Antonio Vivaldi

gigatos | Novembre 22, 2021

Post Views: 134

Riassunto

Antonio Lucio Vivaldi Ascolta, nato il 4 marzo 1678 a Venezia e morto il 28 luglio 1741 a Vienna, è stato un violinista e compositore italiano di musica classica. Era anche un sacerdote della Chiesa cattolica.

Vivaldi fu uno dei più famosi e ammirati virtuosi del violino del suo tempo (è anche riconosciuto come uno dei più importanti compositori del periodo barocco, come il principale creatore del concerto solista, un genere derivato dal concerto grosso. La sua influenza in Italia e in tutta Europa fu considerevole, e può essere misurata dal fatto che Bach adattò e trascrisse più opere di Vivaldi che di qualsiasi altro musicista.

Fu attivo nel campo della musica strumentale, in particolare il violino, ma si dedicò anche a una varietà eccezionale di strumenti, alla musica religiosa e alla musica lirica; creò un numero considerevole di concerti, sonate, opere e pezzi religiosi: si vantava di poter comporre un concerto più velocemente di quanto il copista potesse trascriverlo.

Prete cattolico, i suoi capelli rossi lo portarono a essere soprannominato il Prete rosso, un soprannome forse più noto a Venezia del suo vero nome, come Goldoni racconta nelle sue Memorie. Come nel caso di molti compositori del XVIII secolo, la sua musica, come il suo nome, fu presto dimenticata dopo la sua morte. Non fu fino alla riscoperta di Johann Sebastian Bach nel diciannovesimo secolo che riacquistò un certo interesse da parte degli studiosi; Tuttavia, il suo vero riconoscimento arrivò nella prima metà del XX secolo, grazie al lavoro di studiosi e musicologi come Arnold Schering e Alberto Gentili, al coinvolgimento di musicisti come Marc Pincherle, Olga Rudge, Angelo Ephrikian, Gian Francesco Malipiero e Alfredo Casella, e all”entusiasmo di amatori illuminati come Ezra Pound.

Oggi, alcune delle sue opere strumentali, in particolare i quattro concerti conosciuti come Le quattro stagioni, sono tra i più popolari del repertorio classico.

La vita di Vivaldi non è molto conosciuta, poiché nessun biografo serio prima del XX secolo ha tentato di ripercorrerla. Ci basiamo quindi su rare testimonianze dirette, quelle del presidente di Brosses, del commediografo Carlo Goldoni e dell”architetto tedesco Johann Friedrich von Uffenbach, che conobbero il musicista, sui pochi scritti di sua mano e su documenti di ogni tipo trovati in vari archivi in Italia e all”estero. Per fare due esempi concreti, solo nel 1938 Rodolfo Gallo è stato in grado di determinare la data esatta della sua morte da un registro trovato a Vienna, e nel 1962 Eric Paul ha potuto determinare la data della sua nascita dal suo registro di battesimo. La data precedentemente ipotizzata del 1678 era solo una stima di Marc Pincherle, basata sulle tappe note della sua carriera ecclesiastica.

Di conseguenza, ci sono ancora molte lacune e imprecisioni nella sua biografia, e la ricerca continua. Alcuni periodi della sua vita rimangono completamente oscuri, così come i suoi numerosi viaggi intrapresi o ipotizzati nella penisola italiana e all”estero. Lo stesso vale per il suo lavoro, e le sue opere che si pensava fossero perdute o sconosciute vengono ancora ritrovate, come l”opera Argippo, trovata nel 2006 a Ratisbona.

Leggi anche, biografie – Hermann Göring

Giovani

Antonio Vivaldi nacque a Venezia venerdì 4 marzo 1678, lo stesso giorno in cui si verificò un terremoto nella regione. L”ostetrica e infermiera, Margarita Veronese, lo salutò subito alla nascita, probabilmente a causa del terremoto o perché il parto era avvenuto in condizioni precarie che avrebbero potuto far temere la morte. L”ipotesi che fosse malaticcio e fragile fin dalla nascita è plausibile, dato che in seguito si lamenterà sempre di cattiva salute, a causa di una “strettezza di petto” (strettezza di petto) che si pensa sia una forma di asma. Il battesimo fu amministrato due mesi dopo, il 6 maggio 1678, nella chiesa parrocchiale di San Giovanni in Bragora, che era la casa dei suoi genitori a Ca” Salomon, Campo Grande nel sestiere del Castello, uno dei sei distretti di Venezia.

Suo padre, Giovanni Battista Vivaldi (c. 1655-1736), figlio di un sarto bresciano, era un barbiere che suonava il violino per intrattenere i clienti e più tardi divenne un violinista professionista; sua madre, Camilla Calicchio, anche lei figlia di un sarto, veniva dalla Basilicata. Si sposarono nel 1676 nella stessa chiesa ed ebbero altri otto figli, due dei quali morirono nell”infanzia, successivamente: Margherita Gabriella (1680-?), Cecilia Maria (1683-?), Bonaventura Tommaso (1685-? ), Zanetta Anna (1687-1762), Francesco Gaetano (1690-1752), Iseppo Santo (1692-1696), Gerolama Michaela (1694-1696), e infine Iseppo Gaetano (sebbene due dei suoi nipoti fossero copisti musicali. I capelli rossi erano ereditari nella famiglia Vivaldi, e Giovanni Battista si chiamava Rossi nei registri della Cappella Ducale; Antonio avrebbe ereditato questo tratto fisico, che gli valse ai posteri il soprannome di “Prete Rosso”.

Il padre aveva probabilmente più gusto per la musica che per la sua professione di barbiere, perché nel 1685 fu assunto come violinista della Basilica di San Marco, una Mecca della musica religiosa in Italia, dove si erano distinti diversi grandi nomi della musica, in particolare Adrien Willaert, Claudio Merulo, Giovanni Gabrielis, Claudio Monteverdi e Francesco Cavalli. Il suo famoso master è stato affidato lo stesso anno a Giovanni Legrenzi. Come Legrenzi e il suo collega Antonio Lotti, fu uno dei fondatori del Sovvegno dei musicisti di Santa Cecilia, una confraternita di musicisti veneziani. Oltre al suo lavoro alla Cappella Ducale, dal 1689 fu violinista al Teatro San Giovanni Grisostomo e all”Ospedale dei Mendicanti.

Antonio imparò il violino da suo padre, e si dimostrò precoce ed estremamente dotato. Fu presto ammesso alla Cappella Ducale e potrebbe aver ricevuto lezioni dallo stesso Legrenzi, anche se non sono state trovate prove di questo. È certo, comunque, che Antonio Vivaldi beneficiò pienamente dell”intensa vita musicale che animava la Basilica di San Marco e le sue istituzioni, dove di tanto in tanto prese il posto del padre.

Probabilmente fu la ricerca di una buona carriera per suo figlio a guidarlo e fu la ragione principale della sua scelta di questo orientamento, piuttosto che la vocazione del ragazzo al sacerdozio, al quale si sarebbe dedicato molto poco durante la sua vita grazie alle dispense della Chiesa, che gli avrebbero permesso di sviluppare tutte le sue attitudini alla musica e alla composizione; tuttavia, indossò l”abito talare per tutta la sua vita e lesse il suo breviario ogni giorno.

Dall”età di dieci anni iniziò a frequentare i corsi necessari alla scuola parrocchiale di San Geminiano e il 18 settembre 1693, avendo raggiunto l”età minima di quindici anni, fu tonsurato dal patriarca di Venezia, il cardinale Badoaro. Non abbandonò comunque le sue attività musicali, e nel 1696 fu nominato musicista soprannumerario nella Cappella Ducale e ricevette l”iscrizione all”Arte dei Sonadori, una corporazione di musicisti. Ricevette gli ordini minori nella parrocchia di San Giovanni in Oleo, il sottodiaconato il 4 aprile 1699, a ventuno anni, poi il diaconato il 18 settembre 1700. Infine, all”età di venticinque anni, fu ordinato sacerdote il 23 marzo 1703. Ha potuto continuare a vivere con i suoi genitori nella sua famiglia fino alla loro morte, e padre e figlio hanno continuato a lavorare a stretto contatto.

Il ruolo svolto da Giovanni Battista Vivaldi nella vita e nella carriera di suo figlio Antonio, anche se non è molto conosciuto, sembra essere di primaria e prolungata importanza, dato che morì solo cinque anni prima di lui. Sembra che gli abbia aperto molte porte, soprattutto nel mondo dell”opera, e lo abbia accompagnato in molti viaggi.

Maestro di violino al Pio Ospedale della Pietà

Allo stesso tempo, il giovane era stato scelto come maestro di violino dalle autorità del Pio Ospedale della Pietà (un ospizio, orfanotrofio e conservatorio di musica di alto livello) e assunto a questo scopo nell”agosto del 1703, con uno stipendio annuale di 60 ducati. In italiano, la parola Pietà non significa Pietà ma Misericordia.

Fondato nel 1346, questo istituto religioso era il più prestigioso dei quattro ospizi finanziati dalla Serenissima Repubblica e destinati ad accogliere bambini abbandonati, orfani, nati fuori dal matrimonio o provenienti da famiglie indigenti – gli altri istituti si chiamavano: Ospedale dei Mendicanti, Ospedale degli Incurabili, Ospedale dei SS. Giovanni e Paolo. I ragazzi vi rimanevano fino all”adolescenza e poi partivano per un apprendistato, ma la Pietà ospitava solo ragazze. Chiuse in clausura quasi come suore, alcune di loro ricevettero un”accurata educazione musicale, che le rese preziose cantanti e musiciste: alcune potevano cantare le parti di tenore e basso dei cori e suonare tutti gli strumenti. Una gerarchia distingueva le ragazze secondo il loro talento: in basso c”erano le figlie di coro; più esperte erano le privilegiate di coro, che potevano pretendere di essere proposte in matrimonio e potevano esibirsi fuori; in alto c”erano le maestre di coro, che potevano istruire le loro compagne. Venivano organizzati concerti pubblici a pagamento, molto popolari tra gli amanti della musica e delle avventure galanti. Ogni ospedale aveva un maestro di coro, responsabile dell”insegnamento della musica (il termine si applica alla musica vocale, ma anche alla musica strumentale), un organista, un insegnante di strumenti, maestro di strumenti, e altri insegnanti specializzati. Nella sua lettera del 29 agosto 1739 a M. de Blancey, Charles de Brosses scrive

“La musica trascendente qui è quella degli ospedali. Ce ne sono quattro, tutte composte da ragazze bastarde o orfane, e da quelle i cui genitori non sono in grado di allevarle. Sono cresciuti a spese dello Stato e sono addestrati unicamente per eccellere nella musica. Cantano come angeli e suonano il violino, il flauto, l”organo, l”oboe, il violoncello, il fagotto; insomma, non c”è strumento così grande che possa spaventarli. Sono di clausura come le suore. Sono le uniche ad esibirsi, e ogni concerto è composto da una quarantina di ragazze. Giuro che non c”è niente di più piacevole che vedere una giovane e bella suora, in abito bianco, con un mazzo di melograni all”orecchio, dirigere l”orchestra e battere il ritmo con tutta la grazia e la precisione immaginabili. Le loro voci sono adorabili per il loro giro di parole e la loro leggerezza; perché qui non si sa cosa sia la rotondità e i suoni filati alla maniera francese. (…) Quello dei quattro ospedali dove vado più spesso e dove mi diverto di più è l”ospedale Piété; è anche il primo per la perfezione delle sinfonie.

Nelle sue Confessioni, Jean-Jacques Rousseau ha dato un”ulteriore testimonianza della qualità di queste orchestre di ragazze, che ha potuto apprezzare durante il suo soggiorno a Venezia dal 1743 al 1744, dove era segretario dell”ambasciatore francese a Venezia; è noto che fu poi un seguace incondizionato della musica italiana, come dimostra la sua famosa Lettre sur la musique française.

Avere questi musicisti esperti a disposizione, senza preoccuparsi del numero, del tempo o del costo, era un vantaggio considerevole per un compositore, che poteva così dare libero sfogo alla sua creatività e provare ogni sorta di combinazione musicale. A questo punto, il giovane maestro di violino aveva certamente iniziato la sua carriera di compositore e aveva iniziato a farsi un nome con le sue opere pubblicate in forma manoscritta, e la sua reputazione emergente potrebbe aver giustificato la sua scelta per questo importante incarico.

Questo impegno non era perpetuo, ma soggetto a votazioni regolari da parte degli amministratori. Lo spirito indipendente di Vivaldi portò a diversi voti sfavorevoli e ad assenze temporanee. Nel 1704 gli fu affidato l”insegnamento della viola all”inglese con uno stipendio aumentato a cento ducati, e nel 1705 la composizione e l”esecuzione di concerti, il suo stipendio fu aumentato a centocinquanta ducati all”anno, una piccola somma a cui si aggiungeva il compenso per le messe quotidiane dette per la Pietà o per le famiglie patrizie ricche che acquistavano anche concerti.

La direzione musicale della Pietà fu assicurata dal 1701 da Francesco Gasparini, “maestro di coro”. Gasparini, musicista talentuoso ed estremamente prolifico (compose più di sessanta opere), dedicò tuttavia la maggior parte del suo tempo alla messa in scena di opere al Teatro Sant”Angelo. Ha quindi sollevato Vivaldi da un numero crescente di compiti, permettendogli di diventare il principale direttore musicale del teatro.

Pubblicazione delle prime opere

Poiché Vivaldi era stato incaricato di insegnare la composizione di concerti alle ragazze della Pietà nel 1705, si deve supporre che a quel tempo avesse già una solida reputazione come compositore. Le sue opere circolavano già sotto forma di copie manoscritte, una pratica comune all”epoca, quando nel 1705 decise di far stampare la sua Opus I (dodici Sonate Trio, Op. 1, concluse dalla sua opera più nota La Follia) dal più noto editore musicale di Venezia, Giuseppe Sala.

Questa raccolta consisteva in dodici sonate da camera a tre dedicate al conte Annibale Gambara, un nobile veneziano che, come Corelli, veniva da Brescia in Lombardia. Queste sonate in trio, di stile abbastanza tradizionale, non erano molto diverse da quelle di Arcangelo Corelli.

Quello stesso anno Vivaldi partecipò a un concerto a casa dell”Abbé de Pomponne, allora ambasciatore francese: rimase, per così dire, il musicista ufficiale della rappresentanza diplomatica francese a Venezia. Da allora lui e i suoi genitori vissero in un appartamento nel Campo dei SS. Filippo e Giacomo, situato dietro la Basilica di San Marco.

Nel 1706 la famiglia Vivaldi, padre e figlio, fu menzionata in una guida per stranieri (Guida dei forestieri en Venezia) come i migliori musicisti della città.

Rinuncia alla messa

Si dedicò allora esclusivamente alla musica, poiché nell”autunno del 1706 smise definitivamente di dire messa. François-Joseph Fétis, che dedicò solo mezza pagina a Vivaldi nella sua monumentale Biographie universelle des musiciens et biographie générale de la musique pubblicata nel 1835, diede una spiegazione, smentita dai suoi stessi scritti, che sono stati poi riscoperti, ma che fu ampiamente accettata:

“Un giorno, mentre diceva la sua messa quotidiana, fu incantato da un”idea musicale; nell”emozione che gli dava, lasciò immediatamente l”altare e andò in sacrestia a scrivere il suo tema, poi tornò per finire la sua messa. Quando fu portato davanti all”Inquisizione, fu fortunatamente considerato come un uomo la cui testa non era sana, e la sentenza pronunciata contro di lui si limitò a proibirgli di celebrare la messa.

In una lettera scritta nel 1737, Vivaldi diede una ragione diversa e plausibile, e cioè che la difficoltà a respirare, la stretta al petto, che aveva sempre provato, lo aveva costretto in diverse occasioni a lasciare l”altare senza poter finire il suo servizio (aveva così rinunciato volontariamente a questo atto essenziale nella vita di un prete cattolico). Tuttavia, non rinunciò allo stato ecclesiastico e continuò a portare l”abito e a leggere il breviario per tutta la vita; era estremamente devoto. Nei suoi due volumi Historisch-biographisches Lexikon der Tonkünstler (17901792), il compositore e musicografo Ernst Ludwig Gerber afferma addirittura che era “straordinariamente bigotto” – il che non gli impedì di dedicare tutta la sua carriera ad attività secolari ben lontane dalle normali e consuete preoccupazioni di un prete.

L”inizio di una reputazione europea

Attraverso il suo virtuosismo e la crescente diffusione delle sue composizioni, Vivaldi riuscì ad introdursi efficacemente negli ambienti più aristocratici. Frequentava il Palazzo Ottoboni. Nel 1707, durante una festa data dal principe Ercolani, ambasciatore dell”imperatore austriaco, partecipò a una giostra musicale che lo contrappose a un altro prete violinista, don Giovanni Rueta, un musicista oggi ben dimenticato, ma protetto dall”imperatore stesso: un tale onore poteva essere concesso solo a un musicista che già godeva della massima considerazione.

Nello stesso periodo vennero a Venezia diversi musicisti stranieri. Durante il carnevale del 1707 Alessandro Scarlatti fece rappresentare due delle sue opere napoletane al teatro San Giovanni Grisostomo (lo stesso dove il padre di Vivaldi era violinista): Mitridate Eupatore e Il trionfo della libertà. L”anno seguente, suo figlio Domenico Scarlatti, il famoso clavicembalista, venne a studiare con Gasparini, con cui suo padre aveva stretto amicizia. Infine, Georg Friedrich Handel, alla fine del suo soggiorno italiano, venne anche lui nella città delle lagune e diede una rappresentazione trionfale della sua opera Agrippina nello stesso teatro di San Giovanni Grisostomo il 26 dicembre 1709. Anche se non ci sono prove certe di questo, tutto – sia i luoghi che le persone che ha incontrato – suggerisce che Vivaldi non poteva non incontrare questi colleghi, che forse lo ispirarono a cimentarsi nell”opera. Tuttavia, nessuna influenza stilistica può essere rilevata nelle loro rispettive produzioni.

La cerchia di conoscenze di alto livello di Vivaldi fu ulteriormente incrementata dalla visita a Venezia del re Federico IV di Danimarca in un viaggio privato dal dicembre 1708 al marzo 1709. Arrivò a Venezia con l”intenzione di approfittare del famoso carnevale veneziano. Sbarcò il 29 dicembre e il giorno dopo assistette a un concerto diretto da Vivaldi alla Pietà. Durante il suo soggiorno ascoltò diversi altri concerti delle ragazze sotto la direzione del loro maestro di violino, che finalmente dedicò a Sua Maestà, prima della sua partenza il 6 marzo, la sua opera 2 composta da dodici sonate per violino e continuo, appena uscita dai torchi dello stampatore veneziano Antonio Bortoli. Il sovrano, amante della musica italiana e delle belle donne, portò con sé anche dodici ritratti di belle donne veneziane dipinti in miniatura per lui da Rosalba Carriera.

La smania di Vivaldi nei confronti del re di Danimarca era forse legata all”evoluzione del suo rapporto con i governatori della Pietà il cui voto di febbraio aveva messo fine alle sue funzioni. Da quella data fino al settembre 1711, le sue attività non sono affatto chiare. Tuttavia, nel 1710 suo padre fu assunto come violinista al Teatro Sant”Angelo, uno dei tanti teatri veneziani che producevano opere. È possibile che attraverso di lui Antonio abbia approfondito la sua relazione con Francesco Santurini, il dubbio impresario di questo teatro che era anche socio di Gasparini.

In ogni caso, si sa che era presente a Brescia nel febbraio 1711, e si solleva l”ipotesi di un viaggio ad Amsterdam.

L”estro Armonico

Sarà infatti ad Amsterdam che Vivaldi affiderà la pubblicazione delle sue opere al famoso editore musicale Étienne Roger e ai suoi successori, insoddisfatti dei suoi primi stampatori veneziani.

Il suo opus 3, una raccolta di dodici concerti per archi intitolata L”estro armonico, fu stampato da Estienne Roger nel 1711. Fu dedicato all”erede del Granducato di Toscana, Ferdinando de Medici, Principe di Firenze (1663-1713), e segnò una pietra miliare nella storia della musica europea: segnò il passaggio dal concerto grosso al moderno concerto solista.

Opere contemporanee e postume, le raccolte di Giuseppe Torelli (opus 8 pubblicata nel 1709) e Arcangelo Corelli (Vivaldi propose in modo nuovo nella sua raccolta concerti lordi di costruzione tradizionale, generalmente in quattro movimenti (lento-veloce-lento-veloce) con opposizione concertino-ripieno (numeri 1, 2, 4, 7, 10 e 11) e concerti soli la cui struttura in tre movimenti (veloce-lento-veloce) è quella dell”ouverture italiana. Il solista virtuoso si confronta con la sola orchestra (i numeri 5 e 8, con due solisti, appartengono a questa seconda categoria).

Scegliere il rinomato editore olandese fu un modo privilegiato per raggiungere la fama europea: L”estro armonico arrivò nelle mani di Johann Gottfried Walther, grande amante della musica italiana e cugino e amico di Johann Sebastian Bach, nelle profondità della Turingia, sotto forma di una copia manoscritta. Quest”ultimo, allora a Weimar, era così entusiasta dei concerti di Vivaldi che ne trascrisse diversi per la tastiera: un esercizio stilistico impressionante – tanto diverse sono le caratteristiche musicali del violino e del clavicembalo – ma che fu apprezzato da molti. Roland de Candé ha osservato: “Per quanto abile possa essere il magnifico lavoro di J.S. Bach, queste trascrizioni non aggiungono nulla alla sua gloria. Confesserò anche, a rischio di blasfemia, che i concerti vivaldiani, che sono essenzialmente violinistici, mi sembrano completamente distorti dall”esecuzione al clavicembalo o all”organo.

La presenza di Vivaldi è rintracciabile a partire dal settembre 1711: in quel mese gli fu nuovamente affidato l”incarico alla Pietà. Il 1712 vide la prima a Brescia di uno dei suoi grandi capolavori di musica religiosa, lo Stabat Mater per viola, una composizione struggente e molto ispirata.

Fu solo nel 1713 – aveva trentacinque anni – che Vivaldi affrontò per la prima volta l”opera, la grande impresa di qualsiasi compositore rinomato nell”Italia del primo Settecento.

Il suo status di ecclesiastico, già compromesso dal suo comportamento insolito, potrebbe averlo reso riluttante a fare questo passo prima. Mentre il virtuoso e il compositore erano ammirati, la sua personalità capricciosa e la natura ambigua del suo entourage femminile puzzava di scandalo. Eppure, lavorare nel mondo sotterraneo dell”opera non era il massimo della moralità sotto molti aspetti; era così popolare che doveva interessare le canaglie o far girare la testa ai cantanti più talentuosi, i cui capricci, eccentricità e avventure erano sulla bocca di tutti.

I metodi degli impresari erano talvolta relativamente onesti. Per esempio, Gasparini e Santurini si trovarono in tribunale per aver sequestrato e picchiato due cantanti scontenti di non ricevere il salario pattuito – uno di loro era addirittura caduto in un canale; la benevolenza dei giudici era stata ottenuta grazie all”intervento di relazioni influenti.

Venezia era piena di festeggiamenti come per esorcizzare il suo irreversibile declino politico, il cui contrappunto era una fioritura artistica senza precedenti. La mania dell”opera ne faceva parte: Marc Pincherle ha stimato in quattrocentotrentadue il numero di opere rappresentate a Venezia tra il 1700 e il 1743. Come poteva un musicista di genio e ambizione rimanere ai margini di questo movimento che poteva portare fama e il più grande successo?

Il libretto della prima opera di Vivaldi, Ottone in villa, fu scritto da Domenico Lalli, in realtà lo pseudonimo di Sebastiano Biancardi, un poeta e truffatore napoletano che, ricercato dalla polizia di Napoli, era venuto a rifugiarsi a Venezia. I due uomini divennero amici. La nuova opera non fu presentata per la prima volta a Venezia ma, per qualche motivo sconosciuto, il 17 maggio 1713 a Vicenza, dove Vivaldi si era recato con suo padre dopo aver ottenuto un permesso temporaneo dalle autorità della Pietà. Mentre era a Vicenza partecipò alla rappresentazione del suo oratorio la Vittoria navale predetta dal santo pontefice Pio V Ghisilieri (la cui musica è andata perduta) in occasione della canonizzazione di Papa Pio V.

Dopo Ottone in villa, Vivaldi comporrà una o più opere quasi ogni anno fino al 1739: secondo lui, ne scrisse 94. Tuttavia, il numero di titoli identificati è inferiore a 50 e meno di 20 sono stati conservati, completamente o parzialmente, per quanto riguarda la musica che, a differenza dei libretti, non fu mai stampata.

Leggi anche, storia – Lega delio-attica

Impresario del Teatro Sant”Angelo

Lo strano Roux Priest non si accontentava di comporre musica d”opera e di dirigerne l”esecuzione con il suo violino. Dalla fine del 1713, assunse, se non di titolo, almeno di fatto, la funzione di “impresario” del Teatro Sant”Angelo – il termine “impresario” da intendersi come “imprenditore” in successione a Santurini, il dubbio uomo d”affari già citato sopra. L”impresario aveva tutte le responsabilità: amministrazione, stabilire i programmi, ingaggiare musicisti e cantanti, finanziare, ecc. Nonostante i suoi disagi fisici – veri o finti – Vivaldi si assunse tutti questi compiti impegnativi, compresa la composizione di opere, senza rinunciare ai suoi meno remunerativi ma più nobili compiti alla Pietà o a comporre sonate e concerti per la casa editrice o per conto di vari sponsor (istituzioni religiose, ricchi e nobili amatori): Nel 1714 compose per la Pietà il suo primo oratorio, Moyses Deux Pharaonis – la cui musica è andata perduta – e fece pubblicare ad Amsterdam la sua opera 4 intitolata La Stravaganza. Questa raccolta di 12 concerti per violino, dedicata a un giovane nobile veneziano, Vettor Dolfin, che era uno dei suoi allievi, stabilì quasi definitivamente la forma del concerto solista in tre movimenti: Allegro – Adagio – Allegro.

Il Sant”Angelo, ben situato sul Canal Grande vicino al palazzo Corner-Spinelli, non godeva di una situazione giuridica molto chiara. Fondata da Santurini nel 1676 su terreni appartenenti alle famiglie patrizie alleate dei Marcello e dei Capello, non era stata loro restituita alla fine della concessione, Santurini continuando a gestirla senza titolo come se nulla fosse successo e nonostante i passi compiuti dai proprietari. Di questo stato di cose continuò a beneficiare Vivaldi, che operò ufficialmente dall”autunno 1713 al carnevale 1715, ma anche, il più delle volte, attraverso l”intermediazione di nominati (Modotto, Mauro, Santelli, Orsato), tra i quali troviamo anche suo padre. Quanto a Santurini, morì nel 1719. L”opacità delle operazioni di gestione sollevò dubbi sull”onestà dell”impresario e dei suoi soci e ci furono voci di appropriazione indebita, violazione della fiducia, ecc. È anche possibile che la posizione di Vivaldi alla Pietà abbia permesso accordi favorevoli per servizi musicali o di altro tipo. Fu in questo teatro Sant”Angelo che Vivaldi produsse la sua seconda opera, Orlando finto pazzo, nell”autunno del 1714. Annotò a margine del manoscritto “Se questa non piace, non voglio più scrivere di musica”. Infatti, anche se non ci sono rapporti sul successo di questa seconda opera, continuò a scriverla e per i prossimi anni le sue varie attività come compositore, Maestro dei Concerti, virtuoso del violino e impresario continuarono senza sosta.

Nel 1715 compose ed eseguì il pasticcio Nerone fatto Cesare al Sant”Angelo; durante una visita a Venezia l”architetto Johann Friedrich Armand von Uffenbach di Francoforte, amante della musica, assistette a tre delle sue rappresentazioni. Gli commissionò dei concerti: tre giorni dopo Vivaldi gliene portò dieci, che sosteneva di aver composto appositamente. Gli fu anche insegnata la tecnica del violino e in una lettera testimoniò lo straordinario virtuosismo di Vivaldi:

” … Verso la fine Vivaldi ha suonato un accompagnamento solista ammirevole, che ha seguito con una cadenza che mi ha veramente spaventato, perché non si potrebbe mai suonare qualcosa di così impossibile, le sue dita sono arrivate a un passo di paglia dal ponte, lasciando appena lo spazio per la corsa dell”arco, e questo su tutte e quattro le corde, con fughe e una velocità incredibile, questo ha stupito tutti; Devo confessare, tuttavia, che non posso dire di essere rimasto incantato, perché non era così piacevole da ascoltare quanto era fatto ad arte. “

Durante le stagioni seguenti Vivaldi compose e presentò al Sant”Angelo successivamente nel 1716 Arsilda, regina di Ponto e nel 1717 l”Incoronazione di Dario. Arsilda fu la causa della rottura con Domenico Lalli, autore del libretto. Il libretto fu inizialmente censurato e Lalli incolpò Vivaldi per i cambiamenti che quest”ultimo aveva richiesto. Questa lite finale fece sì che Vivaldi non potesse esibirsi nei teatri San Samuele e San Giovanni Grisostomo, dove Lalli sarebbe diventato l”impresario ufficiale.

Ma la sua attività compositiva poté svilupparsi a San Moisè, per il quale compose Costanza trionfante nel 1716, Tieteberga nel 1717 e Armida al campo d”Egitto nel 1718.

Lo stesso periodo vide la pubblicazione, ad Amsterdam da Jeanne Roger, dell”Opus 5 (sei sonate per uno o due violini con basso continuo) e la creazione per la Pietà, nel novembre 1716, dell”unico oratorio che si è conservato, un capolavoro di musica religiosa: Juditha triumphans, che era anche un pezzo di circostanza destinato a commemorare la vittoria del principe Eugenio sui turchi a Petrovaradin: l”allegoria contrappone il cristianesimo, personificato da Giuditta, al potere turco rappresentato da Oloferne.

Nel 1717 Johann Georg Pisendel, violinista della cappella della corte ducale sassone a Dresda, trascorse un anno a Venezia a spese del suo principe per allenarsi con il maestro veneziano; ad eccezione delle fanciulle della Pietà, Pisendel divenne così uno dei suoi unici discepoli conosciuti (gli altri due sono i violinisti Giovanni Battista Somis e Daniel Gottlieb Treu (de)). I due uomini divennero amici intimi. Quando Pisendel tornò in Sassonia portò con sé una grande collezione di opere strumentali di Vivaldi, tra le quali Vivaldi gli dedicò personalmente sei sonate, una sinfonia e cinque concerti con la dedica “fatte p. Mr. Pisendel”. Questi pezzi si trovano ora nella Landesbibliothek di Dresda.

L”Opus 6 (sei concerti per violino) e l”Opus 7 (dodici concerti per violino o oboe) furono pubblicati ad Amsterdam da Jeanne Roger tra il 1716 e il 1721, apparentemente senza la supervisione personale del compositore e, in ogni caso, senza una dedica.

Viaggi e soggiorni fuori Venezia

Le opere di Vivaldi si diffusero presto oltre i confini della Repubblica di Venezia. Scanderbeg, con un testo di Antonio Salvi, fu rappresentato per la prima volta al Teatro della Pergola di Firenze nel giugno 1718.

Per due anni dalla primavera del 1718 Vivaldi rimase a Mantova come Kapellmeister del Landgravio Filippo d”Assia-Darmstadt. Le circostanze di questo impegno non sono chiare, né quelle del suo ritorno a Venezia. Tuttavia, fu al teatro dell”Arciduca di Mantova che vennero presentate per la prima volta le opere Teuzzone nel 1718, Tito Manlio nel 1719 e La Candace nel 1720. In seguito, Vivaldi continuò ad usare il titolo di Maestro di Cappella di Camera di SAS il sig. Principe Filippo Langravio d”Hassia Darmistadt.

Vivaldi non ha fatto nulla per passare inosservato. Sostenendo che il suo handicap fisico non gli impediva di condurre una vita frenetica di attività, né di intraprendere viaggi lunghi e faticosi, viaggiava “solo in gondola o in carrozza”, accompagnato da quel momento in poi da una sorprendente coorte femminile. Queste signore, disse, conoscevano bene le sue infermità e gli furono di grande aiuto. La loro presenza al suo fianco ha anche alimentato le voci…

Nel 1720 apparve a Venezia un piccolo libro satirico intitolato Il teatro alla moda, il cui autore rimase anonimo. Questo lavoro, che presenta i fallimenti del mondo dell”opera sotto forma di consigli a rovescio ai suoi vari attori, aveva come bersaglio principale Vivaldi con lo pseudonimo Aldiviva, un anagramma trasparente di “A. Vivaldi”. Più di chiunque altro all”epoca, Vivaldi personificava questo genere musicale. La derisione era diretta a tutti i personaggi e alle loro pratiche; la critica era tanto più offensiva perché ridicolizzava difetti molto reali e visibili: il librettista che piega il suo testo non alle necessità dell”azione ma, per esempio, ai desideri dei macchinisti, il compositore che scrive le sue arie non secondo le esigenze del libretto ma secondo quelle dei cantanti o secondo regole stereotipate, questi ultimi ignorando le indicazioni del musicista, i cantanti che danno libero sfogo ai loro capricci, l”impresario che riduce il costo degli strumentisti a scapito della qualità musicale, ecc.

La copertina presentava una divertente caricatura di tre figure chiave del Sant”Angelo e del San Moisè che navigavano su una “péotte”, la barca usata in laguna. Davanti, un orso con la parrucca (ai remi, l”impresario Modotto, ex proprietario di una piccola barca che era stato al servizio della precedente); dietro, un angioletto (Vivaldi) con il suo violino, che indossa un cappello da prete e dà il ritmo con la sua musica.

L”autore era infatti Benedetto Marcello, musicista e studioso dilettante, che si opponeva a Vivaldi per la sua concezione della vita, il suo status di membro della famiglia proprietaria del Sant”Angelo, che era in lite con il Prete Rosso, e forse una certa gelosia verso questo rivale di genio, che veniva dalla plebe.

Alla fine del 1720 Vivaldi produsse due nuove opere al Sant”Angelo: La verità in cimento e il pasticcio Filippo, Re di Macedonia. Ma il successo del pamphlet di Marcello può averlo spinto a “prendere aria fresca” e a viaggiare di tanto in tanto lontano dalla sua città natale. Lasciò Venezia nell”autunno del 1722 per Roma, armato – sorprendentemente – di una lettera di raccomandazione alla principessa Borghese scritta dal fratello di Benedetto, Alessandro Marcello.

Vivaldi fu ricevuto “come un principe” dall”alta società romana, dando concerti e presentando la sua opera Ercole sul Termodonte al Teatro Capranica nel gennaio 1723. L”ottima accoglienza ricevuta e il successo ottenuto durante il suo soggiorno romano lo spinsero a tornare a Roma durante il carnevale dell”anno successivo, dove presentò in anteprima Il Giustino e il pasticcio La Virtù trionfante dell”amore e dell”odio, di cui aveva composto solo il secondo atto, sempre al Capranica.

Fu durante questa seconda visita che fu gentilmente ricevuto dal nuovo Papa Benedetto XIII, desideroso di ascoltare la sua musica e apparentemente incurante della dubbia reputazione che questo prete anticonvenzionale si stava trascinando dietro.

È anche a uno dei suoi soggiorni a Roma che risale l”unico ritratto considerato autentico, poiché fu disegnato sul posto dal pittore e caricaturista Pier Leone Ghezzi.

Qualche anno dopo, in una lettera al marchese Bentivoglio, uno dei suoi mecenati, Vivaldi avrebbe menzionato tre soggiorni a Roma durante il periodo di Carnevale; tuttavia, non esiste nessun altro documento che supporti la realtà di questo terzo soggiorno e si pensa, sulla base di altre prove, che la testimonianza del musicista non sia stata sempre la più affidabile.

Durante gli anni dal 1723 al 1725 la sua presenza alla Pietà fu episodica, come dimostrano i pagamenti a lui effettuati. Il suo contratto prevedeva la fornitura di due concerti al mese e la sua presenza – tre o quattro volte per concerto – per dirigere le prove dei giovani musicisti. Dopo il 1725, e per diversi anni, scomparve dai registri dell”istituzione.

Fu in questo periodo, nel 1724 o 1725, che l”opera 8, intitolata Il Cimento dell”armonia et dell”invenzione, fu pubblicata ad Amsterdam da Michel-Charles Le Cène, genero e successore di Estienne Roger, e consiste in dodici concerti per violino, i primi quattro dei quali sono le famose Quattro stagioni. Nella sua dedica a un nobile veneziano, il conte di Morzin, Vivaldi ci dice che questi quattro capolavori erano già stati composti ben prima di essere stampati ed erano stati ampiamente diffusi in copie manoscritte (avrebbero avuto molto successo all”estero, in particolare a Londra e Parigi dove furono eseguiti all”inizio del 1728 al Concert Spirituel).

Non ci sono prove di un ipotetico soggiorno di Vivaldi ad Amsterdam in occasione di questa pubblicazione. Tuttavia, il suo ritratto inciso da François Morellon de La Cave, un ugonotto stabilito nei Paesi Bassi dopo la revoca dell”Editto di Nantes, sarebbe a favore di questa possibilità. Un artista anonimo ha anche dipinto il ritratto di un violinista che si pensa essere il Prete Roux. Anche se non è certa, dato che il modello non è nominato, l”identificazione con Vivaldi è comunemente accettata: questo ritratto, conservato nel Liceo Musicale di Bologna, è incluso nella copertina di diverse opere citate come riferimento (libri di Marcel Marnat, Roland de Candé, Claude e Jean-François Labie, Sophie Roughol, Michael Talbot …)

Allo stesso modo, la possibilità di un soggiorno a Parigi nel 1724-25 sembra improbabile, anche se la cantata Gloria e Himeneo fu composta per celebrare il matrimonio di Luigi XV e Marie Leszczynska il 5 settembre 1725 (un lavoro precedente, la serenata La Sena festeggiante, potrebbe essere stata composta per l”incoronazione del re francese nel 1723). Ma l”esatta relazione di Vivaldi con la monarchia francese rimane sconosciuta.

Anna Giró

Nel 1726 Vivaldi mise in scena la sua opera Dorilla a Tempe al Teatro Sant”Angelo. Il ruolo di Eudamia fu interpretato da una delle sue studentesse sedicenni alla Pietà, Anna Girò.

Questa Anna Giró o Giraud, di origine francese, aveva debuttato due anni prima al teatro San Samuele nell”opera Laodice di Albinoni. Le verrà presto dato il soprannome di Annina del Prete Rosso e avrà un ruolo piuttosto ambiguo nella vita del compositore, come sua cantante preferita, sua segretaria e, insieme alla sorellastra Paolina, che aveva vent”anni di più, sua compagna di viaggio, più o meno la sua governante. Naturalmente, il rapporto speciale tra l”anticonformista prete cinquantenne e questa giovane non poteva non dare luogo a pettegolezzi e commenti carichi di allusioni, anche se lei non visse mai con lui (viveva con la sorellastra e sua madre molto vicino al teatro Sant”Angelo, in una casa adiacente al palazzo Corner-Spinelli sul Canal Grande).

Carlo Goldoni incontrò Anna Giró a casa di Vivaldi: dalla sua testimonianza sappiamo che era, se non bella, almeno carina e piacevole.

La sua voce non era eccezionale e non amava le arie cantabili, il canto languido o patetico (e Goldoni aggiunge: “si potrebbe anche dire che non le sapeva cantare”). D”altra parte, aveva una buona presenza scenica e cantava bene arie espressive e agitate, con azione e movimento. Questa valutazione è confermata dall”Abbé Conti che scrive in una lettera a Madame de Caylus a proposito dell”opera Farnace di Vivaldi: “la sua allieva vi fa cose meravigliose, sebbene la sua voce non sia la più bella…”.

Nel 1739 cantava in almeno sedici delle ventitré opere di Vivaldi, spesso nei ruoli principali.

La luce poi l”ombra

In questi anni Vivaldi fu prodigiosamente attivo, producendo non meno di quattro nuove opere nel 1726 (Cunegonda e poi La Fede tradita e vendicata a Venezia, La Tirannia castigata a Praga, e Dorilla a Tempe, già citata) e nel 1727 (Ipermestra a Firenze, Farnace a Venezia, Siroè Re di Persia a Reggio Emilia, e Orlando furioso a Venezia). Nel 1727 l”opus 9, una nuova raccolta di dodici concerti per violino intitolata La Cetra, fu pubblicata ad Amsterdam. Queste diverse creazioni comportarono una grande quantità di viaggi, poiché non delegò a nessuno il compito di mettere in scena le sue opere, che finanziò con il proprio denaro. Il 19 settembre 1727, un importante concerto delle sue opere (la serenata L”Unione della Pace et di Marte e un Te Deum, le cui partiture sono andate perdute) fu organizzato a casa dell”ambasciatore francese a Venezia, il conte di Gergy, in occasione della nascita delle figlie gemelle del re francese Luigi XV, Elisabetta ed Henriette.

Solo due opere segnarono l”anno 1728 (Rosilena ed Oronta a Venezia e L”Atenaide a Firenze). Ma questo anno fu costellato da altri eventi importanti: la pubblicazione ad Amsterdam dell”Opus 10, composta da sei concerti per flauto, il primo mai dedicato a questo strumento; la morte di sua madre il 6 maggio; in settembre, il musicista fu presentato all”imperatore Carlo VI del Sacro Romano Impero, un fervente amante della musica, forse in seguito alla dedica dell”Opus 9 a questo sovrano.

L”obiettivo dell”imperatore era di fare del porto libero di Trieste, un possedimento austriaco in fondo all”Adriatico, la porta del Mediterraneo per i territori austriaci e dell”Europa centrale, e quindi di competere direttamente con Venezia, che aveva svolto questo ruolo per secoli. Era venuto lì per gettare le basi di questo progetto e ha incontrato il compositore in questa occasione – non si sa dove esattamente. Il soggiorno di Vivaldi presso il sovrano potrebbe essere durato due settimane, secondo una lettera dell”Abbé Conti a Madame de Caylus, che riporta: “l”imperatore ha parlato a lungo di musica con Vivaldi; si dice che abbia parlato più con lui solo in una quindicina di giorni che con i suoi ministri in due anni”. L”imperatore fu certamente felice di questo incontro: regalò a Vivaldi “molto denaro”, oltre a una catena e una medaglia d”oro, e lo fece cavaliere. Non si sa, tuttavia, se questo incontro fu seguito da un possibile soggiorno a Vienna o addirittura a Praga, da un impegno ufficiale o dalla promessa di un posto nella capitale imperiale.

Questi anni di intensa attività furono seguiti da un nuovo periodo in cui gli spostamenti di Vivaldi sono praticamente sconosciuti, a parte il suo trasferimento nel maggio 1730 in una casa vicino a Palazzo Bembo con finestre sul Canal Grande; durante questo periodo il compositore probabilmente viaggiò in tutta Europa, non tornando a Venezia fino al 1733. Pochi lavori possono essere datati con sicurezza agli anni 1729 e 1730, e le poche opere composte fino al 1732 furono messe in scena fuori Venezia (Alvilda, Regine dei Goti a Praga e Semiramide a Mantova nel 1731, La fida ninfa a Verona e Doriclea a Praga nel 1732).

Leggi anche, biografie – Gustave Doré

Ultimi anni a Venezia

Nel gennaio 1733 Vivaldi fece un notevole ritorno – almeno per quanto riguarda la sua musica – a Venezia in occasione della traslazione nella Basilica di San Marco delle reliquie del doge San Pietro Orseolo: fu eseguita una solenne Laudate Dominum di sua composizione, anche se non è noto se abbia diretto l”esecuzione. Nel febbraio dello stesso anno fu rappresentato ad Ancona un adattamento del Siroé del 1727, poi in novembre al Sant”Angelo andò in scena Montezuma e tre mesi dopo L”Olimpiade, una delle sue opere più belle, fu ripresa quasi subito a Genova. Quello stesso anno incontrò il viaggiatore inglese Edward Holdsworth, al quale spiegò che non desiderava più far pubblicare le sue opere, trovando più redditizio venderle individualmente ai dilettanti. Lo stesso Holdsworth avrebbe acquistato dodici sonate di Vivaldi nel 1742 per conto del suo amico Charles Jennens, librettista di Handel.

Il 1735 fu di nuovo un anno record per le opere con due opere messe in scena al Teatro Filarmonico di Verona durante il Carnevale: L”Adelaide e Il Tamerlano e altre due prodotte per la prima volta al Teatro San Samuele di Venezia: La Griselda e Aristide. Queste furono le uniche due opere di Vivaldi composte per questo teatro, di proprietà della ricca famiglia Grimani che possedeva anche il prestigioso teatro San Giovanni Grisostomo e un sontuoso palazzo sul Canal Grande. Essi portarono Vivaldi in contatto con uno dei grandi scrittori italiani del suo tempo, il ventottenne Carlo Goldoni.

L”incontro con Goldoni è importante perché lo raccontò in due dei suoi scritti, che sono testimonianze preziose sulla personalità e il comportamento del musicista anziano e, come abbiamo visto, su Anna Giró.

Goldoni, tornato da poco a Venezia, aveva appena sperimentato l”inaspettato successo della sua prima opera teatrale, Belisario, ed era stato incaricato dai Grimani di adattare il libretto di Apostolo Zeno per La Griselda, da musicare con Vivaldi. Così facendo prese il posto di Domenico Lalli, l”ex amico rancoroso che aveva bloccato l”ingresso di Vivaldi nei teatri Grimani. L”accoglienza del compositore nei confronti del giovane scrittore che gli era stato inviato fu all”inizio poco accogliente e segnata sia dalla condiscendenza che dall”impazienza. La scena descritta da Goldoni dà l”impressione di un”agitazione febbrile da parte del compositore, e della velocità con cui il sospetto e la diffidenza potevano trasformarsi in entusiasmo. Inizialmente rimproverato da Vivaldi per aver leggermente criticato Anna Giró, si rifece scrivendo sul momento otto versi in linea con il tipo di canto espressivo che Vivaldi voleva introdurre nel libretto e far cantare alla sua giovane allieva. Bastò questo per cambiare l”opinione che Vivaldi aveva di lui; lasciò il breviario, che teneva dall”inizio della riunione, tenendo il breviario in una mano e il testo dell”opera di Goldoni nell”altra, e chiamò Girò:

Ah,” disse, “ecco un uomo raro, ecco un eccellente poeta; leggete quest”aria; è Monsieur che l”ha fatto qui, senza muoversi, in meno di un quarto d”ora.

poi rivolgendosi a Goldoni:

“Ah, signore, le chiedo scusa.

e lo abbracciò, protestando che non avrebbe mai avuto un altro poeta oltre a lui. Dopo Griselda, Goldoni scrisse per Vivaldi il libretto di Aristide, che fu anche eseguito al San Samuele nell”autunno del 1735, ma la loro collaborazione non continuò oltre.

Nel 1736 un”unica opera, Ginevra, principessa di Scozia, fu rappresentata per la prima volta al Teatro della Pergola di Firenze. Nel frattempo Vivaldi riprese le sue funzioni alla Pietà, come maestro dei concerti, con uno stipendio di cento ducati all”anno e la richiesta di non lasciare più Venezia, “come negli anni precedenti”, il che indica le sue ripetute assenze e conferma l”alta considerazione in cui era tenuto professionalmente. Il 1736 fu anche l”anno in cui Vivaldi perse l”uomo che lo aveva guidato durante tutta la sua carriera: suo padre morì il 14 maggio, a più di ottant”anni.

Vivaldi mise in scena Catone in Utica a Verona nella primavera del 1737, poiché il libretto di Metastasio era stato giudicato politicamente sovversivo dai pignoli censori veneziani, e stava per organizzare una stagione di opere a Ferrara. Il suo mecenate locale era il marchese Guido Bentivoglio, al quale il compositore scrisse diverse lettere che si sono fortunatamente conservate. Queste lettere sono una preziosa testimonianza delle difficili condizioni in cui il musicista si trovava costantemente a lottare, dato che i mecenati del teatro di Ferrara non riuscivano – tra l”altro – a mettersi d”accordo con lui sul programma. Tuttavia, la questione stava cominciando a prendere forma quando sorse una difficoltà inaspettata e insormontabile. Pochi giorni prima di partire per Ferrara in novembre, Vivaldi fu convocato dal nunzio apostolico che lo informò che gli era stato proibito di andarci da Monsignor Tommaso Ruffo, il cardinale arcivescovo della città. Questa decisione catastrofica, visto l”avanzamento del progetto e gli impegni finanziari già presi, è stata motivata dal fatto che non ha detto messa ed era un amico del Girò. Nella lettera Vivaldi spiegava perché non diceva più messa e protestava che i suoi rapporti con le signore che lo accompagnavano da anni nei suoi viaggi erano perfettamente onesti e che facevano “le loro devozioni ogni otto giorni, come si poteva constatare da atti giurati e autenticati”… Sembra che non si potesse fare nulla e che dovesse rinunciare al suo progetto. Il 30 dicembre seguente, crea L”oracolo in Messenia al Sant”Angelo.

Nonostante le battute d”arresto del 1737, Vivaldi ebbe una doppia soddisfazione l”anno seguente: fu uno dei suoi concerti (RV 562a) a servire da ouverture alla grande rappresentazione organizzata il 7 gennaio 1738 in occasione del centenario del teatro Schouwburg di Amsterdam; secondo M.T. Secondo M.T. Bouquet Boyer, Vivaldi andò ad Amsterdam e diresse l”esecuzione; diresse poi l”esecuzione della sua cantata Il Mopso (la cui musica è andata persa) davanti a Ferdinando di Baviera, fratello dell”Elettore Carlo Alberto. Ha prodotto il pasticcio Rosmira fedele.

Partito da Digione nel giugno 1739, il presidente de Brosses era a Venezia nell”agosto seguente; il 29 agosto scrisse al suo amico M. de Blancey una lettera che rimane una delle testimonianze più dirette sul Prete Rosso:

“Vivaldi ha fatto amicizia con me per vendermi concerti costosi. Lui è riuscito in parte a fare questo, e io sono riuscito in quello che volevo, cioè sentirlo e avere spesso buone ricreazioni musicali: è un vecchio, che ha una furia prodigiosa per la composizione. L”ho sentito comporre un concerto, con tutte le sue parti, più velocemente di quanto un copista potesse copiarlo. Con mio grande stupore ho scoperto che non è così apprezzato come merita in questo paese, dove tutto è di moda, dove le sue opere sono state ascoltate per troppo tempo, e dove la musica dell”anno precedente non è più in stampa. Il famoso sassone è oggi l”uomo da celebrare.

Da anni ormai, l”opera napoletana tendeva a soppiantare la tradizione operistica locale di Venezia personificata da Vivaldi. Quest”ultimo, nonostante alcune concessioni al nuovo gusto nelle sue ultime opere, simboleggiava il passato per un pubblico sempre desideroso di novità. Il suo tempo era passato, come certamente sapeva, e questo doveva pesare nella sua decisione di allontanarsi da Venezia, che la stessa Anna Giró aveva lasciato qualche tempo prima per unirsi a una compagnia teatrale in visita all”impero asburgico. Per il momento stava componendo la sua ultima opera, Feraspe, che fu rappresentata al Sant”Angelo in novembre. L”anno 1740 fu l”ultimo in cui Vivaldi fu presente a Venezia. In marzo un grande concerto fu dato alla Pietà durante una sontuosa festa in onore dell”elettore sassone Federico Cristiano, includendo una serenata del maestro di coro Gennaro d”Alessandro e diverse composizioni di Vivaldi incluso il mirabile concerto per liuto e viola d”amore RV540.

Partenza da Venezia e morte a Vienna

Questo sarebbe stato l”ultimo concerto prestigioso a cui ha partecipato. Poche settimane dopo, in maggio, dopo aver venduto un lotto di concerti alla Pietà, Vivaldi lasciò Venezia, dove non sarebbe più tornato. Se non ne era consapevole, aveva almeno previsto un”assenza abbastanza lunga, perché si era preoccupato di sistemare certe questioni.

Non si sa quale fosse la sua destinazione quando lasciò Venezia, e sono state avanzate diverse ipotesi: Graz, dove avrebbe potuto riunirsi con Anna Giró; Dresda, dove godeva di una grande reputazione, dove lavorava il suo amico Pisendel e dove avrebbe potuto trovare la protezione dell”Elettore che aveva da poco incontrato a Venezia; Praga, dove erano state rappresentate diverse sue opere; e Vienna, naturalmente, dove l”imperatore Carlo VI lo stava aspettando. Qualunque sia la sua destinazione finale, sembra che Vivaldi intendesse partecipare a una stagione d”opera al Theater am Kärntnertor di Vienna e fu vicino a questo stabilimento che soggiornò.

Ma il 20 ottobre l”imperatore morì: il suo lutto proibì qualsiasi esecuzione e Vivaldi non aveva più un protettore né risorse assicurate. Il mistero circonda le condizioni precarie in cui ha vissuto i suoi ultimi mesi. L”ultimo dei suoi scritti ad essere trovato è una ricevuta di dodici fiorini, datata 28 giugno 1741, per la vendita di concerti ad un certo conte Vinciguerra di Collalto. Vivaldi morì di una “infiammazione interna”, povero e solo, il 27 o 28 luglio nella “casa Sattler” di una certa vedova Wahler. Questa casa, non lontana dal Theater am Kärntnertor e dal Burgerspital, fu distrutta nel 1858. Il 28 luglio, il servizio funebre si è tenuto nella chiesa di Santo Stefano nel modo riservato agli indigenti. È stato a lungo immaginato che tra i coristi presenti al servizio ci fosse un ragazzo di nome Joseph Haydn. Il cimitero del Burgerspital, dove sono stati accolti i suoi resti, è ora anche scomparso. Una semplice targa ricorda la sua memoria.

La morte del musicista fu conosciuta a Venezia il settembre successivo con l”indifferenza generale. “Aveva guadagnato una volta più di 50.000 ducati, ma la sua prodigalità disordinata lo fece morire povero a Vienna”: questo è l”epitaffio anonimo trovato negli archivi veneziani, i Commemoriali Gradenigo.

Uno dei tratti distintivi di Vivaldi erano i suoi capelli rossi, ai quali doveva il suo soprannome, il Prete rosso. Sappiamo anche dallo schizzo di Ghezzi che aveva un lungo naso aquilino, occhi vivaci e una testa incastonata nelle spalle. Anche se smise presto di dire messa, continuò a portare l”abito ecclesiastico per tutta la vita, leggendo assiduamente il suo breviario e dimostrando grande devozione. La descrizione di Goldoni lascia l”impressione di un”agitazione febbrile e di un grande nervosismo.

L”handicap fisico di cui si lamentava era una specie di asma, forse legata al suo nervosismo e all”ansia cronica. Senza arrivare a parlare di una malattia immaginaria, i biografi si stupiscono che questa infermità gli abbia impedito di dire messa, ma in nessun modo gli ha impedito di essere eccessivamente attivo durante tutta la sua carriera e di intraprendere numerosi viaggi, allora molto faticosi, in Italia e in tutta l”Europa centrale: Violinista virtuoso, insegnante, direttore d”orchestra, musicista spinto da una furia compositiva, come nota il presidente de Brosses, e impresario di opere, il ritmo sembra non rallentare mai e ricorderebbe Handel, che godeva di una salute indefettibile.

L”esatta natura della sua relazione con le donne della sua compagnia rimane un mistero, anche se ha sempre protestato che erano perfettamente oneste: si dice che non provasse altro che un”amicizia, o addirittura una sorta di affetto paterno, per Anna Giró e la sorella maggiore Paulina. Gli storici accettano le sue spiegazioni, in assenza di prove tangibili del contrario, ma i contemporanei non erano al di sopra dell”immaginazione di molte cose, che gli causarono alcuni problemi con le autorità ecclesiastiche (cancellazione di una stagione lirica a Ferrara in particolare).

Il suo rapporto con il denaro è più noto e si può vedere nei suoi scritti: Vivaldi era molto propenso a difendere i suoi interessi finanziari, senza però metterli al di sopra del suo amore per la musica. Il suo salario alla Pietà era molto modesto, ma in cambio aveva un laboratorio di qualità e una copertura d”onore. È probabile che abbia guadagnato a volte grandi somme, ma senza mai avere una posizione stabile che gli permettesse di rendere regolari le sue entrate finanziarie e a costo di correre un certo rischio personale nella produzione delle sue opere. Portava con sé una reputazione di prodigalità, il che è comprensibile quando affermava, con una certa affettazione, di viaggiare solo in auto o in gondola, e di aver bisogno di avere sempre persone che sapessero dei suoi problemi di salute.

Era animato da una certa vanità, anche vanagloriosa, mantenendo accuratamente la leggenda della sua velocità di composizione (annotò sul manoscritto dell”opera Tito Manlio: musica fatta da Vivaldi in cinque giorni) così come la sua familiarità con i Grandi: in una lettera al marchese Bentivoglio, indicò, non senza orgoglio, che corrispondeva con nove altezze.

Se c”è un compositore la cui vita ha influenzato la natura della sua creatività musicale, è Antonio Vivaldi. Essendo nato a Venezia nel 1678, è cresciuto in una società in cui regnava una repubblica, non aveva una corte, ma il suo status di meta turistica privilegiata permetteva ai suoi artisti di sfregarsi con le teste coronate e la nobiltà di tutta Europa. Vivaldi era il primogenito di una famiglia povera e soffriva di problemi di salute cronici (scelse il sacerdozio perché aveva una dispensa speciale del Papa che permetteva ai veneziani di essere ammessi agli ordini “per il loro lavoro”, e la tipica tolleranza veneziana dei musicisti-sacerdoti gli permise di esibirsi in pubblico, anche all”opera. Suo padre, un barbiere diventato violinista, gli ha trasmesso le sue conoscenze musicali e le sue capacità professionali.

Tutti questi fattori si unirono nel settembre del 1703, quando poco dopo la sua ordinazione Vivaldi fu assunto al Pio Ospedale della Pietà, l”orfanotrofio per trovatelli di Venezia, come insegnante di violino e compositore di musica strumentale. La Pietà manteneva una grande orchestra e un coro di fama internazionale i cui membri erano reclutati esclusivamente tra le sue residenti donne e Vivaldi era responsabile di fornire loro regolarmente nuove composizioni.

Poiché l”orchestra aveva un”abbondanza di musiciste e strumenti di tutti i tipi (incluse rarità come la viola da gamba, la viola d”amore, il mandolino, lo chalumeau e il clarinetto), questo lo incoraggiò a scrivere parti per più solisti, a esplorare combinazioni insolite di strumenti, e più in generale a impiegare una strumentazione inventiva che sfruttasse elementi di novità e sorpresa.

Il rapporto di Vivaldi con la Pietà variò nel corso degli anni – a volte non era direttamente impiegato lì e forniva nuove composizioni su accordo speciale – ma fu un filo conduttore quasi fino alla fine della sua carriera.

L”orizzonte di Vivaldi

Fin dall”inizio, gli orizzonti di Vivaldi si estesero ben oltre i confini della sua città natale. Era ansioso di mantenere la sua libertà di movimento (un periodo al servizio della corte mantovana si rivelò deludente), e piuttosto come Georg Friedrich Handel in Inghilterra preferì servire un gran numero di mecenati e clienti in modo intermittente piuttosto che essere impiegato da un singolo mecenate in modo continuo.

Per farsi conoscere meglio e per avere nuovi contatti, fece pubblicare la sua musica, prima a Venezia e poi ad Amsterdam. In alcuni casi un mecenate finanziò la collezione, ma altre opere furono commissionate direttamente dall”editore – una testimonianza della grande popolarità di Vivaldi presso il pubblico.

Almeno tre di queste raccolte hanno fatto la storia della musica: L”estro armonico, Op. 3, la prima raccolta di concerti pubblicata da Vivaldi, stabilì i principi normativi strutturali e lo stile del concerto come genere che perdurano ancora oggi; Il cimento dell”armonia e dell”inventione, Op. 8, introdusse l”innovativo concetto di concerti “a programma”, il cui esempio più importante è Le quattro stagioni, che apre la raccolta; l”op. 10 fu la prima raccolta di concerti solistici per il flauto, che a metà del XVIII secolo venne a competere con il violino come unico strumento degno di un gentiluomo.

Vivaldi stampò anche un certo numero di sonate, un tipo di musica da camera che, sulla scia del suo illustre predecessore romano Arcangelo Corelli, fu straordinariamente popolare in tutta Europa. In questo caso si è accontentato di seguire modelli prestabiliti, ma il suo linguaggio musicale rimane caratteristico.

Solo la musica per archi o per strumenti a fiato particolarmente popolari, come il flauto e l”oboe, era sufficientemente richiesta dal pubblico per essere pubblicata. Gli esecutori di strumenti meno comuni, come il flauto dolce sopranino o il fagotto, dovevano utilizzare le pagine manoscritte in circolazione. Alcuni dei concerti di Vivaldi per questi altri strumenti furono creati alla Pietà, ma molti altri furono commissionati da strumentisti o dai loro patroni. Il numero è sbalorditivo: nessuno sa ancora con certezza a chi fosse destinata la maggior parte dei trentanove concerti per fagotto prodotti da Vivaldi.

Compositore universale

Come Handel, Vivaldi fu un compositore universale: piuttosto che accontentarsi di scrivere solo per il suo strumento alla maniera di Arcangelo Corelli o Giuseppe Tartini, compose musica da camera dalla prima decade del XVIII secolo e musica vocale sacra almeno dal 1712, la data del suo Stabat Mater. Compose musica da camera dal primo decennio del XVIII secolo e musica vocale sacra almeno dal 1712, data del suo Stabat Mater. Cominciò a produrre una ricchezza di musica sacra perché per sei anni (1713-1719) la Pietà rimase temporaneamente senza maestro di coro e dovette chiedere a lui di sostituirlo. Durante questo periodo le sue composizioni gli valsero il plauso del pubblico, e da allora continuò a scrivere opere simili in modo indipendente.

Cominciò a comporre opere nel 1713, e gradualmente le sue varie attività come compositore e impresario divennero il fulcro della sua carriera. Iniziò a scrivere cantate da camera durante il suo breve soggiorno a Mantova e da allora continuò a comporre sporadicamente. Il decennio del 1720 fu quello in cui Vivaldi ebbe più successo nell”alternare musica strumentale e vocale: prima dominano i concerti e le sonate; dopo, la musica vocale.

Vivaldi fu un compositore così prolifico – il catalogo delle sue composizioni ha raggiunto 817 opere nel 2011 – che anche l”abbondante selezione musicale lascia molte aree inesplorate, come il concerto da camera. Tuttavia, è sufficientemente vario da convincere chiunque che le semplici e generalmente sfavorevoli categorizzazioni che Vivaldi può aver subito in passato – è stato accusato di comporre sempre lo stesso concerto, di evitare la complessità contrappuntistica, di scrivere musica vuota e dimostrativa, etc. – sono completamente infondate. – sono completamente infondate.

Vivaldi è tornato di moda negli ultimi decenni, tanto che le sue opere superstiti, a lungo considerate indegne di essere salvate dall”oblio, sono state tutte eseguite e registrate. Quest”opera di riscoperta e riabilitazione, portata avanti da grandi artisti, è ormai quasi completa.

Influenza

L”influenza di Vivaldi può essere analizzata lungo tre linee:

Bach non si limitò a trascrivere opere che ammirava particolarmente; adottò la struttura tripartita di Allegro-Andante-Allegro di Vivaldi e il suo stile di scrittura. Questa influenza può essere vista, per esempio, nei concerti per violino BWV 1041 a 1043 così come nel ”Concerto italiano” per clavicembalo solo BWV 971 e nei concerti per uno o più clavicembali e orchestra BWV 1052 a 1065.

D”altra parte, un fatto strano è la cura con cui Handel sembra evitare la struttura del concerto vivaldiano, sia nei suoi concerti per oboe che in quelli per organo, che sono molto più tardi.

Per una sorprendente coincidenza, Bach morì il 28 luglio, così come Vivaldi.

Leggi anche, biografie – Robert Altman

Dimenticato e riscoperto

Dal momento della sua morte, il nome e la musica di Vivaldi caddero nell”oblio totale nella sua patria, anche se alcuni dei suoi pezzi strumentali continuarono ad essere apprezzati in vari paesi europei per diversi decenni (in particolare in Francia, Sassonia e Inghilterra dove le edizioni delle sue opere erano particolarmente numerose…). ) dove sarebbero rimasti sepolti e dimenticati per quasi due secoli o più.

Johann Nikolaus Forkel, basandosi sulla testimonianza diretta dei figli di Bach – che erano critici nei confronti di Vivaldi (il Bach citato da Charles Burney è Carl-Philipp Emanuel) – sapeva quale parte importante avesse avuto il veneziano nella maturazione del suo stile.

Nel XIX secolo solo pochi studiosi e storici, per lo più tedeschi, in particolare Aloys Fuchs (de) e Wilhelm Joseph von Wasielewski (de), ricordarono il Prete Rosso. La riscoperta di Bach ha fatto luce su questo compositore, alcune delle cui opere si era preso la briga di studiare e trascrivere. Era difficile per questi pionieri capire come il maestro potesse essere interessato a questo musicista oscuro e di seconda categoria: uscirono dal dilemma decretando che le trascrizioni di Bach erano di gran lunga superiori alle opere originali di Vivaldi o minimizzando la sua influenza.

Nel 1871 furono scoperte e pubblicate le lettere di Vivaldi al marchese Guido Bentivoglio, una rara collezione di autografi che testimoniano la sua vita di musicista e imprenditore e fanno luce sulla sua personalità.

All”inizio del ventesimo secolo Arnold Schering, essendo venuto a conoscenza di pezzi conservati a Dresda – dove probabilmente erano stati portati da Pisendel – si rese conto dell”importanza decisiva di Vivaldi nella nascita e nello sviluppo del concerto solistico. Nel 1905 il famoso violinista Fritz Kreisler fece passare un pastiche di una sua composizione come un”opera di Vivaldi. Nel 1913 Marc Pincherle decise di dedicare la sua tesi di dottorato a questo musicista, allora completamente sconosciuto al grande pubblico. Il lavoro fu interrotto dalla prima guerra mondiale.

Tuttavia, la scoperta fortuita dei manoscritti di Torino (vedi sotto) negli anni ”20 e ”30 ha portato fuori dall”oblio un numero enorme di partiture strumentali, religiose e operistiche. Ben presto studiosi e musicisti cominciarono a interessarsi a quest”opera monumentale: furono redatti cataloghi, furono pubblicate edizioni critiche da Ricordi, e le opere furono eseguite, prima per strumenti, poi per musica religiosa. Nel 1939 si tenne all”Accademia Chigiana di Siena una Settimana Vivaldi, sotto la direzione artistica di Alfredo Casella e con la collaborazione di Olga Rudge ed Ezra Pound, in cui fu eseguita l”opera L”Olimpiade: la prima ripresa di un dramma per musica di Vivaldi da due secoli a questa parte. Altre opere iniziarono la loro carriera moderna in questo periodo, tra cui lo Stabat Mater e il Gloria RV 589. Tuttavia, con lo scoppio della seconda guerra mondiale, questa iniziativa non ebbe un seguito immediato.

Musicologi, storici, archivisti e interpreti ripresero il loro lavoro alla fine del conflitto. Nel 1947, su iniziativa di Angelo Ephrikian e Antonio Fanna, fu fondato l”Istituto Italiano Vivaldi con lo scopo, in collaborazione con l”editore Ricordi, di assicurare l”edizione completa delle opere (il direttore artistico era Gian Francesco Malipiero). Questa impresa fu completata nel 1973 per le sonate, i concerti e le sinfonie. Nel 1948 Marc Pincherle completò e pubblicò il suo studio. Nel 1974 apparve la prima versione del catalogo completo di Peter Ryom, che da allora è stato integrato da nuove scoperte.

La musica di Vivaldi (strumentale e, in misura minore, religiosa) ha beneficiato a partire dagli anni 50 di numerosi concerti e della distribuzione di registrazioni, prima LP e poi CD: le Quattro Stagioni sono le opere più registrate nel repertorio della musica classica. Nel 1965, solo una delle opere di Vivaldi, La fida ninfa, era stata registrata: fu negli anni ”70 che il “Rinascimento vivaldiano” intorno alle sue opere fu finalmente completato. Dopo Handel, è il compositore d”opera pre-Mozart che oggi ha la più vasta discografia.

I Manoscritti di Torino

La Biblioteca Nazionale di Torino possiede la più importante collezione di spartiti autografi di Vivaldi. La storia della sua acquisizione è di per sé così straordinaria che potrebbe essere tratta da un romanzo.

Nel 1926, il rettore della scuola salesiana di Borgo San Martino, un paese non lontano da Casale Monferrato, volle intraprendere dei lavori di riparazione nella sua scuola. Per raccogliere i fondi necessari, ebbe l”idea di mettere in vendita vecchi libri di musica (decine di manoscritti e libri stampati) conservati nella biblioteca del college. Per sapere quanto poteva chiedere agli antiquari, sottopose la sua perizia al musicologo e direttore della Biblioteca Nazionale Universitaria di Torino, Luigi Torri (1863-1932), che affidò il lavoro ad Alberto Gentili (1873-1954), professore di storia della musica all”Università.

Si scoprì che 14 dei volumi della collezione contenevano partiture di Vivaldi, un musicista poco conosciuto dal grande pubblico dell”epoca; c”erano anche opere di altri compositori, tra cui Alessandro Stradella. Ansiosi di non vedere dispersa una collezione così eccezionale, o addirittura di vederla prevaricata dallo Stato italiano – e quindi magari assegnata a qualche altra istituzione – gli esperti volevano trovare una soluzione per farla acquisire dalla Biblioteca di Torino, che non aveva il budget necessario. Alberto Gentili trovò infine una soluzione: riuscì a convincere un ricco agente di cambio, Roberto Foà, ad acquistare la collezione e a donarla alla biblioteca in memoria del suo giovane figlio Mauro, morto in tenera età pochi mesi prima, di cui la collezione avrebbe portato e perpetuato il nome (Raccolta Mauro Foà).

Tuttavia, dopo aver esaminato i manoscritti vivaldiani, Gentili scoprì che erano ovviamente parte di una collezione più grande, e si mise a cercare la parte mancante. Le opere donate dai Salesiani erano state lasciate in eredità da un certo Marcello Durazzo (1842-1922): grazie all”aiuto di genealogisti, nel 1930 fu identificato il proprietario degli altri volumi della collezione originale – tra cui 13 nuove opere di Vivaldi – un erede del fratello dell”altro proprietario, Flavio Ignazio (1849-1925), che viveva a Genova. Ci volle tutta la pazienza e l”abilità del marchese genovese Faustino Curlo (1867-1935) per ottenere dal proprietario il trasferimento di questa seconda collezione al fine di ricostituire definitivamente l”insieme iniziale.

Poiché la Biblioteca di Torino non aveva ancora il budget per l”acquisto, Alberto Gentili trovò un nuovo mecenate, l”industriale Filippo Giordano, che accettò anche, in memoria del suo giovane figlio Renzo, morto poco prima all”età di 4 anni, di acquistare la collezione e donarla alla Biblioteca di Torino in memoria di suo figlio (Raccolta Renzo Giordano).

Le due raccolte così assemblate rimasero distinte sotto i rispettivi nomi di Mauro Foà e Renzo Giordano, riunendo 30 cantate profane, 42 pezzi sacri, 20 opere, 307 pezzi strumentali e l”oratorio Juditha triumphans, cioè un totale di 450 pezzi, quasi tutti di musica operistica.

Secondo Michael Talbot, i manoscritti erano originariamente di proprietà dello stesso Vivaldi. La ricerca mostra che più tardi appartennero a un collezionista veneziano, il conte Jacopo Soranzo (1686-1761), che potrebbe averli acquistati dal fratello di Vivaldi dopo la morte di quest”ultimo. Appartenevano allora al conte Giacomo Durazzo, ambasciatore austriaco a Venezia dal 1764 al 1784 e parente dell”ultimo doge di Genova, Girolamo-Luigi Durazzo, e da allora sono stati tramandati in famiglia in quella città.

I musicologi non poterono sfruttare rapidamente questa eccezionale scoperta perché Alberto Gentili, al quale erano stati espressamente riservati i diritti di studio e pubblicazione, era ebreo e, come tale, interdetto dall”attività accademica dalle leggi razziali dell”Italia fascista (promulgate nel settembre 1938). Fu solo dopo la seconda guerra mondiale che lo studio e la pubblicazione del libro poterono essere completati.

Varie critiche

Nella sua monografia su Vivaldi, Roland de Candé ha scritto che la sua musica era “vissuta più che pensata”. La spontaneità, il dinamismo e la freschezza di questa musica furono senza dubbio la ragione della sua enorme popolarità, come evidenziato dalla pletora di esecuzioni concertistiche e registrazioni dei suoi pezzi più noti, in particolare Le quattro stagioni.

Queste indubbie qualità, insieme al volume impressionante della sua produzione e al suo uso eccessivo come musica di sottofondo, hanno anche portato all”incomprensione. Come altri compositori di genio, Vivaldi ha uno stile personale ed è immediatamente riconoscibile. Le centinaia di concerti che compose durante la sua vita sono segnati da questo stile, che può dare l”impressione di ripetizione e monotonia all”ascoltatore casuale; il compositore stesso può aver dato credito alle argomentazioni secondo cui era un compositore di massa senza alcun reale merito artistico, vantandosi di aver composto più velocemente di quanto il copista potesse copiare la partitura. Questo può essere stato vero, ma era soprattutto un”indicazione di talento e abilità eccezionali.

Eppure Vivaldi era considerato da alcuni dei suoi contemporanei più un violinista eccezionale – con un virtuosismo sospetto – che un buon compositore. Goldoni disse che era “un eccellente violinista e un mediocre compositore” e che “i veri intenditori dicono che era debole nel contrappunto e che dirigeva male i suoi bassi”. In effetti, Vivaldi privilegiava l”aspetto melodico della musica rispetto a quello contrappuntistico, al punto da essere considerato uno dei becchini del contrappunto.

A Vivaldi si attribuisce il genio dell”orchestrazione, cioè del colore orchestrale: scelse accuratamente i timbri e cercò il loro equilibrio, inventò nuove combinazioni di strumenti e fu uno dei primi a usare gli effetti di crescendo: in questo senso, è un precursore.

Igor Stravinsky, che ha fatto l”affermazione scherzosa che Vivaldi ha composto non cinquecento concerti ma cinquecento volte lo stesso concerto, ha fatto il più grande danno a questa notevole opera coprendo con la sua autorità un”accusa che è ingiusta perché basata sull”impressione piuttosto che sull”analisi oggettiva. Il fatto che Le quattro stagioni o un particolare concerto per mandolino siano tra i pochi pezzi del repertorio classico che possono essere identificati in modo affidabile da un pubblico disinformato tende, infatti, a sminuire il loro valore nella mente degli ”intenditori” o dei cosiddetti conoscitori.

Non che Vivaldi non indulgesse talvolta in facili e gratuiti virtuosismi e auto-plagi (quest”ultima pratica era comune al suo tempo, e può essere rimproverata al più grande dei suoi contemporanei). Il compositore, spesso lavorando in fretta, per queste opere commissionate che sono state presto dimenticate piuttosto che composte e suonate, potrebbe essere tentato di riutilizzare temi o di utilizzare procedure già pronte. Resta il fatto che nelle sue composizioni più originali e compiute, comprese quelle abusate, Vivaldi raggiunge la vera grandezza.

Ci sono molti esempi del suo genio musicale, e sono facilmente riconoscibili quando vi si presta attenzione: le Quattro Stagioni, naturalmente, pezzi che sono così innovativi se collocati nel loro contesto musicale degli anni 1720, ma anche una serie di concerti che sono giustamente rinomati per il loro lirismo, la loro melodia accattivante, il loro ritmo irresistibile, e la loro perfetta adattabilità allo strumento per il quale erano destinati. Se non si è d”accordo con Stravinsky, si può seguire l”opinione di Bach, che si è preso la briga di trascrivere molti dei concerti vivaldiani. Questo genio, a lungo riconosciuto nelle più belle delle sue opere religiose, non è più discusso nelle sue opere, l”ultima parte della sua produzione a beneficiare di un ritorno all”onore da parte dei musicisti e del pubblico.

Musica strumentale

Il posto di rilievo di Vivaldi nella musica europea è dovuto alla sua musica strumentale – e principalmente ai suoi concerti.

La produzione di Vivaldi comprende 98 sonate, 36 delle quali sono stampate come Opus 1, 2, 5 e 14.

Le sue prime opere stampate (Opus 1 e 2) testimoniano questa forma musicale, che poteva essere facilmente eseguita in un ambiente familiare e amichevole dal giovane musicista e da suo padre violinista. Le formule strumentali più spesso utilizzate sono: un violino (circa quaranta pezzi), due violini (circa venti), un violoncello (nove pezzi, compresi i sei dell”opus 14, a lungo considerati di dubbia attribuzione), un flauto.

Nelle sue sonate, Vivaldi segue la struttura tradizionale della sonata da camera – magistralmente illustrata da Corelli; sono infatti delle suite che seguono vagamente la struttura “allemande – courante – sarabande – gigue”. Le sue prime sonate sono opere ben rifinite, ma di poca originalità (come Corelli, termina la sua prima raccolta con una suite di variazioni su La Folia). Questa originalità emerge nei pezzi successivi, in particolare le magnifiche sonate per violoncello dell”op. 14, che appartengono al grande repertorio per lo strumento.

Il concerto è la forma musicale in cui si inserisce la maggior parte della sua opera strumentale, che fonda la sua reputazione europea e che lo colloca tra i più grandi compositori. Anche se non fu il suo unico creatore, fu lui che la rese una delle forme più importanti della musica classica occidentale.

L”insieme dei concerti composti da Vivaldi è di una varietà straordinaria.

Questa varietà risiede prima di tutto in quella delle formule strumentali utilizzate, costituite da tutti i possibili avatar del concerto grosso e, più precisamente, del concertino. Quest”ultimo può assumere la forma classica (il modello di Corelli, che abbandonò dopo l”opera 3), essere sostituito da uno o più solisti (il concerto solista), rimanere da solo (concerto da camera senza ripieno, simile alla sonata per più strumenti), scomparire completamente (concerto ripieno, talvolta chiamato sinfonia, un precursore della sinfonia classica), o essere suonato su un piano di parità con il ripieno (concerti per due band). Vivaldi lasciò anche opere per formazioni originali e inedite, come il Concerto in sol minore per 2 violini, 2 flauti dolci, 2 oboi, fagotto, archi e basso continuo Per l”Orchestra di Dresda RV 577 e molti altri concerti per molti stromenti.

La varietà sta poi negli strumenti utilizzati. Vivaldi compose la maggior parte dei suoi concerti per violino per poterli eseguire lui stesso. Ma più di ogni altro compositore, usò quasi tutti gli strumenti in uso all”epoca: violoncello, viola d”amore, oboe, fagotto, flauto dolce, flauto piccolo, salmoè, corno, tromba, liuto, mandolino, organo, clarinetto (fu il primo compositore ad usare questo strumento, nei concerti RV 559 e 560). Come strumento solista, però, ignorò il clavicembalo, al quale alla fine affidò solo il basso continuo. I concerti per strumenti più rari furono scritti per giovani strumentisti virtuosi alla Pietà o per ricchi dilettanti (conte Wenzel von Morzin (fagotto), conte Johann von Wrtby (liuto), conte Eberwein (violoncello), marchese Bentivoglio d”Aragona (mandolino), ecc.)

La varietà sta anche nell”ispirazione dei temi: musica pura prevalentemente melodica – dove Vivaldi brilla in modo particolare – o musica contrappuntistica, imitativa o anche impressionistica spesso ispirata alla natura (Le Quattro Stagioni naturalmente, ma anche altre dai nomi evocativi: La tempesta di mare, La Notte, Il Gardellino, Il Rosignuolo, ecc.)

Il filo conduttore che unisce quest”opera immensa è la struttura in tre movimenti Allegro – Andante – Allegro, che è presa in prestito dall”ouverture italiana ed è stata perfettamente equilibrata. Sebbene Vivaldi l”abbia talvolta trasgredita, l”ha imposta con il vigore della sua interpretazione personale e con la sua ampia diffusione a stampa o in copia in tutta Europa. Il primo e il terzo movimento sono generalmente pezzi virtuosi; il movimento centrale, lento, ha un carattere più lirico ed elegiaco; in molti casi il solista suona da solo o con il basso continuo eseguendo la marcia armonica.

L”elemento base del movimento del concerto è il ritornello, una breve cellula tematica condivisa dal solista e dal ripieno (processo simile a quello del rondò), che si ripete attraverso modulazioni e variazioni ornamentali. Gioca un ruolo importante nello stile vivaldiano ed è anche usato nelle sue opere e nelle opere religiose.

La pratica di Vivaldi nelle sue due principali aree di attività, il concerto e l”opera, ha determinato una reciproca “auto-influenza”: il ruolo del solista nel concerto è del tutto paragonabile a quello del cantante d”opera nel suo confronto drammatico con l”orchestra e nello sfoggio del suo virtuosismo.

Si dice che Vivaldi abbia prodotto 507 concerti (circa), distribuiti come segue:

Con l”eccezione dell”Opus 10 per flauto, tutti questi pezzi sono dedicati al violino o ad ensemble composti principalmente da violini.

Un”Opus 13 apocrifa fu pubblicata a Parigi nel 1740, composta da opere allora attribuite a Vivaldi e il cui vero autore era Nicolas Chédeville. Chédeville aveva infatti utilizzato materiale tematico di Vivaldi.

Infine, una raccolta di sei sonate per violoncello, anch”essa pubblicata a Parigi, la cui fonte manoscritta era una collezione appartenente all”ambasciatore francese a Venezia, il conte di Gergy, è ora riconosciuta come ”Opus 14”.

Musica lirica

Vivaldi sosteneva di aver composto 94 opere. Di fatto, sono stati identificati meno di 50 titoli, e di questi, solo una ventina di opere sono giunte fino a noi, alcune delle quali incomplete (la fonte principale è il fondo Foà-Giordano della Biblioteca Nazionale Universitaria di Torino). Inoltre, la pratica dei revival sotto un titolo diverso e del pasticcio, riunendo frettolosamente pezzi di opere precedenti o anche di altri compositori, confonde ulteriormente i conti dei musicologi (la pratica del pasticcio era comune e non era affatto una specialità di Vivaldi).

Il ritmo frenetico della produzione operistica nell”Italia del XVIII secolo spiega la perdita di molte partiture: queste non furono mai stampate, per ragioni di costo, a differenza dei libretti che venivano venduti al pubblico.

Le abitudini dell”epoca non favoriscono la verosimiglianza dei libretti o la logica della trama; inoltre, il pubblico non viene ad ascoltare una storia, ma le prodezze vocali dei primi doni e dei castrati, sulle cui esigenze si basano le opere. Questi difetti erano stati condannati da Marcello nel suo pamphlet Il teatro alla moda, ma Vivaldi si stava semplicemente conformando al costume, mentre cercava di resistere alla moda dell”opera napoletana – almeno all”inizio della sua carriera. La presenza in molte biblioteche europee di copie delle arie d”opera di Vivaldi dimostra che esse erano apprezzate sia all”estero che in Italia, contrariamente alle affermazioni di alcuni, in particolare di Giuseppe Tartini. Le sue opere valgono soprattutto per la bellezza della musica: questo è un settore che i musicisti e gli amanti dell”opera stanno scoprendo negli ultimi dieci anni. La discografia, iniziata timidamente negli anni ”70, cresce ogni anno.

Didascalia:

Musica intima rispetto all”opera, la cantata è destinata a un cantante solista (soprano, contralto): queste opere erano eseguite dai residenti della Pietà. Rappresentano, non un”azione, ma un sentimento, una situazione psicologica in due arie separate da un recitativo (un recitativo iniziale può servire da introduzione).

Vivaldi è stato trovato:

Paragonabile alla cantata in quanto generalmente non coinvolgeva l”azione scenica, la serenata era un lavoro commissionato più grande, con un”ouverture orchestrale, arie soliste, recitativi e talvolta cori. Molti sono andati perduti, e tre sono sopravvissuti: la serenata a tre RV 690, Gloria e Himeneo RV 687, composta per le nozze di Luigi XV, e soprattutto La Sena festeggiante RV 693, composta per la nascita del Delfino.

Si sono conservate una cinquantina di opere di musica religiosa di vario tipo: elementi della Messa tridentina e la loro introduzione su testo libero (Kyrie, Gloria, Credo), salmi, inni, antifone, mottetti, tra cui i suoi Nisi Dominus, RV 608, e Filiae maestae Jerusalem RV 638, composti probabilmente intorno al 1716.

Anche le formule vocali sono diverse: canto solista (il caso generale dei mottetti, che non sono altro che cantate sacre), coro, solisti e coro, doppio coro. Dipendevano dall”istituzione per la quale erano stati composti, o la chiesa della Pietà, dove venivano eseguiti per un pubblico pagante come per un concerto, o per la Basilica di San Marco, le cui gallerie prospicienti avevano dato origine alla tradizione delle composizioni a doppio coro, o infine per sponsor come il cardinale Ottoboni.

Fu per scopi religiosi che Vivaldi poté dare libero sfogo al suo eccezionale genio per la musica corale, il cui uso nell”opera era scarso. È stato anche in questo campo che ha potuto utilizzare voci diverse dal soprano e dal contralto femminile. Questo distingue questa musica nella sua produzione: sono opere di alta qualità in cui si combinano la tradizione polifonica e il carattere festivo e giocoso della sua. Tuttavia, in queste opere non è un innovatore come nei suoi concerti.

Ci sono sette composizioni per doppio coro (Kyrie, Domine ad adjuvandum me, Dixit Dominus, Beatus vir, Lauda Jerusalem, Magnificat e Salve regina): insieme al Gloria RV 589 e allo Stabat Mater, formano il nucleo di questo repertorio, che è stato popolare tra i musicisti e il pubblico fin dall”inizio del “Vivaldi Renaissance” negli anni ”50.

Quanto all”oratorio Juditha Triumphans, il suo carattere e il suo scopo lo avvicinano all”opera, nonostante un argomento tratto dai libri sacri. È l”unico oratorio conservato tra i quattro che Vivaldi avrebbe composto; gli altri furono intitolati: La Vittoria navale, Moyses Deus Pharaonis e L”Adorazione delli tre re Magi.

Inventario delle sue opere

L”eredità di Vivaldi comprende più di 811 opere. Diversi musicologi del XX secolo hanno elaborato cataloghi delle composizioni del prete Roux, più o meno indipendentemente l”uno dall”altro e sulla base delle opere identificate al momento del loro lavoro, classificate secondo diversi criteri. Questo rende difficile riconoscere la loro corrispondenza, la più antica è anche la meno completa. I riferimenti che si possono trovare sono codificati come segue:

Istituita nel 1973 e completata da allora quando si scoprono nuove opere (per esempio la scoperta di una collezione di sonate per violino a Manchester o l”opera Argippo a Ratisbona), quest”ultima è la più completa e tende ad essere usata universalmente, soprattutto dalle case discografiche.

Il personaggio di Vivaldi appare nel film Rouge Venise di Etienne Périer nel 1989, un film che racconta un episodio della vita di Carlo Goldoni.

La vita romantica del compositore ha ispirato un altro Antonio Vivaldi, un principe a Venezia, una coproduzione franco-italiana del 2005 diretta da Jean-Louis Guillermou, con la partecipazione di Stefano Dionisi nel ruolo di Vivaldi e Michel Serrault come patriarca di Venezia.

Un altro film sulla sua vita è prodotto da Boris Damast (altri attori sono Malcolm McDowell, Jacqueline Bisset e Gérard Depardieu).

Un estratto da Nisi Dominus, RV 608 (Cum Dederit) muove le orecchie degli ascoltatori del film Home di Yann Arthus-Bertrand, o di James Bond 007 Spectre di Sam Mendes nel 2015, e stabilisce anche il ritmo del film Dogville di Lars von Trier.

A questo bisogna aggiungere la musica del film di François Truffaut, L”Enfant sauvage, con il suo concerto per mandolino.

In Kramer vs. Kramer (1979) di Robert Benton, sentiamo una versione adattata da Herb Harris del Concerto in Do maggiore per mandolino.

Runaway Train di Andrei Konchalovsky termina la sua corsa di confusione con un estratto di Gloria.

In Portrait of a Girl on Fire di Céline Sciamma, le Quattro Stagioni di Vivaldi compaiono più volte.

Diversi odonimi, come il Vivaldi Alley a Parigi, e toponimi, come il ghiacciaio Vivaldi sull”isola Alexander I in Antartide, portano il nome di Antonio Vivaldi.

Leggi anche, biografie – Scià Tahmasp I

Punteggi

Fonti