Egon Schiele

gigatos | Gennaio 24, 2022

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Riassunto

Egon Schiele, nato il 12 giugno 1890 a Tulln an der Donau e morto il 31 ottobre 1918 a Vienna, è stato un pittore e disegnatore austriaco associato al movimento espressionista.

Nato in una famiglia borghese, affermò la sua vocazione di artista contro la sua famiglia. Il suo talento per il disegno lo portò ad essere ammesso all”Accademia di Belle Arti di Vienna all”età di sedici anni, e presto scoprì nuovi orizzonti attraverso il contatto con la Secessione, l”Atelier viennese e Gustav Klimt. Alla fine del 1909, quando il suo talento si rivelò, fondò un “gruppo Art Nouveau” di breve durata con diversi pittori, musicisti e poeti – lui stesso scriveva testi piuttosto lirici.

In un culto egoistico della sua “missione” artistica, Schiele fece del corpo svestito il suo campo d”espressione privilegiato: corpi adulti, a cominciare dal suo, ma anche corpi di bambini, il che gli valse diverse settimane di prigione nel 1912. Nel 1915, lasciò la sua compagna e modella Wally Neuzil per sposare una ragazza più “decente”, Edith Harms, oltre ad altre relazioni. Inviato nelle retrovie del fronte per motivi di salute, visse tutta la guerra dipingendo molto, cominciò a vendere, a vedere la luce del giorno, e dopo la morte di Klimt nel 1918, si affermò come il nuovo leader degli artisti viennesi. Fu allora che soccombette, insieme alla moglie incinta, all”influenza spagnola.

Egon Schiele produsse circa 300 dipinti a olio e più di 3.000 opere su carta, in cui il disegno è spesso combinato con l”acquerello e la gouache: nature morte, paesaggi, ritratti, allegorie e, soprattutto, innumerevoli autoritratti e nudi di donne e uomini, con posture e dettagli talvolta rozzi. Anche se la linea tagliente e la tavolozza si sono ammorbidite in dieci anni, l”insieme colpisce per la sua intensità grafica, i suoi contrasti, i suoi colori irrealistici e persino morbosi; quanto alle figure emaciate, disarticolate, come se galleggiassero nel vuoto, sembrano incarnare l”angoscia sessuale o esistenziale, la solitudine e persino la sofferenza, in un lavoro segnato dalla violenza.

È infatti difficile collegare Schiele a un gruppo. Tra l”Art Nouveau e l”Espressionismo, libero dalle norme della rappresentazione e perseguendo la sua ricerca in solitudine senza interesse per le teorie, ha espresso la sua sensibilità esacerbata in un modo molto personale mentre riecheggiava il disincanto e i conflitti latenti di una società in declino. Protagonista della rinascita artistica austriaca, riconosciuto se non apprezzato durante la sua vita, non era l””artista maledetto” che la leggenda ha voluto associare alla sua vita marginale. Il trattamento convulso o impudente dei suoi soggetti continua tuttavia a sorprendere un secolo dopo. È entrato nella storia dell”arte moderna come un importante pittore e disegnatore, e alcuni artisti hanno fatto riferimento alla sua opera dalla seconda metà del XX secolo.

Oltre alle testimonianze oculari, agli archivi delle gallerie, ai documenti familiari e amministrativi, la breve vita di Egon Schiele è conosciuta anche attraverso i suoi stessi scritti: varie note e frammenti autobiografici scritti in prosa poetica, a cui si aggiungono numerose lettere ad amici, amanti, collezionisti e acquirenti, forniscono informazioni sulla sua psicologia, sulla sua vita e talvolta sulla sua opera o sulle sue concezioni estetiche. Quanto al Diario della prigione pubblicato nel 1922, scritto dal suo fervente difensore Arthur Roessler, ha contribuito a fondare il mito dell”artista incompreso e vittima delle rigidità del suo tempo.

Infanzia e istruzione (1890-1909)

Egon Leo Adolf Ludwig Schiele nacque il 12 giugno 1890 nell”ufficio di suo padre, capostazione a Tulln, sulle rive del Danubio, una trentina di chilometri a monte di Vienna. Unico figlio sopravvissuto di Adolf Schiele (1850-1905) e Marie née Soukup (1862-1935), aveva due sorelle maggiori, Elvira (1883-1893) e Melanie (1886-1974), ma preferì la sorella minore, Gertrude detta Gerti (1894-1981). La sua infanzia fu sconvolta dagli insuccessi scolastici e dalle crisi di un padre probabilmente sifilitico, finché, deludendo le ambizioni della sua famiglia ma realizzando una vocazione molto precoce, andò a formarsi come pittore nella capitale.

La famiglia Schiele è strettamente legata al mondo delle ferrovie e spera che il suo unico discendente maschio vi faccia carriera.

Egon Schiele proveniva da “un ambiente esemplare nell”impero austro-ungarico in declino: cattolico, conformista e devoto allo stato”. Il nonno Karl Schiele (1817-1862), ingegnere e architetto tedesco, costruì la linea ferroviaria da Praga alla Baviera, e Leopold Czihaczek (1842-1929), marito di una delle sorelle di Adolf, era un ispettore ferroviario. Il nonno materno Johann Soukup, di origine rurale, lavorava su una linea ferroviaria nella Boemia meridionale e si dice che fosse un promotore immobiliare: fu a Krumau (oggi Český Krumlov) che Adolf Schiele incontrò sua figlia Marie, che divenne sua moglie, intorno al 1880. La giovane coppia aveva una modesta fortuna in azioni della compagnia ferroviaria statale austriaca, oltre alla vantaggiosa posizione di un lavoro nel servizio civile di questo paese burocratico.

Il bel Adolf amava indossare la sua uniforme di gala o portare la sua famiglia a fare un giro in carrozza – suo figlio ha ereditato la sua inclinazione a spendere soldi. All”inizio del secolo, Tulln an der Donau era un importante nodo ferroviario e, in assenza di altre distrazioni, il bambino sviluppò la passione per i treni: giocava con la locomotiva, allestiva circuiti per i suoi vagoni in miniatura e, a partire dai dieci anni, sulla base degli schizzi del padre, disegnava con notevole precisione stazioni, passeggeri o convogli – da adulto, giocava ancora con i treni o ne imitava i vari suoni. Suo padre lo immaginava come un ingegnere in questo campo ed era irritato dalla sua predilezione per il disegno – che diceva risalire a quando aveva diciotto mesi – finché un giorno bruciò uno dei suoi quaderni.

Dopo la scuola elementare, dato che Tulln non aveva una scuola secondaria, Egon andò nel 1901 a Krems an der Donau, dove gli piacque più il giardino della sua padrona di casa che la disciplina della scuola. L”anno seguente andò al Gymnasium di Klosterneuburg, dove suo padre era andato in pensione anticipata per motivi di salute. Egon rimase molto indietro negli studi, si ritirò e perse le lezioni. Decisamente disgustato dalla scuola, riuscì solo nel disegno, nella calligrafia e, nonostante la sua fragile costituzione, nell”educazione fisica.

Anche se lo colpì profondamente, la morte di suo padre permise in qualche modo a Schiele di realizzare la sua vocazione.

L”atmosfera familiare soffriva dei problemi mentali del padre. Come molti borghesi del suo tempo, Adolf Schiele contrasse una malattia venerea prima del suo matrimonio, probabilmente la sifilide, il che può spiegare perché la coppia perse due bambini e perché Elvira morì di encefalite a dieci anni. In pochi anni passò da innocue fobie o manie, come conversare a tavola con ospiti immaginari, a imprevedibili scatti d”ira: si dice che abbia gettato nel fuoco i titoli di borsa che completavano la sua pensione. Morì di paralisi generale il 1° gennaio 1905, all”età di 55 anni.

Egon sembra aver avuto un rapporto molto forte con suo padre. Questa morte fu “la prima e più grande tragedia della sua vita” e, anche se non è sicuro che questo padre idealizzato avrebbe approvato i suoi piani di diventare un pittore, egli “nutrirà sempre sentimenti di affettuosa devozione” per lui. I suoi primissimi autoritratti, come un dandy un po” presuntuoso, sono forse un modo narcisistico di compensare la perdita di suo padre, il cui posto sostiene di aver preso come “uomo di casa”.

L”adolescente trova conforto nella compagnia delle sue due sorelle e nella natura, dove disegna e dipinge alcuni guazzi luminosi, piuttosto che con sua madre, che considera fredda e distante. Da quando è rimasta vedova, Marie Schiele è diventata imbarazzata e dipendente dal suo entourage maschile, specialmente da Leopold Czihaczek, il tutore del ragazzo. Egon, che si aspetta da lei immensi sacrifici, le è difficilmente grato per aver finalmente sostenuto la sua vocazione: le rimprovera sempre di non capire la sua arte, mentre lei non gli perdona di dedicarsi ad essa egoisticamente senza preoccuparsi molto di lei, e il loro rapporto conflittuale dà luogo a rappresentazioni ambivalenti della maternità.

Al ginnasio di Klosterneuburg, Egon fu fortemente incoraggiato dal suo insegnante d”arte, Ludwig Karl Strauch, diplomato all”accademia d”arte e appassionato viaggiatore, che gli fornì un”apertura intellettuale e sviluppò per lui esercizi graduati. Ha unito le forze con un canonico critico d”arte e il pittore Max Kahrer per convincere la signora Schiele e suo cognato a non aspettare che Egon fosse espulso dalla scuola. Un”educazione “utile” fu presa in considerazione prima con un fotografo a Vienna, poi alla Scuola di Arti Applicate, che raccomandò l”Accademia di Belle Arti per l”artista in erba. Nell”ottobre del 1906, essendo stata accettata la sua domanda, Egon superò con successo le prove pratiche dell”esame di ammissione, per le quali nemmeno Strauch lo riteneva maturo: i suoi disegni perfettamente realistici impressionarono la giuria e divenne lo studente più giovane della sua divisione.

Durante i suoi tre anni alla scuola d”arte, Schiele fu istruito rigorosamente e conservativamente senza piacere.

All”inizio viveva nell”elegante appartamento dello zio Leopold, che ora gli faceva da modello e lo portava in campagna o al Burgtheater. Il giovane continuò a pranzare a casa quando sua madre si trasferì a Vienna e poi quando affittò uno studio malandato vicino al Prater, Kurzbauergasse 6. La sua povertà ostacolava il suo desiderio di eleganza: raccontava che non solo doveva fumare la sigaretta, ma anche fare false ciotole di carta e sistemare, impagliare e consumare i vecchi vestiti, i cappelli e le scarpe dello zio che erano troppo grandi per lui. In questa città non gli piaceva, era deluso tanto dai suoi studi quanto dalla routine “borghese”. Dipingeva molto fuori dall”aula, più provocatorio nella scelta dei soggetti (una donna che fuma, per esempio) che nel suo stile post-impressionista. Durante un soggiorno a Trieste, che rafforzò ulteriormente il loro affetto reciproco, la sua sorellina Gerti accettò di posare nuda per lui di nascosto dalla loro madre.

Immutato per un secolo, l”insegnamento all”Accademia di Belle Arti di Vienna consisteva nel primo anno in un apprendistato molto progressivo nel disegno (da gessi antichi, poi dal vero, nudi, poi ritratti, modelli maschili, poi modelli femminili, studio del panneggio, poi composizione) e sotto vincoli: matita senza colore, gesso senza matita, lumeggiature ottenute dal bianco della carta, tempo limitato, ecc. Gli studi che si sono conservati attestano i progressi – l”anatomia umana – ma anche la demotivazione del giovane Schiele: “i suoi ritratti accademici sono stranamente privi di emozione, ed è quasi doloroso vedere la fatica che ha fatto per realizzarli”, osserva la storica dell”arte Jane Kallir, la maggiore specialista della sua opera. Ottiene solo valutazioni “passabili”.

Nell”autunno del 1907, lo studente si dedica alla teoria dei colori e alla chimica, ma il suo lavoro pittorico, che forse ha parzialmente distrutto, è più difficile da seguire: i suoi dipinti a olio su cartone con l”impasto tipico dello Stimmungsimpressionnismus (“impressionismo dell”umore”, pittura di motivi austriaca di prima del 1900) non esprimono molto della sua personalità in ogni caso. L”anno seguente passò sotto l”autorità del ritrattista e storico Christian Griepenkerl, direttore della scuola e strenuo difensore del classicismo.

Il maestro prese subito in antipatia questo studente ribelle, anche se con riluttanza riconobbe il suo talento, che aveva contribuito a consolidare e che era anche influenzato dal movimento artistico Jugendstil dominante. Anche se Schiele si obbligava a mandare un disegno al giorno all”accademia – un requisito minimo che era molto più basso del suo tasso di produzione – raramente andava più all”accademia, tranne che per ottenere modelli gratuiti. Si mise a capo di un movimento di protesta e poi, dopo essersi laureato dopo un mediocre esame finale, se ne andò tra aprile e giugno 1909. Da questa soffocante camicia di forza accademica, Egon Schiele emerse tuttavia con “una tecnica che seppe trasformare in uno strumento d”invenzione”.

Dalla Secessione all”Espressionismo (1908-1912)

Al volgere del 20° secolo, l”Austria-Ungheria era bloccata nelle sue debolezze. Un monarca anziano, forze conservatrici, un boom economico ma un proletariato miserabile, una pluralità culturale in conflitto con il nazionalismo: questa era la “Cacania” di Robert Musil, il cui vuoto morale fu denunciato anche da Karl Kraus e Hermann Broch. La capitale stava tuttavia vivendo un periodo d”oro: senza contestazioni politiche o sociali e con il favore della classe dominante, il fermento intellettuale e artistico di Vienna ne fece un centro di modernità che rivaleggiava con Parigi, dove Schiele iniziò un percorso molto personale.

Per il giovane pittore, scoprire l”opera di Gustav Klimt, il movimento della Secessione viennese e l”arte moderna europea fu un passo essenziale, ma che presto sarebbe finito.

Alla fine del secolo, l”imponente Vienna del Ring, segnata dall”arte pomposa di Hans Makart, vide implodere le sue abitudini estetiche, così come alcune delle sue cornici di pensiero (Sigmund Freud, Ludwig Wittgenstein). Gustav Klimt (1862-1918), che inizialmente lavorò all”ombra di Makart decorando il Museo di Storia dell”Arte e il Burgtheater, nel 1897 fondò un movimento ispirato alla Secessione di Monaco con pittori (Carl Moll), architetti (Josef Maria Olbrich, Josef Hoffmann) e decoratori (Koloman Moser).

Il Palazzo della Secessione fu costruito l”anno seguente per combattere l”arte ufficiale o commerciale, per far conoscere l”impressionismo e il postimpressionismo, per aprire l”arte alle masse e per promuovere i giovani talenti, spesso delle arti applicate. In linea con il concetto di opera d”arte totale, l”obiettivo era quello di riconciliare l”arte con la vita riducendo il divario tra essa e le arti minori, o anche i mestieri. Nel 1903, la Wiener Werkstätte fu creata sul modello dell”Arts and Crafts inglese, un”officina altamente produttiva che privilegiava la stilizzazione decorativa e i motivi geometrici, astratti o privi di prospettiva: Klimt, ad esempio, disegnò mosaici per il Palais Stoclet di Bruxelles, e vi rimase fedele anche dopo aver lasciato la Secessione nel 1905.

Non è impossibile che Schiele, ammiratore dello “stile piatto e lineare” di Klimt, abbia ricevuto il suo incoraggiamento già nel 1907. Sicuramente lo incontrò alla gigantesca Kunstschau del 1908, un”esposizione internazionale d”arte dove i sedici dipinti del maestro furono per lui un”illuminazione, mentre quelli di Oskar Kokoschka lo colpirono con la loro violenza iconoclasta.

In ogni caso, a partire dal 1909, Schiele si appropria dello stile di Klimt trasformandolo: i suoi ritratti conservano la loro piattezza e alcuni elementi decorativi, ma gli sfondi diventano vuoti. La sua attività grafica si intensificò indipendentemente dai dipinti; disegnò mappe, vestiti e abiti da uomo per la Werkstätte, e si dice che abbia collaborato con Kokoschka alla decorazione del cabaret Fledermaus.

Sfidando il divieto per gli studenti di esporre al di fuori dell”accademia, l”autoproclamato “Klimt d”argento” prese parte alla Kunstschau del 1909, l”ultimo grande evento dell”avanguardia viennese, dove il pubblico poteva vedere dipinti di Gauguin, Van Gogh, Munch, Vallotton, Bonnard, Matisse e Vlaminck. Insieme ad ex allievi di Griepenkerl – tra cui Anton Faistauer e soprattutto Anton Peschka, il suo migliore amico – fondò il Neukunstgruppe, il “Gruppo Art Nouveau”, che in dicembre espose collettivamente in una galleria: Arthur Roessler, critico d”arte di un giornale socialdemocratico, scoprì Schiele con entusiasmo e presto lo presentò a collezionisti come Carl Reininghaus, un industriale, Oskar Reichel, un medico, e Eduard Kosmak, un editore d”arte.

In pochi mesi, alla fine del 1909, Egon Schiele si ritrovò e dichiarò, cosa che non gli impedì di venerarlo per tutta la vita: “Ho chiuso il cerchio con Klimt. Oggi posso dire che non ho più niente a che fare con lui.

Egon Schiele afferma le sue tendenze espressioniste così come il suo egocentrismo esagerato.

Dalla primavera del 1910 prese le distanze dal Neukunstgruppe, di cui aveva redatto il manifesto e che rivendicava l”autonomia dell”artista: “L”arte rimane sempre la stessa, non esiste un”arte nuova. Ci sono nuovi artisti, ma molto pochi. Il nuovo artista è e deve essere se stesso, deve essere un creatore e deve, senza intermediari, senza utilizzare l”eredità del passato, costruire le sue basi assolutamente da solo. Solo allora è un nuovo artista. Che ognuno di noi sia se stesso. Si vede come un profeta investito di una missione, l”artista ha per lui il dono della preveggenza: “Sono diventato un veggente”, scrive con accenti rimbaldiani.

Quest”anno fu una svolta decisiva per Schiele: abbandonò ogni riferimento a Klimt e, soprattutto sotto l”influenza del suo amico Max Oppenheimer, si orientò verso l”espressionismo emergente. La pittura ad olio rimase il suo obiettivo, ma disegnò molto, sia schizzi preparatori che opere complete, e affinò la sua tecnica dell”acquerello. Caso raro nella storia dell”arte, Egon Schiele, avendo già acquisito un estremo virtuosismo, esprime nel momento in cui li sperimenta tormenti adolescenziali come i conflitti con il mondo adulto, l”angoscia per la vita, la sessualità e la morte. Molto incline all”introspezione, ricompose il mondo e l”arte dall”interno di se stesso, il suo corpo e quello dei suoi modelli diventando un campo di studio al limite della patologia.

Jane Kallir si riferisce al numero di autoritratti di questo periodo come “onanismo pittorico”. Questo “osservatore maniacale della propria persona: in alcuni quadri si divide, in altri dipinge solo il viso, le mani, le gambe o gli arti amputati, in altri ancora è completamente eretto. I suoi autoritratti nudi sembrano registrare i suoi impulsi alla maniera di un sismografo, persino l”esibizionismo, gli sforzi per incanalare i suoi demoni erotici in una società repressiva: ma, come nelle sue lettere e poesie esoteriche, la sua preoccupazione principale sarebbe l”esperienza del suo sé, la sua spiritualità, il suo essere nel mondo.

La stessa tensione tormentata si trova nei nudi, il cui ermafroditismo (volti poco differenziati, peni gracili, vulve gonfie) potrebbe riflettere l”ambivalenza sessuale dell”artista. Inizia un”esplorazione ossessiva dei corpi che lo porta ad esigere posture quasi acrobatiche dai suoi modelli. Ha relazioni con alcune delle donne che posano per lui e un”altra modella testimonierà che, a parte l”esibizione delle parti intime, posare per lui non era divertente perché “non pensava ad altro”. Il suo sguardo è affascinato e terrorizzato dalla sua scoperta delle donne e di una sessualità che è costata la vita a suo padre, o è freddo come un bisturi? In ogni caso, si sa che poteva vedere e disegnare liberamente pazienti incinte e neonati in una clinica ginecologica, con l”approvazione del suo direttore.

I suoi ritratti di bambini di strada sono più naturali. L”uomo che si definisce un “eterno bambino” ha un modo facile con loro e convince facilmente le ragazze dei quartieri più poveri di Vienna a posare nude per lui, dove la prostituzione infantile, “legittimata” dall”età del consenso a 14 anni, è comune. Per i suoi primi ritratti su commissione, invece, con la loro aria di marionette allucinate, “solo le persone vicine a lui potevano accettare queste immagini, che sono tanto loro quanto quelle della psiche del pittore: alcune le rifiutavano, come Reichel o Kosmak.

Nonostante l”intenso lavoro, questi furono anni di magra. Leopold Czihaczek rinunciò alla sua tutela e al suo sostegno finanziario nel 1910, ma suo nipote spendeva molto denaro per i suoi vestiti e le sue attività di svago, come il cinema, così come per la sua arte. La struttura del mecenatismo in un paese dove non c”erano mercanti d”arte rendeva anche difficile costruire una clientela al di fuori dei collezionisti – Heinrich Benesch, per esempio, un ispettore ferroviario che era stato un ammiratore di Schiele dal 1908, aveva pochi soldi. Questo può anche aver spinto Schiele verso i disegni e gli acquerelli: si vendono più facilmente. In ogni caso, nell”aprile-maggio 1911, il pubblico viennese, ancora sensibile alle seduzioni decorative dei secessionisti, rifiutò la sua prima mostra personale alla rinomata galleria Miethke.

Fuggendo da Vienna per la campagna senza abbandonare la sua abitudine di mettere in posa i bambini, Schiele si mette nei guai.

Nella primavera del 1910 confida ad Anton Peschka la sua nostalgia della natura e il suo disgusto per la capitale: “Com”è odioso tutto qui. Tutte le persone sono gelose e false. Tutto è losco, la città è nera, tutto è solo un trucco e una formula. Voglio essere solo. Voglio andare nella foresta boema.

Lo fa passando l”estate a Krumau, la città natale di sua madre su un”ansa della Moldavia. Con Peschka e un nuovo amico, Erwin Osen – un artista visivo e mimo che sembra voler approfittare del suo candore – progetta addirittura di fondare una piccola colonia di artisti. Le eccentricità del gruppo – il vestito bianco e il melone nero di Egon, per esempio – fecero scalpore, soprattutto perché uno studente liceale diciottenne, Willy Lidl, che appariva con loro, era probabilmente l”amante di Schiele. Dopo un inverno a Meidling, Schiele torna comunque a Krumau per stabilirsi.

Ha intrapreso allegorie sul tema della madre (incinta, cieca, morta) e paesaggi urbani che emanano un”atmosfera soffocante e inquietante. Tuttavia, nella casa che affittò sulla collina vicino al fiume, Schiele sperimentò per la prima volta nella sua vita una felicità non mescolata: viveva con il discreto diciassettenne Wally Neuzil, probabilmente un ex modello di Klimt; Willy forse non era ancora stato rimpatriato a Linz dalla sua famiglia; e c”era un flusso costante di “un”intera fauna di amici” oltre ai bambini del quartiere.

Tuttavia, l”unione libera era molto disapprovata, Egon e Wally, che non andavano a messa, erano sospettati di essere agitatori “rossi”, e il villaggio venne a sapere che i suoi bambini posavano per il pittore. Alla fine di luglio, sorpreso a disegnare una ragazza nuda nel suo giardino, Schiele dovette fuggire dallo scandalo. Un mese dopo si trasferì a Neulengbach, ma non cambiò il suo stile di vita, credendo che un artista non dovesse preoccuparsi di quello che la gente poteva dire o del fatto che una città di provincia non offriva l”anonimato di una capitale. Le voci erano ancora una volta diffuse e nell”aprile del 1912 scoppiò una seconda relazione.

Tatjana von Mossig, la figlia tredicenne di un ufficiale di marina, si è innamorata di Egon e scappa di casa in una notte di tempesta. La coppia imbarazzata la ospita per la notte e Wally la porta a Vienna il giorno dopo. Quando sono tornati, il padre di Tatjana aveva già presentato una denuncia per stupro statutario. Durante l”indagine sono stati sequestrati circa 125 nudi, uno dei quali è stato appuntato al muro, e il pittore è stato messo in custodia nella prigione di Sankt Pölten. Vi trascorse circa tre settimane, esprimendo la sua angoscia attraverso la scrittura e il disegno: gridò all”assassinio dell”arte e dell”artista, ma si rese conto che avrebbe dovuto chiedere il consenso dei loro genitori prima di fare questi disegni di bambini appena in pubertà, che lui stesso definì “erotici” e destinati a un pubblico particolare.

Egon Schiele è comparso il 17 maggio con tre accuse: rapimento di un minore, incitamento alla dissolutezza e aggressione indecente. Solo l”ultimo è stato infine mantenuto, il problema non era quello di determinare se le sue opere erano arte o semplice pornografia, ma che i minori avevano potuto vederle: l”artista è stato condannato a tre giorni di prigione oltre al periodo preventivo. I suoi amici furono contenti di questa breve condanna rispetto ai sei mesi che doveva affrontare, ma Arthur Roessler si costruì una reputazione di artista martire basata sui ricordi della sua cella e sul fatto che il giudice aveva simbolicamente bruciato uno dei suoi disegni in aula.

Sebbene abbia potuto misurare la lealtà di Roessler, Benesch o Wally durante questa prova, Schiele ne fu molto scosso. Lui che l”aveva sempre apprezzato, viaggiò durante l”estate del 1912 (Costanza, Trieste). Tornato a Vienna, affittò uno studio in Hietzinger Hauptstrasse 101, che non lasciò mai e che decorò come sempre in una sobria estetica “Wiener Werkstätte”: mobili dipinti di nero, tessuti colorati, giocattoli e oggetti popolari, senza dimenticare l”accessorio essenziale della sua pittura, il suo grande specchio in piedi. Ora sogna un nuovo inizio.

Maturità (1912-1918)

Il successo di Schiele cresce a partire dal 1912 e partecipa a mostre in Austria e all”estero. La prima guerra mondiale non interruppe la sua attività, ma la sua produzione, più ricca di dipinti, fluttuò secondo i suoi distacchi dietro il fronte. Inoltre, meno ribelle che penetrato dalla sua missione creativa, ha integrato certe norme sociali, come dimostra un improvviso matrimonio “piccolo-borghese”. L”influenza spagnola lo portò via proprio quando stava iniziando a giocare un ruolo chiave nella prossima generazione dell”arte viennese.

Il dramma di Neulengbach non solo suscitò il disprezzo di Schiele per la “Cacania”, ma gli diede anche uno shock salutare.

Il pittore si sta lentamente riprendendo dalla sua esperienza carceraria ed esprime la sua rivolta contro l”ordine morale attraverso autoritratti in forma di scorticato. Cardinale e suora (Carezza), che parodizza Il bacio di Gustav Klimt ed è allo stesso tempo simbolico e satirico, risale al 1912. In esso Schiele si ritrae come un alto sacerdote dell”arte, accompagnato nella sua ricerca da Wally, e nel processo si prende gioco del cattolicesimo che pesa sull”Austria-Ungheria.

L”affare Neulengbach rafforzò l”unione di Schiele con Wally, anche se lui insistette sulla sua libertà e le fece tenere la sua casa e dichiarare per iscritto che non lo amava. La dipingeva spesso, apparentemente più teneramente della sua successiva moglie. Lo scandalo non ha aiutato il suo rapporto con la madre, ma i loro scambi, in cui lui fa ancora il capofamiglia, danno informazioni su di lei: Melanie vive con una donna, Gerti e Anton Peschka vogliono sposarsi – cosa che Egon accetta così male che cerca di separarli – e Marie sembra che suo figlio non sia consapevole del suo genio. “Senza dubbio sto diventando il più grande, il più bello, il più raro, il più puro e il più compiuto dei frutti che lasceranno gli esseri viventi eterni; quanto grande deve essere la tua gioia per avermi generato”, le scrive in uno slancio di esaltazione che rivela una ingenua vanità. Gli piace ancora mettere in scena se stesso, facendo smorfie davanti al suo specchio o all”obiettivo del suo amico fotografo Anton Josef Trčka.

Anche se temeva di perdere la sua “visione”, cioè l”atteggiamento introspettivo che aveva permeato finora la sua opera, Schiele ammise gradualmente che per la sua stessa missione artistica doveva abbandonare quello che Jane Kallir chiamava il suo solipsismo e prendere in considerazione la sensibilità del pubblico: smise di disegnare bambini, attenuò l”audacia dei suoi nudi e riprese la sua ricerca allegorica. Senza trascurare il suo lavoro su carta, trasferì i suoi motivi alla pittura a olio, mentre il suo stile diventava meno acuto: i suoi paesaggi diventavano più colorati, le sue modelle più mature, più robuste, più modellate.

La sua prigionia gli valse una certa pubblicità e incontrò altri collezionisti: Franz Hauer, proprietario di una fabbrica di birra, l”industriale August Lederer e suo figlio Erich, che divenne un amico, e l”amante dell”arte Heinrich Böhler, che prese lezioni di disegno e pittura da lui. L”interesse per il suo lavoro crebbe a Vienna e, in misura minore, in Germania: presente dal 1912 alla galleria Hans Goltz di Monaco insieme agli artisti del Cavaliere Blu, poi a Colonia per una manifestazione del Sonderbund, inviò le sue opere in varie città tedesche, ma la sua mostra nell”estate del 1913 da Goltz fu un fiasco. L”inizio della guerra non influenzò la sua attività e alcune delle sue opere furono esposte a Roma, Bruxelles e Parigi.

I suoi problemi di denaro derivavano tanto dalla propria disattenzione quanto dal conservatorismo pubblico: considerando che vivere al di sopra delle proprie possibilità era tipicamente austriaco, a volte ridotto a cucire insieme pezzi di stoffa, minacciato di sfratto, era capace di litigare con un acquirente riluttante: “Quando si ama, non si conta!” All”inizio del 1914, aveva 2.500 corone di debiti (il reddito annuale di una famiglia modesta) e stava considerando un lavoro come insegnante o cartografo. Sfuggito alla mobilitazione in luglio a causa di un cuore debole e sollecitato da Roessler perché più redditizio, si dedica alla puntasecca, “l”unica tecnica d”incisione onesta e artistica” secondo lui: dopo due mesi la padroneggia perfettamente ma la abbandona, preferendo utilizzare il suo tempo per la pittura e il disegno.

Almeno ha venduto le sue poche stampe e disegni. Riceve commissioni grazie a Klimt, corrisponde con la rivista Die Aktion e può scrivere a sua madre: “Ho l”impressione che finalmente lascerò questa esistenza precaria.

Egon Schiele visse un periodo meno produttivo quando dovette adattarsi alla sua condizione di uomo sposato e di soldato.

Stava già pensando a un “matrimonio di convenienza” nell”autunno del 1914, quando cercò di attirare l”attenzione dei suoi vicini di fronte con i suoi scherzi? Il 10 dicembre scrisse alle sorelle Harms, Adele (Ada) la bruna e Edith la bionda, invitandole al cinema, con Wally Neuzil come accompagnatore. Alla fine optò per quest”ultima, la sua figlia più giovane di tre anni, e riuscì a convincere suo padre, un ex meccanico che era diventato un piccolo proprietario terriero e che aveva dato alle sue figlie un”educazione borghese e vedeva ogni artista come un bohemien immorale. L”unione fu celebrata il 17 giugno 1915 secondo la fede protestante degli Harms, in assenza di Marie Schiele e in modo affrettato perché Egon, che era stato giudicato idoneo al servizio disarmato, doveva tornare alla sua guarnigione a Praga il 21.

Vide un”ultima volta Wally, che aveva rifiutato la sua proposta di passare un anno di vacanza insieme. Dipinse allora una grande tela allegorica di cui erano i modelli e che ribattezzò Morte e fanciulla nel 1917, quando seppe che lei era morta di scarlattina sul fronte balcanico mentre serviva nella Croce Rossa.

Egon e Edith vanno a Praga in luna di miele, dove lui viene arruolato in condizioni difficili in un reggimento di contadini cechi. Si trasferisce all”Hotel Paris, ma possono parlare tra loro solo attraverso una grata. Egon trovò questi primi tempi ancora più difficili perché non era molto politico, ma era anti-nazionalista e invidioso dei paesi liberali, ed era uno dei pochi artisti austriaci che non sosteneva l”entrata nel conflitto o lo sforzo bellico. È stato addestrato a Neuhaus e ha trascorso la sua licenza nell”hotel con Edith. Edith, tuttavia, impreparata per una vita indipendente, flirta con un vecchio amico e poi con un sottufficiale: Egon si dimostra estremamente geloso e possessivo, soprattutto perché la trova meno devota di Wally. Lei, anche se è imbarazzata a posare per lui perché dopo deve vendere i disegni, vorrebbe proibirgli di avere altre modelle.

Il loro rapporto è migliorato quando è tornato in agosto vicino alla capitale. Nel maggio 1916 fu inviato al campo russo per prigionieri di guerra di Mühling, a nord di Vienna, e fu promosso caporale. Un tenente gli fornì uno studio e lui affittò una cascina con Edith, ma lei era isolata e annoiata: ognuno di loro si chiuse in se stesso, la loro intesa probabilmente non era abbastanza profonda – il quadro Coppia seduta, che li ritrae entrambi in questo periodo, sembra quindi riflettere non tanto l”ebbrezza dell”amore quanto una sorta di angoscia condivisa.

A parte i disegni – qualche nudo, ufficiali russi, paesaggi – Schiele dipinse solo una ventina di quadri in due anni, in particolare ritratti del suocero, che gli piaceva, e di Edith, che aveva difficoltà ad animare: spesso sembrava una bambola ben educata. Le opportunità di esporre divennero scarse in tempo di guerra. Il 31 dicembre 1914 fu inaugurata una mostra personale alla Galleria Arnot di Vienna, per la quale Schiele disegnò il manifesto, un autoritratto di San Sebastiano trafitto da frecce. Partecipò poi alle manifestazioni organizzate dalla Secessione di Vienna e a quelle di Berlino, Monaco e Dresda. Il suo periodo di rivolta e di costante ricerca formale è terminato.

Inviato a Vienna, Schiele tornò ad un”intensa attività artistica e guadagnò una certa notorietà, almeno nel mondo di lingua tedesca.

Nel gennaio 1917, fu assegnato al quartier generale dell”amministrazione militare nel distretto centrale di Mariahilf. Un superiore benevolo gli affidò il compito di disegnare gli uffici e i magazzini di rifornimento del paese per una relazione illustrata: passò in Tirolo. Il suo ritorno al suo studio a Hietzing e il tempo libero che ha avuto dall”esercito lo hanno galvanizzato: “Voglio ricominciare tutto da capo. Mi sembra che finora ho allenato solo le mie armi”, scrisse ad Anton Peschka, che nel frattempo aveva sposato Gerti ed aveva un figlio.

Schiele tornò a disegnare nudi con posture sconcertanti o coppie lesbiche, in uno stile più naturalistico e libero dai suoi sentimenti personali. Riprende a dipingere paesaggi e ritratti, e continua i suoi progetti di composizioni allegoriche monumentali in piccolo formato, che non vendono bene. L”anno 1917 fu uno dei più produttivi della sua carriera. Subentrando ad Anton Faistauer come capo del Neukunstgruppe, ebbe l”idea di una Kunsthalle, una vasta galleria d”arte che sarebbe stata un luogo di incontro per il pubblico per promuovere i giovani artisti e aumentare il profilo della cultura austriaca: sostenuto da Klimt, Josef Hoffmann e Arnold Schönberg, il progetto fu abortito per mancanza di fondi.

Schiele posò di nuovo i suoi amici e familiari, così come Adele Harms, che assomigliava a sua sorella al punto che i loro ritratti divennero una cosa sola, ma che non era affatto prudente – affermò di aver avuto una relazione con suo cognato. Lui dipinge Edith sempre meno, lei è ingrassata e si lamenta nel suo diario di essere trascurata: “Sicuramente mi ama a modo suo…”. Non può più impedire che il suo studio sia invaso, come quello di Klimt, da “un harem di modelle”, “sulle quali aleggia l”ombra gelosa di”. Egon Schiele diventa un ritrattista di uomini. Il Ritratto della moglie dell”artista seduto fu acquistato dalla futura Galleria Belvedere: questa commissione ufficiale – l”unica durante la sua vita – lo obbligò anche a coprire i quadretti colorati della gonna con il grigio-marrone.

Nel febbraio 1918, Schiele dipinse un ritratto funebre di Gustav Klimt e pubblicò il suo elogio in una rivista. A marzo, la 49esima mostra della Secessione di Vienna fu una consacrazione: occupando la sala centrale con 19 dipinti e 29 opere su carta, fece il tutto esaurito, aprì una lista d”attesa e fu acclamato da una parte della stampa specializzata internazionale. In aprile, fu trasferito al Museo dell”Esercito per allestire mostre, e durante l”ultimo anno di guerra dovette soffrire solo per il razionamento.

Richiesto da tutte le parti (ritratti, illustrazioni, scenografie teatrali), registra nel suo taccuino circa 120 sedute di posa. Le sue entrate aumentarono a tal punto che acquistò opere di altri artisti e in luglio affittò un grande studio in Wattmanngasse 6, non lontano da quello precedente, che rimase il suo appartamento. Soprattutto, sembrava essere l”erede naturale di Klimt e il nuovo leader e difensore degli artisti austriaci: sul manifesto della mostra, si era raffigurato mentre presiedeva una delle loro riunioni di fronte alla sedia vuota del maestro defunto.

Egon Schiele e sua moglie, incinta da aprile e il cui diario riecheggia una solitudine ormai accettata, vivono in sfere diverse; lui la tradisce mentre la accudisce e la manda in Ungheria per un riposo estivo. Il quadro Coppia accovacciata – esposto a marzo e ribattezzato La famiglia dopo la morte del pittore – non esprime un desiderio o un rifiuto della paternità, ma piuttosto una visione pessimistica della condizione umana, attraverso l”assenza di comunicazione tra i personaggi: è tuttavia “diventato il simbolo della vita folgorante e tragica di Schiele”.

Alla fine di ottobre 1918, Edith contrasse l”influenza spagnola, che era diventata pandemica. Il 27 Schiele fece un ultimo disegno di lei e lei gli scarabocchiò un messaggio d”amore folle; morì la mattina del 28 con il bambino che portava in grembo. Il giorno dopo, Peschka scopre il suo amico già malato e tremante nel suo studio, e lo porta a casa degli Harms, dove la suocera fa la guardia. La sera del 30, Egon riceve per l”ultima volta la visita della madre e della sorella maggiore. Morì il 31 ottobre 1918 alle 13 e fu sepolto il 3 novembre accanto alla moglie nel cimitero viennese di Ober-Sankt-Veit.

Nell”apprendere sul letto di morte dell”imminente armistizio, si dice che Egon Schiele abbia sussurrato: “La guerra è finita e devo andarmene”. Le mie opere saranno esposte nei musei di tutto il mondo.

I 300 dipinti di Egon Schiele, frutto di un lungo periodo di lavoro, e le sue 3.000 opere su carta, prontamente eseguite, sono tutte intrise delle stesse ossessioni, e trattate con un”intensità grafica che trascende la classificazione per genere. La singolarità assoluta dell”artista austriaco – che rimane decisamente ai margini delle tendenze del suo tempo – sta nel modo in cui sconvolge la rappresentazione del corpo, carico di tensione come di erotismo o torturato fino alla bruttezza. Riflettendo un disincanto sociale e una crisi del soggetto all”inizio del XX secolo, quest”opera, piena di angoscia intima, mira anche all”universalità.

Tra art nouveau e espressionismo

Dopo una fervente adesione all”eleganza dell”Art Nouveau, Schiele si orienta verso il nascente espressionismo. Da allora in poi si dibatte tra questi due poli, spogliandosi dei dispositivi estetici per estrarre i mezzi per esprimere la sua cruda sensibilità, senza smettere – cosa che lo distingue da un Kirchner o un Grosz – di vedere la linea come un elemento fondamentale di armonizzazione.

Indifferente alle teorie e ai movimenti artistici, Schiele prese in prestito solo da Gustav Klimt.

La sua opera non porta traccia del curriculum tradizionalista dell”Accademia di Belle Arti di Vienna: nell”inverno del 1907-1908 abbandona la prospettiva classica e certi dettagli formali. Anche se non soggiornò a Parigi, la patria delle avanguardie europee, conosceva Gustave Courbet, l”impressionismo di Manet e Renoir, che si riflette nei suoi primi paesaggi, e il post-impressionismo, che è evidente nelle sue vedute di Trieste, dalle mostre al Palazzo della Secessione e dalle collezioni private: Più che Cézanne o Gauguin, sarebbero stati Van Gogh – la Camera di Neulengbach evoca così la Camera di Van Gogh ad Arles -, Edvard Munch e lo scultore George Minne che avrebbero avuto il maggiore impatto su di lui.

Immerso nell”influenza dello Jugendstil, Schiele prende inizialmente in prestito dall”Art Nouveau “commerciale” (manifesti, illustrazioni), e anche da Toulouse-Lautrec, con contorni semplici, tinte piatte di colore e una bidimensionalità in cui il primo piano e lo sfondo si fondono. Volendo sottolineare la superficie pittorica e l”estetismo della linea, si ispirò allora alle composizioni di Gustav Klimt, la cui arte sarebbe, secondo Serge Lemoine, una “esagerazione violenta e manierata”. Una figura meno erotica, proiettata in uno spazio più aperto ma ostile: la sua Danae si allontana già da quella di Klimt.

La Kunstschau del 1908 – che contribuì all”avvento dell”espressionismo – rivelò l”esaurimento della tendenza decorativa e la necessità di una pittura più evocativa. Sfruttando la tensione tra l”aspetto decorativo e la profondità umana, Schiele si allontana rapidamente dalla stilizzazione e inverte la tendenza del suo mentore: lungi dal saturare gli sfondi in quella sorta di “horror vacui” centrale per Klimt, egli scaccia quasi tutti i motivi per dare il primato all”umano. Meno radicalmente di Oskar Kokoschka, tuttavia, Schiele abbandonò l”Art Nouveau intorno al 1909 per concentrarsi sulla fisionomia e i gesti del modello.

Intorno al 1910 la sua linea divenne più spigolosa, con pause espressive, e la sua tavolozza più scura, persino irrealistica: spogliazione, disarticolazione al limite della caricatura, evidenziando il somatico caratterizzano i suoi nudi e autoritratti. Cercando soprattutto l”emozione, Schiele ha usato rossi, gialli e verdi che non si trovano in Kokoschka o Oppenheimer ma nel fauvismo francese e nell”espressionismo tedesco: eppure non aveva necessariamente familiarità con loro – non più di quanto ne avesse con il cubismo quando geometrizzò le sue forme nel 1913.

Schiele fu quindi principalmente influenzato da Klimt fino al 1909-1910. Oltre a ciò, esplorò gli stessi temi di Klimt, come i legami tra la vita e la morte, ma in una direzione espressionista che, indipendentemente dal dinamismo dei colori, cancellava l”aspetto ornamentale con una linea incisiva.

Anche quando il suo stile si calmò alla vigilia della guerra, la sua arte sarebbe ancora spiegata da una contraddizione tra il desiderio klimtiano di creare una superficie decorativa e quello di “raggiungere una straordinaria intensità espressiva”.

Lo sviluppo dei mezzi artistici di Schiele, strettamente legato alla sua vita interiore, fu meteorico.

Ha sempre mirato alla “linea perfetta, il tratto continuo che unisce inseparabilmente velocità e precisione”: nel 1918 eseguiva i suoi disegni quasi in una volta sola. I testimoni hanno lodato le sue capacità di disegno. Otto Benesch, il figlio del suo primo mecenate, ricorda le sedute di posa in cui un certo numero di disegni precedeva un ritratto: “Schiele disegnava velocemente, la matita scivolava come guidata dalla mano di uno spirito, come se giocasse, sulla superficie bianca della carta. Lo teneva come un pittore dell”Estremo Oriente tiene il suo pennello. Non sapeva come usare una gomma, e se il modello si muoveva, le nuove linee si aggiungevano a quelle vecchie con la stessa certezza. La sua linea è sintetica e precisa.

Che fosse a conoscenza o meno delle riflessioni di Vassily Kandinsky su questo tema, Schiele lavorò sulla sua linea per caricarla di emozione, spezzandola per farne un mezzo privilegiato di espressività, psicologia e persino spiritualità. La linea spigolosa dei primi anni 1910 cede gradualmente il passo a contorni più rotondi e voluttuosi, talvolta abbelliti da “deviazioni espressive” o da tratteggi e piccole anse forse trasposti dall”incisione.

Nel giro di pochi anni”, nota Gianfranco Malafarina, “la linea di Schiele ha attraversato tutti gli avatar possibili”, a volte nervosi e scattanti, a volte dolorosi e tremolanti. Con l”eccezione del periodo tra il 1911 e il 1912, quando la linea in matita di piombo molto dura è appena visibile, i contorni in matita grassa sono forti. Segnano un confine tra la piattezza del foglio e i volumi del soggetto, che il pittore scolpisce maggiormente negli ultimi anni: finisce per ombreggiare i suoi ritratti a carboncino in modo quasi accademico.

Nei suoi disegni, Schiele usava l”acquerello e la più maneggevole gouache, a volte addensata con la colla per forzare il contrasto. È passato da tinte piatte giustapposte con leggere sovrapposizioni a transizioni più sciolte, e ha anche usato il lavaggio. Nel 1911 la sua tecnica era perfezionata: su carta liscia, anche trattata per respingere l”acqua, lavorava i suoi pigmenti sulla superficie; il foglio era suddiviso in aree colorate, ognuna delle quali era trattata separatamente, alcune delle quali, come i vestiti, erano riempite con grandi pennellate più o meno visibili. Impostare la figura con un bianco o un pigmento di evidenziazione durerà solo per un po”; mescolando la matita di piombo, il gesso, il pastello, l”acquerello e anche la pittura a olio durerà fino alla fine.

Non ha mai colorato i suoi disegni davanti al modello”, continua Otto Benesch, “ma sempre dopo, a memoria. Dal 1910 in poi, i colori acidi o discordanti furono attenuati a favore dei marroni, dei neri, dei blu e dei viola scuri, senza escludere i bianchi o i toni brillanti, le ocre, gli aranci, i rossi, i verdi e i blu, anche per la carne. Questo cromatismo, che non si preoccupa del realismo, scivola facilmente “verso il macabro, il morboso e l”agonizzante”. Dalla vigilia alla fine della guerra, la tavolozza di Schiele, che per lui era meno importante della qualità scultorea del disegno, si smorza. Nella pittura, applicava il colore a piccole pennellate, usava la spatola e sperimentava la tempera.

“Se inizialmente Schiele imitava nei suoi quadri i chiari lavaggi dei suoi acquerelli, le sue opere su carta acquisirono l”espressività pittorica dei suoi quadri a partire dal 1914″, dice Jane Kallir. Il suo lavoro si è evoluto dalle linee spezzate e dalle forme aggressive della trasgressione a una linea chiusa e a forme più classiche: Malafarina paragona la sua carriera a quella del “pittore maledetto” Amedeo Modigliani, e W. G. Fischer aggiunge che “nella geografia del suo lavoro, l”opera dell”artista Fischer aggiunge che “nella geografia artistica dell”epoca, l”austriaco Schiele occupa un posto tra Ernst Ludwig Kirchner e Amedeo Modigliani, tra il Nord e il Sud, tra lo stile angolare e drammatico del tedesco e le forme morbide e melodiose dell”italiano.

Come i suoi soggetti non viventi, le sue figure contorte sono come sospese e catturate dall”alto.

Schiele, che aveva sognato di volare sopra le città come un uccello rapace, ha anche favorito una prospettiva aerea nei suoi nudi e ritratti. Nei suoi nudi e ritratti, prediligeva anche una visione vicina alla prospettiva aerea: a Krumau, andava sulla collina del castello per vedere la città e il fiume; nel suo studio, saliva spesso su una scaletta per disegnare i suoi modelli sdraiati sul pavimento o su un divano da un”altezza di più o meno un ginocchio. Infine, a volte combinava una vista a volo d”uccello, una vista frontale e una vista laterale quando raffigurava due figure, o la stessa figura in posizioni diverse.

In reazione alla profusione ornamentale dell”Art Nouveau e di Klimt in particolare, Egon Schiele semplificò lo sfondo, riducendolo ad uno sfondo anodino fino ad eliminarlo completamente. I suoi disegni lasciano visibile il colore bianco o crema della carta. Nei dipinti, lo sfondo spesso grigio chiaro di prima del 1910 diventa più scuro, indeterminato, o si riduce a una giustapposizione di superfici colorate che suggeriscono un”ambientazione.

“Schiele tratta i suoi modelli con severità, li proietta in una forma condensata sul fronte di una scena senza punti di riferimento, priva di qualsiasi accessorio”, il che conferisce loro, soprattutto quando sono nudi, una sorta di vulnerabilità. L”impressione di fluttuare significa che alcuni dei disegni potrebbero facilmente essere girati dall”altra parte.

A differenza di Klimt, Schiele ha pensato alla silhouette e alla struttura prima di colorare. Mentre i formati quadrati dei dipinti richiedono che il soggetto sia centrato, i corpi disegnati sono inquadrati in un modo particolare: decentrati, sempre suscettibili di essere troncati (piedi, gambe, braccia, parte superiore della testa, ecc.), sono inscritti come a forza nei margini dello spazio di rappresentazione, parti del quale rimangono vuote.

L”inquadratura eccentrica, lo sfondo vacuo, la visuale digradante, la simultaneità di stati non sincroni provocano nello spettatore una sensazione di incompletezza o di sfasamento rispetto alla realtà.

Appropriazione di genere

Egon Schiele non mise tanto in discussione i generi stabiliti dalla tradizione accademica e poi arricchiti nel XIX secolo, quanto il loro trattamento e i loro confini: così, l”autoritratto invase i nudi e le allegorie. Per i ritratti su commissione e i temi esistenziali, scelse spesso tele di grandi dimensioni (140 × 110 cm) o la forma quadrata favorita dalla Secessione viennese: riservò i piccoli formati su carta a soggetti più intimi, la cui scelta scandalizzò alcuni dei suoi contemporanei.

Dominati dai paesaggi urbani, i motivi non umani di Schiele diventano metafore per “la tristezza e la caducità dell”esistenza”.

Egon Schiele affermava che “disegnare dalla natura non significa nulla per me, perché dipingo meglio a memoria”: non dipingeva molto dal motivo, ma conservava impressioni visive dalle sue passeggiate, che alimentavano il suo lavoro nello studio. I suoi paesaggi e le sue nature morte, inizialmente realizzati nei vari stili che coesistevano all”inizio del XX secolo – tardo impressionismo, post-impressionismo, Art Nouveau -, scivolarono poi in un antropomorfismo più o meno simbolico.

L”artista ha sempre evitato la metropoli moderna e, a differenza degli impressionisti, dei futuristi italiani o di Ludwig Meidner, non mostra né il traffico né il trambusto. Preferisce le città lungo il Danubio o la Moldavia, ma le trova deprimenti. Deserte, delimitate o addirittura circondate da un”acqua scura minacciosa, le finestre delle case che si aprono su buchi neri: questa rappresentazione soggettiva delle città corrisponde allo stato emotivo del pittore, al suo sentimento che le cose muoiono o che, piene di una vita nascosta, esistono indipendentemente dagli uomini.

Lungi dal significare una distanza dal motivo, la prospettiva aerea permetterebbe di proiettare su di esso “gli ospiti spaventosi che irrompono improvvisamente nell”anima di mezzanotte dell”artista”, come dice il suo amico pittore Albert Paris Gütersloh: negli ultimi anni, questi lasciano il posto a osservazioni più concrete, come l”asciugatura della biancheria. Poco prima del 1914, i paesaggi urbani di Schiele, benché ancora privi di figure, sembrano “svegliarsi” e, liberati da ogni dimensione simbolica, mostrano colori vivaci o servono da pretesto per costruzioni molto grafiche basate su verticali, orizzontali e diagonali ben definite.

Come nelle sue poesie giovanili o in quelle dell”espressionista Georg Trakl, Schiele predilige l”autunno per i suoi quadri di paesaggio, spesso incentrati sugli alberi: per lui, “l”esperienza della natura è sempre elegiaca”, dice Wolfgang Georg Fischer. In una stilizzazione che rasenta l”astrazione, sembra identificarsi con gli elementi del paesaggio, evocando in una lettera a Franz Hauer “i movimenti corporei delle montagne, dell”acqua, degli alberi e dei fiori” così come i loro sentimenti di “gioia e sofferenza”. Fino alla fine, i suoi paesaggi, meno realistici che visionari, rimangono molto costruiti e piuttosto malinconici, anche quando la tavolozza diventa più calda e le forme più morbide.

Schiele ha dipinto pochissime nature morte. A parte alcuni oggetti o angoli della prigione di Sankt Pölten, si tratta di fiori, per lo più girasoli, isolati ed eticissimi come i suoi alberi, addirittura spenti dall”inquadratura, privi del calore che potrebbero avere in Van Gogh: il modo in cui le foglie rosolate pendono dallo stelo, per esempio, evoca atteggiamenti umani o qualcosa di morto.

“La tensione tra gesti espressivi e rappresentazione fedele è una delle caratteristiche essenziali della ritrattistica di Schiele.

Egon Schiele dipinse prima le sue sorelle, sua madre, suo zio, e poi allargò la sua cerchia di modelli per includere amici artisti e critici d”arte o collezionisti interessati al suo lavoro – ma non celebrità viennesi come suggerito dall”architetto Otto Wagner.

Arthur Roessler osserva un incessante fascino per le figure stilizzate o i gesti espressivi: marionette esotiche, pantomime, danze di Ruth Saint Denis. Il ritratto del 1910 dello stesso Roessler è così strutturato da un gioco di movimenti e direzioni opposte; una forte tensione interiore emana dallo sguardo ipnotico dell”editore Eduard Kosmack; un simbolismo indeciso – un gesto di protezione? allontanamento? – unisce Heinrich Benesch a suo figlio Otto in una certa rigidità. Tali ritratti sollevano la questione di “chi, il soggetto o l”artista, sta veramente mettendo a nudo la sua anima?

Dopo il 1912, Schiele smise di identificarsi con i suoi modelli (maschili) e mostrò una crescente finezza di percezione, prima nei suoi disegni e poi nei ritratti commissionati. Riuscì a trasmettere gli stati d”animo dei suoi modelli con un minimo di dettaglio, anche se, per esempio, Friederike Maria Beer, la figlia di un amico di Klimt, appare ancora un po” disincarnata, sospesa nell”aria come un insetto nel suo vestito della Werkstätte. In alcuni ritratti, secondo Roessler, Schiele “era in grado di rivolgere l”interiorità dell”uomo verso l”esterno; si aveva orrore di trovarsi di fronte alla possibile visione di ciò che era stato accuratamente nascosto”.

Intorno al 1917-1918, l”artista inquadra ancora strettamente le sue figure ma si riappropria dello spazio che le circonda, talvolta di un ambiente che dovrebbe rappresentarle, come i libri accatastati intorno al bibliofilo Hugo Koller. Nel ritratto del suo amico Gütersloh, l”applicazione vibratoria del colore annuncia forse una nuova svolta estetica nella carriera di Schiele.

“Mai i criteri della bellezza nuda, codificati da Winckelmann e dall”Accademia, sono stati così disprezzati.

La nudità cruda, privata del velo della mitologia o della storia, non incanalata né estetizzata dai canoni classici, scandalizzava ancora molti all”inizio del XX secolo. Tuttavia, abbandonando l”Art Nouveau, che pure celebrava la bellezza e la grazia, il pittore austriaco ruppe per la prima volta con le immagini tradizionalmente idealizzate con i suoi disegni provocatori di giovani proletari, coppie omosessuali, soprattutto lesbiche, donne incinte e, in un registro parodico, neonati “omuncoli scioccamente brutti”. I suoi modelli femminili e maschili, incluso lui stesso, sembrano malnutriti o stentati, e il loro fisico piuttosto asessuato ha portato a parlare di “infemminilità” nei suoi nudi femminili.

Fino al 1914 circa, come Oskar Kokoschka, Egon Schiele disegnava o dipingeva con “la crudezza di una vivisezione” volti emaciati e deformati dal rictus e corpi la cui carne diventava sempre più rara: membra ossute, articolazioni nodose, scheletri che sporgevano da sotto la pelle, confondendo il confine tra interno ed esterno. Anche se gli uomini sono più spesso visti di spalle rispetto alle donne, tutti danno l”impressione di corpi sofferenti, brutalizzati dalla loro postura, slogati o con monconi: mentre la linea spezzata dà loro una fragilità tesa, la visione a picco aumenta la loro presenza suggestiva e il vuoto la loro vulnerabilità. Per quanto riguarda i genitali, sono a volte nascosti, o suggeriti da una nota rossa, a volte enfatizzati, esibiti in mezzo a vestiti sollevati e carne bianca, come nel quadro Vue en rêve.

Nei disegni, superfici quasi astratte distinte dal colore contrastano con la resa più realistica di parti del corpo, e aree di carne con masse scure di capelli o vestiti. “L”uso sporadico e parziale del colore sembra essere il luogo di un”altra brutalità inflitta al corpo”, dice Bertrand Tillier, ricordando che i critici viennesi parlavano di “marciume” di fronte alle tinte verdastre o sanguinose del primo periodo. Nei quadri tardivi, i corpi si stagliano contro mobili vaghi o un lenzuolo stropicciato come un tappeto volante.

L”evoluzione degli ultimi anni ha portato il pittore a rappresentare icone piuttosto che donne individualizzate. Guadagnando in realismo, in spessore distinto dalla personalità dell”artista, i suoi nudi diventano paradossalmente intercambiabili: le modelle professionali non sono sempre distinguibili dalle altre, né Edith da Adele Harms. Per Jane Kallir, “sono ora i ritratti ad essere pienamente animati mentre i nudi sono relegati ad un”estetica eterea”.

Egon Schiele ha lasciato un centinaio di autoritratti, compresi i nudi che “sembrano marionette disarticolate, con la carne gonfia, che si masturbano, non hanno precedenti nell”arte occidentale”.

Sovraccarico di elementi espressivi, soprattutto dal 1910 al 1913, i suoi autoritratti non sono lusinghieri: asceticamente magro, il pittore si mostra in strane contorsioni, con una faccia arruffata e smorfiosa o addirittura strabica, un probabile riferimento al suo cognome, schielen che significa “strabico” in tedesco. Come nei ritratti, la sua ricerca della verità che coinvolge la nudità immodesta non ha un rapporto mimetico con la realtà. Il suo corpo peloso e rugoso, marmorizzato con colori fantasmatici, o troncato quando non è tagliato a metà dall”inquadratura, illustra non solo il suo desiderio di sfidare l”idealizzazione classica ma il fatto che per lui “l”autorappresentazione ha poco a che fare con l”esteriorità”.

Il motivo simbolico del doppio, ereditato dal Romanticismo tedesco, appare in diversi autoritratti. Schiele sta pensando alla variabilità dei suoi tratti o a un corpo astrale? Suggerisce le contraddizioni della sua psiche, la paura di una dissociazione del suo ego o suggerisce una dualità? Ritrae – senza alcuna conoscenza dell”opera di Freud o della psicoanalisi – un”immagine del padre?

“Le pose più convulse degli autoritratti potrebbero essere analizzate come orgasmi – la masturbazione spiegherebbe anche la comparsa del “doppio”, l”unico manipolatore, l”unico responsabile. È in questo senso che Itzhak Goldberg esamina l”importanza delle mani nei dipinti e in particolare negli autoritratti nudi di Schiele. Secondo lui, questi “sono presentati a volte come una dimostrazione ostentata e provocatoria di masturbazione, una sfida alla società, e a volte come la messa in scena di una ricca serie di stratagemmi che servono a impedire alla mano di impegnarsi in queste attività incontenibili”: il soggetto allora proietta le mani lontano dal suo corpo o rivolge uno sguardo preoccupato verso lo spettatore, come per discolparsi di azioni colpevoli.

Jean-Louis Gaillemin vede in questa serie di autoritratti una ricerca deliberatamente incompiuta del sé, una sorta di sperimentazione. Reinhardt Steiner ritiene che Schiele cercasse piuttosto di esprimere una forza vitale o spirituale, la cui idea gli veniva da Friedrich Nietzsche e dalla teosofia allora in voga: “Sono così ricco che devo offrire me stesso agli altri”, scriveva. In ogni caso, Jane Kallir vi trova “una miscela di sincerità e affettazione che gli impedisce di cadere nel sentimentalismo o nel manierismo”, mentre Wolfgang Georg Fischer conclude che “una pantomima del sé lo rende unico tra tutti gli altri artisti del XX secolo”.

Dal 1910 fino alla sua morte, Egon Schiele “immaginò grandi composizioni allegoriche destinate a rinnovare il ruolo sociale della pittura”. Questo doveva essere un fallimento”.

Può ricordare le tele monumentali che hanno lanciato la carriera di Klimt. Soprattutto, si attribuisce una ricettività vicina al misticismo e, apprezzando la pittura a olio, cerca di tradurre in essa le sue visioni quasi religiose. Dal 1912 Schiele conserva una visione di se stesso come un santo martire vittima dei Filistei: ne Gli Eremiti, un omaggio a Klimt, entrambi in veste sembrano formare un blocco contro uno sfondo vuoto. Come quelle di Ferdinand Hodler, le sue composizioni fanno parte di una tradizione “mistico-patetica” ereditata dal XIX secolo, che vede l”artista come un profeta veggente o un martire: la loro interpretazione non è meno delicata, poiché molte di esse sono scomparse.

L”anno 1913 lo vede lanciarsi in tele intrise di un”oscura spiritualità: avrebbe aspirato a un”immensa composizione a grandezza naturale per la quale moltiplicava studi di uomini di cui un cartiglio calligrafico specifica il carattere psicologico (Il ballerino, Il combattente, Il malinconico) o esoterico (Devozione, Redenzione, Resurrezione, Conversione, Colui che chiama, La verità fu rivelata). Carl Reininghaus era molto interessato, ma l”opera rimase incompiuta: le tele furono nuovamente tagliate, e rimase solo Incontro (Autoritratto con un santo), davanti al quale Schiele si fece fotografare nel 1914 dal suo amico Anton Trčka.

Negli anni seguenti, i grandi formati quadrati lo invitano a sviluppare il soggetto in modo enfatico; gli autoritratti si mescolano a figure dai corpi scarnificati, i cui atteggiamenti evocano estasi ritualizzate (Cardinale e Suora, Gli Eremiti, Agonia). Quelli sul tema della madre o del parto hanno un tema simbolista, trattato in modo cupo a causa della relazione tra Egon e Marie Schiele. I titoli – Madre morta, Madre cieca, Donna incinta e Morte -, le figure materne chiuse in se stesse e il tema ricorrente della cecità, indicano che non si tratta di una maternità felice ma di una maternità “cieca”, cioè una maternità senza amore e legata alla sfortuna. Allo stesso tempo, “la madre che porta e nutre il genio del bambino diventa la figura simbolica centrale di una concezione mistica che fa dell”arte un sacerdozio”.

Anche se le ultime grandi tele appaiono più voluttuose e meno cupe – Reclining Woman Indulging in Solitary Pleasure, Shyly Embracing Lovers – il messaggio dietro l”aneddoto rimane enigmatico, poiché sono tagliate fuori dal loro scopo, se non incompiute.

Singolarità e significato

A partire dal 1911, nell”opera di Schiele emergono tre temi interdipendenti e trasversali: la nascita, la mortalità e la trascendenza dell”arte. Questo spiega il suo gusto per l”allegoria, ma soprattutto il suo modo unico di trattare il corpo umano, influenzato meno dalle sue fantasie – il che non elimina le domande sui suoi nudi – che dal suo tempo e da una società di cui riflette abbastanza consapevolmente le debolezze e le ossessioni.

Egon Schiele “si è impossessato del corpo con una violenza rara”, il posto del sesso nella sua opera è spesso frainteso.

Sebbene si astenesse da qualsiasi contatto fisico con le sue modelle minorenni, non nascondeva il fatto che lo disturbavano, e si dice che avesse la più grande collezione di stampe giapponesi pornografiche di Vienna: visti i suoi primi nudi, molti dei suoi contemporanei lo vedevano come un maniaco sessuale voyeurista ed esibizionista. Se queste opere erano inizialmente l”espressione della sua angoscia personale, un allontanamento emotivo e stilistico dopo il 1912 dimostra in ogni caso che ha integrato le norme sessuali del suo tempo, e il suo amico Erich Lederer dichiara: “Di tutti gli uomini che ho conosciuto, Egon Schiele è uno dei più normali.

Ma dove finisce il nudo e inizia l”erotico?” si chiede J.-L. Gaillemin. Dove l”artista che “vede” diventa un voyeur? Fin dall”inizio, il lavoro di Schiele sui corpi è stato inseparabile dalla sua ricerca artistica, dai suoi esperimenti formali senza alcun legame necessario con il soggetto rappresentato. Contorti fino al grottesco, questi corpi rimangono, agli occhi di alcuni, intensamente erotici, mentre altri giudicano l”effetto della loro tormentata nudità all”inverso: “I suoi nudi non hanno assolutamente nulla di eccitante”, scrive J. Kallir, “ma sono, al contrario, il contrario di ciò che sono. Kallir, ma sono al contrario “spesso spaventosi, inquietanti o addirittura brutti”; “se i suoi nudi sono ambigui”, concede Gaillemin, “i suoi ”erotici” sono inquietantemente freddi”; sensualità ed erotismo “sono solo abbozzati, perché il loro effetto è immediatamente negato”, aggiunge Bertrand Tillier.

Attraverso gesti esagerati se necessario, i nudi di Schiele diventano il veicolo privilegiato per la rappresentazione di sentimenti e tendenze universali, a partire proprio dalle emozioni e dalle pulsioni sessuali. La provocazione prende di mira le norme estetiche imposte così come i divieti della società della Belle Époque: osceno forse ma non voyeuristico, Schiele è uno scassinatore di tabù che osa evocare il sesso, la masturbazione o l”omosessualità, sia maschile che femminile.

Tuttavia, spesso presenta un”immagine che non è né gioiosa né serena, ma piuttosto ansiosa, senza gioia e segnata da una componente nevrotica o addirittura morbosa. I suoi modelli raramente sembrano rilassati o appagati – le loro pose costrette sono, secondo Steiner, proprio ciò che distingue lo sguardo quasi clinico di Schiele da quello di Klimt, che è più voyeuristico nel senso che invita lo spettatore in scene di intimo abbandono. I suoi autoritratti mostrano un fallo triste, senza oggetto, che tradisce le ossessioni e il malessere colpevole dell”uomo civilizzato. Tillier paragona questa capacità forse sado-masochistica di rintracciare i piccoli segreti vergognosi dell”individuo all”arte del poeta Hugo von Hofmannsthal.

Così come i movimenti dei suoi modelli sono detti fantasmagorie, “i suoi nudi e le coppie erottizzate illustrano fantasie sessuali”, nota Fischer. I nudi di Schiele, “tormentati dagli effetti della repressione sessuale, offrono sorprendenti analogie con le scoperte della psicoanalisi” sul potere dell”inconscio, conferma Itzhak Goldberg dopo Jane Kallir, e la maggior parte dei commentatori evocano le ricerche di Charcot e Freud sull”isteria. Schiele ha prima violato a modo suo lo stesso tabù di quest”ultimo: il mito dell”infanzia asessuata, che aveva permesso a Lewis Carroll di fotografare in tutta coscienza delle bambine più o meno svestite.

Esplorando le risorse espressive della fisiognomica fino ai limiti della patologia, Schiele produsse disegni che Steiner paragona, nella loro tensione spasmodica o estatica, ai disegni anatomici e alle sculture del dottor Paul Richer. È anche possibile che abbia visto delle fotografie scattate all”ospedale della Salpêtrière quando Charcot metteva in scena i suoi pazienti. Schiele non ha rappresentato degli isterici”, spiega l”artista Philippe Comar, “ha utilizzato questo repertorio di atteggiamenti per dare corpo alle ansie di un”epoca.

La brutalità che attraversa l”opera di Schiele deve essere intesa come una reazione a una società sclerotica che soffoca l”individuo.

I suoi sfondi vuoti danno un”impressione onirica che ricorda l”interesse del periodo per i sogni (Freud, Schnitzler, Hofmannsthal, Trakl) ma, lontano dal mondo edonistico della Secessione viennese, Egon Schiele spinge indietro il velo ornamentale che un Klimt, nella sua ricerca di armonia, cerca di gettare sulle dure realtà sociali e il malessere della Belle Époque in Austria-Ungheria.

La città morta, tema molto “fin de siècle” in Europa (Gabriele D”Annunzio, Georges Rodenbach), appare nella serie 1911-1912 come il simbolo di “un”epoca in decadenza”, “di declino o di pericoli a venire”. Inoltre, l”estetica espressionista della frammentazione, del rictus asimmetrico e dei corpi tetanizzati che raggiungono il tragico attraverso la loro spogliazione o bruttezza incarnerebbe le sofferenze di un”intera società e parteciperebbe alla denuncia delle convenzioni borghesi. Nei ritratti e soprattutto negli autoritratti, il tema del doppio e di una rappresentazione infedele al senso realista può rappresentare “la moderna lacerazione della persona” e riferirsi, come in Freud, Ernst Mach o Robert Musil, alla crisi del soggetto, a un”identità divenuta problematica in un mondo sfuggente e disincantato.

Meno ribelle di un Kokoschka, per esempio, Egon Schiele non è l”anarchico che molti critici volevano vedere. Egli riflette lo spirito dell”avanguardia viennese che, senza voler rivoluzionare l”arte da cima a fondo, recupera piuttosto una tradizione che considera traviata dall”accademismo. Sulla scia della Secessione, Schiele si convinse che solo le arti erano in grado di frenare la decadenza culturale e le tendenze materialiste della civiltà occidentale, di cui la vita moderna, la miseria sociale e poi l”orrore della prima guerra mondiale gli sembravano le conseguenze dirette.

“La carriera nascente di Schiele, che è così tanto un prodotto del suo tempo, finisce con il periodo che gli permise di fiorire. Passando dal simbolismo allegorico di Klimt a un modernismo più brutale, completa la transizione dal XIX al XX secolo. In un ambiente più innovativo, forse avrebbe fatto il passo verso l”astrazione.

Egon Schiele si convinse in giovane età che l”arte, e solo l”arte, può superare la morte.

È possibile che abbia trovato nell”arte un modo per liberarsi dalle varie autorità e costrizioni che non poteva sopportare. La sua opera solleva comunque domande esistenziali sulla vita, l”amore, la sofferenza e la morte.

La sua predilezione per l”autoritratto si spiega con il fatto che è l”unico genere artistico “capace di toccare tutte le aree essenziali dell”esistenza umana”. Come le sue città deserte e le facciate cieche, i paesaggi di Schiele, i suoi alberi fragili e i suoi fiori appassiti, offrono un”immagine della condizione umana e della sua fragilità al di là del loro aspetto decorativo. I suoi brutti bambini, le sue madri malinconiche danno un”impressione di solitudine totale, “li dipinge e li disegna come se volesse mettere in chiaro una volta per tutte che la sua opera non è quella di mostrare l”uomo nel suo splendore, ma nella sua miseria più profonda.

“Sono un uomo, amo la morte e amo la vita”, scrisse in una delle sue poesie intorno al 1910-1911, e sono combinati nella sua opera. Se, come Arthur Schnitzler o Alfred Kubin, Schiele concepisce la vita come una malattia lenta e mortale, prova uno slancio verso di essa e verso la natura che è controbilanciato dalla sua paura di perdersi in essa, e traduce la sua ambivalenza imbrigliando questa sovrabbondanza di energia impulsiva “in una specie di camicia di forza plastica”. Roessler disse che nei suoi nudi aveva “dipinto la morte sotto la pelle”, convinto che “tutto è morto-vivente”. E in un autoritratto come The Seers of Themselves, la doppia figura della morte sembra guardare con paura mentre cerca di immobilizzare i vivi. Ogni quadro diventerebbe allora “come una evocazione della morte attraverso la riappropriazione meticolosa, timida, analitica e frammentata dei corpi” e della natura. Per Schiele, l”opera è una vera e propria incarnazione: “Andrò così lontano”, disse, “che uno sarà preso dal terrore davanti a ciascuna delle mie opere d”arte “vive”.

“Attraverso la sua vita e la sua opera, Egon Schiele incarna la storia di un giovane uomo che diventa adulto e che lotta inesorabilmente per raggiungere qualcosa che continua a sfuggirgli. L”arte di Schiele”, dice Reinhard Steiner, “non offre alcuna via d”uscita all”uomo, che rimane una marionetta indifesa lasciata al gioco onnipotente delle forze dell”affetto. Philippe Comar ritiene inoltre che “mai un”opera ha mostrato con tanta forza l”impossibilità di cogliere la verità umana in un”anima e un corpo unificati”. Jane Kallir conclude tuttavia che “la precisione oggettiva e la profondità filosofica, il personale e l”universale, il naturalismo e la spiritualità finalmente coesistono organicamente nella sua ultima opera”.

Sembra che nel 1918 stesse progettando – forse seguendo una commissione e preparando studi di donne a questo scopo – un mausoleo in cui si sarebbero succedute camere a incastro sui temi dell””esistenza terrena”, della “morte” e della “vita eterna”.

Il riconoscimento internazionale di Egon Schiele non fu immediato o lineare, ma arrivò prima nel mondo anglosassone e soprattutto dopo la seconda guerra mondiale. Lo spirito sovversivo che emanava dai suoi corpi torturati cominciò a perseguitare altri artisti negli anni ”60. Sebbene sia rappresentato nei maggiori musei del mondo, con Vienna che detiene le collezioni pubbliche più importanti, la maggior parte delle sue opere, oggi molto apprezzate, sono di proprietà privata.

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Fortuna del lavoro

La consacrazione di Schiele come artista di punta ha richiesto più tempo in Francia che in altri paesi.

L”elenco cronologico delle sue opere non è facile. Di solito sono datati e firmati, in una specie di cartiglio con una grafica mutevole influenzata dallo Jugendstil: ma il pittore, che non sempre dava loro dei titoli e spesso li datava a memoria nelle sue liste, a volte commetteva degli errori. Anche centinaia di falsi cominciarono a diffondersi, forse già nel 1917-1918, mentre alcune opere documentate andarono perse. Diversi specialisti hanno quindi prodotto successivamente dei cataloghi ragionati: Otto Kallir nel 1930 e di nuovo nel 1966, Rudolf Leopold nel 1972, Jane Kallir, nipote di Otto, nel 1990 – si è impegnata, tra l”altro, a elencare i disegni – e poi di nuovo nel 1998, con l”Istituto di Ricerca Kallir che ha messo il suo catalogo online vent”anni dopo, dopo che la casa editrice Taschen ha pubblicato il catalogo di Tobias G. Netter nel 2017.

Al momento della sua morte, Egon Schiele era un pittore ben noto nel mondo di lingua tedesca, ma più per i suoi disegni e acquerelli che per i suoi dipinti ad olio – almeno al di fuori di Vienna, dove un portafoglio di riproduzioni era apparso nel 1917 e dove fu regolarmente esposto negli anni venti. Durante il periodo nazista, le sue opere furono considerate arte degenerata: mentre diversi collezionisti ebrei austriaci emigrarono con parte dei loro acquisti, molte opere di Schiele furono depredate – come il piccolo Ritratto di Wally Neuzil dipinto su legno nel 1912 – o distrutte. Solo dopo la guerra il suo lavoro è stato di nuovo esposto in Austria, Germania Ovest, Svizzera, Londra e Stati Uniti.

Oltre a Rudolf Leopold, le cui collezioni d”arte moderna formarono la base dell”omonimo museo, il gallerista e storico dell”arte Otto Kallir (1894-1978) ebbe un ruolo chiave nell”ascesa di Schiele alla ribalta dentro e fuori la sfera culturale tedesca. Nel 1923 aprì la sua Neue Galerie (“Nuova Galleria”) a Vienna, situata vicino alla Cattedrale di Santo Stefano (Stephansdom), con la prima grande mostra postuma di dipinti e disegni di Egon Schiele, di cui redasse un primo inventario nel 1930. Costretto a lasciare l”Austria dopo l”Anschluss, aprì una galleria a Parigi, che chiamò “St. Etienne” e che fu presto trasferita a New York con il nome di Galerie St. Etienne. A partire dal 1939 lavorò per portare le opere di Schiele negli Stati Uniti: grazie a lui iniziarono ad essere esposte nei musei americani negli anni ”50 e ad essere oggetto di mostre nel decennio successivo.

In Francia, l”arte austriaca è stata a lungo considerata essenzialmente decorativa e quindi secondaria. Fino al 1980 circa, i musei nazionali non possedevano nessun quadro di Schiele, e nemmeno di Klimt, che tuttavia era considerato il “papa” dell”Art Nouveau viennese. La mostra del 1986 al Centre Pompidou di Parigi ha segnato una svolta: sotto la direzione di Jean Clair, questo evento intitolato “Vienna. 1880-1938: Birth of a Century” ha esposto solo artisti viennesi, senza includere le avanguardie francesi. Vent”anni dopo, la mostra del Grand Palais “Vienna 1900: Klimt, Schiele, Moser, Kokoschka”, curata da Serge Lemoine, fa uscire dall”ombra il pittore e decoratore Koloman Moser, ma soprattutto stabilisce gli altri tre come una “sorta di triumvirato della pittura a Vienna” dalla fine del XIX secolo al 1918: con 34 opere, Schiele è il più rappresentato.

Sebbene sia stato a lungo studiato soprattutto per i suoi soggetti più o meno scioccanti (simbolici, sessuali, ecc.), la mostra tenuta alla Fondation d”entreprise Louis-Vuitton di Parigi per il centenario della sua morte tenta un approccio formale, tecnico all”opera, basato sulla linea, piuttosto che per genere o soggetto.

Dall”ultimo quarto del ventesimo secolo, artisti di tutti i tipi fanno riferimento a Egon Schiele, il cui valore sul mercato dell”arte è in aumento.

Circa quarant”anni dopo la sua morte, i suoi nudi impudenti e angosciosi, che riflettono il suo rifiuto della camicia di forza morale austro-ungarica, influenzarono il ribelle movimento Azionista viennese, che mise il corpo al centro delle sue performance: “La memoria dei corpi dolorosi di Egon Schiele emerge nelle fotografie di Rudolf Schwarzkogler (1940-1969), così come nelle azioni radicali di Günter Brus (nato nel 1938)”, dice il critico d”arte Annick Colonna-Césari. Dagli anni ”80, diverse mostre al Leopold Museum e al Museo di Belle Arti di Winterthur hanno mostrato che Schiele, da un lato, e Schwarzkogler, Brus, l”artista femminista Valie Export, la pittrice neo-espressionista Maria Lassnig e, per la generazione più giovane, Elke Krystufek e altri, esprimono “la stessa ossessione per il corpo, lo stesso gusto per la provocazione, la stessa interrogazione esistenziale” attraverso media diversi.

Forse perché la prima retrospettiva di Egon Schiele fuori dall”Austria e dalla Germania si è tenuta lì, è negli Stati Uniti e, in misura minore, nel Regno Unito che la sua influenza è più forte: le figure smorfie di Francis Bacon seguono la sua scia, mentre la fotografa Sherrie Levine si appropria di diciotto dei suoi autoritratti nel suo lavoro After Schiele. Jean-Michel Basquiat non ha dichiarato di essere un fan di Schiele più di quanto non lo fosse Cy Twombly ai suoi tempi, ma conosceva il suo lavoro, spingendo la Fondation Vuitton a organizzare mostre parallele di Schiele e Basquiat nel 2018. L”artista Tracey Emin sostiene di aver scoperto Schiele attraverso le copertine degli album di David Bowie ispirate a certi autoritratti. Infine, in diverse coreografie di Christian Ubl o di Léa Anderson, i movimenti dei ballerini sembrano essere modellati sulle posture dei modelli del pittore austriaco.

I nudi di Schiele continuano a provocare offese: nel 2017, durante una campagna che annunciava le manifestazioni previste a Vienna per il centenario della sua morte, le municipalità di Londra, Colonia e Amburgo hanno preteso che i manifesti che riproducevano nudi, come il Nudo maschile seduto del 1910 o il Nudo in piedi con calze rosse del 1914, fossero barrati con una benda che mascherava le parti sessuali e inscritti con la scritta “Sorry! 100 anni ma ancora oggi troppo audace! 100 anni ma ancora oggi troppo audace)!

Il valore di Schiele è comunque aumentato dall”inizio del XXI secolo. Per esempio, un dipinto a olio di modeste dimensioni, Fishing Boat in Trieste del 1912, è stimato nel 2019, prima della sua vendita da Sotheby”s, tra i 6 e gli 8 milioni di sterline (6 e 8,8 milioni di euro), mentre un piccolo disegno scoperto per caso in una vendita di garage nel Queens è valutato da 100.000 a 200.000 dollari (90.000 a 180.000 euro). Già nel 2011, per potersi tenere il Ritratto di Walburga Neuzil (Wally) compensando i suoi legittimi proprietari per la cifra di 19 milioni di dollari fissata dopo una lunga battaglia legale, il Leopold Museum mise in vendita il paesaggio Case con biancheria colorata del 1914: il quadro andò a più di 32 milioni di dollari (più di 27 milioni di euro), battendo il record di 22,4 milioni di dollari (più di 19 milioni di euro) raggiunto cinque anni prima da un altro, poiché i paesaggi di Schiele sono rari sul mercato.

Area del museo

A parte le acquisizioni dei maggiori musei del mondo, le collezioni pubbliche più importanti delle opere di Egon Schiele si trovano nei musei austriaci, quattro a Vienna e uno a Tulln an der Donau.

Oltre ai quaderni di schizzi e a un grande archivio, la Graphische Sammlung Albertina, la collezione grafica dell”Albertina, contiene più di 150 disegni e acquerelli di quelli acquisiti dalla Galleria Nazionale di Vienna nel 1917, integrati da opere acquisite dalle collezioni di Arthur Roessler e Heinrich Benesch, nonché dalle donazioni del figlio di August Lederer, Erich.

Il Leopold Museum contiene più di 40 dipinti a olio e 200 disegni di Schiele, raccolti a partire dal 1945 in un periodo di quasi quarant”anni da Rudolf Leopold, che si preoccupava soprattutto di ricomprare le opere degli ebrei austriaci emigrati a causa del nazismo.

La Galleria Belvedere possiede importanti opere dell”espressionismo austriaco oltre alla sua enorme collezione di Gustav Klimt, inclusi molti dei più famosi dipinti di Schiele, come La ragazza e la morte, L”abbraccio, La famiglia, Madre con due bambini e il Ritratto di Otto Koller.

Il Museo di Vienna, un gruppo di musei storici della capitale, conserva opere principalmente della collezione di Arthur Roessler, come il suo ritratto o quello di Otto Wagner, nature morte, ecc.

Infine, il Museo Egon Schiele, aperto nel 1990 nella città natale dell”artista, si concentra sulla sua gioventù e sui suoi studi all”Accademia di Belle Arti di Vienna attraverso opere originali e riproduzioni.

1908 : Klosterneuburg, Kaisersaal de la maison religieuse.1909 : ” Internationale Kunstschau Wien “, Vienne ; ” Neukunstgruppe “, Vienne, galerie Pisko.1910 : ” Neukunstgruppe “, Praga.1911 : ” Egon Schiele “, Vienne, galerie Miethke ; ” Buch und Bild “, Monaco, galerie Hans Goltz.1912 : ” Frühlingsausstellung “, Sécession de Munich et Vienne, Hagenbund.1913 1914 : ” Mostra Premio Concorso Carl Reininghaus : Opere di Pittura “, Vienne, galerie Pisko ; ” Mostra Internazionale “, Kunsthalle de Brême.1915 : ” Mostra Collettiva : Egon Schiele, Vienna “, Vienne, galerie Arnot.1917 : ” Österrikiska Konstutställningen “, Stockholm, Liljevalchs konsthall.1918 : ” XLIX. Mostra dell”Associazione degli artisti austriaci”, Vienne, Palais de la Sécession.

1919 : “Il disegno: Egon Schiele”, Vienne, Gustav Nebehay Art Shop.1923 : “Egon Schiele”, Vienne, Nuova Galleria. 1925-1926 : ” Egon Schiele “, Vienne, Kunsthandlung Würthle.1928 : ” Mostra commemorativa Egon Schiele “, Vienne, Neue Galerie et Hagenbund.1939 : ” L”Art autrichien “, Parigi, Galerie Saint-Étienne ; ” Egon Schiele “, New York, Galerie St. Etienne.1945 : ” Klimt, Schiele, Kokoschka “, Vienne, Neue Galerie.1948 : 24e Biennale de Venise ; ” Egon Schiele : Mostra commemorativa”, Vienne, Graphische Sammlung Albertina; “Egon Schiele: Mostra commemorativa nel 30° anniversario della sua morte”, Vienne, Neue Galerie. 1956 : ” Egon Schiele : Paintings, Watercolours, Drawings, Graphic Art “, Berne, Gutekunst & Klipsetin.1960 : ” Egon Schiele ” : Boston, Institute of Contemporary Art ; New York, Galerie St. Etienne ; Louisville (Minneapolis Institute of Art.1964 : ” Egon Schiele : Paintings, Watercolours and Drawings, Londres, Marlborough Fine Arts ; ” Twenty-Five Anniversary Exhibition “, New York, Galerie St. Etienne.1965 Gustav Klimt & Egon Schiele “, New York, Musée Solomon R. Guggenheim.1967 : ” 2e Internationale der Zeichnung “, Darmstadt, Mathildenhöhe.1968 : ” Gustav Klimt, Egon Schiele : ” Per commemorare il 50° anniversario della loro morte “, Vienne, Graphische Sammlung Albertina et musée d”histoire de l”art ; ” Egon Schiele : Leben und Werk”, Vienne, Österreichische Galerie Belvedere; “Egon Schiele : Paintings ” et ” Egon Schiele (1890-1918) : Watercolours and Drawings “, New York, Galerie St. Etienne.1969 : ” Egon Schiele : Drawings and Watercolours, 1909-1918 “, Londres, Marlborough Fine Art.1971 : ” Egon Schiele and the Human Form : Drawings and Watercolours “, Des Moines Art Center.1972 : ” Egon Schiele : Oils, Watercolours and Graphic Work “, Londres, Fischer Fine Art.1975 Egon Schiele : Oils, Watercolours and Graphic Work “, Londres, Fischer Fine Art.1978 : ” Egon Schiele as He Saw Himself “, New York, Serge Sabasky Gallery.1981 : ” Experiment Weltuntergang : Wien um 1900 “, Kunsthalle de Hambourg ; ” Egon Schiele : Disegni e acquerelli “, musée historique de la ville de Vienne ; Linz, Neue Galerie ; Monaco, Villa Stuck ; Hanovre, Kestnergesellschaft.1985 : ” Sogno e realtà “, Vienne, Künstlerhaus (Maison des artistes).1986 : “Otto Kallir-Nirenstein: un pioniere dell”arte austriaca”, museo storico della città di Vienne; “Vienne, 1880-1938. L”Apocalypse joyeuse”, Parigi, Centro Pompidou. 1989 : ” Egon Schiele e il suo tempo : dipinti e disegni austriaci dal 1900 al 1930, dalla collezione Leopod “, Kunsthaus di Zurigo ; Vienne, Kunstforum ; Monaco, Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung.

1990: “Egon Schiele nell”Albertina. Die Zeichnungen und Aquarelle aus eigenem Besitz”, Vienna, Albertina; “Egon Schiele: A centennial retrospective”, Nassau County Museum (“Egon Schiele: frühe Reife, ewige Kindheit”, Vienna City History Museum.1991: “Egon Schiele: a centerary exhibition”, Londra, Royal Academy.1995: “Schiele”, Martigny, Fondation Gianadda; “Egon Schiele. Die Sammlung Leopold”, Kunsthalle Tübingen; Düsseldorf, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen; Kunsthalle Hamburg; Parigi, Musée National d”Art Moderne.2001: “La Vérité nue: Gerstl, Kokoschka, Schiele, Boeckl”, Musée Maillol, Parigi.2003: “Egon Schiele, entre érotisme et angoisse”, Museo d”Arte Moderna, Lugano.2004 2004: “Egon Schiele: Landscapes”, Vienna, Leopold Museum.2005: “Egon Schiele: liefde en dood”, Amsterdam, Van Gogh Museum.2005-2006: “Klimt, Schiele, Moser, Kokoschka, Vienne 1900”, Parigi, Grand Palais.2018-2019: “Egon Schiele”, Parigi, Fondation Louis Vuitton.2020: “Hundertwasser-Schiele. Imagine Tomorrow”, Vienna, Leopold Museum.

Egon Schiele

Riassunto

Infanzia e istruzione (1890-1909)

Dalla Secessione all”Espressionismo (1908-1912)

Maturità (1912-1918)

Tra art nouveau e espressionismo

Appropriazione di genere

Singolarità e significato

Fortuna del lavoro

Area del museo

La poesia di Schiele tradotta in francese

Bibliografia selettiva in francese

Link esterni

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