Edvard Munch

gigatos | Luglio 10, 2022

Post Views: 19

Riassunto

Edvard Munch (12 dicembre 1863 – 23 gennaio 1944) è stato un pittore norvegese. La sua opera più nota, L”urlo (1893), è diventata un”immagine iconica del mondo dell”arte.

La sua infanzia fu funestata da malattie, lutti e dal timore di ereditare una malattia mentale di famiglia. Dopo aver studiato alla Royal School of Art and Design di Kristiania (l”odierna Oslo), Munch iniziò a vivere una vita bohémien sotto l”influenza del nichilista Hans Jæger, che lo esortò a dipingere il proprio stato emotivo e psicologico (“pittura dell”anima”). Da qui nacque il suo stile distintivo.

I viaggi portarono nuove influenze e nuovi sbocchi. A Parigi imparò molto da Paul Gauguin, Vincent van Gogh e Henri de Toulouse-Lautrec, soprattutto per quanto riguarda l”uso del colore. A Berlino incontrò il drammaturgo svedese August Strindberg, che ritrasse, mentre intraprendeva una grande serie di dipinti che avrebbe poi chiamato Il fregio della vita, raffiguranti una serie di temi profondamente sentiti come l”amore, l”ansia, la gelosia e il tradimento, intrisi di atmosfera.

L”Urlo fu concepito a Kristiania. Secondo Munch, stava passeggiando al tramonto, quando “sentì l”enorme, infinito urlo della natura”. Il volto agonizzante del dipinto è ampiamente identificato con l”angoscia dell”uomo moderno. Tra il 1893 e il 1910, l”artista realizzò due versioni dipinte e due a pastello, oltre a numerose stampe. Uno di questi pastelli è stato il quarto prezzo nominale più alto pagato per un dipinto all”asta.

Mentre la sua fama e la sua ricchezza crescevano, il suo stato emotivo rimaneva insicuro. Prese brevemente in considerazione il matrimonio, ma non riuscì a impegnarsi. Un esaurimento nervoso nel 1908 lo costrinse ad abbandonare l”alcool e fu rallegrato dalla crescente accettazione da parte della popolazione di Kristiania e dall”esposizione nei musei della città. Gli ultimi anni di vita li trascorse lavorando in pace e nella privacy. Sebbene le sue opere fossero vietate nell”Europa occupata dai nazisti, la maggior parte di esse sopravvisse alla Seconda Guerra Mondiale, assicurandogli un”eredità.

L”infanzia

Edvard Munch nasce in una casa colonica nel villaggio di Ådalsbruk a Løten, in Norvegia, da Laura Catherine Bjølstad e Christian Munch, figlio di un sacerdote. Christian era un medico e ufficiale sanitario che sposò Laura, una donna che aveva la metà dei suoi anni, nel 1861. Edvard aveva una sorella maggiore, Johanne Sophie, e tre fratelli minori: Peter Andreas, Laura Catherine e Inger Marie. Laura aveva un talento artistico e potrebbe aver incoraggiato Edvard e Sophie. Edvard era imparentato con il pittore Jacob Munch e con lo storico Peter Andreas Munch.

La famiglia si trasferì a Christiania (rinominata Kristiania nel 1877 e oggi Oslo) nel 1864, quando Christian Munch fu nominato ufficiale medico della fortezza di Akershus. La madre di Edvard morì di tubercolosi nel 1868, così come la sorella preferita di Munch, Johanne Sophie, nel 1877. Dopo la morte della madre, i fratelli Munch furono allevati dal padre e dalla zia Karen. Spesso malato per gran parte degli inverni e tenuto fuori da scuola, Edvard disegnava per tenersi occupato. Era istruito dai compagni di scuola e dalla zia. Christian Munch istruì il figlio anche in storia e letteratura e lo intrattenne con vivaci storie di fantasmi e con i racconti dello scrittore americano Edgar Allan Poe.

Secondo i ricordi di Edvard, il comportamento positivo di Christian nei confronti dei figli era oscurato dal suo morboso pietismo. Munch scrisse: “Mio padre era temperamentalmente nervoso e ossessivamente religioso fino alla psiconevrosi. Da lui ho ereditato i semi della follia. Gli angeli della paura, del dolore e della morte sono stati al mio fianco fin dal giorno della mia nascita”. Christian rimproverava i suoi figli dicendo loro che la madre guardava dal cielo ed era addolorata per il loro comportamento scorretto. L”opprimente ambiente religioso, la salute cagionevole di Edvard e le vivide storie di fantasmi contribuirono a ispirare le sue visioni macabre e i suoi incubi; il ragazzo sentiva che la morte avanzava costantemente verso di lui. A una delle sorelle minori di Munch, Laura, fu diagnosticata una malattia mentale in giovane età. Dei cinque fratelli, solo Andreas si sposò, ma morì pochi mesi dopo il matrimonio. Munch scriverà in seguito: “Ho ereditato due dei più terribili nemici dell”umanità: l”eredità della tisi e della follia”.

La paga militare di Christian Munch era molto bassa e i suoi tentativi di sviluppare un”attività privata fallirono, mantenendo la sua famiglia in un”agiata ma perenne povertà. Si spostavano spesso da un appartamento economico all”altro. I primi disegni e acquerelli di Munch raffigurano questi interni e i singoli oggetti, come bottiglie di medicinali e strumenti da disegno, oltre ad alcuni paesaggi. Durante l”adolescenza, l”arte domina gli interessi di Munch. A tredici anni, Munch ebbe la sua prima esposizione ad altri artisti presso la neonata Associazione d”Arte, dove ammirò il lavoro della scuola norvegese di paesaggi. Tornò a copiare i dipinti e presto iniziò a dipingere a olio.

Studi e influenze

Nel 1879, Munch si iscrive a un istituto tecnico per studiare ingegneria, dove eccelle in fisica, chimica e matematica. Impara il disegno in scala e in prospettiva, ma le frequenti malattie interrompono i suoi studi. L”anno successivo, con grande disappunto del padre, Munch lasciò l”università deciso a diventare pittore. Il padre considerava l”arte come un “mestiere empio” e i vicini reagirono con amarezza inviandogli lettere anonime. In contrasto con il rabbioso pietismo del padre, Munch adottò una posizione non dogmatica nei confronti dell”arte. Nel suo diario scrisse il suo obiettivo: “Nella mia arte cerco di spiegare la vita e il suo significato a me stesso”.

Nel 1881, Munch si iscrisse alla Scuola Reale di Arte e Design di Kristiania, uno dei cui fondatori era il suo lontano parente Jacob Munch. I suoi insegnanti furono lo scultore Julius Middelthun e il pittore naturalista Christian Krohg. In quell”anno, Munch dimostrò di aver assimilato rapidamente la sua formazione sulla figura all”accademia con i primi ritratti, tra cui quello del padre e il suo primo autoritratto. Nel 1883 Munch partecipa alla sua prima mostra pubblica e condivide lo studio con altri studenti. Il suo ritratto a figura intera di Karl Jensen-Hjell, noto bohémien della città, si guadagnò la risposta sprezzante di un critico: “È un impressionismo portato all”estremo. È una parodia dell”arte”. I dipinti di nudo di Munch di questo periodo sopravvivono solo in bozzetti, ad eccezione di Nudo in piedi (1887). Forse sono stati confiscati dal padre.

Fin da giovane Munch fu influenzato da impressionisti come Édouard Manet e successivamente da artisti del post-impressionismo come Vincent van Gogh e Paul Gauguin. Durante questi primi anni, sperimentò molti stili, tra cui il naturalismo e l”impressionismo. Alcune prime opere ricordano Manet. Molti di questi tentativi gli procurarono critiche sfavorevoli da parte della stampa e costanti rimproveri da parte del padre, che tuttavia gli forniva piccole somme per le spese di vita. A un certo punto, tuttavia, il padre di Munch, forse influenzato dall”opinione negativa del cugino di Munch, Edvard Diriks (un pittore tradizionale e affermato), distrusse almeno un dipinto (probabilmente un nudo) e si rifiutò di anticipare altri soldi per le forniture artistiche.

Munch ricevette le ire del padre anche per la sua relazione con Hans Jæger, il nichilista locale che viveva secondo il codice “la passione per la distruzione è anche una passione creativa” e che sosteneva il suicidio come ultima via per la libertà. Munch subì il suo incantesimo malevolo e anti-establishment. “Le mie idee si sono sviluppate sotto l”influenza dei bohémien, o meglio sotto Hans Jæger. Molte persone hanno erroneamente affermato che le mie idee si sono formate sotto l”influenza di Strindberg e dei tedeschi… ma è sbagliato. Si erano già formate a quel tempo”. A quel tempo, contrariamente a molti altri bohémien, Munch era ancora rispettoso delle donne, oltre che riservato e ben educato, ma cominciò a cedere alle abbuffate e alle risse della sua cerchia. La rivoluzione sessuale in atto all”epoca e le donne indipendenti che lo circondavano lo turbavano. In seguito divenne cinico riguardo alle questioni sessuali, e ciò si espresse non solo nel suo comportamento e nella sua arte, ma anche nei suoi scritti, come ad esempio in un lungo poema intitolato La città dell”amore libero. Dipendendo ancora dalla famiglia per molti dei suoi pasti, i rapporti di Munch con il padre rimasero tesi a causa delle preoccupazioni per la sua vita bohémienne.

Dopo numerosi esperimenti, Munch giunse alla conclusione che l”idioma impressionista non consentiva un”espressione sufficiente. Lo trovava superficiale e troppo simile alla sperimentazione scientifica. Sentiva il bisogno di andare più a fondo e di esplorare situazioni ricche di contenuti emotivi e di energia espressiva. Sotto il comando di Jæger di “scrivere la sua vita”, cioè di esplorare il proprio stato emotivo e psicologico, il giovane artista iniziò un periodo di riflessione e di autoesame, registrando i suoi pensieri nel suo “diario dell”anima”. Questa prospettiva più profonda lo aiutò a sviluppare una nuova visione della sua arte. Scrive che il suo dipinto Il bambino malato (1886), basato sulla morte della sorella, è il suo primo “quadro dell”anima”, la sua prima rottura con l”impressionismo. Il dipinto ricevette una risposta negativa da parte della critica e della sua famiglia e provocò un altro “violento scoppio di indignazione morale” da parte della comunità.

Solo l”amico Christian Krohg lo difese:

Dipinge, o meglio considera, le cose in un modo diverso da quello degli altri artisti. Vede solo l”essenziale e questo, naturalmente, è tutto ciò che dipinge. Per questo motivo i quadri di Munch sono di norma “non completi”, come la gente è felicissima di scoprire da sé. Oh, sì, sono completi. La sua opera completa. L”arte è completa quando l”artista ha veramente detto tutto ciò che aveva in mente, ed è proprio questo il vantaggio che Munch ha rispetto ai pittori dell”altra generazione: sa veramente come mostrarci ciò che ha sentito e ciò che lo ha attanagliato, e a questo subordina tutto il resto.

Munch continuò a impiegare una varietà di tecniche di pennellata e di tavolozze di colori per tutti gli anni Ottanta e i primi anni Novanta del XIX secolo, mentre lottava per definire il proprio stile. Il suo idioma continua a oscillare tra il naturalistico, come nel Ritratto di Hans Jæger, e l”impressionistico, come in Rue Lafayette. Il suo Inger sulla spiaggia (1889), che causò un”altra tempesta di confusione e controversie, accenna alle forme semplificate, ai contorni pesanti, ai contrasti netti e al contenuto emotivo del suo stile maturo. L”artista iniziò a calcolare attentamente le sue composizioni per creare tensione ed emozione. Pur essendo influenzato stilisticamente dai post-impressionisti, si evolse un soggetto dal contenuto simbolista, che ritraeva uno stato d”animo piuttosto che una realtà esterna. Nel 1889, Munch presentò la sua prima mostra personale con quasi tutte le sue opere fino a quel momento. Il riconoscimento ottenuto gli permise di ottenere una borsa di studio statale di due anni per studiare a Parigi sotto la guida del pittore francese Léon Bonnat.

Munch sembra essere stato un critico precoce della fotografia come forma d”arte e ha osservato che “non potrà mai competere con il pennello e la tavolozza, fino a quando le fotografie non potranno essere scattate in Paradiso o all”Inferno!”.

La sorella minore di Munch, Laura, fu il soggetto del suo interno Melancholy del 1899: Laura. Amanda O”Neill dice dell”opera: “In questa accesa scena claustrofobica Munch non solo ritrae la tragedia di Laura, ma anche il suo stesso timore della follia che avrebbe potuto ereditare”.

Parigi

Munch arrivò a Parigi durante i festeggiamenti dell”Exposition Universelle (1889) e prese alloggio con due colleghi artisti norvegesi. Il suo quadro Mattino (1884) fu esposto al padiglione norvegese. Trascorse le mattine nell”affollato studio di Bonnat (che comprendeva anche modelle) e i pomeriggi all”esposizione, nelle gallerie e nei musei (dove gli studenti dovevano fare delle copie per imparare la tecnica e l”osservazione). Munch non è molto entusiasta delle lezioni di disegno di Bonnat – “Mi stancano e mi annoiano, mi intorpidiscono” – ma apprezza i commenti del maestro durante le visite ai musei.

Munch rimase affascinato dalla vasta esposizione di arte moderna europea, comprese le opere di tre artisti che si sarebbero rivelati influenti: Paul Gauguin, Vincent van Gogh e Henri de Toulouse-Lautrec, tutti notevoli per il modo in cui usavano il colore per trasmettere emozioni. Munch fu particolarmente ispirato dalla “reazione contro il realismo” di Gauguin e dal suo credo secondo cui “l”arte è opera umana e non imitazione della natura”, una convinzione già affermata da Whistler. Come disse in seguito di Munch uno dei suoi amici berlinesi, “non ha bisogno di andare a Tahiti per vedere e sperimentare il primitivo nella natura umana. Porta la sua Tahiti dentro di sé”. Influenzato da Gauguin e dalle incisioni dell”artista tedesco Max Klinger, Munch sperimenta le stampe come mezzo per creare versioni grafiche delle sue opere. Nel 1896 creò le sue prime xilografie, un mezzo che si rivelò ideale per l”immaginario simbolico di Munch. Insieme al suo contemporaneo Nikolai Astrup, Munch è considerato un innovatore del mezzo xilografico in Norvegia.

Nel dicembre 1889 il padre morì, lasciando la famiglia di Munch nell”indigenza. Tornato a casa, Munch ottenne un grosso prestito da un ricco collezionista norvegese quando i parenti non riuscirono ad aiutarlo, e da quel momento si assunse la responsabilità finanziaria della sua famiglia. La morte di Christian lo depresse e fu tormentato da pensieri suicidi: “Vivo con i morti: mia madre, mia sorella, mio nonno, mio padre… Ucciditi e poi è finita. Perché vivere?”. I dipinti di Munch dell”anno successivo comprendono scene di taverna abbozzate e una serie di luminosi paesaggi urbani in cui sperimenta lo stile puntinista di Georges Seurat.

Berlino

Nel 1892 Munch formulò la sua caratteristica e originale estetica sintetista, come si vede in Malinconia (1891), in cui il colore è l”elemento carico di simboli. Considerato dall”artista e giornalista Christian Krohg come il primo dipinto simbolista di un artista norvegese, la Malinconia fu esposta nel 1891 all”Esposizione d”Autunno di Oslo. Nel 1892, Adelsteen Normann, a nome dell”Unione degli artisti di Berlino, invitò Munch a esporre alla mostra di novembre, la prima mostra personale della società. Tuttavia, i suoi dipinti suscitarono aspre polemiche (soprannominate “L”affare Munch”) e dopo una settimana la mostra fu chiusa. Munch si compiacque del “grande clamore” e scrisse in una lettera: “Non mi sono mai divertito tanto: è incredibile che una cosa così innocente come la pittura abbia creato tanto scalpore”.

A Berlino Munch entra a far parte di un circolo internazionale di scrittori, artisti e critici, tra cui il drammaturgo e intellettuale svedese August Strindberg, che ritrae nel 1892. Incontra anche lo scrittore e pittore danese Holger Drachmann, che ritrae nel 1898. Drachmann era più anziano di Munch di 17 anni e fu compagno di bevute al Zum schwarzen Ferkel nel 1893-94. Nel 1894 Drachmann scrisse di Munch: “Lotta duramente. Buona fortuna per le tue lotte, norvegese solitario”.

Durante i quattro anni trascorsi a Berlino, Munch abbozzò la maggior parte delle idee che avrebbero costituito la sua opera principale, Il fregio della vita, inizialmente pensata per l”illustrazione di un libro ma poi espressa in dipinti. Vendette poco, ma guadagnò qualcosa facendo pagare il biglietto d”ingresso per vedere i suoi dipinti controversi. Munch mostrava già una certa riluttanza a separarsi dai suoi dipinti, che definiva i suoi “figli”.

Altri suoi dipinti, tra cui scene di casinò, mostrano una semplificazione delle forme e dei dettagli che segna il suo stile maturo. Munch iniziò anche a privilegiare uno spazio pittorico poco profondo e uno sfondo minimo per le sue figure frontali. Poiché le pose erano scelte per produrre le immagini più convincenti di stati d”animo e condizioni psicologiche, come in Cenere, le figure conferiscono una qualità monumentale e statica. Le figure di Munch sembrano recitare ruoli su un palcoscenico teatrale (poiché ogni personaggio incarna una singola dimensione psicologica, come nell”Urlo, gli uomini e le donne di Munch iniziarono ad apparire più simbolici che realistici. Egli scrisse: “Non si dovrebbero più dipingere interni, persone che leggono e donne che lavorano a maglia: ci sarebbero persone vive, che respirano e sentono, che soffrono e amano”.

Leggi anche, storia – Legion d’onore

L”urlo

L”Urlo esiste in quattro versioni: due pastelli (1893 e 1895) e due dipinti (1893 e 1910). Esistono anche diverse litografie dell”Urlo (1895 e successive).

Il pastello del 1895 è stato venduto all”asta il 2 maggio 2012 per 119.922.500 dollari, commissioni incluse. È la più colorata delle versioni e si distingue per la posizione rivolta verso il basso di una delle figure di sfondo. È anche l”unica versione non conservata da un museo norvegese.

La versione del 1893 è stata rubata dalla Galleria Nazionale di Oslo nel 1994 ed è stata recuperata. Il dipinto del 1910 è stato rubato nel 2004 dal Museo Munch di Oslo, ma recuperato nel 2006 con danni limitati.

L”Urlo è l”opera più famosa di Munch e uno dei dipinti più riconoscibili di tutta l”arte. È stato ampiamente interpretato come la rappresentazione dell”ansia universale dell”uomo moderno. Dipinto con ampie bande di colore sgargiante e forme altamente semplificate, e utilizzando un punto di vista alto, riduce la figura agonizzante a un teschio vestito in preda a una crisi emotiva.

Con questo dipinto, Munch raggiunse il suo obiettivo dichiarato di “studiare l”anima, cioè lo studio del mio io”. Munch scrisse come nacque il dipinto: “Stavo camminando lungo la strada con due amici quando il sole tramontò; all”improvviso il cielo divenne rosso come il sangue. Mi fermai e mi appoggiai alla staccionata, sentendomi indicibilmente stanco. Lingue di fuoco e di sangue si allungavano sul fiordo nero e bluastro. I miei amici continuarono a camminare, mentre io rimasi indietro, tremando di paura. Poi ho sentito l”enorme, infinito urlo della natura”. In seguito descrisse l”angoscia personale che si celava dietro il dipinto: “Per diversi anni sono stato quasi pazzo… Avete presente il mio quadro, “L”urlo”? Ero teso al limite, la natura urlava nel mio sangue… Dopo di che ho rinunciato alla speranza di poter amare di nuovo”.

Nel 2003, confrontando il dipinto con altre grandi opere, la storica dell”arte Martha Tedeschi ha scritto:

La Madre di Whistler, il Gotico americano di Wood, la Gioconda di Leonardo da Vinci e L”urlo di Edvard Munch hanno raggiunto un risultato che la maggior parte dei dipinti, indipendentemente dalla loro importanza storica, dalla loro bellezza o dal loro valore monetario, non ha raggiunto: comunicare un significato specifico quasi immediatamente a ogni spettatore. Queste poche opere sono riuscite a passare dal regno elitario dei visitatori dei musei all”enorme spazio della cultura popolare.

Il fregio della vita: una poesia sulla vita, l”amore e la morte

Nel dicembre del 1893, l”Unter den Linden di Berlino fu sede di una mostra di Munch, in cui furono esposti, tra gli altri, sei dipinti intitolati Studio per una serie: Amore. Questo inizia un ciclo che l”artista chiamerà in seguito il Fregio della vita – un poema sulla vita, l”amore e la morte. I motivi del Fregio della vita, come La tempesta e Il chiaro di luna, sono intrisi di atmosfera. Altri motivi illuminano il lato notturno dell”amore, come Rose and Amelie e Vampire. In Morte nella stanza del malato, il soggetto è la morte della sorella Sophie, che l”artista rielaborò in molte varianti future. Il fulcro drammatico del dipinto, che ritrae l”intera famiglia, si disperde nelle figure separate e sconnesse del dolore. Nel 1894, l”artista amplia lo spettro dei motivi aggiungendo Ansia, Cenere, Madonna e Donne in tre fasi (dall”innocenza alla vecchiaia).

Verso l”inizio del XX secolo, Munch lavorò per completare il “Fregio”. Dipinse una serie di quadri, molti dei quali in formato più grande e in qualche misura caratterizzati dall”estetica Art Nouveau dell”epoca. Realizzò una cornice di legno con rilievi intagliati per il grande dipinto Metabolismo (1898), inizialmente chiamato Adamo ed Eva. Quest”opera rivela la preoccupazione di Munch per la “caduta dell”uomo” e la sua filosofia pessimistica dell”amore. Motivi come La croce vuota e Golgota (entrambi del 1900 circa) riflettono un orientamento metafisico e riflettono anche l”educazione pietistica di Munch. L”intero Fregio fu esposto per la prima volta alla mostra secessionista di Berlino del 1902.

I temi del “Fregio della vita” ricorrono in tutta l”opera di Munch, ma l”artista si concentra su di essi soprattutto a metà degli anni Novanta del XIX secolo. In schizzi, dipinti, pastelli e stampe, Munch attinge alla profondità dei suoi sentimenti per esaminare i suoi motivi principali: le fasi della vita, la femme fatale, la disperazione dell”amore, l”ansia, l”infedeltà, la gelosia, l”umiliazione sessuale e la separazione nella vita e nella morte. Questi temi sono espressi in dipinti come Il bambino malato (1893-94), Cenere (1894) e Il ponte. Quest”ultimo mostra figure flaccide con volti privi di lineamenti o nascosti, su cui incombono le forme minacciose di alberi pesanti e di case cupe. Munch ritraeva le donne sia come fragili e innocenti sofferenti (vedi Pubertà e Amore e dolore) sia come causa di grande desiderio, gelosia e disperazione (vedi Separazione, Gelosia e Cenere).

Munch utilizza spesso ombre e anelli di colore intorno alle sue figure per sottolineare un”aura di paura, minaccia, ansia o intensità sessuale. Questi dipinti sono stati interpretati come riflessi delle ansie sessuali dell”artista, sebbene si possa anche sostenere che rappresentino il suo rapporto turbolento con l”amore stesso e il suo generale pessimismo nei confronti dell”esistenza umana. Molti di questi schizzi e dipinti furono realizzati in più versioni, come Madonna, Mani e Pubertà, e trascritti anche come stampe su legno e litografie. Munch odiava separarsi dai suoi dipinti perché considerava la sua opera come un unico corpo espressivo. Così, per capitalizzare la sua produzione e guadagnare qualcosa, si rivolse alle arti grafiche per riprodurre molti dei suoi dipinti, compresi quelli di questa serie. Munch ammetteva gli obiettivi personali del suo lavoro, ma offriva anche la sua arte per uno scopo più ampio: “La mia arte è in realtà una confessione volontaria e un tentativo di spiegare a me stesso il mio rapporto con la vita – è, quindi, in realtà una sorta di egoismo, ma spero costantemente di poter aiutare altri a raggiungere la chiarezza”.

Pur suscitando reazioni fortemente negative, negli anni Novanta del XIX secolo Munch cominciò a ricevere una certa comprensione per i suoi obiettivi artistici, come scrisse un critico: “Con spietato disprezzo per la forma, la chiarezza, l”eleganza, l”interezza e il realismo, dipinge con intuitiva forza di talento le più sottili visioni dell”anima”. Uno dei suoi grandi sostenitori a Berlino fu Walther Rathenau, poi ministro degli Esteri tedesco, che contribuì fortemente al suo successo.

Parigi, Berlino e Kristiania

Nel 1896 Munch si trasferisce a Parigi, dove si concentra sulla rappresentazione grafica dei temi del suo Fregio della vita. Sviluppa ulteriormente la tecnica della xilografia e della litografia. L”Autoritratto con braccio scheletrico (1895) di Munch è realizzato con un metodo di incisione ad ago e inchiostro utilizzato anche da Paul Klee. Munch realizzò anche versioni multicolori de Il bambino malato, che riguardava la tubercolosi e che ebbe un buon successo di vendita, oltre a diversi nudi e a molteplici versioni del Bacio (1892). Nel maggio 1896, Siegfried Bing organizzò una mostra delle opere di Munch all”interno della Maison de l”Art Nouveau di Bing. La mostra esponeva sessanta opere, tra cui Il bacio, L”urlo, Madonna, Il bambino malato, La camera della morte e Il giorno dopo. La mostra di Bing contribuì a far conoscere Munch al pubblico francese. Tuttavia, molti critici parigini continuavano a considerare l”opera di Munch “violenta e brutale”, anche se le sue mostre ricevevano un”attenzione seria e una buona affluenza di pubblico. La sua situazione finanziaria migliorò notevolmente e nel 1897 Munch si comprò una casa estiva affacciata sui fiordi di Kristiania, una piccola capanna di pescatori costruita alla fine del XVIII secolo, nella cittadina di Åsgårdstrand in Norvegia. Soprannominò questa casa “Casa felice” e vi tornò quasi ogni estate per i successivi 20 anni. Era questo luogo che gli mancava quando era all”estero e quando si sentiva depresso ed esausto. “Camminare ad Åsgårdstrand è come passeggiare tra i miei quadri: quando sono qui mi viene l”ispirazione per dipingere”.

Nel 1897 Munch tornò a Kristiania, dove ricevette un”accettazione tiepida: un critico scrisse: “Un buon numero di questi quadri è già stato esposto in precedenza. A mio parere migliorano con la conoscenza”. Nel 1899 Munch iniziò una relazione intima con Tulla Larsen, una donna “liberata” dell”alta società. I due viaggiarono insieme in Italia e, al ritorno, Munch iniziò un altro periodo fertile della sua arte, che comprendeva paesaggi e l”ultimo dipinto della serie “Il fregio della vita”, La danza della vita (1899). Larsen era ansiosa di sposarsi, ma Munch la respinse. L”alcolismo e la salute cagionevole rafforzano i suoi timori, come scrive in terza persona: “Fin da bambino aveva odiato il matrimonio. La sua casa malata e nervosa gli aveva dato la sensazione di non avere il diritto di sposarsi”. Munch quasi si arrese a Tulla, ma fuggì da lei nel 1900, allontanandosi anche dalla sua considerevole fortuna, e si trasferì a Berlino. Le sue Ragazze sul molo, realizzate in diciotto versioni diverse, mostrano il tema della giovinezza femminile senza connotazioni negative. Nel 1902, espose le sue opere a tema nella sala della Secessione di Berlino, producendo “un effetto sinfonico: fece molto scalpore, molto antagonismo e molta approvazione”. La critica berlinese cominciava ad apprezzare il lavoro di Munch, anche se il pubblico lo trovava ancora estraneo e strano.

La buona copertura della stampa fece guadagnare a Munch l”attenzione degli influenti mecenati Albert Kollman e Max Linde. Nel suo diario Munch descrive questa svolta: “Dopo vent”anni di lotte e di miseria, finalmente le forze del bene mi vengono in aiuto in Germania e mi si apre una porta luminosa”. Tuttavia, nonostante questo cambiamento positivo, il comportamento autodistruttivo ed erratico di Munch lo coinvolse prima in un violento litigio con un altro artista, poi in uno sparo accidentale in presenza di Tulla Larsen, che era tornata per una breve riconciliazione, che lo ferì a due dita. In seguito Munch segò a metà un autoritratto che lo ritraeva insieme alla Larsen, come conseguenza dello sparo e degli eventi successivi. Alla fine lo lasciò e sposò un collega più giovane di Munch. Munch lo prese come un tradimento e si soffermò sull”umiliazione per qualche tempo, incanalando parte dell”amarezza in nuovi dipinti. I suoi dipinti Natura morta (L”assassina) e La morte di Marat I, realizzati nel 1906-07, fanno chiaramente riferimento all”incidente della sparatoria e alle sue conseguenze emotive.

Nel 1903-04, Munch espose a Parigi dove i nuovi Fauvisti, famosi per i loro colori audaci, probabilmente videro le sue opere e potrebbero avervi trovato ispirazione. Quando i Fauves organizzarono la loro mostra nel 1906, Munch fu invitato ed espose le sue opere insieme alle loro. Dopo aver studiato la scultura di Rodin, Munch potrebbe aver sperimentato la plastilina come ausilio al disegno, ma produsse poche sculture. In questo periodo Munch riceve molte commissioni per ritratti e stampe che migliorano le sue condizioni finanziarie, solitamente precarie. Nel 1906 dipinse il paravento per un”opera di Ibsen nel piccolo teatro Kammerspiele, situato nel Deutsches Theater di Berlino, dove era appeso il Fregio della vita. Il direttore del teatro Max Reinhardt lo vendette in seguito; ora si trova alla Nationalgalerie di Berlino. Dopo un precedente periodo di paesaggi, nel 1907 l”artista si dedica nuovamente a figure e situazioni umane.

Leggi anche, biografie – Robert Altman

Guasto e recupero

Nell”autunno del 1908, l”ansia di Munch, aggravata dall”eccessivo consumo di alcol e dalle risse, si era acuita. Come scrisse in seguito, “la mia condizione stava sfiorando la pazzia, era una toccata e fuga”. Soggetto ad allucinazioni e a sentimenti di persecuzione, entrò nella clinica di Daniel Jacobson. La terapia che Munch seguì per i successivi otto mesi comprendeva una dieta e l””elettrificazione” (un trattamento allora di moda per le condizioni nervose, da non confondere con la terapia elettroconvulsivante). Il soggiorno in ospedale stabilizzò la personalità di Munch e, dopo il ritorno in Norvegia nel 1909, il suo lavoro divenne più colorato e meno pessimista. A rallegrare ulteriormente il suo stato d”animo, il pubblico di Kristiania finalmente si appassiona al suo lavoro e i musei iniziano ad acquistare i suoi dipinti. Viene nominato Cavaliere dell”Ordine Reale di Sant”Olav “per i servizi resi all”arte”. La sua prima mostra americana fu nel 1912 a New York.

Come parte della sua guarigione, il dottor Jacobson consigliò a Munch di socializzare solo con buoni amici e di evitare di bere in pubblico. Munch seguì questo consiglio e nel frattempo realizzò diversi ritratti a figura intera di alta qualità di amici e mecenati, ritratti onesti e privi di adulazione. Creò anche paesaggi e scene di persone al lavoro e al gioco, utilizzando un nuovo stile ottimista – pennellate larghe e sciolte di colori vivaci con un uso frequente dello spazio bianco e un raro uso del nero – con solo occasionali riferimenti ai suoi temi morbosi. Grazie alle maggiori entrate, Munch fu in grado di acquistare diverse proprietà che gli offrirono nuove prospettive per la sua arte e fu finalmente in grado di provvedere alla sua famiglia.

Lo scoppio della Prima Guerra Mondiale trovò Munch con lealtà divise, come lui stesso affermò: “Tutti i miei amici sono tedeschi, ma è la Francia che amo”. Negli anni Trenta, i suoi mecenati tedeschi, molti dei quali ebrei, persero le loro fortune e alcuni la vita durante l”ascesa del movimento nazista. Munch trovò degli stampatori norvegesi che sostituissero i tedeschi che avevano stampato le sue opere grafiche. Data la sua storia di salute cagionevole, nel 1918 Munch si ritenne fortunato per essere sopravvissuto a un attacco di influenza spagnola, la pandemia mondiale di quell”anno.

Anni successivi

Munch trascorse la maggior parte degli ultimi due decenni in solitudine nella sua tenuta quasi autosufficiente di Ekely, a Skøyen, Oslo. Molti dei suoi ultimi dipinti celebrano la vita in fattoria, tra cui alcuni in cui utilizza il suo cavallo da lavoro “Rousseau” come modello. Senza alcuno sforzo, Munch attirò un flusso costante di modelle, che ritrasse come soggetti di numerosi dipinti di nudo. Con alcune di loro ebbe probabilmente relazioni sessuali. Di tanto in tanto Munch lasciava la sua casa per dipingere murales su commissione, tra cui quelli realizzati per la fabbrica di cioccolato Freia.

Fino alla fine della sua vita, Munch continuò a dipingere autoritratti senza peli sulla lingua, aggiungendo al ciclo di ricerca sulla sua vita e alla serie di riprese senza fronzoli dei suoi stati emotivi e fisici. Negli anni Trenta e Quaranta, i nazisti etichettarono l”opera di Munch come “arte degenerata” (insieme a quella di Picasso, Klee, Matisse, Gauguin e molti altri artisti moderni) e rimossero le sue 82 opere dai musei tedeschi. Adolf Hitler annunciò nel 1937: “Per quanto ci riguarda, quei barbari della cultura preistorica dell”età della pietra e i balbuzienti dell”arte possono tornare nelle caverne dei loro antenati e lì applicare i loro primitivi graffi internazionali”.

Nel 1940, i tedeschi invasero la Norvegia e il partito nazista prese il controllo del governo. Munch aveva 76 anni. Con quasi un”intera collezione di opere d”arte al secondo piano della sua casa, Munch viveva nel timore di una confisca nazista. Settantuno dei dipinti precedentemente sottratti dai nazisti erano stati restituiti alla Norvegia grazie all”acquisto da parte di collezionisti (gli altri undici non furono mai recuperati), tra cui L”urlo e Il bambino malato, e anch”essi furono nascosti ai nazisti.

Munch morì nella sua casa di Ekely, vicino a Oslo, il 23 gennaio 1944, circa un mese dopo il suo 80° compleanno. Il suo funerale, orchestrato dai nazisti, suggerì ai norvegesi che egli fosse un simpatizzante del nazismo, una sorta di appropriazione dell”artista indipendente. La città di Oslo acquistò la proprietà di Ekely dagli eredi di Munch nel 1946; la sua casa fu demolita nel maggio 1960.

Alla morte di Munch, le sue opere rimaste furono lasciate in eredità alla città di Oslo, che costruì il Museo Munch di Tøyen (inaugurato nel 1963). Il museo ospita una collezione di circa 1.100 dipinti, 4.500 disegni e 18.000 stampe, la più ampia collezione di opere dell”artista al mondo. Il Museo di Munch funge da proprietà ufficiale di Munch; è stato attivo nel rispondere alle violazioni del copyright e nel cancellare i diritti d”autore dell”opera, come nel caso dell”apparizione dell”Urlo di Munch in una campagna pubblicitaria di M&M”s del 2006. Il rappresentante dei diritti d”autore negli Stati Uniti per il Munch Museum and the Estate of Edvard Munch è la Artists Rights Society.

L”arte di Munch era altamente personalizzata e l”insegnamento era scarso. Il suo simbolismo “privato” era molto più personale di quello di altri pittori simbolisti come Gustave Moreau e James Ensor. Munch ebbe comunque una grande influenza, in particolare sugli espressionisti tedeschi, che seguirono la sua filosofia: “Non credo nell”arte che non sia il risultato compulsivo dell”impulso dell”uomo ad aprire il suo cuore”. Molti dei suoi dipinti, tra cui L”urlo, hanno un fascino universale oltre al loro significato altamente personale.

Le opere di Munch sono oggi rappresentate in numerosi importanti musei e gallerie in Norvegia e all”estero. La sua capanna, “la Casa Felice”, è stata donata al comune di Åsgårdstrand nel 1944 e funge da piccolo museo di Munch. L”inventario è stato mantenuto esattamente come lui l”ha lasciato.

Una versione dell”Urlo è stata rubata dalla National Gallery nel 1994. Nel 2004, un”altra versione dell”Urlo, insieme a una di Madonna, è stata rubata dal Munch Museum in un”audace rapina in pieno giorno. Alla fine sono stati tutti recuperati, ma i dipinti rubati nella rapina del 2004 sono stati ampiamente danneggiati. Sono stati meticolosamente restaurati e sono di nuovo in mostra. Nel 2005 sono state rubate tre opere di Munch dall”Hotel Refsnes Gods; sono state recuperate in breve tempo, anche se una delle opere è stata danneggiata durante la rapina.

Nell”ottobre 2006, la xilografia a colori Due persone. La solitudine (To mennesker. De ensomme) ha stabilito un nuovo record per le sue stampe quando è stata venduta all”asta a Oslo per 8,1 milioni di corone (1,27 milioni di dollari, equivalenti a 1.700.000 dollari nel 2021). Ha inoltre stabilito il record per il prezzo più alto pagato in un”asta in Norvegia. Il 3 novembre 2008, il dipinto Vampire ha stabilito un nuovo record per i suoi dipinti quando è stato venduto per 38.162.000 dollari (equivalenti a 48.000.000 di dollari nel 2021) da Sotheby”s a New York.

L”immagine di Munch compare sulla banconota norvegese da 1.000 corone, insieme a immagini ispirate alle sue opere d”arte.

Nel febbraio 2012, una grande mostra su Munch, Edvard Munch. The Modern Eye, inaugurata alla Schirn Kunsthalle di Francoforte; la mostra è stata aperta da Mette-Marit, Principessa ereditaria di Norvegia.

Nel maggio 2012, L”urlo è stato venduto per 119,9 milioni di dollari (equivalenti a 141.500.000 dollari nel 2021) ed è la seconda opera d”arte più costosa mai venduta in un”asta pubblica (è stata superata nel novembre 2013 da Tre studi di Lucian Freud, venduto per 142,4 milioni di dollari). (È stato superato nel novembre 2013 da Tre studi di Lucian Freud, venduto per 142,4 milioni di dollari).

Nel 2013, quattro dipinti di Munch sono stati raffigurati in una serie di francobolli del servizio postale norvegese, per commemorare nel 2014 il 150° anniversario della sua nascita.

Il 14 novembre 2016 una versione de Le ragazze sul ponte di Munch è stata venduta per 54,5 milioni di dollari (equivalenti a 61.500.000 dollari nel 2021) da Sotheby”s, New York, diventando così il secondo prezzo più alto raggiunto per un suo dipinto.

Nell”aprile 2019 il British Museum ha ospitato la mostra Edvard Munch: Love and Angst, che comprende 83 opere e una rara stampa originale de L”urlo.

Aula universitaria

Nel 1911 si svolse la gara finale per la decorazione delle grandi pareti dell”Aula dell”Università di Oslo tra Munch ed Emanuel Vigeland. L”episodio è noto come “controversia dell”Aula”. Nel 1914 Munch ricevette finalmente l”incarico di decorare l”Aula e l”opera fu completata nel 1916. Questa importante opera della pittura monumentale norvegese comprende 11 dipinti che occupano una superficie di 223 m2 (2.400 piedi quadrati). Il Sole, la Storia e l”Alma Mater sono le opere chiave di questa sequenza. Munch dichiarò: “Volevo che le decorazioni formassero un mondo di idee completo e indipendente, e volevo che la loro espressione visiva fosse allo stesso tempo distintamente norvegese e universalmente umana”. Nel 2014 è stato suggerito che i dipinti dell”Aula hanno un valore di almeno 500 milioni di corone.

Fonti generali

Fonti

Edvard Munch
Edvard Munch
^ Wells 2008.
^ Eggum 1984, p. 15
^ a b Eggum 1984, p. 16
^ Prideaux 2005, p. 17
4,0 4,1 «Большая советская энциклопедия» (Ρωσικά) The Great Russian Encyclopedia. Μόσχα. 1969. Ανακτήθηκε στις 28 Σεπτεμβρίου 2015.
The Fine Art Archive. 7896.
LIBRIS. 26 Μαρτίου 2018. libris.kb.se/katalogisering/53hkld1p1hbsskz. Ανακτήθηκε στις 24 Αυγούστου 2018.
10,0 10,1 10,2 The Fine Art Archive. cs.isabart.org/person/7896. Ανακτήθηκε στις 1 Απριλίου 2021.
12,0 12,1 Jean Cassou, Pierre Brunel, Francis Claudon, Georges Pillement, Lionel Richard: «Encyclopédie du symbolisme» 1979. ISBN-10 2-85056-129-0.
James F. Masterson: Search For The Real Self. Unmasking The Personality Disorders Of Our Age, Chapter 12: The Creative Solution: Sartre, Munch, and Wolfe, S. 208–230, Simon and Schuster, New York 1988, ISBN 1451668910, S. 212–213, eingeschränkte Vorschau in der Google-Buchsuche.
Tove Aarkrog: Edvard Munch: the life of a person with borderline personality as seen through his art, Lundbeck Pharma A/S, Denmark 1990, ISBN 87-983524-0-7.
Albert Rothenberg: Bipolar illness, creativity, and treatmernt. In: The Psychiatric quarterly, Band 72, Nummer 2, 2001, S. 131–147, ISSN 0033-2720, PMID 11433879, doi:10.1023/A:1010367525951.
Lecture de l”œuvre du philosophe par l”influence de Stanislas Przybyszewski, amenant également la rencontre avec la sœur du penseur, Elisabeth Förster, à Weimar. Cette dernière lui commande un portrait à partir d”une photographie familiale quelques années après la disparition de Friedrich à l”asile.
Une autre graphie ancienne française est « Christiania ». Il s”agit de la capitale, Oslo.
Lionel Richard, « J”aime la vie, la vie, même malade », Beaux Arts, hors-série Edvard Munch, L’œil moderne au Centre Pompidou.
Dans ses carnets, cette compagne est nommée par ellipse « Fru L » ou « madame L. ». Le terme « Fru » en norvégien correspond au mot « Frau » (dame) en allemand.