frewin, ha aggiunto: “Non riesco a ricordare nessun regista di cui abbia parlato così spesso e con tanta ammirazione. Se Stanley fosse su un”isola deserta e potesse portare con sé solo un numero limitato di film, indovinerei Battle of Algiers, Danton, Rashomon, The Seven Samurai e The Castle in the Cobweb Forest”.

Tra gli ammiratori di Kurosawa nella cerchia della Nuova Hollywood ci sono Robert Altman, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, Martin Scorsese, George Lucas e John Milius. Nei suoi primi anni come produttore televisivo, Robert Altman raccontò l”aneddoto che era così affascinato da come Kurosawa poteva fare diverse e bellissime inquadrature mentre la telecamera era puntata direttamente sul sole – Rashomon è considerato il primo a farlo con successo – che lo provò direttamente il giorno dopo per il suo stesso show televisivo, anche se senza successo.Coppola disse di Kurosawa: “Una cosa che lo distingue da qualsiasi altro regista è che non ha fatto solo uno o due o tre capolavori. Spielberg e Scorsese hanno definito Kurosawa il loro maestro e il loro grande modello. Scorsese lo chiamava “sensei”, il termine giapponese per indicare un insegnante. Spielberg ha detto: “Ho imparato più da lui che da quasi chiunque altro nel mondo del cinema”, mentre Scorsese ha aggiunto: “Lasciatemi spiegare semplicemente: Akira Kurosawa è stato il mio maestro e il maestro di tanti altri registi nel mondo”.

Come primo regista asiatico di fama mondiale, Akira Kurosawa è stato fonte di ispirazione per molti altri autori asiatici. Satyajit Ray, il più famoso regista indiano, disse di Rashomon: “L”effetto che il film ebbe su di me dopo averlo visto per la prima volta a Calcutta nel 1952 fu elettrizzante. L”ho visto tre volte nei tre giorni successivi e mi sono chiesto ogni volta se ci fosse un altro film come questo al mondo che mostrava una prova così duratura del controllo totale di un regista sul set”. Altri noti ammiratori asiatici includono il regista di anime giapponese Hayao Miyazaki, l”attore-regista Takeshi Kitano, il regista di Hong Kong John Woo e il regista della Cina continentale Zhang Yimou, che ha definito Kurosawa “la quintessenza del cinema asiatico”.

Nel 21° secolo, le produzioni di Kurosawa continuano a ispirare i registi di tutto il mondo. Alexander Payne ha passato i primi anni della sua carriera a guardare e ispezionare in dettaglio i film di Kurosawa, soprattutto Ikiru – Once Really Alive. Guillermo del Toro ha definito Kurosawa uno dei suoi “maestri fondamentali” e ha elencato Il castello nella foresta di ragnatele, Tra cielo e inferno e Ran tra quelli che considera i migliori film di tutti i tempi. Kathryn Bigelow ha elogiato Kurosawa come uno dei “registi più influenti” che riesce a creare i personaggi emotivamente più profondi. J.J. Abrams ha detto di aver tratto un”ispirazione significativa da Kurosawa quando ha realizzato il film Star Wars: The Force Awakens. Alejandro González Iñárritu ha parlato in un”intervista di come, a diciannove anni, è stato emotivamente preso da Ikiru – Once Really Alive come mai prima, e ha lodato Kurosawa come uno dei “primi geni della narrazione in grado di capovolgere la narrazione convenzionale dei film”. Spike Lee ha pubblicato una lista di 87 film che ogni fan del cinema dovrebbe vedere, compresi i tre film di Kurosawa Rashomon, Yojimbo e Ran. Il film di Wes Anderson Isle of Dogs – Atari”s Journey è stato fortemente ispirato da Kurosawa e dalle sue stravaganti tecniche cinematografiche.

Sceneggiature postume

Dopo la morte di Kurosawa, alcune delle sue sceneggiature non realizzate sono state trasformate in film. After the Rain, diretto da Takashi Koizumi, è uscito nel 1999 come omaggio postumo al regista, con cui Koizumi aveva una stretta amicizia. The Sea Comes di Kei Kumai ha debuttato nel 2002, e una sceneggiatura scritta ai tempi della cooperativa di produzione Yonki no kai e mai realizzata a favore di Dodeskaden è stata realizzata nel 2000 dall”unico membro superstite Kon Ichikawa sotto il nome di Dora-heita. Huayi Brothers ha annunciato nel 2017 le riprese di un adattamento realizzato da Kurosawa del racconto La maschera della morte rossa di Edgar Allan Poe. Il prodotto finale è previsto per il rilascio internazionale nel 2020. Patrick Frater, redattore della rivista Variety, ha scritto nel suo giornale nel 2017 che altre due sceneggiature scartate erano state trovate negli archivi della Toho e che erano ancora in fase di ripresa. Le riprese del primo film sono iniziate nel 2018 con il nome del progetto Silvering Spear.

Compagnia di produzione Kurosawa

Nel settembre 2011, è stato riferito che i diritti di tutti i remake o adattamenti cinematografici di Akira Kurosawa delle sue sceneggiature non realizzate sono stati ceduti alla società Splendent di Los Angeles. Il portavoce di Splendent ha detto che l”obiettivo è quello di aiutare altri registi a introdurre una nuova generazione di spettatori a queste “storie indimenticabili”.

La Kurosawa Production Co., fondata nel 1959, ha ancora il controllo su tutti i progetti realizzati a nome di Akira Kurosawa. Il figlio del regista, Hisao Kurosawa, è l”attuale capo della società e della sua filiale americana Kurosawa Enterprises. Fino ad oggi, i diritti di Kurosawa erano detenuti unicamente dalla Kurosawa Production Company e dagli studi cinematografici sotto i quali ha lavorato, soprattutto la Toho. Questi diritti sono stati infine ceduti al progetto Akira Kurosawa 100 e sono attualmente con Splendent. La Kurosawa Production Co. lavora a stretto contatto con la Fondazione Akira Kurosawa, creata nel 2003. L”organizzazione organizza un concorso annuale di cortometraggi e regola i progetti legati a Kurosawa, come la prevista costruzione di un museo commemorativo.

Un gran numero di lungometraggi e documentari brevi hanno trattato la vita e il lavoro di Akira Kurosawa. A.K. uscì nel 1985 quando il regista era ancora vivo. È stato diretto dal documentarista francese Chris Marker. Anche se il documentario è apparso durante la lavorazione di Ran, è meno interessato alla realizzazione del film che alla personalità di Kurosawa. Marker nominò in seguito questo film come la ragione del suo interesse per la cultura del Giappone e l”ispirazione per il suo film più famoso Sans Soleil – Invisible Sun. Il film è stato presentato in anteprima al Festival Internazionale del Cinema di Cannes del 1985. Una piccola selezione di altri documentari acclamati dalla critica su Akira Kurosawa sono:

Leggi anche, biografie – Ronnie Spector

Script

Nel 1965, Kurosawa è stato eletto all”Accademia Americana delle Arti e delle Scienze.

Nel 1976 è stato onorato come persona di speciale merito culturale, e nel 1985 con l”Ordine della Cultura.

Il 18 febbraio 2011, un asteroide ha preso il nome di Akira Kurosawa: (254749) Kurosawa.

Nel giugno 2013, il film di Kurosawa Once Really Lived è stato incluso nella Top 250 dell”Internet Movie Database. Questo significa che Kurosawa, insieme ad altri dieci registi, ha avuto più di quattro film nella Top 250 di IMDb. Questo lo rende uno dei registi più votati su IMDb. Nel giugno 2015, ha aggiunto Il castello nella foresta di ragnatele, seguito poco dopo da Tra cielo e inferno e Uzala il Kirghiz. Detiene così il record di otto film nella top 250 di IMDb insieme a Martin Scorsese e Stanley Kubrick. Altri suoi film, tra cui The Hidden Fortress, Red Beard, Sanjuro, The Discarded Sleep Well e Kagemusha – L”ombra del guerriero hanno tutti un alto rating sulla piattaforma e potrebbero essere inclusi nella lista in futuro.

Fonti