Barnett Newman

gigatos | Gennaio 23, 2022

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Riassunto

Barnett Newman (29 gennaio 1905, New York – 4 luglio 1970, New York) è stato un pittore americano. È uno dei più importanti rappresentanti dell”espressionismo astratto e uno dei primi pittori di Colorfield Painting.

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Infanzia

Barnett Newman è nato nella casa di famiglia al 480 di Cherry Street nel Lower East Side di Manhattan a New York City il 29 gennaio 1905. I suoi genitori, Abraham e Anna (nati, rispettivamente, nel 1874 e nel 1882) erano immigrati ebrei della città polacca di Lomza.

Il padre si guadagnava da vivere vendendo parti di macchine da cucire agli operai delle fabbriche di abbigliamento. Barnett Newman aveva quattro fratelli e sorelle. Il maggiore morì nell”infanzia, rendendo Barnett il più vecchio dei fratelli. Abraham Newman ha iniziato un”attività di abbigliamento industriale. I suoi affari prosperarono e intorno al 1915 la famiglia Newman si trasferì a Belmont Avenue, un quartiere della classe media nel Bronx. Lì, Barnett ha goduto di un”infanzia piena di sport e lezioni di pianoforte.

I Newman erano sionisti e i bambini frequentavano la National Hebrew School nel Bronx. Oltre alle classi della scuola, i bambini sono istruiti a casa da giovani ebrei europei.

Adolescenza

Dal 1919 al 1923, Barnett Newman studiò alla DeWitt Clinton High School. Newman raccontò in seguito che marinava regolarmente la scuola per intrattenere il vicino Metropolitan Museum of Art.

Durante il suo primo anno di liceo, Newman cercò un secondo nome, che divenne Benedict, un derivato del suo nome ebraico Baruch. Più tardi, sarebbe stato chiamato “Barney” e poi “B.B.”. Newman usava una “B” in più nella sua firma che usò per il resto della sua vita su tutti i suoi documenti ufficiali.

All”ultimo anno di liceo, Newman lavorava al suo disegno in classe sei giorni a settimana alla Art Students League. Fu premiato quando il suo disegno Much-labored-over fu scelto in una mostra dei migliori lavori degli studenti.

In questa scuola, dal 1923 al 1927, Newman incontrò Adolph Gottlieb, che aveva già iniziato la sua vita d”artista poiché Gottlieb aveva abbandonato il liceo nel 1921 per studiare arte e visitare l”Europa. Diventarono amici e visitarono regolarmente il Metropolitan Museum of Art.

Dopo il liceo, Newman si è iscritto alla New York University dove ha studiato filosofia. Ha contribuito con articoli al giornale scolastico The Campus e alla rivista letteraria studentesca The Lavander. Per esempio, ha pubblicato una recensione di Roger Fry. Durante i suoi studi, divenne amico di Aaron Siskind, un artista che più tardi sarebbe diventato un noto fotografo.

Negli anni ”30 dipinse quelle che si dice siano opere espressioniste, ma le distrusse tutte. Divenne poi scrittore e critico d”arte, organizzando mostre e scrivendo prefazioni di cataloghi. Più tardi divenne un membro dell”Uptown Group.

Dopo l”università

Nel 1927, il padre di Newman gli offrì la possibilità di unirsi alla fiorente azienda di famiglia per risparmiare denaro per il futuro precario che un artista avrebbe potuto affrontare. Barnett Newman accettò e fu raggiunto da uno dei suoi fratelli.

Nel 1929, quando il mercato azionario crolla in ottobre, l”azienda familiare di abbigliamento è in crisi. Mentre suo fratello ha lasciato l”azienda, Barnett Newman è rimasto per cercare di aiutare suo padre a salvare la società. Ma il business continua a crollare. Barnett lasciò l”azienda e cercò di diventare un insegnante d”arte nel sistema scolastico pubblico di New York. Divenne un supplente d”arte che guadagnava 7,50 dollari al giorno.

Attraverso il suo amico Gottlieb, incontrò il pittore Milton Avery negli anni ”30. Divennero il centro di un gruppo di giovani artisti che si incontravano spesso a casa di Milton Avery per studiare il loro lavoro e discutere di letteratura. Newman e Gottlieb hanno vissuto insieme durante questo periodo.

Qualche anno dopo, Newman presentò con un amico un manifesto intitolato “The Need for Public Action by Men of Culture”, che aveva tre parti: istruzione più ampia, maggiore considerazione per l”artigianato e promozione della vita culturale.

Nel 1934, Newman fece amicizia con Annalee Greenhouse, con la quale condivise e amò la musica. Divenne sua moglie qualche tempo dopo.

Nel 1935, riprese un lavoro che aveva fatto da studente sulla difesa dei diritti dei dipendenti pubblici (insegnanti, netturbini, ecc.) che chiamò “La risposta” e scrisse: “I libri che raccomandiamo” e promulgò libri come l”Etica di Spinoza, la Repubblica di Platone e un testo speculare intitolato: “I libri che condanniamo” e citò le opere di Marx o Lenin.

La sua carriera di insegnante

Il 30 giugno 1936, Annalee e Barnett si sposarono. La coppia voleva trasferirsi nel Maine, ma le preoccupazioni finanziarie li hanno costretti a tornare al loro lavoro di insegnanti a New York.

Nel 1939, Annalee ottenne un regolare lavoro di insegnamento in una scuola superiore nel Queens (William Cullen Bryant School).

Un acquerello di Newman intitolato ”Country Studio” faceva parte di una mostra d”arte organizzata dai membri della Art Teachers” Association nel marzo 1940. Questo acquerello è quasi simile alla campagna: “Possiamo disegnare?” che era apparsa due anni prima. Nell”ottobre dello stesso anno, Newman decise di abbandonare alcuni dei corsi serali di serigrafia che stava tenendo. Perseguì il suo interesse per le scienze naturali. Seguì dei corsi all”American Museum of Natural History e fu eletto membro associato dell”American Ornithologists” Union. Durante l”estate, Barnett e Annalee hanno studiato gli uccelli e la vita marina nel Maine e poi hanno seguito corsi di botanica e ornitologia alla Cornell University di Ithaca, New York.

Carriera artistica

Nel 1943, Barnett Newman scrisse la prefazione al catalogo della prima mostra dell”AMA, American Modern Artists. Questa mostra era una protesta contro il Metropolitan Museum of Art di New York a causa della sua esclusione dell”arte moderna dalle sue mostre. Nel 1945, si dedica a diversi scritti che saranno pubblicati post mortem come: “The Plasma Image”, un saggio che espone le sue idee sull”arte astratta. Nello stesso anno, Newman e sua moglie seppero che alcuni membri della famiglia erano stati deportati dai nazisti. Fu in questo periodo che divenne amico di Tony Smith, un architetto e artista che lo aiutò a organizzare delle mostre. Alla fine di quell”anno, Newman si unì agli artisti che esponevano alla mostra di Betty Parsons. Questa fu la prima mostra di Newman dopo quella del 1940 con i suoi amici, i membri della Art Teachers Association.

Nel 1947, Newman incontrò Jackson Pollock e Lee Krashner. Newman e Pollock hanno stretto una forte amicizia. Pollock era un artista che ha esposto le sue opere all”ultima mostra “Art of This Century” creata da Peggy Guggenheim. L”amica di Newman, Betty Parson, aggiunse in seguito Pollock agli artisti che esponeva nella sua galleria. Newman preparò un evento alla galleria di Betty Parson quello stesso anno dove espose le sue opere: Gea e Abisso Euclideo.

Nel giugno 1947, il padre di Newman morì. Alla fine dell”anno scolastico, Newman ha lasciato il suo lavoro e il suo matrimonio per vivere con il solo reddito di Annalee, sua moglie. Newman ha scritto un saggio intitolato Il primo uomo era un artista. Questo saggio apparirà nel primo numero di Tiger”s Eye, una piccola rivista d”arte. Ha dato un contributo importante scrivendo sul tema “Perché dipingo”, a proposito del quale ha detto: “Un artista dipinge per avere qualcosa da guardare, a volte deve scrivere per avere anche qualcosa da leggere. Nello stesso anno, la sua opera Euclidian Abyss fu esposta dall”Abstract and Surrealist American Art all”Art Institute di Chicago nel novembre 1947. Questo dipinto fu la prima vendita di Newman. Il dipinto è stato acquistato da collezionisti del Connecticut.

L”anno seguente, 1948, Newman dipinse Onement I. Questo dipinto deve essere visto come una svolta importante nella sua carriera, i due anni successivi sarebbero stati i più produttivi della sua vita. Onement I fa parte della serie Onement, insieme a Onement II e Onement III. All”inizio dell”autunno, William Baziotes, David Hare, Robert Motherwell e Mark Rothko formarono una scuola d”arte cooperativa. Newman suggerì il nome della scuola, Artist”s Subjects, per sottolineare l”importanza dell”oggetto nell”arte astratta.

Nel 1949, Newman realizzò diciassette opere nello stesso anno, il più produttivo della sua carriera. A gennaio, Newman è entrato a far parte della facoltà dei Soggetti dell”artista. I coniugi Newman hanno aiutato ad organizzare conferenze per la scuola. Nonostante la sua popolarità, la scuola chiuse nel maggio 1949.

Nel 1950, Newman fece la sua prima mostra personale nella galleria di Betty Parsons. Subito dopo questa prima mostra, Barnett Newman disse in una sessione d”arte dello Studio 35: “Noi stiamo, in un certo senso, facendo il mondo a nostra immagine. Usando il suo talento di scrittore, Newman lottò per rafforzare la sua nuova immagine di artista e per promuovere il suo lavoro. Ma le recensioni erano in gran parte negative. ARTNews scrive: “Newman è lì per scioccare, ma non è lì per scioccare la borghesia – quello è stato fatto. Gli piace scioccare gli altri artisti. Solo un quadro (End of Silence) è stato venduto ad amici di sua moglie. Dopo la mostra, il profitto di Newman era di 84,14 dollari.

Insieme ad altri diciassette artisti, Newman scrisse una lettera di protesta contro il Metropolitan Museum of Art e la sua visione negativa dell”arte moderna. La lettera è apparsa sul New York Times il 22 maggio 1950 e ha scatenato una raffica di editoriali in pubblicazioni locali e nazionali. Lo stesso anno realizzò la sua prima scultura Here I, in legno e gesso. L”artista ha riflettuto sulla verticalità e l”ha enfatizzata in quest”opera in bronzo. Nello stesso anno realizza anche The Wild, che è una tela lunga e stretta. La sua superficie è dipinta di arancione e il suo bordo grigio-blu.

Nell”aprile 1951, Newman espose una seconda volta alla galleria di Betty Parsons. Fu in questa mostra che apparve per la prima volta un quadro di 5,40 metri di lunghezza e 2,40 metri di larghezza, Vir Heroicus Sublimis. Purtroppo i critici lo condannarono ancora una volta e nessuno dei quadri fu venduto. Alla fine ritirò il suo lavoro dalla galleria e cessò ogni attività lì. Questo quadro diventerà in seguito la sua opera più famosa.

In un saggio intitolato “Feelings is all” che fu pubblicato nel 1952, il critico Clement Greenberg riconobbe tardivamente il lavoro di Newman del 1950 e 1951 nelle sue mostre e denunciò i suoi critici. Ha dichiarato: “Newman è un artista molto importante e originale”. Nell”aprile del 1952, Newman fu escluso dal Museum of Modern Art, che esponeva quindici artisti americani, tra cui molti suoi amici come Pollock e Rothko. Questo evento ha ferito profondamente Newman. Nel catalogo della mostra si legge: “Per il mio amico Barnett Newman, che avrebbe dovuto essere rappresentato in questa mostra”.

Nel giugno 1953, ricomprò alcune delle sue opere. Ha dichiarato di voler rimuovere tutti questi “piccoli” quadri dalla vista del pubblico. Questa azione è rappresentativa del desiderio di Newman di ritirarsi dal mondo dell”arte ufficiale. Non ha più esposto fino al 1955.

Nel 1955, Newman raggiunse i cinquant”anni e anche se sua moglie iniziò un secondo lavoro, la situazione finanziaria della coppia era precaria. La coppia ha chiesto prestiti e ha impegnato oggetti di valore. Nello stesso anno, il critico Clement Greenberg elogiò l”arte di Newman, descrivendola come “profonda e onesta” ma affermando anche che era un discepolo di Still e che il suo lavoro era molto simile a quello del suo amico Rothko. Quest”ultima affermazione irritò profondamente Newman. Si può citare per esempio la sua lettera del 9 aprile 1955, “Lettera a Sidney Janis: – È vero che Rothko parla al combattente. Sta combattendo, tuttavia, per sottomettere il mondo dei Filistei. La mia lotta contro la società borghese mi ha convinto a rifiutarla totalmente”.

In occasione del decimo anniversario della galleria di Betty Parsons, ha esposto una delle sue opere “Horizon Light”. Questa era la sua prima mostra pubblica dal 1951. Poi, fino al 1957, non fece nessun quadro e se lo fece, lo abbandonò. Il suo amico, Jackson Pollock, mostra lo studio di Newman a Ben Heller, un giovane collezionista, che compra due quadri, Adam e Queen of the Night I per 3.500 dollari. Poco dopo, Jackson Pollock morì in un incidente d”auto a Long Island, cosa che colpì molto la coppia Newman.

Nel giugno 1957, Newman fu incluso nella mostra del Minneapolis Institute of Arts. Ma i suoi problemi con i critici continuarono: “La cosa più stupida nello spettacolo è Barnett Newman con Vir Heroicus Sublimis. Qualche mese dopo, verso la fine dell”anno, Newman ha avuto un attacco di cuore ed è stato ricoverato in ospedale per sei settimane.

In seguito, nel 1958, fu aiutato da sua moglie, sua madre e sua sorella nel suo appartamento e dipinse molto poco, compresi due dipinti che furono poi chiamati First Station e Second Station. Questi dipinti furono i primi di una lunga serie intitolata Via Crucis. Più tardi, Ben Heller, il giovane collezionista, invitò Alfred Barr e Dorothy Miller del Museum of Modern Art a visitare lo studio di Newman. Quattro dei suoi quadri, Abraham, Concord, Horizon Light e Adam, furono poi esposti in modo itinerante al Museum of Modern Art e lui andò a Milano, Madrid, Berlino, Amsterdam, Bruxelles, Parigi e Londra, ritornando a New York l”anno seguente.

Durante un viaggio d”affari nel 1959, Arnold Rudlinger, uno storico dell”arte svizzero e direttore di museo che sarebbe stato considerato come uno dei pionieri dell”arte americana in Europa, vide un”opera di Newman intitolata Day Before One. Comprò l”opera e divenne la prima persona ad avere una collezione pubblica con un”opera di Newman. Più tardi, il MoMA seguì l”esempio e divenne il primo museo americano a tenere un”opera di Newman.

Barnett Newman ebbe poi una mostra organizzata da Clement Greenberg, il critico d”arte e consigliere di galleria. La critica rimase ostile, ma la mostra fu interessante per la giovane generazione di artisti newyorkesi, per i quali fu la prima opportunità di vedere il suo lavoro. Nell”agosto 1959, la coppia Newman si recò in Canada dove Barnett diresse un workshop estivo per artisti canadesi. Divenne molto influente per questi giovani artisti, molti dei quali andarono poi a New York. Uno di loro, lo scultore Robert Murray, disse in seguito: “Ci ha aiutato con la nostra paranoia provinciale… Ha fatto sembrare importante essere un artista.

Nel 1960, ha completato le tele grezze con vernice nera. Fu a questo punto che iniziò a pensare alla Via Crucis come una serie. Ci ha lavorato per i sei anni successivi. Lavorerà anche su opere grafiche, cosa che non ha fatto per undici anni. Ha fatto una serie di ventidue disegni a inchiostro che misurano 4,20 metri per 3 metri. Nel gennaio 1961, il quadro Vir Heroicus Sublimis fu acquistato da Ben Heller. Altre vendite di quell”anno furono L”Errance e Onement VI.

A febbraio, Barnett Newman cadde in una profonda depressione in seguito alla morte improvvisa di suo fratello minore, George. Per tirarlo fuori da questa situazione, il suo amico Cleve Gray lo invita a partecipare a un progetto di litografia al Pratt Institute Graphic Art Center. Questa fu la sua prima esperienza con la stampa. Poco dopo, dipinge un quadro dedicato a suo fratello George in ecru e nero, Surgit la lumière (Per George).

Nel gennaio 1962, rifiutò gli inviti a eventi importanti come la Gallery of Modern Art di Washington e l”evento “Geometric Abstraction” al Whitney Museum of American Art di New York. Fu anche durante questo anno che realizzò un dipinto chiamato Il terzo. Con l”aiuto di Robert Murray, Newman partecipò a una fusione con la sua scultura Here I (To Marcia) del 1950 alla Modern Art Foundry nel Queens. Ha preso il nome di Marcia Weisman che lo ha spinto a fare il casting.

Il 23 ottobre 1962, Newman e De Kooning tennero una mostra delle loro opere nella galleria di Tony Smith. Le ondate di critica erano finalmente a favore di Newman, e ora veniva dichiarato uno dei “più notevoli artisti viventi oggi”.

Nel 1963, la rivista Vogue pubblicò un luminoso saggio biografico di Harold Rosenberg intitolato “Barnett Newman, un uomo di controversia e grandezza spirituale”. Più tardi Newman fu incoraggiato da William Lieberman, un curatore di stampe al Museum of Modern Art, a fare litografie. Fu allora che Newman decise di fare un “libro”, una collezione di litografie. Ha lavorato su quattro pietre nel suo studio. Il suo lavoro è diventato una serie di processi litografici chiamati “Cantos” pubblicati da ULAE. Finì il suo progetto nel 1964 con 14 “Cantos”, ma più tardi decise che erano necessarie altre quattro incisioni, portando il totale a diciotto. Era contento di questo numero, che in ebraico (chai) significa anche vivere. Per lui sono come canzoni musicali, che dedica a sua moglie Annalee. Poi dipinse la Settima stazione, l”Ottava stazione, la Nona stazione e l”Essere II, che chiude la serie delle stazioni della Via Crucis, che fu esposta dal Guggenheim di New York. A settembre, Annalee va in pensione. Ora passa le sue giornate con Barnett in studio.

Nel 1965, il lavoro di Newman fu incluso in due eventi che celebravano la fine dell”espressionismo astratto a Philadelphia, The Decisive Years: 1943-1953 e a Los Angeles, New York School, The First Generation: Paintings of the 1940s and 1950s. Lo stesso anno, Newman realizzò un”altra scultura in acciaio Here II presso la Treitel Gratz Company che completava Here I. Pochi mesi dopo, Walter Hopps, un curatore, nominò Newman come figura centrale in un gruppo di artisti che selezionò per il Padiglione degli Stati Uniti all”Ottava Biennale di San Paolo. Gli altri sei artisti erano vent”anni più giovani di Newman. Sono Billy Al Bengston, Larry Bell, Robert Irwin, Donald Judd, Larry Poons e Frank Stella. Su richiesta dell”artista, i sette dipinti e le due sculture sono presentati fuori concorso. Con questo evento, Newman ha incantato i giornalisti. Ha conquistato l”ammirazione dell”architetto Oscar Niemeyer e del famoso calciatore Pelé. Ma ha anche impressionato gli artisti di San Paolo con la sua conoscenza della storia dell”arte.

Il 20 aprile 1966, il Guggenheim di New York tenne una mostra del solo lavoro di Newman, compresi i dipinti della Via Crucis. Queste “Stazioni” guadagnarono l”attenzione ben oltre i confini abituali del mondo dell”arte e il suo lavoro fu esposto in tutto il mondo, in particolare in Europa. Ha continuato a lavorare alla fonderia Treitel Gratz dove ha realizzato una scultura in Corten e acciaio inossidabile chiamata Be III. Nello stesso anno realizzò anche il suo primo quadro con i colori primari, che sarà la base della serie di quattro Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue completata con gli acrilici. Fece diversi dipinti quell”anno, tra cui uno di circa 5 metri di lunghezza, Voice of Fire, che fu usato nel padiglione americano all”esposizione mondiale di Montreal del 1967, uno dei suoi dipinti più impressionanti.

Nell”agosto 1967, Newman fu invitato a parlare della dimensione spirituale dell”arte contemporanea al primo Congresso Internazionale su Religione, Architettura e Arti Visive a New York. Nel suo discorso, Newman ha dichiarato: “Ciò che conta per un vero artista è la distinzione tra luogo e non luogo; e più grande è l”opera d”arte, maggiore sarà questa sensazione. E questo sentimento è una dimensione spirituale fondamentale. Poco dopo, Newman iniziò a lavorare con la fonderia North Haven nel Connecticut, specializzata nella produzione di grandi opere d”arte. Newman fece una scultura monumentale, Broken Obelisk, che fu poi esposta in molte gallerie d”arte. Mentre lavorava al suo obelisco, Newman considerò l”idea di un dipinto triangolare.

Nel novembre 1967, i Newman vennero in Europa per l”apertura di “The Poetry of Vision” a Dublino, una mostra d”arte contemporanea e antica con Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue II, Queen of the Night II e Now II. Il 21 dicembre 1967, Newman firma una lettera aperta sulla New York Review of Books per protestare contro l”antisemitismo in Unione Sovietica.

Nel gennaio 1968, la coppia venne a Parigi per Newman per partecipare a una conferenza in onore di Charles Baudelaire e fece la sua prima visita al Louvre. Il 28 aprile, Newman accettò un incarico di insegnamento all”Università di Bridgeport, nel Connecticut. Quell”anno, Newman esegue un quadro dedicato alla Luce di sua madre Anna. Era il più grande dipinto che Newman avesse mai fatto e il primo a non essere teso e montato direttamente sul muro dello studio. Pochi mesi dopo, protestò contro il sindaco di Chicago Daley e le brutali azioni della polizia nel rimuovere l”opera di Gea da una mostra di Chicago e fece progetti per una scultura intitolata Mayor Daley”s Outhouse ma non ebbe abbastanza tempo per completarla.

Il 25 marzo 1969, Newman aprì la sua prima galleria, M. Knoedler and Company, che avrebbe esposto i suoi lavori degli anni 60. Le quattro opere Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue ebbero molto successo, così come Now II, Anna”s Light e i due dipinti triangolari che aveva appena completato, Jericho e Chartres. Poi è arrivata la prima monografia pubblicata su Newman scritta da Thomas Hess.

Il lavoro di Newman è controverso ma ampiamente lodato dalla comunità. Le recensioni negative della critica non lasciano dubbi sull”importanza di Newman. Le sue mostre hanno attirato l”attenzione tanto quanto le retrospettive museali di Willem de Kooning e David Smith che hanno avuto luogo nello stesso anno. Quell”anno eseguì Zim Zum I, che originariamente doveva essere alto 3,60 metri ma che ridusse a 2,40 metri per poterlo spedire a Tokyo per una mostra all”Hakoone Open Air Museum.

Dieci dei suoi dipinti e tre delle sue sculture che coprono la carriera di Newman dal 1946 al 1969 appaiono nella mostra di New York Painting and Sculpture 1940-1970, organizzata da Henry Geldzahler per il Metropolitan Museum of Art. Più tardi quell”anno, Newman iniziò a pianificare grandi mostre retrospettive da organizzare da Thomas Hess alla Tate Gallery di Londra, al Grand Palais di Parigi, al MoMA di New York e allo Stedelijk Museum di Amsterdam, tra gli altri.

Nel gennaio 1970, Newman contribuì al centenario del Metropolitan Museum of Art, dove scrisse: “Ho sempre avuto un disgusto, persino un disprezzo, per le riproduzioni e le fotografie di opere d”arte, anche del mio lavoro. Posso solo essere contento che la mia educazione artistica non è venuta dall”esame di fotografie e superproduzioni di diapositive o persino di insegnanti, ma da me stesso di fronte alla realtà.

Il 17 maggio 1970, la Brandeis University di Waltham, Massachusetts, onorò il lavoro di Newman con una medaglia per le arti creative nella pittura.

Il 4 luglio 1970, all”età di sessantacinque anni, Barnett Newman morì di un attacco di cuore nel suo studio vicino al quadro Who”s Afraid of Red, Yellow, and Blue IV. Nel suo studio c”è anche una tela incompiuta di 5,40 metri per 2,40 metri, una tela triangolare ad angolo retto e tre delle sue opere completate ma ancora senza titolo.

Prime opere

Negli anni ”40 il suo stile era piuttosto surreale e poi divenne più maturo. Questo è caratterizzato da aree di colore separate da sottili linee verticali, zip come le chiama lui. Nei suoi primi lavori con queste cerniere, i campi di colore non sono uniformi, ma in seguito i colori sono puri e piatti.

Nel 1947, espose due opere nella galleria di Betty Parson, Gea e Euclidian Abyss. Su uno sfondo nero, le linee gialle verticali non proprio verticali diventano sempre più importanti nel suo lavoro. Queste zip segnano la singolarità dell”artista e rimarranno un elemento costante nella carriera di Newman.

Lui stesso pensava di aver raggiunto la piena maturità del suo stile con la serie Onement nel 1948. Si tratta di lavori con uno sfondo bordeaux e cerniere verticali di altri colori. Provocano sconvolgimenti ed emozioni nello spettatore. Newman ha detto di queste opere: “Ci sono trasformazioni specifiche e separate di sentimento che possono essere sperimentate di fronte ad ogni quadro”.

In alcuni dipinti degli anni 50, come The Wild, lungo due metri e mezzo e largo quattro centimetri, è presente la cerniera, se non l”opera stessa. Newman ha anche realizzato alcune sculture, tra cui Here I, che sono essenzialmente rappresentazioni tridimensionali di zip.

Nel 1951, espose Vir Heroicus Sublimis, che più tardi divenne la sua opera più famosa. Il numero di cerniere e la loro regolarità danno al quadro una simmetria, risultando in una piattezza rossa che sembra semplice.

Anche se i dipinti di Newman sembrano essere puramente astratti e molti di loro erano originariamente senza titolo, i nomi che diede loro in seguito si riferiscono a soggetti specifici, spesso con un tema ebraico. Due opere dei primi anni Cinquanta, per esempio, si chiamano Adamo, e poi anche Uriel (1954) e Abramo (1949), un dipinto molto scuro, che prende certamente il nome dal patriarca biblico ma era anche il nome del padre di Newman, morto nel 1947. Newman esprime un certo misticismo con i titoli delle sue opere. Adam”, il primo nome del personaggio biblico, è vicino ad adom, che significa rosso, e dam, che significa sangue. Questo dipinto dai toni rossi è il risultato dell”identità ebraica di Newman, di cui si preoccupava molto, soprattutto durante gli orrori della seconda guerra mondiale, l”Olocausto. Disse: “Quando Hitler stava devastando l”Europa, potevamo esprimerci dipingendo una bella ragazza nuda sdraiata su un divano? A questa domanda ha risposto con astrazione.

La serie di dipinti che include variazioni di beige con strisce verticali nere, The Stations of the Cross (1958-1964), iniziò poco dopo che Newman si era ripreso da un attacco di cuore ed è vista come un punto culminante della carriera. La serie è sottotitolata Lema sabachthani – “Perché mi hai abbandonato? – parole pronunciate da Cristo sulla croce. Per Newman le sue parole hanno un significato universale. La serie è stata vista anche come un memoriale delle vittime dell”Olocausto. Newman voleva esprimere la tragedia universale e la violenza in relazione alla passione.

Opere tardive

Le opere successive di Newman, come la serie Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue, che è fatta interamente di colori primari, e le cerniere danno una dinamica a tutto il quadro. Queste opere sono fatte di colori puri e vibranti, spesso su grandi tele – La luce di Anna (1968), chiamata così in memoria di sua madre morta nel 1965, è la più grande, otto metri e quaranta per due metri e settanta. Newman lavorò anche su tele non rettangolari verso la fine della sua vita, come Chartres (1969), che è triangolare, e poi tornò alla scultura, realizzando alcuni pezzi in acciaio lucido. I suoi ultimi dipinti sono realizzati con colori acrilici piuttosto che con colori ad olio come nelle sue prime opere. Tra le sue sculture, l”Obelisco Rotto è la più grande e conosciuta, che rappresenta un obelisco rovesciato con la punta appoggiata sulla punta di una piramide.

Ha anche prodotto una serie di litografie, i 18 Cantos (1963-64), che, secondo Newman, evocano la musica. Il suo lavoro include anche alcune incisioni. Dedica le sue opere a sua moglie Annalee.

Nel 1962 realizzò una grande tela arancione con due cerniere gialle, The Third. A proposito di questo lavoro, Newman ha detto: “Sento che le mie zip non dividono i miei quadri. Sento che fanno esattamente il contrario, unificano l”insieme.

Newman è generalmente considerato un espressionista astratto, sulla base del suo lavoro a New York negli anni ”50, dove lui e altri espressionisti astratti svilupparono uno stile astratto che non aveva nulla in comune con l”arte europea. Tuttavia, il suo rifiuto della pennellata espressiva utilizzata da altri espressionisti astratti come Clyfford Still e Mark Rothko, e l”uso di aree piatte di colore su superfici ben definite, possono renderlo un precursore degli artisti dei movimenti Hard Edge Painting, Colorfield Painting e Minimalismo (arte), come Frank Stella.

Newman non raggiunse un grande successo come artista per la maggior parte della sua vita, essendo messo in ombra da figure colorate come Jackson Pollock. L”influente critico Clement Greenberg scrisse articoli entusiastici su di lui, ma non fu fino alla fine della sua vita che fu seriamente considerato. Tuttavia, ha influenzato molti giovani pittori.

Newman ha sempre insistito che i suoi spettatori devono vedere le sue opere da vicino per essere avvolti dai colori densi. I suoi dipinti devono dare allo spettatore la sensazione di annegare nel colore puro. La sua arte è astratta, totale e senza compromessi. Ha detto: “Si dice che ho portato la pittura astratta ai suoi limiti, mentre per me è ovvio che ho solo fatto un nuovo inizio.

Newman morì a New York per un attacco di cuore nel 1970.

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Note

Fonti