Ellsworth Kelly

gigatos | Febbraio 20, 2022

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Riassunto

Ellsworth Kelly (31 maggio 1923 – 27 dicembre 2015) è stato un pittore, scultore e incisore americano associato alla pittura hard-edge, alla pittura Color Field e al minimalismo. Le sue opere dimostrano tecniche senza pretese che enfatizzano la linea, il colore e la forma, simili al lavoro di John McLaughlin e Kenneth Noland. Kelly ha spesso impiegato colori brillanti. Ha vissuto e lavorato a Spencertown, New York.

Kelly nacque come secondo figlio di tre figli da Allan Howe Kelly e Florence Rose Elizabeth (Githens) Kelly a Newburgh, New York, circa 60 miglia a nord di New York City. Suo padre era un dirigente di una compagnia di assicurazioni di origine scozzese-irlandese e tedesca. Sua madre era un”ex insegnante di origine tedesca gallese e della Pennsylvania. La sua famiglia si trasferì da Newburgh a Oradell, New Jersey, una città di circa 7.500 persone. La sua famiglia viveva vicino al serbatoio di Oradell, dove sua nonna paterna lo introdusse all”ornitologia quando aveva otto o nove anni.

Lì sviluppò la sua passione per la forma e il colore. John James Audubon ebbe un”influenza particolarmente forte sul lavoro di Kelly durante la sua carriera. L”autore Eugene Goossen ha ipotizzato che i dipinti a due e tre colori (come Three Panels: Red Yellow Blue, I 1963) per i quali Kelly è così noto possono essere ricondotti al suo bird watching e al suo studio degli uccelli a due e tre colori che vide così frequentemente in giovane età. Kelly ha detto di essere stato spesso solo da ragazzo e di essere diventato un po” un “solitario”. Aveva una leggera balbuzie che persisteva nella sua adolescenza.

Kelly frequentò la scuola pubblica, dove le lezioni d”arte sottolineavano i materiali e cercavano di sviluppare “l”immaginazione artistica”. Questo curriculum era tipico della più ampia tendenza scolastica che era emersa dalle teorie educative progressiste promulgate dal Teacher”s College della Columbia University, dove aveva insegnato il pittore modernista americano Arthur Wesley Dow. Anche se i suoi genitori erano riluttanti a sostenere la formazione artistica di Kelly, la sua insegnante, Dorothy Lange Opsut, lo incoraggiò ad andare oltre. Poiché i suoi genitori avrebbero pagato solo per la formazione tecnica, Kelly studiò prima al Pratt Institute di Brooklyn, che frequentò dal 1941 fino a quando fu arruolato nell”esercito il giorno di Capodanno del 1943.

Entrando nel servizio militare americano nel 1943 Kelly chiese di essere assegnato al 603° Battaglione mimetico degli ingegneri, che prese molti artisti. Fu arruolato a Fort Dix, New Jersey e inviato a Camp Hale, Colorado, dove si addestrò con le truppe di sci di montagna. Non aveva mai sciato prima. Da sei a otto settimane dopo, fu trasferito a Fort Meade, nel Maryland. Durante la seconda guerra mondiale, ha servito con altri artisti e designer in un”unità di inganno conosciuta come The Ghost Army. I soldati fantasma usavano carri armati gonfiabili, camion e altri elementi di sotterfugio per ingannare le forze dell”Asse sulla direzione e la disposizione delle forze alleate. La sua esposizione alla mimetizzazione militare durante il periodo in cui servì divenne parte del suo addestramento artistico di base. Kelly servì con l”unità dal 1943 fino alla fine della fase europea della guerra.

Kelly usò il G.I. Bill per studiare dal 1946-47 alla School of the Museum of Fine Arts, Boston, dove approfittò delle collezioni del museo, e poi all”École nationale supérieure des Beaux-Arts a Parigi. Mentre era a Boston ha esposto nella sua prima mostra collettiva alla Boris Mirski Gallery e ha tenuto lezioni d”arte al Norfolk House Center di Roxbury. Mentre era a Parigi Kelly stabilì la sua estetica. Frequentò poco le lezioni, ma si immerse nelle ricche risorse artistiche della capitale francese. Aveva sentito una conferenza di Max Beckmann sull”artista francese Paul Cézanne nel 1948 e si trasferì a Parigi quell”anno. Lì incontrò i connazionali John Cage e Merce Cunningham, che sperimentavano rispettivamente nella musica e nella danza; l”artista surrealista francese Jean Arp e lo scultore astratto Constantin Brâncuși, la cui semplificazione delle forme naturali ebbe un effetto duraturo su di lui. L”esperienza di visitare artisti come Alberto Magnelli, Francis Picabia, Alberto Giacometti e Georges Vantongerloo nei loro studi fu trasformativa.

Dopo essere stato all”estero per sei anni, il francese di Kelly era ancora scarso e aveva venduto solo un quadro. Nel 1953 fu sfrattato dal suo studio e tornò in America l”anno seguente. Si era interessato dopo aver letto una recensione di una mostra di Ad Reinhardt, un artista al quale sentiva che il suo lavoro era legato. Al suo ritorno a New York, trovò il mondo dell”arte “molto duro”. Sebbene Kelly sia oggi considerato un innovatore essenziale e un contributore al movimento artistico americano, era difficile per molti trovare la connessione tra l”arte di Kelly e le tendenze stilistiche dominanti. Nel maggio 1956 Kelly ebbe la sua prima mostra a New York City nella galleria di Betty Parsons. La sua arte era considerata più europea di quanto fosse popolare a New York in quel momento. Espose di nuovo alla sua galleria nell”autunno del 1957. Tre delle sue opere: Atlantic, Bar, e Painting in Three Panels, furono selezionati e mostrati alla mostra del Whitney Museum of American Art, “Young America 1957″. Le sue opere furono considerate radicalmente diverse da quelle degli altri ventinove artisti. Painting in Three Panels, per esempio, fu particolarmente notato; all”epoca i critici misero in dubbio la sua creazione di un”opera da tre tele. Per esempio, Michael Plante ha detto che, il più delle volte, i pezzi a più pannelli di Kelly erano angusti a causa delle restrizioni di installazione, che riducevano l”interazione tra i pezzi e l”architettura della stanza.

Kelly alla fine si trasferì da Coenties Slip, dove a volte aveva condiviso uno studio con la collega e amica Agnes Martin, al nono piano del grattacielo

Kelly lasciò New York City per Spencertown nel 1970 e fu raggiunto dal suo partner, il fotografo Jack Shear, nel 1984. Dal 2001 fino alla sua morte Kelly ha lavorato in uno studio di 20.000 metri quadrati a Spencertown riconfigurato e ampliato dall”architetto Richard Gluckman. Kelly e Shear si sono trasferiti nel 2005 nella residenza che hanno condiviso fino alla morte del pittore, una casa coloniale rivestita di legno costruita intorno al 1815. Shear è il direttore della Fondazione Ellsworth Kelly. Nel 2015, Kelly ha donato al Blanton Museum of Art dell”Università del Texas di Austin il suo progetto di edificio per un luogo di contemplazione. Intitolato Austin, l”edificio in pietra di 2.715 metri quadrati – che presenta finestre in vetro colorato, una scultura totemica in legno e pannelli in marmo bianco e nero – è l”unico edificio progettato da Kelly ed è la sua opera più monumentale. Austin, che Kelly ha progettato trent”anni prima, è stato inaugurato nel febbraio 2018.

Kelly è morto a Spencertown, New York, il 27 dicembre 2015, a 92 anni.

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Pittura

Mentre era a Parigi, Kelly aveva continuato a dipingere la figura, ma nel maggio 1949, realizzò i suoi primi dipinti astratti. Osservando come la luce si disperde sulla superficie dell”acqua, dipinse Seine (1950), fatto di rettangoli bianchi e neri disposti per caso. Nel 1951 inizia una serie di otto collage intitolata Spectrum Colors Arranged by Chance I to VIII. Li creò usando foglietti di carta numerati; ognuno si riferiva a un colore, una delle diciotto tonalità diverse da collocare su una griglia di 40 pollici per 40 pollici. Ognuno degli otto collage impiegava un processo diverso.

La scoperta da parte di Kelly, nel 1952, dell”opera tarda di Monet gli infuse una nuova libertà di espressione pittorica: iniziò a lavorare in formati estremamente grandi ed esplorò i concetti di serialità e di pittura monocromatica. Come pittore lavorò da allora in poi in un modo esclusivamente astratto. Verso la fine degli anni Cinquanta, la sua pittura ha sottolineato la forma e le masse planari (spesso assumendo formati non rettilinei). Il suo lavoro di questo periodo fornì anche un utile ponte dall”avanguardia dell”astrazione geometrica americana degli anni ”30 e dei primi anni ”40 al minimalismo e all”arte riduttiva della metà degli anni ”60 e ”70. Il dipinto in rilievo di Kelly, Blue Tablet (1962), per esempio, fu incluso nella mostra seminale del 1963, Toward a New Abstraction, al Jewish Museum.

Durante gli anni ”60 iniziò a lavorare con tele dall”angolo irregolare. Yellow Piece (1966), la prima tela sagomata dell”artista, rappresenta la rottura cruciale di Kelly con il supporto rettangolare e la sua ridefinizione della figura della pittura

Negli anni Settanta aggiunge al suo repertorio le forme curve. Green White (1968) segna la prima apparizione del triangolo nell”opera di Kelly, una forma che si ripresenta durante tutta la sua carriera; il dipinto è composto da due tele monocromatiche distinte e sagomate, che sono installate l”una sull”altra: un grande trapezio verde rovesciato è posizionato verticalmente sopra un triangolo bianco più piccolo, formando una nuova composizione geometrica.

Dopo aver lasciato New York City per Spencertown nel 1970, affittò un ex teatro nella vicina città di Chatham, permettendo di lavorare in uno studio più spazioso di tutti quelli che aveva occupato in precedenza. Dopo averci lavorato per un anno, Kelly si imbarcò in una serie di 14 dipinti che sarebbero diventati la Chatham Series. Ogni opera ha la forma di un”ellisse rovesciata, ed è fatta di due tele unite, ogni tela un monocromo di un colore diverso. Le opere variano nelle proporzioni e nella tavolozza da una all”altra; un”attenta attenzione è stata prestata alle dimensioni di ogni pannello e al colore scelto per ottenere equilibrio e contrasto tra i due.

Una serie più grande di dodici opere che Kelly iniziò nel 1972 e non completò fino al 1983, Gray fu originariamente concepita come una dichiarazione contro la guerra ed è priva di colore. Nel 1979 usò le curve in dipinti a due colori fatti di pannelli separati.

Nei dipinti successivi, Kelly distilla la sua tavolozza e introduce nuove forme. In ogni opera, ha iniziato con una tela rettangolare che ha accuratamente dipinto con molte mani di vernice bianca; una tela sagomata, per lo più dipinta di nero, è posta sopra.

In riferimento al proprio lavoro Kelly disse in un”intervista del 1996: “Penso che quello che tutti vogliamo dall”arte è un senso di fissità, un senso di opposizione al caos della vita quotidiana. Questa è un”illusione, naturalmente. La tela marcisce. La vernice cambia colore. Ma si continua a cercare di congelare il mondo come se si potesse farlo durare per sempre. In un certo senso, quello che ho cercato di catturare è la realtà del flusso, per mantenere l”arte una situazione aperta, incompleta, per arrivare all”estasi del vedere”.

Kelly ha commentato “Ho capito che non volevo comporre immagini… volevo trovarle. Sentivo che la mia visione era scegliere le cose là fuori nel mondo e presentarle. Per me l”indagine della percezione era di grande interesse. C”era così tanto da vedere, e tutto mi sembrava fantastico”.

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Litografie e disegni

Kelly ha presentato disegni di piante e fiori a partire dalla fine degli anni ”40. Ailanthus (1948) è il primo disegno di piante che eseguì a Boston, Hyacinth (1949) fu il primo che fece quando era a Parigi. A partire dal 1949, mentre viveva a Parigi (e influenzato in questa scelta di soggetto da Henri Matisse e Jean Arp) iniziò a disegnare semplici forme di piante e alghe. Gli studi di piante sono, per la maggior parte, disegni di contorno di foglie, steli e fiori fatti con tratti puliti di matita o penna e centrati sulla pagina.

Riprende la stampa in modo concertato a metà degli anni sessanta, quando realizza la sua Suite of Twenty-Seven Lithographs (1964-66) con Maeght Éditeur a Parigi. Fu allora che creò il suo primo gruppo di litografie di piante. Dal 1970 in poi ha collaborato principalmente con Gemini G.E.L. La sua serie iniziale di 28 litografie transfer, intitolata Suite of Plant Lithographs, ha segnato l”inizio di un corpus che sarebbe cresciuto fino a 72 stampe e innumerevoli disegni di fogliame. Nel 1971 completò quattro edizioni di stampe e un”edizione del multiplo Mirrored Concorde alla Gemini G.E.L. La sua Purple

Scultura

Anche se Kelly può essere meglio conosciuto per i suoi dipinti, ha anche lavorato alla scultura durante la sua carriera. Nel 1958, Kelly concepì una delle sue prime sculture in legno, Concorde Relief I (1958), un modesto rilievo murale in olmo, che esplora il gioco visivo e l”equilibrio tra due forme rettangolari stratificate l”una sull”altra, la più alta con gli angoli superiore destro e inferiore sinistro rimossi. Nel corso della sua carriera ha realizzato 30 sculture in legno. Dal 1959 in poi, creò sculture indipendenti piegate. La serie Rocker iniziò nel 1959 dopo una conversazione casuale di Kelly con Agnes Martin, che viveva sotto di lui in Coenties Slip a Lower Manhattan. Giocando con il coperchio di carta di una tazza di caffè da asporto, Kelly tagliò e piegò una sezione dell”oggetto rotondo, che poi mise sul tavolo e fece dondolare avanti e indietro. Poco dopo costruì la sua prima scultura circolare, Pony. Il titolo si riferisce a un cavallo per hobby per bambini con supporti a dondolo curvi.

Nel 1973 Kelly iniziò a realizzare regolarmente sculture all”aperto su larga scala. Kelly ha rinunciato alle superfici dipinte, scegliendo invece acciaio, alluminio o bronzo non verniciati, spesso in configurazioni simili a totem come Curve XXIII (1981). Mentre le forme totemiche delle sue sculture indipendenti possono misurare fino a 15 piedi di altezza, i suoi rilievi a muro possono estendersi per più di 14 piedi di larghezza. La scultura di Kelly “è fondata sulla sua aderenza alla semplicità assoluta e alla chiarezza della forma”. Per le sue sculture del 1980, durante questo periodo di tempo a Spencertown, l”artista ha dedicato per la prima volta tanta energia alle sue sculture quanto alla sua pittura, e nel processo ha prodotto oltre il sessanta per cento del totale delle sue 140 sculture.

Kelly creava i suoi pezzi usando una successione di idee su varie forme. Potrebbe aver iniziato con un disegno, migliorato il disegno per creare una stampa, preso la stampa e creato un pezzo indipendente, che è stato poi trasformato in una scultura. Le sue sculture sono pensate per essere del tutto semplici e possono essere viste rapidamente, spesso con un solo sguardo. Lo spettatore osserva superfici lisce e piatte che sono isolate dallo spazio che le circonda. Questo senso di piattezza e minimalismo rende difficile distinguere la differenza tra il primo piano e lo sfondo. Blue Disc di Kelly fu incluso nella seminale mostra del 1966 al Jewish Museum di New York intitolata Primary Structures, insieme a molti artisti molto più giovani che stavano iniziando a lavorare con forme minime.

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Stile

William Rubin ha notato che “lo sviluppo di Kelly è stato decisamente interiore: né una reazione all”espressionismo astratto né il risultato di un dialogo con i suoi contemporanei”. Molti dei suoi dipinti consistono in un singolo colore (di solito brillante), con alcune tele di forma irregolare, a volte chiamate “shaped canvases”. La qualità della linea vista nei suoi dipinti e nella forma delle sue tele sagomate è molto sottile e implica la perfezione. Questo è dimostrato nella sua opera Block Island Study (1959).

Influenze

Il background militare di Kelly è stato suggerito come fonte della serietà delle sue opere. Mentre era in servizio nell”esercito, Kelly fu esposto e influenzato dalla mimetizzazione con cui lavorava il suo specifico battaglione. Questo gli ha insegnato l”uso della forma e dell”ombra, così come la costruzione e la decostruzione del visibile. Fu fondamentale per la sua prima formazione come artista. Ralph Coburn, un amico di Kelly di Boston, lo introdusse alla tecnica del disegno automatico durante una visita a Parigi. Kelly abbracciò questa tecnica di fare un”immagine senza guardare il foglio di carta. Queste tecniche aiutarono Kelly ad allentare il suo stile di disegno e ad ampliare la sua accettazione di ciò che credeva essere arte. Durante il suo ultimo anno a Parigi, Kelly era malato e soffriva anche di depressione; Sims pensa che questo abbia influenzato il suo uso predominante del bianco e nero durante quel periodo.

L”ammirazione di Kelly per Henri Matisse e Pablo Picasso è evidente nel suo lavoro. Si è allenato a vedere le cose in vari modi e a lavorare con diversi mezzi a causa della loro ispirazione. Piet Mondrian ha influenzato le forme non oggettive che ha usato sia nei suoi dipinti che nelle sculture. Kelly fu influenzato dall”arte e dall”architettura dell”epoca romanica e bizantina mentre studiava a Parigi. La sua introduzione al Surrealismo e al Neo-Plasticismo influenzò il suo lavoro e lo portò a testare l”astrazione delle forme geometriche.

Curando

Nel 2014 Kelly ha organizzato una mostra di disegni di Matisse al Mount Holyoke College Art Museum di South Hadley, Massachusetts. Nel 2015, ha curato “Monet

Nel 1990 Kelly ha curato la mostra “Artist”s Choice: Ellsworth Kelly Fragmentation and the Single Form”, al Museum of Modern Art.

Nel 1956, incontrò Robert Indiana che si trasferì nello stesso edificio e diventarono soci. Kelly divenne il suo mentore. Si lasciarono intorno al 1964. Uno dei motivi era l”uso che Indiana faceva delle parole nei suoi dipinti e Kelly considerava tale tecnica non degna dell”arte alta.

Dal 1984 fino alla sua morte, Kelly ha vissuto con suo marito, il fotografo Jack Shear, che è il direttore della Ellsworth Kelly Foundation.

La prima mostra personale di Kelly si tenne alla Galerie Arnaud di Parigi nel 1951. La sua prima mostra personale a New York si tenne alla Betty Parsons Gallery nel 1956. Nel 1957, ha esposto opere in una mostra collettiva alla Ferus Gallery di Los Angeles. Nel 1959 fu incluso nella rivoluzionaria mostra del Museum of Modern Art, Sixteen Americans. Kelly fu invitato a esporre alla Biennale di San Paolo nel 1961. Il suo lavoro è stato poi incluso nella documenta nel 1964, 1968, 1977, 1992. Una sala dei suoi dipinti è stata inclusa nella Biennale di Venezia del 2007.

La prima retrospettiva di Kelly si è tenuta al Museum of Modern Art nel 1973. Da allora il suo lavoro è stato riconosciuto in numerose mostre retrospettive, tra cui una mostra di scultura al Whitney Museum of American Art, New York, nel 1982; una mostra di opere su carta e una mostra delle sue opere di stampa che ha viaggiato molto negli Stati Uniti e in Canada dal 1987-88; e una retrospettiva della carriera nel 1996 organizzata dal Solomon R. Guggenheim Museum, che ha viaggiato al Museum of Contemporary Art di Los Angeles, alla Tate Gallery di Londra e alla Haus der Kunst di Monaco. Da allora, mostre personali di Kelly sono state allestite al Metropolitan Museum of Art di New York (1998), al Fogg Art Museum di Cambridge (1999), al San Francisco Museum of Modern Art (1988

Nel 1993 la Galerie nationale du Jeu de Paume di Parigi organizza la mostra “Ellsworth Kelly: The French Years, 1948-54″, basata sul rapporto dell”artista con la città, che viaggiò alla National Gallery of Art, Washington D.C.; nel 2008, il Musée d”Orsay onorò Kelly con la mostra “Correspondences: Paul Cézanne Ellsworth Kelly”. La Haus der Kunst ha esposto la prima retrospettiva completa delle opere in bianco e nero di Kelly nel 2012.

In occasione del 90° compleanno dell”artista nel 2013, la National Gallery of Art di Washington ha allestito una mostra delle sue stampe; la Barnes Foundation di Philadelphia ha riunito cinque sculture in una mostra; la Phillips Collection di Washington ha esposto i suoi dipinti su tavola e il Museum of Modern Art ha aperto una mostra della “Chatham Series”.

Mostre personali selezionate

Nel 1957 Kelly fu incaricato di produrre una scultura a muro lunga 65 piedi per il Transportation Building al Penn Center di Philadelphia, la sua opera più grande fino a quel momento. In gran parte dimenticata, la scultura intitolata Sculpture for a Large Wall (1957) fu infine smantellata. Da allora Kelly ha eseguito molte commissioni pubbliche, tra cui Wright Curve (1966), una scultura in acciaio progettata per l”installazione permanente nel Peter B. Lewis Theater del Guggenheim; un murale per la sede dell”UNESCO a Parigi nel 1969; Curve XXII (una commissione del 1985 da I. M. Pei per l”edificio Raffles City a Singapore; lo Houston Triptych, piani verticali in bronzo montati su un alto cemento al Museum of Fine Arts, Houston, nel 1986; Totem (i Dallas Panels (una scultura del 1989 per la sede della Nestlé a Vevey, Svizzera; Gaul (un memoriale in due parti per lo United States Holocaust Memorial Museum, Washington, D.C, nel 1993; e i grandi pannelli berlinesi per il Deutscher Bundestag, Berlino, nel 1998. Per il John Joseph Moakley United States Courthouse (progettato da Henry N. Cobb) a Boston ha progettato The Boston Panels, 21 pannelli di alluminio dai colori brillanti installati nella rotonda centrale come un”unica opera in tutto l”edificio.

L”opera a due pannelli Blue Black (2001) di Kelly, alta 28 piedi e realizzata in alluminio verniciato a nido d”ape, è stata commissionata per la Pulitzer Arts Foundation, St. Louis, e il bronzo su larga scala Untitled (2005) è stato commissionato appositamente per il cortile della Phillips Collection. Nel 2005, a Kelly è stata commissionata l”unica opera site-specific per l”ala moderna dell”Art Institute di Chicago da Renzo Piano. Ha creato White Curve, la più grande scultura a muro che abbia mai realizzato, che è in mostra dal 2009. Kelly ha installato Berlin Totem, una scultura di 40 piedi in acciaio inossidabile, nel cortile dell”Ambasciata degli Stati Uniti a Berlino, nel 2008. Successivamente ha realizzato una tenda, Spectrum VIII (2014), composta da 12 strisce colorate, per l”auditorium della Fondazione Louis Vuitton a Parigi.

Nel 1986 Kelly concepì il suo primo edificio indipendente per un collezionista privato, ma non fu mai realizzato. Solo nel 2015, il Blanton Museum of Art ha acquisito il suo progetto per un edificio in pietra di 2.715 piedi quadrati, compresi 14 pannelli di marmo bianco e nero e finestre di vetro colorato, progettando di costruirlo sul terreno del museo presso l”Università del Texas, Austin. L”edificio è stato aperto al pubblico il 18 febbraio 2018. Opera d”arte e d”architettura, Austin, è considerato il culmine della carriera di Kelly.

Nel 1968 Kelly fu incaricato di creare una grande scultura all”aperto per la Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection di Albany, NY. La scultura intitolata Yellow Blue è stata ispirata dall”ambientazione dell”Empire State Plaza, ed è la più grande scultura in piedi di Kelly con i suoi nove piedi di altezza e quasi sedici di diametro. Yellow Blue è stata la sua prima scultura in acciaio e rimane l”unica ad oggi in acciaio dipinto.

Nel 1957 il Whitney Museum of American Art acquistò un dipinto, Atlantic, che raffigurava due archi bianchi simili a onde contro il nero pieno; fu il primo acquisto museale di Kelly. Oggi, la sua opera si trova in molte collezioni pubbliche, tra cui quelle del Centre Pompidou, Parigi, il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, il Governatore Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection, Albany, NY, e la Tate Modern, Londra. Nel 1999, il San Francisco Museum of Modern Art ha annunciato di aver acquistato 22 opere, dipinti, rilievi murali e sculture, di Ellsworth Kelly. Sono state valutate per più di 20 milioni di dollari. Nel 2003, la Menil Collection ha ricevuto il Tablet di Kelly, 188 opere incorniciate su carta, tra cui schizzi, disegni di lavoro e collage. Notevoli collezionisti privati includono, tra gli altri, Eli Broad e Gwyneth Paltrow.

Kelly ha anche ricevuto numerose lauree honoris causa, tra cui quelle del Bard College (Harvard University, Cambridge) e del Williams College (2005).

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Francobolli Kelly

Il servizio postale degli Stati Uniti ha annunciato nel gennaio 2019 che una serie di francobolli in onore delle opere d”arte di Kelly sarebbe stata emessa nel 2019. Il comunicato stampa dell”USPS riconosce il pioniere di Kelly di uno “stile distintivo di astrazione basato su elementi reali ridotti alle loro forme essenziali.” Dieci opere sono rappresentate, tra cui Giallo Bianco, Colori per una grande parete, Rocker Blu Rosso, Spettro I, Traghetto Sud, Blu Verde, Rilievo Rosso Arancione (per Delphine Seyrig), Meschers, Rosso Blu e Gaza. Il set di francobolli sarà emesso il 31 maggio 2019.

La commerciante Betty Parsons gli offrì per la prima volta una mostra personale nel 1956. Nel 1965, dopo quasi un decennio con Parsons, iniziò a esporre con la Sidney Janis Gallery. Negli anni ”70 e ”80, il suo lavoro è stato gestito congiuntamente da Leo Castelli e Blum Helman a New York. Nel 1992, si unì alla Matthew Marks Gallery di New York e Los Angeles e alla Anthony d”Offay Gallery di Londra. La facciata della galleria di Los Angeles di Marks è stata ispirata da Study for Black and White Panels, un collage che ha fatto mentre viveva a Parigi nel 1954, e un dipinto, Black Over White. Dal 1964 produsse stampe e sculture in edizione alla Gemini G.E.L. di Los Angeles e alla Tyler Graphics Ltd vicino a New York City.

Nel 2014 il dipinto Red Curve (1982) di Kelly è stato venduto all”asta per 4,5 milioni di dollari da Christie”s New York. Il record d”asta per un”opera di Ellsworth Kelly è stato stabilito dal dipinto in 13 parti Spectrum VI (1969), venduto per 5,2 milioni di dollari da Sotheby”s New York, Contemporary Art Evening sale, il 14 novembre 2007.

Nel novembre 2019, Christie”s ha stabilito un record d”asta per l”artista con l”opera Red Curve VII, venduta per 9,8 milioni di dollari.

Fonti