Edgar Degas

gigatos | Dicembre 23, 2021

Post Views: 119

Riassunto

Edgar Degas (Parigi, 19 luglio 1834 – 27 settembre 1917) è stato un pittore e scultore francese.

Edgar Degas (nome completo e originale Edgar-Germain-Hilaire de Gas), un pittore che divenne famoso in tutto il mondo nella sua carriera, è nato in una famiglia nobile francese.

Suo nonno, Hilaire-René de Gas, fuggì a Napoli per sfuggire alla minaccia alla nobiltà rappresentata dalla Grande Rivoluzione francese. Divenne un banchiere e più tardi lasciò la gestione della sua filiale di Parigi a suo figlio, il padre di Edgar Degas. Auguste de Gas, dell”ex colonia francese della Louisiana in Nord America, si sposò riccamente. Il loro figlio, che sarebbe diventato un pittore, non solo è cresciuto in circostanze favorevoli e finanziariamente sicure, ma i suoi genitori sono stati anche in grado di sostenere il peso di costosi viaggi per anni e anni durante la sua giovinezza.

Dopo essersi diplomato al liceo, iniziò a studiare legge, ma presto voltò le spalle alla legge e dedicò tutto il suo tempo e le sue energie a diventare un artista. La sua inclinazione per l”arte era già evidente fin dalla tenera età. Durante gli anni del liceo disegnava bene e con grande entusiasmo. Suo padre, anch”egli amante dell”arte, guardava gli esperimenti di suo figlio con benevolenza e piacere. Gli permise di arredare una stanza del loro grande appartamento come studio; lo portò a musei, mostre, spettacoli d”opera, e fu probabilmente con la sua conoscenza che il giovane studente di legge studiò anche disegno con il fratello dell”eminente scultore Felix Barrias, un pittore minore. Non sappiamo se fu spinto dal proprio istinto o dall”incoraggiamento del suo maestro, e cominciò a copiare i dipinti di Dürer, Mantegna e Rembrandt al Louvre. Sembra che sia stata la sua stessa inclinazione a spingerlo a questo lavoro, perché lasciò Barrias, ma rimase fedele alla sua pratica di copista negli anni successivi.

Nel 1854, scelse Lamothe, un allievo di media abilità, come suo maestro, ma solo per un breve periodo, poiché nello stesso anno era in visita ai parenti a Napoli.

Al suo ritorno dall”Italia, abbandona gli studi di legge e, con il consenso del padre, si iscrive nel 1855 all”École des Beaux-Arts, dove studia con Bonnat e Fantin-Latour. Anche questi studi non sono durati a lungo. La prima tappa della maturazione del giovane pittore è stata completata dall”educazione e dall”auto-educazione che aveva ricevuto fino a quel momento. Invece, è tornato ai capolavori dei vecchi maestri.

Nel 1857 viaggiò di nuovo in Italia. Ha visitato diverse piccole città, come Perugia, Assisi e Viterbo. Rimase più a lungo a Orvieto, dove copiò dettagli degli ammirati dipinti di Luca Signorelli, ma la vera attrazione e influenza furono i ricordi di Napoli, Firenze e Roma. Le sue opere di questi anni, che sono considerate le prime opere indipendenti di Degas (Autoritratto, Ritratto del nonno) (da questo momento in poi scrive il suo nome in questa forma civile), mostrano che il giovane artista si ispira allo stile lineare e alle linee chiare di Ingres, accanto ai vecchi maestri. La linea saldamente guidata, la struttura pittorica ponderata e preconcetta e il disegno chiaro delle forme dei dettagli sono rimasti i suoi ideali per tutto il tempo. Ingres, di cui aveva una grande stima, gli disse solo di disegnare più linee di lui, ma lui stesso più tardi consigliò a tutti i giovani che venivano da lui di “disegnare, disegnare e disegnare, perché questo è il modo di creare”.

“Penso che finirò in manicomio”, ha scritto Laure Bellelli a suo nipote. Sorella del padre di Edgar Degas, sposò Gennaro Bellelli, che lei considerava “noioso” e disgustoso. Vivevano a Firenze con le loro due figlie, Giulia (al centro) e Giovanna (a sinistra) Degas preparò questo quadro durante il suo soggiorno a Firenze nel 1858, facendo una serie di schizzi, ma lo dipinse a Parigi. L”artista ritrae l”atmosfera cupa nella casa di una coppia che non si ama. Inoltre, la famiglia Bellelli è in lutto per la morte del padre di Laure, Hilaire de Gas.

Il grembiule bianco delle ragazze, il pallido motivo floreale del tessuto e la cornice dorata non possono portare un po” di luce nella modesta ma disperatamente triste casa della famiglia Bellelli.

In piedi davanti al ritratto del padre defunto, Laure non nasconde la sua sofferenza, lo sguardo fisso sul vuoto dove si annida la morte.

Degas espose per la prima volta questo quadro come ritratto di famiglia al Salon del 1867. Non essendo riuscito ad attirare l”attenzione della critica, l”artista deluso mise via la tela nel suo studio per indifferenza. Il Ritratto di famiglia non fu più esposto fino al 1918, dopo la morte dell”artista, ed è oggi considerato uno dei capolavori della sua gioventù.

Uno degli elementi importanti della sua arte, il disegno, era quindi già evidente nei primi anni della sua carriera, e da allora in poi si sviluppò di opera in opera. Nel 1858 Degas passa di nuovo del tempo in Italia. A Firenze, soggiornò a casa dello zio paterno e, prima come passatempo e poi con l”idea di realizzare un ritratto di gruppo, fece disegni e studi dei membri della famiglia. Il quadro non fu completato a Firenze, ma al suo ritorno a Parigi, attingendo alle sue capacità di montaggio, alla memoria e agli schizzi, dipinse una grande composizione (La famiglia Bellelli) nei due anni successivi.

In questa prima opera, dunque, vediamo un altro elemento molto caratteristico del metodo creativo di Degas: il fatto che il quadro stesso, per quanto realistico, per quanto immediato e momentaneo, non viene mai realizzato prima che il motivo sia visto, nella foga del momento, nel calore dell”attimo dello sguardo e dell”ispirazione pittorica, ma sempre sulla base di studi e appunti, più tardi nello studio, nella calma riflessione della memoria.

Una terza caratteristica può essere vista nel ritratto di gruppo della famiglia Bellelli. È che il montaggio accurato si nasconde dietro la maschera del caso, della contingenza, e che Degas ha sempre evitato la posa, la solennità dell”ambientazione nella disposizione delle figure. Le figure, sia disegnate che dipinte, non tradiscono mai il fatto che sono sedute come modelli attraverso la loro postura o il loro portamento. La loro postura è sempre inesauribile, “pittorica”, accidentale. Per questo motivo, la pittura diventa sempre inaudita, quasi allarmantemente realistica.

Eppure nei primi anni sessanta Degas era ancora incerto sulla scelta del suo soggetto, sul suo genere e sulla sua tecnica. A quel tempo, era caduto sotto l”incantesimo della pittura a olio su larga scala con soggetti storici. Non senza successo, perché le sue mostre di questo tipo furono elogiate da Puvis de Chavannes, il giustamente celebrato maestro della pittura murale storica. Dipinse anche alcuni bei ritratti nello stesso periodo (nella prima metà degli anni 1860) e in questi, anche se per lo più schizzi a memoria, si dimostrò un attento osservatore e un oggettivo interprete della realtà e dei dettagli. I critici che hanno sottovalutato in modo dubbioso il suo sviluppo impressionista hanno fatto riferimento a queste opere con lodi esagerate. È certo, tuttavia, che se lo sviluppo di Degas si fosse fermato a questo punto, o avesse progredito solo in questa direzione, difficilmente sarebbe celebrato oggi come uno dei pionieri della rinascita dell”arte francese. Ma Degas non si fermò, non poté fermarsi a questo punto del suo sviluppo, né la sua natura inquieta e curiosa permise che il suo sviluppo artistico si orientasse verso l”osservazione e la riflessione oggettiva del semplice spettacolo. La sua comprensione degli elementi della realtà osservata fu presto accompagnata da un”immaginazione sovrana e formativa, e non resistette alle influenze artistiche quando fecondarono il suo spirito creativo. Tale fu l”influenza – formale e strutturale – del particolare mondo delle xilografie giapponesi sull”arte di Degas. I xilografi giapponesi, Hiroshige, Hokusai, Utamaro, avevano un carattere diverso e una composizione diversa dagli artisti europei fin dal Rinascimento. Le loro opere apparvero a Parigi negli anni ”60 e presto divennero conosciute, amate e persino alla moda. Queste xilografie furono acquistate, collezionate e discusse da artisti curiosi e progressisti, i cui autori non concentrarono la struttura e il possibile pensiero nel centro della superficie del quadro, ma lo proiettarono, per apparente incidente, altrove sulla superficie, forse sul bordo. Le loro rappresentazioni non erano strutturate in una prospettiva lineare, tutto era espresso e disposto sul piano e nel piano. Se i quadri di Degas non mancavano di una prospettiva mappante, non diventavano mai vistosi; al contrario, rappresentava spesso in modo panoramico, facendo spesso uso di omissioni e incroci; la sua struttura pittorica non cercava il centro e ometteva una grande o piccola parte degli oggetti e delle figure ai bordi. A metà degli anni ”60, le sue intenzioni per un ulteriore sviluppo divennero più chiare. La sua fatidica decisione fu di rompere con il passato e la storia e di catturare solo il presente, i fenomeni che gli interessavano nel mondo che lo circondava.

Il suo primo interesse fu il mondo delle corse di cavalli, e questo determinò molte altre caratteristiche della sua arte, specialmente la leggerezza del movimento e del colore. I cavalli che camminano nervosamente, i cavalieri vestiti con giacche di seta colorate, seduti o in piedi su di loro, il pubblico, eccitato e vestito elegantemente, la vista dei prati verdi, la ricca varietà dell”azzurro leggermente rotto del cielo, la foschia dell”aria e le ombre morbide, tutto crea in lui impressioni durature e fa emergere le sue inclinazioni pittoriche.

Nel 1866, un quadro di una corsa di cavalli fu incluso in una mostra al Salon di Parigi, ma il pubblico e i critici non presero nota del lavoro di Degas. La sua novità non scioccò il pubblico, poiché era solo una modesta partenza dal solito.

Due anni dopo l”apparizione delle corse di cavalli, Degas rivolge la sua attenzione al teatro, e più precisamente al mondo dell”opera. Questo era naturale per un pittore che aveva avuto familiarità con l”Opera fin dalla sua prima giovinezza, e aveva persino accesso al backstage. I suoi primi tentativi erano ancora incerti. Per il momento, si è avvicinato alla nuova materia in modo incerto. Il suo primo quadro, di una ballerina, era ancora un po” goffo. Soprattutto se paragonato alle meravigliose soluzioni che sono seguite. Non c”è movimento, poca leggerezza. Ma abbonda di dettagli acutamente osservati, catturati con gioia dal pennello del pittore.

Fino ad allora, Degas era stato un esploratore solitario nelle tane dell”arte. Non ha ancora trovato nessun pittore con ambizioni simili. Parte della ragione può essere stata la sua natura solitaria e l”isolamento della sua famiglia dalla compagnia degli artisti. I muri impenetrabili che separavano le varie classi della società francese nel secolo scorso sono vividamente illustrati dai romanzi e dai racconti di Balzac, dai diari di Delacroix, della russa Maria Baskirchev e dal diario dell”ungherese Zsigmond Justh.

Era naturale, quindi, che Degas trovasse il suo primo amico pittore negli ambienti della sua famiglia: Édouard Manet, che, come Degas, era figlio di una ricca famiglia borghese, non era afflitto da problemi finanziari e non doveva cercare il favore del pubblico per trovare acquirenti per le sue opere.

La loro conoscenza iniziò nel 1862, e dato che si capivano bene in materia d”arte, Degas cominciò presto a cercare la compagnia di Manet al di fuori dei suoi soliti circoli. A quel punto, Manet era un ospite quotidiano del Café Guerbois, un caffè tranquillo e ideale per la conversazione, e alcuni dei giovani pittori che frequentavano le mostre del Salon visitavano regolarmente il suo tavolo. Fu a questo tavolo che Degas divenne presto un ospite. Quando l”Olympia di Manet provocò un terribile scandalo al Salon del 1866, e poi la Colazione all”aperto, che suscitò la disapprovazione del pubblico di Madrid, e portò alcuni pittori più giovani ma audacemente nuovi – Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley, Jean-Frédéric Bazille e altri – a chiedere un posto al tavolo, Degas, grazie alla sua precedente adesione, era già un”autorità.

Fu al tavolo di questo caffè che Degas, altrimenti così reticente, fece conoscenza, anche una sorta di amico distaccato, con i pittori – gli impressionisti – con i quali avrebbe poi lottato spalla a spalla per decenni, e con gli scrittori (in particolare Zola) che sostennero questa lotta come meglio potevano sulla stampa. Per il momento, questa lotta è consistita in discussioni professionali, dibattiti tranquilli, dipingere quadri secondo i principi stabiliti, e tentativi (di solito infruttuosi) di esporli e venderli. Tutti questi artisti hanno prodotto alcuni primi capolavori, ma erano già rappresentativi del loro sviluppo successivo (Degas: Orchestra 1867-69, Monet: La Grenouillére 1869, Manet: Departing Ship 1869, alcuni paesaggi di Pissarro, ecc. Manet era un”eccezione, almeno era già stato condannato dagli accademici, dal pubblico, dal pubblico e dai critici (tranne quello Baudelaire).

L”Orchestra dell”Opera è uno dei quadri più famosi di Degas, anche se raramente esposto durante la vita dell”artista. Illustra una rottura con gli inizi classici e punta al realismo e alla pittura moderna. Degas, fino a quel momento un pittore storico in cerca di ispirazione antica, entra decisamente nei tempi moderni. Ritrae la vita e i passatempi dell”élite parigina. Corse di cavalli, concerti e balletti all”opera. Dietro le quinte, osserva, disegna e fa amicizia con i musicisti. Désiré, il fagottista Dihau, fa amicizia con lui e fa da modello per lui. Circondato da altri musicisti, è la figura centrale dell”orchestra dell”opera. Tuttavia, tutti i volti sono ugualmente espressivi. Degas si sforza di esprimere la caratteristica di ciascuno. Anche le gambe e le gonne delle ballerine che ballano sopra i musicisti danno alla scena un carattere improbabile e suggestivo. A sinistra, nel riquadro, c”è il volto dell”amico del pittore, il compositore Emmanuel Chabrier (1841-1894).

Non si sa se Degas diede questo quadro a Dishau o glielo vendette, ma è certo che lo conservò fino alla morte del musicista. Nel 1909, la tela fu ereditata da sua sorella, la pianista Marie Dihau, che vi attribuì grande importanza, come fece per il proprio ritratto di Degas. Solo la mancanza di mezzi per vivere lo costrinse a rinunciare al quadro, e nel 1935 lo donò al Museo del Lussemburgo a Parigi in cambio di una rendita perpetua. Dopo la sua morte, entrambe le opere di Degas divennero proprietà dello Stato francese.

Il quadro dei musicisti dell”orchestra è dello stesso periodo, dipinto in modo simile all”orchestra dell”opera. Degas rompe le regole della rappresentazione circolare delle scene teatrali. Sceglie deliberatamente un punto di vista innovativo, che crea contrasti e sconvolge le proporzioni, dando all”intera composizione un carattere distintamente moderno. Entrambi i dipinti si basano sul contrasto tra il mondo degli uomini maturi, raffigurati con colori scuri, e la rampa immersa in una luce brillante, l”effetto di giovinezza e femminilità rappresentato dalle ballerine. Questi non sono ritratti, ma immagini di genere. Anticipano la successiva fascinazione pittorica di Degas per le ballerine. È noto, del resto, che Edgar Degas amava dipingere questo soggetto.

Nel 1870, però, scoppiò la guerra franco-prussiana, così tragica per la nazione francese. La Table Society fu sciolta perché i suoi membri si arruolarono nell”esercito o fuggirono all”estero. Degas era anche un soldato, e anche se non fu sulla linea di fuoco, gli eventi della guerra e le conseguenze a Parigi gli tolsero il pennello per diversi anni.

Durante il suo servizio militare, fu attaccato da una malattia agli occhi dalla quale non si riprese mai completamente. A volte alleviando, a volte ricadendo, ma sempre gravemente angosciante, i suoi problemi agli occhi hanno colpito la sua visione e la sua capacità di ritrarre, e alla fine ha portato alla cecità quasi totale.

Nel 1872, subito dopo il suo congedo, si recò in Nord America (New Orleans) per visitare i parenti di sua madre. Come durante la sua visita in Italia, ha sviluppato un piano per un ritratto di gruppo, usando i membri della famiglia come modelli.

Durante il suo soggiorno negli Stati Uniti nel 1872-73, Degas era stufo della serie infinita di ritratti che i suoi familiari americani gli chiedevano di dipingere. Così ha iniziato a lavorare su un dipinto dell”ufficio di una società di raccolta del cotone a New Orleans. In Louisiana, la gente “vive per il cotone e grazie al cotone”, nota nella sua lettera. Il commercio di questo “materiale prezioso” si rivela quindi un soggetto fortunato per un”immagine che cattura la “couleur locale”. Degas ama passare il tempo nell”ufficio di suo zio Michel Musson, che è mostrato nel primo piano del quadro, con in mano un campione di cotone. Al centro del negozio, René de Gas, fratello del pittore e genero di Michel Musson, è seduto su una sedia a leggere un giornale. A sinistra, l”altro fratello Achille sta appoggiato alla finestra della cassa, con le gambe incrociate con noncuranza. L”elegante nonchalance dei due fratelli contrasta con le figure degli altri uomini, impegnati nel lavoro, il nero dei loro abiti in netto contrasto con il bianco del cotone, delle camicie e dei giornali.

La foto è stata scattata dopo il suo soggiorno negli Stati Uniti nel 1872-73.

Anche questa volta non dipinse il quadro sul posto, ma fece una serie di schizzi dettagliati dei membri della famiglia. Il grande quadro a olio è stato dipinto a Parigi nel 1873.

Già nel ritratto di gruppo della famiglia Bellelli, lo stile compositivo di Degas mostra la caratteristica di una struttura rigida in cui le singole figure sono caratterizzate da una postura e da un”articolazione casuale e apparentemente accidentale. Questo effetto non solo si intensifica nel Mercante di cotone, ma diventa addirittura magistrale.

Dopo il suo ritorno a Parigi, Degas presenta il quadro alla seconda mostra impressionista. Il pubblico lo trovava troppo superficiale e noioso, e gli prestava poca attenzione. Nel frattempo, l”attenzione di Degas era attratta dal realismo. Durante il suo soggiorno in America, decide che “la corrente naturalista (…) deve essere elevata al rango dei più grandi movimenti pittorici…” Quando, nel 1878, il Museo della città di Pau si rivolge a Degas per l”acquisto del Cotton Trade di New Orleans, egli accetta immediatamente, anche se il prezzo è inferiore a quello richiesto. Si rallegra della prospettiva che il suo quadro entri a far parte della collezione di un museo, lusingato dalla sua vanità.

Probabilmente ha anche dipinto la Pedicure basandosi su schizzi della Louisiana. L”artista ha usato il sottile gioco della luce per ottenere l”effetto che voleva nel suo lavoro su carta su tela (come nel suo dipinto dei Jocks). Grazie alla vernice diluita con trementina, Degas ottiene effetti speciali, soprattutto sulle parti del materiale in cui è avvolto il bambino – le pieghe delle sue tende. La bambina è la figlia di René, fratello dell”artista, dalla moglie Estelle de Gas, sua prima moglie.

Tornato a casa dall”America, Degas è di nuovo al lavoro in piena regola. Non solo getta nuove tele, abbozza nuovi soggetti sulle sue tele, ma continua anche, o forse riprende o rielabora, le sue opere precedentemente iniziate, che sono state abbandonate o risolte in modo inadeguato e contro la sua volontà. È certo che lavorò su alcuni di essi per molti anni, e quindi solo pochissimi dei suoi dipinti dal 1870 al 1880 possono essere datati con precisione. È il caso dell”opera che segnò una svolta decisiva nella sua carriera artistica, L”ingranaggio dell”ippodromo, e il soggetto simile di I fantini davanti alla tribuna. In queste opere, ha rotto con le regole di composizione della pittura accademica, qualcosa che non poteva essere fatto impunemente da chi voleva vincere premi e successo al Salon.

Il modo in cui Degas ha composto l”immagine del Dente è sorprendente. In primo piano vediamo la famiglia Valpincon che si prepara per un giro in carrozza. Non solo ha messo il soggetto principale nell”angolo del quadro, ma ha anche tagliato le ruote della carrozza a metà del bordo inferiore del quadro. Le gambe dei cavalli e persino la testa di uno di essi sono stati rimossi dall”immagine. La mancanza di dettagli è compensata, tuttavia, e l”unità e l”equilibrio della struttura sono assicurati dalla vivacità più dettagliata e colorata dell”altra metà dello spazio dell”immagine: le macchie di colore in movimento e alternate delle piccole figure e la potenza riassuntiva del cielo bianco-bluastro sopra di loro. Due momenti esaltano ulteriormente l”effetto compositivo del colore nei dipinti di Degas. In primo luogo, a differenza delle regole della pittura precedente, le zone d”ombra non sono coperte da veli di nero, grigio o blu. Le ombre sono semplicemente rese dalle tonalità più scure e meno luminose dei colori utilizzati. È stato molto aiutato dalla tecnica che ha usato per raggiungere le sue intenzioni. In particolare, ha convenientemente rimosso la maggior parte dell”olio grasso e lucido dalle paste a olio che usava normalmente, e ha diluito la durezza delle paste risultanti senza lucido (ma ancora legate all”olio) a una morbidezza pennellabile aggiungendo trementina. La trementina, essendo di natura volatile, evaporava rapidamente, lasciando un sottile strato di vernice senza brillantezza. Il suo effetto era per molti versi simile a quello della pittura ad acqua e a tempera, e permetteva di ottenere un”incredibile varietà di sfumature.

Il suo quadro I fantini davanti alla tribuna era basato su schizzi che aveva fatto dal vivo. Degas fu anche influenzato dal Napoleone III alla battaglia di Solferino di Ernest Meissonier (1815-1891). Considerava Meissonier “un gigante tra i nani”, il migliore dei pittori accademici che disprezzava, e ammirava i suoi metodi di rappresentazione dei cavalli. Il suo dipinto The Jocks emana un senso di calma, nonostante il cavallo indisciplinato sullo sfondo. Il quadro è molto lontano dall”atmosfera febbrile delle corse di cavalli, dove il galoppo dei cavalli è accompagnato dalle grida degli spettatori, come descritto da Émile Zola (1840-1902) nel suo famoso romanzo ”Nana”. Degas sceglie momenti di pausa per catturare la postura naturale e senza tensione degli animali. Prima di dipingere, Degas copre la tela con della carta e dipinge nei punti in cui si trovano le parti più scure del quadro. Fa uno schizzo a matita e disegna i contorni a penna e inchiostro. Solo allora applica la vernice mescolata al petrolio per ottenere colori più opachi e meno brillanti, a causa dell”olio mescolato alla trementina.

Il quadro, esposto alla prima mostra impressionista, fu acquistato dal cantante d”opera Jean Baptiste Faure (1830-1914). Faure era un collezionista di opere impressioniste e commissionò cinque dipinti a Degas nel 1874. Il pittore, tuttavia, ritardò il completamento di uno dei dipinti commissionati (Race of the Horse). Degas è un perfezionista e spesso ha una capacità infinita di miglioramento. L”opera richiede tredici anni per essere completata!

L”immagine cattura l”atmosfera frenetica e piena di eccitazione delle corse di cavalli. Il gruppo di fantini sulla destra ha la sua controparte sulla sinistra, nella forma del cavaliere a cavallo, con la schiena arcuata e che galoppa alla velocità di un treno che spruzza vapore bianco.

Corse di cavalli, cavalieri dilettanti

Iniziò a dipingere il quadro nel 1876 e lo terminò nel 1887.Musée d”Orsay – Parigi

La sua capacità di catturare il movimento, di analizzare il valore del colore e la sperimentazione tecnica che lo aiutò a farlo, segnò anche la fine del regno di Degas come pittore di altri soggetti. Le scene del teatro e del balletto non hanno mai lasciato le tele del pittore e costituiscono la maggior parte dei suoi studi.

Ha dovuto sopportare le mattine faticose e sudate dell”insegnamento della danza classica. Con la stessa leggerezza di tocco che ha poi portato alla luce mozzafiato delle performance, ha anche catturato con la stessa naturalezza i movimenti stanchi di ripetizione delle prove e l”ordinarietà sgualcita e consumata degli oggetti, degli abiti e dei mobili sparsi nel sito.

Nel 1874, un gruppo di amici al tavolo degli artisti del caffè Guerbois decise di fare qualcosa di notevole. Dato che le porte della mostra del Salon non erano aperte alla maggior parte delle opere dei membri, decisero di organizzare una performance di gruppo al di fuori della mostra ufficiale. Non avevano locali adatti, ma il loro amico Nadar, un fotografo benestante e scherzoso, mise a loro disposizione il suo studio e diverse grandi stanze. Anche se Degas non aveva bisogno di vendere, e i suoi quadri erano per lo più esposti al Salon, se non con gioia, ed era quindi il meno interessato a una mostra separata, era anche in disaccordo con i suoi compagni più giovani su molte questioni, ma era entusiasta dell”organizzazione. Anche se Manet rimase lontano dall”impresa, fu rappresentato da dieci quadri di Degas. Fu a questa mostra che un critico si riferì derisoriamente ai pittori e ai loro quadri come “impressionisti”. Il pubblico parigino andò alla mostra per deridere e ridere, ma i suoi eroi più tardi trionfarono sulle denominazioni, e le opere che derisero gli valsero meritatamente onore e fama mondiale.

A Degas non piaceva il termine impressionista. (Nonostante questo, rimase sempre con i suoi amici e fino al 1886, quando il gruppo tenne la sua ultima mostra collettiva, chiese di far parte delle loro lotte. Era e rimase un uomo ricco, con un reddito sicuro e sentimenti aristocratici. L”unica volta che le sue fortune entrarono in crisi fu quando venne in aiuto di suo fratello, che era in difficoltà in borsa. Non spendeva le sue entrate per riscattare i piaceri e le delizie esteriori della vita. Camminava semplicemente, viveva semplicemente, mangiava semplicemente. Non si è mai sposato e non sappiamo nulla dei suoi amori o delle sue tenerezze. Il suo unico amore era la sua arte, e ha dato molto alla sua passione per il collezionismo. Spesso correva in aiuto dei suoi amici pittori comprando le loro opere, non solo fornendo loro del denaro, ma anche dando loro una soddisfazione morale apprezzando le loro opere.

Una delle prime opere di Degas, molto particolare, in cui la sua individualità è chiaramente visibile. Il quadro è intitolato Ballerine alla ringhiera.

Ci sono molti personaggi, anche se ci sono solo due figure umane, due piccole ballerine. Ma la ringhiera su cui le ragazze in riposo poggiano le loro gambe tese, le pietre dell”asse che corrono lungo il pavimento in modo simile, e infine l”annaffiatoio nell”angolo sinistro, quasi dimenticato, sono perfettamente all”altezza di queste due figure. Quest”ultimo, oltre al suo valore visivo, fornisce l”equilibrio della struttura, che potrebbe ribaltarsi senza di esso, e aggiunge un senso di libertà all”atmosfera dell”immagine. Ma questa apparente immobilità degli elementi del quadro viene interrotta e diventa un movimento vivace nell”incastro, incastro, incastro che corre avanti e indietro dei contorni delle singole parti. Da questo punto in poi, il movimento diventa un altro tratto caratteristico dell”opera di Degas e, implicitamente o esplicitamente, diventa uno dei fattori principali dell”effetto artistico complessivo degli anni seguenti.

Negli anni settanta, Degas dedica una parte molto importante della sua opera ai suoi ritratti di ballerini e ballerine. Un gran numero di disegni e studi di dettagli su tali soggetti sono stati prodotti durante questi anni. Questo dimostra che era un critico rigoroso del suo lavoro, ma anche che continuava a creare la forma finale dei suoi quadri nello studio, basandosi sui suoi studi e ricordi, e in obbedienza alla sua immaginazione di modellatore e montatore. L”unica cosa sorprendente è che le molte fasi preliminari, i molti tentativi, le ripetizioni e le attente deliberazioni non hanno reso la soluzione finale stantia e tormentata, ma al contrario, il quadro finalmente dipinto mostra un risultato più perfetto di qualsiasi schizzo o versione precedente. Eppure ha lavorato molto, moltissimo, perché ha colto le opportunità che si presentavano quasi indiscriminatamente. Il consiglio di Goethe di afferrare la pienezza della vita, perché ovunque la si afferri, diventa una pratica interessante e accettata in tutta l”opera di Degas. Infatti, ha colto in abbondanza la pienezza della vita che gli è stata rivelata. Non c”era soggetto che non fosse degno di lui, qualunque fosse il motivo che lo portava al pennello. Ma qualunque cosa scegliesse, il risultato era sempre elevato, di buon gusto, artistico.

Questo è esemplificato in una delle sue opere più famose e sorprendentemente spiritose, intitolata Place de la Concorde, che dovrebbe essere uno skyline parigino, ma il soggetto del dipinto è diverso. Il titolo è un”indicazione della scena, ma i grandi palazzi neoclassici della piazza, che vantano una fredda solennità, giocano la minima parte nel quadro stesso. Il soggetto è in realtà un ritratto – un ritratto di gruppo montato e prestabilito, in effetti – ma anche questo è solo un pretesto. È un pretesto per Degas per catturare in colore e luce un momento diretto di vita e di movimento sul suolo di Place de la Concorde a Parigi. Il pittore, come un fotografo, ha proiettato “istantaneamente” sulla sua tela l”immagine del suo amico, il visconte Lepic, che passeggia nella piazza con le sue due figlie e il suo cane. Come le due ragazze e il bel cane si fermano per un momento, come la figura maschile si gira per seguirle, ma ha appena sbirciato nel quadro da sinistra, perché il pittore ha lasciato apparire sulla sua tela solo il suo viso barbuto, la tesa del suo cappello con le corna e uno stretto segno del suo corpo alto e allampanato (costituito da una cravatta arruffata, dai bottoni del cappotto scuro e dalla gamba dei pantaloni).

Place de la Concorde (circa 1875)

La figura principale non è completa. Il bordo inferiore dell”immagine è tagliato sopra il ginocchio, così come le due bambine in vita e le zampe anteriori del cane. A sinistra, sullo sfondo, due ruote di una carrozza stanno uscendo dal quadro, e un cavaliere sta cavalcando in direzione opposta verso il centro. Quindi sono tutti tagli, tagli e coperture. Contrasto e contrasto. L”indifferenza dell”enorme figura principale (che riempie tutta l”altezza del quadro) sottolinea lo sguardo interessato della ragazza nell”angolo destro, lo spazio centrale vuoto il movimento delle figure umane di fronte. E questo movimento è accentuato in misura inaudita dai tagli e dalle coperture. Non vediamo le gambe di Lepic, ma l”asse sporgente del suo torso, la linea di incrocio dell”ombrello tenuto sotto il suo braccio, che si spinge anch”esso in avanti e verso il basso, e il sigaro leggermente esteso dalla sua testa leggermente sollevata, lo mantengono in movimento e in controllo più che se i suoi passi fossero spiegati da gambe pedantemente dipinte, e il fatto che possiamo vedere solo due ruote della carrozza rende plausibile che il momento successivo essa rotoli, e quasi ci aspettiamo che la figura maschile percepita in modo incompleto nell”angolo sinistro dell”inquadratura segua immediatamente la battuta di Lepic che non l”ha ancora notato.

A partire dalla metà degli anni settanta, l”immaginazione di Degas fu catturata dal café chantant, dai tipi di persone e dalle scene che vi si trovavano. Ha creato tutta una serie di composizioni di questo tipo, con eccellenti effetti di colore e di luce. Uno dei suoi primi dipinti di questo tipo fu Song of the Dog (Chanson du chien), in cui catturò un artista che cantava una “canzone di successo” allora popolare. La figura grassottella della cantante si allunga goffamente nell”auditorium del giardino, dove nelle ombre bluastre della notte gli ascoltatori sono più suggestivi che chiaramente visibili. La figura principale è evidenziata dalla luce che si riflette su una colonna illuminata. L”atmosfera dell”immagine non riflette l”allegria che ci si aspetta da un cabaret. I suoi elementi di colore, il suo aspetto ottico, sono piuttosto un esotismo distorto, un desiderio di fuga, un grido di aiuto.

… i cambiamenti di colore dell”illuminazione del giardino di notte con misteriosi blu, senza mescolarli con il nero.

Il mistero, tuttavia, rimane solo una componente di alcune scene di pub e cabaret, dove i raggi tremolanti e sbiaditi della luce artificiale addolciscono e ammorbidiscono le forme e i colori spesso allarmanti e crudi delle notti di periferia. In altre occasioni, tuttavia, cattura i tratti sorprendenti della realtà con l”osservazione più precisa, e li registra nelle sue immagini con implacabile obiettività e senza pietà.

Uno degli esempi più strazianti e meravigliosi di queste immagini non alleggerite della realtà è Absinthe (In the Coffee House). Oltre al fatto che questo quadro spicca nell”opera di Degas per i suoi delicati toni di colore e la sua delicata pennellata, è una grande testimonianza della consapevolezza psicologica del suo maestro e del suo potere di formare i personaggi. Davanti a una parete di specchi in un caffè (probabilmente la Nouvelle Athénes), una donna e un uomo siedono dietro a tavoli squallidi. La donna, vestita con abiti da quattro soldi, fa un cenno con la testa in avanti, con gli occhi ormai ubriachi e vuoti. La sua postura è rilassata, non preoccupata. Davanti a lei, un grande bicchiere di bevanda opalescente e distruttiva. L”uomo si è allontanato da lei, il cappello spinto indietro sulla testa, i denti stretti intorno alla pipa, e guarda di lato il suo aspetto trascurato, quasi con orgoglio, persino con sfida. I suoi due sacchi di liquore rotti sono ora la preda irredimibile della decadenza materiale e morale che ha già avuto luogo. Non stanno più combattendo, ma la loro postura ed espressione mostrano che anche se lo facessero, i loro sforzi sarebbero brevi, deboli e futili.

Assenzio nel caffè (1876)

La donna si arrende, l”uomo mette quasi in mostra la sua distruzione. Quasi se ne vanta. Il contenuto interno delle due figure, e la tipologia del loro contenuto, è interamente una creazione di Degas, poiché i loro tratti esterni sono modellati da due venerabili artisti, il grafico Desboutin e l”attrice Ellen Andrée. Nessuno dei due era ossessionato dal bere. Fu il talento particolare di Degas – e questo è ciò che più lo distingue dai suoi coetanei impressionisti – ad aggiungere alla sua superba resa del paesaggio naturale, la sua resa virtuosistica della sua realtà ottica, le qualità acute e convincenti della caratterizzazione psicologica.

In questo quadro (acquistato dal conte Camondo, il primo vero conoscitore e collezionista di pittori impressionisti, e da lui regalato al Louvre), possiamo anche vedere che Degas non si accontentava di vendere le espressioni del viso, le posture e le espressioni, ma utilizzava tutti gli altri elementi possibili della struttura pittorica per trasmettere il contenuto psicologico. Ha spostato l”occupazione spaziale delle figure verso l”angolo superiore destro, in modo che la contorsione stralunata della figura femminile, così collocata nella linea centrale, enfatizzi e sottolinei ulteriormente l”anticipazione attiva dell”uomo stuzzicante che si avvicina al tavolo. La frammentazione e la confusione dei due tipi di contenuto spirituale è enfatizzata dallo zigzagare frastagliato dei contorni taglienti dei piani dei tavoli, che serve anche come un”efficace intensificazione della gamma di colori, e qui possiamo capire meglio l”affermazione di Degas che lui è in realtà il colorista della linea. La visione sfocata delle teste delle due figure nello specchio alle loro spalle, che risolve le riflessioni struggenti del quadro in una tranquilla e forse pensosa rassegnazione, chiude l”intera composizione con una tranquilla armonia.

La pittura di Degas fu molto criticata in patria, e la sua mostra a Londra causò un vero scandalo. Ma Degas, come sempre, si sta solo mettendo in mostra. Non ha pietà, né compassione, né approvazione, né giudizio.

Fu con questa indifferenza oggettiva che creò il suo monotipo per il racconto di Maupassant, “La Tellierhaus”. Come ha scritto lo scrittore, il pittore ha raffigurato l”oggetto che ha oltraggiato lo pseudo-pride borghese, senza alzare la frusta della censura morale che avrebbe potuto calmare lo sdegno. Tutto quello che ha fatto è stato caratterizzare una situazione e un ambiente sorprendentemente distorti con una convinzione e un realismo quasi incredibili.

Dopo il suo ritorno dagli Stati Uniti, Degas fece diversi schizzi di ballerine. Cominciò a dipingere Nella sala da ballo, che completò intorno al 1875-76. Il 12 febbraio 1874, lo scrittore Edmond de Goncourt (1822-1896) lo visitò nel suo studio e il giorno dopo scrisse nel suo diario: “Ho passato ieri nello studio di uno strano pittore chiamato Degas. Dopo tentativi tematici e deviazioni verso diverse tendenze, si è innamorato del presente, dal quale ha scelto le lavandaie e le ballerine. Non è una scelta così brutta, davvero”.

Leggi anche, biografie – Frédéric Passy

Prove di balletto sul palco

Unico nell”opera di Degas, questo capolavoro è caratterizzato da un disegno preciso e da una gamma completa di precisione del colore grigio.

Alla prima mostra impressionista, nel 1874, Degas presenta la sua opera Prova di balletto sulla scena. I critici hanno descritto questo quadro monotono come un disegno, non un dipinto. Unico nell”opera di Degas, questo capolavoro è caratterizzato da un disegno preciso e dalla precisione della gamma completa dei toni di grigio, suggerendo che l”artista ha prodotto quest”opera come precursore di un”incisione successiva. Due tele simili, anche se più ricche di colore, sopravvivono nelle collezioni americane.

Per più di un quarto di secolo, Degas dipinse ballerine, schizzi e sculture di ballerini. Questo ci rende più facile osservare lo sviluppo dell”artista. I dipinti a olio, disegnati con precisione ed eleganti nei loro colori, completano i successivi pastelli, che sono saturi di colori brillanti. Tanto grande pittore quanto grande cronista della vita. È importante notare che l”artista era anche un grande giudice di carattere e uno psicologo.

Nel 1875 Degas tornò su La prova del balletto e lo completò. Ancora una volta ci troviamo di fronte a panorami sorprendenti. Il pavimento in parquet sembra essere inclinato. I ballerini appoggiati sul piano frontale sono visti da dietro. Sullo sfondo, l”attenzione dell”insegnante è concentrata sullo studente all”interno della stanza. Il realismo della scena si adatta alla composizione delle figure catturate in diverse pose, al lavoro e a riposo.

Prove di balletto

Il realismo della scena si adatta alla composizione delle figure catturate in diverse pose, al lavoro e a riposo.

A sinistra, la ballerina con il fiocco giallo è seduta sul pianoforte e si gratta semplicemente la schiena. L”apprendista con il fiocco blu sulla destra sta guardando il suo braccio. A sinistra, la ballerina appoggiata al muro si tocca le labbra con le dita e sogna ad occhi aperti. All”interno della sala, le studentesse sono in piedi o sedute con le mani sui fianchi, le anche o le braccia, aspettando il loro turno. Le loro gonne spumeggianti scintillano nella leggera luce in cui è immersa la sala del teatro. La luce mette in risalto la lucentezza delle scarpette da ballo Atlas. Il gioco di luci e ombre colora la pelle delle giovani ragazze. Il ruolo del professor Jules Perrot (1810-1892), al quale Degas rende il suo omaggio pittorico, è accentuato dal semicerchio vuoto formato intorno a lui sul pavimento. La mano dell”insegnante si appoggia su un bastone per battere il ritmo. La figura intera domina la scena e diventa l”asse compositivo del quadro.

Anche se Degas protestò ripetutamente e con veemenza contro il fatto di essere considerato e chiamato un artista realista, non poté chiudersi completamente dalle aspirazioni e dalle realizzazioni realistiche, persino veristiche (come veniva chiamata la ricerca del naturalismo estremo) del periodo. Per questo motivo, e perché la sua scelta dei soggetti non tendeva al sublime, a temi e forme sentimentali, se non addirittura sdolcinati, fu spesso accusato di essere “volgare”. Ma questo significa solo che Degas non si è mai allontanato dal percorso particolare della pittura per entrare nel mondo della retorica e della narrazione. Per lui, il soggetto, la materia, era il soggetto e l”oggetto della pittura, e rifiutava qualsiasi altro che non fosse una relazione ottica tra il dipinto e il suo spettatore.Questo si riflette nel suo dipinto Dance in Progress. La scena vera e propria si trova nell”angolo in alto a sinistra, dove delle ragazze in costume da ballo stanno ballando. Una di loro sta ”spiando” sulle dita dei piedi, mentre un gruppo di suoi compagni forma un cerchio e osserva il suo movimento. In contrasto con la figura aggraziata delle ballerine, il maestro di danza è goffo e barcollante, ma tutto ciò che vediamo è la sua testa e il suo tronco tozzo, il resto del suo corpo è coperto da una ballerina che entra di lato, i suoi passi di danza servono solo al suo piacere. Non fa parte dell”insieme del gruppo. Nonostante la scena varia che dà il titolo al film, il protagonista è diverso.

Leggi anche, biografie – Piero Manzoni

Durante le prove di danza (intorno al 1878)

Non sono i ballerini, né il maestro, ma la brutta vecchia seduta su uno sgabello da cucina, con le gambe distese davanti a sé, quasi distese. Non le interessa la scena del ballo, né le interessano le azioni del maestro. È assorto nel giornale che ha in mano. È chiaro da questo quadro che, al di là dei momenti ottici, c”è anche un contenuto ideologico, che si estende nei contrasti del quadro. Le ragazze che ballano e lo sforzo del maestro istruttore, e la passività indifferente della figura principale, che è solo intensificata dalla differenza traslucidamente luminosa tra il gruppo in movimento e il vestito scuro e inamidato della vecchia. Tutto questo è incorniciato dalla disciplina dello spazio interno, reso in splendida prospettiva, e dal contrasto tra il morbido scivolare della luce da qualche parte sulla destra e le ombre intrecciate, che articola delicatamente la struttura del dipinto.

Ballerina sul palco (The Star of the Dance) circa 1878

La Danzatrice sulla scena, raffigurante Rosita Mauri, è anch”essa a pastello, ma nella tecnica del monotipo spesso usata da Degas. Un monotipo è un”impressione di un”immagine disegnata su un foglio di rame o di vetro su un foglio di carta bagnata. Dancer on Stage è stato mostrato alla terza mostra impressionista. Il critico Georges Riviére (1855-1943), amico di Cézanne e Renoir, lodò il realismo del quadro, mentre i critici successivi ne sottolinearono il soprannaturalismo. Il gioco di luce e la prospettiva originale contribuiscono all”effetto straordinario. Da dietro le quinte, dei ballerini e un uomo osservano la prima ballerina. Con solo corpi senza testa, l”attenzione è interamente concentrata sul ballerino, che si inchina estasiato al pubblico.

Nel suo quadro Waiting, dipinto nel 1882, dà spazio a due figure umane. Mentre nei quadri precedenti la tensione, l”azione e l”attività satura davano alla rappresentazione il suo contenuto interno ed esterno, questo piccolo pastello è un ambiente di languida noia. Aspettando la sua scena, la ballerina ormai esausta si china in avanti e aggiusta qualcosa sulla punta della sua scarpa, mentre la sua compagna si piega stancamente per mantenere l”equilibrio sulla panca bassa. Anche le linee circolari e divisorie della panchina e del pavimento riflettono lo stato d”animo dell”attesa. Sono pronti a partire come le figure in attesa annoiate.

Attesa (1882)

“Perché dipingete ragazze che ballano?” chiede Degas a una collezionista americana, Louise Havemeyer, alla fine degli anni ”90. “Perché solo in essi ritrovo i gesti degli antichi greci…” risponde l”artista, che non ha fatto mistero della sua fascinazione per la scultura antica. Degas abbozza le pose delle ballerine su carta rosa a inchiostro. Poi dà loro la forma finale con pastelli o colori ad olio. Per “La ballerina saluta il pubblico con un mazzo di fiori”, Degas sceglie il pastello, che permette al pittore di dare alle figure presentate un aspetto irreale. L”illuminazione teatrale del palcoscenico distorce il volto del ballerino, che assomiglia a una maschera mostruosa e irreale. Il rapimento sul volto distorto si mescola alla spossatezza, simboleggiando le contraddizioni del mondo teatrale. Le nebbiose gonne di tulle senza contorni contrastano con le linee caricaturali delle gambe in pose innaturali. Degas alterò ripetutamente alcuni dettagli del quadro: rese il bouquet più piccolo, abbassò leggermente la spalla sinistra della ballerina, allungò la gamba destra. Queste correzioni possono essere viste illuminando la tela con una lampada a infrarossi.

Dietro la prima ballerina, il corpo di ballo danza l”ultima scena dello spettacolo. Il colore degli enormi ombrelli zafferano è fortemente accentuato. Le figure sullo sfondo sono state aggiunte più tardi nell”opera. All”inizio solo il primo ballerino era sullo schermo. Il pittore ha aumentato le dimensioni del quadro incollando strisce di carta a destra e in alto. Questi cambiamenti causano la disposizione asimmetrica della figura principale nell”immagine.

La ballerina accoglie il pubblico con un bouquet di fiori

L”illuminazione teatrale del palcoscenico distorce il volto del ballerino, che assomiglia a una maschera irreale e mostruosa.

Ma gli anni 1880 portarono l”attenzione di Degas e il suo pennello in un nuovo mondo di azione. Il lavoro è apparso nei suoi dipinti. Ha dipinto serie di ferraioli e mugnai. Erano una nuova scena e un nuovo ruolo per la vita, il movimento e la luce e l”ombra. E ha catturato e presentato le scene di questo nuovo palcoscenico con altrettanta passione di ricerca, altrettanta caratterizzazione riflessiva, altrettanta obiettività senza emozioni come ha fatto con le scene dell”assenzio o del balletto.

Nel primo quadro della serie Ironing Lady, iniziata nel 1882, la figura non è annoiata, ma impegnata con le camicie da uomo colorate che la aspettano, ammucchiate alla sua destra e alla sua sinistra. Questa l”ha dipinta in controluce, come la ballerina nello studio del fotografo, dimostrando chiaramente che era attratto dai compiti pittorici sfuggenti di questo nuovo soggetto. Nel 1884 dipinse le sue Donne di ferro, in cui, nonostante il motivo, non ritrae l”operaio stanco, consumato, sfinito. Piuttosto, celebra la forza inesauribile che completa un compito con uno sbadiglio di buon gusto mentre lavora. Non molto tempo prima, aveva dipinto The Hat-Woman, probabilmente il più bello di una serie di diversi pezzi su un soggetto simile.

La sua prima mostra a Parigi suscitò non poco scalpore tra i visitatori del Salon, i quali, guidati in gran parte da principi accademici, ritenevano che i pochi cappelli da donna fatti di paglia e seta e decorati con nastri, pizzi e fiori artificiali, come se ne vedono a decine nelle vetrine e nelle strade, non fossero degni del mondo dell”arte, che consideravano elevato e festivo. E Degas non stava celebrando, ma usando il suo solito processo di trasformazione della realtà quotidiana in una visione artistica. Non sembrava nemmeno sistemare i cappelli, lasciandoli nella confusione degli affari. Ma questa è solo un”apparenza. Un attento esame rivela ben presto che i colori e le forme nascondono una struttura accuratamente studiata, e che la chiave per comprendere questa struttura è il cappello di seta con le nervature blu che giace sul bordo del tavolo.

Alla fine degli anni 1880, il nudo, la figura femminile nuda, diventa il soggetto principale dell”arte di Degas. La cosa strana è che, a parte i dipinti storici della sua gioventù, il nudo era quasi completamente assente dai suoi primi lavori. Ma non ha rinnegato se stesso e i suoi principi artistici nella pittura di nudo. Gli artisti prima e intorno a lui avevano dipinto nudi. Ma quasi tutti avevano bisogno di una scusa per spogliare la figura femminile. Per lo più si trattava di miti, leggende e leggende. Anche Courbet ha usato per lo più il motivo dello studio e del bagno come pretesto per i suoi nudi, anche Manet, il rivoluzionario Manet, ha dipinto Olympia nell”esaltato isolamento delle Veneri rinascimentali, e i nudi di Renoir sono velati di sensualità. Ma Degas non ha mai cercato una scusa, il suo sguardo sempre freddo.

Ha quasi sorpreso le sue modelle, nei momenti in cui erano nude e sacrificavano la loro vanità – pettinandosi, pulendosi. Non ha cercato una bella modella (come definita dal gusto pubblico e dall”erotismo), né ha regolato la postura e il portamento secondo criteri e regole “pittoresche”. Il suo nudo After Bath è molto contingente, molto imperscrutabile. Di profilo, lo vediamo asciugare la sua mezza gamba sollevata. Una posa in cui nessuno prima di Degas avrebbe pensato di dipingere una figura femminile nuda. È un quadro insolito, inquieto e tecnicamente sorprendente. In contrasto con la levigatezza della tecnica del pastello a cui siamo abituati, gli strati di gesso spessi applicati sono pieni di colore, e le linee stesse sono disordinate e agitate. Anche se ci sono alcune superfici più lisce e tranquille sulle figure femminili, servono solo ad accentuare il tremolio del resto del quadro.

Alla fine degli anni 1880, il nudo, la figura femminile nuda, diventa il soggetto principale dell”arte di Degas:

Ancora più radicalmente in rottura con le convenzioni è la composizione intitolata Donna che si pettina, che presenta la corpulenta figura femminile, anch”essa non bella, nemmeno di crescita proporzionata, in un ardito taglio corto. Siede con le spalle allo spettatore, in una posizione di visione, quasi disintegrata. Eppure questo corpo non è grasso, né tumescente. C”è una forza primordiale animata nella sua ferocia. E la pittura dell”immagine è assolutamente stupefacente. Solo Renoir, oltre a Degas, avrebbe potuto raggiungere una ricchezza di colore così abbagliante sulla superficie del corpo umano nella Parigi dell”epoca. Anche lui ci riuscì solo un po” più tardi, sotto l”influenza di Degas, e solo con una perfezione approssimativa.

La ciotola da bagno è il titolo di uno dei pezzi della serie. Raffigura una donna svestita in una “vasca”, lo speciale recipiente usato nei vecchi quartieri parigini del secolo scorso, dove i bagni erano pochi e lontani tra loro. La struttura del quadro ricorda anche una veduta, con la figura quasi rivolta verso la luce. La modellazione con la luce, l”evocazione dello spazio, la composizione in prospettiva, il disegno virtuoso e i colori delicati sono tutti capolavori dell”artista. Il suo effetto potente è aumentato dal fatto che il corpo femminile profondamente sporgente riempie la superficie in un asse quasi diagonale. Huysmans, l”illustre scrittore e critico lungimirante, celebrò con entusiasmo la pittura insolitamente audace di fronte ai giudizi dannosi dei critici di Marad. Oggi è uno dei gioielli del Louvre.

Il pastello Morning Toilet è anche uno dei pezzi di questa serie. In questo quadro, anch”esso di struttura diagonale, una giovane ragazza nuda dalle belle forme viene pettinata da un maggiordomo vestito con un abito, visibile solo fino alle spalle. I grani di gesso pastello sono impilati in un”iridescenza opalescente sulla pelle della ragazza svestita, e questo splendore è circondato da un arcobaleno di colori blu-gialli (contrastanti ma complementari) nell”ambiente circostante.

Conosciuto come la Moglie del fornaio, questo dipinto della schiena nuda raffigura il corpo femminile senza peso nella sua crudele realtà. Lo stesso pastello cinereo, tuttavia, è un capolavoro supremo dell”abilità di Degas. Il suo uso dello spazio è squisito, la modellazione della superficie della schiena è vivida e piena di vita, le sue braccia sollevate sono piene di movimento grazie al modo in cui la luce è trattata, e i suoi colori sono vibranti con freschezza nelle tonalità cremose.

Nel 1862 o 1863, Degas incontra Édouard Manet (1832-1883) al Louvre, dove si esercita a copiare. I due pittori avevano un”età simile ed entrambi provenivano da famiglie benestanti. Le loro opinioni sull”arte, tuttavia, li rendevano molto lontani dall”accademismo così popolare tra i francesi del Secondo Impero. I metodi e gli stili di pittura di Degas e Manet sono vicini alle maniere dei “nuovi pittori” con i quali frequentano il caffè Guerbois ai piedi di Montmartre. Questo luogo è considerato una delle culle del movimento impressionista. Degas gioca il ruolo di teorico dell”arte. A partire dal 1866 circa, visita Manet. il pittore e sua moglie posano spesso come modelli per Degas.

Ritratto di Manet e sua moglie (1868)

Quando Manet tagliò un quadro dipinto dal suo amico perché sentiva che non rappresentava bene sua moglie, la loro amicizia era appesa a un filo. Dopo una breve freddezza nel loro rapporto, i due artisti si sono rapidamente riconciliati. Grazie a Manet, Degas poté conoscere Berthe Morisot, che dal 1874 era sposata con il fratello di Édouard, Eugéne. I colori vivaci e lo stile spensierato di questo giovane e talentuoso pittore avevano delle somiglianze con i metodi degli impressionisti. Morisot e Degas appartenevano al “gruppo degli intatti” e parteciparono alla prima mostra impressionista nel 1874. Purtroppo gli amici se ne sono andati molto presto: Édouard nel 1883, Eugéne nel 1892 e Berthe Morisot tre anni dopo. Nel 1896, Degas (con l”aiuto di Monet e Renoir) organizzò una mostra postuma delle sue opere presso il commerciante di quadri Durand-Ruel in segno di apprezzamento per Morisot. Ha appeso i disegni della sua ragazza morta al muro con le sue stesse mani. Insieme a Mallarmé e Renoir, Degas si prese cura di Julie, la figlia prematuramente orfana di Berthe Morisot e Eugéne Manet, nata nel 1879.

Dopo la fine del secolo, la reputazione di Degas si diffuse in tutto il mondo e i suoi quadri furono ricercati, apprezzati e comprati. A tal punto che era quasi scomodo per l”artista stesso, un artista piuttosto solitario e ritirato. Era anche disturbato dal fatto che articoli e recensioni del suo lavoro lo descrivevano come un artista rivoluzionario e innovativo, anche se lui si considerava un continuatore della pittura francese del XVIII secolo. Ogni volta che poteva, protestava per non essere chiamato rivoluzionario ed esprimeva la sua ammirazione per la pittura dei secoli precedenti e per Ingres. Ma in questi anni non ha quasi mai dipinto. I suoi occhi stavano diventando grandi. Era costantemente in lacrime, e poteva vedere solo da vicino, ad una distanza di un pollice. Ha cercato nei suoi ricordi e ha ripetuto alcuni temi del suo balletto. E nell”ultimo decennio della sua vita, come i fantasmi che ritornano, la sua memoria è stata perseguitata da temi ancora precedenti. Così i cavalieri, gli ippodromi e i paesaggi, che ora dipinge in modo unitario. Dietro i cavalieri in formazione, ha montato un ricco paesaggio montano di bellezza principesca, con le cime che brillano di viola, come i paesaggi immaginari senza figure umane che riempirono un breve periodo della sua carriera.

Ma la sua ultima foto era di nuovo un nudo. Il titolo e il motivo erano Kneeling, e si rivelò un capolavoro secondo il suo cuore, così il suo amico Vollard, un mercante d”arte, non lo vendette, ma lo tenne nella sua collezione privata.

Ma i tratti artistici di Degas non si limitavano alla pittura e al disegno.

Il suo lavoro di plastica fu un interessante completamento del lavoro della sua vita. Già nel 1881, espose una scultura di un metro di altezza di una ballerina, sulla quale fece realizzare il costume di danza con tulle vero. Naturalmente, il pubblico e la critica erano indignati, in parte per il realismo e la goffaggine del disegno e del movimento, e in parte per la mescolanza disinibita di materiali, arte e materiali industriali. Questa scultura sembra essere stata un esperimento isolato, dato che non ha avuto un seguito. Ma quando riuscì a malapena a vedere e non poté più dipingere, come Renoir con la gotta, si rivolse alla creazione di modelli per dare forma alle sue idee. Ha scolpito statue di cavalli e piccole figure danzanti. Erano abbozzati, ma con grande spazialità e movimento. Sono stati trovati solo dopo la sua morte. Conosciamo anche molti altri aspetti brillanti del suo spirito. Aveva una conoscenza ampia e approfondita della letteratura e della musica. Poteva citare i classici della letteratura francese, Corneille, Racine, La Fontaine, e persino Pascal e La Rochefoucauld, a lungo e alla lettera, quando l”occasione o la necessità lo richiedevano. Ma non era solo uno studioso di letteratura e poesia, era lui stesso un poeta. Come Michelangelo una volta, ha espresso in sonetti il mondo che occupava la sua mente e riempiva la sua anima. Il soggetto e l”ispirazione per i suoi sonetti provenivano, naturalmente, dalle stesse fonti dei suoi dipinti. Ha cantato ballerine, ragazze col cappello, modelle che si vestono, si spogliano, fanno il bagno e si asciugano con parole tenere e delicate come i colori e le forme che ha usato per catturare le loro scene.

Piccola ballerina prima di uno spettacolo (1880-1881)

Conosceva una ventina di poesie di Paul Valéry, e nelle sue memorie ha sottolineato in modo convincente i parallelismi e le somiglianze tra le immagini e le poesie.

Degas era anche un appassionato collezionista di belle arti. E non solo del vecchio, ma anche di opere contemporanee. Alcuni dei suoi acquisti sono stati fatti per aiutare i suoi compagni d”armi in difficoltà, senza offesa o umiliazione. Ma era anche un visitatore quasi costante delle aste. Era un paziente osservatore dei loro procedimenti, e la sua cauta e giudiziosa ma sacrificale offerta ha accumulato una preziosa collezione di numerosi oggetti. La sua collezione comprendeva due dipinti di Greco, venti opere di Ingres (dipinti a olio, schizzi, disegni), tredici dipinti di Delacroix, sei paesaggi di Corot e un ritratto a mezzo busto di una donna italiana. Cézanne era rappresentato da quattro quadri, Gauguin da dieci, Manet da otto, Van Gogh da tre, Pissarro da tre e Renoir da uno. C”è anche un gran numero di disegni, schizzi, pastelli e acquerelli degli stessi artisti, di cui i più preziosi sono i fogli di Manet. Questa collezione è stata completata da circa 400 riproduzioni di opere grafiche, tra cui incisioni giapponesi, e le più belle opere di Haronobu, Hiroshige, Hokusai e Utamaro.

Per completare le sue qualità umane, vale la pena ricordare che, sebbene fosse un uomo molto buono e paziente, praticò queste virtù solo al di fuori del mondo dell”arte. Era aspramente critico nei confronti dei suoi colleghi artisti, dalla lingua tagliente, franco e schietto. Non di rado era capriccioso e a volte anche ingiusto. Ha criticato Monet e Renoir per la loro colorazione. Con Manet, criticò il suo eccessivo attaccamento al modello, e con tutti loro, il fatto che dipingevano all”aperto, davanti al soggetto. Anche se sempre retto, il suo atteggiamento lo portò ad alienarsi dai suoi colleghi artisti, che si alienarono anche da lui. La sua cerchia di amici si è poi limitata a pochi cittadini non artistici e a qualche scrittore. Alla fine, gli piaceva frequentare solo i suoi parenti stretti e il suo amico mercante d”arte Vollard.

Eppure non c”è dubbio che il suo impatto umano e artistico fu grande, sia durante la sua vita che dopo la sua morte. Il suo lavoro e il suo esempio umano sono stati fonte di ispirazione per artisti importanti come Forain, Mary Cassatt, Toulouse-Lautrec, Valadon, Vuillard e Bonnard. Ma il pieno riconoscimento fu qualche tempo dopo la sua morte. Anche se alcune delle sue opere furono esposte alla Galleria del Lussemburgo e più tardi al Louvre, è chiaro che Manet,

Le celebrazioni di Cézanne e Renoir sono arrivate prima delle sue. Degas fu un po” messo in ombra perché, in mezzo all”impressionismo e al plein air, e al post-impressionismo che invase con grandi imprese, la sua arte fu sentita come troppo oggettivante e psicologizzante. Ma tutto questo cambiò in un colpo solo quando, nel 1924, l”Orangerie ospitò una mostra alla quale collezionisti e musei europei e d”oltreoceano inviarono i loro pezzi più preziosi, e per la prima volta l”intera opera di Degas fu esposta insieme.

Poi il mondo (soprattutto la letteratura artistica francese) si è affrettato a recuperare il tempo perduto.

Libri e articoli apparvero uno dopo l”altro, tutti cercando di analizzare e lodare la sua persona e la sua arte. Pubblicarono la sua corrispondenza, che rivelò che Degas era un eccellente scrittore di lettere – una parola grossa tra i francesi, che avevano nobilitato la lettera come genere letterario. Hanno anche pubblicato le note in cui ha registrato i suoi pensieri sulla vita, le persone e l”arte in forma sciolta, intervallati da disegni esplicativi. Queste pubblicazioni cercavano di dimostrare che la sua reticenza e i suoi modi arcigni erano più una difesa che altro, e che i suoi conflitti d”interesse e i suoi pregiudizi erano molto giustificati dal tempo.

Ma in qualunque modo si siano avvicinati all”arte di Degas, ognuno ha cercato di fare un punto diverso. Hanno celebrato come un grande maestro del disegno l”uomo che fu accusato da Albert Wolf, il critico feroce che perseguitò gli impressionisti, di non avere idea di cosa fosse il disegno. Nuove e imparziali analisi hanno dimostrato una volta per tutte che Degas è giustamente lodato come un maestro del disegno, perché ognuno dei suoi dipinti, pastelli e disegni è quasi sorprendente nella certezza delle sue linee. Ha registrato gli scorci più audaci, le curve e le fratture di movimento più agitate con una sola linea disegnata, senza correzioni ripetitive. I magnifici contorni delle sue figure, degli oggetti inanimati del quadro, sono quasi caratterizzazioni psicologiche, ma sono tutt”altro che decorativi nella loro fluidità e ripetizione ornamentale. Il disegno di Degas non è calligrafia, ma vita vissuta.

Molti hanno analizzato la natura impressionista o non impressionista della sua pittura. Non c”è dubbio che la pittura dei suoi quadri fu preceduta da impressioni ben radicate, e che la sua immaginazione fu catturata, a partire dal 1870, da motivi mutevoli, mobili e solo momentanei. In questo senso è un impressionista. Ma i suoi motivi, le sue impressioni, continuavano a maturare nella sua memoria, ad essere rigirati, ponderati, ridotti ai loro elementi essenziali. I suoi schizzi e studi per i suoi quadri mostrano chiaramente come progrediva, come elevava un”impressione che altri potevano vedere come irrilevante, forse inosservata, nell”espressione più potente, e come setacciava tutti gli elementi superflui dalle sue impressioni, per quanto forti potessero essere all”inizio.

La sua pittura finita comunica sempre questo stato puro, esaltato e smerigliato allo spettatore, ed è per questo che le ultime soluzioni di Degas sembrano sempre le più perfette, le più efficaci. Ma è questa qualità che ha separato la sua arte da quella degli impressionisti. L”analisi della sua struttura pittorica e della sua composizione è estremamente interessante e istruttiva. Il suo metodo di creazione di immagini lo portava a un editing e a una classificazione consapevole e preliminare, ma la sua composizione era molto lontana dagli insegnamenti, dai principi e dalle prescrizioni dell”editore accademico. Solo molto raramente ha posto il centro di gravità formale dei suoi quadri nell”asse centrale dello spazio dell”immagine, ancora meno nel campo dell”immagine. Per lo più ha composto la figura o la scena più importante sul lato o in uno degli angoli superiori del campo dell”immagine, non di rado in basso. Ci teneva particolarmente ad usare questo scorrimento lontano dal centro quando dipingeva il modello con una vista, cioè dall”alto. Nel suo dipinto famoso in tutto il mondo, The Star of the Dance, ha fatto scivolare la figura della ballerina, illuminata da riflettori luminosi e che guarda dall”alto come un fiore rugiadoso, nell”angolo in basso a destra del piano del quadro, inchinandosi al suo pubblico. L”effetto è accentuato, accentuato, speciale. Supera di gran lunga le possibilità del consueto montaggio centrale-frontale e opposto, che ha avuto successo anche nel dipinto di Renoir dello stesso soggetto.

Un”analisi speciale è stata rivolta al suo soggetto, perché non c”è dubbio che il mondo a cui ha rivolto la sua attenzione era insolitamente nuovo per il suo tempo. Il palcoscenico, il trambusto degli ippodromi, l”apparizione dei caffè, gli alcolisti, le donne che lavorano, i camerini e le donne comuni che si spogliano, estendevano il mondo del soggetto della pittura quasi all”infinito. Hai detto solo che cercavi colore e movimento. Non aggiunse, anche se il vero significato dei suoi sforzi stava nel fatto che accettava il colore di qualsiasi cosa e il movimento di qualsiasi cosa, se suscitava il suo interesse artistico.

La sua ricerca del colore e del movimento è stata completata, addirittura completata, dal modo in cui ha usato la luce per accentuare e sottolineare i suoi colori e gli elementi di movimento. Ecco perché il plein air, la luce dello spazio aperto, non era il suo pane quotidiano. All”inizio lo sperimentò, ma nella sua vecchiaia lo condannò fermamente. Dipingeva anche i suoi quadri all”aperto nel suo studio e aveva un potere illimitato sugli effetti di luce che potevano essere evocati all”interno. In questo atteggiamento, aveva già avuto un predecessore, Daumier, che modellava le sue composizioni con grande successo sull”uso sovrano della luce interna. Ma Degas è andato oltre. Ha fatto un uso ancora più ricco e vario delle sue possibilità, aggiungendo anche elementi arbitrari e fantasiosi. Ha portato l”audacia della sua auto-indulgenza quasi all”estremo nei paesaggi in scala ridotta, dipinti alla maniera delle visioni a colori senza figure umane, che ha dipinto negli anni 1890, quando i suoi occhi si stavano rapidamente deteriorando. Perché li abbia dipinti in questo periodo, quando i paesaggi erano al massimo un”aggiunta insignificante ai suoi dipinti figurativi, è una domanda affascinante che non ha ancora trovato risposta. Questi dipinti scarsamente luminosi sono quasi un tripudio di luce e colore. Litigano tra di loro. Non hanno niente a che vedere con gli elementi materiali, con la realtà (Il lago, la catena montuosa, il sentiero nel campo). Irradiano una sorta di stupefacente desiderio. È come se fossero un messaggio da un altro mondo. Un mondo dove non ci sono mali fisici e dove lo spirito e l”immaginazione regnano sovrani.

Questa fu l”unica volta in cui Degas astraeva la sua opera dal mondo che vedeva. Per il resto, si è sempre posizionato sul terreno della realtà inimmaginabile, e per questo è stato spesso accusato di essere stimolato solo da fenomeni brutti e ordinari, e di essere un amaro pessimista che scriveva satira caustica sulla razza umana. Un esame imparziale delle sue opere, tuttavia, rivela che esse rivelano la vita con un profondo sentimento umano, e che è proprio a questo scopo che il loro creatore ha abbracciato gli elementi non nudi della vita nel mondo libero, vero e quindi bello della creazione artistica.

Era una scelta difficile se celebrare in Degas il maestro del pennello brillante, la colorazione cinerea, la gestione sovrana della luce, o la rappresentazione convincente della leggerezza del movimento. Dopo tutto, ognuno di questi ha avuto un ruolo significativo nel suo lavoro. L”analisi oggettiva tende a mostrare che ci sono grandi concorrenti nel campo della pittura, del colore e della luce, ma Degas trionfa su tutti nella rappresentazione del movimento della luce.

Degas è oggi considerato in tutto il mondo come uno dei più grandi artisti del XIX secolo. La particolare brillantezza della sua opera non deriva dalla fama mondiale dei suoi compagni impressionisti, i compagni d”armi della sua gioventù, come si credeva in passato. Indipendentemente dalla loro appartenenza, le sue opere brillano con chiarezza e trionfo come le brillanti realizzazioni di un artista eccezionale. Anche se uno ha visto una sola volta una delle sue grandi opere, si arricchisce della visione di qualcosa di infinitamente sottile, vivido in ogni sua parte, non convenzionale, analizzato e riassunto, che lo accompagnerà per tutta la vita.

Il 19 dicembre 1912, in una sala gremita della famosa sala d”aste di Parigi, i dipinti del collezionista milionario Henri Rouart sono stati messi all”asta. Le offerte erano vivaci, dato che la maggior parte dei quadri erano di artisti impressionisti francesi, e i prezzi di questi quadri aumentavano di giorno in giorno. In mezzo al pubblico, circondato da ammiratori e vestito con abiti d”epoca, sedeva un vecchio torvo, con la mano sinistra sugli occhi, che osservava l”asta. I compratori in competizione, eccitandosi a vicenda, pagarono prezzi per opere di Daumier, Manet, Monet, Renoir che furono toccati dall”abbondanza di denaro prima della prima guerra mondiale. Ma la sensazione del giorno venne da un”opera di Degas. Quando il suo quadro, Dancer at the Railing, è stato messo all”asta, una frenesia di eccitazione ha preso le case d”asta. Le offerte arrivarono, una dopo l”altra, e in poco tempo l”offerta superò i centomila franchi. Uno dei concorrenti promise tranquillamente cinquemila franchi in più per ogni offerta, finché alla fine i concorrenti si dissanguarono e lui si aggiudicò l”eccellente pastello per quattrocentotrentacinquemila franchi.

Dopo questo evento, il vecchio tetro, che era Edgar Degas stesso, si alzò dal suo posto con le lacrime agli occhi, e appoggiandosi a uno dei suoi assistenti, lasciò la stanza. Quelli che lo conoscevano lo guardavano con sgomento. Il giorno dopo, i giornalisti lo hanno avvicinato per una dichiarazione. Poiché Degas era stato contrario alla pubblicità della stampa per tutta la sua vita, avrebbe solo detto che il pittore del quadro non era stato un sempliciotto quando l”aveva venduto la prima volta, ma che l”uomo che l”aveva pagato così tanto era evidentemente debole di mente. In effetti, il prezzo di acquisto era inaudito. Nessun pittore francese vivente era mai stato pagato così tanto per un”opera.

Si diceva che l”acquirente fosse un fiduciario di un multimilionario americano, che si è presentato all”asta con autorità illimitata. Cosa significassero le lacrime negli occhi del pittore quando sperimentò un apprezzamento senza precedenti di una delle sue opere, certamente non lo sappiamo. Forse si è ricordato che il genio del genio non viene mai premiato dal creatore. Forse stava ricordando la sua giovinezza, il tempo in cui il quadro fu dipinto, o forse era agitato dalla prova tangibile della fama mondiale che aveva giustamente guadagnato come parte della sua classe.

Ma l”autore di questo modesto schizzo non dimenticherà mai la scena a cui ha assistito personalmente.

Da allora in poi, ha cercato costantemente di creare un rapporto più stretto, più caldo e più umano con le opere di Degas. Quanto bene è riuscito…? Che le righe qui sopra lo testimonino.

Fonti