Edward Hopper

gigatos | Febbraio 9, 2022

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Riassunto

Edward Hopper (22 luglio 1882 – 15 maggio 1967) è stato un pittore e incisore realista americano. Mentre è ampiamente conosciuto per i suoi dipinti ad olio, era altrettanto abile come acquerellista e stampatore all”acquaforte. La sua carriera ha beneficiato in modo decisivo del suo matrimonio con la collega Josephine Nivison, che ha contribuito molto al suo lavoro, sia come modello di vita che come partner creativo. Hopper era un artista in chiave minore, creando un dramma sommesso da soggetti comuni “stratificati con un significato poetico”, invitando interpretazioni narrative, spesso non intenzionali. Fu elogiato per la “completa veridicità” dell”America che ritraeva.

La prima vita

Hopper nacque nel 1882 a Nyack, New York, un centro di costruzione di yacht sul fiume Hudson a nord di New York City. Era uno dei due figli di una famiglia benestante. I suoi genitori, di origine prevalentemente olandese, erano Elizabeth Griffiths Smith e Garret Henry Hopper, un commerciante di prodotti secchi. Anche se non ebbe successo come i suoi antenati, Garrett provvedeva bene ai suoi due figli con un notevole aiuto dall”eredità della moglie. Andò in pensione all”età di quarantanove anni. Edward e la sua unica sorella Marion frequentarono sia la scuola privata che quella pubblica. Furono cresciuti in una rigida casa battista. Suo padre aveva un carattere mite e la casa era dominata dalle donne: la madre, la nonna, la sorella e la cameriera di Hopper.

La sua casa natale e d”infanzia è stata inserita nel registro nazionale dei luoghi storici nel 2000. Ora è gestita come Edward Hopper House Art Center. Serve come un centro culturale comunitario senza scopo di lucro con mostre, laboratori, conferenze, spettacoli ed eventi speciali.

Hopper fu un buon studente nella scuola elementare e mostrò talento nel disegno all”età di cinque anni. Assorbì prontamente le tendenze intellettuali del padre e il suo amore per le culture francese e russa. Dimostrò anche l”eredità artistica di sua madre. I genitori di Hopper incoraggiarono la sua arte e lo tennero ampiamente fornito di materiali, riviste istruttive e libri illustrati. Hopper iniziò a firmare e datare i suoi disegni all”età di dieci anni. I primi di questi disegni includono schizzi a carboncino di forme geometriche, tra cui un vaso, una ciotola, una tazza e delle scatole. L”esame dettagliato della luce e dell”ombra che continuò per tutto il resto della sua carriera si trova già in questi primi lavori. Durante la sua adolescenza, stava lavorando a penna e inchiostro, carboncino, acquerello e olio, disegnando dalla natura e facendo vignette politiche. Nel 1895, creò il suo primo dipinto a olio firmato, Rowboat in Rocky Cove, che copiò da una riproduzione in The Art Interchange, una rivista popolare per artisti dilettanti. Gli altri primi oli di Hopper, come Old ice pond at Nyack e il suo dipinto Ships del 1898 circa, sono stati identificati come copie di dipinti di artisti come Bruce Crane e Edward Moran.

Nei suoi primi autoritratti, Hopper tendeva a rappresentarsi come magro, poco aggraziato e casalingo. Sebbene fosse un adolescente alto e tranquillo, il suo scherzoso senso dell”umorismo trovava sfogo nella sua arte, a volte in raffigurazioni di immigrati o di donne che dominano gli uomini in situazioni comiche. Più tardi nella vita, ritrasse soprattutto donne come figure nei suoi dipinti. Al liceo (si diplomò alla Nyack High School nel 1899), sognava di diventare un architetto navale, ma dopo il diploma dichiarò la sua intenzione di seguire una carriera artistica. I genitori di Hopper insistettero perché studiasse arte commerciale per avere un mezzo di reddito affidabile. Nello sviluppo della sua immagine di sé e della sua filosofia di vita individualista, Hopper fu influenzato dagli scritti di Ralph Waldo Emerson. Più tardi disse: “Lo ammiro molto… lo leggo continuamente”.

Hopper iniziò gli studi d”arte con un corso per corrispondenza nel 1899. Presto si trasferì alla New York School of Art and Design, il precursore della Parsons The New School for Design. Lì studiò per sei anni, con insegnanti tra cui William Merritt Chase, che lo istruì nella pittura a olio. All”inizio, Hopper modellò il suo stile dopo Chase e i maestri impressionisti francesi Édouard Manet e Edgar Degas. Disegnare da modelli dal vivo si rivelò una sfida e uno shock per il conservatore Hopper.

Un altro dei suoi insegnanti, l”artista Robert Henri, insegnava la classe di vita. Henri incoraggiava i suoi studenti ad usare la loro arte per “fare scalpore nel mondo”. Consigliava anche ai suoi studenti: “Non è il soggetto che conta, ma ciò che senti su di esso” e “Dimentica l”arte e dipingi immagini di ciò che ti interessa nella vita”. In questo modo, Henri influenzò Hopper, così come i futuri artisti George Bellows e Rockwell Kent. Li incoraggiò a infondere uno spirito moderno nel loro lavoro. Alcuni artisti della cerchia di Henri, tra cui John Sloan, divennero membri della “The Eight”, conosciuta anche come la Ashcan School of American Art. Il primo dipinto a olio sopravvissuto di Hopper che accenna al suo uso degli interni come tema è Figura solitaria in un teatro (1904 circa). Durante i suoi anni da studente, dipinse anche dozzine di nudi, studi di natura morta, paesaggi e ritratti, compresi i suoi autoritratti.

Nel 1905, Hopper ottenne un lavoro part-time con un”agenzia pubblicitaria, dove creava disegni di copertine per riviste commerciali. Hopper arrivò a detestare l”illustrazione. Vi rimase legato per necessità economiche fino alla metà degli anni ”20. Scappò temporaneamente facendo tre viaggi in Europa, ognuno incentrato a Parigi, apparentemente per studiare la scena artistica del luogo. In realtà, però, studiò da solo e sembrava per lo più non influenzato dalle nuove correnti dell”arte. Più tardi disse che “non ricordava affatto di aver sentito parlare di Picasso”. Fu molto impressionato da Rembrandt, in particolare dalla sua Ronda di notte, che disse essere “la cosa più meravigliosa che ho visto; è oltremodo credibile nella sua realtà”.

Hopper iniziò a dipingere scene urbane e architettoniche in una tavolozza scura. Poi passò alla tavolozza più chiara degli impressionisti prima di tornare alla tavolozza più scura con la quale si trovava a suo agio. Hopper disse in seguito: “Ho superato questo e le cose fatte in seguito a Parigi erano più il tipo di cose che faccio ora”. Hopper passava molto del suo tempo disegnando scene di strada e di caffè, e andando a teatro e all”opera. A differenza di molti dei suoi contemporanei che imitavano gli esperimenti astratti cubisti, Hopper era attratto dall”arte realista. Più tardi, ammise di non avere influenze europee se non l”incisore francese Charles Meryon, di cui Hopper imitava le scene lunatiche di Parigi.

Anni di lotta

Dopo il ritorno dal suo ultimo viaggio in Europa, Hopper affittò uno studio a New York City, dove lottò per definire il proprio stile. A malincuore, tornò all”illustrazione per mantenersi. Essendo un freelance, Hopper fu costretto a sollecitare progetti, e dovette bussare alle porte degli uffici di riviste e agenzie per trovare lavoro. La sua pittura languiva: “è difficile per me decidere cosa voglio dipingere. A volte passo mesi senza trovarlo. Arriva lentamente”. Il suo collega illustratore Walter Tittle descrisse lo stato emotivo depresso di Hopper in termini più netti, vedendo il suo amico “soffrire…di lunghi periodi di inespugnabile inerzia, seduto per giorni interi davanti al suo cavalletto in un”infelicità impotente, incapace di alzare una mano per rompere l”incantesimo”.

Nel 1912 (dal 22 febbraio al 5 marzo) fu incluso nella mostra di The Independents un gruppo di artisti su iniziativa di Robert Henri ma non fece nessuna vendita.

Nel 1912, Hopper si recò a Gloucester, nel Massachusetts, per cercare ispirazione e realizzò i suoi primi dipinti all”aperto in America. Dipinse Squam Light, il primo di molti dipinti di fari che verranno.

Nel 1913, all”Armory Show, Hopper guadagnò 250 dollari quando vendette il suo primo quadro, Sailing (1911), a un uomo d”affari americano Thomas F Vietor, che aveva dipinto sopra un precedente autoritratto. Hopper aveva trentuno anni, e anche se sperava che la sua prima vendita ne avrebbe portate altre in breve tempo, la sua carriera non avrebbe preso piede per molti altri anni. Continuò a partecipare a mostre di gruppo in luoghi più piccoli, come il MacDowell Club di New York. Poco dopo la morte del padre in quello stesso anno, Hopper si trasferì nell”appartamento 3 Washington Square North nel Greenwich Village di Manhattan, dove avrebbe vissuto per il resto della sua vita.

L”anno seguente ricevette una commissione per creare alcuni manifesti cinematografici e gestire la pubblicità per una compagnia cinematografica. Anche se il lavoro di illustrazione non gli piacque, Hopper fu un devoto per tutta la vita del cinema e del teatro, entrambi trattati come soggetti per i suoi dipinti. Ogni forma influenzò i suoi metodi compositivi.

In una situazione di stallo rispetto ai suoi dipinti a olio, nel 1915 Hopper si rivolse all”acquaforte. Nel 1923 aveva prodotto la maggior parte delle sue circa 70 opere con questo mezzo, molte delle quali erano scene urbane di Parigi e New York. Produsse anche alcuni manifesti per lo sforzo bellico, oltre a continuare con occasionali progetti commerciali. Quando poteva, Hopper fece alcuni dipinti ad olio all”aperto durante le sue visite nel New England, specialmente nelle colonie d”arte di Ogunquit e Monhegan Island.

Durante i primi anni 1920 le sue acqueforti cominciarono a ricevere un riconoscimento pubblico. Esprimevano alcuni dei suoi temi successivi, come in Night on the El Train (coppie in silenzio), Evening Wind (donna solitaria), e The Catboat (semplice scena nautica). Due notevoli dipinti ad olio di questo periodo furono New York Interior (1921) e New York Restaurant (1922). Dipinse anche due dei suoi molti quadri “finestra” che verranno: Ragazza alla macchina da cucire e Interno al chiaro di luna, entrambi i quali mostrano una figura (vestita o nuda) vicino a una finestra di un appartamento vista come se guardasse fuori o dal punto di vista dell”esterno che guarda dentro.

Anche se questi furono anni frustranti, Hopper ottenne qualche riconoscimento. Nel 1918, Hopper ricevette il premio U.S. Shipping Board per il suo poster di guerra, “Smash the Hun”. Partecipò a tre mostre: nel 1917 con la Society of Independent Artists, nel gennaio 1920 (una mostra personale al Whitney Studio Club, che fu il precursore del Whitney Museum), e nel 1922 (ancora con il Whitney Studio Club). Nel 1923, Hopper ricevette due premi per le sue acqueforti: il Logan Prize dalla Chicago Society of Etchers e il W. A. Bryan Prize.

Matrimonio e svolta

Nel 1923, la lenta ascesa di Hopper produsse finalmente una svolta. Incontrò nuovamente Josephine Nivison, un”artista ed ex allieva di Robert Henri, durante un viaggio estivo di pittura a Gloucester, Massachusetts. Erano opposti: lei era bassa, aperta, gregaria, socievole e liberale, mentre lui era alto, riservato, timido, tranquillo, introspettivo e conservatore. Si sposarono un anno dopo con l”artista Guy Pene du Bois come testimone. Lei ha osservato: “A volte parlare con Eddie è come far cadere un sasso in un pozzo, a parte il fatto che non batte quando tocca il fondo”. Lei subordinò la sua carriera a quella di lui e condivise il suo stile di vita solitario. Il resto della loro vita ruotava intorno al loro appartamento senza ascensore in città e alle loro estati a South Truro su Cape Cod. Lei gestiva la sua carriera e le sue interviste, era la sua principale modella e la sua compagna di vita.

Con l”aiuto di Nivison, sei acquerelli di Gloucester di Hopper furono ammessi a una mostra al Brooklyn Museum nel 1923. Uno di essi, The Mansard Roof, fu acquistato dal museo per la sua collezione permanente per la somma di 100 dollari. I critici generalmente si entusiasmarono per il suo lavoro; uno dichiarò: “Che vitalità, forza e immediatezza! Osservate cosa si può fare con il soggetto più familiare”. Hopper vendette tutti i suoi acquerelli in una mostra personale l”anno seguente e finalmente decise di lasciarsi alle spalle l”illustrazione.

L”artista aveva dimostrato la sua capacità di trasferire la sua attrazione per l”architettura parigina all”architettura urbana e rurale americana. Secondo la curatrice del Boston Museum of Fine Arts Carol Troyen, “Hopper amava molto il modo in cui queste case, con le loro torrette e torri e portici e tetti mansardati e ornamenti, proiettavano ombre meravigliose. Diceva sempre che la sua cosa preferita era dipingere la luce del sole sul lato di una casa”.

A quarantuno anni, Hopper ricevette ulteriori riconoscimenti per il suo lavoro. Continuò a nutrire amarezza per la sua carriera, rifiutando in seguito apparizioni e premi. Con la sua stabilità finanziaria assicurata da vendite costanti, Hopper avrebbe vissuto una vita semplice e stabile e continuato a creare arte nel suo stile personale per altri quattro decenni.

Il suo Two on the Aisle (1927) fu venduto per un record personale di 1.500 dollari, permettendo a Hopper di acquistare un”automobile, che usò per fare viaggi sul campo in aree remote del New England. Nel 1929 produsse Chop Suey e Railroad Sunset. L”anno seguente, il mecenate Stephen Clark donò House by the Railroad (1925) al Museum of Modern Art, il primo dipinto a olio che acquisì per la sua collezione. Hopper dipinse il suo ultimo autoritratto a olio intorno al 1930. Anche se Josephine posò per molti dei suoi dipinti, si sedette per un solo ritratto formale a olio di suo marito, Jo Painting (1936).

Hopper se la cavò meglio di molti altri artisti durante la Grande Depressione. La sua statura ebbe un”impennata nel 1931 quando i maggiori musei, tra cui il Whitney Museum of American Art e il Metropolitan Museum of Art, pagarono migliaia di dollari per le sue opere. Quell”anno vendette 30 dipinti, compresi 13 acquerelli. L”anno seguente partecipò al primo Whitney Annual, e continuò ad esporre in ogni annuale del museo per il resto della sua vita. Nel 1933, il Museum of Modern Art diede a Hopper la sua prima retrospettiva su larga scala.

Nel 1930, gli Hopper affittarono un cottage a South Truro, a Cape Cod. Tornarono ogni estate per il resto della loro vita, costruendovi una casa estiva nel 1934. Da lì, facevano viaggi in macchina in altre zone quando Hopper aveva bisogno di cercare materiale fresco da dipingere. Nelle estati del 1937 e del 1938, la coppia trascorse lunghi soggiorni alla Wagon Wheels Farm a South Royalton, Vermont, dove Hopper dipinse una serie di acquerelli lungo il White River. Queste scene sono atipiche tra le opere mature di Hopper, poiché la maggior parte sono paesaggi “puri”, privi di architettura o figure umane. First Branch of the White River (1938), ora al Museum of Fine Arts di Boston, è il più noto dei paesaggi del Vermont di Hopper.

Hopper fu molto produttivo negli anni ”30 e nei primi anni ”40, producendo tra le tante opere importanti New York Movie (1939), Girlie Show (1941), Nighthawks (1942), Hotel Lobby (1943) e Morning in a City (1944). Durante la fine degli anni ”40, tuttavia, soffrì un periodo di relativa inattività. Ammise: “Vorrei poter dipingere di più. Sono stanco di leggere e di andare al cinema”. Durante i due decenni successivi, la sua salute vacillò, ed ebbe diversi interventi alla prostata e altri problemi medici. Ma, negli anni ”50 e nei primi anni ”60, creò molte altre opere importanti, tra cui First Row Orchestra (e Intermission nel 1963.

Morte

Hopper morì per cause naturali nel suo studio vicino a Washington Square a New York City il 15 maggio 1967. Fu sepolto due giorni dopo nella tomba di famiglia al cimitero di Oak Hill a Nyack, New York, il suo luogo di nascita. Sua moglie morì dieci mesi dopo ed è sepolta con lui.

Sua moglie ha lasciato in eredità la loro collezione comune di più di tremila opere al Whitney Museum of American Art. Altri dipinti significativi di Hopper sono detenuti dal Museum of Modern Art di New York, il Des Moines Art Center e l”Art Institute di Chicago.

Personalità e visione

Sempre riluttante a discutere di se stesso e della sua arte, Hopper diceva semplicemente: “Tutta la risposta è lì sulla tela”. Hopper era stoico e fatalista, un uomo tranquillo e introverso con un gentile senso dell”umorismo e un modo schietto. Hopper era una persona attratta da un simbolismo emblematico e anti-narrativo, che “dipingeva brevi momenti isolati di configurazione, saturi di suggestione”. I suoi spazi silenziosi e i suoi incontri inquieti “ci toccano dove siamo più vulnerabili”, e hanno “una suggestione di malinconia, quella malinconia che viene messa in atto”. Il suo senso del colore lo ha rivelato come un pittore puro in quanto “ha trasformato il puritano nel purista, nelle sue tranquille tele dove le imperfezioni e le benedizioni si equilibrano”. Secondo il critico Lloyd Goodrich, era “un pittore eminentemente nativo, che più di ogni altro metteva nelle sue tele la qualità dell”America”.

Conservatore in materia politica e sociale (Hopper affermava per esempio che “la vita degli artisti dovrebbe essere scritta da persone molto vicine a loro”), accettava le cose come erano e mostrava una mancanza di idealismo. Colto e sofisticato, era molto colto, e molti dei suoi dipinti mostrano figure che leggono. Era generalmente di buona compagnia e imperturbabile nei silenzi, anche se a volte taciturno, scontroso o distaccato. Era sempre serio riguardo alla sua arte e a quella degli altri, e quando gli si chiedeva, restituiva opinioni sincere.

La dichiarazione più sistematica di Hopper della sua filosofia come artista fu data in una nota scritta a mano, intitolata “Statement”, presentata nel 1953 alla rivista Reality:

La grande arte è l”espressione esteriore di una vita interiore nell”artista, e questa vita interiore risulterà nella sua personale visione del mondo. Nessuna quantità di abile invenzione può sostituire l”elemento essenziale dell”immaginazione. Una delle debolezze di molta pittura astratta è il tentativo di sostituire le invenzioni dell”intelletto umano con una concezione immaginativa privata.

Anche se Hopper sosteneva di non incorporare consapevolmente il significato psicologico nei suoi dipinti, era profondamente interessato a Freud e al potere della mente subconscia. Scrisse nel 1939: “Così tanto di ogni arte è un”espressione del subconscio che mi sembra che la maggior parte delle qualità importanti siano messe lì inconsciamente, e poco di importante dall”intelletto cosciente”.

Metodi

Anche se è meglio conosciuto per i suoi dipinti a olio, Hopper inizialmente raggiunse il riconoscimento per i suoi acquerelli e produsse anche alcune incisioni di successo commerciale. Inoltre, i suoi quaderni contengono schizzi a penna e a matita di alta qualità, che non furono mai destinati alla visione pubblica.

Hopper prestò particolare attenzione al disegno geometrico e all”attenta collocazione delle figure umane nel giusto equilibrio con il loro ambiente. Era un artista lento e metodico; come scrisse: “Ci vuole molto tempo perché un”idea mi colpisca. Poi devo pensarci a lungo. Non comincio a dipingere finché non ho elaborato tutto nella mia mente. Sono a posto quando arrivo al cavalletto”. Faceva spesso degli schizzi preparatori per elaborare le sue composizioni accuratamente calcolate. Lui e sua moglie tenevano un registro dettagliato delle loro opere annotando voci come “faccia triste di donna non illuminata”, “luce elettrica dal soffitto”, e “cosce più fresche”.

Per New York Movie (1939), Hopper dimostra la sua accurata preparazione con più di 53 schizzi dell”interno del teatro e la figura dell”usciere pensieroso.

Anche l”uso efficace della luce e dell”ombra per creare l”atmosfera è centrale nei metodi di Hopper. La luminosa luce del sole (come emblema di intuizione o rivelazione), e le ombre che proietta, giocano anche ruoli simbolicamente potenti in dipinti di Hopper come Early Sunday Morning (1930), Summertime (1943), Seven A.M. (1948) e Sun in an Empty Room (1963). Il suo uso degli effetti di luce e ombra è stato paragonato alla cinematografia dei film noir.

Pur essendo un pittore realista, il realismo “morbido” di Hopper semplificava le forme e i dettagli. Ha usato il colore saturo per aumentare il contrasto e creare l”atmosfera.

Soggetti e temi

Hopper derivò il suo soggetto da due fonti primarie: uno, le caratteristiche comuni della vita americana (e due, paesaggi marini e rurali). Per quanto riguarda il suo stile, Hopper si definì come “un amalgama di molte razze” e non un membro di nessuna scuola, in particolare della “Ashcan School”. Una volta che Hopper raggiunse il suo stile maturo, la sua arte rimase coerente e autonoma, nonostante le numerose tendenze artistiche che andavano e venivano durante la sua lunga carriera.

I paesaggi marini di Hopper si dividono in tre gruppi principali: paesaggi puri di rocce, mare ed erba della spiaggia; fari e fattorie e barche a vela. A volte combinava questi elementi. La maggior parte di questi dipinti raffigura una luce forte e tempo sereno; ha mostrato poco interesse per le scene di neve o di pioggia, o per i cambiamenti di colore stagionali. Dipinse la maggior parte dei paesaggi marini puri nel periodo tra il 1916 e il 1919 a Monhegan Island. The Long Leg (1935) di Hopper è un quadro di vela quasi completamente blu con gli elementi più semplici, mentre il suo Ground Swell (1939) è più complesso e raffigura un gruppo di giovani che vanno a vela, un tema che ricorda l”iconico Breezing Up (1876) di Winslow Homer.

Anche l”architettura urbana e i paesaggi urbani erano soggetti importanti per Hopper. Era affascinato dalla scena urbana americana, “la nostra architettura nativa con la sua orrenda bellezza, i suoi tetti fantastici, pseudo-gotici, Mansardati francesi, coloniali, bastardi o che altro, con un colore che brucia gli occhi o delicate armonie di vernice sbiadita, che si spingono l”un l”altro lungo strade interminabili che si assottigliano in paludi o cumuli di rifiuti”.

Nel 1925, realizzò House by the Railroad. Quest”opera classica raffigura una villa vittoriana isolata in legno, parzialmente oscurata dal terrapieno rialzato di una ferrovia. Segna la maturità artistica di Hopper. Lloyd Goodrich lodò l”opera come “uno dei pezzi di realismo più struggenti e desolanti”. L”opera è la prima di una serie di crude scene rurali e urbane che usa linee taglienti e grandi forme, giocate da un”illuminazione insolita per catturare l”umore solitario dei suoi soggetti. Anche se i critici e gli spettatori interpretano il significato e lo stato d”animo in questi paesaggi urbani, Hopper ha insistito: “Ero più interessato alla luce del sole sugli edifici e sulle figure che a qualsiasi simbolismo”. Come a dimostrare il punto, il suo ultimo dipinto Sun in an Empty Room (1963) è un puro studio della luce del sole.

La maggior parte dei dipinti di figure di Hopper si concentrano sulla sottile interazione degli esseri umani con il loro ambiente – realizzata con figure solitarie, coppie o gruppi. I suoi temi emotivi primari sono la solitudine, il rimpianto, la noia e la rassegnazione. Esprime le emozioni in vari ambienti, tra cui l”ufficio, in luoghi pubblici, in appartamenti, in viaggio o in vacanza. Come se stesse creando fotogrammi per un film o tableaux in una commedia, Hopper posiziona i suoi personaggi come se fossero catturati poco prima o poco dopo il culmine di una scena.

Le figure solitarie di Hopper sono per lo più donne – vestite, semi-vestite e nude – spesso leggono o guardano fuori da una finestra, o sul posto di lavoro. Nei primi anni venti, Hopper dipinse le sue prime immagini di questo tipo: Girl at Sewing Machine (1921), New York Interior (un”altra donna che cuce) (1921) e Moonlight Interior (un nudo che si mette a letto) (1923). Automat (1927) e Hotel Room (1931), tuttavia, sono più rappresentativi del suo stile maturo, enfatizzando la solitudine in modo più evidente.

Come la studiosa di Hopper, Gail Levin, ha scritto di Hotel Room:

Le scarse bande verticali e diagonali di colore e le nitide ombre elettriche creano un dramma conciso e intenso nella notte… Combinando un soggetto toccante con una disposizione formale così potente, la composizione di Hopper è abbastanza pura da avvicinarsi a una sensibilità quasi astratta, ma stratificata con un significato poetico per l”osservatore.

Room in New York (1932) e Cape Cod Evening (1939) di Hopper sono i primi esempi dei suoi dipinti “di coppia”. Nel primo, una giovane coppia appare alienata e non comunicativa – lui legge il giornale mentre lei ozia al pianoforte. Lo spettatore assume il ruolo di un voyeur, come se guardasse con un telescopio attraverso la finestra dell”appartamento per spiare la mancanza di intimità della coppia. Nel secondo quadro, una coppia di anziani con poco da dirsi, sta giocando con il loro cane, la cui attenzione è distolta dai suoi padroni. Hopper porta il tema della coppia a un livello più ambizioso con Excursion into Philosophy (1959). Un uomo di mezza età siede sconsolato sul bordo di un letto. Accanto a lui giace un libro aperto e una donna parzialmente vestita. Un raggio di luce illumina il pavimento di fronte a lui. Jo Hopper annotò nel suo diario di bordo: “il libro aperto è Platone, riletto troppo tardi”.

Levin interpreta il dipinto:

Il filosofo di Platone, alla ricerca del reale e del vero, deve allontanarsi da questo regno transitorio e contemplare le Forme e le Idee eterne. L”uomo pensieroso nel quadro di Hopper è posizionato tra il richiamo del dominio terreno, rappresentato dalla donna, e il richiamo del dominio spirituale superiore, rappresentato dalla cascata di luce eterea. Il dolore di pensare a questa scelta e alle sue conseguenze, dopo aver letto Platone tutta la notte, è evidente. È paralizzato dal fervido travaglio interiore del malinconico.

In Office at Night (1940), un altro quadro “di coppia”, Hopper crea un puzzle psicologico. Il quadro mostra un uomo che si concentra sui suoi documenti di lavoro, mentre nelle vicinanze la sua attraente segretaria estrae un file. Diversi studi per il dipinto mostrano come Hopper abbia sperimentato il posizionamento delle due figure, forse per aumentare l”erotismo e la tensione. Hopper presenta allo spettatore la possibilità che l”uomo sia veramente disinteressato al fascino della donna o che stia lavorando duramente per ignorarla. Un altro aspetto interessante del dipinto è come Hopper impiega tre fonti di luce, da una lampada da tavolo, attraverso una finestra e una luce indiretta dall”alto. Hopper ha continuato a fare diversi quadri “da ufficio”, ma nessun altro con un sottofondo sensuale.

Il più noto dei quadri di Hopper, Nighthawks (1942), è uno dei suoi quadri di gruppo. Mostra clienti seduti al bancone di una tavola calda che dura tutta la notte. Le forme e le diagonali sono accuratamente costruite. Il punto di vista è cinematografico: dal marciapiede, come se lo spettatore si avvicinasse al ristorante. La dura luce elettrica della tavola calda la distingue dalla notte buia dell”esterno, esaltando l”atmosfera e la sottile emozione. Come in molti dipinti di Hopper, l”interazione è minima. Il ristorante raffigurato è stato ispirato da uno del Greenwich Village. Sia Hopper che sua moglie hanno posato per le figure, e Jo Hopper ha dato il titolo al dipinto. L”ispirazione per il quadro potrebbe essere venuta dal racconto di Ernest Hemingway “The Killers”, che Hopper ammirava molto, o dal più filosofico “A Clean, Well-Lighted Place”. Lo stato d”animo del quadro è stato talvolta interpretato come un”espressione dell”ansia del tempo di guerra. In linea con il titolo del suo dipinto, Hopper disse più tardi, Nighthawks ha più a che fare con la possibilità di predatori nella notte che con la solitudine.

Il suo secondo dipinto più riconoscibile dopo Nighthawks è un altro dipinto urbano, Early Sunday Morning (originariamente chiamato Seventh Avenue Shops), che mostra una scena di strada vuota in una forte luce laterale, con un idrante e un palo da barbiere come controfigure di figure umane. Originariamente Hopper intendeva mettere delle figure nelle finestre al piano superiore, ma le lasciò vuote per aumentare la sensazione di desolazione.

Le scene rurali del New England di Hopper, come Gas (1940), non sono meno significative. Gas rappresenta “un diverso, ugualmente pulito, ben illuminato rifugio … ke aperto per chi ne ha bisogno mentre naviga la notte, percorrendo le proprie miglia da percorrere prima di dormire”. L”opera presenta una fusione di diversi temi di Hopper: la figura solitaria, la malinconia del crepuscolo e la strada solitaria.

Hopper si avvicina al surrealismo con Rooms by the Sea (1951), dove una porta aperta dà una vista sull”oceano, senza una scala o dei gradini apparenti e nessuna indicazione di una spiaggia.

Dopo gli anni da studente, i nudi di Hopper sono tutti femminili. A differenza degli artisti del passato che dipingevano il nudo femminile per glorificare la forma femminile e per evidenziare l”erotismo femminile, i nudi di Hopper sono donne solitarie e psicologicamente esposte. Un”eccezione audace è Girlie Show (1941), dove una regina dello strip-tease dai capelli rossi attraversa con sicurezza un palco con l”accompagnamento dei musicisti nella buca. Girlie Show fu ispirato dalla visita di Hopper a uno spettacolo di burlesque qualche giorno prima. La moglie di Hopper, come al solito, posò per lui per il dipinto, e annotò nel suo diario: “Ed che inizia una nuova tela – una regina del burlesque che fa uno strip tease – e io che poso senza un punto davanti alla stufa – nient”altro che tacchi alti in una posa da ballo di lotteria”.

I ritratti e gli autoritratti di Hopper furono relativamente pochi dopo gli anni da studente. Hopper produsse un “ritratto” commissionato di una casa, The MacArthurs” Home (1939), dove descrive fedelmente l”architettura vittoriana della casa dell”attrice Helen Hayes. Lei riferì in seguito: “Credo di non aver mai incontrato un individuo più misantropo e scontroso in vita mia”. Hopper brontolò per tutto il progetto e non accettò mai più una commissione. Hopper dipinse anche Portrait of Orleans (1950), un “ritratto” della città di Cape Cod dalla sua strada principale.

Sebbene fosse molto interessato alla guerra civile americana e alle fotografie dei campi di battaglia di Mathew Brady, Hopper realizzò solo due dipinti storici. Entrambi raffiguravano soldati in viaggio verso Gettysburg. Tra i suoi temi sono rari anche i dipinti che mostrano l”azione. Il miglior esempio di un dipinto d”azione è Bridle Path (1939), ma la lotta di Hopper con la corretta anatomia dei cavalli potrebbe averlo scoraggiato da tentativi simili.

L”ultimo quadro a olio di Hopper, Two Comedians (1966), dipinto un anno prima della sua morte, si concentra sul suo amore per il teatro. Due attori di pantomima francesi, un uomo e una donna, entrambi vestiti con costumi bianchi brillanti, fanno il loro inchino davanti a un palco buio. Jo Hopper ha confermato che suo marito intendeva le figure per suggerire il loro ultimo inchino insieme come marito e moglie.

I dipinti di Hopper sono stati spesso visti da altri come aventi un contenuto narrativo o tematico che l”artista potrebbe non aver inteso. Molto significato può essere aggiunto a un dipinto dal suo titolo, ma i titoli dei dipinti di Hopper sono stati a volte scelti da altri, o sono stati selezionati da Hopper e da sua moglie in un modo che rende poco chiaro se hanno qualche connessione reale con il significato dell”artista. Per esempio, una volta Hopper disse a un intervistatore che era “appassionato di Early Sunday Morning… ma non era necessariamente domenica”. Quella parola è stata aggiunta dopo da qualcun altro”.

La tendenza a leggere contenuti tematici o narrativi nei quadri di Hopper, che Hopper non aveva inteso, si estese anche a sua moglie. Quando Jo Hopper commentò la figura in Cape Cod Morning “È una donna che guarda fuori per vedere se il tempo è abbastanza buono per stendere il bucato”, Hopper replicò: “Ho detto questo? Lo stai facendo diventare Norman Rockwell. Dal mio punto di vista sta solo guardando fuori dalla finestra”. Un altro esempio dello stesso fenomeno è registrato in un articolo del 1948 su Time:

Summer Evening di Hopper, una giovane coppia che parla nella dura luce del portico di un cottage, è ineluttabilmente romantico, ma Hopper fu ferito dal suggerimento di un critico che sarebbe andato bene per un”illustrazione in “qualsiasi rivista femminile”. Hopper ha avuto il quadro in testa “per 20 anni e non ho mai pensato di metterci le figure fino a quando non ho iniziato la scorsa estate”. Perché qualsiasi direttore artistico avrebbe fatto a pezzi il quadro. Le figure non erano ciò che mi interessava; era la luce che scendeva e la notte tutt”intorno”.

Posto nell”arte americana

Concentrandosi principalmente su momenti tranquilli, mostrando molto raramente l”azione, Hopper impiegò una forma di realismo adottata da un altro importante realista americano, Andrew Wyeth, ma la tecnica di Hopper era completamente diversa dallo stile iperdettagliato di Wyeth. In sintonia con alcuni dei suoi contemporanei, Hopper condivise la sua sensibilità urbana con John Sloan e George Bellows, ma evitò la loro azione palese e la violenza. Dove Joseph Stella e Georgia O”Keeffe glamourarono le strutture monumentali della città, Hopper le ridusse a geometrie quotidiane e raffigurò il pulsare della città come desolato e pericoloso piuttosto che “elegante o seducente”.

Charles Burchfield, che Hopper ammirava e al quale veniva paragonato, disse di Hopper: “raggiunge una veridicità così completa che si può leggere nelle sue interpretazioni delle case e nelle sue concezioni della vita di New York qualsiasi implicazione umana si desideri”. Ha anche attribuito il successo di Hopper al suo “audace individualismo. … In lui abbiamo riconquistato quella robusta indipendenza americana che Thomas Eakins ci ha dato, ma che per un certo periodo è stata persa”. Hopper lo considerava un grande complimento, dato che considerava Eakins il più grande pittore americano.

La studiosa di Hopper Deborah Lyons scrive: “I nostri momenti di rivelazione sono spesso rispecchiati, trascendenti, nel suo lavoro. Una volta viste, le interpretazioni di Hopper esistono nella nostra coscienza in tandem con la nostra esperienza. Vediamo per sempre un certo tipo di casa come una casa di Hopper, investita forse di un mistero che Hopper ha impiantato nella nostra visione”. I dipinti di Hopper mettono in evidenza le scene apparentemente banali e tipiche della nostra vita quotidiana e danno loro motivo di epifania. In questo modo l”arte di Hopper prende il grintoso paesaggio americano e le stazioni di servizio solitarie e crea al loro interno un senso di bella attesa.

Anche se paragonato al suo contemporaneo Norman Rockwell in termini di soggetto, Hopper non amava il confronto. Hopper si considerava più sottile, meno illustrativo e certamente non sentimentale. Hopper rifiutava anche i paragoni con Grant Wood e Thomas Hart Benton affermando: “Penso che i pittori di American Scene abbiano fatto la caricatura dell”America. Io ho sempre voluto fare me stesso”.

Influenza

L”influenza di Hopper sul mondo dell”arte e sulla cultura pop è innegabile; vedi § Nella cultura popolare per numerosi esempi. Sebbene non abbia avuto studenti formali, molti artisti lo hanno citato come un”influenza, tra cui Willem de Kooning, Jim Dine e Mark Rothko. Un esempio dell”influenza di Hopper è il primo lavoro di Rothko Composition I (1931 circa), che è una parafrasi diretta di Chop Suey di Hopper.

Le composizioni cinematografiche di Hopper e l”uso drammatico della luce e del buio lo hanno reso uno dei preferiti dai registi. Per esempio, si dice che House by the Railroad abbia pesantemente influenzato la casa iconica del film Psycho di Alfred Hitchcock. Lo stesso dipinto è stato anche citato come un”influenza sulla casa nel film di Terrence Malick Days of Heaven. Il film Pennies from Heaven del 1981 include un tableau vivant di Nighthawks, con gli attori principali nei posti dei commensali. Anche il regista tedesco Wim Wenders cita l”influenza di Hopper. Il suo film del 1997 The End of Violence incorpora anche un tableau vivant di Nighthawks, ricreato dagli attori. Il noto regista di film horror surrealista Dario Argento arrivò a ricreare la tavola calda e gli avventori di Nighthawks come parte di un set per il suo film del 1976 Profondo Rosso (aka Profondo Rosso). Ridley Scott ha citato lo stesso quadro come ispirazione visiva per Blade Runner. Per stabilire l”illuminazione delle scene nel film Road to Perdition del 2002, il regista Sam Mendes ha preso come fonte d”ispirazione i quadri di Hopper, in particolare New York Movie.

Omaggi a Nighthawks con personaggi dei cartoni animati o famose icone della cultura pop come James Dean e Marilyn Monroe si trovano spesso nei negozi di poster e nei negozi di souvenir. Il canale televisivo via cavo Turner Classic Movies a volte corre clip animati basati su dipinti Hopper prima della messa in onda dei suoi film. Le influenze musicali includono il cantante

In poesia, numerose poesie sono state ispirate dai dipinti di Hopper, tipicamente come vivide descrizioni e drammatizzazioni; questo genere è noto come ekphrasis. Oltre a numerose poesie individuali ispirate da Hopper, diversi poeti hanno scritto raccolte basate sui dipinti di Hopper. Il poeta francese Claude Esteban ha scritto una raccolta di poesie in prosa, Soleil dans une pièce vide (Sole in una stanza vuota, 1991), basata su quarantasette dipinti di Hopper tra il 1921 e il 1963, che finisce con Sun in an Empty room (1963), da cui il titolo. Le poesie drammatizzano ciascuna un quadro di Hopper, immaginando una storia dietro la scena; il libro ha vinto il premio Prix France Culture nel 1991. Otto delle poesie – Ground Swell, Girl at Sewing Machine, Compartment C, Car 293, Nighthawks, South Carolina Morning, House by the Railroad, People in the Sun, e Roofs of Washington Square – sono state successivamente messe in musica dalla compositrice Graciane Finzi, e registrate con lettura dalla cantante Natalie Dessay nel suo album Portraits of America (2016), dove sono state integrate selezionando altri dieci quadri di Hopper, e canzoni del songbook americano per accompagnarle. Allo stesso modo, il poeta spagnolo Ernest Farrés ha scritto una raccolta di cinquantuno poesie in catalano, sotto il nome di Edward Hopper (2006, traduzione inglese 2010 di Lawrence Venuti), e James Hoggard ha scritto Triangles of Light: The Edward Hopper Poems (Wings Press, 2009). Una raccolta di vari poeti è stata organizzata in The Poetry of Solitude: A Tribute to Edward Hopper 1995 (editore Gail Levin). Singole poesie includono Byron Vazakas (1957) e John Stone (1985) ispirate da Early Sunday Morning, e Mary Leader ispirata da Girl at Sewing Machine.

Mostre

Nel 1980, la mostra Edward Hopper: The Art and the Artist si aprì al Whitney Museum of American Art e visitò Londra, Düsseldorf e Amsterdam, così come San Francisco e Chicago. Per la prima volta, questa mostra presentava i dipinti a olio di Hopper insieme agli studi preparatori per queste opere. Questo fu l”inizio della popolarità di Hopper in Europa e della sua grande reputazione mondiale.

Nel 2004, una grande selezione di dipinti di Hopper ha girato l”Europa, visitando il Museum Ludwig di Colonia, in Germania, e la Tate Modern di Londra. La mostra alla Tate divenne la seconda più popolare nella storia della galleria, con 420.000 visitatori nei tre mesi di apertura.

Nel 2007, una mostra incentrata sul periodo dei maggiori successi di Hopper – dal 1925 circa alla metà del secolo – è stata presentata al Museum of Fine Arts di Boston. La mostra comprendeva cinquanta dipinti a olio, trenta acquerelli e dodici stampe, compresi i favoriti Nighthawks, Chop Suey e Lighthouse and Buildings. La mostra è stata organizzata dal Museum of Fine Arts di Boston, dalla National Gallery of Art di Washington e dall”Art Institute di Chicago e sponsorizzata dalla società di consulenza gestionale globale Booz Allen Hamilton.

Nel 2010, il museo Fondation de l”Hermitage di Losanna, Svizzera, ha tenuto una mostra che ha coperto l”intera carriera di Hopper, con opere tratte in gran parte dal Whitney Museum di New York City. Comprendeva dipinti, acquerelli, incisioni, fumetti, manifesti, così come alcuni studi preparatori per alcuni dipinti selezionati. La mostra era stata precedentemente vista a Milano e Roma. Nel 2011, il Whitney Museum of American Art ha tenuto una mostra chiamata Edward Hopper and His Times.

Nel 2012, al Grand Palais di Parigi si è aperta una mostra che ha cercato di far luce sulla complessità dei suoi capolavori, il che è un”indicazione della ricchezza dell”opera di Hopper. Era divisa cronologicamente in due parti principali: la prima sezione copriva gli anni di formazione di Hopper (1900-1924), confrontando il suo lavoro con quello dei suoi contemporanei e con l”arte che vide a Parigi e che potrebbe averlo influenzato. La seconda sezione ha esaminato l”arte dei suoi anni maturi, dai primi dipinti emblematici del suo stile personale, come House by the Railroad (1924), alle sue ultime opere.

Nel 2020, la Fondation Beyeler ha tenuto una mostra sull”arte di Hopper. La mostra si è concentrata sulle “rappresentazioni iconiche di Hopper della distesa infinita di paesaggi e paesaggi urbani americani”. Questo aspetto è stato raramente menzionato nelle mostre, eppure è un ingrediente chiave per comprendere l”opera di Hopper.

Mercato dell”arte

Le opere di Hopper appaiono raramente sul mercato. L”artista non fu prolifico, dipingendo solo 366 tele; durante gli anni ”50, quando aveva 70 anni, produsse circa cinque dipinti all”anno. Il mercante di lunga data di Hopper, Frank Rehn, che diede all”artista la sua prima mostra personale nel 1924, vendette Hotel Window (1956) alla collezionista Olga Knoepke per 7.000 dollari (equivalenti a 64.501 dollari nel 2020) nel 1957. Nel 1999, la Forbes Collection lo vendette privatamente all”attore Steve Martin per circa 10 milioni di dollari. Nel 2006, Martin lo vendette per 26,89 milioni di dollari da Sotheby”s New York, un record d”asta per l”artista.

Nel 2013 la Pennsylvania Academy of Fine Arts ha messo in vendita East Wind Over Weehawken (1934) di Hopper, sperando di raccogliere i 22-28 milioni di dollari a cui il dipinto è valutato, al fine di istituire un fondo per l”acquisizione di “arte contemporanea” che si rivalutasse. Si tratta di una scena di strada resa in toni scuri e terrosi che raffigura la casa a capanna al 1001 Boulevard East all”angolo della 49a strada a Weehawken, New Jersey, ed è considerata una delle migliori opere di Hopper. Fu acquistato direttamente dal commerciante che trattava i quadri dell”artista nel 1952, quindici anni prima della morte del pittore, a un prezzo molto basso. Il quadro è stato venduto per la cifra record di 36 milioni di dollari da Christie”s a New York, ad un anonimo offerente telefonico.

Nel 2018, dopo la morte del collezionista d”arte Barney A. Ebsworth e la successiva vendita all”asta di molti pezzi della sua collezione, Chop Suey (1929) è stato venduto per 92 milioni di dollari, diventando il lavoro di Hopper più costoso mai acquistato all”asta.

Oltre alla sua influenza (vedi § Influenza), Hopper è spesso citato nella cultura popolare.

Nel 1981, Hopper”s Silence, un documentario di Brian O”Doherty prodotto dal Whitney Museum of American Art, fu mostrato al New York Film Festival all”Alice Tully Hall.

Il regista austriaco Gustav Deutsch ha creato il film del 2013 Shirley – Visions of Reality basato su 13 dipinti di Edward Hopper.

Altre opere basate o ispirate ai dipinti di Hopper includono l”album di Tom Waits del 1975 Nighthawks at the Diner, e una serie di fotografie del 2012 di Gail Albert Halaban.

Nel libro (1985, 1998) e nella mostra itinerante intitolata Hopper”s Places, Gail Levin ha localizzato e fotografato i luoghi di molti dei dipinti di Hopper. Nella sua recensione del 1985 di una mostra correlata organizzata dalla Levin, Vivien Raynor scrisse sul New York Times: “Le deduzioni della signorina Levin sono invariabilmente illuminanti, come quando deduce che la tendenza di Hopper ad allungare le strutture era un riflesso della sua grande altezza”.

L”album Crush del 1985 della band new wave Orchestral Manoeuvres in the Dark presenta un artwork ispirato a diversi dipinti di Hopper, tra cui Early Sunday Morning, Nighthawks e Room in New York. Il singolo della band del 2013 “Night Cafe” è stato influenzato da Nighthawks e cita Hopper per nome. Sette dei suoi dipinti sono citati nel testo.

La New York City Opera ha messo in scena la prima della East Coast di “Hopper”s Wife” di Stewart Wallace – un”opera da camera del 1997 su un matrimonio immaginario tra Edward Hopper e la giornalista di gossip Hedda Hopper, all”Harlem Stage nel 2016.

La scrittrice irlandese Christine Dwyer Hickey ha pubblicato un romanzo, The Narrow Land, nel 2019, in cui Edward e Jo Hopper erano personaggi centrali.

Paul Weller ha incluso una canzone chiamata ”Hopper” nel suo album del 2017 A Kind Revolution.

Fonti