Cy Twombly

gigatos | Gennaio 31, 2022

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Riassunto

Cy Twombly, nato Edwin Parker Twombly Jr. il 25 aprile 1928 a Lexington, Virginia – morto il 5 luglio 2011 a Roma, è stato un pittore, disegnatore, scultore e fotografo statunitense.

Cy Twombly appartiene alla generazione di Robert Rauschenberg, Jasper Johns o Brice Marden, rinnovando l”arte americana dopo la generazione degli espressionisti astratti come Jackson Pollock, Mark Rothko o Barnett Newman.

Il suo lavoro si interseca con alcune delle principali questioni dell”arte del ventesimo secolo, come il dilemma dell”astrazione

Origine della famiglia

Edwin Parker Twombly Jr, conosciuto come “Cy”, è nato nel 1928 a Lexington, Virginia. Suo padre, Edwin Parker Twombly, conosciuto come “Cy” (1894-1974), era un giocatore di baseball dei Chicago White Sox. Ha preso il soprannome del famoso lanciatore Denton True Young (1867-1955), conosciuto come “Cy Young” (Cy per “Cyclone”).

Il pittore Cy Twombly riprenderà quindi non solo il nome e il cognome di suo padre, ma anche il suo soprannome. Cy Twombly Sr. è professore di sport alla Washington and Lee University di Lexington.

Formazione e prime mostre negli USA

Fin da un”età molto giovane, Cy Twombly era interessato al disegno e alla pittura. Tra il 1942 e il 1946, prese lezioni nella sua città natale con il pittore spagnolo Pierre Daura (un ex allievo del padre di Picasso), che era stato a lungo rifugiato in Francia ed era venuto negli Stati Uniti dopo aver sposato una donna virginiana nel 1938.

Nel 1946, Twombly entrò alla Darlington School di Rome, Georgia. Passò l”estate del 1947 in una colonia di artisti a Ogunquit e Groveland. Poi, dal 1947 al 1949, ha frequentato la Boston Museum School. Tornato nella sua città natale per studiare alla Washington and Lee University (Lexington), fu incoraggiato a unirsi alla Art Students League di New York (1950-1951). Fu lì che incontrò i pittori Knox Martin e Robert Rauschenberg. Su consiglio di quest”ultimo, trascorse un periodo nel 1951 e 1952 al Black Mountain College, vicino ad Asheville nel North Carolina, un luogo di scambio e di incontri intellettuali dove si riuniva l”avanguardia newyorkese. Lì ha avuto a che fare con Franz Kline, Robert Motherwell, Ben Shahn, il poeta Charles Olson, il musicista John Cage e il ballerino e coreografo Merce Cunningham.

La sua prima mostra si tenne nel novembre 1951 alla Seven Stairs Gallery di Chicago grazie ad Aaron Siskind; nello stesso periodo fu esposto alla Kootz Gallery di New York tramite Robert Motherwell. Una borsa di studio del Virginia Museum of Fine Arts nel 1952 gli permise di viaggiare con Robert Rauschenberg in Europa, Spagna, Italia, Francia e Nord Africa da settembre 1952 a maggio 1953. Durante questo viaggio, i due pittori scoprirono Roma, Venezia, Firenze, Assisi e anche Casablanca, Marrakech e Tangeri. Cy Twombly ha partecipato a scavi archeologici nelle terme romane.

Al loro ritorno negli Stati Uniti nel 1953, Twombly e Rauschenberg esposero alla Stable Gallery di Eleanord Ward, con recensioni negative. Tra l”autunno del 1953 e la primavera del 1954, Twombly soddisfò i suoi obblighi militari nei servizi crittografici a Washington D.C. Tornato a New York, condivise lo studio che Robert Rauschenberg affittò per un certo periodo in Fulton Street. La sua vita a New York fu segnata da nuove amicizie, in particolare con Jasper Johns e Jackson Pollock, e da nuove mostre alla Stable Gallery nel 1956 e 1957. Dal 1959 fu esposto da Leo Castelli, un famoso gallerista newyorkese di origine italiana. Nell”ultima parte della sua carriera, è stato legato alla Galleria Gagosian.

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Tra Europa e Stati Uniti – Il viaggiatore

Nel 1957, durante un secondo soggiorno in Italia che doveva essere temporaneo, decise di stabilirsi definitivamente a Roma. Quello stesso anno conobbe Tatiana Franchetti, pittrice e discendente di una famiglia di mecenati. Si sono sposati a New York il 20 aprile 1959 e hanno avuto un figlio, Ciro Alessandro, nato il 18 dicembre dello stesso anno. Da allora, Cy Twombly visse tra l”Europa e gli Stati Uniti, avendo successivamente o a volte contemporaneamente residenze e studi a Roma, New York, Lexington, Sperlonga, Bolsena, Bassano in Teverina, Gaeta, e visitando regolarmente Robert Rauschenberg a Captiva Island (Florida).

La vita del pittore è stata segnata da numerosi viaggi, in particolare in Francia, dove ha vissuto a Parigi all”Hotel La Louisiane, in Germania, in Svizzera, in Egitto (1962), nello Yemen (1983) e in India (1973). Nell”estate del 1991, Cy Twomby ha seguito l”itinerario del poeta romantico inglese Lord Byron in Grecia.

Riconoscimento internazionale

Twombly fu invitato alla Biennale di Venezia del 1964. Nel 1968, il Milwaukee Art Center montò la sua prima retrospettiva negli Stati Uniti. Questo riconoscimento fu accentuato nel 1979 con una retrospettiva al Whitney Museum of American Art. In seguito ha esposto in tutto il mondo: Kunsthaus di Zurigo nel 1987, Musée national d”art moderne di Parigi nel 1988, MoMA di New York nel 1994, così come a Houston Texas (dove la Menil Collection ha aperto nel 1995 una sezione appositamente concepita per la sua opera in un edificio progettato da Renzo Piano in stretta collaborazione con il pittore), a Los Angeles, a Berlino… Anche il Museo Brandhorst di Monaco presenta un gran numero di sue opere (un intero piano è dedicato al pittore con, come pezzo forte, il ciclo di Lepanto del 2001).

Nel 1996 ha ricevuto il premio Praemium Imperiale nella categoria Pittura e nel 2001 il Leone d”Oro alla Biennale d”Arte Contemporanea di Venezia.

Cy Twombly è morto il 5 luglio 2011 a Roma.

Breve cronologia dell”opera dipinta

L”opera di Cy Twombly può essere approssimativamente divisa in sette periodi successivi.

Il catalogo ragionato colloca l”inizio nel 1948, anche se c”è una fotografia del giovane all”età di 16 anni che dipinge su un paesaggio naturale a Ogunquit, Maine (fotografia intitolata Cy Twombly with painting box + Umbrella of Charles Woodburry . Questi primi dipinti sono poco pubblicati e poco conosciuti.

Tra il 1951 e il 1953, l”artista utilizza un materiale spesso e ruvido nelle sue tele, dipingendo grandi forme primitive, spesso falliche. Questa fase, dominata da un cromatismo limitato al bianco e al nero, fu alimentata in particolare dal viaggio a Roma e nel Maghreb con Robert Rauschenberg.

Il 1955 fu l”anno di una serie di dipinti, tutti persi tranne Panorama. Il set, distrutto dall”artista, è noto grazie a una fotografia scattata da Robert Rauschenberg nello studio che condividevano in Fulton Street a New York. Su queste tele, una linea bianca leggera, frastagliata e astratta attraversa uno sfondo uniformemente nero. Questa serie è spesso paragonata agli sforzi di Cy Twombly durante il suo servizio militare (1953) per disimparare la tecnica classica del disegno esercitandosi al buio.

Gli anni 1955-1959, segnati dal trasferimento a Roma nel 1957, mostrano una certa unità nel candore degli sfondi su cui sono sparsi bei segni di vario genere. A questo periodo appartengono grandi serie e opere come Academy, Criticism, Free Wheeler, ecc. dipinte nel 1955 a New York, intitolate casualmente con la complicità di Jasper Johns e Robert Rauschenberg e talvolta interpretate come una risposta alle feroci critiche che Twombly subì in seguito alle sue prime mostre (si legge più volte “Fuck” su Academy). Questa serie continuò con Arcadia nel 1958, che era formalmente molto simile ma utilizzava un tema molto diverso, un riferimento all”Arcadia dipinta da Nicolas Poussin in particolare. Il 1959 ha visto molteplici variazioni di queste superfici bianche attraversate da segni discreti con : la serie Untitled, nota come Lexington Paintings, in cui i segni sono frammentati in minuscole entità; i 24 disegni della serie Poems to the Sea, che è un omaggio a Stéphane Mallarmé (scoperto da Twombly nel 1957) ed evoca la fertilità della moglie del pittore, all”epoca incinta; e infine, per concludere l”anno, poiché fu dipinto durante la notte di Capodanno 1959-1960, The Age of Alexander, che inaugura la recente paternità dell”artista (suo figlio è nato il 18 dicembre 1959).

I cinque anni che seguirono, dal 1960 al 1964, furono dominati da un”energia irrazionale espressa tanto nella fattura (colori esagerati, composizioni anarchiche, pittura spesso applicata direttamente con le mani) quanto nei temi (sessualità, scatologia, violenza di certi miti, ecc.) La serie Ferragosto, che prende il nome dalla festa italiana dell”Assunzione, che Twombly ha vissuto nel 1961 in un clima molto caldo, è il vertice di questo sfogo barocco. Queste forme e temi coincidono con la nuova vita italiana di Twombly, ma anche con la prima infanzia del figlio. Si è nutrito di confronti con la grande storia dell”arte: Scuola di Fontainebleau (1960, in riferimento alla Scuola di Fontainebleau), Impero di Flora (1961, in relazione con Nicolas Poussin), Interno olandese (1961), le due versioni di Scuola di Atene (1961 e 1964, in riferimento all”affresco di Raffaello dei Palazzi Vaticani, Achille che piange la morte di Patroclo (1962), ecc. Il punto di svolta di questo periodo fu la mostra alla galleria di Leo Castelli nel 1964 del ciclo Nove discorsi su Commodo (dipinto nel 1963 e che racconta la tragica vita e morte dell”imperatore romano Commodo), duramente criticato in particolare dal leader della minimal art Donald Judd.

Questo nuovo confronto con la critica americana rallentò la produzione di Twombly per diversi mesi prima che iniziasse il periodo conosciuto come i “Quadri della lavagna” (1966-1970), così chiamati per la loro somiglianza con la lavagna della scuola. Eseguite con vernice industriale (sfondo) e pastello a cera (forme), queste numerose opere ricordano chiaramente Panorama e le sue controparti distrutte del 1955. Tuttavia, i motivi sono spesso più rigorosi e austeri, il che ha favorito un legame con l”arte minimale allora in voga negli Stati Uniti. I riferimenti all”arte e persino alla musica rimangono: il titolo Night Watch ricorda Rembrandt e Treatise on the Veil (1970) deve tanto ai disegni di panneggi di Leonardo da Vinci quanto alla composizione concreta del musicista Pierre Henry. Questo periodo arido e rigoroso continuò con serie di forma diversa ma dallo spirito simile: Bolsena (1969, dal nome della città italiana in cui i quadri furono realizzati) e i famosi quadri di Nini (1970) dal nome di Nini Pirandello, moglie di un gallerista e amica di Twombly morta da poco. La prima serie moltiplica figure geometriche annotate, mentre la seconda è composta da intrecci all-over che suggeriscono l”indicibile di fronte alla morte.

I successivi quarant”anni, dal 1971 al 2011, possono essere riuniti, nonostante il costante rinnovamento del lavoro di Cy Twombly. Da allora in poi, il colore domina, il materiale pittorico scorre spesso, la scrittura (poesie) è particolarmente presente e i grandi cicli diventano più regolari (Cinquanta giorni a Iliam, Quadri verdi, Quattro stagioni, Incoronazione di Sesostris, Lepanto, Bacco, Peonia, Rose ecc.) L”esecuzione particolarmente lunga del più grande dipinto dell”artista abbraccia parte di questo periodo: iniziato nel 1972, Untitled (Say goodbye, Catullus, to the shores of Asia minor) fu completato nel 1994 per essere esposto alla Gagosian Gallery di New York, in parallelo alla grande retrospettiva al MoMA. Il pittore alterna temi elegiaci (in particolare l”amore e l”esilio) e temi epici (guerre dell”epoca antica e moderna). Questa dualità si esprime idealmente in due grandi opere grafiche che formano dei pendenti: Apollo e l”artista e Marte e l”artista (1975). Gli ultimi anni, alimentati in particolare da diverse collaborazioni con clienti francesi (Yvon Lambert) e tedeschi (i coniugi Brandhorst), hanno dato vita a formati colorati molto grandi (Bacco, Peonia, Rose).

Un”opera a sé, che unisce gestualità, mitologia e poesia

L”opera di Cy Twombly si sviluppò ai margini delle correnti dominanti dell”arte americana e fu organizzata in vaste serie e cicli. Mai illustrativo, mai puramente astratto, rimane al di fuori dei dibattiti sulla figurazione, il che costituisce un apparente paradosso formale. Questo le conferisce un carattere multiplo e unico, che si riflette nell”ampiezza e nella diversità delle sue opere su carta.

Presentando la sua prima mostra a Parigi nel 1961, Pierre Restany, un critico d”arte contemporanea, ha scritto:

“La sua grafica è poesia, reportage, gesto furtivo, liberazione sessuale, scrittura automatica, autoaffermazione, e anche rifiuto… non c”è sintassi né logica, ma un fremito dell”essere, un sussurro che va al fondo delle cose.

L”opera dipinta mostra una grande diversità nelle sue tecniche e tematiche. Molte delle sue tele sono superfici bianche sulle quali sono dipinte ogni sorta di tracce: numeri, croci, disegni geometrici, macchie di dita, scarabocchi a tratteggio o ad anello, versamenti sanguinolenti o scatologici e infine qualche parola (nomi di divinità o di eroi antichi, versi di poeti famosi, ecc.) La pittura a olio riprende i colori degli umori del corpo (dal bianco crema al marrone, passando per tutte le gradazioni del rosa e del rosso) e si mescola con la carta e le matite colorate dell”infanzia. La scrittura è confusa, le lettere maiuscole sono mescolate con quelle piccole, le parole più semplici sono barrate. Quando il lavoro è finito, la maggior parte della superficie della tela è lasciata bianca. Ecco dunque l”incontro tra una forma di primitivismo infantile, le profondità della psicoanalisi e la cultura classica (che, attraverso i modi in cui si intromette nella tela e la scelta dei titoli, sembra sempre essere l”orizzonte assoluto dell”universo del pittore).

“Twombly ha costruito un corpus di iscrizioni che rigenerano un”intera cultura letterata, antica e inattuale. La sua arte è una lotta contro la cancellazione della vera conoscenza, quella della genesi degli dei e del mondo, e del suo sostrato mitico. Così, Twombly ci ha lasciato delle Tavole. Una tavola della materia, della materia prima.

Nei suoi ultimi anni, e nonostante l”età avanzata, l”artista si è notevolmente rinnovato. Dal motivo dipinto grossolanamente, strisce di colore scorrono verso il bordo inferiore della tela. Ogni motivo porta i suoi colori, così che il fondo di alcuni quadri è una giustapposizione di gocce le cui tonalità si alternano in modo casuale. Lo scarabocchio energico ha così lasciato il posto a un gesto più ampio con una pittura liquida su cui agisce la gravità. Inoltre, la tavolozza è più ricca e i colori (soprattutto i gialli e i rossi) raggiungono un”intensità rara nella storia della pittura. Qui Twombly dimostra le sue qualità di colorista. Un nuovo tema ha accompagnato questo ingresso nel colore: i fiori. Su tele o tavole lunghe diversi metri, Twombly dipingeva rose o peonie fuori scala in grandi movimenti sinuosi. Versi di Rainer Maria Rilke, Emily Dickinson, Patricia Waters, T.S. Eliott o Ingeborg Bachmann accompagnano questi motivi. Una costante rimane: il rifiuto della padronanza. La scrittura è barrata, cancellata, a volte sommariamente cancellata; i motivi fingono goffaggine; la gravità, combinata con la consistenza del supporto e la viscosità della pittura, destruttura le forme e genera strisce casuali. I cicli Lepanto, Blossoms e Roses sono i migliori esempi di queste recenti innovazioni.

Nel 2001, a Cy Twombly fu chiesto da Harald Szeemann, direttore della Biennale di Venezia, di proporre una mostra sul tema “The Foundation of Human Being”. Per questo particolare evento, ha creato un grande ciclo narrativo dedicato alla battaglia di Lepanto, la famosa battaglia navale che ha avuto luogo il 7 ottobre 1571 in Grecia, nel Golfo di Lepanto. Questa mostra si chiama ”Lepanto”. L”interesse di Twombly per il soggetto iniziò con le rappresentazioni della battaglia negli arazzi fatti da una suite di dipinti di Luca Cambiaso per il re Filippo II di Spagna. L”artista ha organizzato “Lepanto” in modo sinfonico e cinematografico con quattro immagini di fiamme, foglie che cadono e un racconto molto astratto della battaglia. La suite “Lepanto” fu poi installata in modo permanente nel Museo Brandhorst di Monaco.

Opere su carta

Non c”è una gerarchia tra pittura e disegno con Cy Twombly. Diverse delle sue opere su carta sono considerate i punti salienti della sua opera, come Poems to the Sea (1959) o le controparti Apollo e l”artista e Marte e l”artista del 1975.

Verso la fine degli anni ”50, graffiti e graffi appaiono sulla carta, giustapposti a lettere, parole e numeri. Le citazioni reali appaiono a volte accanto ai graffiti sparsi, che sono spesso barrati o addirittura cancellati.

I disegni degli anni ”60 presentano un”esplosione di materiale, che si manifesta nell”uso intensivo di matite colorate e pastelli e una superficie satura di graffiti e numeri.

Durante gli anni ”70, ha privilegiato il collage, in cui ha prodotto una serie di dipinti che hanno utilizzato lo stesso motivo. In seguito realizzò dei formati molto grandi, dedicati alla mitologia greco-latina, che era stata la fonte del suo lavoro dalla fine degli anni 50.

L”uso della pittura, così come della matita e del pastello, si intensifica nei primi anni novanta e raggiunge il suo apice in una serie di disegni datati 2001. Queste opere, in cui l”artista rompe la divisione tradizionale tra pittura e disegno, costituiscono un picco senza precedenti nella sua arte.

Scultura

Cy Twombly faceva anche sculture, assemblaggi di oggetti modesti che copriva con vernice bianca. Una fotografia del 1946 mostra la precocità di questa ricerca. Ha stabilito la sua estetica già nel 1948 con un”opera senza titolo composta in particolare da pomelli di porta in porcellana (conservata all”Art Institute di Chicago). Continuò su questa linea durante i mesi che trascorse nello studio di Robert Rauschenberg in Fulton Street a New York dopo il 1952 e la estese durante tutta la sua carriera. Fiori, barche, monumenti e mitologie formano temi comuni con il lavoro dipinto. L”unificazione delle forme assemblate dalla pittura bianca richiama l”importanza del bianco in tutta l”opera di Twombly (il bianco della carta, della tela, ecc.) ma è associato dall”artista stesso, nel caso delle sculture, al marmo antico.

Fotografia

Twombly è anche fotografo, un”attività in cui si trova la modestia e la dolcezza poetica che permea tutta la sua opera.

1980s

1990s

2000s

Anno 2010

Three Studies for the Bold (1998-1999) di Twombly è stato acquistato nel 2004 dall”Art Gallery of New South Wales per 4,5 milioni di dollari.

Nel 2015, un dipinto del 1968 di Cy Twombly, stimato 60 milioni di dollari e raffigurante sei linee di quelli che sembrano scarabocchi circolari bianchi su una tavola grigia, è stato venduto per 70,5 milioni di dollari all”asta a New York.

Nel 2017, in una vendita di Christie”s, il grande dipinto di Twombly del 1962, Leda and the Swan, è stato venduto per 52,8 milioni di dollari (47 milioni di euro).

Il caso del “bacio”

Nel 2007, una mostra intitolata Blooming, a scattering of Blossoms and other Things, è stata dedicata a Cy Twombly all”Hôtel de Caumont, che ospita la Collection Lambert ad Avignone.

Durante questa mostra, un”artista cambogiana, Rindy Sam, ha messo un”impronta delle sue labbra imbrattate di rossetto su una tela tutta bianca del Trittico dedicato al Fedro di Platone, degradando gravemente questo insieme stimato a 2 milioni di euro. Il giovane è comparso davanti al tribunale di Avignone il 9 ottobre 2007. La sentenza è stata emessa a novembre. È stata richiesta una multa di 4.500 euro.

Sentenza del 16 novembre: Rindy Sam è condannata a pagare 1.500 euro di danni (500 euro alla Fondazione) e 1 euro di danni a Cy Twombly come richiesto dall”artista. Viene anche imposta una pena di 100 ore di servizio alla comunità. La decisione sui costi di ripristino dell”opera è stata rinviata al 28 febbraio 2008 dal tribunale. I suoi avvocati, Patrick Gontard e Jean-Michel Ambrosino, hanno proposto di sostituire l”opera con una nuova tela identica.

Il 2 giugno 2009, la Corte d”appello di Nîmes l”ha condannata a pagare 18.840 euro alla collezione Lambert per le spese di restauro del quadro. La decisione è in linea con quella pronunciata in prima istanza dal tribunale penale di Avignone nell”agosto 2008. Deve anche pagare 500 euro al pittore, ma anche a Yvon Lambert, proprietario del quadro, e alla collezione che lo ospita, per le spese legate alla loro difesa.

Il soffitto del Louvre

Il Musée du Louvre di Parigi ha commissionato a Twombly la creazione di un soffitto permanente che dal 2010 adorna una delle sue sale principali (la sala del bronzo greco). Questa è la seconda commissione dello stato francese dopo un sipario per l”Opéra Bastille nel 1989. Il 23 marzo 2010, Cy Twombly ha partecipato all”inaugurazione del suo soffitto di 400 m2, intitolato The Cieling, per il Salon des Bronzes al primo piano dell”ala Sully. Questo soffitto “blu Giotto” ha una quarantina di cerchi di altri colori sul bordo del rettangolo che forma, raffiguranti scudi antichi e sette cartigli che portano i nomi di sette famosi scultori dell”antichità greca: Cefisodoto, Lisippo, Mirone, Fidia, Policleto, Prassitele e Scopa.

In questa occasione, Cy Twombly è stato nominato Cavaliere della Legione d”Onore dal Ministro della Cultura, Frédéric Mitterrand.

Nel febbraio 2021, la Fondazione Cy Twombly ha denunciato “un affronto odioso” da parte del Louvre dopo la risistemazione della sala, “un cambiamento completo nella qualità della luce del giorno, che viene assorbita dalle pareti rosse, invece di essere riflessa dal bianco e quindi illuminare i colori scelti per il soffitto. Il risultato è che il soffitto ha perso l”atmosfera delicata e ariosa del progetto dell”artista ed è ora appesantito da questo nuovo e artificiale dispositivo cromatico. Secondo loro, questo è “un grave danno all”opera di Twombly, in violazione dei diritti morali dell”artista” e la Fondazione sta cercando l”intervento del Ministero della Cultura.

Charles Olson

Il poeta Charles Olson sostenne Cy Twombly quando quest”ultimo era residente al Black Mountain College nel 1951 e 1952. Nel 1951 scrisse un poema in prosa intitolato Cy Twombly che recitava:

” Arrivò un uomo che aveva a che fare con il bianco. E con lo spazio. Era un americano. E forse il suo genio stava più nell”innocenza che nel candore ormai necessario. In ogni caso, non fu compreso. “

Roland Barthes

Roland Barthes, la cui analisi dell”opera di Cy Twombly è una delle più acute, scrive in un importante testo dedicato “a Yvon, Renaud e William”:

“Come nominare ciò che fa? Le parole nascono spontaneamente (“disegno”, “grafismo”, “scarabocchio”, “sinistra”, “infantile”). E subito sorge un problema linguistico: queste parole, allo stesso tempo (il che è molto strano), non sono né false né soddisfacenti: perché da un lato l”opera di TW coincide bene con il suo aspetto, e dobbiamo osare dire che è piatta; ma dall”altro – questo è l”enigma – questo aspetto non coincide bene con il linguaggio che tanta semplicità e innocenza dovrebbe suscitare in noi che la guardiamo… La materia mostrerà la sua essenza, ci mostrerà la certezza del suo nome: è matita. “

“Si racconta un ricordo, si celebra un piacere. Il nome, l”immagine allusiva, la dedica, la data. Tutto senza spigoli, in movimento, come se fosse lanciato in una gioia piatta. Si può riconoscere un dio in esso, se si vuole. Non un dio qualsiasi. In nessun momento, né sotto nessuna maschera. “Poi ha riconosciuto il dio”. Una classica situazione omerica, la teofania dietro l”epifania a volte più banale. L”invito di Twombly è esplicitamente di quest”ordine. Il suo eroe calmo e risoluto – lui stesso – registra queste rivelazioni”.

– Philippe Sollers, “Les épiphanies de Twombly”, in: Éloge de l”infini

“Ci sono poche aree o ispirazioni nel lavoro di Twombly che mi piacciono meno, e pochissime che non mi piacciono affatto. Ma c”è un campo che amo più di ogni altro, è vero, ed è il grande campo lirico, quello degli omaggi, spesso in polittici, a Goethe, Sapho, Virgilio, Teocrito o Valéry. La poesia plastica non cessa mai di essere un brivido perché, per quanto letteraria sia la sua ispirazione, e carica della più fine e amorosa cultura, è respiro, aria, viaggio, paesaggio e fruscio delle foglie, profumo di una montagna in vista del mare.

– in Renaud Camus, Aguets – Diario 1988

“La grafica di Cy Twombly è emotiva e implicitamente erotica. Il grafico

– in Écriture poétique et langage plastique (Au même titre éditions)

“L”opera di Cy Twombly è un”opera giudicante, la sua presenza è evidente e convincente. È già negli occhi di chi guarda, lo richiede, va oltre la convinzione. Siete in questa relazione immediata o si perde, non sarà per voi, non questa volta. Siete compromessi nel suo gesto, fate parte del suo collage. Tutto qui, capisce la persona che si avvicina, è parte della sua messa in scena, è dentro di essa, è parte del suo commento.

– in Marcelin Pleynet “Dessein des lettres des chiffres et des mots. Dipingere a orecchio” (1974)

Fonti