Duccio di Buoninsegna

gigatos | Gennaio 12, 2022

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Riassunto

Duccio di Buoninsegna (la sua importanza si misura anche su scala europea. È generalmente considerato che la sua influenza fu decisiva nell”evoluzione dello stile gotico internazionale, che fu esercitata in particolare su Simone Martini e i due fratelli Ambrogio e Pietro Lorenzetti.

L”arte di Duccio aveva in origine una forte componente bizantina, legata in particolare alla cultura più recente del periodo Paleologo, ed era fortemente influenzata da Cimabue (che fu certamente suo maestro nei primi anni), a cui aggiunse una nota personale nel senso del gotico, che si riflette in una linearità ed eleganza transalpina, una linea morbida e una gamma cromatica raffinata.

Con il tempo, lo stile di Duccio raggiunse risultati sempre più naturali e morbidi. Ha anche incorporato le innovazioni introdotte da Giotto, come la resa del contrasto secondo una o più fonti di luce, il volume delle figure e dei panneggi, e la resa della prospettiva. Il suo capolavoro, La Maestà nel Duomo di Siena, è un”opera emblematica del XIV secolo italiano.

Nella Madonna di Crevole, un”opera più tarda del 1283-1284, proveniente dalla chiesa parrocchiale di Santa Cecilia a Crevole e ora esposta al Museo dell”Opera Metropolitana del Duomo di Siena, c”è una maggiore divergenza dallo stile di Cimabue. Il volto della Vergine è più morbido e raffinato, senza tradire un”espressione ancora seria e profonda. Il piccolo naso del bambino rimane, ma fa anche un gesto affettuoso verso la madre.

Agli stessi anni risalgono anche due dipinti a secco, purtroppo molto danneggiati, trovati nella Cappella Bardi (già dedicata a San Gregorio Magno) della Basilica di Santa Maria Novella a Firenze. Situate nelle lunette superiore sinistra e destra della cappella, rappresentano rispettivamente San Gregorio Magno tra due flabelliferi e Cristo in trono tra due angeli. Anche in questo caso non si può non notare il forte distacco da Cimabue, ma è proprio l”eleganza dei volti degli angeli e l”avvolgente matassa della veste di Cristo sul trono che ci fa apprezzare ancora una volta la particolarità del maestro fiorentino.

Il 15 aprile 1285, Duccio ricevette la sua prima commissione importante, la cosiddetta “Madonna Rucellai”, commissionata in onore della Vergine da una confraternita laica fiorentina, la Compagnia dei Laudesi. Il pannello è destinato alla Cappella Bardi nella Basilica di Santa Maria Novella a Firenze, la stessa cappella dove sono stati trovati i resti dei dipinti a secco di Duccio descritti sopra. La tavola è chiamata “Rucellai” perché dal 1591 in poi fu collocata nella cappella adiacente, Rucellai, prima di arrivare agli Uffizi. L”opera raffigura la Vergine e il Bambino in maestà, affiancati da sei angeli davanti a uno sfondo dorato. Il perimetro del pannello è decorato con medaglioni che mostrano profeti, apostoli e santi in forma di busto. Il pittore cerca di modellare i tessuti e i corpi, usando gradazioni di colore. Ha anche cercato di rispettare le regole della prospettiva, ma non sempre ci è riuscito.

L”opera si ispira alla Maestà di Cimabue al Louvre, dipinta circa cinque anni prima, tanto che per molto tempo fu considerata di quest”ultimo. Questa errata attribuzione fu mantenuta anche dopo la scoperta dell”atto di trasferimento nel 1790. Questa “Maestà” è un”opera chiave nella carriera dell”artista, in cui la solida maestà e la rappresentazione umana di Cimabue si intersecano con una maggiore aristocrazia e raffinatezza, così come con un contenuto umano ancora più morbido. L”opera è caratterizzata da motivi decorativi di origine gotica, come il fantasioso orlo dorato del vestito di Maria, che traccia una linea intricata dal seno ai piedi, le bifore gotiche del trono di legno e il mantello della Vergine, che è più “intriso” di crisografia bizantina, ma ammorbidito da pieghe morbide e cadenti. Sono soprattutto questi elementi gotici che segnano un ulteriore allontanamento da Cimabue, che rimane ancora radicato nella tradizione bizantina.

Date le sue dimensioni, il pannello è stato probabilmente dipinto sul posto e non trasportato una volta completato.

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Opere della fine del secolo

Dopo la Madonna Rucellai del 1285, la vetrata del Duomo di Siena, il cui originale è oggi conservato nel Museo dell”Opera Metropolitana del Duomo (quella del Duomo è una copia), è l”unica opera attribuita a Duccio della fine del secolo per la quale esiste una documentazione che ne permette la datazione con certezza. Sebbene la finestra sia stata realizzata da maestri vetrai, si ritiene oggi che il suo disegno appartenga al patriarca della pittura senese, che vi lavorò nel 1287-1288. Il trono nella scena dell”Incoronazione della Vergine e quelli dei Quattro Evangelisti sono troni architettonici di marmo, non di legno come quello della Madonna Rucellai o i troni precedenti di Cimabue. Questo è il primo esempio conosciuto di un trono architettonico in marmo, un prototipo che Duccio continuerà ad usare e che diventerà molto popolare da allora in poi, anche nella vicina Firenze di Cimabue e Giotto.

La Madonna in Maestà tra gli angeli, la cui origine è sconosciuta e che si trova ora nel Museo delle Belle Arti di Berna, in Svizzera, si pensa sia più tarda (1290-1295). Quest”opera ci permette di apprezzare l”evoluzione dello stile di Duccio nel corso degli anni. Una maggiore profondità spaziale nella disposizione degli angeli, non più uno sopra l”altro come nella Madonna Rucellai, ma uno dietro l”altro come nella Maestà di Cimabue al Louvre, è immediatamente evidente in questa Piccola Maestà. Gli angeli che formano la stessa coppia non sono nemmeno perfettamente simmetrici, come mostrano le diverse posizioni delle loro braccia. Questo nuovo elemento evita la simmetria ripetitiva degli angeli della Madonna Rucellai, favorendo la loro differenziazione. Anche il trono, pur avendo una cornice simile a quella della Madonna Rucellai, ha una migliore prospettiva assonometrica e sembra essere inserito più adeguatamente nello spazio, seguendo così i canoni della prospettiva significativa. Questi sviluppi dimostrano che Duccio si ispirava ancora al maestro Cimabue, molto attento alla coerenza spaziale e ai volumi delle cose e delle figure, ma che continuava il suo percorso verso una sua eleganza figurativa, percorso che aveva già iniziato con la Madonna di Crevole. Anche se i volti ampi rimangono cimabueschi, i tratti somatici appaiono più delicati (per esempio, la sfumatura del ponte alla base del naso, le labbra strette e sfumate e il naso del Bambino). Anche la disposizione delle pieghe dei vestiti appare più naturale e più morbida.

Altre opere, generalmente attribuite a Duccio, sono datate tra il 1285 e il 1300, ma non c”è un consenso unanime tra gli esperti sulla datazione, come la Madonna col Bambino della chiesa dei Santi Pietro e Paolo a Buonconvento, oggi conservata nel Museo di Arte Sacra della Val d”Arbia, sempre a Buonconvento. Tradizionalmente datato poco dopo il 1280, recenti ricerche d”archivio indicherebbero che Duccio arrivò a Buonconvento dopo il 1290, e studi precisi sulla disposizione delle pieghe del mantello della Vergine e la perdita dei tratti spigolosi del suo volto suggerirebbero una datazione intorno al 1290-1295.

Secondo alcuni esperti, anche la croce dipinta nel castello Orsini-Odescalchi di Bracciano è stata realizzata dopo il 1285. Già nella collezione Odescalchi a Roma, e ora nella collezione Salini a Siena, il Cristo con gli occhi aperti è ancora vivo, utilizzando un”iconografia del periodo romanico (il Christus Triumphans), che era molto rara alla fine del XIII secolo. Secondo alcuni, anche il Crocifisso della chiesa di San Francesco a Grosseto risale a questo periodo. Per questi due crocifissi il consenso degli esperti non è unanime, anche per quanto riguarda l”attribuzione a Duccio, a differenza dei tre dipinti rappresentanti la Flagellazione, la Crocifissione e la Sepoltura di Cristo, di provenienza ignota e ora depositati nel Museo della Società di Esecutori di Pie Disposizioni (it) a Siena.

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Opere del primo Trecento

Con le opere dei primi anni del nuovo secolo, Duccio di Buoninsegna raggiunse uno stile maturo e autonomo, ormai dissociato da quello di Cimabue. I volti delle figure sono più allungati e i tratti del viso più morbidi, grazie a una pennellata più morbida che leviga i tratti angolari del viso. Nei numerosi pannelli con il Bambino dipinti in questo periodo, la Vergine e il Bambino hanno fisionomie proprie, ben distinte da quelle della Madonna Rucellai o della Madonna di Crevole, che erano ancora in stile Cimabusa, e anche il panneggio è arricchito da pieghe naturali e morbide. Prevale un realismo figurativo senza precedenti che permise a Duccio di acquisire la reputazione di essere il miglior artista della città di Siena. Il polittico n. 28, forse proveniente dalla Basilica di San Domenico a Siena e ora nella Pinacoteca Nazionale di Siena, è un esempio di questo stile maturo. Il pannello ha anche la particolarità di essere il primo polittico architettonico con scomparti indipendenti, un prototipo che sarà sempre più utilizzato.

A questo periodo risalgono anche il trittico con porte della famiglia reale inglese e il trittico con porte raffigurante la Vergine col Bambino tra San Domenico e Santa Aurea di Ostia della National Gallery di Londra (entrambi di provenienza ignota e datati 1300), La Madonna col Bambino della Galleria Nazionale dell”Umbria a Perugia (proveniente dalla Basilica di San Domenico a Perugia) e la Madonna Stoclet, così chiamata perché apparteneva al belga Adolphe Stoclet prima di arrivare al Metropolitan Museum of Art di New York (provenienza sconosciuta). Il trittico a porte con la Crocifissione tra i santi Nicola di Bari e Clemente (provenienza sconosciuta) apparterrebbe alla fine di questo periodo (1304-1307), poco prima che Duccio iniziasse la grandiosa Maestà nel Duomo di Siena.

In tutti questi dipinti è possibile apprezzare il realismo figurativo e la natura aristocratica dei volti, tipici dell”arte di Duccio e ineguagliati nell”Italia del primo XIV secolo. È anche possibile ammirare i ricchi volumi degli abiti le cui caratteristiche sono ora acquisite dalla scuola fiorentina, che fu la prima fonte di apprendimento e di ispirazione per Duccio. Fu così che Duccio divenne l”artista più accreditato a Siena, l”unico a cui il governo della città poteva pensare di affidare il compito di realizzare un”opera così grandiosa e costosa come la Maestà da porre sull”altare maggiore del Duomo di Siena, senza dubbio il capolavoro dell”artista.

Maestà

La Maestà è il capolavoro di Duccio e una delle opere più emblematiche dell”arte italiana. Fu commissionato dalla città di Siena per l”altare maggiore della cattedrale nel 1308, come testimoniano la documentazione scritta che ci permette di datare il contratto (1308) e la cronaca locale che testimonia la presenza del maestro e della sua bottega in Duomo (1311). Ora separato in diversi pannelli, l”insieme, dipinto su entrambi i lati, doveva essere originariamente alto cinque metri e largo quasi altrettanto. Rimase al suo posto sull”altare maggiore fino al 1506, quando fu rimontato su un altro altare, da dove fu smontato nel 1771, prima di essere diviso tra due altari diversi, dove rimase fino al 1878. Alcuni dei pannelli furono successivamente dispersi in Europa e negli Stati Uniti; cinque di essi non sono stati ritrovati. La Maestà è ora conservata nel Museo dell”Opera Metropolitana del Duomo.

Il lato anteriore mostra la Vergine e il Bambino circondati da angeli e santi, un tema che si è ripetuto per diverse generazioni. Il lato posteriore mostra scene dell”infanzia e della passione di Cristo. L”opera testimonia la conoscenza di Duccio della Cappella degli Scrovegni dipinta da Giotto a Padova.

Completata nel giugno 1311, la sua fama era così grande già prima del suo completamento che il 9 giugno il suo trasporto in Cattedrale dalla bottega di Duccio nella contrada degli Stalloreggi fu l”occasione di una vera e propria festa popolare per le vie di Siena, completata da una processione: alla testa del corteo venivano il vescovo e le massime autorità della città, mentre il popolo, portando candele accese, cantava e faceva l”elemosina. Il fervore cresce: la Vergine, protettrice del territorio senese, riceve finalmente l”omaggio di un”opera degna di lei, dalla quale la popolazione si aspetta un”intercessione efficace.

Si tratta di un grande pannello (425 × 212 cm) con due lati, anche se ora è tagliato nello spessore dopo un discutibile intervento nel XIX secolo che ha causato alcuni danni. Sul lato principale, quello che originariamente era rivolto verso i fedeli, è dipinta una monumentale Vergine in trono col Bambino, circondata da una moltitudine di santi e angeli su uno sfondo dorato. La Vergine è seduta su un grande e sontuoso trono, che lascia intravedere una spazialità tridimensionale secondo le innovazioni già praticate da Cimabue e Giotto. È dipinta con un colore tenue, che dà alla sua carnagione un aspetto naturale. Il Bambino esprime una profonda tenerezza, ma il suo corpo non sembra generare alcun peso e le mani di Maria che lo tengono sono piuttosto innaturali. Alla base del trono c”è la firma e la preghiera in versi latini: “MATER S (AN) CTA DEI

La pala d”altare aveva anche una predella dipinta su tutti i lati (la prima conosciuta nell”arte italiana), i pannelli cuspidati erano coronati da Scene della vita di Maria (alcune delle quali sono in collezioni e musei stranieri.

Nella Maestà è possibile ritrovare tutto il realismo dei volti dei personaggi che Duccio era in grado di raggiungere, così come la sua ormai acquisita capacità di disegnare cose e personaggi secondo i canoni della prospettiva diretta di Giotto (e non l”antiquata prospettiva inversa di Cimabue, che riprese fino alla fine del XIII secolo). I vestiti hanno un drappeggio voluminoso, il contrasto è reso con attenzione all”origine delle fonti di luce, tendenze ereditate anche da Giotto. L”opera si distingue anche per la profusione di dettagli e decorazioni, dagli intarsi di marmo del trono al fine disegno del tessuto sul retro del trono stesso, dai capelli degli angeli agli ornamenti dei santi. La coesione degli elementi della matrice fiorentina con il realismo figurativo di Duccio, il tutto valorizzato da un”estrema attenzione ai dettagli, fa di quest”opera uno dei capolavori del Trecento.

Ultimi lavori

Solo due opere possono essere attribuite con certezza al catalogo Duccesco dopo la Maestà del Duomo di Siena, entrambe purtroppo in uno stato di conservazione non ottimale: il Polittico n. 47, originariamente destinato alla ormai defunta chiesa dello Spedale di Santa Maria della Scala e ora esposto nella Pinacoteca Nazionale di Siena (1315-1319), e la Maestà del Duomo di Massa Marittima (1316 circa).

Secondo alcuni esperti, l”affresco con la Resa del Castello di Giuncarico nella Sala della Mappa del Mondo del Palazzo Pubblico di Siena (1314) è anch”esso di Duccio, ma ci sono molti dubbi su questo.

Duccio morì in una data sconosciuta, nel 1318 o 1319. Nel 1319, i suoi figli rifiutarono l”eredità, gravati da pesanti debiti.

Duccio ebbe molti allievi durante la sua vita, anche se non si sa se fossero veri e propri allievi che crescevano artisticamente nel suo studio, o pittori che semplicemente imitavano il suo stile. Molti di loro sono anonimi e possono essere identificati solo da un corpo di lavoro con caratteristiche stilistiche comuni. I primi allievi, che possiamo chiamare collettivamente “discepoli della prima generazione”, furono attivi tra il 1290 e il 1320 e comprendono il Maestro di Badia a Isola, il Maestro di Città di Castello, il Maestro degli Aringhieri, il Maestro delle Collezioni dei Santi Padri e il Maestro di San Polo in Rosso. Un altro gruppo di “discepoli di seconda generazione” fu attivo tra il 1300 e il 1335 circa, e comprendeva Segna di Bonaventura, Ugolino di Nerio, il Maestro di Maestà Gondi, il Maestro di Monte Oliveto e il Maestro di Monterotondo. Tuttavia, bisogna notare che Segna di Bonaventura era già attivo prima del 1300, collocandolo così temporalmente tra il primo e il secondo gruppo di artisti. Un terzo gruppo seguì Duccio solo pochi anni dopo la sua morte, testimoniando l”impatto della sua pittura a Siena e in tutta la Toscana. Questi artisti, attivi tra il 1330 e il 1350 circa, comprendono i figli di Segna di Bonaventura, cioè Niccolò di Segna e Francesco di Segna, e un allievo di Ugolino di Nerio, il Maestro di Chianciano.

Alcuni di questi artisti sono stati influenzati solo da Duccio, le loro opere sono simili a quelle del maestro, come il Maestro di Badia a Isola, Ugolino di Nerio, Segna di Bonaventura e i loro figli. Anche altri artisti furono influenzati da altre scuole, come il Maestro degli Aringhieri, sensibile ai volumi massicci di Giotto, e il Maestro della Maestà Gondi, che fu anche influenzato da Simone Martini.

Simone Martini e Pietro Lorenzetti devono essere trattati separatamente. Entrambi gli artisti dipinsero opere simili a quelle di Duccio rispettivamente intorno al 1305 e al 1310, ma la loro produzione mostra caratteristiche originali fin dall”inizio, come dimostrano la Madonna col Bambino n. 583 di Simone (1305-1310) e il Trittico Orsini di Lorenzetti dipinto ad Assisi intorno al 1310-1315. Più tardi, entrambi gli artisti svilupparono stili completamente autonomi, il che permise loro di avere una dignità artistica libera dall”etichetta di “discepolo di Duccio”.

La sua opera comprende, oltre a una Madonna dipinta su legno intorno al 1300:

Il cratere Duccio sul pianeta Mercurio ha preso il suo nome.

Il 16 agosto 2003 a Siena si è tenuto un palio in suo onore, vinto dalla Nobile Contrada del Bruco con il cavallo Berio montato dal fantino Luigi Bruschelli detto Trecciolino. Un secondo palio è stato corso il 16 agosto 2011, vinto dalla Contrada della Giraffa con il cavallo Fedora Saura, cavalcato da Andrea Mari, detto Brio.

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Fonti