Elia Kazan

gigatos | Dicembre 26, 2021

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Riassunto

Elia Cazan (7 settembre 1909 – 28 settembre 2003) è stato un regista, produttore, sceneggiatore e autore americano di film e teatro, la cui carriera ha attraversato gli anni ”30 e ”70.

Il primo grande successo di Kazan fu a Broadway, dove divenne un sostenitore di una nuova scuola di recitazione basata sul sistema di Stanislavski. Dal 1935 Kazan iniziò a mettere in scena le produzioni del famoso teatro sperimentale The Group Theater, e nel 1947 co-fondò e diresse l”Actors” Studio, una delle compagnie teatrali più prestigiose del suo tempo. Nel 1947, il particolare successo di Kazan arrivò con la produzione di due opere, Tutti i miei figli (1947) di Arthur Miller, che portò a Kazan il suo primo Tony Award come miglior regista, e Un tram chiamato desiderio (1947-1949) di Tennessee Williams. Kazan vinse in seguito dei Tony Awards per la regia di The Death of a Salesman (1949-1950), basato sull”opera di Miller, e J. B.” (1958-1959) di Archibald MacLeish, così come le nomination ai Tony per Cat on a Hot Roof (1955-1956) di Williams, Darkness at the Top of the Stairs (1957-1959) di William Inge e The Sweet-Haired Bird of Youth (1959-1960) di Williams.

Dal 1945 Kazan iniziò a lavorare a Hollywood come regista. Ha vinto l”Oscar per la regia di The Gentleman”s Agreement (1947) e At the Port (1954), oltre alle nomination all”Oscar per Un tram chiamato desiderio (1951). (1951), East of Heaven (1955) e America, America (1963, che gli valse anche la nomination come miglior sceneggiatore e come produttore per il miglior film). Tra gli altri film più importanti di Kazan ci sono Un albero cresce a Brooklyn (1945), Panico nelle strade (1950), Viva Zapata! (1952), Dolly (1956), Face in the Crowd (1957) e Splendour in the Grass (1961). Come regista, Kazan ha raggiunto il riconoscimento dirigendo film su temi sociali e morali acuti, basati su una forte drammaturgia e sulla sua capacità di far recitare i suoi attori in modo eccezionale. Un totale di 21 attori sono stati nominati ai premi Oscar per la loro interpretazione nei film diretti da Kazan. Kazan ha reso famosi attori giovani e precedentemente oscuri come Marlon Brando, James Dean e Warren Beatty, e le attrici Vivien Leigh, Eva Marie Saint, Carroll Baker e Natalie Wood hanno interpretato alcuni dei loro migliori ruoli nei suoi film.

Insieme a due Oscar per la regia, Kazan ha ricevuto un Oscar per l”Outstanding Achievement in Cinematography, quattro Golden Globes per la sua regia e vari premi prestigiosi in molti prestigiosi festival cinematografici internazionali tra cui i festival di Cannes e Venezia.

La vita e la carriera di Kazan furono oscurate da un atto controverso quando, nel 1952, nominò otto dei suoi ex colleghi di teatro che erano stati membri del partito comunista americano con lui nei primi anni ”30, in una riunione della Commissione del Congresso americano sulle attività antiamericane. Questo portò alla loro inclusione in una lista nera di Hollywood e a un divieto di fatto di lavorare a Hollywood per quasi due decenni, mentre la carriera di Kazan andò alle stelle dopo la sua testimonianza. Kazan cercò poi ripetutamente di spiegare e giustificare il suo atto, ma molti registi affermati non accettarono mai la sua spiegazione.

Elia Kazan (nato Elias Kazancioglu) è nato il 7 settembre 1909 a Costantinopoli, Impero Ottomano (oggi Istanbul, Turchia). Era uno dei quattro figli di una famiglia di greci anatolici. Suo padre emigrò a New York, dove divenne un commerciante di tappeti, trasferendo la sua famiglia poco prima dello scoppio della prima guerra mondiale. Al momento del suo arrivo negli Stati Uniti, Kazan aveva quattro anni. La famiglia si stabilì inizialmente a New York, nel quartiere greco di Harlem, e quando aveva otto anni la famiglia si trasferì nella periferia di New Rochelle.

Dopo essersi diplomato al liceo, dove Kazan ha studiato “senza molta distinzione”, si è iscritto al Williams Private College di Williamsburg, nel Massachusetts. Per pagarsi gli studi, ha lavorato part-time come cameriere e lavapiatti. Al college, Kazan era soprannominato “Gadge” (abbreviazione di “Gadget”), che Kazan stesso ha detto che gli è stato dato perché era “un piccolo, compatto ed eccentrico … un piccolo tipo utile, pratico e sempre accomodante”. Questo soprannome, che odiava, rimase con Kazan per tutta la sua vita. Come ha detto lo stesso Kazan, si è fatto così “per trovare un terreno comune con la gente, per essere accettato, per diventare invisibile”. John Steinbeck, che più tardi scrisse la sceneggiatura di Viva Zapata, gli disse: “Che soprannome! Utile a tutti tranne che a se stesso!”. Kazan attribuisce molto alle sue origini anatoliche, in particolare a quello che chiama nella sua autobiografia “un desiderio di ingraziarsi e una capacità di fingere”. Aveva lo stesso “sorriso anatolico” che “non gli piaceva tanto in suo padre, un sorriso che nascondeva risentimento”.

Al college, Kazan era un outsider. Come scrive lo storico del cinema David Thompson, “Al college e più tardi alla School of Drama, Kazan è sempre stato un outsider risentito, un intruso arrabbiato e invadente. Non aveva amici e ribolliva di rabbia per essere ignorato dalle belle ragazze bianche dell”élite – finché non le toccava con la sua energia da outsider. Spesso lavorava in nero come barista alle feste di studenti d”élite dove non poteva entrare come membro della comunità studentesca. Come disse Kazan: “In queste feste studentesche è nata la mia attrazione ossessiva per le donne degli altri e il mio bisogno di prenderle per me”. Più tardi ammise di essere stato un “seduttore maniacale di donne” per tutta la vita.

Nonostante i suoi successi successivi, per tutta la vita Kazan continuò a considerarsi un outsider. Come disse in un”intervista del 1995: “Molti critici mi chiamano un outsider, e suppongo che sia così, perché sono uno straniero, sono un immigrato. Insomma, non facevo parte della società. Mi sono ribellato. E anche quando ci sono riuscito, sono rimasto un estraneo. Perché questa è la mia natura.

Durante il suo ultimo anno di università, vide La corazzata Potemkin di Sergei Eisenstein. Era uno studente del film Battleship Potemkin durante il suo ultimo anno di college e decise di dedicarsi seriamente alla recitazione. Dopo essersi laureato con ottimi voti al Williams College, Kazan si iscrisse alla Yale University”s School of Drama, dopo di che si unì al Group Theatre di New York nel 1933.

Una carriera teatrale negli anni ”30 e ”60

Nel 1932, dopo due anni alla Yale University”s School of Drama, Kazan si unì al The Group Theater di New York come attore e assistente alla regia. Apparve per la prima volta sul palcoscenico di Broadway in A Doll (1932) e poi interpretò la parte di un inserviente nel dramma medico di Sidney Kingsley Men in White (1933-1934), in cui recitarono anche Joseph Edward Bromberg, Paula Strasberg, Lewis Leverett, Clifford Odets, Tony Kreiber, Art Smith, Phoebe Brand e suo marito Morris Karnowski, tutti quelli che Kazan avrebbe chiamato comunisti 19 anni dopo.

Nel 1934, come molti giovani delle arti che vedevano la devastazione della Grande Depressione e aspiravano a qualche futuro promettente, Kazan si unì al Partito Comunista con sua moglie Molly Day Thatcher. Ma, secondo David Thomson del Guardian, “Kazan non è stato reso un membro obbediente del partito. Aveva gusti ostinati. In particolare, amava il lavoro di Orson Welles. Alla fine, un funzionario del partito, “l”uomo di Detroit”, è arrivato alla riunione della cella di Kazan e l”ha detto agli altri. Fu fatta una votazione sull”appartenenza di Kazan al partito e fu espulso all”unanimità. Divenne un outsider, anche negli zelanti anni ”30 odiava la segretezza e la paranoia e non poteva sopportare la soppressione dell”individualità”.

Kazan e Odets erano amici per la pelle negli anni ”30. Dopo essere diventato drammaturgo, Odets ottenne “un enorme successo con il suo potente atto unico” Waiting for Lefty (1935). In questo spettacolo Kazan eccelleva nel ruolo significativo di un tassista arrabbiato che incitava i suoi colleghi allo sciopero e poi si rivolgeva al pubblico e li esortava a cantare insieme a lui: “Sciopero!”. Harold Clurman, cofondatore del Group Theater, ha ricordato nel suo libro The Fiery Years (1945) (1945): “Elia ha fatto una grande impressione. Tutti erano convinti che l”avessimo preso direttamente dal taxi per il ruolo. Nella seconda metà del 1930 Kazan recitò nelle commedie di Odets “Paradise Lost” (1935) e “Golden Boy” (1937), il musical “Johnny Johnson” (1937) su musica di Kurt Weill, così come nella commedia di Irwin Shaw “Nice People” (1939).

Alla fine degli anni ”30 Kazan si era ritrovato anche come regista teatrale. Nel 1935 Kazan diresse la sua prima opera teatrale, The Young Go First (1935), seguita da Casey Jones (1938) e Thundercliff (1939), basati su opere di Robert Ardrey. Nel 1937 Kazan si rivolse per la prima volta al cinema, girando il suo primo film con il cameraman Ralph Steiner, un documentario indipendente di 20 minuti, The Cumberland Men (1937).

Nel 1940, Kazan attirò l”attenzione di Hollywood con la sua interpretazione nell”opera teatrale Night Music (1940) di Odets, e tra il 1940 e il 1941 recitò in due film di gangster diretti da Anatole Litwack, Conquer the City (1940) e Blues in the Night (1941). Secondo Thomson, “era bravo in entrambe le cose, ma non si è mai considerato più di un cattivo o un caratterista”. Come scrisse Dick Vosburgh su The Independent, nell”estate del 1940 Kazan “interpretò un piacevole gangster nel film della Warner Bros. Sparato inaspettatamente da un compagno di gangster, muore pronunciando una frase: “Oh mio Dio, non me lo aspettavo proprio!”, ed è stato uno dei momenti più memorabili del film”. Come riporta Vosburg, secondo la leggenda di Hollywood, il capo dello studio Jack Warner offrì a Kazan un contratto pluriennale come attore, consigliandogli di cambiare il suo nome in Paul Cézanne. Quando il giovane attore fece notare che c”era già un Paul Cézanne, Warner avrebbe risposto: “Ragazzo, fai un paio di film di successo e la gente si dimenticherà di quel tipo! Dopo aver fatto il clarinettista nello stesso studio in Blues in the Night (1941), Cézanne decise di concentrarsi sulla regia. Nella sua autobiografia del 1988, Elia Kazan: A Life, scrisse: “Decisi quell”estate che non avrei mai più fatto l”attore, e non lo feci più.

Kazan tornò al suo teatro, “cogliendo rapidamente il potere creativo in quello che si rivelò essere un momento critico”. Durante l”epoca della Grande Depressione, The Group Theater fu considerato il teatro sperimentale più significativo del suo tempo. Il suo lavoro si basava sul sistema di Stanislavskij “dove l”attore sperimenta internamente l”emozione che deve incarnare sulla scena, mettendo in relazione i sentimenti del personaggio con la propria esperienza”. Tuttavia, Kazan non si è fermato qui. Prima, quando lavorava come assistente alla regia al Theatre Guild, vide un approccio diverso alla recitazione teatrale incarnato dall”attore Osgoode Perkins. Kazan scrisse: “Non c”è emozione lì, solo artigianato. In ogni aspetto dell”attrezzatura tecnica era impareggiabile”. Da quel momento in poi, Kazan cominciò a cercare di combinare entrambi i metodi nel suo lavoro – psicologico e professionale, o tecnico: “Ho pensato che potevo prendere il tipo di arte che Perkins esemplificava – recitazione esteriormente pura, controllata e controllata in ogni minuto e in ogni turno con gesti trattenuti ma convincenti – e combinarlo con il tipo di recitazione che Group ha costruito – intenso e veramente emotivo, radicato nel subconscio e quindi spesso inaspettato e scioccante nella sua rivelazione. Volevo cercare di riunire queste due tradizioni opposte e spesso contrastanti”. Come scrive Mervyn Rothstein sul New York Times, “Combinando queste due tecniche, Kazan divenne noto come un regista di recitazione – per molti nel campo delle arti era il miglior regista di recitazione di tutti i tempi. Molti critici dissero che la recitazione che ottenne in seguito da Marlon Brando, Rod Steiger, Karl Molden, James Dean, Julie Harris, Carroll Baker, Ali Wallach e Natalie Wood, tra molti altri, fu la migliore della loro carriera”.

Nel 1942 Kazan ricevette recensioni entusiastiche per la sua produzione della commedia popolare Café Corona (1942), che fu il suo primo grande successo come regista teatrale. (1942), che fu il suo primo grande successo come regista teatrale. La commedia La pelle dei nostri denti (1942-1943), basata sull”opera teatrale di Thornton Wilder, seguì presto con un “cast da sogno” che includeva Tallulah Bankhead, Fredric March e Montgomery Clift. L”opera fu un grande successo con 359 rappresentazioni. L”opera stessa vinse il Premio Pulitzer e Kazan ricevette il New York Drama Critics Society Award per la sua produzione. Questa produzione fu una svolta per Kazan. Fu seguito da produzioni di successo come il musical di Kurt Weill e Ogden Nash One Touch of Venus (1943-1945, 567 rappresentazioni) con Mary Martin e la commedia antifascista Jacobowski e il colonnello (1944-1945, 417 rappresentazioni).

Alla fine Kazan giunse alla conclusione che il Group Theater si sbagliava nell”assumere che il teatro è un”arte collettiva. Ha detto: “Per avere successo, bisogna esprimere la visione, la convinzione e la presenza persistente di una persona. Questa persona deve avere una passione per la chiarezza – con lo sceneggiatore, si concentra sul tema principale della sceneggiatura e poi analizza ogni linea per la motivazione e la tensione drammatica”.

Nel 1947 Kazan, Cheryl Crawford e Robert Lewis fondarono l”Actors Studio come una piattaforma speciale dove gli attori potessero crescere nella loro professione e sviluppare le conoscenze psicologiche richieste nelle opere che dominavano Broadway negli anni 40 e 50. Più tardi, anche Lee Strasberg si unì all”Actors Studio, diventandone il direttore permanente dal 1951 fino alla sua morte nel 1982. L”Actors” Studio, che praticava la recitazione secondo un metodo vicino al sistema di Stanislavsky, si rivelò estremamente influente nella sua ricerca della verità interiore che l”attore deve rivelare. Infatti, è stato questo metodo che ha trasformato l”attore da interprete professionale a genio creativo. Inoltre, secondo Thomson, questo metodo con la sua espressione personale funzionava ancora meglio sullo schermo che sul palcoscenico. Lo studio di recitazione divenne una specie di casa spirituale per la gente di teatro, e gli attori amavano l”approccio di Kazan alla regia.

Durante questo periodo, iniziò la collaborazione di Kazan con drammaturghi come Arthur Miller e Tennessee Williams, rendendo Kazan una delle figure più potenti di Broadway. Nel 1947, il più grande successo di Kazan arrivò con la produzione di due opere, Tutti i miei figli (1947) di Arthur Miller e Un tram chiamato desiderio (1947-1949) di Tennessee Williams. (1947-1949) di Tennessee Williams. All My Sons, che andò in scena per 328 spettacoli, fu la prima collaborazione di Kazan con Miller. La produzione di questa opera, che raccontava “i mali creati dalla speculazione in guerra”, fu, nelle parole di Rothstein, “irresistibilmente” eseguita. L”opera vinse due Tony Awards – per Miller come autore e per Kazan come regista.

Nel 1947, Kazan iniziò la sua collaborazione a Broadway con Tennessee Williams. La loro prima collaborazione fu la produzione della commedia Un tram chiamato desiderio (1947-1949, 855 rappresentazioni), per il quale il drammaturgo ricevette il premio Pulitzer. Come notato da Rothstein, “una magnifica messa in scena di questa commedia su una squallida aristocratica del sud Blanche DuBois e il marito violento di sua sorella Stanley Kowalski, fece di Kazan un eccezionale regista di Broadway, e il personaggio di Kowalski rese un ventitreenne Brando una nuova grande star. Come ha notato Thomson, “La produzione è importante per la sua energia fisica di recitazione, il suo contegno psicologicamente ricco nell”incarnazione di Branlo, che Kazan ha scelto per interpretare Kowalski. E lo stile di recitazione distintamente americano che Kazan ha sviluppato sotto la forte influenza di Stanislavsky”. Il critico teatrale John Chapman del New York Daily News ha definito lo spettacolo “una di quelle opere indimenticabili dove tutto è giusto e non c”è niente di sbagliato”. Ad eccezione di Jessica Tandy, che ha interpretato Blanche DuBois a Broadway, l”intero cast newyorkese di Un tram miracoloso ha riprodotto i propri ruoli nell”incarnazione cinematografica dell”opera del 1951. L”opera ha vinto due Tony Awards – per il miglior dramma (Williams) e la migliore attrice drammatica (Tandy)

Durante questo periodo Kazan si trovò a un bivio – da un lato aveva già iniziato a lavorare a Hollywood, dall”altro era ancora attratto dalle sue radici teatrali in Oriente. Secondo Thomson, Kazan “era intrigato dalle possibilità che il cinema offriva in termini di creazione della realtà attraverso il vento, l”aria e la scelta del luogo, così come in termini di dramma e in termini di mostrare una buona recitazione. Come regista stava diventando più visivo, più cinematografico e – come alcuni hanno detto – più hollywoodiano, cosa che lui stesso amava disprezzare”.

Ciononostante, Kazan ha deciso di non abbandonare il palcoscenico. Continuò la sua collaborazione con Miller con The Death of a Salesman (1949-1950, 742 rappresentazioni), che un critico definì “un”affascinante e devastante esplosione teatrale che solo i nervi dello spettatore teatrale moderno possono sopportare”. Mervyn Rothstein sul New York Times definì l”opera “un”altra pietra miliare teatrale” di Kazan, “un”accusa schiacciante dello stile di vita americano con Lee Jay Cobb come venditore medio americano, Willie Loman”. Miller vinse un premio Pulitzer e due Tony Awards per l”opera, come miglior opera e miglior autore, Kazan vinse un Tony per la regia, e l”opera vinse anche come miglior attore non protagonista (Arthur Kennedy), miglior produttore teatrale e miglior direttore artistico.

Gli anni ”50 furono segnati da una serie di nuove produzioni di successo di Kazan a Broadway. Queste includevano le sue prime produzioni a Broadway di Camino Real (1953), basato su una commedia di Williams, e Tea and Sympathy (1953-1955), basato su una commedia di Robert Anderson. L”opera fu rappresentata 712 volte e vinse un Tony Award per l”attore John Kerr e un Theatre World Awards per gli attori Anthony Perkins e Mary Fickett. Il successivo grande successo di Kazan fu La gatta sul tetto che scotta (1955-1956, 694 rappresentazioni), basato su una commedia di Williams, il cui testo, sotto il controllo di Kazan, fu sottoposto a una sostanziale revisione. Per questa commedia, oltre al premio Pulitzer per il miglior dramma, Williams ricevette anche una nomination ai Tony. Altre nomination ai Tony includono Kazan per la regia, Barbara Bel Geddes per la migliore attrice e Joe Milziner per la migliore scenografia.

Tra le produzioni di maggior successo di Kazan c”è anche il dramma Darkness at the Top of the Stairs (1957-1959, 468 rappresentazioni) basato sull”opera teatrale di William Inge, che ottenne cinque nomination ai Tony, tra cui per la migliore opera teatrale (nominata da Inge come autore, Kazan e Arnold St. Sabber come produttori) e separatamente per la migliore produzione di Kazan. L”opera teatrale “J. B.” (1958-1959, 364 rappresentazioni) basato sull”opera teatrale di Archibald MacLeish, che vinse al drammaturgo il Premio Pulitzer per il miglior dramma, vinse anche due Tony Awards – MacLeish per la migliore opera teatrale e Kazan per la migliore regia – oltre alle nomination ai Tony per la migliore direzione artistica e per gli attori Christopher Plummer e Nan Martin. Il dramma The Sweet-Haired Bird of Youth (1959-1960, 375 rappresentazioni), basato sull”opera di Williams, valse a Kazan un premio della critica newyorkese e una nomination ai Tony per la migliore regia, oltre alle nomination ai Tony per Geraldine Page e Rip Torn. Nel 1961, Kazan disse che “il costo vertiginoso di una produzione a Broadway” e il taglio dei programmi delle prove da parte dei produttori rendevano “quasi impossibile fare un lavoro artisticamente audace”. Ha lasciato Broadway e ha iniziato a scrivere romanzi e sceneggiature.

Dopo una breve pausa dal lavoro letterario e cinematografico, Kazan tornò a New York nel 1964 come direttore e direttore artistico (con Robert Whitehead) del nuovo Vivian Beaumont Theater, allora in costruzione al Lincoln Center. Mentre il nuovo teatro era in costruzione, Kazan mise in scena cinque produzioni, tra cui due drammi di Arthur Miller, After the Sinfall (1964-1965) e It Happened in Vichy (1964-1965) all”ANTAWashington Square Theatre nel Greenwich Village.In After the Sinfall (1964-1965, 208 spettacoli), che era insolito per Kazan nel suo carattere non lineare e surrealista. Arthur Miller ha espresso i suoi pensieri ed emozioni dopo la rottura del suo matrimonio con Marilyn Monroe. Lo spettacolo portò all”attrice Barbara Loden, che sarebbe diventata la moglie di Kazan nel 1967, il premio Tony e il premio Theatre World come migliore attrice, mentre l”attore Jason Robarts Jr. ottenne una nomination ai Tony. Kazan produsse anche Marco Millions (1964) basato sulla commedia di Eugene O”Neill, fu produttore e regista della commedia But For Whom Charlie (1964), la commedia Substitute (1964) basata sulla tragedia di Thomas Middleton, produsse Accadde a Vichy (1964-1965), basato sul dramma di Arthur Miller (diretto da Harold Clurman), e la commedia Tartuffe di Molière (1965), che ottenne tre nomination ai Tony, tra cui Kazan come uno dei produttori e William Ball per la migliore produzione. Tuttavia, le dispute con il consiglio di amministrazione del Lincoln Center portarono Kazan e Whitehead a dimettersi nel 1965 prima ancora che il Vivian Beaumont Theater fosse completato. Secondo la CBS, dopo due stagioni Kazan si dimise, affermando che “il lavoro di amministratore non era di suo gradimento”.

Carriera cinematografica 1945-1952

Come scrive Rothstein, “dopo aver raggiunto la vetta in teatro, Kazan cominciò a ottenere il riconoscimento anche come regista cinematografico. Il primo film di Kazan fu il melodramma The Tree Grows in Brooklyn (1945), basato sul romanzo bestseller di Betty Smith del 1943.

Questa storia toccante racconta le preoccupazioni e le tribolazioni della vita della famiglia irlandese Nolan, che vive in un condominio di Brooklyn nel 1912. La famiglia è composta dal padre (James Dean), un alcolizzato bello e gentile ma irresponsabile, la madre Cathy (Dorothy McGuire), lavoratrice e responsabile, e i due figli, Francie (Peggy Ann Garner) di 13 anni e Neely di 12. La storia è raccontata a nome della brillante e sobria Francie, che, amando suo padre e desiderosa di imparare. Anche la sorella di sua madre, la zia Cissy (Joan Blondell), dallo spirito libero e un po” stravagante, è attiva nella vita della famiglia. Come ha scritto il critico cinematografico Dick Vosburgh sull”Independent, quando il produttore della 20th Century Fox Louis D. Leighton suggerì a Kazan di dirigere una versione cinematografica del romanzo, il produttore capo dello studio Darryl F. Zanuck rispose: “Sono naturalmente sospettoso dei pensatori profondi nei film. A volte pensano così profondamente che mancano il bersaglio”. Il film, tuttavia, dimostrò che Zanuck si sbagliava. Il film fu diretto con grande sentimento e James Dean e Peggy Ann Garner vinsero degli Oscar per la loro recitazione. Il film fu anche nominato all”Oscar per la migliore sceneggiatura. Seguì la soap opera western Sea of Grass (1947), che raccontava la storia di Luthie Cameron (Katharine Hepburn), una donna mondana di St. Louis che sposa un grosso mandriano del Nuovo Messico, il colonnello Jim Brewton (Spencer Tracy). Il colonnello sta combattendo un”aspra battaglia contro i nuovi coloni che stanno occupando la sua terra. Inizialmente, Luthie sostiene suo marito, ma presto è respinta dall”intolleranza e dalla crudeltà del colonnello e lo lascia. Stabilitasi a Denver, inizia una relazione con l”avvocato Bryce Chamberlain (Melvin Douglas), che difende i diritti dei coloni. Qualche tempo dopo la nascita di suo figlio, tuttavia, ritorna al Colonnello, ma senza la giusta attenzione dei genitori suo figlio (Robert Walker) cresce e diventa un criminale che alla fine viene ucciso da una squadra di polizia.

A Kazan inizialmente la storia piacque così tanto che si rivolse specificamente alla Metro-Goldwyn-Mayer Studios per permettergli di dirigere un film basato su di essa. Più tardi, in un”intervista, Kazan disse che ciò che lo attraeva nell”opera era “la scala di una classica storia americana” e “la sensazione che quando avvengono dei cambiamenti storici, qualcosa di meraviglioso si perde”. Kazan voleva fare un film su larga scala in loco con attori relativamente oscuri “dalla pelle ruvida”, ma finì per dover lavorare in un padiglione di studio con star di prim”ordine. Come disse più tardi Kazan, se “avessi saputo che un film sull”erba, gli spazi aperti e il cielo” sarebbe stato girato in studio, e “se fossi stato abbastanza forte e sicuro, se avessi difeso la mia dignità, avrei rifiutato”. Ma mi hanno insegnato a non fermarmi e a cercare la migliore soluzione possibile. La versione finale della sceneggiatura non piaceva affatto a Kazan, ma c”era poco da fare perché la sua influenza a Hollywood era limitata all”epoca. Secondo lo storico del cinema Jeremy Arnold, Kazan fece del suo meglio, ma come aveva previsto, il lavoro era caotico e scomodo. I problemi principali erano il calendario di produzione fissato dallo studio e i gravi conflitti tra il regista e le due star. Tracy soffriva di problemi di alcool, che sono costantemente sottovalutati, ma la Hepburn, per evitare al suo compagno un crollo completo, ammirava la sua performance in ogni scena, il che non permetteva a Kazan di tradurre la sua visione della recitazione nel film. Alla fine, secondo Arnold, “non solo è stato il film più atipico per Kazan, ma anche il film più debole del duo stellare Tracy-Hapburn”. Il critico dei giorni nostri Dennis Schwartz lo definì “un deludente studio western di proporzioni epiche” che “nonostante un budget sontuoso e una produzione intelligente, è fastidiosamente lento e cupo, lungo e noioso, e, inoltre, manca di azione per un western… Ci sono troppe cose che sembrano false in questa faida da cortile vecchio stile, compresa la scelta innaturale dei protagonisti in un western con star da melodramma urbano. Portano un”inutile teatralità stentata al film e sembrano sforzati.

La volta successiva in cui Zanuck e Kazan unirono le forze fu per il ben più riuscito Boomerang! (1947), basato su un vero caso di omicidio e girato in una piccola città simile a quella in cui è avvenuto. Il film inizia con lo scioccante omicidio di un anziano ministro durante una passeggiata serale lungo la strada principale di una piccola città del Connecticut. La polizia arresta presto un vagabondo locale (Arthur Kennedy) con il sospetto di omicidio, dopo di che il procuratore Henry Harvey (Dana Andrews) interviene per assicurare una condanna. All”inizio, sostenuto dalle autorità locali e dal pubblico, Henry conduce con successo il caso a un verdetto di colpevolezza, ma poi ha dei dubbi sulla colpevolezza dell”accusato, poiché tutte le conclusioni dell”indagine sono costruite su prove circostanziali. Nonostante la confessione dell”imputato, Harvey sente che è innocente. Conduce la propria indagine e, dopo una profonda riflessione, nonostante le intense pressioni su di lui, ritira le accuse.

La maggior parte dei critici e dei recensori ha dato al film una recensione positiva. Bosley Crowther del New York Times, pur notando alcune deviazioni dal materiale reale nella sceneggiatura, ha lodato i meriti artistici del film, scrivendo che “lo stile di presentazione si è sviluppato in un dramma di rara chiarezza e potenza” e, a suo parere, “come melodramma con sfumature umanistiche e sociali, non ha difetti artistici”. La rivista Variety ha definito il film “un avvincente melodramma di vita reale raccontato in stile semi-documentario”, e James Agee in The Nation ha scritto che Boomerang! vanta “la recitazione più impeccabile che abbia mai visto in un singolo film”. Il critico cinematografico contemporaneo Paul Tatara lucida che il film “rimane un quadro emozionante che colpisce più forte e si muove più velocemente della maggior parte dei film di quell”epoca”. Il film fu nominato all”Oscar per la migliore sceneggiatura e il miglior film al Festival di Cannes, e come regista Kazan vinse i premi del National Board of Critics e della New York Film Critics Society. Kazan stesso considerava il film come una svolta per lui.

Kazan diresse nuovamente il suo film successivo, il dramma sociale Gentleman”s Agreement (1947) alla Twentieth Century Fox. Il film racconta la storia del giornalista Phil Green (Gregory Peck) che, trasferitosi a New York, viene incaricato dall”editore della rivista John Minifee (Albert Dekker) di scrivere un articolo sull”antisemitismo. Per approfondire l”argomento, Green, che non è ebreo, decide di vivere per sei mesi fingendo di essere ebreo.

Incontra la nipote dell”editore, l”insegnante Cathy Lacey (Dorothy McGuire), e inizia a frequentarla. Cathy approva la posizione di Phil sull”antisemitismo, ma la interpreta meno categoricamente. Phil incontra diversi casi di discriminazione contro gli ebrei quando una segretaria (June Havoc) viene rifiutata a causa del suo nome ebreo, e il suo amico ebreo Dave Goldman (John Garfield) racconta come è stato attaccato da un soldato antisemita nell”esercito. A causa della sua etnia, Dave non è in grado di trovare un alloggio adatto alla sua famiglia. Successivamente, Phil incontra l”antisemitismo tra i medici, e come ebreo gli viene rifiutato l”alloggio in un costoso hotel di periferia, e suo figlio viene deriso a scuola. Molti degli amici di Katie, la sorella di Jane, non vengono alla festa dopo aver saputo che ci sarà un ebreo, e Katie si rifiuta di affittare il suo cottage libero a Dave perché i vicini non lo vorrebbero, portando a una rottura del fidanzamento con Phil. Dopo l”uscita dell”articolo di Phil, che riceve grandi apprezzamenti in redazione, Cathy accetta di affittare il suo cottage a Dave, dopo di che Phil si riconcilia con lei.

Il film è basato sull”omonimo romanzo bestseller del 1947 di Laura Z. Hobson. Come fa notare lo storico del cinema David Sturritt, il soggetto era rischioso per l”epoca e molti misero in guardia Zanuck dal fare questo film, ma a suo credito e a quello di Kazan, non ascoltarono questo consiglio e “fecero correre quel muro alla Twentieth Century Fox”. Tuttavia, alcuni critici hanno ritenuto sbagliato concentrarsi su un eroe che soffre solo temporaneamente di antisemitismo. Come ha scritto l”autore liberale Ring Lardner, “la morale del film è che non bisogna mai essere cattivi con un ebreo perché potrebbe rivelarsi un non ebreo”. Altri hanno criticato il film per la sua natura eccessivamente moralistica. Robert L. Hatch, in particolare, scrisse su The New Republic che era “più un trattato che un”opera teatrale, che soffre dei difetti intrinseci di un”opera di verità”. Ha notato, tuttavia, che la storia “va ben oltre la dimostrazione delle palesi molestie nei confronti degli ebrei e la descrizione degli sporchi trucchi dei quartieri chiusi e dei clienti selezionati”. Le persone sane di mente si oppongono a questi esempi di comportamento anormale, ma il Gentleman”s Agreement colpisce anche queste stesse persone sane di mente, mettendole in un angolo dove un codice di comportamento accettabile non può più coprirle e dovranno rendere chiara la loro posizione”.

D”altra parte, Bosley Crowther del New York Times ha elogiato il film, scrivendo che “l”abietta insensibilità dell”antisemitismo è stata esposta nel film con uguale candore e persino maggiore forza drammatica che nel romanzo da cui è tratto. Ogni momento del pregiudizio descritto nel libro ha ricevuto un”illustrazione superba e una dimostrazione più espressiva nel film, non solo estendendo ma intensificando la portata dello sdegno morale”. Notando l”atto buono e coraggioso del produttore Twentieth Century-Fox Studios nel rendere il film così toccante, Krauser scrisse inoltre: “Gli eccellenti attori, la brillante regia di Elia Kazan e la schiettezza dello sceneggiatore nel nominare nomi specifici hanno dato al film realismo e autenticità. Il film aiuterà ad aprire gli occhi di milioni di persone in tutto il paese su questo brutto e inquietante problema”. Krauser ha notato, tuttavia, che il film tocca solo uno spettro limitato di americani “del più alto livello sociale e professionale”, ed esamina solo le manifestazioni superficiali dell”antisemitismo nell”ambiente borghese, “senza approfondire la morale diabolica da cui l”antisemitismo deriva”. Come sottolinea Sterrit, a causa del suo contenuto coraggioso, intelligente e coinvolgente, The Gentleman”s Agreement ha raccolto un mucchio di onori. In particolare, Zanuck ricevette una nomination all”Oscar per il miglior film, Kazan vinse il premio per la miglior regia e Celeste Holm fu premiata per il suo ruolo di supporto. Il film ha ricevuto un totale di otto nomination agli Oscar, comprese quelle per gli attori Gregory Peck e Dorothy McGuire. Il film vinse anche quattro Golden Globe, tra cui quello per il miglior film e per il miglior regista (Kazan). Kazan ha anche vinto il National Board of Critics Award, il New York Society of Film Critics ed è stato nominato per il Gran Premio Internazionale alla Mostra del Cinema di Venezia. Secondo Thomson, gli Oscar per il miglior film e il miglior regista sono “premi molto generosi oggi per un progetto sull”antisemitismo che sembra stiloso e altezzoso nel suo senso della propria audacia e novità”. Non è un film molto buono o veloce – all”epoca Kazan era ancora un regista teatrale molto migliore, molto più in sintonia con l”impulso del teatro dal vivo”. Tuttavia, secondo Sterrit, il film si colloca tra i migliori “film su questioni sociali urgenti” che Hollywood ha fatto dalla fine della seconda guerra mondiale e, inoltre, “si presenta ancora come un dramma intelligente, acuto e avvincente”. E anche se i tempi sono cambiati dal 1947, l”argomento che affronta così audacemente è ancora attuale”.

Un altro struggente film sociale Pinky (1949) seguì presto, che Rothstein dice essere “uno dei primi film sul tema del razzismo e dei matrimoni misti”. Il film racconta la storia di una donna afroamericana dalla pelle chiara, Patricia “Pinky” Johnson Jeanne Crane). È cresciuta e si è formata come infermiera nel nord degli Stati Uniti prima di tornare da sua nonna Daisy (Ethel Waters) in una piccola città del sud. A Boston, Pinky ha un fidanzato bianco, il dottor Thomas Adams, da cui vuole tornare. Di fronte all”ingiustizia della polizia nei confronti dei neri e alle molestie degli uomini bianchi, Pinky decide di andarsene. Tuttavia, Daisy la convince ad andare come infermiera da Miss Em (Ethel Barrymore), una donna bianca malaticcia che vive in un palazzo sgangherato accanto. Miss Em si rivela essere una donna dura ma giusta. Esorta Pinky a non cercare di spacciarsi per bianca e a vivere la sua vita in modo naturale, ignorando i pregiudizi. Pinky dice a Tom, che è venuto a trovarla, che è nera, ma lui non è imbarazzato. Si offre di tornare al nord con lui e vivere come una donna bianca, ma Pinky vuole continuare il suo lavoro nella sua città natale. Prima di morire, Miss Em fa testamento, lasciando a Pinky la sua casa e la sua terra nella convinzione che lei ne farà buon uso. Nonostante le richieste dei parenti di Miss Em e le suppliche di revocare il testamento, Pinkie, toccata dalla fiducia di Miss Em in lei, decide di non tornare al Nord finché la questione dell”eredità non sarà risolta. Alla fine Pinkie vince il processo, dopo di che, usando la casa e la terra che ha ereditato, Pinkie fonda la Miss Em”s Clinic and Nursery per la comunità negra, che gestisce con Daisy.

Il film è basato sul romanzo Quality (1946) di Sid Ricketts Sumner, pubblicato per la prima volta su Ladies Home Journal. John Ford fu nominato come primo regista, ma dopo una settimana di lavoro, Zanuck era insoddisfatto del filmato e delle immagini formali dei personaggi neri. Sostituì Ford con Kazan, che poco prima aveva ottenuto molto successo con l”antisemita The Gentleman”s Agreement. Quando Kazan subentrò come regista, scartò tutte le riprese di Ford in quanto inadatte, ma lasciò invariata la sceneggiatura e il cast, anche se si rese subito conto che Jean Crane con la sua bellezza, il suo viso intenso e la sua passività non era adatta al ruolo del protagonista. Tuttavia, ha trovato una via d”uscita con la Crane, lanciando queste qualità come tensione del suo personaggio. Contrariamente ai desideri di Kazan, che voleva girare in una città del sud, lo studio decise di girare la maggior parte del film nel padiglione. Come disse più tardi Kazan, “naturalmente non c”era sporcizia, sudore e acqua, non c”era niente. Ecco perché non mi piace molto ”Pinky””. Dopo l”uscita del film, Philip Dunne ha scritto sul New York Times che il film ha rotto “un tabù di lunga data sui film sul pregiudizio razziale o religioso”, la rivista Variety, tuttavia, ha ritenuto la problematica del film non abbastanza acuta, scrivendo che il film mette “l”intrattenimento al di sopra del ragionamento”. Nella sua recensione sul New York Times, Bosley Crowther, in particolare, ha scritto: “Zanuck e la Twentieth Century-Fox hanno attirato l”attenzione sul problema del razzismo nel suo luogo più famoso – il profondo sud”, creando “un quadro vivace, rivelatore ed emotivamente intenso”. Il quadro “presenta abbastanza francamente alcuni aspetti della discriminazione razziale nel Sud… Per tutti i suoi meriti, tuttavia, questa dimostrazione del problema sociale ha alcuni difetti e omissioni con cui è difficile essere d”accordo. La visione che gli autori hanno dei neri e dei bianchi è in gran parte limitata a tipi che non corrispondono alla realtà di oggi. Non viene offerta alcuna riflessione veramente costruttiva sul rapporto tra neri e bianchi. Una vivida esposizione di certe atrocità e ingiustizie è tutto ciò che il film offre. Tuttavia, li presenta con sentimento e preoccupazione. Sebbene il critico contemporaneo Thomson definì il film “un tentativo banale di raccontare il razzismo”, Dick Vosburgh considerò il film “un serio attacco al pregiudizio razziale, che fu un altro successo per Zanuck e Kazan, sebbene fosse rovinato da un finale evasivo”. Anche se il film non vinse un Oscar come The Gentleman”s Agreement, guadagnò comunque le nomination all”Oscar per tre interpreti femminili – Jeanne Crane come migliore attrice e Ethel Barrymore ed Ethel Waters come migliori attrici non protagoniste.

Il film fu seguito dal thriller noir Panic in the Streets (1950) della Twentieth Century-Fox. Basato sul racconto di Edna e Edward Enkhalt Quarantine, Some Like It Colder, il film racconta gli sforzi di un ufficiale del servizio sanitario americano (Richard Widmark) e di un capitano della polizia cittadina (Paul Douglas) per prevenire un”epidemia di peste pneumonica a New Orleans. Entro un giorno o due, devono identificare i portatori della malattia mortale prima che si diffonda in massa. Gli infetti si rivelano essere tre banditi che uccidono un uomo appena arrivato illegalmente dall”estero. I tre gangster, sentendosi braccati, si nascondono dalle autorità, ma alla fine vengono neutralizzati.

Alla sua uscita, il film ha ricevuto recensioni per lo più positive. Per esempio, la rivista Variety l”ha definito “un eccezionale melodramma di stalker”, sottolineando la “sceneggiatura e la messa in scena strette”. Anche se il film “tratta dei tentativi riusciti di catturare una coppia di criminali portatori di germi per impedire la diffusione della peste e il panico nella grande città”, tuttavia “la peste è da qualche parte un tema secondario rispetto a quello dei poliziotti e dei delinquenti”. La rivista nota anche che “c”è molta azione vivace, una buona emozione umana e alcuni momenti insoliti nel film”. In seguito, anche la critica ha lodato il film. La rivista TimeOut lo ha definito “un eccellente thriller, molto meno carico di significato della maggior parte dei film di Kazan”. Il recensore ha notato che il film “colpisce l”equilibrio tra il genere noir e il metodo di recitazione psicologica” sposato dall”Actors Studio di New York, specialmente quando “la ricerca del panico sta prendendo piede”. Il critico cinematografico Michael Atkinson ritiene che questo film superi la grande maggioranza dei noir standard “per la maturità della sua coscienza, il suo realismo perfezionato e il suo rifiuto delle risposte facili e delle soluzioni semplici di Hollywood”. Atkinson scrive che “il film è sostanzialmente più di un altro noir, o anche un film ”problematico”… Mentre nel suo nucleo è un procedurale di polizia – con un McGuffin epidemiologico sotto i riflettori – è anche il più intelligente, più convincente, più divertente e dettagliato ritratto della vita americana mai creato nell”era pre-Hollywood New Wave”. Il critico nota che in questo “thriller teso, l”acuta attenzione di Kazan all”energia della persecuzione e alla complessità delle procedure burocratiche è solo la cornice del film. Tuttavia, ciò che è veramente avvincente in esso sono i personaggi umani e il senso di caos”. Secondo Atkinson, “niente nella notevole filmografia di Kazan – nemmeno In the Harbour (1954) quattro anni dopo – raggiunge la sottigliezza, la varietà di trama e l”imprevedibilità di Panic… Rinomato per la sua produzione di recitazione superba, ma raramente lodato per il suo acume visivo, Kazan ha presentato questi ingredienti in ordine inverso in questo film: “Girando questa storia di crimine ad un ritmo estremamente veloce, ha guidato un vasto cast in un modo di realismo che nessun altro conosceva nel 1950… Kazan dipinge un ritratto della città che ribolle, utilizzando numerose riprese in loco e riempiendo ogni angolo del film con autentiche vicende e preoccupazioni urbane. Il critico cinematografico Jonathan Rosenbaum ha definito il film “il migliore e più dimenticato dei primi film di Kazan”. Edna e Edward Enkhalta hanno vinto l”Oscar per la migliore storia per il film e Kazan ha vinto il Premio Internazionale e una nomination per il Leone d”Oro al Festival di Venezia. Il film è stato classificato tra i primi dieci film dell”anno dal National Board of Critics statunitense.

Nel 1947 Kazan mise in scena a Broadway A Streetcar Named Desire di Tennessee Williams, che andò in scena per due anni con grande successo di pubblico e di critica. La Warner Bros. invitò Kazan a dirigere il film basato su questa commedia, “che era basato essenzialmente sugli stessi principi del lavoro sulla commedia. Anche i ruoli principali sono stati interpretati da attori dello spettacolo di Broadway, ad eccezione di Jessica Tandy, che ha interpretato Blanche Debois”. Secondo Thomson, lo studio decise di sostituire la Tandy con Vivien Leigh, che era vista come un”attrice con un grande potenziale commerciale. Lee interpretò il ruolo di Blanche nella produzione londinese di A Streetcar Named Desire, che fu eseguita da suo marito Laurence Olivier. Come scrive lo storico del cinema James Steffen, mentre lavorava al film Kazan affrontò alcuni problemi sia con gli attori, soprattutto con Vivien Leigh, sia con la censura. In particolare, “Lee era costantemente in disputa con Kazan sull”interpretazione del suo ruolo, così come con altri attori che lavoravano sotto il sistema di Stanislavski”. Inoltre, a questo punto la relazione di Lee con suo marito aveva cominciato a crollare e “il ruolo di Blanche non faceva che rafforzare il suo stato maniaco-depressivo di allora”. Dal film su richiesta della censura, è stato rimosso il riferimento all”omosessualità del marito morto Blanche, e il gioco finale, dove Stella è rimasta con suo marito, è stato cambiato in una scena in cui lei lo lascia. Altrimenti, il resto dell”opera è praticamente invariato.

Il film racconta la storia di Blanche DuBois (Vivien Leigh), una donna minorenne ma ancora piuttosto attraente che, rimasta indigente, fa visita a sua sorella Stella (Kim Hunter), che vive con suo marito Stanley Kowalski (Marlon Brando) in una povera zona industriale di New Orleans. Blanche, con la mentalità e i modi di una nobildonna, infastidisce immediatamente il rozzo proletario e realista Stanley, che vede l”ipocrisia di Blanche e non accetta i suoi modi “culturali”, le bugie, le fantasie, la pretesa e l”arroganza. Da parte sua, Blanche, in una conversazione con sua sorella, parla di Stanley come di “un subumano, un animale rozzo e primitivo”. Quando Blanche incontra gli amici di Stanley e il matrimonio si avvicina, Stanley scopre la verità sul suo passato. Si scopre che Blanche è stata licenziata dal suo lavoro a causa di una torrida relazione con il suo studente di 17 anni, e non è presa sul serio nella sua città natale a causa della sua prostituzione e dei suoi continui flirt con gli uomini. Stanley lo dice sia a Stella che al suo fidanzato, che dichiara in seguito che “non ha nessuna intenzione di saltare in una vasca di squali”. Dopo aver portato la partoriente Stella all”ospedale, Stanley torna a casa, dove violenta Blanche, dopo di che lei perde la testa. Poco dopo la nascita del bambino, Stanley chiama degli psichiatri per mettere Blanche in un ospedale psichiatrico. Blanche all”inizio crede che il suo ricco spasimante sia venuto per lei. Alla fine, rendendosi conto che non è così, cerca di resistere, ma vedendo che non ha altra scelta, parte con i medici. Stella urla che non tornerà mai più da Stanley, prende il bambino e scappa a casa di un vicino. Si sente Stanley gridare in sottofondo: “Stella! Ehi Stella….”.

Secondo lo storico del cinema Roger Ebert, “alla sua uscita, il film ha causato una tempesta di polemiche. Fu definito immorale, decadente, volgare e peccaminoso, nonostante i significativi cambiamenti apportati su richiesta dei censori”. Come sottolinea lo storico del cinema Scott McGee, “anche se il film ha scioccato molti spettatori, ha avuto molto successo al botteghino. Ma il suo successo principale è stato quello di aver aperto la porta alla Production Code Administration per dare il via libera a film più taglienti e impressionanti”. Il film ha portato più di 4 milioni di dollari al botteghino, che era abbastanza sostanzioso per il 1951, ed è stato anche amato nella comunità professionale. Il critico cinematografico Bosley Krauser del New York Times, in particolare, ha notato che “dalla commedia di Williams A Streetcar Named Desire, che ha preso la maggior parte dei premi drammatici al botteghino di Broadway, il regista Elia Kazan e un cast semplicemente superbo hanno creato un film che pulsa di passione e pregnanza”. Come scrive ancora il critico, “Grazie all”indimenticabile interpretazione della grande donna inglese Vivien Leigh nel ruolo straziante di una degradata bella del sud e grazie all”atmosfera ipnotizzante che Kazan ha creato attraverso la potenza dello schermo, questo film è altrettanto bello, se non più bello, dell”opera. Il tormento interiore è raramente trasmesso sullo schermo con tale sensualità e chiarezza. La storia è coreografata da Kazan con un”energia così esuberante che lo schermo pulsa semplicemente di violenza rabbiosa prima di scendere bruscamente in un silenzio debilitante e doloroso. Lo scontro pieno d”odio tra la donna perduta e l”uomo burbero è stato filmato con un uso così abile dei primi piani che si può davvero sentire il calore che emana da loro. Mettendo in scena l”illuminazione e la messa in scena, combinate con una musica brillante e un testo recitativo di autentica ricchezza poetica, Kazan ha evocato il dolore e la disperazione”. Riassumendo, Krauser, osserva che “nessuna parola può rendere giustizia al contenuto e al livello artistico di questo film. Bisogna vederlo per apprezzarlo. Vi esortiamo a farlo”. L”influente critico cinematografico Pauline Kael fu entusiasta della “rara” recitazione di Lee che “evoca pietà e orrore”, affermando inoltre che sia Lee che Brando “hanno dato due delle più grandi performance di recitazione nel cinema”. Il critico cinematografico Roger Ebert ha espresso che “nessun”altra performance ha avuto un impatto maggiore sullo stile della recitazione nel cinema contemporaneo del lavoro di Brando come Stanley Kowalski, l”eroe burbero, maleodorante e sessualmente carico di Tennessee Williams”. Il critico nota anche che “oltre alla potenza sbalorditiva della performance di Brando, il film era anche uno dei più grandi pezzi d”insieme del cinema”. Secondo James Steffen, “il film è ora considerato un punto di riferimento per il cinema per la sua recitazione corale, la messa in scena di Kazan e l”impressionante lavoro dello scenografo”.

L”Hollywood Reporter ha suggerito che Un tram chiamato desiderio e Un posto al sole (1951) sarebbero “andati testa a testa (nella corsa ai premi)… a causa del pessimismo delle storie e perché entrambe le storie sono fatte in modo così realistico”. Alla fine, Un tram chiamato desiderio ricevette dodici nomination agli Oscar (“Un posto al sole” ne ricevette nove). Vivien Leigh vinse l”Oscar per la migliore attrice e Kim Hunter e Carl Molden per il miglior attore non protagonista. Era la prima volta che un film vinceva tre Oscar per la recitazione. Il film ha anche vinto l”Oscar per la direzione artistica e per la scenografia. Marlon Brando ottenne solo una nomination, perdendo contro Humphrey Bogart. “Un tram chiamato desiderio” fu nominato agli Oscar come miglior film, ma perse contro “Un americano a Parigi” (1951). Kazan ha ricevuto una nomination per la migliore regia, e ci sono state anche nomination per la migliore musica, la migliore sceneggiatura, la migliore fotografia, la migliore registrazione del suono e i migliori costumi. Bogart non si aspettava di vincere un Oscar perché pensava, come molti altri a Hollywood, che il premio sarebbe andato a Brando. Anche quelli della Metro-Goldwyn-Mayer erano sorpresi che il loro film, Un americano a Parigi, abbia battuto i due favoriti per vincere l”Oscar. Dopo l”annuncio dei risultati, lo studio ha pubblicato un trafiletto sulla stampa professionale in cui il simbolo dello studio Leo sembrava leggermente imbarazzato e preso di sorpresa, dicendo: “Onestamente, ero solo in piedi ”sotto il sole” ad aspettare un ”tram””. Kazan ha anche vinto un premio speciale della giuria e una nomination al Leone d”Oro al Festival di Venezia, ha ricevuto il New York Society of Film Critics Award, così come una nomination al Directors Guild of America Award.

Il film successivo di Kazan fu il dramma storico dalla sceneggiatura di John Seinbeck, Viva Zapata! (1952), che diresse alla Twentieth Century-Fox sotto la direzione del produttore Darryl Zanuck. Il film segue la vita e il lavoro di Emiliano Zapata, uno dei leader della rivoluzione messicana dal 1910 al 1917. Il film è ambientato nel 1909, quando una delegazione di indiani dello stato di Morelos, tra cui Zapata (Marlon Brando), arriva a Città del Messico per incontrare il presidente Porfirio Diaz. Il presidente rifiuta la loro richiesta di restituire la terra che gli è stata tolta. Al loro ritorno a casa i contadini cercano di riprendere il controllo della terra, il che porta a uno scontro con le truppe governative. Come leader della resistenza contadina, Zapata è ricercato e costretto a nascondersi sulle montagne, dove si allea con suo fratello Eufemio (Anthony Queen). Ben presto Zapata, la cui autorità tra i contadini sta crescendo, si trova con un influente leader politico dell”opposizione, Francisco Madero, che nomina Zapata come suo generale al sud e Pancho Villa come suo generale al nord. Dopo che Diaz viene rovesciato, il potere nel paese passa a Madero. Zapata si infuria quando Madero vuole ripagarlo per il suo sostegno con una ricca tenuta, mentre rimanda la questione del ripristino dei diritti delle terre indiane. Uno degli alti generali di Huerta convince Madero a uccidere Zapata, troppo potente e influente. Quando Huerta fa un attentato senza successo alla vita di Zapata, questi riprende le armi e affronta il generale. Huerta arresta e poi uccide Madera, prendendo le redini del paese. Dopo la sconfitta di Huerta, Villa e Zapata si incontrano con altri leader rivoluzionari a Città del Messico, decidendo di nominare Zapata come nuovo presidente. Dopo aver appreso dai contadini che Eufemio è diventato un despota, appropriandosi illegalmente di terre e mogli, Zapata si dimette e torna a casa per occuparsi di Eufemio, che viene presto ucciso dal marito di una delle donne che ha sedotto. Stanco della politica, Zapata torna al suo esercito, ma il nuovo presidente Carranza, che vede Zapata come una seria minaccia, decide di distruggerlo. Zapata viene attirato in una trappola e ucciso, esponendo il suo corpo mutilato in un villaggio vicino. Tuttavia, il popolo si rifiuta di credere alla morte del capo e continua a sperare nel suo ritorno.

Come nota lo storico del cinema David Sterrick, anche se Kazan sostenne che l”idea di fare un film su Zapata gli venne durante una conversazione casuale con Steinbeck, in realtà quest”ultimo aveva iniziato a lavorare sul soggetto alla fine degli anni ”40 per un film messicano, che però non fu mai messo in produzione. La Twentieth Century Fox decise di prendere il film di Zapata con Darryll Zanuck come produttore, che mise insieme una squadra di produzione di prim”ordine che includeva Kazan, gli attori Marlon Brando e Anthony Quinn e la “superstar letteraria” John Steinbeck.

Secondo Sterrit, lo studio temeva problemi con l”Amministrazione del Codice di Produzione, che non raccomandava la produzione di film su figure rivoluzionarie, specialmente quelle messicane, perché poteva provocare esplosioni di rabbia se gli eventi storici venivano travisati. Come nota Thomson, “Era una specie di radicalismo hollywoodiano – il ribelle è un eroe romantico e i suoi avversari sono persone disoneste. Inoltre, l”atmosfera a Hollywood all”epoca era “sensibile a causa della caccia alle streghe anticomunista che era iniziata”, e quindi era abbastanza rischioso accettare un film su “un ribelle popolare come un eroe coraggioso”. Anche se lo studio ricevette l”approvazione della Production Code Administration, ci furono problemi con il governo messicano. Alla fine, lo studio ha dovuto accontentarsi di girare diverse scene in versioni diverse, una per il Messico e un”altra per il resto del mondo. In particolare, le scene in cui Zapata giustizia personalmente uno dei suoi vecchi compagni e in cui la sua fidanzata si accovaccia come una contadina per lavare il bucato sono state rimosse dalla versione messicana, così come le scene che mostrano che Zapata non sapeva leggere o scrivere.

Secondo Kazan, ciò che lo ha attratto di più nella storia è che a Zapata è stato dato un enorme potere e poi se ne è allontanato quando ha sentito che lo stava corrompendo. Come ha detto Kazan, lui e Steinbeck, come ex comunisti, volevano usare la vita di Zapata per “mostrare metaforicamente cosa è successo ai comunisti in Unione Sovietica – come i loro leader sono diventati reazionari e repressivi invece che avanzati e progressisti”. Per una maggiore autenticità, Kazan cercò di assicurarsi che non ci fossero “facce familiari” nel film, e anche Brando all”epoca aveva recitato solo in un film uscito, Men (1950) di Fred Zinnemann, mentre Quinn era attratto da lui perché era un messicano il cui padre aveva partecipato alla rivoluzione. Il film è stato girato negli Stati Uniti vicino al confine messicano, e Kazan ha cercato di dare al film un aspetto il più autentico possibile, spesso attingendo alle immagini di famose fotografie documentarie del periodo rivoluzionario. Tuttavia, come Brando disse più tardi, Kazan non fece parlare gli attori con un accento messicano e tutti parlavano “un inglese standard, che era innaturale”.

Kazan disse che era soddisfatto della velocità e dell”energia del film: “Steinbeck pensava che avremmo dovuto introdurre più momenti narrativi, ma a me non piaceva. Il merito del quadro è che ho steso tanto in tratti molto rapidi e colorati”. Come ha scritto Bosley Krauser sul New York Times, la Twentieth Century-Fox ha creato “un ricordo molto forte di Zapata” e “il più vivace vortice di disordini da molto tempo”, dove “il leader ribelle messicano, interpretato da Marlon Brando, è ricordato come un uomo dalla passione selvaggia che si dedica ai poveri e agli oppressi”. Secondo Krauser, ci sono naturalmente domande sul fatto che “Zapata fosse un”anima così altruista, devota alla sua casa, come ritratto nel film. Ma è certamente un ritratto appassionato di lui che pulsa con una rara vivacità, e un quadro magistrale di una nazione in preda alla rivoluzione da parte del regista Elia Kazan”. Come nota il critico, “Kazan è eloquente con il suo lavoro di camera, e tutte le sue singole inquadrature e le loro sequenze, che descrivono il brutale massacro dei contadini affamati nei campi di grano maturo, le imboscate, i combattimenti ammutinati, gli omicidi e anche le folle nelle strade polverose, sono piene di stile e significato particolari”. Il critico contemporaneo David Thomson ha concluso che “il film è riuscito. Brando era completamente affascinato dal lavoro, e il film aveva un senso di calore e polvere, passione e mito, qualcosa che Kazan era così desideroso di ottenere”. Secondo Sterrit, “il film rimane uno dei drammi storici più popolari e rispettati fino ad oggi.

Il film è stato nominato per cinque Oscar, vincendone uno per Anthony Quinn come miglior attore non protagonista. Anche John Steinbeck per il miglior sceneggiatore e Marlon Brando per il miglior attore protagonista hanno ricevuto delle nomination. Kazan è stato nominato per il Grand Prix al Festival di Cannes e per il Directors Guild of America Award.

Cooperazione con la Commissione d”inchiesta sulle attività antiamericane

Secondo Rothstein, negli anni ”30 c”era una cellula comunista segreta nel Group Theater, di cui Kazan fece parte per quasi due anni. Quando venne ricevuto un ordine dal Partito Comunista USA di prendere in consegna l”intero teatro, Kazan rifiutò di partecipare. In una riunione speciale, fu denunciato come un “brigadiere” saccente nei confronti dei suoi superiori, e gli fu chiesto di pentirsi e di sottomettersi all”autorità del Partito. Invece, Kazan si è dimesso dal partito. Più tardi scrisse che questa esperienza gli insegnò “tutto ciò che doveva sapere su come funziona il Partito Comunista USA”.

Nel 1947, la Commissione d”inchiesta del Congresso americano sulle attività antiamericane iniziò il suo lavoro, “per il quale Kazan era un obiettivo molto ovvio”. Quando fu chiamato per la prima volta come testimone davanti alla Commissione all”inizio del 1952, Kazan si rifiutò di fare i nomi delle personalità del cinema che conosceva e che erano membri del partito comunista. Tuttavia, i magnati di Hollywood lo convinsero che se non voleva rovinare la sua carriera, avrebbe dovuto cambiare posizione. Dopo questo, Kazan è tornato e ha dato volontariamente i nomi delle persone che erano membri del partito. Cazan ha raccontato alla Commissione di essere entrato in una cellula del Partito Comunista composta da membri del Group Theatre nell”estate del 1934 e di averla lasciata 18 mesi dopo, frustrato dal fatto che “gli veniva detto come pensare, parlare e agire”. Il drammaturgo Clifford Odets, l”attrice Phoebe Brand e Paula Miller, attrice e moglie di Lee Strasberg, erano tra le otto persone che Kazan nominò come comunisti. Kazan si giustificò dicendo che tutti i nomi da lui citati erano già noti alla Commissione, ma secondo alcune stime, almeno la metà non erano noti. Volendo discolparsi, Kazan scrisse un articolo dettagliato che pubblicò a sue spese sul New York Times. In questo articolo ha lamentato la sua adesione di 19 mesi al Partito Comunista nei primi anni ”30 e ha esortato gli altri a seguire il suo esempio e a fare nomi. (Nella sua autobiografia Kazan sostenne che la sua prima moglie aveva effettivamente scritto l”articolo). Gli addetti ai lavori erano particolarmente scioccati dal fatto che Kazan nominasse Phoebe Brand e Tony Kreiber come comunisti, anche se era stato lui a convincerli ad aderire al partito. Quando a Kreiber fu chiesto del suo rapporto con Kazan durante una riunione della Commissione nel 1955, rispose: “State parlando di Kazan, che ha firmato un contratto di 500.000 dollari il giorno dopo aver dato i nomi alla Commissione?

Negli anni seguenti, Kazan cercò ripetutamente di spiegare e giustificare pubblicamente il suo atto. Nelle sue memorie, Kazan scrisse che si consultò con Arthur Miller su come procedere. Come ha ricordato Kazan, “ho detto che avevo odiato i comunisti per anni e non mi sembrava giusto rinunciare alla mia carriera per difenderli. Mi stavo sacrificando per qualcosa in cui credevo?”. La sua decisione, secondo Rotschein, “gli è costata molti amici”.

Più tardi Kazan diede anche la seguente spiegazione: “Puoi odiare i comunisti, ma non dovresti attaccarli o darli via, perché se lo fai, stai attaccando il diritto di avere un punto di vista impopolare. Ho buone ragioni per credere che il partito debba essere trascinato fuori dai suoi molti nascondigli, alla luce, per capire cosa sia. Ma non direi mai una cosa del genere perché sarebbe considerata una ”molestia dei rossi””. In un”altra occasione Kazan ha detto che “gli amici mi hanno chiesto perché non ho scelto l”alternativa decente di dire tutto di me ma non nominare gli altri del gruppo”. Ma non sarebbe stato quello che volevo. Credo che gli ex comunisti siano particolarmente intransigenti verso il partito. Credevo che questa Commissione, che tutti intorno a me maledicevano – e avevo molto contro di loro – avesse il giusto scopo. Volevo scoprire il segreto”. Ha anche detto che è stata “una cosa terrificante e immorale, ma l”ho fatto per le mie convinzioni” e ha continuato dicendo: “Quello che ho fatto era giusto”. Ma era giusto?”. Secondo la televisione CBS, anche se Kazan fu tutt”altro che l”unico a fare nomi alla Commissione, molti artisti si rifiutarono di farlo, per cui furono inseriti nella lista nera per molti anni e non poterono ottenere lavori. La decisione di Kazan lo rese il bersaglio di critiche intense e sostenute per tutta la sua vita”. Molti anni dopo Kazan disse che non si sentiva in colpa per quello che alcuni vedevano come un tradimento: “C”è una normale tristezza quando si feriscono le persone, ma preferirei ferire un po” loro che ferire molto me stesso”.

Come nota Thomson, dopo il discorso di Kazan ci fu “un momento di disimpegno – molte persone, per non parlare mai più con Kazan – vedendo la sua carriera guadagnare, pensarono a quegli altri che erano stati distrutti. Hanno visto la sporcizia nella sua autogiustificazione e hanno predetto la sua catastrofe morale”. La sua amicizia con Miller non fu più la stessa. Miller scrisse più tardi nel suo diario di un lato del suo amico che non aveva mai visto prima: “Avrebbe sacrificato anche me”. Secondo Thomson, Kazan fu perseguitato dalla sua decisione decenni dopo. D”altra parte, in parte “godeva della solitudine che si era procurato e traeva forza dal melodramma delle recriminazioni reciproche”. Eppure si è ferito da solo, proprio come un eroe tragico”. Dal lato positivo, però, l”intera vicenda “lo ha reso certamente più profondo come artista e come regista. In qualche modo la scissione lo ha portato a guardare più a fondo nella natura umana”.

Nel 1954, uscì il film di Kazan At the Docks, che “fu visto da molti come una scusa per la decisione di Kazan di collaborare con i cacciatori rossi del Congresso”. L”eroe del film, interpretato da Brando, rompe la cospirazione del silenzio sulla situazione delle banchine e indica coraggiosamente un capo sindacale impantanato nella corruzione e nell”omicidio in un”udienza televisiva. Il drammaturgo e critico cinematografico Murray Horwitz ha persino definito il film “un omaggio allo spione”. Secondo Kazan, l”enorme successo di “At Porto” mise fine alle sue paure che la sua carriera fosse in pericolo: “Improvvisamente nessun altro era interessato alle mie opinioni politiche, o che fossi controverso o complicato. Dopo ”In Porto” potevo fare quello che volevo. Ecco com”è Hollywood”.

Ancora una volta, la questione dell”atto di Kazan ha attirato un”ampia attenzione pubblica nel gennaio 1999, quando l”Academy of Motion Picture Arts and Sciences ha annunciato che l”89enne Kazan avrebbe ricevuto un Oscar onorario. Secondo Dick Vosburgh, “Era un premio alla carriera – eppure la sua vita fu macchiata per sempre quando, il 10 aprile 1952, si indicò volontariamente alla Commissione del Congresso come comunista a undici vecchi amici e colleghi”. Quarantasette anni dopo l”annuncio della decisione dell”Accademia, ci fu una raffica di proteste. Rod Steiger era contrario al premio anche se aveva ricevuto una nomination all”Oscar per il suo ruolo in In the Port di Kazan. Il cineasta Jules Dassin, che fu inserito nella lista nera negli anni ”50, pubblicò un articolo a pagamento su The Hollywood Reporter in cui dichiarava la sua opposizione alla decisione dell”Academy. Victor Navasky, editore di The Nation, anche lui in disaccordo, ha suggerito: “Date a Kazan un Oscar, ma metteteci i nomi delle persone che ha nominato sul retro”. D”altra parte, Kim Hunter una volta disse: “Non potevo crederci quando ho sentito che Gadge si era unito ai cacciatori di streghe. Era un regista di punta a Broadway, dove non ci sono liste nere – avrebbe potuto semplicemente rimanere a New York, aspettando che il regno del terrore finisse. Non aveva senso!”. Anche se la Hunter stessa è stata inserita nella lista nera per 16 anni, ritiene tuttavia che un Oscar sarebbe stata una giusta ricompensa per Kazan. Secondo lei, “Gadge ha meritato l”Oscar nonostante la sua testimonianza. Ognuno ha fatto quello che doveva fare in questo periodo folle, arrabbiato e miserabile”.

Carriera cinematografica 1953-1962

Come ha scritto David Thomson, i film di Kazan dopo la sua testimonianza “sembravano fatti da un uomo nuovo”. Nella sua autobiografia, Kazan ha dichiarato: “Gli unici film veramente buoni e originali che ho fatto sono stati dopo la mia testimonianza”. Tuttavia, secondo Dick Wosberg, “questo non si può dire del film anticomunista Man on a Rope (1953). È ambientato nel 1952 in Cecoslovacchia. Il famoso clown Karel Černik (Frederik March) gestisce il Circo Černik, che il governo comunista ha reso statale. Questo porta a costanti problemi di personale, organizzativi ed economici, impedendo a Czernik di mantenere il circo ad un livello adeguato. Inoltre, il suo lavoro è costantemente interferito dalla polizia segreta e dal ministero della propaganda, che insiste per inserire nel suo programma temi antioccidentali. Karel è anche afflitto da problemi sul fronte personale – disapprova la relazione di sua figlia (Terry Moore) con un nuovo artista, che considera una personalità sospetta, e affronta un trattamento irrispettoso dalla sua seconda moglie (Gloria Graham). Mentre si esibisce vicino al confine bavarese, Karel decide di attraversare la frontiera e fuggire con il circo verso l”ovest. Quando Karel si imbarca nel suo piano, uno dei suoi assistenti più vicini, che si rivela essere diventato un agente segreto del governo, prima protesta e poi ferisce mortalmente Karel. Tuttavia, con l”aiuto di trucchi circensi, la troupe riesce ad attraversare la frontiera. Dopo aver perso altri due compagni, il circo finisce in Baviera. L”azione di Karel si riprende il rispetto della sua vedova. In accordo con l”ultimo desiderio di Karel, ordina alla troupe di iniziare il loro spettacolo di fronte alla gente riunita nella piazza.

La sceneggiatura del film è basata sulla novella di Neil Peterson del 1952, basata sulla vera storia del Circo Brambach nella Germania dell”Est nel 1950. Come nota la storica del cinema Jill Blake, “Kazan prese la produzione di questo film ai Twentieth Century Fox Studios nel tentativo di riparare la sua reputazione distrutta dopo che la sua associazione con i comunisti fu rivelata e la sua successiva testimonianza alla Commissione per le attività antiamericane, dove nominò membri del partito comunista e altri colleghi di sinistra a Hollywood”. Come scrisse Kazan nella sua autobiografia, dopo aver visto esibirsi il Circo Brambach, si rese conto che doveva fare il film Man on a Rope per dimostrare che non aveva paura di criticare il partito comunista, di cui un tempo era stato brevemente membro.

L”intero cast del Circo Brambach è stato coinvolto nel film, con gli artisti che hanno eseguito tutti i numeri. Le riprese hanno avuto luogo in Baviera e la produzione è stata fatta a Monaco. Il team di produzione di Kazan consisteva quasi interamente di tedeschi, e fu il primo film di una grande compagnia americana con una troupe tutta tedesca. Il film ha ricevuto recensioni favorevoli dalla critica. In particolare, il critico Anthony Weiler del New York Times ha dato al film una recensione positiva, definendolo “non solo un melodramma avvincente, ma anche una vivida critica dei limiti degli stili di vita nei nostri tempi difficili”. Tuttavia, il film non fu un successo al botteghino, portando allo studio una perdita. Nella sua autobiografia, Kazan sostenne che la direzione dello studio aveva tagliato significativamente la sua versione registica, trasformando il film in un ordinario melodramma da soap. Kazan era infuriato e sconvolto dall”accoglienza del film e sosteneva che il film offuscava ulteriormente la sua reputazione tra coloro che lo consideravano un traditore a causa della sua testimonianza. Tuttavia, secondo Blake, Kazan ha rapidamente dimostrato ancora una volta di essere un regista di altissimo livello con In the Harbour e East of Heaven. Per questo film, Kazan ha ricevuto il premio speciale del Senato al Festival di Berlino. I critici cinematografici contemporanei sono stati piuttosto critici nei confronti del film. Dennis Schwartz in particolare lo ha definito “inespressivo, anche se credibile”, notando che “è probabilmente il film più debole di Kazan”. Oggi, secondo Thomson, il film è “poco conosciuto”.

Nel 1954, scrive Vosberg, Kazan lavorò con lo sceneggiatore Budd Schulberg (che diede alla Commissione d”inchiesta sulle attività antiamericane i nomi di 15 persone) in un “magnifico film” chiamato At the Port (1954) che “riuscì a fare di un informatore un eroe”.

Il film racconta la storia dell”ex pugile diventato scaricatore di porto Terry Malloy (Marlon Brando), che, soddisfacendo la richiesta del boss del sindacato mafioso Johnny Friendly (Lee Jay Cobb), viene involontariamente coinvolto nell”omicidio del suo amico e collega Joey Doyle, che aveva minacciato di denunciare Friendly alla Commissione anticrimine dello Stato di New York. Edie, la sorella dell”uomo assassinato (Eva Marie Saint), accusa il parroco, padre Barry (Carl Molden), di non aiutare le persone a sfuggire alle grinfie della mafia. Preoccupato dalle parole di Edie, Terry va a trovare suo fratello maggiore Charlie (Rod Steiger), che lavora per Friendly come avvocato e contabile. Alla riunione, Friendly assicura a Terry che la morte di Joey era necessaria per mantenere il potere al porto, e poi ordina al direttore del porto di dare a Terry il miglior lavoro possibile il giorno dopo. La mattina del dock Terry viene avvicinato da Eddie Glover della Commissione anticrimine, ma Terry rifiuta di discutere il caso di Joey. Nel frattempo, padre Barry invita i portuali a una riunione in chiesa dove chiede la fine del controllo delle bande sul porto, ma i portuali sono diffidenti a sostenere il sacerdote per paura di Friendly. Alla fine gli uomini di Friendly interrompono la riunione lanciando pietre attraverso le finestre della chiesa. Dopo l”incontro, Terry e Edie diventano visibilmente vicini. Glover consegna a Terry una convocazione per un”udienza della Commissione anticrimine. Quando Terry chiede a Edie di non chiedergli chi ha ucciso Joey, lei accusa Terry di lavorare ancora per la mafia. Dopo che uno dei lavoratori ha testimoniato alla Commissione, gli uomini di Friendly usano una gru per ucciderlo proprio nel porto di fronte agli altri lavoratori. Il padre di Barry, indignato, parla di nuovo ai portuali. Quando gli uomini di Friendly iniziano a provocare il padre di Barry, Terry ne massacra uno, provocando il risentimento di Friendly e Charlie. Terry chiede consiglio al padre di Barry che non vuole testimoniare per non andare contro il fratello di Charlie. Il padre di Barry esorta Terry a seguire la sua coscienza e ad essere onesto con Edie. Terry racconta a Edie del suo ruolo nell”omicidio di Joey, dopo di che lei scappa. Glover trova Terry e gli offre la possibilità di testimoniare. Venuto a conoscenza di questo, Friendly ordina a Charlie di occuparsi di suo fratello. Quando Charlie lo minaccia con una pistola durante una conversazione con Terry, Terry rimprovera il fratello maggiore per averlo coinvolto nella mafia. Charlie cambia la sua posizione e, dando la pistola a Terry, promette di fermare Friendly. Terry si riconcilia con Edie, dopo di che un camion cerca di investirli per strada. Nelle vicinanze, su una recinzione, vedono il corpo di Charlie appeso a un gancio da macellaio. Terry giura di vendicarsi di Friendly per suo fratello, ma il padre di Barry lo convince che è meglio distruggere Friendly attraverso il tribunale, così Terry getta via la pistola. Il giorno dopo, all”udienza, Terry testimonia sul coinvolgimento di Friendly nella morte di Joey, facendo infuriare il delinquente, che urla che Terry non lavorerà più al porto. A casa Terry incontra l”ostilità dei suoi vicini, al che Edie gli consiglia di andarsene, ma lui decide di restare. La mattina seguente al porto, tutti ottengono un lavoro tranne Terry. Nel frattempo, Friendly, che sta per essere incriminato, giura una violenta vendetta su Terry. Terry chiama Friendly, dicendo che è orgoglioso di ciò che ha fatto. Ne segue una violenta rissa, con gli uomini di Friendly che quasi picchiano Terry a morte. Il padre di Barry appare, accompagnato da Edie. Vedendoli, i traslocatori si rifiutano di obbedire agli ordini di Friendly e lo spingono in acqua. Il padre di Barry aiuta il malconcio Terry a rialzarsi, dopodiché guida i portuali al lavoro.

Come ha scritto lo storico del cinema Glenn Erickson, “il film è iconico per l”America” e “eccezionale per qualsiasi misura”. È degno di nota per il suo “lavoro di ripresa robusto e senza compromessi sulle fredde banchine di New York, che ha portato sugli schermi americani un crudo realismo mai visto prima nei noir in esterni… Il film è una combinazione magistrale di teatralità e documentarismo post-noir. Crea un ambiente newyorkese del tutto convincente. Sentiamo il gelo delle riprese realistiche delle strade di giorno, e i violenti inseguimenti notturni utilizzano una tecnica noir espressionista”. Inoltre, “come in quasi tutti i film di Kazan, la recitazione, la messa in scena e la sceneggiatura sono ad un livello molto alto”. E infine, “è uno dei migliori film di Marlon Brando”. Detto questo, come nota Erickson, “esteriormente il film è simile a simili thriller di denuncia di gangster che presentavano in forma drammatica indagini criminali conosciute a livello nazionale”. Detto questo, “Kazan non ha mai avuto un approccio così pesante alla storia, né prima né dopo questo film. La saga di Terry Malloy sembra una risposta artistica confusa alle critiche feroci di Kazan. E mentre il film si eleva spesso al livello di un alto dramma, moralmente non è più sofisticato del western medio di Republic Studios”.

Come scrive Erickson, “è un film controverso, destinato a generare un dibattito sulla sua posizione politica. Il suo acclamato regista avrebbe poi spesso sostenuto che la storia dell”informatore antimafia era un”espressione della sua stessa esperienza con la Commissione per le attività antiamericane durante la caccia ai comunisti di Hollywood”. Tuttavia, secondo il critico, “il fascino del film è oscurato dall”aspetto politico. Alcuni ammiratori e apologeti definiscono Kazan un outsider, un solitario che doveva andare per la sua strada. E il film sembra progettato per circondare le sue azioni con un alone di romanticismo. Ma era necessaria questa prolungata allegoria?”. Come suggerisce Erickson, infatti, “Kazan si è rivelato essere il tipo di ambizioso arrivista che vede il mondo professionale come un implacabile campo di battaglia di duri vincitori e morbidi perdenti”. Come sottolinea Erickson, “In questo film, Kazan si identifica come un nobile informatore, ma il caso di Terry Malloy di informatore giustificato non ha niente a che vedere con la situazione di Kazan alla Commissione. Terry denuncia i gangster corrotti e gli assassini che sfruttano i lavoratori come lui. Si schiera con i lavoratori e difende i loro interessi. Al contrario, Kazan denuncia i suoi colleghi, sceneggiatori e altri registi, che non hanno avuto la possibilità di difendersi quando i loro colleghi li hanno gettati in pasto ai lupi”. Come ha notato Thomson, “i nemici di Kazan odiavano il film perché era una scusa per fare la spia. Hanno anche visto la pseudo-politica della storia stessa, così come la sua posizione anti-sindacale, come una conferma del fatto che il regista si era finalmente venduto”. Eppure, secondo il critico, “è un melodramma eccezionale, vicino al miglior lavoro di James Cagney del suo tempo, con una recitazione di un livello tale che le generazioni a venire l”hanno imparata a memoria”. Secondo Thomson, forse “solo un uomo ferito avrebbe potuto fare un”immagine simile, o uno che sentiva la sua ferita più acuta degli altri”. Forse è questo che significa essere un artista”. Danny Pirie in Guide for the Film Fanatic ha scritto che il film “è stato criticato su diversi fronti: Quelli che erano arrabbiati dalla sua affermazione che il sindacato dei portuali era corrotto nel 1954 (come chiariscono gli articoli di Malcolm Johnson, che sono serviti come fonte per il film), quelli che pensavano che fosse anti-sindacale, e quelli che erano irritati dal modo in cui Kazan e Schulberg (entrambi informatori della Commissione per le attività antiamericane) manipolavano il pubblico per fargli ammirare quelli che denunciano la polizia e il governo”. Lo scrittore e studioso di cinema Robert Sklar ha scritto: “I critici continuano a discutere se il film porta valori democratici o offre un”immagine dei lavoratori portuali come seguaci passivi di chiunque li guidi – che sia un capo tirannico o un informatore. È una vera denuncia, dato che lascia intatti i veri detentori del potere corrotto? O è semplicemente un monumento alle aspirazioni artistiche e ai compromessi politici del suo tempo?”.

Dopo la sua uscita, The Hollywood Reporter ha concluso che “dopo tanti drammi in costume, questo è probabilmente ciò di cui il box office ha bisogno, poiché il film è così tagliente e avvincente che può essere paragonato solo a Little Caesar (1931) e Public Enemy (1931)”. Il New Yorker l”ha definito “un”opera scioccante del tipo che avevamo quando la Warner Brothers Studios faceva film su Al Capone e i suoi soci”. Secondo il recensore della rivista Life, è “il film più violento dell”anno, che contiene anche le scene d”amore più tenere”. Ed è tutto grazie a Brando”. Il critico cinematografico Anthony Weiler del New York Times ha scritto: “Un piccolo ma ovviamente dedicato gruppo di realisti ha trasformato l”arte, la rabbia e alcune terribili verità in questo film, la più brutale e indimenticabile testimonianza su pellicola della disumanità dell”uomo verso l”uomo che sia mai uscita quest”anno. E mentre questo potente atto d”accusa contro gli avvoltoi del porto offre a volte solo un dramma superficiale e un”eccessiva semplificazione della psicologia, è comunque un uso insolitamente potente, avvincente e creativo dello schermo da parte di professionisti dotati”. Il critico nota inoltre che “anche se Kazan e Schulberg non hanno scavato in profondità come avrebbero potuto, hanno scelto un cast e un”ambientazione appropriati e molto forti per la loro avventura oscura. Il film espone molti dei mali dell”attività mafiosa nel porto che erano già noti attraverso la stampa. Il giornalismo aveva già raccontato molto “in modo più sostanziale e multidimensionale, ma la messa in scena di Kazan, il suo cast eccezionale e la recitazione perspicace ed energica di Schulberg hanno dato al film la sua forza distintiva e un impatto formidabile. TV Guide ha poi descritto il film come “un”esperienza devastante dall”inizio alla fine, spietata nella sua rappresentazione della disumanità”. È ancora più oscuro e brutale grazie all”approccio impressionante e non documentato del cameraman Kaufman”. Secondo la rivista, “Era un film controverso per il suo tempo a causa della violenza, il linguaggio crudo e il ritratto audace dei sindacati in una luce negativa. Il film ha ottenuto un sorprendente successo al botteghino, paragonabile al plauso della critica. Ha incassato 9,5 milioni di dollari con un investimento di 900.000 dollari”.

Il film ha ricevuto nomination agli Oscar in tutte le categorie di recitazione. È il primo film ad avere tre attori rappresentati nella stessa categoria – miglior attore non protagonista – Carl Malden, Rod Steiger e Lee J. Cobb. Il film ha vinto gli Oscar nelle categorie di miglior film, miglior attore (Brando), miglior attore non protagonista (Sainte), miglior regista (Kazan), miglior sceneggiatura (Schulberg), miglior fotografia (Kaufman), miglior direzione artistica e miglior montaggio. Il film ha anche vinto i premi della New York Film Critics Society, del National Board of Critics e quattro Golden Globes, tra cui quello di Kazan. Il film ha anche vinto la Coppa d”Oro alla Mostra del Cinema di Venezia.

Il film successivo di Kazan, East of Heaven (1955), basato sulla “narrazione di John Steinbeck della storia di Caino e Abele”, portò la celebrità sullo schermo a James Dean, che divenne “un altro grande attore che Kazan trovò e coltivò”.

Il film è ambientato nel 1917 a Salinas, in California. Il rancher Adam Trask (Raymond Massey) si trasferisce in città con i suoi figli gemelli, l”inquieto Caleb (James Dean) e l”integerrimo Aron (Richard Davalos), che lui chiama come i personaggi biblici. Nonostante il loro amore reciproco, i fratelli sono molto diversi – Aron, come suo padre, è molto pio e organizzato, mentre Cale è volubile e alla ricerca di se stesso nella vita, con grande disapprovazione di suo padre. Secondo il padre, i figli credono che la madre sia morta poco dopo il parto, mentre Adam stesso pensa che sia fuggita in Oriente. Dopo aver accidentalmente appreso che la madre di Kate (Jo Van Fleet) è viva e gestisce un bordello nella vicina Monterey, Cal soffre di pensieri che lo rendono “cattivo” come lei. Il progetto di Adam di consegnare verdure fresche sulla costa orientale fallisce e lui perde quasi tutta la sua fortuna. Per salvare suo padre, Cal, insieme al suo vecchio amico Will Hamilton (Albert Dekker), inizia a coltivare e vendere fagioli, il che porta un notevole profitto. Con lo scoppio della guerra, Adam decide di tornare al suo ranch per mancanza di denaro, ma Cal, tenendo segreta la sua impresa di fagioli, chiede al padre di non preoccuparsi. Al carnevale, Cal protegge Abra (Julie Harris), la ragazza di Aron, dalle avances di uno dei soldati. Mentre aspettano Aron, passano del tempo insieme e si baciano spontaneamente mentre sono sulla ruota panoramica. Nel frattempo, Aron diventa protettivo nei confronti di un commerciante tedesco che viene attaccato da una folla di falsi patrioti, e Cal aiuta suo fratello finché lo sceriffo Sam non ferma la lotta. Quando Abra si presenta indossando il cappotto di Cal, Aron accusa Cal di aver iniziato la lotta per gelosia, dopo di che Cal prende a pugni suo fratello diverse volte. Per il compleanno di Adam, Cal regala a suo padre i soldi che ha guadagnato vendendo fagioli, ma lui si rifiuta di accettarli perché non vuole trarre profitto dalla guerra. Inaspettatamente, Aron annuncia che lui e Abra sono fidanzati. Un Cal angosciato urla di dolore e si allontana, mentre Abra cerca di confortarlo. Aron, accusando suo fratello di “cattiveria e crudeltà”, gli chiede di non toccarla mai più. Cal convince suo fratello ad andare con lui a Monterey per incontrare Kate. Scoprendo che sua madre, che lui idolatrava, è una prostituta, un Aron scioccato se ne va. Tornato a casa, Cal decide di avviare un”attività in proprio con i soldi guadagnati e di vivere indipendentemente da suo padre. Quando Adam chiede di Aron, Cal risponde: “Non sono il guardiano di mio fratello”. Dopo aver accusato suo padre di non amarlo perché gli ricorda Kate, Cal confessa di essere stato geloso di Aron per tutta la vita. Dichiara a suo padre che non vuole più il suo amore, mentre Abre dice che non vuole “più amore” perché “non paga”. Sam informa la famiglia che Aron è stato coinvolto in una rissa tra ubriachi, dopo la quale ha deciso di arruolarsi come soldato. Adam, Cal e Abra vanno alla stazione per salutare l”ubriaco Aron, al quale non si può nemmeno parlare. Dopo la partenza del treno, Adam perde conoscenza e cade tra le braccia di Cal. Il medico prescrive ad Adam il riposo a letto e lo lascia alle cure di un”infermiera arrabbiata. Sam suggerisce a Cal di lasciare la città, al che, dopo essersi scusato con suo padre, comincia a fare i bagagli. Abra confessa ad Adam che ama davvero Cal, dopo di che dichiara che Cal non sarà mai un uomo senza l”amore che Adam gli ha negato. Implora Adam di chiedere qualcosa a Cal come segno che lui lo ama e ha bisogno di lui prima che sia troppo tardi. Cal, su insistenza di Abra, torna nella stanza di suo padre e gli dice di aver ascoltato le sue parole che “un uomo ha una scelta, e la scelta è ciò che fa un uomo”. Adam implora Cal di licenziare la fastidiosa infermiera e poi sussurra: “Resta con me e prenditi cura di me”. Dopo aver baciato Abra, Cal avvicina la sua sedia al letto del padre.

Come scrisse lo storico del cinema Sean Exmaker, nel 1954, “essendo all”apice del suo successo, Kazan era libero di scegliere qualsiasi materiale volesse, e optò per il romanzo bestseller East of Heaven di John Steinbeck, scegliendo di proiettarne l”ultima parte, basata sulla storia di Caino e Abele. Più tardi nelle interviste, Kazan ha spesso descritto il film come autobiografico, un riflesso del suo rapporto insoddisfacente con il padre e con il fratello minore, che sentiva il padre preferire sempre: “L”immagine del ragazzo è abbastanza chiara per me. Conoscevo un ragazzo così, ero io stesso”. Come scrive ancora Exmaker, “nonostante il prestigio di Steinbeck e la fama di Kazan, l”attenzione maggiore nel film fu data alla scoperta di Kazan, il giovane attore newyorkese James Dean, che fece il suo debutto cinematografico nel ruolo principale. Su suggerimento dello sceneggiatore Paul Osborne, Kazan vide Dean recitare un piccolo ruolo sul palcoscenico di Broadway, dopo di che, sebbene non fosse del tutto soddisfatto delle qualità recitative di Dean, capì immediatamente che avrebbe interpretato Cal, e Steinbeck fu d”accordo con lui”. Kazan, che era un sostenitore del sistema Stanislavskij, decise di abbandonare il coinvolgimento delle star di Hollywood per i giovani attori del New York Actors Studio, invitò anche Richard Davalos e Julie Harris per i ruoli principali. La scuola più tradizionale dell”attore Raymond Massey fu scelta per il ruolo di Adam, e la differenza tra le due scuole di recitazione sottolineava, nella mente di Kazan, la differenza tra le due generazioni. Secondo Exmaker, durante le riprese Dean arrivava spesso impreparato, non conosceva le parole o si discostava dal copione, il che ha portato alla necessità di molte riprese extra e ai suoi numerosi scontri con Massey. Tuttavia, come Kazan scrisse in seguito, questo giocò solo a vantaggio del film: “Era un antagonismo che non ho cercato di fermare, l”ho alimentato. Lo schermo era vivo esattamente con quello che volevo: si odiavano a vicenda”.

Questo fu il primo film a colori di Kazan e il suo primo in formato CinemaScope, e sfruttò queste qualità dell”immagine in modo superbo. Con lunghe inquadrature, pone il film nel ritmo più lento dell”epoca precedente, poi attira l”attenzione della telecamera sulla spontaneità irrequieta e nervosa di Dean, che spicca nettamente contro la calma e la moderazione del resto del cast. Come scrisse Kazan, “Aveva un corpo molto più espressivo e agile di Brando, e c”era molta tensione in esso. E ho usato molto il suo corpo vivace in lunghi episodi”. Le riprese all”aperto sono state girate nell”ampia distesa della costa di Monterrey, con uno sfondo di campi enormi confinati sulle montagne nelle scene di Salinas. I luminosi esterni diurni di campi dorati e cieli blu contrastavano con gli interni scuri e le scene notturne mentre la storia diventava sempre più oscura e problematica.

Come nota Exmaker, “il film fu un successo clamoroso, e non solo perché lanciò il culto di James Dean. Alla sua uscita, Variety notò la “drammaturgia potentemente oscura del romanzo di Steinberg”, che Kazan “portò sullo schermo”. Chiamando il film “un”opera forte di un regista che ha una propensione per un ritratto potente e spassionato della vita”, la rivista ha continuato a notare che “non fa onore a Kazan il fatto che James Dean sembra dover recitare sulla falsariga di Marlon Brando, anche se l”attore stesso è così convincente che riesce a raggiungere il pubblico nonostante il pesante fardello di copiare lo stile di recitazione, la voce e i manierismi di qualcun altro”. Il critico cinematografico Bosley Crowther del New York Times ha elogiato il film, scrivendo che “sotto un aspetto è superbo. Nel modo in cui Kazan usa la distesa e l”atmosfera della California, non ha rivali. Anche alcune inquadrature interne, soprattutto nell”ultima scena, hanno atmosfera, emozionando lo spettatore con le loro forti sfumature emotive”. Tuttavia, si ha l”impressione che “il regista lavori più con la scenografia che con i personaggi… Le persone in questo film non sono ben preparate per trasmettere il senso della sofferenza che attraversano, e la loro esibizione del tormento è marcatamente stilizzata e grottesca. Questo è particolarmente vero per James Dean nel ruolo del disorientato e irritabile Cal…. C”è energia e suspense in questo film, ma poca chiarezza o emozione. È come un enorme iceberg verde – è enorme e imponente, ma molto agghiacciante”. Per la maggior parte, tuttavia, le valutazioni del film sono state positive. Il Library Journal, per esempio, ha definito il film “uno dei migliori film di quest”anno o di qualsiasi altro anno, un film che dà uno sguardo profondamente inquietante a ciò che gli psicologi chiamano ”sentimenti di rifiuto””. William Zinsser nel New York Herald Tribune scrisse che “Kazan fa sì che i suoi personaggi si rivelino lentamente, ma quando alla fine esplodono nella rabbia o nella violenza, si capisce esattamente perché accade”. Nel 1984, la rinomata critica cinematografica Pauline Cale affermò che si trattava di “un film straordinariamente sensibile e nervoso, febbrilmente poetico… Nel ruolo del giovane eroe romantico e alienato James Dean mostra ogni tipo di affascinante goffaggine – è sensibile, indifeso, offensivo… Dean sembra essere andato il più lontano possibile nel ritrarre qualcuno che non è compreso… Questo è lontano da un film noioso, ma certamente molto strano”. Jeff Andrew ha scritto nel 2000: “L”adattamento di Kazan del romanzo di Steinbeck su due adolescenti che si contendono l”amore del padre è tanto verboso e pieno di allegoria biblica quanto il romanzo stesso. Ciononostante, è un film con una recitazione superba, un lavoro di camera atmosferico e un accurato senso del tempo e del luogo”. David Thomson nel 2000 ha ritenuto che “questo è il miglior film di Kazan: in parte per la pungente indecisione di Dean, in parte per l”affascinante scontro di stili di recitazione (Dean e Massey), e anche perché il formato CinemaScope ha incoraggiato Kazan a lavorare la macchina da presa con la stessa cura maniacale che di solito dava interamente ai suoi attori”. Kenneth Turan scrisse sul Los Angeles Times nel 2005 che era “non solo uno dei film più ricchi di Kazan e il primo ruolo significativo di Dean, potrebbe essere il miglior ruolo dell”attore in assoluto”.

Il film fu nominato per quattro Oscar, tra cui miglior regista (Kazan), miglior sceneggiatore (Osborne) e miglior attore per James Dean, che morì in un incidente stradale prima che le nomination fossero annunciate (fu la seconda nomination postuma nella storia degli Oscar e la prima di tre per Dean). Tuttavia, solo Jo Van Fleet ha vinto un Oscar per il suo ruolo di supporto. Il film vinse anche un Golden Globe come miglior film e un premio come miglior film drammatico al Festival di Cannes, e Kazan ricevette una nomination come miglior regista dal Directors Guild of America.

Kazan diresse e produsse il suo film successivo, Dolly (1956), che Rothstein definì “una commedia nera su un tema sessuale”.

Il film, basato su un atto unico di Tennessee Williams, è ambientato in una piccola città nel delta del Mississippi. In una fatiscente villa del sud, un”attraente diciannovenne soprannominata Dolly (Carroll Baker) è infelicemente sposata con uno sfortunato proprietario di macchine per la pulizia del cotone, Archie Lee Meighan (Carl Molden), che è molto più vecchio di lei. Prima di morire, il padre di Dolly ha acconsentito al suo matrimonio con Archie a condizione che lui non prenda la sua verginità fino al suo ventesimo compleanno. Quando mancano due giorni a un altro compleanno, Archie diventa sempre più impaziente nel suo desiderio di rendere Dolly sua moglie “per davvero” – prima sbircia il suo bagno e poi cerca di placcarla. La sera dopo vedono che i mobili vengono rimossi dalla loro casa per debiti, al che Dolly decide di allontanarsi da suo marito in un motel. Nel frattempo, Silva Vacarro (Eli Wallach), il direttore della nuova fabbrica di pulizia del cotone, arrivato dalla Sicilia, festeggia con i suoi operai il loro primo raccolto di successo. Archie, che ha perso tutto il suo reddito a causa di Silva, dà fuoco alla sua fabbrica, che brucia al suolo proprio durante la celebrazione. Nonostante i tentativi di Silva di denunciare l”incendio doloso, la polizia, che lo percepisce come un estraneo, si rifiuta di indagare. La mattina dopo, Silva porta il suo cotone ad Archie per la lavorazione. Mentre è occupato con il cotone, Silva scopre da Dolly che Archie è andato da qualche parte fuori casa ieri sera. Silva inizia poi a flirtare con Dolly, decidendo così di vendicarsi di Archie per aver appiccato il fuoco. Lei è contenta dell”attenzione di Silva, ma trova la forza di resistergli e va da suo marito, che sta riparando la sua auto. Infuriato dal suo aspetto, Archie dà uno schiaffo a Doll. Silva è inorridito dallo stato delle attrezzature di Archie e dal fatto che il lavoro non è ancora iniziato. Quando Archie se ne va a prendere una nuova cinghia per la macchina, Dolly gli corre dietro, temendo di essere lasciata sola con Silva. Quando l”attrezzatura riesce a sistemarsi, Dolly racconta a Silva del suo rapporto con il marito, affermando che la sua “prontezza” dipenderà dal fatto che i mobili tornino o meno in casa. In assenza di Archie, Dolly e Silva iniziano a scatenarsi per la casa con toni erotici. Alla fine, Silva annuncia a Dolly che la lascerà in pace se firmerà una dichiarazione di testimonianza che incrimina il marito nell”incendio doloso. Con le lacrime agli occhi firma il foglio e poi convince Silva a riposare nel suo lettino. Quando Archie torna a casa, Dolly accusa il marito di incendio doloso e annuncia che la loro relazione è finita. Lei dice che si divertirà con Silva mentre lui si occupa del cotone sulla macchina di Archie. Silva diventa sempre più fiducioso nella casa di Archie, e assume persino la sua zia Rose licenziata come cuoca. Alla fine Archie accusa la moglie di averlo tradito, ma Silva gli assicura che è venuto solo per ottenere una dichiarazione. Quando un Archie arrabbiato prende un fucile, Silva si nasconde in un albero e Dolly chiama la polizia e poi si nasconde con Silva. La polizia arriva e porta via la pistola ad Archie, dopo di che Silva mostra la dichiarazione di Dolly che incrimina Archie. Prima di andarsene, Silva promette di tornare il giorno dopo con altro cotone. Lo sceriffo della città informa poi Archie che deve “per decenza” arrestarlo, e Archie viene visto tornare a casa da solo il giorno del suo ventesimo compleanno da Dolly. A casa, dice a zia Rose che dovrà aspettare fino a domani per vedere se lo straniero alto e scuro si ricorderà di loro.

Come ha notato lo storico del cinema Jay Steinberg, “Kazan, che non ha mai evitato il materiale provocatorio, ha convinto il suo frequente partner sul palcoscenico e sullo schermo Tennessee Williams nei primi anni ”50 a preparare un breve atto unico per il cinema intitolato 27 Carts of Cotton. Il risultato fu una divertente e spesso sfacciata farsa nera sul profondo Sud che fece infuriare i puritani del suo tempo, ma che col tempo venne considerata abbastanza innocua”. Il film è stato girato nel Missouri, e Kazan ha arruolato molti locali in piccoli ruoli, con ottimi risultati. Secondo Steinberg, sia Carroll Baker che Wallach, che Kazan portò dall”Actors Studio, erano eccellenti – il calore sessuale generato dalle loro scene insieme è palpabile ancora oggi. Bosley Crowther ha dato al film una recensione mista sul New York Times dopo la sua uscita, notando la debolezza della storia e l”immaginario psicologico rispetto a Un tram chiamato desiderio. Allo stesso tempo, il critico ha elogiato la componente satirica del film, notando che Williams ha scritto le sue “persone trash e imperfette in un modo che le rende clinicamente interessanti” e “sotto la superba direzione di Kazan, gli attori praticamente divorano lo schermo”. Inoltre, i personaggi sono presentati con un candore frizzante. Non una sola bruttura della loro vita viene trascurata”. Detto questo, il “flirt tra Dolly e Vacarro, che Kazan ha messo in scena con sorprendente pregnanza, è particolarmente impressionante. Mentre lascia defiantly inspiegabile la questione se la ragazza sia stata effettivamente sedotta, non c”è dubbio che sia stata corteggiata ed esuberantemente inseguita. Il signor Kazan bilancia costantemente l”emotivo e il ridicolo”. Ma, come nota Krauser, “la caratteristica di gran lunga più artistica e degna del film è la composizione pittorica di Kazan, resa in bianco e nero contrastante e ambientata per la maggior parte sullo sfondo di una vecchia fattoria del Mississippi”. TimeOut ha poi definito il dipinto “probabilmente uno dei meno ambiziosi di Kazan”. È essenzialmente una commedia nera su uno strano e violento triangolo romantico”. Sebbene il film sia stato condannato dalla National Legion of Decency al momento della sua uscita, “il suo contenuto erotico è ora visto come molto contenuto”. D”altra parte, “la recitazione grottescamente caricaturale e l”immagine duratura e memorabile di una casa padronale afosa, polverosa e pigra rendono la visione spiritosa e irresistibile”.

Secondo Steinberg, nonostante il forte consenso della critica, il box office fu solo mediocre e il film ottenne solo quattro nomination agli Oscar – per Williams come sceneggiatore e Boris Kaufman come cameraman, e per le attrici Carrol Baker e Mildred Dunnock. Le ragioni di ciò erano in parte dovute alla reazione negativa alla foto da parte delle organizzazioni cristiane. Kazan ha ricordato: “Dopo la prima buona settimana, c”è stata una rapida flessione e il film non ha mai avuto un profitto. Oggi, il film non sembra altro che una commedia piuttosto divertente, ed è sorprendente che abbia fatto così tanto rumore all”epoca”. Kazan vinse un Golden Globe e una nomination al New York Society of Film Critics Award per il suo lavoro di regia e il film ricevette anche una nomination ai BAFTA come miglior film.

Cazan tornò poi a collaborare con Budd Schulberg, producendo “un”opera potente e satirica” Face in the Crowd (1957), “un film sui media e la celebrità”, che racconta la storia di come “un demagogo rurale arriva al potere attraverso i media”. È, secondo Susan King, “un magnifico film su un vagabondo dell”Arkansas che diventa una star televisiva, distruggendo tutti quelli che lo circondano” e, secondo McGee, “un film potente con un messaggio sul potere della celebrità nei mass media”.

Il film inizia con una scena in una prigione rurale dell”Arkansas da dove la reporter Marcia Jeffries (Patricia Neal) sta trasmettendo per una stazione radio locale. Lì cattura l”attenzione di un vagabondo ubriaco, Larry Rhodes (Andy Griffith), che convince a parlare della sua vita e a cantare per la radio. La performance carismatica e spiritosa di Larry fa una forte impressione sul proprietario della stazione radio, che decide di fare un programma mattutino regolare con Larry, che prende il nome di Lone Rhodes. Con qualche difficoltà, Marcia riesce a convincere Rhodes a condurre lo show, che diventa immediatamente un successo tra gli ascoltatori della radio. Al bar, Rhodes confida a Marcia che tutti i racconti della sua vita, che dà in onda, sono in realtà sue finzioni. Marcia porta Rhodes al livello successivo trasferendosi con lui a Memphis, dove inizia con successo a condurre un programma televisivo. Marcia e Rhodes iniziano una relazione. Dopo che le vendite dello sponsor dello show, un”azienda di materassi, salgono alle stelle, uno degli ambiziosi impiegati dell”azienda, Joey De Palma (Anthony Franchoza), crea una società comune con Rhodes, promettendogli un grosso contratto con un”agenzia pubblicitaria di New York. Ben presto Rhodes inizia a promuovere le vitamine Vitajex, spacciandole per pillole per aumentare la libido. Le vendite cominciano a salire alle stelle e così anche gli ascolti di Rhodes. Il generale Hainsworth, presidente di Vitajex, decide di usare Rhodes per promuovere il senatore Worthington Fuller come presidente. Dopo aver fatto la copertina della rivista Life, Rhodes diventa una figura nazionale, tenendo telethon e lanciando navi. Nel suo elegante attico, Rhodes propone a Marcia di sposarlo e lei accetta. Tuttavia, Rhodes torna da un altro viaggio di lavoro con la sua nuova moglie di 17 anni. Rhodes spiega a Marcia che ha paura di sposarla a causa del suo atteggiamento critico nei confronti del suo comportamento e in cambio Marcia chiede di renderla socia alla pari nei suoi affari. Mentre promuove con successo Fuller in televisione, Rhodes comincia contemporaneamente a dominarlo imponendo le sue opinioni, cosa che non piace a Hainsworth. Un giorno Marcia viene avvicinata dal suo ex assistente Mel Miller (Walter Matthau), informandolo della sua intenzione di scrivere un servizio su Rhodes intitolato “Il demagogo in jeans”. Joey inizia una relazione con la moglie di Rhodes, e quando Rhodes cerca di rompere con Joey, lui le ricorda che possiede il 51% della loro società comune. Il giorno dopo, Marcia, disillusa da Rhodes, decide di porre fine alla sua carriera inscenando segretamente una provocazione durante un programma televisivo che mette in cattiva luce Rhodes. I membri del pubblico si allontanano da lui, seguiti dai pubblicitari. Rhodes convince Marcia a lavorare di nuovo con lui, ma lei se ne va e Mel gli dice che presto tutti i suoi fan si dimenticheranno di lui. Quando Marcia sente la chiamata pietosa di Rhodes dalla strada, si ferma per un momento, ma Mel la convince che dovrebbero andare avanti.

Come ha scritto lo storico del cinema Scott McGee, “chiaramente in anticipo sui tempi, è stato certamente uno dei primi film a sollevare la questione dell”impatto della televisione”. Oggi, la visione di Kazan e Schulberg della televisione “sembra del tutto visionaria”. Hanno fatto il film “come un avvertimento che quando accendiamo le nostre televisioni, radio o esercitiamo il nostro diritto di voto, dovremmo diffidare del fantasma di Lone Rhodes”. Quell”avvertimento è ancora attuale”. Secondo Kazan, “Uno dei motivi per cui abbiamo fatto questo film è la fantastica mobilità verticale in questo paese, la velocità con cui si sale e si scende. Entrambi lo sapevamo bene perché anche noi ci eravamo trovati su e giù diverse volte. Il nostro scopo era quello di avvertire il pubblico attraverso Odinoche Rhodes – fate attenzione alla televisione… Stiamo cercando di dire: non prestate attenzione al suo aspetto, non prestate attenzione al suo aspetto, non prestate attenzione a chi vi ricorda, ascoltate quello che dice… La televisione è buona per questo. Inganna alcune persone ed espone altre”. Kazan disse in seguito in un”intervista che il film era “in anticipo sui tempi… La prima parte del film è più una satira e la seconda parte coinvolge maggiormente lo spettatore nel destino e nei sentimenti di Lone Rhodes… Ciò che mi piace di questo film è la sua energia, l”inventiva e i salti acuti, che è molto americano. C”è davvero qualcosa di meraviglioso, questo ritmo sempre pulsante e mutevole. Per molti versi è più americano di qualsiasi altro film che ho fatto. Rappresenta la vita degli affari, e la vita della città, e il modo in cui le cose accadono in televisione, il ritmo di come si muove il paese. Il suo soggetto, anche oggi, è completamente significativo”.

Il film è stato girato in varie location in Arkansas, Memphis, Tennessee e New York. A New York, un vecchio studio è stato utilizzato per le riprese, dove l”autenticità dell”ambiente è stata mantenuta dalla presenza di molti personaggi televisivi riconoscibili nell”inquadratura. Il critico cinematografico del Sunday Times Dylis Powell ha ricordato di aver passato una mattina in uno studio nel Bronx “guardando Kazan provare le scene di Faces in the Crowd”. All”epoca fui colpito dalla ricca inventiva che Kazan apportava all”opera, le sue idee sui gesti, la tonalità, gli sguardi – una grande ricchezza di dettagli – che lavoravano per esaltare la vivacità comica di ogni scena. E ora, quando vedo il film finito, c”è di nuovo la stessa densità d”immagine che mi stupisce. Niente è lasciato al caso”. Secondo McGee, a differenza di molti altri film “onesti” la cui debolezza è la loro “morbidezza, timidezza e neutralità anestetica”, questo film è “appassionato, sublime, feroce e implacabile, il che è una delizia per la mente”. Il film è anche significativo perché ha lanciato le carriere di Andy Griffith e Lee Remick, che hanno debuttato in questo film.

Alla sua uscita, il film ha deluso al botteghino e ha ricevuto recensioni miste da pubblico e critica. Bosley Krauser sul New York Times, in particolare, ha scritto che Schulberg e Kazan, che “hanno mostrato una rara congenialità quando lavoravano a In Porto, si esibiscono di nuovo insieme, tracciando la fenomenale ascesa (e caduta) di un ”personaggio” televisivo di punta nel loro nuovo film, A Face in the Crowd”. Secondo il critico, “Questa frizzante e cinica esposizione ha più a che fare con la natura stessa della personalità sgargiante dell”idolo che con l”ambiente e la macchina che l”ha prodotto. Shulberg ha dipinto l”uomo potente come un rozzo e volgare bifolco e bifolco, e Griffith, sotto la direzione di Kazan, lo interpreta con energia fragorosa. Schulberg e Kazan producono un mostro che assomiglia al mostro del dottor Frankenstein. E ne sono talmente ipnotizzati che gli dedicano l”intero film. Di conseguenza, secondo Krauser, il suo apparente “dominio, il volume dei dettagli televisivi e lo stile narrativo a scatti di Kazan rendono il film un po” monotono”. Il critico contemporaneo Dennis Schwartz ha definito il film “una satira caustica e pungente di ”ascesa e caduta” che manda un avvertimento sulle personalità iconiche create dalla televisione – possono essere ipocrite e non così grandi come pensi se le giudichi solo per come appaiono sullo schermo”. Kazan ha ricevuto una nomination al Directors Guild of America Award per questo film.

Del melodramma Wild River (1960), Thomson scrisse che era “un capolavoro che non ha avuto l”attenzione che meritava”, mentre Vosburgh lo definì “un film sottovalutato”. A partire dal 1941, quando Kazan stava creando uno spettacolo teatrale per il Dipartimento dell”Agricoltura di New York, ha avuto l”idea del progetto, che alla fine si è evoluto in questo film. Kazan era interessato a come le agenzie governative trattavano le persone “in carne ed ossa”. In particolare, era preoccupato per la situazione di coloro che incontravano la Tennessee Valley Authority, un”agenzia federale costituita nel 1933 per fornire la gestione dell”acqua e lo sviluppo socio-economico nella valle del fiume Tennessee, una regione che era stata colpita duramente dalla Grande Depressione. Kazan vedeva il progetto come un omaggio al presidente Roosevelt e al suo New Deal. Per molti anni Kazan aveva lavorato alla propria sceneggiatura per il film previsto, ma non era soddisfatto del risultato e chiese aiuto al suo amico, il drammaturgo e sceneggiatore Paul Osborne, che aveva scritto la sceneggiatura di East of Eden. Nel frattempo, la 20th Century Fox Studios aveva acquistato i diritti di due romanzi che trattano più o meno lo stesso tema: Dunbar Cove di Borden Deale, sulla battaglia tra le autorità e i vecchi proprietari terrieri nella Tennessee Valley, e Mud in the Stars di William Bradford Huey, che racconta di una famiglia rurale matriarcale e della loro reazione alla distruzione della loro terra. Osborne ha combinato l”idea originale di Kazan con i due libri, che alla fine ha soddisfatto il regista.

Il film è ambientato nel 1933, quando la Tennessee Valley Authority inizia a costruire una cascata di dighe sul fiume per prevenire inondazioni mortali e aumentare il livello di vita della popolazione locale. L”Autorità invia il suo dipendente Chuck Glover (Montgomery Clift) in una piccola città del Tennessee con il compito di completare il reinsediamento della gente del posto e di sgomberare la terra nella sezione della valle che deve essere inondata. Il primo compito di Chuck è quello di convincere il governo a vendere la loro terra all”anziana Ella Garth (Joe Van Fleet), la cui famiglia vive da generazioni su un”isola del fiume. Dopo che Ella si rifiuta di parlargli, Chuck si rivolge ai suoi tre figli adulti, ma il più grande di loro, Joe John Garth, getta Chuck nel fiume. Il giorno dopo, Chuck fa di nuovo visita a Ella, incontrandola circondata dai suoi dipendenti neri e dalle loro famiglie. Dichiara che non è interessata alle comodità moderne che la diga porterà e che non può essere costretta a vendere la sua terra perché sarebbe “contro natura”. Chuck invita i lavoratori nel suo ufficio per discutere delle loro opportunità di lavoro. Chuck si avvicina anche alla nipote di Ella, Carol Baldwin (Lee Remick), una giovane e solitaria vedova con due bambini piccoli che si è trasferita sull”isola dopo la morte del marito. Carol capisce l”inevitabilità del progresso e accetta di aiutare Chuck, anche se si rende conto che per Ella trasferirsi dalla sua terra natale sarebbe come la morte. Una relazione romantica si sviluppa tra Chuck e Carol. Con l”aiuto di lavoratori neri, Chuck inizia a dissodare la terra sull”isola. Questo scontenta la gente del posto, che pretende che Chuck paghi i lavoratori neri meno di quelli bianchi. A poco a poco i lavoratori di Ella, e poi i suoi figli, stanno per lasciare l”isola. Alla fine Ella rimane sola sull”isola, tranne che per il fedele Sam, che si rifiuta di lasciarla. Chuck viene incaricato da Washington di avviare un procedimento con lo US Marshal per sfrattare Ella con la forza. Avendo ottenuto la dichiarazione di incompetenza di sua madre, i suoi due figli propongono a Chuck di ricomprare da loro la terra di sua madre. Nel frattempo, Chuck sviluppa un crescente rispetto per Ella. Il giorno dopo, contro la sua volontà, chiede al maresciallo di rimuovere Ella dal suo complotto, poi va sull”isola per fare un ultimo tentativo di persuaderla ad andarsene da sola. Essendo stato rifiutato ancora una volta, Chuck torna a casa di Carol, che lo prega di portarla via con sé, ma Chuck non è in grado di darle una risposta. Nel frattempo, una folla di gente del posto arrabbiata distrugge la casa di Carol e la macchina di Chuck e poi picchia Chuck stesso. Dopo che la folla si avventa anche su Carol, lo sceriffo ferma il confronto. Deliziato dall”eroismo di Carol, Chuck le propone di sposarsi la sera stessa. Il giorno dopo, Chuck e Carol arrivano con lo sceriffo sull”isola per visitare Ella. Dopo che il maresciallo legge l”avviso di sfratto, una silenziosa Ella cammina verso il traghetto al suono dei colpi d”ascia e degli alberi che cadono. Nella sua nuova casa moderna, Ella si siede sul portico, guardando il fiume e rifiutandosi di parlare. Qualche tempo dopo, mentre gli operai finiscono di sgomberare l”isola e si preparano a bruciare la sua fattoria, Ella muore. Dopo il completamento dei lavori, Chuck e la sua nuova famiglia volano fuori dalla valle, sorvolando prima Garth Island, che è diventata un piccolo puntino in un lago artificiale, e poi la nuova potente diga.

Kazan aveva originariamente pianificato di lanciare un attore non troppo giovane nel ruolo principale, ma mentre Osborne sviluppava la sceneggiatura, Kazan decise di lanciare un giovane e sexy impiegato del Dipartimento dell”Agricoltura come personaggio centrale, che avrebbe aggiunto energia e appeal commerciale al film. Originariamente, Kazan voleva lanciare Brando nel ruolo principale, ma alla fine optò per Montgomery Clift, nonostante i dubbi sulla sua affidabilità. Dopo un terribile incidente d”auto che rovinò il suo bel viso e distrusse il suo corpo, Clift soffrì di una dipendenza da alcol e droghe Si sapeva che aveva avuto un momento difficile con il suo film precedente “Improvvisamente l”estate scorsa” (1959), ma Kazan apprezzò il talento di Clift nel 1942, quando lavorò con lui nella commedia “La pelle dei nostri denti. Offrì all”attore ruoli da protagonista nei suoi film “In the Port” (1954) e “East of Heaven” (1955), ma Clift rifiutò entrambi. Questa volta Kazan ha detto senza mezzi termini: “Non posso lavorare con un ubriacone” e costrinse Clift a fare una promessa che non avrebbe toccato alcol durante le riprese. Clift, che aveva un enorme rispetto per Kazan, fece del suo meglio per mantenere la sua promessa, e a detta di tutti ebbe molto successo, fornendo una performance potente e concentrata.

Nelle sue memorie, Kazan scrisse del film: “Ho scoperto una cosa incredibile. Sono passato dall”altra parte… Il mio personaggio doveva essere un agente determinato del New Deal, impegnato nel difficile compito di convincere i paesani ”reazionari” a lasciare la terra per il bene pubblico… Ma mentre lavoravo, ho scoperto che le mie simpatie erano per la vecchia signora testarda che rifiutava di essere un patriota”. Ha anche scoperto che una volta che Clift è stato coinvolto, la dinamica del film è cambiata: “Non può eguagliare gli abitanti del villaggio che deve convincere del ”bene superiore”, e certamente non può eguagliare nessuno di loro fisicamente se si tratta di violenza. In senso figurato, questa è una storia del debole che si scontra con il forte – solo al contrario”. Kazan accettò volentieri questo cambiamento e rafforzò lo schema con il resto del cast. Per il ruolo di Ella Garth, prese la 44enne Jo Van Fleet, che si era specializzata nei ruoli di eroine molto più vecchie e che aveva vinto un Oscar per il suo ruolo in East of Eden. Come scrisse Kazan, sapeva che lei avrebbe “mangiato vivo Clift” nelle loro scene insieme, e mirava ad ottenere proprio questo. Per il ruolo del tenero ma volitivo Carroll Kazan prese Lee Remick, con la quale lavorò nel film “Faccia nella folla” (1957) e che considerava “una delle migliori giovani attrici” dell”epoca, oltre che “una persona eccezionale”. Nel film, Kazan approfitta pienamente del fatto che Remick sarà dominante e Clift sarà “sessualmente insicuro”. Questa ineguale combinazione di personalità, secondo lo storico del cinema Roger Freistow, “dà una tensione insolita e deliziosa alle loro scene d”amore”.

È stato il primo grande lungometraggio ad essere girato interamente in Tennessee. Le riprese iniziarono nel novembre 1959 e durarono due mesi e mezzo. La gente del posto, che non aveva alcuna esperienza di recitazione, ha interpretato circa 40 dei 50 ruoli con le parole. La fattoria di Garth, che ha richiesto due mesi per essere costruita ed è costata 40.000 dollari, è stata rasa al suolo nella scena culminante del film. Kazan passò sei mesi a montare il film, che uscì nel luglio 1960. Il film inizia con un prologo in bianco e nero che racconta le riprese dell”inondazione del fiume Tennessee, che portò grande distruzione e prese molte vite umane.

Intuendo che lo studio non avrebbe dato al film la possibilità di un”ampia distribuzione negli Stati Uniti e non si sarebbe nemmeno preoccupato delle offerte in Europa, Kazan non fece una “scena rauca” nell”ufficio del capo dello studio Spyros Skouras. Kazan, in particolare, ha scritto: “Il denaro governa il mercato e secondo questa regola, il film è un disastro”. Il film ha deluso al botteghino, e la critica all”epoca era mista. A.H. Weiler sul New York Times, in particolare, ha scritto: “Nonostante il titolo, il film si presenta come un dramma interessante ma stranamente inquietante piuttosto che un esame schiacciante dell”aspetto storico di un”America che cambia. Anche se il focus è sulle persone colpite dalla Tennessee Valley Authority nei primi anni trenta, il produttore-regista Elia Kazan stranamente distrae lo spettatore con una storia d”amore che condivide l”importanza con lo sconvolgimento sociale ed economico che è sicuramente più vicino al cuore di questo film. Seguire due corsi allo stesso tempo diminuisce la potenza potenziale dell”immagine. La rivalità tra l”amore giovane e l”impatto del progresso sulle vecchie abitudini diventa una dicotomia insidiosamente invadente. Detto questo, curiosamente, entrambe le componenti di questa bella storia popolare sono fatte in modo professionale… Kazan merita un vero elogio per non aver preso posizione nel trattare gli aspetti socio-economici della sua storia”. Il film arrivò ottavo nel sondaggio del National Council of Critics” Best Picture del 1960, e Kazan fu nominato per l”Orso d”Oro al Festival di Berlino. Il film ha poi dimostrato di avere molti sostenitori tra i critici contemporanei. Per esempio, Dave Kehr del Chicago Reader lo ha definito “probabilmente il film più sottile e profondo di Kazan, una meditazione su come il passato sopprime e arricchisce il presente”. La recensione della rivista TimeOut ha detto che “forse sono le riprese sul posto, forse è la recitazione, ma questa storia lirica a stile libero di Kazan è diventata uno dei suoi film meno teatrali e più commoventi. Questo in parte perché la linea di battaglia – tra città e campagna, vecchio e nuovo, convenienza e convinzione – è efficacemente confusa, rendendo il conflitto più drammaticamente complesso di quanto ci si potrebbe aspettare; ma l”evidente nostalgia di Kazan per l”ambientazione degli anni ”30 (New Deal) dà anche al film più profondità e portata di quanto si trovi di solito nel suo lavoro”. Come ha notato Freistow, questo film “è rimasto uno dei preferiti dal regista stesso”.

Secondo Rothstein, tra i film di Kazan “che ancora risuonano particolarmente con i giovani spettatori c”è Splendore nell”erba (1961) con Warren Beatty e Natalie Wood come adolescenti innamorati che affrontano l”ipocrisia degli adulti.

Il film è ambientato alla fine degli anni ”20 in una piccola città del Kansas dove due dei più bei liceali della scuola, Wilma Dean Loomis (Natalie Wood) e Bud Stamper (Warren Beatty), si innamorano l”uno dell”altra. Nonostante una forte attrazione reciproca e il desiderio di intimità, sono costretti a trattenersi. La madre di Wilma le proibisce effettivamente di farlo e il padre di Bud, un ricco petroliere, insiste che il figlio soddisfi i suoi bisogni con una “ragazza meno buona” e dimentichi il matrimonio finché non si sarà laureato alla Yale University. Dopo aver ricevuto un divieto di fatto dai suoi genitori, Bud propone a Wilma di porre fine alla relazione, il che comporta un tributo molto pesante per entrambi. Wilma tenta il suicidio, dopo di che finisce in un ospedale psichiatrico. Bud si ammala presto gravemente di polmonite, dopo di che inizia a frequentare la compagna di classe Juanita. Gli studi di Bud a Yale non vanno bene, e dopo la Grande Depressione, suo padre fallisce e si suicida. Bud lascia l”università e sposa una povera cameriera italiana, Angelina. Nel frattempo nel sanatorio, dove Wilma trascorre più di due anni, incontra un altro paziente, Johnny Masterson, che le chiede di sposarlo. Dopo aver lasciato il sanatorio, prima di accettare la proposta di Johnny, Wilma va alla ricerca di Bud. Lo trova in una piccola fattoria dove vive con Angelina incinta e suo figlio piccolo. Si rendono conto che anche se provano ancora dei sentimenti, il passato non tornerà, e ognuno andrà per la sua strada.

Come scrive la storica del cinema Margarita Landazuri, “il film è stato realizzato in un momento in cui sia il cinema che la società in generale stavano subendo cambiamenti fondamentali, ed è più oscuro dei film tradizionali sull”amore adolescenziale. Racconta in modo realistico, anche scioccante, l”agonia del primo amore e le forze che privano gli amanti l”uno dell”altro”. Il drammaturgo William Inge scrisse l”opera su persone che conosceva crescendo nel Kansas negli anni ”20. Inge parlò a Kazan dell”opera quando lavorarono insieme in una produzione di Broadway di Darkness at the Top of the Stairs nel 1957. Erano d”accordo che sarebbe stato un buon film, e hanno prontamente intrapreso il lavoro. Inge notò il giovane Warren Beatty nello spettacolo in uno dei teatri del New Jersey, e impressionato dalla sua performance, lo raccomandò a Kazan per il ruolo di Bud. Anche se Kazan era infastidito dall”arroganza dell”attore inesperto, fu impressionato dalla sua recitazione e dal suo talento e accettò di lanciare Beatty nel ruolo di Bud. Secondo Landazuri, “Questo fu il primo film di Beatty e questo film lo rese una star”.

D”altra parte, nonostante i suoi 22 anni, Natalie Wood era già un”attrice esperta di Hollywood, avendo iniziato a recitare nei film dall”età di cinque anni. Anche se è passata facilmente dall”essere una star bambina a ruoli da adulta, i film in cui ha recitato prima non erano particolarmente significativi. La Wood aveva un contratto a lungo termine con la Warner Brothers, lo studio che produceva il film, e lo studio voleva che Kazan la scritturasse. Vedendola come nient”altro che una piccola stella il cui tempo era passato, Kazan ha cominciato a resistere. Ma quando ha incontrato Wood di persona, ha percepito una “irrequietezza e impermanenza” nel suo carattere che si adattava perfettamente alla sua visione del personaggio principale, e l”ha assunta. Anche se Wood era sposato al momento delle riprese e Beatty aveva una compagna fissa, tra i due non c”era solo una storia d”amore cinematografica ma anche reale. Kazan, ritenendolo vantaggioso per il quadro, lo incoraggiò in ogni modo. Più tardi ha ricordato: “Non ho avuto rimpianti al riguardo. Ha aiutato le loro scene d”amore”. Al momento della prima del film, nell”autunno 1961, Wood e Beatty avevano già lasciato i loro precedenti partner e vivevano insieme. Come nota Landazuri, per migliorare l”atmosfera artistica del film, Kazan invitò il compositore d”avanguardia David Amram, che scrisse “musica modernista (spesso dissonante), e incaricò lo scenografo di progettare la scenografia con colori duri e vibranti, il che rese il film l”antitesi del sentimentalismo”.

Il film ha ricevuto ottime recensioni alla sua uscita. Time Magazine ha notato che “in questo film… una storia relativamente semplice di amore e disillusione adolescenziale in una piccola città del Midwest diventa una rabbiosa monografia psicosociologica che descrive le usanze sessuali dell”outback senza cuore”. Grazie a Kazan, “il film è certamente realizzato ad arte, in modo emozionante e professionale in ogni dettaglio”. Secondo Krauser del New York Times, “Il sesso e il dispotismo dei genitori bloccano la relazione tra i due romantici studenti del liceo nel nuovo film di Inge e Kazan. Inj ha scritto e Kazan ha diretto questo dramma sociale schietto e spaventoso che fa schizzare gli occhi fuori dalle orbite e le guance umili cominciano a bruciare”. Il film ritrae la vita di una piccola città, “brutta, volgare e opprimente, a volte comica e triste”. Notando l””eccellente” lavoro di colore e la “superba” direzione artistica, Krauser ha anche reso omaggio alla recitazione, in particolare a Natalie Wood, che “ha una bellezza e uno splendore che la portano attraverso il ruolo di passioni tumultuose e desiderio con purezza e potenza incontaminate. C”è poesia nella sua recitazione, e i suoi occhi nella scena finale testimoniano il significato morale e il contenuto emotivo di questo film”. Variety ha scritto che il film di Kazan tocca “un territorio proibito con grande cura, compassione ed estro cinematografico”. È un dramma estremamente personale e commovente che beneficia enormemente di una consegna cinematografica”. La recensione di Newsweek ha notato che “gli spettatori scioccati potrebbero essere perplessi su chi meriti il loro principale ringraziamento per uno dei film americani più ricchi degli ultimi anni. Per semplicità, le parole di ringraziamento possono essere rivolte a Kazan. Agendo come punto focale tra il grande cast e la sceneggiatura di Inge, ha prodotto un film che rivela il talento unico di Inge per la satira simpatica nella narrazione drammatica. Vanta il maggior numero di personaggi vividi di qualsiasi film degli ultimi anni, esplode con un umorismo sorprendente e franco e travolge con un senso straziante di inevitabile tragedia”. Thomson scrisse in seguito che il film era “la migliore prova che Natalie Wood era una grande attrice” e che Beatty e la Wood “vi interpretarono i migliori ruoli della loro carriera”. Wosberg ha anche notato che in questa foto “la Wood ha dato via la partita della sua carriera”. Il film valse a William Inge un Oscar per la migliore sceneggiatura e una nomination all”Oscar per Natalie Wood. Wood ha anche ricevuto una nomination ai BAFTA come migliore attrice. Kazan è stato nominato per un Directors Guild of America Award. Il film ha ricevuto una nomination ai Golden Globe come miglior film drammatico, e Wood e Beatty sono stati nominati come migliori attori ai Golden Globe.

Carriera letteraria e cinematografica negli anni ”60 e ”80

Secondo Thomson, negli anni ”60, quando Kazan aveva cinquant”anni, iniziò a scrivere romanzi perché sentiva che la letteratura era “più nobile e preziosa”. Una volta Kazan spiegò così la sua decisione di diventare scrittore: “Volevo dire esattamente quello che sento. Mi piace dire ciò che sento in modo diretto. Non importa di chi sia la commedia che stai mettendo in scena o quanto tu sia solidale con il drammaturgo, quello che finisci per cercare di fare è interpretare il suo punto di vista sulla vita… Quando parlo per me stesso, provo un enorme senso di liberazione”. Dall”inizio degli anni ”60, Kazan ha scritto sei romanzi, tra cui diversi bestseller. Due romanzi – America, America (1962) e The Deal (1967) – sono diventati film. In generale, come ha scritto Thomson, Kazan “ha dimostrato di essere un autore emozionante”. Dopo il successo dei suoi primi due libri, ha pubblicato i romanzi The Killers (1972), The Undertaker (1974), Acts of Love (1978) e The Anatolian (1982). Secondo Rothstein, questi libri hanno ricevuto “recensioni miste o critiche”. Come nota Thomson, “possono essere letti ancora oggi, ma sono libri ordinari”.

Il primo romanzo di Kazan, America, America (1962) ricreò l”odissea di suo zio, un giovane greco che fuggì dalla povertà e dalle persecuzioni in Turchia e, superando numerosi ostacoli e problemi, raggiunse l”America. Secondo Rothstein, “il libro divenne un bestseller”. Nel 1963 Kazan fece un film con lo stesso nome basato sul libro ai Warner Bros. Studios, agendo come sceneggiatore, produttore e regista. Il film è ambientato nel 1896 in una profonda provincia dell”impero ottomano, dove le popolazioni greca e armena sono brutalmente oppresse. Il giovane greco Stavros Topuzoglu (Stathis Yalelis) decide di lasciare il paese dopo che i turchi uccidono il suo più caro amico per aver resistito al regime. Suo padre manda Stavros a Costantinopoli per raggiungere suo zio Odysseus, che è un mercante di tappeti. I genitori danno a Stavros tutti i loro oggetti di valore, aspettandosi di andare a vivere con il figlio in un secondo momento. Tuttavia, sulla strada, gli oggetti di valore di Stavros vengono rubati dal suo nuovo conoscente turco, che si rivela essere un truffatore. Stavros più tardi trova e uccide il turco, ma non riesce a recuperare il denaro. Odisseo è deluso dal fatto che Stavros sia arrivato senza soldi. Propone al bel Stavros di sposare una ricca sposa, ma quest”ultimo teme che la sua famiglia sia un ostacolo al suo obiettivo di raggiungere l”America. Dopo il rifiuto di Stavros, Odisseo lo getta in strada. Stavros accetta il lavoro più sporco e dorme in un rifugio notturno, dove gradualmente comincia a risparmiare, ma perde tutto di nuovo dopo un incontro con una prostituta. Anarchici e rivoluzionari si riuniscono nell”ostello, e durante un”incursione delle truppe governative, Stavros è gravemente ferito e perde conoscenza. Viene gettato in un mucchio di cadaveri per essere gettato in mare, ma Stavros riesce a fuggire. Torna da Odisseo e accetta di sposare la figlia di un ricco mercante di tappeti. Alla sua sposa dice francamente che vuole usare i soldi della dote per pagare il suo viaggio in America. Avendo ricevuto i soldi per un biglietto dalla moglie di un uomo d”affari americano di origine armena, Araton Kebyan, Stavros informa la sua sposa che non può sposarla e presto salpa per gli Stati Uniti. A bordo della nave Araton viene a sapere della relazione di sua moglie con Stavros. Sporge accuse penali contro Stavros, annulla la sua offerta di lavoro in America e minaccia di deportarlo in Turchia. A questo punto, un giovane armeno, amico di Stavros, muore di tubercolosi a bordo della nave. Poco prima di morire, l”armeno si getta in mare, permettendo a Stavros di usare il suo nome per arrivare a New York. Arrivato in America, Stavros comincia a risparmiare denaro per trasferirvi tutta la sua famiglia.

Come ha scritto Bosley Krauser sul New York Times, il film è il “magnifico omaggio” di Kazan a suo zio, che fu il primo della sua famiglia a emigrare negli Stati Uniti. Il suo omaggio al suo “coraggio, tenacia e visione, Kazan ha espresso in termini cinematografici eccezionalmente vivaci ed energici”. Ma il film non è solo un omaggio, ma anche “un”ode clamorosa a tutta la grande ondata di immigrazione… Questa storia è vecchia come quella di Omero e moderna come il dossier”. Kazan “infonde tutto il desiderio, la frustrazione e la gioia finale di un instancabile vagabondo che cerca e finalmente trova la sua casa spirituale”. Kazan porta al pubblico la poesia degli immigrati che arrivano in America. Con la sua messa in scena magistrale e autentica e la sua messa a fuoco, ci dà una comprensione di questo dramma che non è mai stata vista prima sullo schermo”. Allo stesso tempo, però, secondo il critico, “se il quadro non fosse stato così eccessivamente lungo e ridondante, sarebbe stato ancora meglio.

Secondo lo storico del cinema contemporaneo Jay Carr, tra i molti film sull”immigrazione in America, questo è tra i più “memorabili, e fa ancora una forte impressione”. Come scrive il critico, “è il film più personale di Kazan, basato sulla storia della sua famiglia… Kazan ha usato autentiche riprese in Grecia, ha anche scelto un attore non conosciuto in America, che era libero dal peso delle associazioni che gli attori di Hollywood possedevano”. Secondo Carr, Kazan scelse Stathis Galletis per il ruolo principale non solo perché era greco, ma anche perché poteva trasmettere con i suoi occhi chiari l”intelletto acuto necessario nella lotta per sopravvivere mentre passa dall”innocenza all”esperienza. Gli si mente, lo si frega e lo si inganna, lo si delude, lo si aggredisce e lo si lascia per morto, e mentre tutto questo va avanti acquisisce la saggezza per trasformarsi da sfruttato a sfruttatore, senza dimenticare il suo obiettivo di arrivare in America. Secondo lo studioso di cinema, “girare il film in Grecia è stata una decisione saggia, così come l”uso delle riprese in bianco e nero, a cui Kazan ha aderito praticamente per tutta la sua carriera”. Susan King ha definito il film “l”ultimo grande film di Kazan”, il suo “film più personale e più amato”. Thomson ha notato che “era il tipo di film che un uomo con la storia di Kazan aveva tutte le ragioni per fare, e tuttavia l”espressione diretta era notevolmente meno vivace che, per esempio, identificandosi con il ribelle Cal, interpretato da James Dean in Far From Heaven”.

Il film ha vinto un Oscar per la produzione di lungometraggi, così come tre nomination agli Oscar per Kazan – come produttore per il miglior film, come sceneggiatore e come regista. Come miglior regista, Kazan ha ricevuto anche un Golden Globe, una nomination al Directors Guild of America Award, il Gran Premio al Festival di San Sebastian e il St. George Award, e come sceneggiatore una nomination al Screenwriters Guild of America Award. Tuttavia, come ha osservato Vosburg, nonostante il successo di critica, “questa saga nostalgica di tre ore su un giovane greco è stata un disastro finanziario”.

Secondo Rothstein, il secondo romanzo di Kazan, The Deal (1967), trattava “la crisi di mezza età di un uomo d”affari assente. La maggior parte dei critici aveva una bassa opinione del romanzo, eppure è diventato un bestseller”. Lo scrittore della lista nera Walter Bernstein ha descritto il romanzo come “un libro che un tizio rifiuterebbe come indegno di essere trasformato in un film”. Tuttavia, nel 1969, Kazan scrisse una sceneggiatura basata sul romanzo e poi diresse anche il film. The Deal (1969) racconta la storia del greco-americano Eddie Anderson (Kirk Douglas), che ha raggiunto un grande successo di carriera diventando il direttore di successo di una grande agenzia pubblicitaria di Los Angeles. Un giorno commette inaspettatamente un tentativo di suicidio quando si schianta deliberatamente con la sua auto contro un camion mentre va al lavoro. Quando riprende conoscenza si rifiuta di parlare, dicendo solo che non tornerà nella compagnia. Eddie sviluppa una grave crisi psicologica associata alla perdita di passione nella sua relazione con la moglie Florence (Deborah Kerr), con la quale ha vissuto insieme per molti anni. Un altro tema delle esperienze di Eddie è la torrida relazione con la sua impiegata dell”agenzia pubblicitaria Gwen (Faye Dunaway), con la quale ha rotto circa due anni fa. Eddie sprofonda in una lunga depressione, che è accompagnata da flashback e allucinazioni su Gwen. Uscendo dal suo silenzio volontario, Eddie ha lunghe conversazioni con sua moglie, raccontandole la sua insoddisfazione per la vita. Florence lo ascolta con simpatia, cercando di salvare il loro matrimonio, ma periodicamente inizia ad accusare il marito di adulterio. Dopo aver parlato con uno psichiatra, Eddie torna al lavoro, ma presto insulta un cliente importante e poi pilota incautamente il suo jet privato nei cieli di Los Angeles, sollevando nuove domande sul suo stato mentale. L”avvocato di famiglia impedisce l”arresto di Eddie e poi lo convince a firmare una procura a nome di Florence per amministrare tutti i beni di famiglia. Eddie si reca a New York per visitare suo padre gravemente malato, dove incontra nuovamente Gwen, che vive lì con il suo corteggiatore di nome Charles e un bambino di un anno e mezzo (di cui si rifiuta di dire il nome del padre). Quando i parenti vogliono mettere il padre in un manicomio, Eddie lo porta nella villa di famiglia a Long Island, dove presto dimette anche Gwen. Riprendono una relazione sessuale e Eddie convince Gwen a sposarlo. Tuttavia, la loro conversazione viene interrotta dai parenti che irrompono nella casa e portano via il padre di Eddie in ambulanza, al che l”avvocato convince nuovamente Eddie a firmare una procura per disporre della proprietà. Eddie firma la procura a nome dell”avvocato, dopo di che segue Gwen a casa sua, dove Charles gli spara, ferendolo alla spalla. Dopo che Eddie dà fuoco alla villa di famiglia in preda alla rabbia, viene messo in un ospedale psichiatrico, da dove è pronto ad essere rilasciato in qualsiasi momento se dimostra di avere un lavoro e una casa. Gwen gli porta il bambino e gli dice che ha trovato un lavoro per lui. Accompagna Eddie al funerale di suo padre, dove Florence e Gwen si vedono per la prima volta. Eddie saluta suo padre per l”ultima volta, circondato dalla sua amante, da sua moglie, che tiene per mano l”avvocato, e da altri membri della famiglia.

Come ha notato lo storico del cinema Michael Atkinson, “il romanzo di Kazan, da cui il film è tratto, era in una certa misura basato sulla sua vita viziata a Beverly Hills, il suo crollo dovuto all”insorgere di una crisi di mezza età e le sue opinioni sulla cultura pop corrente all”epoca”. Tuttavia, secondo Atkinson, la vera portata della natura autobiografica del film non è nota. A giudicare dalle memorie pubblicate da Kazan, “stava solo fantasticando su come un vero esaurimento nervoso lo avrebbe reso libero”. Per quanto riguarda la moglie egoista interpretata da Deborah Kerr, la sua immagine non è in alcun modo basata sulla prima moglie di Kazan, morta nel 1963. Secondo lo storico del cinema, era molto probabilmente un”immagine collettiva delle mogli di Los Angeles che Kazan frequentava. Le memorie di Kazan suggeriscono anche che era “un adultero consumato, che conosceva bene l”ebbrezza delle relazioni distruttive con le mogli degli altri”. A differenza di Kazan, “a metà del secolo scorso nessun regista americano ha mostrato tanto interesse ed eloquenza per gli esaurimenti nervosi e i crolli emotivi, mentre con Kazan il soggetto appare in almeno sei dei suoi film più importanti”. Come scrive Atkinson, il film è costruito come se “l”eroe sofferente di Douglas fosse una specie di superuomo attorno al quale brulica un”umanità pietosa”, è “soprattutto un monumento al solipsismo frenetico del suo creatore”. Inoltre, dice il critico, “il film di Kazan è per molti versi sintomatico del suo tempo, rappresentando un goffo tentativo di assimilare la cultura della vecchia scuola di Hollywood nel nuovo ambiente mediatico di Easy Rider (1969), Woodstock, Vietnam e Bob Dylan. Nella sua costruzione è un “monster movie, che demolisce tutto, rozzo e tonante, che racconta il materialismo accecante di Los Angeles anche se il suo protagonista è praticamente impazzito dalla sua vacuità. È un film sul rifiuto della cultura moderna che vi erompe ad ogni passo. È un ritratto agghiacciante di Los Angeles nella sua impotenza”. Come nota il critico, è anche “forse il primo di molti film americani sulla crisi maschile di mezza età della menopausa, e per esprimere questa comune angoscia umana, Kazan usa tutto, compresa l”introduzione di flashback, il montaggio tagliato e associativo, persino un po” di surrealismo”. Il tutto è mescolato in uno spettacolo in widescreen fatto alla moda dell”epoca. Questo stile potrebbe non essere stato scelto deliberatamente (lo stile del film è diverso da qualsiasi altro film di Kazan), ma era semplicemente un tentativo di adattarsi ai tempi che cambiano”. Secondo Atkinson, “il tentativo fasullo di Kazan di essere rilevante, come quello di alcuni altri registi della sua generazione, è allo stesso tempo deprimente ed eloquente su quel tratto sgradevole della cultura americana in cui chiunque abbia superato i 30 anni (compresi Kazan e il suo protagonista) si è improvvisamente trovato sempre più irrilevante e disconnesso dal mondo che lo circonda”. Come conclude il critico, “Naturalmente, la maestria di Kazan è sempre stata più forte nel mostrare storie urbane, problemi di immigrati e la situazione del proletariato, piuttosto che nel mostrare le autostrade assolate di Los Angeles e le ville ultra-economiche di Beverly Hills. Ma il narcisismo sfrenato di cui questo film è impregnato può rappresentare un momento di auto-rivelazione cinematografica, il suo momento di esposizione come artista e come sopravvissuto dell”industria”.

Alla sua uscita, il film ha ricevuto recensioni contrastanti dalla critica. Vincent Camby sul New York Times, per esempio, ha scritto che era “il film più romantico di Kazan. È anche probabilmente il peggiore da un punto di vista cinematografico e il più riuscito commercialmente”. Puzza di chic cinematografico leggermente assurdo”. Tuttavia, “non è affatto divertente, è solo un”accozzaglia di stili presi in prestito”. E, ancora peggio, il film è probabilmente in gran parte incomprensibile a livello narrativo a meno che non si legga prima il bestseller di 543 pagine di Kazan, che il regista ha più o meno cercato di riassumere nel film”. Mentre ciò detto, “in alcuni punti l”intera faccenda è persino interessante da guardare come un melodramma, ha anche un certo fascino genuino con le fantasie di Kazan su se stesso”. Eppure, “Kazan, che ha fatto dei film molto buoni, ha trasformato la sua stessa vita in un film di seconda categoria. Sembra aver trasformato la sua ricerca di se stesso in una soap opera senz”anima non degna del suo vero talento”. Variety ha definito il film “un film confuso, troppo artificioso e troppo lungo con troppi personaggi che si preoccupano poco dello spettatore”. Roger Ebert ha scritto che era “uno dei loro lunghi e noiosi film ”seri” con le star che erano popolari negli anni ”50, prima che si cominciasse ad apprezzare lo stile più delle buone intenzioni del regista. Non è riuscito, soprattutto per gli standard di Kazan, ma è sostenuto dalla meravigliosa recitazione di Douglas e della Dunaway”.

Nel 1972 Kazan diresse The Guests (1972), realizzato “con un minuscolo budget cinematografico da una sceneggiatura di suo figlio maggiore Chris (morto di cancro nel 1991). Il film è stato girato su pellicola 16mm nella sua fattoria di Newtown, Connecticut, e nei dintorni, ed era destinato a una distribuzione molto limitata nei cinema”. Un critico ha definito il film “il figlio di ”In Porto””, solo che questa volta “il nobile informatore era un veterano vietnamita che ha testimoniato contro due ex amici dell”esercito che hanno violentato e ucciso una ragazza vietnamita”. Il film è ambientato in una piccola fattoria nel New England dove il veterano della guerra del Vietnam Bill Schmidt (James Woods) vive con la sua ragazza Martha Wayne e il loro giovane figlio Hal. Affittano la casa da Harry (Patrick McVeigh), il padre di Martha che vive accanto e che per vivere scrive western da tabloid. Un giorno due uomini, Tony Rodriguez e Mike Nickerson (Steve Railsback), si presentano alla loro porta e si presentano come compagni di combattimento di Bill in Vietnam. Si nota che Bill non è particolarmente felice di vedere i suoi compagni. Rimasto solo con Bill, Tony lo informa che lui e Mike sono appena stati rilasciati dal carcere militare di Fort Leavenworth dopo due anni di prigione per un crimine in cui Bill ha testimoniato contro di loro. Vedendo l”eccitazione di Bill, Tony dice che lo perdona. Sapendo che gli ospiti di Bill sono dei veterani di guerra, Harry li invita nel suo cottage, dove offre loro da bere e parla del suo servizio nel Pacifico durante la seconda guerra mondiale. Durante la conversazione, Harry vede improvvisamente che il suo cane è stato gravemente ferito dal cane di un vicino. Vedendo il dispiacere di Harry, Mike estrae un fucile dalla sua auto e uccide il cane del vicino tra gli sguardi di approvazione di Harry e Tony. Mentre i tre uomini trascinano il corpo del cane assassinato a casa del vicino, Billy e Martha si dirigono a casa sua, dove lui le racconta del processo a Mike, Tony e altri due membri della loro squadra. Bill dice che Mike ha guidato una squadra che stava cercando dei soldati vietnamiti in un piccolo villaggio. Non riuscendo a localizzare nessuno di sospetto, Mike catturò una ragazza adolescente, la violentò e poi ordinò agli altri membri della squadra di fare lo stesso. Tutti si adeguarono tranne Bill, che in seguito denunciò il crimine ai suoi superiori. Martha è solidale con Bill, che continua a preoccuparsi del suo atto. Vuole anche che Bill chieda a Mike e Tony di andarsene il prima possibile. Nel frattempo, Harry, insieme a Mike e Tony, va a casa di Bill per vedere una partita di calcio. Vedendo questo, Martha lascia la casa per andare a fare una passeggiata. Durante la partita, Harry si ubriaca molto e comincia a farneticare sulla lotta al comunismo e a fare commenti razzisti che fanno incazzare Tony. Bill sale al piano di sopra per vedere suo figlio. Quando Mike chiede a Harry perché Martha e Bill non sono ancora sposati, lui chiama Bill una femminuccia. Dopo la fine del gioco, Harry suggerisce di cenare insieme e di andare a caccia di procioni di notte. Di ritorno dalla gita, Martha è chiaramente infastidita dal fatto che Bill non ha mai chiesto a Mike e Tony di andarsene. Rimasto solo, Harry chiede a Mike del coinvolgimento di Bill nel tribunale. Quando Mike racconta la storia, nota con sorpresa che Harry prende le sue difese, chiedendogli perché non ha ucciso Bill per il suo tradimento. Dopo cena, Martha manda a casa un Harry completamente ubriaco e serve lei stessa il caffè ai suoi ospiti. Rimasta in salotto da sola con Mike, Martha dice di essere a conoscenza di quello che è successo in Vietnam, affermando che sostiene Bill. Mike a sua volta sostiene che lei sta insultando suo padre vivendo con un uomo fuori dal matrimonio. Mike sostiene che nonostante quello che l”esercito gli ha fatto, è un soldato migliore di Bill. Quando Mike le dice che è rimasto scioccato dalla vista dei suoi compagni d”armi mutilati e brutalmente uccisi, Martha prova simpatia per lui e accetta con esitazione di ballare con lui. Incuriositi dal silenzio che ne risulta, Tony e Bill tornano in salotto. Vedendo la faccia compiaciuta di Mike, con Martha accoccolata, Bill si avventa su Mike. Tony rimane a tenere Martha e Mike e Bill escono in cortile, dove Mike picchia ferocemente Bill. Mike torna poi alla casa, dove lui e Tony catturano Martha e la violentano brutalmente. Tony trascina il mezzo morto Bill in casa e poi se ne vanno con Mike. Martha scivola giù dal primo piano e si siede accanto a Bill.

Vincent Canby del New York Times ha definito il film sulla brutale eredità della guerra del Vietnam “estremamente commovente”, notando che Kazan “è ancora un regista di prim”ordine”. Come scrisse in seguito la rivista TV Guide, “Kazan, che ha fatto film di successo commerciale, si è allontanato dal tradizionale studio cinematografico per cercare di fare film più personali con un significato. Questo film dimostra che questa potrebbe non essere stata la sua mossa più saggia”. Come la recensione continua a notare, “il film è stato presumibilmente concepito come un trattato sui problemi dei soldati che sono tornati dal Vietnam con le stesse nozioni che hanno permesso loro di commettere omicidi di massa”. C”è anche il tema della falsità dietro gli ideali di coloro che cercano di condurre uno stile di vita hippie. Entrambi i temi sono basati su concetti superficiali, e “nessuno di questi temi è espresso in modo abbastanza onesto e giusto… Forse il primo da incolpare per questo è il figlio di Kazan, Chris, che ha scritto la sceneggiatura”.

Nel 1976, la Paramount Pictures fece uscire The Last Tycoon (1976) di Kazan, basato sull”omonimo romanzo incompiuto di Scott Fitzgerald. Fu prodotto da Sam Spiegel (che aveva lavorato con Kazan in Into the Harbour) e la sceneggiatura fu scritta da Harold Pinter. Il film ha un cast all-star che include Robert De Niro, Tony Curtis, Robert Mitchum, Ray Milland, Jack Nicholson e molti altri. Tuttavia, come nota Thomson, “è come se tutti questi geni avessero dimenticato la testa a casa. Questo è il film più noioso di Kazan”.

Ambientato nella Hollywood degli anni ”30, il film è incentrato su un giovane ed estremamente influente produttore di un importante studio cinematografico, Monroe Star (Robert Di Niro), noto per il suo duro lavoro, l”ossessione per il lavoro e la capacità di realizzare film non solo redditizi, ma anche apprezzati dalla critica. Tiene d”occhio la produzione di diversi film contemporaneamente, riuscendo a dare consigli precisi al montatore e a risolvere i rapporti del regista con la star e i problemi personali del popolare attore. Star è ancora profondamente colpito dalla morte di sua moglie, la star del cinema Minna Davis, e ha persino trasformato il suo camerino in un museo che i turisti possono visitare. Pat Brady (Robert Mitchum), uno dei dirigenti non più giovani dello studio, mostra il suo sostegno a Star in tutti i modi possibili davanti ai rappresentanti dei proprietari dello studio di New York. Un giorno Hollywood è scossa da un terremoto e Brady, insieme a sua figlia Cecilia (Teresa Russell), si precipita a salvare Starr nel suo ufficio. Dopo essersi ripreso, Star si mette a ricostruire rapidamente lo studio, notando in uno dei padiglioni una donna attraente che gli ricorda Minna. Nel sogno, Star immagina che Minna sia tornata da lui. Il giorno dopo Star inizia a cercare la donna. Nel frattempo, Cecilia, che ha una cotta per Star, lo invita al ballo degli scrittori. Quando lei solleva l”argomento del matrimonio, Star risponde che lui è troppo vecchio e stanco per quello e non pensa a lei in modo romantico. Durante il pranzo della direzione dello studio, Brady e diversi membri del consiglio di amministrazione discutono della minaccia rappresentata da Brimmer (Jack Nicholson), un comunista che sta cercando di formare un sindacato di scrittori. Apparendo a pranzo, Star risponde abilmente alle domande sui progetti attuali e futuri, convincendo ancora una volta i presenti della sua capacità di guidare lo studio. Star trova poi una donna, che si rivela essere Kathleen Moore (Ingrid Boulting). Kathleen rifiuta di far entrare Star, ma dopo una breve conversazione con lui, accetta di uscire un altro giorno. Il giorno dopo, nel suo ufficio, Star dimostra allo scrittore inglese Boxley (Donald Pleasence) le differenze tra il lavoro puramente letterario e quello per il cinema, ispirandolo a lavorare su una sceneggiatura. A un ballo degli scrittori, Star incontra inaspettatamente Kathleen e ballano sotto lo sguardo della comunità di Hollywood. Kathleen dice che non può uscire con lui, ma quando se ne va, lui la segue. Star e Kathleen passano il giorno dopo insieme nella casa sulla spiaggia non finita di Star, dove rimangono fino a tarda sera e fanno l”amore. Kathleen rivela che ha avuto una relazione torrida con un uomo importante, ma un altro uomo l”ha salvata. Quando Star dice che non vuole perderla, lei risponde che vuole una vita tranquilla sopra ogni cosa. Tornata a casa, Star trova un biglietto di Kathleen che le dice che presto si sposerà e non potrà più vederlo. Dopo una resa dei conti al lavoro con un Boxley ubriaco, Star si assicura un altro incontro con Kathleen sulla spiaggia, dove lei conferma che sposerà l”ingegnere che dice di averle salvato la vita. Più tardi, Star riceve un telegramma da Kathleen che la informa che si è sposata. Star arriva a casa Brady per incontrare Brimmer, dicendogli che è disposto a condividere il denaro con gli autori, ma non condividerà mai il potere con lui. Durante la cena che segue, Star si ubriaca molto, vedendo Brimmer che flirta con Cecilia. Le ulteriori interazioni tra i due uomini diventano sempre più ostili. Alla fine uno Star ubriaco cerca di colpire Brimmer, ma quest”ultimo lo affronta facilmente. La mattina dopo, Brady invita Star a una riunione di gestione delle emergenze, dove viene informato che l”ufficio di New York ha espresso insoddisfazione per la sua cattiva condotta nella riunione con Brimmer e gli suggerisce di prendere un congedo a lungo termine. Tornato nel suo ufficio, Star si ritrova catturato da ricordi e allucinazioni. Si rivolge mentalmente a Kathleen con le parole “Non voglio perderti”, ritirandosi nell”oscurità del set cinematografico.

Il film ha ricevuto recensioni ampiamente negative dalla critica. Per esempio, il recensore cinematografico David Shipman ha scritto che “l”ultimo romanzo incompiuto di Scott Fitzgerald giace qui in rovina”, mentre il New Yorker lo ha considerato “impotente come un film di vampiri che i vampiri hanno lasciato”. D”altra parte, Vincent Camby sul New York Times notò che il film era riuscito a mantenere le qualità del romanzo incompiuto di Fitzgerald, rendendolo “un film molto completo e soddisfacente attraverso l”uso di uno stile di montaggio tagliente e a scatti e la sua insolita forma di narrazione… Realizzato in modo sommesso e cupo, triste ma non sentimentale, parla di un personaggio simile a quello del famoso produttore di Hollywood Irving Thalberg. Il film cerca di mostrare Hollywood seriamente, senza il clamore e il grottesco, e soprattutto di presentare Talberg-Star in modo serio”. Secondo Canby, “è un film molto discreto, ed è così pieno di associazioni – con Thalberg, con storie di Hollywood negli anni ”30, con la vita e la carriera di Fitzgerald stesso – che è difficile separare ciò che si vede da ciò che viene portato. Il film non contiene un climax. Seguiamo l”orizzonte come se fosse un paesaggio visto dalla macchina fotografica in una lunga ripresa panoramica. E lo sfondo è la Hollywood degli anni Trenta”.

Lo storico del cinema contemporaneo Dennis Schwartz ha definito il film “un adattamento pretenzioso e vuoto del frammentario romanzo incompiuto di F. Scott Fitzgerald”. Forse il meglio che si può dire del film è che è disomogeneo e dà qualche opportunità di osservare con interesse le stelle del suo famoso cast”. Come suggerisce il critico, “Il film prende se stesso e Hollywood troppo sul serio e sembra venerare devotamente se stesso, ma è troppo goffo per contare molto, o per essere coinvolgente, o per superare la sua noia e il suo vuoto. La sceneggiatura poco coinvolgente di Pinter ha troppe pause languide e significative, e gli attori sono costretti a pronunciare testi pesanti e quasi incomprensibili. Nessuno ha l”energia o l”entusiasmo in questo film, solo De Niro dà al suo personaggio una grazia e una bellezza che manca al resto del film”. Come nota Schwartz, “il film era l”idea preferita del produttore Sam Spiegel, che voleva essere un capolavoro, ma le sue continue interferenze hanno solo peggiorato il film. Questo film fu l”ultimo per il regista Elia Kazan.

Tuttavia, secondo Thomson, questa non fu la fine della biografia creativa di Kazan. Da diversi anni stava lavorando alla sua autobiografia Life (1988). È “un testo molto lungo, franco, anche se sornione, che deve essere letto con la stessa cautela con cui un avvocato dà prove sotto giuramento”. Ma è un libro cruciale e profondamente avvincente, un ritratto di un uomo molto confuso e forse la migliore autobiografia di un uomo di spettacolo in un secolo”. Come continua Thomson, “i nemici di Kazan odiavano il libro – e lui consolidò ulteriormente il suo magnifico isolamento. Era un demone, un genio, un uomo che ha lasciato il suo segno ovunque. E nulla di ciò che ha fatto dovrebbe essere scontato o dimenticato”.

Vita familiare

Kazan si è sposato tre volte. Dal 1932 fino alla sua morte nel 1963 fu sposato con la scrittrice e sceneggiatrice Molly Day Thatcher. Hanno avuto quattro figli: Chris (morto di cancro nel 1991), Judy, Kate e Nicholas, che è diventato uno sceneggiatore, produttore e regista di Hollywood.

È stato sposato con l”attrice, scrittrice e regista Barbara Lodin dal 1967 fino alla sua morte per cancro nel 1980. Questo matrimonio produsse un figlio, Leo, e Kazan adottò anche Marco Joachim, il figlio di Lodin dal suo primo matrimonio.

Ha sposato la scrittrice Frances Raj nel 1982 e ha vissuto con lei fino alla sua morte. Come risultato di questo matrimonio, Kazan ebbe altri due figliastri dal precedente matrimonio di Raj – Charlotte Raj e Joseph Raj.

Al momento della sua morte, Kazan aveva sei nipoti e due pronipoti.

Morte

Elia Kazan è morto il 28 settembre 2003 nella sua casa di Manhattan all”età di 94 anni.

Mervyn Rothstein sul New York Times ha definito Kazan “uno dei registi più riveriti e influenti nella storia di Broadway e di Hollywood”. A Broadway, Kazan fu membro del leggendario The Group Theater dal 1932 al 1945, fondatore e direttore di lunga data dell”Actors Studio dal 1947 al 1959 e, nei primi anni ”60, cofondatore con Robert Whitehead del primo teatro di repertorio al Lincoln Center. Alcune delle produzioni teatrali più significative di Kazan includono Un tram chiamato desiderio (1947) e Death of a Salesman (1949). Fu “il regista preferito di una generazione di nuovi drammaturghi americani, tra cui due dei più importanti, Tennessee Williams e Arthur Miller” e, come nota Thomson, mentre lavorava all”Actors Studio, diede un importante contributo allo sviluppo dei principi del “naturalismo psicologico”. Nel 1953 il critico Eric Bentley scrisse che “il lavoro di Kazan significa più per il teatro americano che il lavoro di qualsiasi scrittore contemporaneo” e, secondo Rothstein, “i risultati di Kazan hanno contribuito a plasmare i principi del teatro e del cinema americano per più di una generazione a venire”.

Secondo Susan King del Los Angeles Times, “Kazan è stato uno dei registi più consumati del 20° secolo, dirigendo classici come Un tram chiamato desiderio (1951), Into the Port (1954) e East of Heaven (1955)”. Come ha detto lo storico del cinema e professore del Brooklyn College Foster Hirsch, i film di Kazan degli anni 50 sono “i film con la migliore recitazione che abbia mai visto”. Come suggerisce Hirsch, “non credo che questa grande recitazione abbia una prescrizione. ”Dolly” e ”Into the Port” sono i migliori film di recitazione mai realizzati”. Nel 1995, Kazan disse dei suoi film: “Penso che una dozzina di essi siano molto buoni, e non credo che ci siano altri film altrettanto buoni su questi temi o sentimenti”.

Come scrisse Hirsch, Kazan “creò uno stile di recitazione veramente nuovo, chiamato Metodo”, che si ispirava al sistema di Stanislavsky. Il metodo di Kazan “permetteva agli attori di creare una maggiore profondità di realismo psicologico di quanto non fosse avvenuto in precedenza”. Come sottolinea Rothstein, “secondo molti critici, Kazan era il miglior regista per gli attori americani sul palco e sullo schermo. Ha scoperto Marlon Brando, James Dean e Warren Beatty e ha contribuito a ridefinire la professione di attore cinematografico. Kazan fu il regista che diede i primi grandi ruoli cinematografici a Lee Remick, Joe Van Fleet e Jack Palance”. King nota anche che “attori come Marlon Brando, James Dean, Carroll Baker, Carl Molden, Patricia Neal, Terry Moore e Andy Griffith fiorirono sotto la sua direzione. Gli attori che hanno lavorato con lui lo ammiravano e lo ammirano ancora.

Come disse una volta l”attrice Mildred Dunnock: “Alcuni registi vedono gli attori come un male necessario, altri come bambini da manipolare”. Kazan, invece, trattava gli attori “da pari a pari, una volta che ti prende, ti infonde fiducia”. Carroll Baker ha notato che Kazan ha lanciato le carriere di molti giovani attori nell”Actors Studio. Secondo lei, “era veramente un direttore d”orchestra. Ha scoperto un sacco di gente, e sapeva come usarti per ottenere il meglio da te”, “era il miglior regista per gli attori”. Patricia Neal ha ricordato che “era molto bravo. Era un attore e sapeva come giocavamo. Spesso veniva a parlarvi in privato. Mi piaceva molto”. Terri Moore, chiamandolo il suo migliore amico, ha continuato a dire: “Ti faceva sentire meglio di quanto pensavi di poter essere. Non avevo nessun altro regista che potesse paragonarsi a lui. Ero viziato per la vita”. L”attore Carl Molden, che ha recitato in quattro dei più grandi film di Kazan, ha detto: “Eravamo così vicini come possono esserlo un attore e un regista”. Secondo l”attore, Kazan faceva spesso lunghe passeggiate con gli attori che stava considerando per un particolare ruolo. “Kazan aveva bisogno di capire l”attore per sapere come far funzionare le sue emozioni sul palco e sullo schermo. Quindi, quando ti ha assunto, sapeva più cose su di te di quante tu ne sappia su te stesso”. Dustin Hoffman ha detto che dubita che lui, o De Niro, o Al Pacino sarebbero potuti diventare attori “senza l”influenza pionieristica di Kazan”.

Allo stesso tempo, secondo Rothstein, “Kazan aveva anche i suoi detrattori cinematografici, che a volte lo accusavano di essere semplicistico e sentimentale, di aver sminuito i suoi soggetti e di affidarsi a finali evasivi”. Anche lo stesso Kazan era abbastanza consapevole dei propri limiti. Ha scritto: “Non possiedo una gamma enorme. Sono debole nella musica e nello spettacolo vivido. Classici – non è il mio … Sono un regista mediocre, tranne quando l”opera o il film tocca parte della mia esperienza di vita … Ho coraggio, anche un po” di coraggio. So come parlare agli attori… per incoraggiarli a recitare meglio. Ho sentimenti forti, anche violenti, e questi sono i miei punti di forza”.

Più tardi, secondo Rothstein, Kazan divenne anche un “romanziere di successo”. Ha detto: “Quando scrivi il tuo lavoro, per me significa più di quanto possa estrarre dal lavoro di qualcun altro (come regista), e alcuni di quelli che ho scritto sono venuti fuori abbastanza bene”. Riassumendo la personalità e la diversità creativa di Kazan, Thomson ha scritto: “Kazan era un mascalzone, forse. Non era sempre un compagno affidabile o una persona piacevole. Ma è una personalità monumentale, il più grande mago nel lavorare con gli attori del suo tempo, un superbo regista teatrale, un cineasta di autentica fama, un romanziere e, infine, un autobiografo audace, sincero, egoista, autodistruttivo e provocatorio – un uomo grande e pericoloso, il tipo che i suoi nemici hanno avuto la fortuna di avere”.

Secondo Rothstein, “Kazan era un uomo basso (167 cm), segaligno, energico e insolito, con un viso bruno, abiti sgualciti e un tipo di personalità dominante che negli anni aveva creato molte versioni del suo vero io”. Un articolo su Kazan sulla pagina della CBS lo descrive come “un uomo basso, tarchiato ed energico che preferiva abiti casual ed era diretto nelle sue comunicazioni”. Come disse di lui Vivien Leigh una volta, “Gadge è il tipo di uomo che manda un vestito a farsi pulire e stropicciare. Non crede nelle amenità sociali, e se si annoia con qualche persona o gruppo, semplicemente se ne va senza scuse o spiegazioni”.

Come Kazan stesso diceva spesso di sé, era intessuto di contraddizioni. Paragonandosi a un serpente nero, nella sua autobiografia “Elia Kazan: A Life” (1988) scrisse: “Durante la mia vita ho cambiato diverse pelli, ho vissuto diverse vite e ho sperimentato cambiamenti violenti e crudeli. Di solito mi rendevo conto di quello che era successo già dopo che era successo”. Come Kazan continuò a scrivere, “Ho ripetutamente sorpreso la gente con quello che sembrava un completo rovesciamento di atteggiamenti e punti di vista. Questo a volte ha portato alla sfiducia nei miei confronti. Ancora e ancora i miei desideri contrastanti hanno portato al rifiuto dell”uno o dell”altro”. Arthur Schlesinger, nel suo articolo sull”autobiografia di Kazan in The New York Times Book Review, descrisse il regista come “brillante, appassionato, generoso, irrequieto, scontento, arrabbiato e vendicativo, come una miniera di creatività, risentimento e polemica”. Come aggiunge Rothstein, “Kazan era tutte queste cose e molte altre.

Secondo Thomson, “Kazan ha sempre mangiato la vita con un grande cucchiaio. Non ha mai abbandonato il mondo dello spettacolo. Era consumato dal pensiero di ciò che gli altri pensavano di lui. E alcuni pensavano che avesse lavorato duramente per diventare un famoso cattivo ragazzo. La sua rabbia era vigorosa, perché era un ego offeso da errori di natura che non lo avevano reso fin dalla nascita un innegabile bell”uomo, principe, genio e pascià. Invece, per anni ha lavorato sotto il soprannome di ”Gadge”, il tizio della compagnia teatrale che poteva aggiustare un pannello luminoso, costruire un”imbracatura o portare all”orgasmo un”attrice famosa per esaltare rapidamente la sua performance”. Detto questo, Kazan era spesso “un nemico o un rivale naturale, scontroso con i vecchi amici, un avversario dell”ortodossia altrui e un avversario deliberato del resto”. Nel dramma della sua vita, Kazan non era solo un personaggio, era uno scenografo e un autore. Era solo contro il mondo, la sua unica voce, la sua rabbia giustificata”. Kazan una volta disse: “Anche quando ero bambino, volevo vivere tre o quattro vite”. A modo suo, l”ha fatto, lasciando il suo segno in America non solo come artista, ma anche con le sue azioni durante il periodo del maccartismo, quando scrittori, attori e altri erano costretti sotto pressione a “dare nomi” agli investigatori che cercavano presunti americani sleali.

Thomson ricorda anche che, tra le altre cose, “Kazan era un uomo ferocemente eterosessuale, un uomo che richiedeva un”identità sessuale personale nel suo lavoro, e che spesso aveva relazioni passionali con le sue attrici”. Nella sua autobiografia del 1988, Elia Kazan: A Life, scrisse delle molte storie d”amore che ebbe nel corso degli anni, compresa una relazione con Marilyn Monroe. “I miei romanzi erano una fonte di conoscenza per me – erano la mia educazione. Nel corso degli anni, in questo campo e solo in questo campo, ho usato bugie, e non ne vado fiero. Ma devo dire questo: il mio interesse per le donne mi ha salvato. Ha pompato i miei succhi e mi ha salvato dall”inaridire, dal diventare polvere e dal disperdersi nel vento”. Secondo Thomson, “la sua carriera movimentata e i suoi impulsi polemici non possono in alcun modo essere ridotti a un singolo articolo. Elencare tutti i suoi meriti richiederebbe molto spazio e non lascerebbe spazio per una descrizione adeguata della sua faccia veramente brutta, che attirava l”occhio di occhi vergognosi. Era acuto, bellicoso, seducente, entusiasta e crudele. Un momento poteva essere un nobile umanista, l”attimo dopo un pirata donnaiolo. Fino a quando la vecchiaia e la malattia lo hanno sopraffatto, era pieno di una vitalità feroce e competitiva. Stare con lui significava sapere che oltre a tutto quello che faceva, poteva essere anche un attore ipnotico o un leader politico ispiratore”.

Quando Kazan aveva 78 anni, scrisse nella sua autobiografia: “Quello che mi fa incazzare adesso è la mortalità, per esempio. Ho imparato solo di recente a godermi la vita. Ho smesso di preoccuparmi di quello che la gente pensa di me – o almeno mi piace crederlo. Passavo la maggior parte del mio tempo a sforzarmi di essere un bravo ragazzo, di piacere alla gente. Ora mi sono ritirato dal mondo dello spettacolo e sono diventato un uomo indipendente”.

Durante la sua carriera, Kazan ha vinto tre Tony Awards come miglior regista teatrale, due Oscar come miglior regista cinematografico, un Oscar onorario alla carriera e quattro Golden Globes.

Kazan vinse tre Tony Awards come miglior regista per le sue produzioni di All My Sons (1947) e Death of a Salesman (1949) di Arthur Miller e J.B. di Archibald MacLeish. (1959). Fu anche nominato altre quattro volte per un Tony Award – come miglior regista per “Cat on a Hot Tin Roof” di Tennessee Williams (1956), come miglior regista e co-produttore di “Darkness at the Top of the Stairs” di William Inge (1956) e come miglior regista per “The Sweet-Haired Bird of Youth” di Tennessee Williams (1960). Cinque delle opere di Kazan hanno vinto i premi Pulitzer per i loro autori: The Skin of Our Teeth di Thornton Wilder nel 1943, A Streetcar Named Desire di Tennessee Williams nel 1948 e A Streetcar Named Desire di Tennessee Williams nel 1948. – Tennessee Williams nel 1948, Death of a Salesman a Arthur Miller nel 1949, Cat on a Hot Roof a Tennessee Williams nel 1955 e J.B. – Archibald MacLeish nel 1959.

Kazan vinse l”Oscar per la regia di The Gentleman”s Agreement (1947) e Into the Harbour (1954), che vinse anche l”Oscar per il miglior film. Kazan fu anche nominato come miglior regista agli Oscar per Un tram chiamato desiderio (1951). (1951), East of Heaven (1955), e per America, America (1963) fu nominato per tre Oscar – miglior sceneggiatura, miglior regia e come produttore per il miglior film. Tredici film di Kazan sono stati nominati agli Oscar in almeno una categoria, e nove di essi hanno vinto almeno un premio. Sette film di Kazan hanno vinto un totale di 20 Oscar, tra cui On the Harbour (1954) che ha vinto otto Oscar.

Ventuno attori sono stati nominati agli Oscar per aver recitato in film diretti da Kazan, tra cui James Dunn, Celeste Holm, Gregory Peck, Dorothy McGuire, Anne Revere, Jeanne Crane ed Ethel Barrymore, Ethel Waters, Carl Moulden, Vivien Leigh, Kim Hunter, Marlon Brando, Anthony Quinn, Eva Marie Saint, Lee Jay Cobb, Rod Steiger, Joe Van Fleet, James Dean, Carroll Baker, Mildred Dunnock e Natalie Wood. Tra gli attori elencati, Dunn, Holm, Molden, Lee, Hunter, Quinn, Brando, Sainte e Van Fleet hanno vinto l”Oscar. Quattro attrici hanno vinto l”Oscar come migliore attrice non protagonista per i loro ruoli nei film di Kazan: Holm, Hunter, Sainte e Van Fleet. Kazan è uno dei quattro registi i cui attori nei film hanno vinto l”Oscar in tutte e quattro le categorie di recitazione. Lo hanno fatto anche William Wyler, Hal Ashby e Martin Scorcese.

Quando nel 1999, quattro anni prima della sua morte, si decise di assegnare a Kazan un “Oscar” onorario per i contributi alla vita, “si riaprirono le ferite della sua apparizione davanti alla Commissione del Congresso americano sulle attività antiamericane”. Come ha notato Marvin Rothstein sul New York Times, ricevere il premio fece molto scalpore, poiché nel 1952 Kazan attirò l”ira di molti dei suoi amici e colleghi quando ammise davanti alla Commissione di essere stato membro del partito comunista dal 1934 al 1936 e diede alla Commissione i nomi di altri otto membri del partito. Molte persone nel mondo delle arti, compresi quelli che non erano mai stati comunisti, lo criticarono aspramente per questo atto per decenni. E due anni prima, l”American Film Institute aveva negato a Kazan il suo premio. Secondo Rothstein, l”assegnazione dell”Oscar onorario a Kazan generò numerose proteste, ma Kazan ebbe anche un discreto sostegno. Per esempio, Arthur Schlesinger Jr. ha dichiarato: “Se questo caso dell”Accademia richiede le scuse di Kazan, che i suoi detrattori si scusino allora per l”aiuto e la simpatia che hanno dato allo stalinismo”. A Kazan è stato anche ricordato che c”erano anche attori che non gli avrebbero mai perdonato di aver nominato la Commissione del Congresso. Così, Victor Navasky, autore di Naming Names, ha scritto: “Proprio perché era il regista più influente del paese, Kazan avrebbe dovuto usare la sua influenza per combattere contro la lista nera e lottare contro la commissione, ma ha ceduto”. Nella notte degli Oscar del 1999, più di 500 manifestanti si sono riuniti fuori dal Dorothy Chandler Pavilion di Los Angeles per protestare contro la presentazione di un premio onorario a Kazan. All”interno della sala, le cose erano anche lontane dalla tradizionale standing ovation tipica di altri spettacoli di premiazione. La sera dei premi, una parte del pubblico non ha applaudito, anche se altri gli hanno dato un caldo benvenuto. Il regista Martin Scorcese e l”attore Robert De Niro hanno consegnato il premio a Kazan, esprimendo la loro ammirazione per il suo lavoro. Nella sua risposta, Kazan ha detto: “Vi sono molto grato. Sono davvero felice di sentirlo e voglio ringraziare l”Accademia per il suo coraggio e la sua generosità”.

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