Alberto Burri

gigatos | Febbraio 12, 2022

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Riassunto

Alberto Burri (pronuncia italiana: ) è stato un artista visivo, pittore, scultore e medico italiano di Città di Castello. È associato al matterismo del movimento europeo dell”arte informale e ha descritto il suo stile come polimaterico. Ha avuto collegamenti con lo spazialismo di Lucio Fontana e, con Antoni Tàpies, un”influenza sulla rinascita dell”arte di montaggio del dopoguerra in America (Robert Rauschenberg) come in Europa.

Nella rubrica “Overrated and Underrated” pubblicata dalla rivista d”arte americana ARTnews, il nome di Alberto Burri è spesso citato. Carolyn-Christov-Bakargiev lo cita nel numero di gennaio 2005, per esempio.

Se guardate le riviste degli anni ”50, Burri condivideva la stessa piattaforma con la maggior parte degli espressionisti astratti americani, eppure per qualche motivo è caduto nell”oblio quasi totale. Burri è enormemente importante in quel periodo del dopoguerra e influente a livello internazionale… Non credo che ci sarebbe stato un Antoni Tàpies in Spagna se non ci fosse stato Burri.

Alberto Burri nasce il 12 marzo 1915 a Città di Castello, in Umbria da Pietro Burri, un commerciante di vini toscano, e da Carolina Torreggiani, una maestra elementare umbra. Nel 1935, Burri frequenta un liceo statale ad Arezzo vivendo come convittuario in una pensione, e come annotano le sue pagelle scolastiche, studia lettere classiche in una scuola privata di Città di Castello. Al suo ritorno dal Nord Africa, Burri e suo fratello minore Vittorio furono iscritti alla scuola di medicina di Perugia, e dopo la sua avventura africana, Burri decise che voleva specializzarsi in malattie tropicali. Burri si laureò in medicina nel 1940, e il 12 ottobre di quell”anno, due giorni dopo l”entrata dell”Italia nella seconda guerra mondiale, con una precoce esperienza di volontariato nella guerra italo-etiopica, fu poi richiamato in servizio militare, e inviato in Libia come medico di guerra. I registri dell”esercito mostrano che entro 20 giorni da questo ordine, Burri ricevette un congedo temporaneo per permettergli di completare il suo tirocinio medico e ottenere il diploma di abilitazione alla professione di medico. Burri ha dichiarato di aver studiato storia dell”arte, perché voleva essere in grado di capire le opere d”arte che lo circondavano. Studiò anche il greco, una lingua in cui divenne abile, e più tardi nella vita fu in grado di leggere e godere della letteratura greca classica. L”8 maggio 1943 l”unità di cui faceva parte fu catturata dagli inglesi in Tunisia e fu poi consegnata agli americani e trasferita a Hereford, Texas, in un campo di prigionieri di guerra che ospitava circa 3000 ufficiali italiani, dove iniziò a dipingere. Dopo la sua liberazione nel 1946, si trasferì a Roma e si dedicò esclusivamente alla pittura; la sua prima mostra personale ebbe luogo alla Galleria La Margherita nel 1947. Espone poi alla Marlborough Gallery di New York e alla Gallery de France di Parigi.

Impedito di esercitare la sua professione medica, Burri ebbe la possibilità di scegliere un”attività di svago grazie all”associazione YMCA. Utilizzando la scarsa quantità di materiali disponibili nel campo intraprese l”attività di pittore, all”età di quasi 30 anni e senza alcun tipo di riferimento accademico. Nel frattempo, la tragica morte del fratello minore Vittorio sul fronte russo nel 1943 ebbe un forte impatto su di lui. Isolandosi dal resto del mondo, e raffigurando soggetti figurativi su spessi segni cromatici, realizza progressivamente il desiderio di abbandonare la professione medica, a favore della pittura.

Dall”astrazione alla materia

Una volta che Burri torna in Italia il 27 febbraio 1946, la sua decisione si scontra con la grave recessione del secondo dopoguerra e l”insoddisfazione dei suoi genitori. Si trasferisce a Roma, ospite del violinista e compositore Annibale Bucchi, cugino di sua madre, che incoraggia la sua attività di pittore.

Mentre era a Roma, ebbe la possibilità di stabilire un contatto con le poche ma molto attive istituzioni dedicate alla pittura, che stavano creando una nuova piattaforma per le arti visive dopo la guerra.

Rimase un artista riservato, lavorando e creando incessantemente, inizialmente in un piccolo studio in via Margutta ma spostandosi spesso fuori. Infatti, Milton Gendel – un giornalista americano che visitò lo studio di Burri nel 1954 -, più tardi riferì: “Lo studio è dalle pareti spesse, imbiancato, ordinato e ascetico; il suo lavoro è ”sangue e carne”, tessuto lacerato arrossato che sembra parallelo alla puntura delle ferite che Burri ha vissuto in tempo di guerra”.

La prima mostra personale di opere figurative di Burri ebbe luogo il 10 luglio 1947 presso la galleria-libreria La Margherita, a Roma, presentata dai poeti Leonardo Sinisgalli e Libero De Libero. Tuttavia, la produzione artistica di Burri sfocia definitivamente in forme astratte prima della fine dello stesso anno, l”uso della tempera di piccolo formato derivante dall”influenza di artisti come Jean Dubuffet e Joan Miró, il cui studio fu visitato da Burri durante un viaggio a Parigi nell”inverno del 1948.

La ricerca artistica di Burri diventa in breve tempo personale, tra il 1948 e il 1950 inizia a sperimentare l”uso di materiali insoliti, “non ortodossi” come il catrame, la sabbia, lo zinco, la pomice, la polvere di alluminio e la colla polivinilica, quest”ultimo materiale viene elevato alla stessa importanza dei colori ad olio. Durante questa transizione artistica, il pittore mostrò la sua sensibilità per l”astrazione di tipo misto di Enrico Prampolini, una figura centrale dell”arte astratta italiana. Tuttavia Burri fa un passo avanti nei suoi Catrami, presentando il catrame non come un semplice materiale da collage, ma come un vero e proprio colore che, attraverso diverse tonalità lucide e opache nel nero monocromo, si fonde con la totalità del quadro.

Il suo “Nero 1″ del 1948 fu poi preso dall”artista come pietra miliare iniziale della sua pittura e stabilì la prevalenza del monocromo nero, che sarà mantenuto come identità stretta durante tutta la sua carriera, accanto al bianco, dalla serie Bianchi 1949-50, e al rosso.

La successiva serie di Muffe presenta letteralmente le reazioni spontanee dei materiali impiegati, permettendo alla materia di “prendere vita” in colature e concrezioni che riproducono gli effetti e l”aspetto di una vera muffa. In alcune opere dello stesso periodo che chiamò Gobbi, Burri si concentrò sull”interazione spaziale del dipinto, ottenendo un altro risultato originale grazie all”incorporazione di rami d”albero sul retro della tela che spingeva la bidimensionalità verso lo spazio tridimensionale.

Nel 1949 il critico Christian Zervos pubblicò la foto di un Catrame (esposto a Parigi l”anno precedente) nei famosi Cahiers d”art.

Nonostante l”affinità di Burri con l”informalismo e l”amicizia con Ettore Colla, che avvicina Alberto al Gruppo Origine (fondato e sciolto nel 1951 dallo stesso Colla, Mario Balocco e Giuseppe Capogrossi), la ricerca artistica del pittore appare sempre più solitaria e indipendente.

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Sacchi e l”emergenza americana

A partire dal 1952 Burri raggiunge una caratterizzazione forte e personale con i Sacchi, opere d”arte ricavate direttamente dal tessuto di juta ampiamente distribuito dal Piano Marshall: il colore scompare quasi del tutto, lasciando spazio alla materia superficiale in modo che la pittura coincida con la sua materia nella sua totale autonomia, non essendoci più separazione tra la superficie pittorica e la sua forma.

L”eleganza artistica formale e gli equilibri spaziali ottenuti attraverso vapori aeroformi, crateri, strappi, strati di colore sovrapposti e forme diverse, differenziano l”arte di Burri, fondata su riflessioni attente e calcoli precisi, dai gesti impulsivi che caratterizzano la pittura d”azione nello stesso periodo.

Burri offre una prima visione di questi elementi peculiari nel 1949, con SZ1 (acronimo di Sacco di Zucchero 1): la presenza di una porzione di bandiera americana contenuta nell”opera anticipa l”uso dello stesso soggetto fatto dalla pop art. Nel caso di Burri, però, non c”erano implicazioni sociali o simboliche, essendo l”equilibrio formale e cromatico del quadro l”unica vera attenzione.

I Sacchi di Burri non conquistarono la comprensione del pubblico e furono invece considerati come estremamente lontani dalla nozione di arte. Nel 1952, anno della sua prima partecipazione alla Biennale di Venezia, i Sacchi intitolati Lo Strappo e Rattoppo furono respinti.

Ancora, nel 1959 una mozione d”ordine del Parlamento italiano chiese la rimozione di una delle opere del pittore dalla Galleria Nazionale d”Arte Moderna di Roma.

L”opera di Burri riceve una diversa e positiva considerazione nel 1953, quando James Johnson Sweeney (direttore del Solomon R. Guggenheim Museum) scopre i dipinti di Burri alla Galleria Obelisco di Roma, e successivamente introduce l”opera dell”artista negli Stati Uniti, in una mostra collettiva rappresentativa delle nuove tendenze artistiche europee. Da questo incontro nacque un”amicizia che durò tutta la vita: Sweeney divenne un attivo sostenitore dell”arte di Burri nei principali musei americani e scrisse la prima monografia sull”artista nel 1955. Nello stesso anno Robert Rauschenberg visitò due volte lo studio del pittore: nonostante le differenze linguistiche tra i due artisti impedissero loro di parlarsi, le visite di Rauschenberg fornirono un input sostanziale per la creazione dei suoi Combine Paintings.

La forte relazione di Burri con gli Stati Uniti divenne ufficiale quando incontrò Minsa Craig (1928-2003), una ballerina americana (allieva di Martha Graham) e coreografa che sposò il 15 maggio 1955 a Westport, Connecticut. Rimasero insieme nella buona e nella cattiva sorte, per il resto della loro vita.

Adozione del fuoco

Dopo alcuni tentativi sporadici, nel 1953-54 Burri condusse una sperimentazione attentamente pianificata con il fuoco, attraverso piccole combustioni su carta, che servirono come illustrazioni per un libro di poesie di Emilio Villa. Il poeta fu uno dei primi a capire il potenziale artistico rivoluzionario del pittore, scrivendone fin dal 1951 e collaborando con lui ai libri d”artista. In seguito ricordò una comune visita ad un campo di petrolio (per un reportage del 1955 per la rivista “Civiltà delle Macchine”) come una forte influenza per l”interesse dell”artista sull”uso del fuoco.

Il procedimento adottato per le Combustioni passò dalla carta ai Legni intorno al 1957, in sottili fogli di legno impiallacciato fissati su tela e altri supporti.

Nello stesso periodo Burri lavora anche ai Ferri, creazioni costituite da lastre di metallo tagliate e saldate a cannello per puntare all”equilibrio generale degli elementi. L”applicazione più nota di questo procedimento fu raggiunta nelle Plastiche negli anni Sessanta, quando anche in Italia si manifestò una graduale apertura critica verso l”arte di Burri.

La fiamma ossidrica era solo apparentemente un dispositivo distruttivo. Infatti, i crateri modellati dalla fiamma su cellophane, plastica nera, rossa o trasparente o sulla serie Bianchi Plastica, in cui la plastica trasparente è posata su un supporto bianco o nero, erano leggermente diretti dal soffio del pittore. Gli equilibri della materia venivano così evidenziati ancora una volta, in una sorta di “sfida” alla casualità della fiamma da un lato, e in una sorta di tentativo di “dominare il caso”, intrinseco alla filosofia di Burri, dall”altro.

Da Cretto a Cellotex

A partire dal 1963, Burri e sua moglie iniziarono a trascorrere gli inverni a Los Angeles. Il pittore si distacca progressivamente dalla comunità artistica della città, concentrandosi profondamente sul proprio lavoro. Durante i suoi ricorrenti viaggi al Death Valley National Park, l”artista trovò nelle fessurazioni naturali del deserto lo stimolo visivo che lo portò, a partire dal 1973, a creare i Cretti sviluppando l”uso dell”effetto di vernice crepata delle sue opere del 1940.

Utilizzando una miscela speciale di caolino, resine e pigmento, il pittore asciugava la sua superficie con il calore di un forno. Burri arrestava il processo di riscaldamento al momento desiderato con uno strato di colla PVA, ottenendo così effetti di screpolatura più o meno grandi, sempre equilibrati grazie alla grande conoscenza della chimica del pittore.

Burri ha riprodotto il procedimento utilizzato per i Cretti, sia in bianco che in nero, anche in scultura, su grandi estensioni nella University of California, Los Angeles e a Napoli (Museo di Capodimonte) Grandi Cretti in argilla cotta (entrambe 49 x 16) e, soprattutto, nella vasta copertura in cemento del Cretto di Burri a Gibellina, sulle rovine dell”antica cittadina siciliana distrutta dal terremoto del 1968. Iniziata nel 1984 e interrotta nel 1989, l”opera è stata completata nel 2015, per il centenario della nascita dell”artista. È una delle più grandi opere d”arte mai realizzate, estendendosi su una superficie di circa 85.000 metri quadrati. Il suo rivestimento in cemento bianco si espande sulla città, seguendo la vecchia mappa stradale in lunghe arterie e corridoi percorribili, riportando così simbolicamente in vita la città devastata.

Durante gli anni Settanta l”arte di Burri vide una graduale transizione verso dimensioni più ampie, mentre le retrospettive si susseguivano in tutto il mondo. La grande mostra personale che attraversa gli Stati Uniti nel 1977-78 e termina al Solomon R. Guggenheim Museum di New York ne è un esempio.

Nel ciclo di dipinti del 1979 intitolato Il Viaggio, Burri ripercorse, attraverso dieci composizioni monumentali, i momenti chiave della sua produzione artistica.

Il materiale privilegiato in questa fase è il Celotex (l”autore ha aggiunto una l al suo nome), una miscela industriale di scarti di produzione del legno e adesivi, molto spesso usata nella fabbricazione di pannelli isolanti. Fino ad allora, il pittore aveva utilizzato questo materiale nelle sue opere precedenti, fin dai primi anni 50, come supporto per le sue opere in acetato e acrilico.

In seguito il Cellotex è stato utilizzato per serie cicliche concepite come polittici su una struttura geometrica dominante e chiara, attraverso sottilissime sfumature graffiate o giustapposizioni di porzioni lisce e ruvide come Orsanmichele (1981), o in variazioni monocromatiche nere come Annottarsi (Up to Nite, 1985), così come in forme multicolori come Sestante (1983) o l”omaggio all”oro dei mosaici di Ravenna nella sua ultima serie Nero e Oro.

Tutta la produzione artistica di Burri è stata concepita dall”autore come un insieme inseparabile di forma e spazio, sia in pittura che in scultura. Un esempio è il motivo ricorrente dell”archivolto, visto nella sua forma semplice in pittura e in prospettiva in sculture in ferro come Teatro Scultura – opera presentata alla Biennale di Venezia del 1984 -, e nella serie Ogive in ceramica del 1972.

La forte continuità delle opere scultoree di Burri con i suoi dipinti si nota anche nella ceramica Grandi Cretti di Los Angeles UCLA e di Napoli Capodimonte (con l”aiuto del ceramista Massimo Baldelli, suo lungo collaboratore), o nel Grande Ferro esposto a Perugia in occasione dell”incontro del 1980 tra l”artista e Joseph Beuys.

Il Grande Cretto di Gibellina non rientra propriamente nella categoria della land art, ma ha caratteristiche che combinano architettura, scultura e spazio. Altre sculture su ferro si trovano in permanenza nei musei di Città di Castello, Ravenna, Celle (Pistoia), Perugia e Milano, dove le ali rotanti del Teatro Continuo sono sia spazio scenico che scultura vera e propria, utilizzando il parco del Castello Sforzesco come sfondo naturale.

Scenografie teatrali

Il teatro ebbe un ruolo privilegiato nella produzione artistica di Burri. Anche se in interventi isolati, il pittore lavorò nel campo della prosa, del balletto e dell”opera. Nel 1963 Burri disegna le scenografie per Spirituals, il balletto di Morton Gould alla Scala di Milano. Le Plastiche del pittore sottolineano la forza drammatica di opere come l”adattamento teatrale di Ignazio Silone del 1969 a San Miniato (Pisa) e Tristano e Iseult, rappresentato nel 1975 al Teatro Regio di Torino.

Nel 1973 Burri disegna scene e costumi per November Steps, ideato da sua moglie Minsa Craig, con una partitura di Toru Takemitsu. Il balletto era interagito con un primo esempio di arte visiva da un filmato che raffigurava la progressiva nascita dei Cretti.

Burri non ha mai considerato l”arte grafica di secondaria importanza rispetto alla pittura. Partecipò intensamente alla sperimentazione di nuove tecniche di stampa come la riproduzione delle Combustioni del 1965 – in cui il team di marito e moglie di Valter ed Eleonora Rossi riuscì perfettamente a mimare l”effetto della combustione sulla carta -, o le cavità irregolari dei Cretti (1971) con gli stessi stampatori.

Ulteriori sviluppi innovativi si possono trovare nelle serigrafie Sestante (1987-89) – con l”aiuto del vecchio amico e collaboratore di Burri, Nuvolo – alla serie Mixoblack (1988), creata con il laboratorio di stampa di Los Angeles Mixografia utilizzando polvere di marmo e sabbia per creare superfici di stampa con determinati effetti tridimensionali.

Un fatto significativo è che Burri utilizzò i soldi del Premio Feltrinelli per la grafica – assegnatogli nel 1973 dall”Accademia dei Lincei – per promuovere e sostenere il restauro degli affreschi di Luca Signorelli nel piccolo oratorio di San Crescentino, a pochi chilometri dalla casa di campagna di Burri a Città di Castello; un ulteriore esempio di come moderno e contemporaneo siano mentalmente vicini nell”arte di Burri.

Alberto Burri è morto senza figli il 13 febbraio 1995 a Nizza, in Costa Azzurra, dove si era trasferito per la facilità di vita e a causa di un enfisema polmonare.

Poco prima della sua morte, il pittore fu insignito della Legion d”Onore e del titolo dell”Ordine al Merito della Repubblica Italiana, oltre ad essere nominato membro onorario dell”American Academy of Arts and Letters. La sua serie grafica Oro e Nero, fu donata dall”artista tra gli altri alla Galleria degli Uffizi di Firenze nel 1994, quando già cominciava ad essere considerato più un artista “classico” che “contemporaneo”.

L”arte di Alberto Burri ha catturato l”interesse di molti colleghi artisti contemporanei, da Lucio Fontana e Giorgio Morandi a Jannis Kounellis, Michelangelo Pistoletto e Anselm Kiefer, che hanno riconosciuto la grandezza – e, in alcuni casi, l”influenza – di Burri.

Fondazione e musei

In accordo con la volontà del pittore, la Fondazione Palazzo Albizzini è stata istituita a Città di Castello nel 1978, al fine di tutelare l”opera di Burri. La prima collezione museale, inaugurata nel 1981, è quella situata all”interno del palazzo rinascimentale Albizzini. La casa patrizia del XV secolo, appartenuta ai committenti dello Sposalizio della Vergine di Raffaello, fu ristrutturata dagli architetti Alberto Zanmatti e Tiziano Sarteanesi secondo i progetti dello stesso Burri.

La seconda collezione è quella degli ex capannoni di essiccazione del tabacco di Città di Castello, una struttura industriale progressivamente abbandonata negli anni ”60 e inaugurata nel 1990, che si espande su una superficie di 11.500 metri quadrati. Attualmente la struttura ospita la totalità dei grandi cicli pittorici dell”artista, sculture monumentali e, a partire da marzo 2017, l”intera produzione grafica del pittore.

L”esterno nero della struttura e i particolari adattamenti dello spazio rappresentano un ultimo tentativo di Burri di creare un”opera d”arte totale, in continuità con l”idea di equilibrio formale e psicologico che perseguiva costantemente.

Alberto Burri è riconosciuto come un innovatore radicale della seconda metà del ventesimo secolo, come un precursore delle soluzioni trovate da movimenti artistici come l”Arte Povera, il Neo-Dada, il Nouveau réalisme, il Postminimalismo e la process art, lasciando aperte molte interpretazioni critiche e metodologiche del suo lavoro.

Nella sua monografia del 1963, Cesare Brandi mise in evidenza l”essenzialità della pittura di Burri e il suo rifiuto sia del dettaglio decorativo che delle provocazioni delle avanguardie storiche (per esempio il Futurismo), favorendo un nuovo approccio attraverso un concetto di “pittura non dipinta”.

D”altra parte, Enrico Crispolti ha interpretato l”impiego del materiale di Burri da un punto di vista esistenziale – come aveva fatto anche James Johnson Sweeney nella prima monografia su Burri pubblicata nel 1955 – implicando una critica verso una certa deriva etica del dopoguerra.

Pierre Restany lo considera un “caso speciale” nella storia del Minimalismo, essendo stato “il monumentale outsider e geniale precursore allo stesso tempo”. Maurizio Calvesi adottò negli anni una lettura psicoanalitica, trovando “valori etici” nella sua arte, identificando allo stesso tempo le origini rinascimentali della patria di Burri: Piero della Francesca avrebbe ispirato a Burri il senso dello spazio e della solennità delle masse che il pittore ha poi trasferito sui legni bruciati o sui sacchi logori.

Più recentemente, la posizione di Burri è stata rivalutata grazie alla grande retrospettiva del 2015 Alberto Burri: The Trauma of Painting curata da Emily Braun per il Solomon R. Guggenheim Museum e alla mostra collettiva del 2016 Burri Lo spazio di Materia tra Europa e USA curata dall”attuale presidente della Fondazione Bruno Corà, che ha messo in evidenza il cambiamento radicale della pittura tradizionale occidentale e del collage moderno operato da Burri, concentrandosi anche sul suo recupero “psicologico” degli equilibri formali della pittura classica.

Tra le tante letture storiche, resta emblematico il giudizio di Giulio Carlo Argan (scritto nel catalogo della Biennale di Venezia del 1960): “Per Burri si deve parlare di un Trompe-l”œil rovesciato, perché non è più la pittura a simulare la realtà, ma è la realtà a simulare la pittura.”

La carriera di Burri inizia a Roma con una prima mostra personale nel 1947 alla libreria La Margherita, di proprietà di Irene Brin, dove l”anno successivo presenta le sue prime opere astratte. La Brin e suo marito, Gaspero del Corso fondano la Galleria Obelisco, la prima galleria d”arte aperta nella Roma del dopoguerra, dove nel 1952 presenta la personale Muffe e Neri e nel 1957 le prime Combustioni. La prima mostra di Burri con i Sacchi fu presentata dal poeta Emilio Villa alla Fondazione Origine nel 1952, a conferma di una produzione sempre più originale. I Ferri si tennero alla Galleria Blu di Milano.

Dal 1953 in poi, Burri espose regolarmente le sue opere negli Stati Uniti, alla Allan Frumkin Gallery (Chicago), alla Stable Gallery e alla Martha Jackson Gallery di New York. Nello stesso anno, il direttore e curatore del Guggenheim Museum James Johnson Sweeney incluse Burri nella mostra di riferimento Younger European Painters: A Selection portando il suo lavoro al centro dell”attenzione della comunità internazionale.

Il rapporto inizialmente altalenante di Burri con la Biennale di Venezia segna la sua svolta nel 1960, quando gli viene offerto il suo primo spazio personale da Giulio Carlo Argan. Nel 1962 Cesare Brandi presenta le Plastiche alla Marlborough Fine Art di Roma. Le prime retrospettive antologiche si tengono in questo periodo e nel decennio successivo, come le personali al Musée National d”Art Moderne di Parigi (1972), quella al Sacro Convento di Francesco d”Assisi (1975) e la grande mostra itinerante che inizia alla Frederick S. Wight Gallery della UCLA a Los Angeles, si sposta al Marion Koogler McNay Art Institute di San Antonio (Texas) e si conclude nel 1978 al Solomon R. Guggenheim Museum.

A partire dal 1979 i Grandi cicli di dipinti su Cellotex dominano tutta la produzione successiva di Burri, concepita per grandi spazi come cattedrali (come il ciclo del 1981 a Firenze intitolato Gli Orti) o ex complessi industriali, come gli ex-cantieri dell”Isola della Giudecca a Venezia, dove espone la serie cromatica Sestante. Nel 1994, Burri presenta il ciclo intitolato Burri Il polittico di Atene. Architettura con cactus per la mostra curata da Giuliano Serfafini alla Galleria Nazionale (Atene), e poi all”Istituto Italiano di Cultura di Madrid (1995).

La mostra antologica postuma del 1996 al Palazzo delle Esposizioni (Roma) è stata ripetuta con successo alla Lenbachhaus (Monaco) e al Centre for Fine Arts di Bruxelles. Nel 2015-16 la grande mostra retrospettiva The Trauma of Painting organizzata da Emily Braun al Solomon R. Guggenheim Museum di New York (poi al Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf nel 2016) ha portato molta attenzione internazionale all”arte del pittore.

A conclusione del centenario della nascita di Alberto Burri, la mostra intitolata Burri Lo spazio di materia tra Europa e USA curata da Bruno Corà ha stabilito un confronto tra gli epigoni dell”arte materiale del XX secolo. La mostra si è tenuta a Città di Castello, nello spazio espositivo degli ex capannoni di essiccazione del tabacco che, dal 2017, ospitano la collezione grafica del pittore.

In una vendita di Sotheby”s Londra di opere provenienti da una collezione privata del nord Italia, la Combustione legno (1957) di Burri è stata venduta all”asta per 3,2 milioni nel 2011. L”11 febbraio 2014 Christie”s ha stabilito il record dell”artista con l”opera Combustione Plastica, venduta per 4.674.500 sterline (range di stima da 600.000 a 800.000 sterline). L”opera (firmata e datata sul retro) in plastica, acrilico e combustione (4 ft x 5 ft) è stata realizzata tra il 1960 e il 1961.

Il record dell”artista è stato stabilito nel 2016 a Londra quando, durante la serata dedicata da Sotheby”s al contemporaneo Sacco e Rosso del 1959, l”opera è stata venduta per oltre 9 milioni di sterline, raddoppiando così il precedente record.

L”arte di Alberto Burri ha ispirato molti registi italiani, tra cui Michelangelo Antonioni, che si è ispirato alla ricerca materiale del pittore per il suo Deserto rosso del 1964.

Il compositore Salvatore Sciarrino scrisse un omaggio per commemorare la scomparsa del pittore nel 1995, commissionato dal Festival delle Nazioni di Città di Castello. Per lo stesso festival, gli ex capannoni di essiccazione del tabacco divennero lo scenario di una composizione di Alvin Curran nel 2002.

Il Grande Cretto a Gibellina ha funzionato più volte come set per il Festival Orestiadi e come set per una performance del 2015 degli artisti Giancarlo Neri e Robert Del Naja (Massive Attack). Il balletto November Steps del 1973, con le scene e i costumi di Burri, è stato riproposto nel 2015 dal Guggenheim Museum di New York. Nel 2016 il coreografo Virgilio Sieni ha creato il lavoro Quintetti sul Nero, ispirato al maestro umbro. Nel 2017 John Densmore (The Doors) si è esibito davanti al Grande Nero Cretto alla UCLA, Los Angeles durante l”evento Burri Prometheia.

Nel corso degli anni gli stilisti si sono ispirati a Burri, da Roberto Capucci, con il suo capo d”abbigliamento Omaggio a Burri del 1969 che ha tratti asimmetrici che ricreano gli effetti Cretti, fino a Laura Biagiotti per la sua (ultima) collezione 2017.

Nel 1987 Burri ha creato i manifesti ufficiali della Coppa del Mondo FIFA del 1990. Il Festival Umbria Jazz ha utilizzato la serie Sestante per il manifesto dell”edizione 2015, che celebra il centenario della nascita dell”artista.

Fonti