Antonio Canova

gigatos | Gennaio 17, 2022

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Riassunto

Antonio Canova (Possagno, 1 novembre 1757-Venezia, 13 ottobre 1822) è stato uno scultore e pittore neoclassico italiano.

Il suo stile era largamente ispirato all”arte dell”antica Grecia e le sue opere furono paragonate dai suoi contemporanei alla migliore produzione dell”antichità; fu considerato il più grande scultore europeo dopo Bernini. Il suo contributo al consolidamento dell”arte neoclassica è paragonabile solo a quello del teorico Johann Joachim Winckelmann e del pittore Jacques-Louis David, sebbene fosse anche sensibile all”influenza del romanticismo. Non ebbe discepoli diretti, ma influenzò la scultura in tutta Europa nel corso della sua generazione, rimanendo un punto di riferimento per tutto il XIX secolo, soprattutto tra gli scultori della comunità accademica. Con l”ascesa dell”estetica dell”arte moderna cadde nell”oscurità, ma la sua posizione di prestigio fu ripresa a partire dalla metà del XX secolo. Mantenne anche un continuo interesse per la ricerca archeologica, fu un collezionista di antichità e si sforzò di impedire che l”arte italiana, antica o moderna, fosse dispersa in altre collezioni in tutto il mondo. Considerato dai suoi contemporanei come un modello sia di eccellenza artistica che di condotta personale, svolse importanti attività a beneficio e sostegno dei giovani artisti. Fu direttore dell”Accademia di San Luca a Roma e ispettore generale delle Antichità e Belle Arti dello Stato Pontificio, ricevette diversi premi e fu nobilitato da Papa Pio VII, che gli conferì il titolo di Marchese d”Ischia.

Antonio Canova nacque a Possagno, un paese della Repubblica di Venezia, situato in mezzo ai colli asolani, dove le ultime ondulazioni delle Alpi si formano e scompaiono nella pianura di Treviso, e dopo la morte del padre Pietro Canova quando aveva tre anni, sua madre si risposò un anno dopo, lasciandolo alle cure del nonno paterno. Aveva un fratello dal risposo di sua madre, l”abate Giovanni Battista Sartori, con il quale mantenne ottimi rapporti e che fu suo segretario ed esecutore testamentario. Apparentemente suo nonno, anch”egli scultore, fu il primo a notare il suo talento e Canova fu subito iniziato ai segreti del disegno.

I primi anni

Ha trascorso la sua giovinezza in laboratori d”arte, mostrando una predilezione per la scultura. All”età di nove anni riuscì a realizzare due piccoli altari-reliquiari in marmo che esistono ancora oggi, e da allora suo nonno gli commissionò diverse opere. Suo nonno era sponsorizzato dalla ricca famiglia Falier di Venezia, e vista l”attitudine del giovane Canova il senatore Giovanni Falier divenne il suo protettore. Grazie a lui, all”età di tredici anni, fu messo sotto la direzione di Giuseppe Bernardi, uno dei più notevoli scultori veneti della sua generazione.

I suoi studi furono completati dal suo accesso a importanti collezioni di sculture antiche, come quelle dell”Accademia di Venezia e del collezionista Filippo Farsetti, che gli fu utile per stabilire nuovi contatti con clienti facoltosi. Le sue opere furono presto lodate per il loro precoce virtuosismo e ricevette le sue prime commissioni, tra cui due cesti di frutta in marmo per lo stesso Farsetti. Quando Canova aveva 16 anni il suo maestro morì e la bottega fu rilevata dal nipote Giovanni Ferrari, con il quale Canova rimase per circa un anno. La sua copia in terracotta dei famosi Lottatori della Galleria degli Uffizi nel 1772 gli valse il secondo premio dell”Accademia.

Il suo protettore gli affidò l”esecuzione di due grandi statue a grandezza naturale, Orfeo ed Euridice, che furono esposte in Piazza San Marco e ammirate da un membro dell”importante famiglia Grimaldi che ne commissionò una copia (ora al Museo dell”Hermitage di San Pietroburgo). Negli anni successivi al suo soggiorno a Venezia fino al 1779, scolpì numerose opere, tra cui un Apollo, che donò all”Accademia in occasione della sua elezione a membro di questa istituzione, e il gruppo scultoreo Dedalo e Icaro. Il suo stile in quel periodo aveva un carattere ornamentale tipico del Rococò, ma era anche vigoroso e con un naturalismo caratteristico dell”arte veneziana che mostrava una tendenza all”idealizzazione che aveva acquisito nei suoi studi dei classici.

Roma

Alla fine del 1779 si trasferì a Roma, visitando Bologna e Firenze per perfezionare la sua arte. Roma era allora il centro culturale più importante d”Europa e una tappa obbligata per ogni artista che aspirava alla fama. Tutta la città era un grande museo, pieno di monumenti antichi e grandi collezioni, in un momento in cui la formazione del neoclassicismo era in pieno svolgimento e dove esistevano copie autentiche per studiare in prima persona la grande produzione artistica del passato classico.

Prima della sua partenza, i suoi amici ottennero per lui una pensione annuale di 300 ducati, che doveva essere mantenuta per tre anni. Ottenne anche lettere di presentazione all”ambasciatore veneziano a Roma, il cavalier Girolamo Zulian, uomo colto nelle arti, che lo ricevette con grande ospitalità quando l”artista vi giunse intorno al 1779, e promosse la prima esposizione pubblica dell”opera di Canova in casa sua, la copia del gruppo di Dedalo e Icaro, che si era fatto portare da Venezia, e che suscitò l”ammirazione di tutti coloro che la videro. Secondo il racconto del conte Leopoldo Cicognara, uno dei suoi primi biografi, nonostante l”approvazione unanime del lavoro di Canova, l”artista si sentì molto imbarazzato in quel momento, commentando spesso questa situazione come uno degli episodi più tesi della sua vita. Attraverso l”ambasciatore di Zulian, Canova fu introdotto, con successo immediato, alla comunità locale di intellettuali, tra cui l”archeologo Gavin Hamilton, i collezionisti William Hamilton e il cardinale Alessandro Albani, e l”antiquario e storico Johann Joachim Winckelmann, il principale mentore del neoclassicismo, tra molti altri che condividevano il suo amore per i classici.

Una volta a Roma, Canova poté studiare a fondo le opere più importanti dell”antichità, completò la sua formazione letteraria, migliorò la sua fluidità in francese e fu in grado di competere con i migliori maestri dell”epoca. Il risultato fu superiore alle sue stesse aspettative. La sua prima opera prodotta a Roma, sponsorizzata dall”ambasciatore di Zulian, fu Teseo e il Minotauro (1781), che fu accolto con grande entusiasmo. Seguirono una piccola scultura di Apollo che si incorona (1781-1782) per il principe Rezzonico, una statua di Psiche (1793) per Zulian, e in questo periodo fu anche sostenuto dall”incisore Giovanni Volpato, che gli aprì altre porte, tra cui quelle del Vaticano.

La sua prossima commissione, tramite Volpato, fu un monumento funerario per la Basilica di San Pietro per Papa Clemente XIV, anche se prima di accettarlo decise di chiedere il permesso al Senato di Venezia in considerazione della pensione che gli era stata concessa. Quando questo fu concesso, chiuse il suo laboratorio di Venezia e tornò immediatamente a Roma e aprì un nuovo studio vicino a Via del Babuino, dove passò i due anni successivi a completare il modello per la grande commissione e altri due all”esecuzione dell”opera, che fu finalmente inaugurata nel 1787, guadagnandosi le lodi dei più importanti critici della città. Durante questo periodo completò anche alcuni progetti minori, come bassorilievi in terracotta e una statua di Psyquis. Passò più di cinque anni a preparare un cenotafio per Papa Clemente XIII, che fu consegnato nel 1792, un lavoro che gli portò ancora più fama.

Negli anni seguenti, fino alla fine del secolo, Canova si applicò con enorme sforzo per produrre un numero significativo di nuove opere, tra cui diversi gruppi di Eros e Psiche, in diversi atteggiamenti, che gli valsero un invito a prendere residenza alla corte russa, ma Canova rifiutò a causa del suo stretto rapporto con l”Italia. Altre opere includevano Venere e Adone, il gruppo raffigurante Ercole e Lichas, una statua di Ebe e una prima versione della Maddalena Penitente. Ma lo sforzo era troppo per la sua salute, e l”uso continuo del trephine per fare sculture il cui uso comprime il petto gli causò il crollo dello sterno. Sentendosi stanco dopo tanti anni di intensa attività senza interruzioni e in vista dell”occupazione francese di Roma nel 1798, si ritirò nella sua città natale di Possagno, dove si dedicò alla pittura, e poi fece un viaggio di piacere in Germania in compagnia del suo amico principe Abbondio Rezzonico. Visitò anche l”Austria, dove gli fu commissionato un cenotafio per l”arciduchessa Maria Cristina, figlia di Francesco I, che anni dopo divenne un”opera maestosa. Nella stessa occasione gli fu chiesto di inviare nella capitale austriaca un gruppo di Teseo e il Centauro, originariamente destinato a Milano, che fu installato in un tempio in stile greco appositamente costruito nei giardini del palazzo di Schönbrunn.

Al suo ritorno a Roma nel 1800, produsse in pochi mesi una delle sue composizioni più acclamate, il Perseo con la testa di Medusa (1800-1801), ispirato all”Apollo del Belvedere, giudicato degno di stare al suo fianco; quest”opera gli valse il titolo di Cavaliere, conferito dal papa. Nel 1802 fu invitato da Napoleone Bonaparte a Parigi per ritrarre lui e la sua famiglia. Secondo la testimonianza di suo fratello, che lo accompagnava, lo scultore e l”imperatore tenevano conversazioni di grande franchezza e familiarità. Conobbe anche il pittore Jacques-Louis David, il più importante dei pittori neoclassici francesi.

Il 10 agosto 1802 Papa Pio VII nominò l”artista Ispettore Generale delle Antichità e Belle Arti dello Stato Pontificio, incarico che mantenne fino alla sua morte. Oltre ad essere un riconoscimento del suo lavoro scultoreo, la nomina implicava che era anche considerato un esperto nella capacità di giudicare la qualità delle opere d”arte e con un interesse nella conservazione delle collezioni papali. Tra i compiti dell”ufficio c”era la responsabilità di rilasciare autorizzazioni per i permessi di scavi archeologici e la supervisione dei lavori di restauro, l”acquisto e l”esportazione di antichità, così come l”installazione e l”organizzazione di nuovi musei nello Stato Pontificio. Ha anche comprato 80 antichità per conto proprio e le ha donate ai Musei Vaticani. Tra il 1805 e il 1814 fu lui a decidere le borse di studio per gli artisti italiani per studiare a Roma. Nel 1810 fu nominato presidente dell”Accademia di San Luca, la più importante istituzione artistica italiana dell”epoca, che rimase un baluardo di stabilità nel campo della cultura romana durante il turbolento periodo dell”occupazione francese, e fu confermato nella carica da Napoleone. La sua missione amministrativa si concluse con il compito di salvare, nel 1815, il bottino artistico sottratto all”Italia dall”imperatore francese, e il suo zelo e i suoi sforzi per risolvere il difficile compito di conciliare i divergenti interessi internazionali e recuperare vari tesori per il suo paese, tra cui opere di Raffaello Sanzio, l”Apollo del Belvedere, il gruppo del Laocoonte e la Venere dei Medici.

Nell”autunno dello stesso anno fu in grado di realizzare il suo sogno a lungo desiderato di viaggiare a Londra, dove fu ricevuto con grande considerazione. Il suo viaggio aveva due scopi principali: ringraziare il governo britannico per l”aiuto che gli aveva dato nel recupero degli spolia italiani confiscati, e vedere i Marmi di Elgin, un grande gruppo di pezzi del Partenone di Atene di Fidia e dei suoi assistenti, una conoscenza che fu una rivelazione per lui e che contribuì a confermare la sua impressione che l”arte greca fosse superiore per qualità di esecuzione e per imitazione della natura. Gli fu anche chiesto di dare il suo parere di esperto sull”importanza dell”insieme, che veniva offerto in vendita da Lord Elgin alla corona britannica; si espresse in termini entusiastici, ma rifiutò di restaurarli, nonostante fosse stato invitato a farlo, ritenendo che dovessero rimanere non restaurati come autentiche testimonianze dell”arte greca. Al suo ritorno a Roma nel 1816 con le opere restituite dalla Francia, il Papa gli concesse una pensione di tremila scudi e il suo nome fu iscritto nel Libro d”Oro del Campidoglio con il titolo di Marchese d”Ischia.

Anni recenti

Canova cominciò a preparare un progetto per un”altra statua monumentale, raffigurante la rappresentazione della Religione. Non per servilismo, visto che era un fervente devoto, ma la sua idea di installarlo a Roma finì frustrata, anche se lui stesso lo finanziò e il modello era pronto nella sua dimensione definitiva, alla fine fu eseguito in marmo in una dimensione più piccola per desiderio di Lord Brownlow e portato a Londra. Canova decise di costruire un tempio nella sua città natale dove avrebbe conservato la figura originale insieme ad altri suoi pezzi e dove le sue ceneri sarebbero state deposte. Nel 1819 fu posta la prima pietra, e ogni autunno tornava a supervisionare il progresso dei lavori e a dare ordini ai costruttori, incoraggiandoli con ricompense finanziarie e medaglie. Tuttavia, l”impresa si rivelò troppo costosa, e l”artista dovette tornare a lavorare a pieno ritmo, nonostante la sua età e le sue infermità. Alcune delle sue opere più significative risalgono a questo periodo, come il set di Marte e Venere per la Corona Inglese, la statua colossale di Pio VI, una Pietà (solo il modello) e un”altra versione della Maddalena Penitente. Il suo ultimo lavoro completato fu un enorme busto del suo amico conte Cicognara.

Nel maggio del 1822 si recò a Napoli per supervisionare la costruzione del modello di una statua equestre del re Ferdinando I delle Due Sicilie. Il viaggio ebbe un effetto negativo sulla sua delicata salute, anche se al suo ritorno a Roma si riprese in parte, ma nella sua visita annuale a Possagno le sue condizioni peggiorarono. Fu trasferito a Venezia, dove si spense lucido e sereno. Le sue ultime parole furono Anima bella e pura, che pronunciò più volte prima di morire. Le testimonianze degli amici presenti al suo passaggio spiegano che il suo viso diventava sempre più luminoso ed espressivo, come assorto in una contemplazione di estasi mistica. L”autopsia ha rivelato un”ostruzione dell”intestino dovuta alla necrosi del piloro. Il suo funerale, tenutosi il 25 ottobre 1822, fu condotto con i più alti onori, tra la commozione di tutta la città, e gli studiosi fecero a gara per portare la sua bara. Il suo corpo fu sepolto nel Tempio Canoviano di Possagno e il suo cuore fu posto in un”urna di porfido nell”Accademia di Venezia. La sua morte provocò un lutto in tutta Italia, e agli omaggi funebri ordinati dal papa a Roma parteciparono i rappresentanti di varie case reali d”Europa. L”anno seguente si cominciò ad erigere un cenotafio, di un disegno che era stato creato dallo stesso Canova nel 1792 su richiesta di Zulian, originariamente come un omaggio al pittore Tiziano, ma che non fu mai realizzato. Il monumento, in cui fu trasferita l”urna con il suo cuore, può essere visitato nella basilica di Santa Maria dei Frari a Venezia.

Abitudini private

Secondo la memoria biografica sull”artista del suo grande amico conte Cicognara, Canova mantenne abitudini frugali e una routine regolare durante tutta la sua vita, come alzarsi presto e iniziare subito il lavoro, ritirandosi dopo pranzo per un breve riposo. Aveva un disturbo cronico allo stomaco, che gli causava forti dolori in attacchi che si verificavano durante tutta la sua vita. Sembra che avesse una fede religiosa profonda e sincera. Non aveva una vita sociale particolarmente brillante, anche se gli si chiedeva costantemente di frequentare i circoli di persone illustri che lo ammiravano, ma era più comune per lui ricevere gli amici a casa sua dopo la giornata di lavoro, la sera, quando si dimostrava un ospite educato, intelligente, gentile e caloroso. Secondo le sue stesse parole, le sue sculture erano l”unica preoccupazione della sua vita privata. Sembra che in due occasioni fu sul punto di sposarsi, ma rimase scapolo per tutta la vita. Aveva un grande gruppo di amici ed era molto affezionato a loro. Non aveva discepoli regolari, ma se notava un talento superiore in qualche artista principiante non risparmiava nulla nel dargli buoni consigli e incoraggiarlo a continuare nell”arte; spesso sosteneva finanziariamente giovani artisti promettenti e trovava loro commissioni di lavoro. Anche quando aveva un grande corpo di lavoro, non esitava a lasciare il suo studio se chiamato da un altro artista per dare la sua opinione su questioni artistiche e offrire consigli tecnici.

Ha sempre mantenuto un entusiasmo perenne per lo studio dell”arte antica e dell”archeologia. Era appassionato di letteratura classica e leggeva spesso, e aveva persino l”abitudine di far leggere qualcuno per lui mentre lavorava, considerando la lettura di buoni autori una risorsa indispensabile per il suo sviluppo personale e per la sua arte. Non era uno scrittore, ma manteneva un”abbondante corrispondenza con amici e intellettuali, nella quale mostrava uno stile di scrittura chiaro, semplice e vivace, che affinò negli ultimi anni senza perdere la sua forza e spontaneità. Una delle sue lettere del 1812 testimonia che pensò addirittura di pubblicare qualcosa sulla sua arte in principi generali, cosa che non si concretizzò mai. Segretamente, tuttavia, molte delle sue osservazioni e idee furono registrate dalla sua cerchia di collaboratori e furono poi rese pubbliche. Sembrava essere immune alla gelosia, alle critiche e alle lodi, e non era mai ferito dal successo degli altri; invece, non risparmiava elogi quando si rendeva conto della grandezza del lavoro dei suoi colleghi artigiani, ed esprimeva la sua gratitudine per i consigli o le critiche che considerava giuste e appropriate. Quando una critica feroce apparve su un giornale pubblicato a Napoli, egli dissuase i suoi amici che volevano promuovere una controreplica, dicendo che la sua opera avrebbe fornito la risposta appropriata. Il rapporto di Canova con la politica del suo tempo è esemplificato nelle opere che creò per la Casa d”Austria e la Casa di Bonaparte, dove i desideri di legittimazione e glorificazione dei governanti erano in conflitto con la posizione di neutralità politica che lo scultore desiderava mantenere. Ha avuto opere rifiutate o severamente criticate per non essere conformi ai desideri dei suoi clienti, come il gruppo di Ercole e Licia (1795), che fu rifiutato dall”imperatore d”Austria, così come il ritratto allegorico che dipinse per l”imperatore francese con il titolo di Napoleone come Marte pacificatore. La sua opinione su Napoleone è stata descritta come ambigua, anche se allo stesso tempo un ammiratore, che accettò varie commissioni dalla sua famiglia, fu critico, specialmente della sua invasione dell”Italia e della confisca di una grande collezione di opere d”arte italiane.

Apprezzò il successo delle sue opere, che accettò volentieri, ma non mostrò mai che il desiderio di gloria personale fosse il suo obiettivo principale, nonostante fosse uno degli artisti del suo tempo più esposti alla fama, avendo ricevuto diverse decorazioni e protezione da molti importanti nobili, per cui fu nobilitato in diversi stati europei, nominato ad alti uffici pubblici e incluso come membro di numerose accademie d”arte, senza averne fatto richiesta. Ha speso gran parte della fortuna che ha accumulato in opere di beneficenza, promuovendo associazioni e sostenendo giovani artisti. In diverse occasioni acquistò opere d”arte con fondi propri per musei pubblici e collezioni di libri per le biblioteche, spesso donando in modo anonimo. Ha anche dovuto essere avvertito in diverse occasioni di non dissipare le sue entrate sui problemi degli altri.

Il suo fascino duraturo per l”antichità classica lo portò ad accumulare un”importante collezione di pezzi archeologici in marmo e terracotta. La sua collezione di lastre di terracotta della Campania era particolarmente interessante, anche se non fu mai menzionata nelle sue prime biografie. I pezzi erano per lo più frammenti, ma molti erano intatti e di alta qualità, le tipologie che preferiva raccogliere dimostravano che era consapevole delle tendenze museologiche e collezionistiche del suo tempo. Il suo interesse per il materiale era legato all”uso dell”argilla per creare i modelli delle sue opere in marmo, che preferiva al gesso, poiché è più facile da lavorare, e lo usava anche per la preparazione dei rilievi che chiamava “ricreazione privata”, dove rappresentava scene ispirate dalle sue letture di Omero, Virgilio e Platone.

La produzione totale di Canova è vasta. Sculture di grandi dimensioni, ha lasciato circa 50 busti, 40 statue e più di una dozzina di gruppi, insieme a monumenti funerari e numerosi modelli in creta e gesso per opere definitive, alcune delle quali non sono mai state trasferite in marmo e sono quindi pezzi unici, e opere più piccole includono placche e medaglioni in rilievo, dipinti e disegni. Di seguito è riportata una breve descrizione delle origini del suo stile personale, le sue idee estetiche e alcune delle sue sculture più famose.

Cultura neoclassica

Il neoclassicismo fu un movimento filosofico ed estetico diffuso che si sviluppò tra la metà del XVIII e la metà del XIX secolo in Europa e in America. Reagendo contro la frivolezza e la decorazione del Rococò, il movimento neoclassico si ispirò alla tradizione del classicismo greco-romano, adottando i principi di ordine, chiarezza, austerità, razionalità ed equilibrio, con uno scopo moralizzatore. Questo cambiamento fiorì in due aree principali: in primo luogo, gli ideali dell”Illuminismo, che si basavano sul razionalismo, combattevano la superstizione e il dogma religioso, e cercavano il miglioramento personale e il progresso sociale attraverso mezzi etici, e in secondo luogo, un crescente interesse scientifico per l”arte e la cultura classica che emerse tra la comunità accademica durante il XVIII secolo, stimolando scavi archeologici, la formazione di importanti collezioni pubbliche e private, e la pubblicazione di studi accademici sull”arte e la cultura antica. La pubblicazione di diversi rapporti di spedizione dettagliati e illustrati da vari archeologi, in particolare, tra molti altri, quello dell”archeologo e incisore francese Anne Claude de Caylus, Recueil d”antiquités égyptiennes, étrusques, grecques et romaines (7 volumi, Parigi, 1752-1767), il primo a tentare di raggruppare le opere secondo i criteri dello stile piuttosto che del genere, occupandosi anche di antichità celtiche, egizie ed etrusche, contribuì significativamente all”educazione del pubblico e all”ampliamento della sua visione del passato, favorendo una nuova passione per tutto ciò che era antico.

Anche se l”arte classica era stata apprezzata fin dal Rinascimento, era relativamente circostanziale ed empirica, ma ora l”interesse era costruito su una base più scientifica, sistematica e razionale. Con questi ritrovamenti e studi fu possibile per la prima volta formare una cronologia dell”antichità classica greco-romana, distinguendo ciò che apparteneva all”una o all”altra e facendo nascere un interesse per la tradizione puramente greca, che era stata messa in ombra dall”eredità romana, soprattutto perché la Grecia era a quel tempo sotto il dominio turco e quindi, in pratica, inaccessibile a studiosi e turisti di tutto l”Occidente cristiano. Johann Joachim Winckelmann, il principale teorico del neoclassicismo, con grande influenza soprattutto tra gli intellettuali italiani e tedeschi – faceva parte della cerchia di Canova, Gavin Hamilton e Quatremere de Quincy – lodò ulteriormente la scultura greca, vedendo in essa una “nobile semplicità e serena grandezza”, fece appello a tutti gli artisti per imitarla, con il ripristino di un”arte idealista che si spogliava di ogni transizione, avvicinandosi al carattere dell”archetipo. I suoi scritti ebbero un grande impatto, portando ad una tendenza ad utilizzare la storia antica, la letteratura e la mitologia come fonte di ispirazione per gli artisti. Allo stesso tempo, altre culture e stili antichi come il gotico e le tradizioni popolari del nord Europa venivano rivalutate, rendendo i principi neoclassici ampiamente condivisi con il Romanticismo, un crocevia di influenze reciprocamente fertili. C”era anche uno sfondo politico al movimento, perché la fonte di ispirazione neoclassica era la cultura greca e la sua democrazia, e la cultura romana e la sua repubblica, con i valori associati di onore, dovere, eroismo e patriottismo. Tuttavia, da allora in poi, il neoclassicismo divenne anche uno stile aulico e in virtù della sua associazione con il glorioso passato classico, fu usato da monarchi e principi, come veicolo di propaganda delle loro personalità e gesta, o per fornire ai loro palazzi la bellezza in una semplice decorazione, snaturando in parte il suo scopo moralizzatore. Il neoclassicismo fu anche adottato, naturalmente, dalle accademie ufficiali per la formazione degli artisti, con il consolidamento del sistema accademico di educazione, o accademismo, un insieme di principi tecnici ed educativi che sostengono i principi etici ed estetici dell”antichità classica e che presto divenne l”appellativo per lo stile della loro produzione, confondendosi ampiamente con il neoclassicismo puro.

Formare il tuo stile personale

Emergendo in questo ambiente e illustrando la perfezione di questi principi, l”arte di Canova può essere considerata, secondo Armando Baldwin, la sintesi stessa del neoclassicismo greco interpretato secondo la visione di Winckelmann, evitando fortunatamente le imitazioni puramente decorative, meccanicamente accademiche o propagandistiche di cui soffrivano altri artisti neoclassici. Tuttavia, Canova sviluppò lentamente la sua comprensione dell”arte antica, dove fu aiutato dagli studiosi Gavin Hamilton e Quatremere di Quincy, che lo aiutarono ad uscire dalla pratica della copia e ad elaborare la sua interpretazione originale dei classici, anche se aveva mostrato fin dall”inizio una precisa inclinazione ad evitare la mera riproduzione di modelli stabiliti, e anche se riveriva profondamente i maestri antichi come Fidia e Policleto. Per lui, lo studio diretto della natura era fondamentale e l”originalità importante perché era l”unico modo per creare la vera “bellezza naturale” che si trova, per esempio, nella scultura classica greca, il cui canone costituiva il suo riferimento più potente. Allo stesso tempo, la sua vasta conoscenza dell”iconografia classica gli ha permesso di rimuovere gli elementi non necessari per creare un pezzo che richiamava l”antichità, ma era sovrapposto a nuovi significati.

La sensualità contenuta e sublimata nel fascino delle sue figure femminili fu sempre fonte di ammirazione, e venne chiamato “lo scultore di Venere e delle Grazie”, il che è vero solo in parte, data la forza e la virilità della sua produzione eroica e monumentale. Secondo l”opinione di Giulio Argan:

La forma non è la rappresentazione fisica (cioè la proiezione o il “doppio”) della cosa, ma la cosa stessa sublimata, incorporata dal piano dell”esperienza sensoriale a quello del pensiero. Così, Canova realizza nell”arte quella stessa trasformazione della sensazione in idealismo che, in campo filosofico, è realizzata da Kant, nella letteratura da Goethe e nella musica da Beethoven.

Anche se una parte della critica moderna vede l”opera di Canova come idealista e razionale, i teorici del neoclassicismo hanno ripetutamente enfatizzato questo aspetto, i resoconti del periodo attestano che non fu sempre così, poiché un ardore passionale tipicamente romantico sembra essere stato un elemento costitutivo della sua scuola, come Stendhal lo identificò più tardi. Canova disse una volta che “i nostri grandi artisti (nel corso degli anni) hanno acquisito un”enfasi sul lato della ragione, ma con questo non hanno più capito con il cuore”. Le sue sculture erano spesso, naturalmente, l”oggetto di un desiderio ovviamente profano. Alcune persone hanno baciato la sua Venere italica, e toccare sembrava ugualmente necessario per un pieno apprezzamento di una scultura. La lucentezza meticolosa delle sue composizioni accentuava la sensualità dell”oggetto e il tatto implicito nella contemplazione di un”opera tridimensionale; Canova stesso, perso nell”ammirazione dei marmi greci che aveva visto a Londra, passava molto tempo ad accarezzarli, dicendo che erano “vera carne”, come riferì Quatremére de Quincy. Tuttavia, in un”altra occasione dichiarò che con le sue opere non voleva “ingannare l”osservatore, sappiamo che sono di marmo – muti e immobili – e se fossero presi per veri, non sarebbero più ammirati come opere d”arte. Desidero solo stimolare l”immaginazione, e non ingannare l”occhio”. Gli piaceva anche l”arte barocca di Rubens e Rembrandt, e dopo il suo primo contatto con loro nel suo viaggio in Germania, scrisse che “le opere più sublimi… possiedono in sé la vita e la capacità di far piangere, di far gioire e di commuovere, e questa è la vera bellezza”.

Metodi di lavoro

Dai resoconti dei suoi contemporanei è chiaro che Canova era un lavoratore instancabile, tranne che per brevi intervalli trascorreva l”intera giornata impegnato nel suo lavoro. In gioventù, per molti anni mantenne l”abitudine di non andare a letto senza aver prima disegnato almeno un nuovo progetto, anche quando i suoi obblighi sociali o altri doveri avevano consumato gran parte del suo tempo, e questa costante diligenza spiega perché la sua opera fu così prolifica.

Per le sue composizioni Canova prima abbozzava la sua idea su carta e poi creava personalmente un prototipo di piccole proporzioni in creta o cera, da cui poteva correggere l”idea originale. Poi faceva un modello in gesso, delle dimensioni esatte dell”opera finale e con lo stesso grado di precisione per quanto riguarda i dettagli. Per trasferirlo sul marmo, fu assistito da un gruppo di assistenti che sbozzarono il blocco di pietra, approssimando la forma finale usando il sistema di segnare i punti misurati dell”originale. A questo punto, il maestro riprendeva il lavoro fino al suo completamento. Questo metodo gli permetteva di essere coinvolto nell”esecuzione di diverse sculture allo stesso tempo, lasciando il grosso del lavoro iniziale ai suoi assistenti e occupandosi solo dei dettagli della composizione finale, dandogli anche la sottile e raffinata lucidatura finale, che conferiva alle sue opere una lucentezza eccessivamente vitrea e lucente, con un aspetto vellutato, che era oggetto di lodi e dove la sua tecnica magistrale si manifestava pienamente. Tuttavia, questa organizzazione con assistenti era disponibile per lui solo quando aveva già stabilito la sua reputazione e aveva le risorse a sua disposizione, e la maggior parte delle sue prime opere furono eseguite interamente da lui.

Durante la vita di Canova si scoprì che i greci usavano il colore nelle loro statue, ed egli fece alcuni esperimenti in questa direzione, ma la reazione negativa del pubblico gli impedì di progredire in questa direzione, poiché il bianco del marmo era fortemente associato alla purezza idealistica cara ai neoclassici. Alcuni dei suoi clienti gli hanno raccomandato espressamente di non colorare il materiale. Inoltre bagnava le statue dopo la lucidatura finale con acqua di rota – l”acqua in cui si lavavano gli strumenti di lavoro – e infine le incerava fino ad ottenere il colore morbido della pelle.

La rifinitura personale delle sculture nella loro finezza e nei loro dettagli più minuti, che era una pratica abbastanza insolita al suo tempo, quando la maggior parte degli scultori facevano solo il modello e lasciavano l”intera esecuzione della pietra ai loro assistenti, era parte integrante dell”effetto che Canova cercava di ottenere e che fu spiegato dall”autore più di una volta e riconosciuto da tutti i suoi ammiratori. Per Cicognara tale finitura era una prova importante della superiorità dell”artista rispetto ai suoi contemporanei, e il suo segretario Melchior Missirini scrisse che la sua più grande qualità era la capacità di:

… ammorbidendo il materiale, dandogli morbidezza, dolcezza e trasparenza, e infine, quella chiarezza che inganna il marmo freddo e la sua serietà senza alcuna perdita della forza reale della statua. Una volta, avendo finito un lavoro, continuò ad accarezzarlo, gli chiesi perché non lo lasciasse e lui rispose: “Non c”è niente di più prezioso per me del tempo e tutti sanno come lo economizzo, tuttavia, quando sto finendo un lavoro e quando è finito, lo riprenderei sempre e anche più tardi se possibile, perché la fama non è in quantità, ma in pochi e ben fatti; Cerco di trovare nella materia un qualcosa di spirituale che le serva da anima, la pura imitazione della forma diventa per me la morte, devo aiutarla con il mio intelletto e rendere queste forme nuovamente nobili con l”ispirazione, semplicemente perché vorrei che avessero una parvenza di vita”.

Gruppi tematici

Canova coltivò una vasta gamma di temi e motivi, che insieme formano un panorama quasi completo delle principali emozioni positive e dei principi morali dell”essere umano, attraverso la freschezza e l”innocenza della gioventù, tipizzata nelle figure delle “Grazie” e delle “Danzatrici”, attraverso gli scoppi di passione e l”amore tragico, esemplificato nel gruppo di Orfeo ed Euridice, dell”amore ideale, simboleggiato nel mito di Eros e Psiche raffigurato in diverse occasioni, dell”amore mistico e devozionale delle “Maddalene Penitenti”, dalle patetiche meditazioni sulla morte nelle loro tombe, simboleggiato nel mito di Eros e Psiche raffigurato in diverse occasioni, dell”amore mistico e devozionale delle “Maddalene Penitenti”, dalle patetiche meditazioni sulla morte nelle sue tombe ed epitaffi, dalle rappresentazioni dell”eroismo, della forza e della violenza dei suoi Teseo ed Ercole, trattandoli in modo innovativo spesso in barba ai canoni prevalenti della sua generazione. Produsse anche molti ritratti e scene allegoriche, ma libere dalla rappresentazione di vizi, povertà e bruttezza; non fu mai uno scultore realista o interessato a ritrarre i problemi sociali del suo tempo, anche se nella sua attività personale non fu insensibile alle tribolazioni del popolo, ma nelle sue opere artistiche preferì soggetti in cui poteva esercitare il suo idealismo e la sua costante connessione con l”antichità classica.

Canova eseguì la figura femminile decine di volte, sia in sculture isolate che in gruppi e bassorilievi, ma il gruppo delle Tre Grazie, creato per l”imperatrice francese Giuseppina, riassume le sue idee sulla femminilità e il suo virtuosismo nel trattamento del corpo femminile in movimento, è una delle sue creazioni più famose e confuta la credenza diffusa che si sia avvicinato al femminile con distanza e freddezza. Per Judith Carmel-Arthur non c”è nulla di impersonale in questo gruppo, e mostra la sua abilità e originalità nel creare un insieme che intreccia i corpi con grande facilità e sensibilità, raggiungendo un risultato altamente riuscito di armonia basato sul contrappunto delle forme, l”esplorazione dei sottili effetti di luce e ombra, il contrasto tra pieno e vuoto e un”espressione di sensualità sublimata.

È interessante trascrivere un resoconto della profonda impressione fatta al suo amico, il poeta Ugo Foscolo, dalla Venere italiana che aveva creato per sostituire la Venere de Medici confiscata dai francesi nel 1802, che illustra quanto Canova fosse in sintonia con il concetto di donna ideale del suo tempo:

Ho visitato e rivisitato e sono stato appassionato, e baciato – ma che nessuno lo sappia – Per una volta ho accarezzato questa nuova Venere … ornato di tutte le grazie che traspare un non so che della terra, ma più facilmente spostare il cuore, trasformato in argilla … Quando ho visto questa divinità del Canova, mi sono seduto accanto a lei con un certo rispetto, ma trovandomi per un momento solo con lei, ho sospirato con mille desideri, e con mille ricordi dell”anima; insomma, se la Venere dei Medici è una dea bellissima, questa che guardo e guardo ancora è una donna bellissima; quella mi fa sperare il paradiso fuori da questo mondo, ma questa mi avvicina al paradiso anche in questa valle di lacrime. (15 ottobre 1812).

La Venere italica fu un successo immediato e continuò ad essere apprezzata anche quando la Venere dei Medici tornò in Italia; infatti divenne così popolare che Canova ne scolpì altre due versioni e centinaia di copie in scala ridotta furono fatte per i turisti che visitavano Roma, rendendola una delle statue più riprodotte di tutti i tempi.

Notevole è anche la Maddalena penitente (1794-1796), che esiste in due versioni principali e molte altre copie, fu altamente lodata da Quatremere de Quincy come una rappresentazione del pentimento cristiano, ma non fu senza qualche controversia al Salon di Parigi, dove fu presentata nel 1808 insieme ad altre opere di Canova. George Sand scrisse ironicamente, anni dopo, chiedendosi:

…passo ore a guardare questa donna che piange; mi chiedo perché piange, e se è per il rimorso di aver vissuto o per il rimpianto della vita che non vive più

. Erika Naginski nella sua analisi dell”opera, tenendo conto che probabilmente non aveva la devozione religiosa del Quatremere di Quincy, ha voluto che apparisse come un oggetto decorativo di consumo, e ha suggerito che non rappresenta una forma di idealismo canoviano, ma piuttosto un segno di una progressiva estetica borghese e sentimentale dell”arte alla fine del XIX secolo, e l”ha confrontata con altre opere dello stesso periodo, di altri autori, che indicano questa evoluzione. In ogni caso, la posizione inginocchiata era praticamente inesistente nella scultura. Canova fu un pioniere nello stabilire questa tipologia per la rappresentazione della malinconia, che fu poi spesso imitata e divenne un”influenza sulla ricerca di Auguste Rodin su questa forma.

La tipologia dell”eroe nudo è stata stabilita fin dall”antichità classica, quando le competizioni atletiche nelle feste religiose celebravano il corpo umano, specialmente quello maschile, in un modo senza precedenti in altre culture. Gli atleti gareggiavano nudi, e i greci li vedevano come incarnazioni di tutto ciò che era meglio nell”umanità, come conseguenza naturale dell”idea di associare la nudità alla gloria, al trionfo e anche all”eccellenza morale, principi che permeavano la statuaria dell”epoca. Il nudo divenne allora il veicolo privilegiato per l”espressione dei valori etici e sociali fondamentali della società greca, comparendo nella rappresentazione degli dei, nei monumenti che commemorano le vittorie, nelle offerte votive, e il culto del corpo fu parte integrante del complesso sistema etico e pedagogico greco noto come paideia. Ma erano rappresentazioni ideali, non ritratti. Hanno sancito un prototipo comune per tutti, un concetto generico di bellezza, sacralità, giovinezza, forza, equilibrio e armonia tra mente e corpo, non la varietà individuale. In altre culture antiche la nudità era più spesso un segno di debolezza, disonore e sconfitta. L”esempio più tipico di questa visione, che contrastava drammaticamente con quella greca, è il mito di Adamo ed Eva, la cui nudità era un segno della loro vergogna.

Quando il cristianesimo divenne la forza culturale dominante in Occidente, la nudità divenne un tabù, perché i cristiani non apprezzavano i giochi pubblici, non avevano atleti, né avevano bisogno di immagini di divinità nude, perché il loro Dio proibiva la creazione di idoli, e la nuova atmosfera religiosa era permeata dall”idea del peccato originale. Così, il corpo fu svalutato, e l”enfasi sulla castità e sul celibato impose restrizioni ancora maggiori, così che nell”arte medievale le immagini di nudo sono molto rare, tranne che per Adamo ed Eva, ma ancora una volta la loro nudità era il segno della loro caduta nel peccato. La rivalutazione della cultura classica nel Rinascimento rese il corpo umano e la nudità di nuovo attuali, insieme al repertorio dei miti antichi, e da allora il nudo è stato di nuovo un soggetto per gli artisti. Durante il Barocco l”interesse non diminuì, né nel Neoclassicismo, anzi, circondato da un simbolismo per molti aspetti simile a quello dell”antichità, il nudo divenne di nuovo onnipresente nell”arte occidentale, ma era solitamente riservato solo a soggetti mitologici, essendo considerato inadatto alla rappresentazione di personaggi viventi.

La prima grande opera eroica di Canova fu il gruppo di Teseo e il Minotauro (1781 circa), commissionato da Girolamo Zulian. Ha iniziato il suo progetto con l”idea tradizionale di raffigurarli in combattimento, ma con il consiglio di Gavin Hamilton ha cambiato il piano e ha iniziato a disegnare un”immagine statica. Il mito era ben noto ed era servito come ispirazione per molti artisti, ma la situazione che Canova concepì non era mai stata rappresentata prima, né in scultura né in pittura, con l”eroe già vittorioso, seduto sul corpo del mostro, contemplando il risultato della sua impresa, la composizione fu un successo immediato, aprendogli le porte del mecenatismo romano.

Il gruppo di Ercole e Licia (1795-1815) fu creato per Onorato Gaetani, un membro della nobiltà napoletana, ma la caduta dei Borboni costrinse il cliente all”esilio e ruppe il contratto quando il modello era pronto. Per tre anni l”autore cercò un nuovo cliente per acquistare la versione in marmo, finché nel 1799 fu avvicinato dal conte Tiberio Roberti, funzionario del governo austriaco a Verona, per scolpire un monumento per celebrare la vittoria imperiale sui francesi a Magnano. Sopraffatto dalle sue numerose commissioni, Canova cercò di offrire la scultura di Ercole e Licia, ma la composizione fu rifiutata. La posizione di Canova era delicata: nato nel Veneto, che era un possedimento austriaco, lo scultore era un suddito dell”Impero Asburgico, dal quale riceveva la sua pensione all”epoca, ed era già stato incaricato di creare un cenotafio. La figura di Ercole era anche tradizionalmente associata alla Francia, e sebbene l”opera fosse riconosciuta per la sua qualità intrinseca, la sua ambiguità tematica la rendeva inadatta a un monumento austriaco. L”opera fu infine venduta al banchiere romano Giovanni Torlonia e presentata dal proprietario nel suo palazzo, con immediato successo, ma i critici successivi giudicarono negativamente l”opera, identificandola con modelli di esecuzione accademica, senza un reale coinvolgimento emotivo.

Forse la sua composizione più famosa nel genere eroico e una delle principali di tutta la sua produzione fu quella di Perseo con la testa di Medusa, disegnata intorno al 1790, e scolpita con grande velocità tra il 1800 e il 1801, al ritorno dal suo viaggio dalla Germania. È stato ispirato dall”Apollo del Belvedere, un”opera considerata l”apice della statuaria greca classica e un perfetto rappresentante dell”ideale di bellezza. L”eroe non è raffigurato in combattimento, ma in sereno trionfo, nel momento di rilassamento della tensione dopo la lotta con Medusa. In quest”opera sono espressi due principi psicologici opposti, quello della “rabbia discendente” e della “soddisfazione ascendente”, come suggerito dalla contessa Isabella Teotochi Albrizzi, una delle sue prime commentatrici, durante la sua vita. Subito dopo la sua produzione fu riconosciuta come un capolavoro, ma alcuni ne criticarono il carattere troppo “apollineo”, adatto a una divinità ma non a un eroe, e l”atteggiamento troppo “elegante”, indegno di un guerriero. Cicognara ha scherzato sul fatto che i critici, incapaci di attaccare l”esecuzione come impeccabile per tutti, hanno cercato di screditare il concetto. Anni dopo, quando Napoleone portò l”Apollo in Francia, Papa Pio VII acquistò l”opera per sostituirla e fece installare il gruppo scultoreo sul piedistallo dell”immagine rubata, da qui il soprannome “Il Consolatore” che la statua di Canova ricevette. Una seconda versione fu eseguita tra il 1804 e il 1806 per la contessa Valeria Tarnowska di Polonia e si trova al Metropolitan Museum of Art di New York, che secondo la descrizione del museo mostra una maggiore raffinatezza di dettagli e un approccio più lirico al soggetto.

L”ultima grande composizione di Canova con un tema eroico fu il gruppo di Teseo che sconfigge il Centauro (1805-1819), una delle sue immagini più violente. Era stato commissionato da Napoleone Bonaparte per essere installato a Milano, ma fu acquistato dall”imperatore austriaco e portato a Vienna. Un viaggiatore inglese che visitava lo studio di Canova disse, vedendo questa composizione incompiuta, che aveva trovato la risposta a tutti coloro che chiamavano Canova un maestro dell””elegante e gentile”. Il gruppo è composto da una forma piramidale, dominata dalla forte diagonale del corpo dell”eroe che sta per colpire il centauro con un bastone mentre lo afferra per il collo e preme il ginocchio contro il suo petto, dando una forte spinta con la gamba destra. L”anatomia dettagliata del corpo del centauro è particolarmente meticolosa. Notevoli sono anche le statue che ha realizzato raffiguranti Palamede, Paride, Ettore e Aiace.

La figura di Psiche è stata accostata più volte da Canova, da sola o insieme al suo compagno mitologico Eros. Tra i più notevoli c”è il gruppo di Psiche rianimata dal bacio d”amore (1793), che si trova nel Museo del Louvre (e una seconda versione nel Museo dell”Ermitage), questo gruppo scultoreo è abbastanza lontano dai modelli classici e anche dalle rappresentazioni correnti del XVIII secolo. L”opera fu commissionata dal colonnello John Campbell nel 1787, e la scena cattura il momento in cui Eros rianima Psiche con un bacio, dopo che lei ha preso la pozione magica che lo aveva gettato in un sonno eterno. Per Honour e Fleming questo gruppo è particolarmente significativo, in quanto offre un”immagine dell”amore che è sia idealizzata che umana. E anche per le grandi superfici e lo spessore sorprendentemente sottile delle ali di Eros, i punti di appoggio strutturali sapientemente scelti, ma formalmente arditi ed eleganti intrecci delle forme corporee, la cui fluidità e dolcezza appaiono così naturali, tutto questo nasconde una notevole impresa in termini tecnici e una profonda conoscenza da parte dell”artista delle capacità espressive del corpo umano. Oltre alla copia nel Museo dell”Hermitage c”è il modello originale in terracotta.

Parte delle sue commissioni ufficiali erano per la creazione di statue che sintetizzavano le caratteristiche dei ritratti con l”immaginario allegorico, che era molto comune per la caratterizzazione dei grandi personaggi pubblici, associandoli all”aura mitica dell”iconografia antica. Nonostante il loro frequente successo, alcuni di loro sono stati criticati. Per esempio, c”è il colossale ritratto di Napoleone alto tre metri come il pacificatore Marte (marmo, 1802-1806 e un”altra versione in bronzo del 1807), che, anche se faceva un uso evidente di tipologie classiche, come il Doriforo di Policleto, era sufficientemente innovativo da non essere ben accolto dalla committenza e dalla critica dell”epoca per il fatto che lo raffigurava nudo, cosa accettabile per le personificazioni mitologiche, ma non per i personaggi pubblici viventi. Canova doveva ovviamente essere consapevole di queste regole, quindi è sorprendente che abbia scelto questa forma particolare per questo ritratto. Napoleone gli aveva dato piena libertà di lavoro, ma questo non sembra sufficiente a giustificare il fatto. È molto probabile che le idee di Quatremere Quincy, espresse nella corrispondenza con l”artista, devono averlo indotto a prendere questa decisione controversa, dove il francese sottolineava la necessità di raffigurarlo alla maniera greca, rifiutando la forma romanizzata con una toga o un”immagine in abiti moderni. Nonostante il fallimento della commissione, la statua fu esposta nel Museo del Louvre fino al 1816, quando fu saccheggiata dagli inglesi e offerta in dono ad Arthur Wellesley, 1° duca di Wellington, nella cui villa londinese di Apsley House, aperta al pubblico come museo, è esposta; una copia in bronzo (1811) è nella Pinacoteca di Brera, a Milano.

Il ritratto di George Washington eseguito per il governo della Carolina del Nord negli Stati Uniti nel 1816, purtroppo perso in un incendio pochi anni dopo, era un altro esempio dell”uso di modelli classici modificati, raffigurandolo come Cesare, vestito con un”antica tunica e armatura, ma seduto a scrivere e con il piede destro che batte la spada a terra. L”opera fu anche accolta tra le polemiche, poiché era considerata lontana dalla realtà repubblicana dell”America, sebbene anche lì la cultura classica fosse in grande voga.

Notevole è anche il suo ritratto di Paolina Bonaparte come Venere Vittoriosa (1804-1808). Canova inizialmente suggerì di raffigurarla come Diana, la dea della caccia, ma lei insistette per essere mostrata come Venere, la dea dell”amore, e la reputazione che acquisì a Roma sembra giustificare questa associazione. La scultura la presenta reclinata su un divano e con una mela nella mano sinistra come attributo della dea. Non è, come altri ritratti allegorici dell”artista, un”opera altamente idealista, ma sebbene si riferisca all”arte antica, mostra un naturalismo tipico del XIX secolo. A causa della notorietà di Paolina, suo marito, il principe Camillo Borghese, e l”autore della commissione, tenne la scultura nascosta all”occhio pubblico, e in rari casi permise di vederla, sempre sotto la debole luce di una torcia. In ogni caso, l”opera fu accolta molto bene ed è considerata uno dei capolavori di Canova. L”opera originale può essere vista nella Galleria Borghese a Roma.

Per quanto riguarda i ritratti convenzionali, Canova dimostrò una grande capacità di catturare le espressioni facciali del modello, ma le moderò all”interno di un approccio formalista che ricordava l”importante ritrattistica dell”antica Roma. Ricevette numerose commissioni per ritratti, molte più di quelle che fu in grado di soddisfare, e c”è un numero significativo di modelli che furono completati ma mai eseguiti in marmo.

I monumenti funerari di Canova sono considerati creazioni altamente innovative per il loro abbandono delle tradizioni funerarie eccessivamente drammatiche del Barocco e per il loro allineamento con gli ideali di equilibrio, moderazione, eleganza e riposo sostenuti dai teorici del Neoclassicismo. In essi era presente anche un design originale che collocava rappresentazioni sobrie e idealiste della figura umana in un contesto di idee architettoniche audaci. Tra le composizioni più significative di questo genere ci sono i cenotafi papali e quello che aveva disegnato per Tiziano e che finì per essere costruito post mortem dai suoi assistenti per essere utilizzato per Canova. Di tutti quelli menzionati sopra, il più notevole secondo la critica moderna è il Monumento funebre di Maria Cristina d”Austria (1798-1805), che causò grande sorpresa quando fu consegnato ai suoi clienti, la Casa Imperiale Austriaca.

La sua forma piramidale e la presenza di una processione di figure anonime rappresentate in diverse fasi della vita, che non sono né ritratti né personificazioni allegoriche, differiscono radicalmente dai modelli funerari utilizzati all”epoca. L”immagine del defunto non è nemmeno tra questi, e appare solo in un medaglione sopra l”ingresso. Per un membro della casa regnante che era stato riconosciuto per la sua opera caritatevole e la sua grande pietà personale, la composizione è straordinariamente reticente sulla sua personalità. Christopher Johns lo interpreta come una dichiarazione volutamente apolitica e anti-propagandistica dell”autore, in un momento in cui la situazione in Europa era in crisi a causa della Rivoluzione Francese e i monumenti pubblici erano commissionati da associazioni politiche, esprimeva il suo desiderio di affermare la superiorità delle scuole estetiche in materia. Apparentemente, l”opera è stata accettata solo perché la sua collocazione in una chiesa tradizionalmente legata agli Asburgo e il suo aspetto che ricorda i monumenti della Roma imperiale assicuravano una lettura sufficiente e priva di ambiguità.

Questi monumenti stabilirono diversi fatti significativi con quelli adottati dai loro successori. Figure simili appaiono in tutte, come il genio con la torcia rovesciata e spenta che simboleggia il fuoco della vita estinta, il leone alato che dorme in attesa della resurrezione, le donne in lutto che indicano direttamente il lutto, le figure di diverse età che significano l”universalità della morte e la caducità dell”esistenza, e una porta che conduce a uno spazio buio che indica il mistero dell”aldilà. La sfilata di varie figure è presente solo sui grandi cenotafi di Vienna e sui suoi, ma alcuni appaiono su tombe papali e su diversi epitaffi più piccoli in bassorilievo che produsse per clienti senza molte risorse finanziarie. Il ritratto del defunto è generalmente secondario, scolpito come busto su una colonna o in un medaglione e separato dal gruppo principale, come nelle lapidi commemorative di Ercole Aldobrandini, Paolo Tosio e Michal Paca, una pratica che si interrompe solo alla fine del secolo quando l”arte funeraria comincia a mettere in scena la persona a cui è dedicata. Un monumento più piccolo, ma di grande importanza per lo sviluppo del nazionalismo italiano e dell”arte funeraria, fu quello creato nel 1810 per il poeta Vittorio Alfieri, che divenne un modello di esaltazione del defunto come esempio di virtù, rappresentò la prima allegoria dell”Italia come entità politica unificata e fu salutato alla sua prima come una pietra miliare dell”unificazione italiana. L”ultimo monumento funebre di Canova fu la scultura per il conte Faustino Tadini, la Stele Tadini, conservata nell”Accademia Tadini di Lovere.

La pittura e l”architettura erano attività molto secondarie per Canova, ma riuscì a fare alcuni esperimenti. Negli ultimi decenni del XVIII secolo iniziò a dipingere come hobby privato e completò ventidue opere prima del 1800. Si tratta di opere di minore importanza nella sua produzione complessiva, per lo più ricreazioni di dipinti dell”antica Roma, che vide a Pompei, insieme ad alcuni ritratti e poche altre opere, tra cui un Autoritratto, Le tre Grazie danzanti e un Compianto sul Cristo morto posto nel Tempio di Possagno. Infatti, una testa che ha dipinto è stata presa ai suoi tempi come un”opera del famoso Giorgione.

Progettò una cappella in stile palladiano nel villaggio di Crespano del Grappa, alcuni dei suoi monumenti funerari presentano importanti elementi architettonici e il suo lavoro in questo campo fu coronato da un grande successo nel cosiddetto Tempio di Canoviano a Possagno, che progettò con l”aiuto di architetti professionisti. La prima pietra fu posta l”11 luglio 1819 e la sua struttura segue da vicino il Pantheon di Roma, ma in una versione più compatta, concisa e dal design più piccolo, con un portico con colonnato dorico che sostiene un frontone classico e con il corpo principale dell”edificio coperto da una cupola. Include anche un”abside, assente nel modello romano. Il complesso si trova su una collina che domina la città di Possagno e crea un paesaggio di grande effetto. È in questo tempio che il corpo dell”artista è sepolto.

La prima fonte importante di documentazione sulla sua vita e la sua carriera artistica apparve mentre era ancora in vita, un catalogo completo delle sue opere fino al 1795, pubblicato l”anno successivo da Tadini a Venezia. Al momento della sua morte esisteva un ampio catalogo generale in 14 volumi, Opere di scultura e di plastica di Antonio Canova (Albrizzi, 1824), diversi saggi biografici, tra cui Notizia intorno alla vita di Antonio Canova (Paravia, 1822), Memoria biográfica (Cicognara, 1823) e Memorias de Antonio Canova (Memes, 1825), oltre a una profusione di elogi raccolti e pubblicati dai suoi amici, opere che rimangono le fonti principali per la ricostruzione della sua carriera. Durante la sua vita ricevette alcune critiche, tra cui gli articoli pubblicati da Carl Ludwig Fernow nel 1806, che condannavano la sua eccessiva attenzione alla superficie delle opere, che per lui distorceva il rigoroso idealismo difeso da Winckelmann e le degradava a oggetti di richiamo sensuale, ma riconosceva indirettamente l”effetto ipnotico che la straordinaria padronanza della tecnica nelle opere di Canova aveva sul pubblico. Alla sua morte, l”opinione generale su di lui era molto favorevole, persino entusiasta. Nonostante sia considerato lo scultore neoclassico per eccellenza, e nonostante il fatto che il neoclassicismo predichi moderazione ed equilibrio, le sue opere suscitarono spesso le passioni più ardenti del suo pubblico, in un periodo in cui neoclassicismo e romanticismo erano fianco a fianco. Poeti come Shelley, Keats e Heinrich Heine lo lodarono nelle loro opere. Il percorso che fece dalle prime opere con tracce di naturalismo rococò al drammatismo barocco che si può vedere nel gruppo Ercole e Lica e in Psiche, in cui il suo amico e teorico neoclassico Quatremere de Quincy lo aveva già avvertito del “pericolo di diventare un vecchio Bernini”, rese la sua versatilità difficile per una lettura critica delle sue opere, che, secondo Honour, “ruppe con una lunga tradizione di sufficienza e semplicità”: “ruppe la lunga tradizione di lode sottomessa dell”Antichità e stabilì la nozione di scultura ”moderna””; il suo interesse per la forma e per trovare nelle sue sculture molteplici punti di vista che costringono lo spettatore a circondare le sue opere per vederne tutti i dettagli, è stato uno dei punti che lo fanno riconoscere come uno degli scultori più interessanti e innovativi del suo tempo.

Canova fu molto imitato in Italia, attirò numerosi ammiratori da diverse parti d”Europa e del Nord America, come Joseph Chinard, Antoine-Denis Chaudet, John Flaxman, John Gibson, Bertel Thorvaldsen e Richard Westmacott, fu avidamente collezionato in Inghilterra e il suo stile diede i suoi frutti alla scuola in Francia, dove fu favorito dalla simpatia che Napoleone aveva per lui, commissionando diverse opere per sé e i suoi parenti. Divenne un punto di riferimento per tutti gli artisti accademici del XIX secolo. Nella sua vita Canova cercò sempre di mantenere le distanze dalla politica, ma come abbiamo visto in diverse occasioni il suo talento fu preso dai potenti. In ogni caso, anche in questi casi, le sue opere manifestano un notevole apolitismo. Questo non gli impedì di essere associato al movimento nazionalista italiano dopo la sua morte, e molte delle sue creazioni suscitarono sentimenti di orgoglio nazionale. Cicognara lo pose come figura centrale del Risorgimento italiano, e per tutto il XIX secolo, anche attraverso il Romanticismo, Canova fu spesso ricordato come uno dei geni tutelari della nazione.

All”inizio del XX secolo, quando il modernismo era già la tendenza dominante, cominciò ad essere additato come un semplice copista degli antichi, e la sua opera cadde in un diffuso discredito, insieme a tutte le altre espressioni classiche e accademiche. La sua importanza fu nuovamente apprezzata nella seconda metà del XX secolo, dopo la comparsa degli studi di Hugh Honour e Mario Praz, che lo presentarono come un anello di congiunzione tra il mondo antico e la sensibilità contemporanea. La critica contemporanea vede ancora Canova come il maggior rappresentante della tendenza neoclassica nella scultura, e riconosce il suo importante ruolo nello stabilire un nuovo canone che, facendo riferimento alla tradizione dell”antichità, non era pedissequamente legato ad essa, ma adattato alle necessità del proprio tempo, creando una grande scuola di diffusione e influenza. Si riconosce anche il merito della sua vita personale esemplare e la sua totale dedizione all”arte.

Museo Canoviano di Possagno

A Possagno è stato creato un importante museo interamente dedicato alla sua memoria, chiamato Canoviano, che ospita una collezione di sculture e molti dei modelli per le sue opere finali, oltre a dipinti, disegni, acquerelli, schizzi, progetti, strumenti di modellazione e altri oggetti. Questa collezione fu inizialmente formata dalle opere lasciate alla sua morte nel suo studio romano, da dove furono trasferite a Possagno attraverso suo fratello Sartori, unendosi a ciò che rimaneva nella bottega che Canova teneva nella sua casa natale. Nel 1832 Sartori costruì un edificio per ospitare la collezione, accanto alla casa dove era nato, e nel 1853 fu creata una fondazione per gestire l”eredità di Canova. A metà del XX secolo l”edificio è stato ampliato e dotato di una moderna infrastruttura espositiva.

Fonti