Alfred Stieglitz

gigatos | Gennaio 17, 2022

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Riassunto

Alfred Stieglitz HonFRPS (1 gennaio 1864 – 13 luglio 1946) è stato un fotografo americano e un promotore dell”arte moderna che è stato determinante nei suoi 50 anni di carriera nel rendere la fotografia una forma d”arte accettata. Oltre alla sua fotografia, Stieglitz era noto per le gallerie d”arte di New York che gestiva nella prima parte del XX secolo, dove introdusse molti artisti europei d”avanguardia negli Stati Uniti. Era sposato con la pittrice Georgia O”Keeffe.

Stieglitz nacque a Hoboken, New Jersey, primo figlio degli immigrati ebrei tedeschi Edward Stieglitz (1833-1909) e Hedwig Ann Werner (1845-1922). Suo padre era un tenente dell”esercito dell”Unione e lavorava come commerciante di lana. Aveva cinque fratelli, Flora (1865-1890), i gemelli Julius (1867-1937) e Leopold (1867-1956), Agnes (1869-1952) e Selma (1871-1957). Alfred Stieglitz, vedendo la stretta relazione dei gemelli, desiderò di avere una sua anima gemella durante la sua infanzia.

Stieglitz frequentò il Charlier Institute, una scuola cristiana di New York, nel 1871. L”anno seguente, la sua famiglia iniziò a passare le estati al lago George nelle montagne Adirondack, una tradizione che continuò nell”età adulta di Stieglitz.

Per potersi qualificare per l”ammissione al City College di New York, Stieglitz fu iscritto a una scuola pubblica per il suo terzo anno di liceo, ma trovò l”educazione inadeguata. Nel 1881, Edward Stieglitz vendette la sua azienda per 40.000 dollari e trasferì la sua famiglia in Europa per i prossimi anni in modo che i suoi figli potessero ricevere un”istruzione migliore. Alfred Stieglitz si iscrisse al Real Gymnasium di Karlsruhe. L”anno successivo, Alfred Stieglitz studiò ingegneria meccanica alla Technische Hochschule di Berlino. Si iscrisse ad un corso di chimica tenuto da Hermann Wilhelm Vogel, uno scienziato e ricercatore, che lavorava sui processi chimici per lo sviluppo delle fotografie. In Vogel, Stieglitz trovò sia la sfida accademica di cui aveva bisogno che uno sbocco per i suoi crescenti interessi artistici e culturali. Riceveva un”indennità di 1.200 dollari (equivalente a 32.181 dollari nel 2020) al mese.

Nel 1884, i suoi genitori tornarono in America, ma il ventenne Stieglitz rimase in Germania e collezionò libri sulla fotografia e sui fotografi in Europa e negli Stati Uniti. Comprò la sua prima macchina fotografica, una 8 × 10 a pellicola, e viaggiò nei Paesi Bassi, in Italia e in Germania. Fotografò paesaggi e lavoratori in campagna. La fotografia, scrisse più tardi, “mi ha affascinato, prima come un giocattolo, poi come una passione, poi come un”ossessione”.

Attraverso il suo auto-studio, vide la fotografia come una forma d”arte. Nel 1887, scrisse il suo primo articolo, “A Word or Two about Amateur Photography in Germany”, per la nuova rivista The Amateur Photographer. In seguito scrisse articoli sugli aspetti tecnici ed estetici della fotografia per riviste in Inghilterra e Germania.

Vinse il primo posto per la sua fotografia, The Last Joke, Bellagio, nel 1887 da Amateur Photographer. L”anno successivo vinse sia il primo che il secondo premio nello stesso concorso, e la sua reputazione iniziò a diffondersi quando diverse riviste fotografiche tedesche e inglesi pubblicarono i suoi lavori.

Nel 1890, sua sorella Flora morì durante il parto e Stieglitz tornò a New York.

New York e il Camera Club (1891-1901)

Stieglitz si considerava un artista, ma si rifiutava di vendere le sue fotografie. Suo padre acquistò per lui una piccola azienda di fotografia in modo che potesse guadagnarsi da vivere nella professione che aveva scelto. Poiché esigeva immagini di alta qualità e pagava i suoi impiegati con salari elevati, la Photochrome Engraving Company raramente realizzava un profitto. Scriveva regolarmente per la rivista The American Amateur Photographer. Vinse premi per le sue fotografie alle mostre, tra cui la mostra congiunta del Boston Camera Club, della Photographic Society of Philadelphia e della Society of Amateur Photographers di New York.

Alla fine del 1892, Stieglitz comprò la sua prima macchina fotografica a mano, una Folmer and Schwing 4×5, che utilizzò per scattare due delle sue immagini più note, Winter, Fifth Avenue e The Terminal. Prima di allora aveva usato una macchina fotografica a pellicola a lastre 8×10 che richiedeva un treppiede.

Stieglitz si guadagnò una reputazione per la sua fotografia e per i suoi articoli di rivista su come la fotografia sia una forma d”arte. Nella primavera del 1893, divenne co-editore di The American Amateur Photographer. Al fine di evitare l”apparenza di parzialità nelle sue opinioni e perché Photochrome stava ora stampando le fotoincisioni per la rivista, Stieglitz rifiutò di ricevere uno stipendio. Scrisse la maggior parte degli articoli e delle recensioni della rivista, ed era noto sia per il suo contenuto tecnico che per quello critico.

Il 16 novembre 1893, il ventinovenne Stieglitz sposò la ventenne Emmeline Obermeyer, sorella del suo intimo amico e socio in affari Joe Obermeyer e nipote del produttore di birra Samuel Liebmann. Si sposarono a New York City. Stieglitz scrisse in seguito che non amava Emmy, come lei era comunemente conosciuta, quando si sposarono e che il loro matrimonio non fu consumato per almeno un anno. Figlia di un ricco proprietario di un birrificio, aveva ereditato del denaro dal padre. Stieglitz si pentì della sua decisione di sposare Emmy, poiché non condivideva i suoi interessi artistici e culturali. Il biografo di Stieglitz Richard Whelan ha riassunto la loro relazione dicendo che Stieglitz “si risentì amaramente con lei per non essere diventata la sua gemella”. Per tutta la sua vita Stieglitz mantenne un feticcio per le donne più giovani.

All”inizio del 1894, Stieglitz e sua moglie fecero una luna di miele ritardata in Francia, Italia e Svizzera. Stieglitz fotografò molto durante il viaggio, producendo alcune delle sue prime immagini famose come A Venetian Canal, The Net Mender e A Wet Day on the Boulevard, Paris. Mentre era a Parigi, Stieglitz incontrò il fotografo francese Robert Demachy, che divenne un corrispondente e collega per tutta la vita. A Londra, Stieglitz incontrò i fondatori di The Linked Ring, George Davison e Alfred Horsley Hinton, che rimasero entrambi suoi amici e colleghi per gran parte della sua vita.

Più tardi nell”anno, dopo il suo ritorno, Stieglitz fu eletto all”unanimità come uno dei primi due membri americani di The Linked Ring. Stieglitz vide questo riconoscimento come l”impulso necessario per intensificare la sua causa di promozione della fotografia artistica negli Stati Uniti. All”epoca c”erano due club fotografici a New York, la Society of Amateur Photographers e il New York Camera Club. Stieglitz si dimise dalla sua posizione alla Photochrome Company e come editore di American Amateur Photographer e passò la maggior parte del 1895 a negoziare una fusione dei due club.

Nel maggio 1896, le due organizzazioni si unirono per formare The Camera Club of New York. Sebbene gli fosse stata offerta la presidenza dell”organizzazione, divenne vicepresidente. Sviluppò programmi per il club e fu coinvolto in tutti gli aspetti dell”organizzazione. Disse al giornalista Theodore Dreiser che voleva “rendere il club così grande, il suo lavoro così distinto e la sua autorità così definitiva che possa usare in modo soddisfacente il suo grande prestigio per costringere al riconoscimento i singoli artisti senza e dentro le sue mura”.

Stieglitz trasformò l”attuale newsletter del Camera Club in una rivista, Camera Notes, e gli fu dato il pieno controllo sulla nuova pubblicazione. Il suo primo numero fu pubblicato nel luglio 1897. Fu presto considerata la migliore rivista fotografica del mondo. Nei quattro anni successivi Stieglitz usò Camera Notes per sostenere la sua fede nella fotografia come forma d”arte, includendo articoli sull”arte e l”estetica accanto alle stampe di alcuni dei principali fotografi americani ed europei. Il critico Sadakichi Hartmann scrisse “mi sembrava che la fotografia artistica, il Camera Club e Alfred Stieglitz fossero solo tre nomi per una stessa cosa”.

Continuò anche a scattare le sue fotografie. Alla fine del 1896, tirò a mano le fotoincisioni per un primo portfolio del suo lavoro, Picturesque Bits of New York and Other Studies. Continuò ad esporre in mostre in Europa e negli Stati Uniti, e dal 1898 aveva guadagnato una solida reputazione come fotografo. Fu pagato 75 dollari (equivalenti a 2.333 dollari nel 2020) per la sua stampa preferita, Winter – Fifth Avenue. Dieci delle stampe di Stieglitz furono selezionate quell”anno per il primo Salone Fotografico di Filadelfia, dove incontrò e poi divenne amico di Gertrude Käsebier e Clarence H. White.

Il 27 settembre 1898, nacque la figlia di Stieglitz, Katherine “Kitty”. Usando l”eredità di Emmy, la coppia assunse una governante, una cuoca e una cameriera. Stieglitz lavorava allo stesso ritmo di prima della nascita di sua figlia, e come risultato, la coppia viveva prevalentemente vite separate sotto lo stesso tetto.

Nel novembre del 1898, un gruppo di fotografi a Monaco di Baviera, in Germania, organizzò una mostra del loro lavoro in concomitanza con una mostra di stampe grafiche di artisti che includevano Edvard Munch e Henri de Toulouse-Lautrec. Si chiamavano i “Secessionisti”, un termine che Stieglitz ha afferrato sia per il suo significato artistico che per quello sociale. Quattro anni dopo, usò questo stesso nome per un gruppo di fotografi pittorici di nuova formazione che organizzò a New York.

Nel maggio del 1899, Stieglitz ebbe una mostra personale, composta da ottantasette stampe, al Camera Club. Lo sforzo di prepararsi per questa mostra, insieme ai continui sforzi per produrre Camera Notes, ebbe ripercussioni sulla salute di Stieglitz. Per alleviare il suo fardello portò i suoi amici Joseph Keiley e Dallet Fugeut, nessuno dei quali era membro del Camera Club, come redattori associati di Camera Notes. Sconvolti da questa intrusione di estranei, per non parlare della loro diminuita presenza nella pubblicazione del Club, molti dei membri più anziani del Club iniziarono a fare una campagna attiva contro l”autorità editoriale di Stieglitz. Stieglitz passò la maggior parte del 1900 a trovare il modo di superare questi sforzi, coinvolgendolo in lunghe battaglie amministrative.

Uno dei pochi momenti salienti di quell”anno fu l”introduzione di Stieglitz a un nuovo fotografo, Edward Steichen, al First Chicago Photographic Salon. Steichen, originariamente pittore, portò molti dei suoi istinti artistici alla fotografia. I due divennero buoni amici e colleghi.

A causa della continua tensione della gestione del Camera Club, l”anno seguente crollò nel primo di diversi crolli mentali. Trascorse gran parte dell”estate nella casa di famiglia a Lake George, Oaklawn, per recuperare. Quando tornò a New York, annunciò le sue dimissioni da editore di Camera Notes.

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La secessione fotografica e il lavoro della macchina fotografica (1902-1907)

La fotografa Eva Watson-Schütze lo esortò a stabilire una mostra che sarebbe stata giudicata solo da fotografi che, a differenza dei pittori e degli altri artisti, conoscevano la fotografia e le sue caratteristiche tecniche. Nel dicembre 1901, fu invitato da Charles DeKay del National Arts Club a mettere insieme una mostra in cui Stieglitz avrebbe avuto “pieno potere di seguire le proprie inclinazioni”. Nel giro di due mesi Stieglitz aveva messo insieme una collezione di stampe di una stretta cerchia di suoi amici, che, in omaggio ai fotografi di Monaco, chiamò Photo-Secession. Stieglitz non stava solo dichiarando una secessione dalle restrizioni artistiche generali dell”epoca, ma specificamente dalla supervisione ufficiale del Camera Club. La mostra aprì all”Arts Club all”inizio di marzo del 1902 e fu un successo immediato.

Cominciò a formulare un piano per pubblicare una rivista completamente indipendente di fotografia pittorica per portare avanti gli standard artistici del Photo-Secessionist. A luglio, si era completamente dimesso da editore di Camera Notes, e un mese dopo pubblicò un prospetto per una nuova rivista che chiamò Camera Work. Era determinato ad essere “la migliore e più sontuosa delle pubblicazioni fotografiche”. Il primo numero fu stampato quattro mesi dopo, nel dicembre 1902, e come tutti i numeri successivi conteneva bellissime fotoincisioni tirate a mano, scritti critici sulla fotografia, l”estetica e l”arte, e recensioni e commenti su fotografi e mostre. Camera Work fu “la prima rivista fotografica ad essere visiva”.

Stieglitz era un perfezionista, e lo dimostrava in ogni aspetto di Camera Work. Fece progredire l”arte della stampa in fotocalco esigendo standard senza precedenti per le stampe di Camera Work. La qualità visiva dei rotocalchi era così alta che quando un set di stampe non arrivò per una mostra di Photo-Secession a Bruxelles, una selezione di rotocalchi della rivista fu appesa al suo posto. La maggior parte degli spettatori pensava di stare guardando le fotografie originali.

Per tutto il 1903, Stieglitz pubblicò Camera Work e lavorò per esporre il suo lavoro e quello dei fotosecessionisti mentre affrontava lo stress della sua vita domestica. Il fotografo americano lussemburghese Edward Steichen, che più tardi avrebbe curato la mostra di riferimento The Family of Man, fu il fotografo più spesso presente nella rivista. Fuguet, Keiley e Strauss, i tre redattori associati di Stieglitz a Camera Notes, li portò con sé a Camera Work. Più tardi, disse che lui da solo incartò e inviò individualmente circa 35.000 copie di Camera Work nel corso della sua pubblicazione.

Nel 1904, Stieglitz era di nuovo mentalmente e fisicamente esausto e decise di portare la sua famiglia in Europa a maggio. Pianificò un programma estenuante di mostre, incontri ed escursioni e crollò quasi all”arrivo a Berlino, dove passò più di un mese a riprendersi. Trascorse gran parte del resto del 1904 fotografando la Germania mentre la sua famiglia visitava i suoi parenti lì. Sulla via del ritorno negli Stati Uniti Stieglitz si fermò a Londra e incontrò i leader del Linked Ring, ma non riuscì a convincerli a fondare un capitolo della loro organizzazione in America (con Stieglitz come direttore).

Il 25 novembre 1905, le “Little Galleries of the Photo-Secession” aprirono sulla Fifth Avenue con cento stampe di trentanove fotografi. Steichen aveva raccomandato e incoraggiato Stieglitz, al suo ritorno dall”Europa, ad affittare tre stanze di fronte all”appartamento di Steichen che i due ritenevano perfette per esporre la fotografia. La galleria divenne un successo immediato, con quasi quindicimila visitatori durante la sua prima stagione e, cosa più importante, vendite di stampe per un totale di quasi 2.800 dollari. I lavori del suo amico Steichen, che aveva un appartamento nello stesso edificio, rappresentavano più della metà di quelle vendite.

Stieglitz continuò a concentrare i suoi sforzi sulla fotografia, a spese della sua famiglia. Emmy, che sperava di guadagnarsi un giorno l”amore di Stieglitz, continuò a dargli un”indennità dalla sua eredità.

Nel numero di ottobre 1906 di Camera Work, il suo amico Joseph Keiley disse: “Oggi in America è stata compiuta la vera battaglia per la quale è stata fondata la Photo-Secession – il serio riconoscimento della fotografia come un ulteriore mezzo di espressione pittorica”.

Due mesi dopo il 42enne Stieglitz incontrò l”artista Pamela Colman Smith, 28 anni, che desiderava che i suoi disegni e acquerelli fossero esposti nella sua galleria. Decise di mostrare il suo lavoro perché pensava che sarebbe stato “altamente istruttivo confrontare i disegni e le fotografie per giudicare le possibilità e i limiti della fotografia”. La sua mostra aprì nel gennaio del 1907, con molti più visitatori alla galleria di qualsiasi altra mostra di fotografia precedente, e presto tutte le sue opere esposte furono vendute. Stieglitz, sperando di capitalizzare la popolarità della mostra, fotografò il suo lavoro artistico e pubblicò un portfolio separato delle sue stampe al platino del suo lavoro.

Lo Steerage, 291 e l”arte moderna (1907-1916)

Nella tarda primavera del 1907, Stieglitz collaborò ad una serie di esperimenti fotografici con il suo amico Clarence H. White. Scattarono diverse dozzine di fotografie di due modelle vestite e nude e ne stamparono una selezione usando tecniche insolite, tra cui il viraggio, la ceratura e il disegno su stampe al platino. Secondo Stieglitz, superarono “l”impossibilità della macchina fotografica di fare certe cose”.

Guadagnò meno di 400 dollari per l”anno a causa del calo degli abbonamenti di Camera Work e del basso margine di profitto della galleria. Per anni, Emmy aveva mantenuto uno stile di vita stravagante che includeva una governante a tempo pieno per Kitty e costose vacanze europee. Nonostante le preoccupazioni del padre per i suoi crescenti problemi finanziari, la famiglia Stieglitz e la loro governante ancora una volta navigarono attraverso l”Atlantico.

Durante il suo viaggio in Europa, Stieglitz scattò quella che è riconosciuta non solo come la sua immagine simbolo, ma anche come una delle fotografie più importanti del XX secolo. Puntando la sua macchina fotografica verso i passeggeri della classe inferiore nella prua della nave, catturò una scena che intitolò The Steerage. Non la pubblicò né la espose per quattro anni.

Mentre era in Europa, Stieglitz vide la prima dimostrazione commerciale del processo fotografico a colori Autochrome Lumière, e presto lo sperimentò a Parigi con Steichen, Frank Eugene e Alvin Langdon Coburn. Portò con sé a Monaco tre degli Autochrome di Steichen per avere riproduzioni in quadricromia da inserire in un futuro numero di Camera Work.

Gli fu chiesto di dimettersi dal Camera Club, ma a causa delle proteste di altri membri fu reintegrato come membro a vita. Subito dopo aver presentato una mostra innovativa di disegni di Auguste Rodin, i suoi problemi finanziari lo costrinsero a chiudere la Little Galleries per un breve periodo, fino al febbraio 1908, quando fu riaperta con il nuovo nome “291”.

Stieglitz intervallò deliberatamente mostre di ciò che sapeva essere arte controversa, come i disegni sessualmente espliciti di Rodin, con ciò che Steichen chiamava “arte comprensibile”, e con fotografie. L”intenzione era quella di “instaurare un dialogo che permettesse ai 291 visitatori di vedere, discutere e riflettere sulle differenze e le somiglianze tra artisti di ogni rango e tipo: tra pittori, disegnatori, scultori e fotografi; tra artisti europei e americani; tra figure più vecchie o affermate e professionisti più giovani e recenti”. Durante questo stesso periodo il National Arts Club allestì una “Mostra Speciale di Arte Contemporanea” che includeva fotografie di Stieglitz, Steichen, Käsebier e White insieme a dipinti di Mary Cassatt, William Glackens, Robert Henri, James McNeill Whistler e altri. Si pensa che questa sia stata la prima grande mostra negli Stati Uniti in cui i fotografi furono messi sullo stesso piano dei pittori.

Per la maggior parte del 1908 e 1909, Stieglitz passò il suo tempo a creare mostre al 291 e a pubblicare Camera Work. Non ci furono fotografie scattate durante questo periodo che appaiono nel catalogo definitivo del suo lavoro, Alfred Stieglitz: The Key Set.

Nel maggio 1909, il padre di Stieglitz, Edward, morì e nel suo testamento lasciò al figlio l”allora significativa somma di 10.000 dollari (equivalente a 288.037 dollari nel 2020). Stieglitz usò questa nuova iniezione di denaro per mantenere la sua galleria e Camera Work in attività per i prossimi anni.

Durante questo periodo, Stieglitz incontrò Marius de Zayas, un energico e carismatico artista messicano, che divenne uno dei suoi più stretti colleghi, aiutandolo sia con le mostre alla galleria che con l”introduzione di Stieglitz a nuovi artisti in Europa. Mentre la reputazione di Stieglitz come promotore dell”arte moderna europea aumentava, fu presto avvicinato da diversi nuovi artisti americani che speravano di avere le loro opere esposte. Stieglitz fu incuriosito dalla loro visione moderna, nel giro di pochi mesi Alfred Maurer, John Marin e Marsden Hartley avevano tutti le loro opere appese alle pareti del 291.

Nel 1910, Stieglitz fu invitato dal direttore della Albright Art Gallery a organizzare una grande mostra del meglio della fotografia contemporanea. Anche se un annuncio di un concorso aperto per la mostra fu stampato su Camera Work, il fatto che Stieglitz ne sarebbe stato responsabile generò una nuova serie di attacchi contro di lui. Un editoriale della rivista American Photography sostenne che Stieglitz non poteva più “percepire il valore del lavoro fotografico di merito artistico che non si conforma a uno stile particolare che è così caratteristico di tutte le mostre sotto i suoi auspici. Mezza generazione fa questa scuola era progressista, e molto in anticipo sul suo tempo. Oggi non progredisce, ma è una forza reazionaria del tipo più pericoloso”.

Stieglitz scrisse al collega fotografo George Seeley: “La reputazione, non solo della Photo-Secession, ma della fotografia è in gioco, e ho intenzione di raccogliere tutte le forze disponibili per vincere a nostro favore”. La mostra ha aperto in ottobre con più di 600 fotografie. La critica ha generalmente lodato le belle qualità estetiche e tecniche delle opere. Tuttavia, i suoi critici trovarono che la stragrande maggioranza delle stampe della mostra erano degli stessi fotografi che Stieglitz conosceva da anni e di cui aveva esposto le opere al 291. Più di cinquecento stampe provenivano solo da trentasette fotografi, tra cui Steichen, Coburn, Seeley, White, F. Holland Day e lo stesso Stieglitz.

Nell”edizione del gennaio 1911 di Camera Work, Stieglitz, sprezzante di ciò che percepiva come commercialismo, ristampò una recensione della mostra di Buffalo con parole denigranti sulle foto di White e Käsebier. White non perdonò mai Stieglitz. Iniziò la sua propria scuola di fotografia, e Käsebier e White co-fondarono la “Pictorial Photographers of America”.

Per tutto il 1911 e l”inizio del 1912, Stieglitz organizzò mostre d”arte moderna innovative al 291 e promosse la nuova arte insieme alla fotografia nelle pagine di Camera Work. Nell”estate del 1912, era così affascinato dall”arte non fotografica che pubblicò un numero di Camera Work (agosto 1912) dedicato esclusivamente a Matisse e Picasso.

Alla fine del 1912, i pittori Walter Pach, Arthur B. Davies e Walt Kuhn organizzarono una mostra di arte moderna, e Stieglitz prestò alcuni pezzi di arte moderna del 291 alla mostra. Accettò anche di essere elencato come vicepresidente onorario della mostra insieme a Claude Monet, Odilon Redon, Mabel Dodge e Isabella Stewart Gardner. Nel febbraio 1913, lo spartiacque dell”Armory Show aprì a New York, e presto l”arte moderna fu uno dei principali argomenti di discussione in tutta la città. Egli vide la popolarità della mostra come una rivendicazione del lavoro che aveva sponsorizzato al 291 negli ultimi cinque anni. Organizzò una mostra delle sue fotografie al 291 in concomitanza con l”Armory Show. Più tardi scrisse che permettere alla gente di vedere sia le fotografie che i dipinti moderni allo stesso tempo “offriva la migliore opportunità agli studenti e al pubblico per una più chiara comprensione del posto e dello scopo dei due media”.

Nel gennaio 1914, il suo più caro amico e collega Joseph Keiley morì, cosa che lo lasciò sconvolto per molte settimane. Fu anche turbato dallo scoppio della prima guerra mondiale per diverse ragioni. Era preoccupato per la sicurezza della famiglia e degli amici in Germania. Aveva bisogno di trovare un nuovo stampatore per le fotoincisioni di Camera Work, che erano state stampate in Germania per molti anni. La guerra causò una significativa flessione nell”economia americana e l”arte divenne un lusso per molte persone. Alla fine dell”anno, Stieglitz stava lottando per mantenere in vita sia 291 che Camera Work. Pubblicò il numero di aprile di Camera Work in ottobre, ma sarebbe passato più di un anno prima che avesse il tempo e le risorse per pubblicare il numero successivo.

Nel frattempo gli amici di Stieglitz, de Zayas, Paul de Haviland e Agnes Meyer, lo convinsero che la soluzione ai suoi problemi era quella di intraprendere un progetto totalmente nuovo, qualcosa che lo impegnasse nuovamente nei suoi interessi. Pubblicò una nuova rivista, chiamata 291 come la sua galleria, che voleva essere l”epitome della cultura d”avanguardia. Mentre fu un trionfo estetico, fu un disastro finanziario e cessò la pubblicazione dopo dodici numeri.

Durante questo periodo, Stieglitz divenne sempre più intrigato da un”estetica visiva più moderna per la fotografia. Divenne consapevole di ciò che stava accadendo nella pittura e nella scultura d”avanguardia e scoprì che il pittorialismo non rappresentava più il futuro – era il passato. Fu influenzato in parte dal pittore Charles Sheeler e dal fotografo Paul Strand. Nel 1915, Strand, che era venuto a vedere le mostre al 291 per molti anni, introdusse Stieglitz a una nuova visione fotografica che era incarnata dalle linee audaci delle forme quotidiane. Stieglitz fu uno dei primi a vedere la bellezza e la grazia dello stile di Strand, e gli diede una grande mostra al 291. Dedicò anche quasi tutto l”ultimo numero di Camera Work alle sue fotografie.

Nel gennaio 1916, a Stieglitz fu mostrato un portfolio di disegni a carboncino di una giovane artista chiamata Georgia O”Keeffe. Stieglitz fu così preso dalla sua arte che, senza incontrare la O”Keeffe e senza nemmeno ottenere il suo permesso di mostrare le sue opere, fece dei piani per esporre il suo lavoro al 291. La prima volta che la O”Keeffe sentì parlare di tutto questo fu da un altro amico che vide i suoi disegni nella galleria alla fine di maggio di quell”anno. Finalmente incontrò Stieglitz dopo essere andata al 291 e averlo rimproverato per aver mostrato i suoi lavori senza il suo permesso.

Poco dopo la O”Keeffe incontrò Paul Strand, e per diversi mesi lei e Strand si scambiarono lettere sempre più romantiche. Quando Strand parlò al suo amico Stieglitz del suo nuovo desiderio, Stieglitz rispose dicendo a Strand della sua infatuazione per O”Keeffe. Gradualmente l”interesse di Strand scemò, mentre quello di Stieglitz aumentò. Nell”estate del 1917 lui e la O”Keeffe si stavano scrivendo “i loro pensieri più privati e complicati”, ed era chiaro che si stava sviluppando qualcosa di molto intenso.

L”anno 1917 segnò la fine di un”era nella vita di Stieglitz e l”inizio di un”altra. In parte a causa del cambiamento dell”estetica, del cambiamento dei tempi portato dalla guerra e a causa della sua crescente relazione con la O”Keeffe, non aveva più l”interesse o le risorse per continuare quello che aveva fatto negli ultimi dieci anni. Nel giro di pochi mesi, sciolse ciò che restava della Photo-Secession, cessò di pubblicare Camera Work e chiuse le porte del 291. Era anche chiaro per lui che il suo matrimonio con Emmy era finito. Aveva finalmente trovato la “sua gemella”, e nulla avrebbe ostacolato la relazione che aveva desiderato per tutta la vita.

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O”Keeffe e l”arte moderna (1918-1924)

All”inizio di giugno del 1918, la O”Keeffe si trasferì a New York dal Texas dopo che Stieglitz le promise che le avrebbe fornito uno studio tranquillo dove poter dipingere. Nel giro di un mese lui le scattò la prima di molte fotografie di nudo nell”appartamento di famiglia mentre sua moglie Emmy era via, ma lei tornò mentre la loro sessione era ancora in corso. Lei sospettava da tempo che ci fosse qualcosa tra i due e gli disse di smettere di vederla o di andarsene. Stieglitz se ne andò e trovò immediatamente un posto in città dove lui e la O”Keeffe potessero vivere insieme. Dormirono separatamente per più di due settimane. Alla fine di luglio erano insieme nello stesso letto e a metà agosto, quando visitarono Oaklawn, “erano come due adolescenti innamorati”. Più volte al giorno correvano su per le scale fino alla loro camera da letto, così desiderosi di fare l”amore che iniziavano a togliersi i vestiti mentre correvano”.

Una volta che lui fu fuori dal loro appartamento, Emmy cambiò idea. A causa dei ritardi legali causati da Emmy e dai suoi fratelli, ci vollero altri sei anni prima che il divorzio fosse finalizzato. Durante questo periodo Stieglitz e la O”Keeffe continuarono a vivere insieme, anche se lei si allontanava di tanto in tanto per creare arte. Stieglitz usò i loro tempi separati per concentrarsi sulla sua fotografia e sulla promozione dell”arte moderna.

La O”Keeffe era la musa che Stieglitz aveva sempre desiderato. Fotografò ossessivamente la O”Keeffe tra il 1918 e il 1925 in quello che fu il periodo più prolifico di tutta la sua vita. Durante questo periodo produsse più di 350 stampe montate della O”Keeffe che ritraevano una vasta gamma del suo carattere, degli stati d”animo e della bellezza. Scattò molti studi ravvicinati di parti del suo corpo, specialmente le sue mani, sia isolate da sole che vicino al suo viso o ai suoi capelli. La biografa della O”Keeffe, Roxanna Robinson, afferma che la sua “personalità era cruciale per queste fotografie; era questa, tanto quanto il suo corpo, che Stieglitz stava registrando”.

Nel 1920, Stieglitz fu invitato da Mitchell Kennerly della Anderson Galleries di New York a mettere insieme una grande mostra delle sue fotografie. All”inizio del 1921, appese la prima mostra personale delle sue fotografie dal 1913. Delle 146 stampe che mise in mostra, solo 17 erano state viste prima. Quarantasei erano di O”Keeffe, compresi molti nudi, ma lei non fu identificata come la modella su nessuna delle stampe. Fu nel catalogo di questa mostra che Stieglitz fece la sua famosa dichiarazione: “Sono nato a Hoboken. Sono americano. La fotografia è la mia passione. La ricerca della verità è la mia ossessione”. Ciò che è meno noto è che condizionò questa dichiarazione facendola seguire da queste parole:

NOTA BENE: Nella dichiarazione di cui sopra non appaiono i seguenti termini, che stanno diventando rapidamente “obsoleti”: ARTE, SCIENZA, BELLEZZA, RELIGIONE, ogni ISM, ASTRATTIVA, FORMA, PLASTICITA”, OGGETTIVITA”, SOGGETTIVITA”, VECCHI MAESTRI, ARTE MODERNA, PSICOANALISI, ESTETICA, FOTOGRAFIA PICTORIALE, DEMOCRAZIA, CEZANNE, “291”, PROIBIZIONE. Il termine VERITÀ si è insinuato, ma può essere cacciato da chiunque.

Nel 1922, Stieglitz organizzò una grande mostra di dipinti e incisioni di John Marin alle Anderson Galleries, seguita da una grande asta di quasi duecento dipinti di più di quaranta artisti americani, tra cui O”Keeffe. Eccitato da questa attività, iniziò una delle sue imprese più creative e insolite: fotografare una serie di studi di nuvole semplicemente per la loro forma e bellezza. Disse:

Volevo fotografare le nuvole per scoprire ciò che avevo imparato in quarant”anni sulla fotografia. Attraverso le nuvole per mettere giù la mia filosofia di vita – per mostrare che (il successo delle) mie fotografie (era) non dovuto al soggetto – non a speciali alberi o volti, o interni, a speciali privilegi – le nuvole erano lì per tutti…

Alla fine dell”estate aveva creato una serie che chiamò “Music – A Sequence of Ten Cloud Photographs”. Nei dodici anni successivi avrebbe scattato centinaia di fotografie di nuvole senza alcun punto di riferimento di posizione o direzione. Queste sono generalmente riconosciute come le prime fotografie intenzionalmente astratte, e rimangono alcune delle sue fotografie più potenti. Arriverà a riferirsi a queste fotografie come Equivalenti.

La madre di Stieglitz, Hedwig, morì nel novembre 1922, e come fece con suo padre, seppellì il suo dolore nel lavoro. Trascorse del tempo con Paul Strand e la sua nuova moglie Rebecca (Beck), esaminò il lavoro di un altro nuovo arrivato di nome Edward Weston e iniziò a organizzare una nuova mostra del lavoro della O”Keeffe. La sua mostra aprì all”inizio del 1923 e Stieglitz passò gran parte della primavera a commercializzare il suo lavoro. Alla fine venti dei suoi dipinti furono venduti per più di 3.000 dollari. In estate, O”Keeffe partì ancora una volta per l”isolamento del sud-ovest, e per un po” Stieglitz rimase solo con Beck Strand al lago George. Scattò una serie di foto di lei nuda, e presto si infatuò di lei. Ebbero una breve relazione fisica prima che O”Keeffe tornasse in autunno. La O”Keeffe capì cosa era successo, ma dato che non vedeva il nuovo amante di Stieglitz come una seria minaccia alla loro relazione, lasciò passare le cose. Sei anni dopo avrebbe avuto la sua relazione con Beck Strand nel New Mexico.

Nel 1924, il divorzio di Stieglitz fu finalmente approvato da un giudice, ed entro quattro mesi lui e la O”Keeffe si sposarono in una piccola cerimonia privata a casa di Marin. Tornarono a casa senza un ricevimento o una luna di miele. O”Keeffe disse più tardi che si erano sposati per aiutare a calmare i problemi della figlia di Stieglitz, Kitty, che a quel tempo era in cura in un sanatorio per depressione e allucinazioni. Per il resto della loro vita insieme, la loro relazione fu, come la biografa Benita Eisler la caratterizzò, “una collusione … un sistema di accordi e compromessi, tacitamente concordati ed eseguiti, per la maggior parte, senza lo scambio di una parola. Preferendo evitare il confronto sulla maggior parte delle questioni, O”Keeffe era il principale agente di collusione nella loro unione”.

Negli anni a venire la O”Keeffe avrebbe passato molto del suo tempo a dipingere nel New Mexico, mentre Stieglitz lasciava raramente New York, tranne che per le estati nella tenuta di famiglia di suo padre a Lake George negli Adirondack, il suo luogo di vacanza preferito. La O”Keeffe disse in seguito che “Stieglitz era ipocondriaco e non poteva stare a più di 50 miglia da un medico”.

Alla fine del 1924, Stieglitz donò 27 fotografie al Boston Museum of Fine Arts. Fu la prima volta che un grande museo incluse delle fotografie nella sua collezione permanente. Nello stesso anno ricevette la medaglia di progresso della Royal Photographic Society per aver fatto progredire la fotografia e ricevette una Fellowship onoraria della Società.

La galleria intima e Un luogo americano (1925-1937)

Nel 1925, Stieglitz fu invitato dalle Anderson Galleries a mettere insieme una delle più grandi mostre di arte americana, intitolata Alfred Stieglitz Presents Seven Americans: 159 dipinti, fotografie e cose, recenti e mai esposte prima al pubblico di Arthur G. Dove, Marsden Hartley, John Marin, Charles Demuth, Paul Strand, Georgia O”Keeffe e Alfred Stieglitz. Solo un piccolo dipinto di O”Keeffe fu venduto durante le tre settimane di esposizione.

Poco dopo, a Stieglitz fu offerto l”uso continuato di una delle stanze delle Anderson Galleries, che usò per una serie di mostre di alcuni degli stessi artisti della mostra Seven Americans. Nel dicembre 1925, aprì la sua nuova galleria, “The Intimate Gallery”, che soprannominò “The Room” per le sue piccole dimensioni. Nei quattro anni successivi, mise insieme sedici mostre di opere di Marin, Dove, Hartley, O”Keeffe e Strand, insieme a mostre individuali di Gaston Lachaise, Oscar Bluemner e Francis Picabia. Durante questo periodo, Stieglitz coltivò una relazione con l”influente nuovo collezionista d”arte Duncan Phillips, che acquistò diverse opere attraverso la Intimate Gallery.

Nel 1927, Stieglitz si infatuò della ventiduenne Dorothy Norman, che allora faceva volontariato alla galleria, e si innamorarono. La Norman era sposata e aveva un figlio, ma veniva alla galleria quasi ogni giorno.

O”Keeffe accettò l”offerta di Mabel Dodge di andare in New Mexico per l”estate. Stieglitz approfittò della sua assenza per iniziare a fotografare Norman, e iniziò a insegnarle anche gli aspetti tecnici della stampa. Quando Norman ebbe un secondo figlio, lei si assentò dalla galleria per circa due mesi prima di tornare regolarmente. Nel giro di poco tempo divennero amanti, ma anche dopo che la loro relazione fisica diminuì qualche anno dopo, continuarono a lavorare insieme ogni volta che la O”Keeffe non era nei paraggi fino alla morte di Stieglitz nel 1946.

All”inizio del 1929, a Stieglitz fu detto che l”edificio che ospitava la Stanza sarebbe stato abbattuto nel corso dell”anno. Dopo un”ultima mostra dei lavori di Demuth in maggio, si ritirò a Lake George per l”estate, esausto e depresso. Gli Strands raccolsero quasi sedicimila dollari per una nuova galleria per Stieglitz, che reagì duramente, dicendo che era ora che i “giovani” facessero un po” del lavoro che lui aveva portato avanti per tanti anni. Anche se Stieglitz alla fine si scusò e accettò la loro generosità, l”incidente segnò l”inizio della fine del loro lungo e stretto rapporto.

Nel tardo autunno, Stieglitz tornò a New York. Il 15 dicembre, due settimane prima del suo sessantacinquesimo compleanno, aprì “An American Place”, la più grande galleria che avesse mai gestito. Aveva la prima camera oscura che avesse mai avuto in città. In precedenza, aveva preso in prestito altre camere oscure o lavorava solo quando era a Lake George. Continuò a esporre gruppi o mostre individuali dei suoi amici Marin, Demuth, Hartley, Dove e Strand per i successivi sedici anni. O”Keeffe ricevette almeno una mostra importante ogni anno. Controllò ferocemente l”accesso alle sue opere e la promosse incessantemente anche quando i critici le diedero recensioni meno che favorevoli. Spesso durante questo periodo, si vedevano solo durante l”estate, quando faceva troppo caldo nella sua casa nel New Mexico, ma si scrivevano quasi settimanalmente con il fervore delle anime gemelle.

Nel 1932, Stieglitz organizzò una retrospettiva di quarant”anni di 127 delle sue opere al The Place. Includeva tutte le sue fotografie più famose, ma scelse anche di proposito di includere foto recenti della O”Keeffe, che, a causa dei suoi anni al sole del sud-ovest, sembrava più vecchia dei suoi quarantacinque anni, in confronto ai ritratti di Stieglitz del suo giovane amante Norman. Fu una delle poche volte in cui si comportò in modo dispettoso con la O”Keeffe in pubblico, e potrebbe essere stato il risultato delle loro discussioni sempre più intense in privato riguardo al controllo di lui sulla sua arte.

Più tardi quell”anno, allestì una mostra delle opere della O”Keeffe accanto ad alcuni dipinti amatoriali su vetro di Becky Strand. Non pubblicò un catalogo della mostra, cosa che gli Strand presero come un insulto. Paul Strand non perdonò mai Stieglitz per questo. Disse: “Il giorno in cui entrai nella Photo-Secession 291 nel 1907 fu un grande momento della mia vita… ma il giorno in cui uscii da An American Place nel 1932 non fu meno bello. Fu aria fresca e liberazione personale da qualcosa che era diventato, almeno per me, di seconda scelta, corrotto e senza senso”.

Nel 1936, Stieglitz tornò brevemente alle sue radici fotografiche montando una delle prime mostre di foto di Ansel Adams a New York City. La mostra ebbe successo e David McAlpin comprò otto foto di Adams. Due anni dopo organizzò anche una delle prime mostre del lavoro di Eliot Porter. Stieglitz, considerato il “padrino della fotografia moderna”, incoraggiò Todd Webb a sviluppare il proprio stile e a immergersi nel mezzo.

L”anno successivo, il Cleveland Museum of Art allestì la prima grande mostra del lavoro di Stieglitz fuori dalle sue gallerie. Per assicurarsi che ogni stampa fosse perfetta, lavorò fino allo sfinimento. O”Keeffe trascorse la maggior parte di quell”anno nel New Mexico.

Ultimi anni (1938-1946)

All”inizio del 1938, Stieglitz subì un grave attacco di cuore, uno dei sei attacchi coronarici o di angina che lo avrebbero colpito nei successivi otto anni, ognuno dei quali lo lasciò sempre più debole. Durante le sue assenze, Dorothy Norman gestì la galleria. O”Keeffe rimase nella sua casa a sud-ovest dalla primavera all”autunno di questo periodo.

Nell”estate del 1946, Stieglitz ebbe un ictus fatale ed entrò in coma. O”Keeffe tornò a New York e trovò Dorothy Norman nella sua stanza d”ospedale. Lei se ne andò e O”Keeffe era con lui quando morì. Secondo i suoi desideri, un semplice funerale fu presenziato da venti dei suoi più stretti amici e membri della famiglia. Stieglitz fu cremato e, con sua nipote Elizabeth Davidson, O”Keeffe portò le sue ceneri al lago George e “lo mise dove poteva sentire l”acqua”. Il giorno dopo il funerale, O”Keeffe prese il controllo di An American Place.

Stieglitz produsse più di 2.500 fotografie montate nel corso della sua carriera. Dopo la sua morte, la O”Keeffe mise insieme una serie di quelle che considerava le migliori fotografie che lui aveva montato personalmente. In alcuni casi incluse versioni leggermente diverse della stessa immagine, e queste serie sono inestimabili per le loro intuizioni sulla composizione estetica di Stieglitz. Nel 1949, donò la prima parte di quello che chiamò il “set chiave” di 1.317 fotografie di Stieglitz alla National Gallery of Art di Washington. Nel 1980, aggiunse al set altre 325 fotografie scattate da Stieglitz su di lei, compresi molti nudi. Ora, con 1.642 fotografie, è la più grande e completa collezione del lavoro di Stieglitz in tutto il mondo. Nel 2002 la National Gallery ha pubblicato un catalogo in due volumi, di 1.012 pagine, che riproduce l”insieme completo delle chiavi con annotazioni dettagliate su ogni fotografia.

Nel 2019, la National Gallery ha pubblicato un”edizione online aggiornata del set di chiavi di Alfred Stieglitz.

Fonti