Francis Picabia
gigatos | Gennaio 20, 2022
Riassunto
Francis Picabia (nome completo Francisco María Martínez Picabia della Torre; 22 gennaio 1879, Parigi – 30 novembre 1953, Parigi) è stato un pittore d”avanguardia francese, scrittore grafico e pubblicitario, regista teatrale, sceneggiatore, attore e diplomatico.
Francis Picabia si è guadagnato la fama di artista eccentrico che non ha aderito a nessun dogma politico o stilistico. Ha avuto una grande influenza sull”arte contemporanea, in particolare il dadaismo e il surrealismo.
Francisco María Martínez Picabia della Torre, chiamato Francis Picabia (talvolta scritto Picabia), è nato a Parigi da madre francese e padre spagnolo. Il padre di Francis Picabia lavorò prima a Cuba nell”industria dello zucchero e poi nell”ambasciata cubana in Francia nel servizio diplomatico. Fu a Parigi che incontrò la futura madre di Francesco. Sua madre, Marie Cecile Davan, apparteneva alla ricca borghesia parigina. Morì quando il futuro artista e poeta aveva 5 (secondo altre fonti – 7) anni.
Francis Picabia aveva una personalità flessibile ed estroversa e un temperamento molto mutevole e collerico. Forti fluttuazioni nel temperamento e nel tono creativo occasionalmente esplodevano in depressioni prolungate o in scoppi d”ira nevrastenici, che di solito si manifestavano in un ambiente familiare. Durante la sua vita, Picabia cambiò molte volte il suo stile creativo e i suoi gusti personali ed estetici. Da questo punto di vista, può essere considerato come una specie di recorder. Se si contano in ordine tutte le trasformazioni del suo stile, della sua regia, del suo modo di scrivere e anche della sua ideologia, si ottengono non meno di sette, (o addirittura dieci) svolte drammatiche. Forse in questo senso Francis Picabia supera anche il suo più famoso contemporaneo e collega artista, Pablo Picasso.
Quando aveva sedici anni, suo padre offrì segretamente uno dei suoi paesaggi alla giuria del Salon de l”Artiste Française di Parigi. Con sorpresa della sua famiglia e dello stesso giovane pittore, il quadro fu accettato e persino notato. Questo incoraggiò Picabia a dedicarsi seriamente alla pittura.
Tra il 1895 e il 1896, Francis Picabia prese lezioni all”Ecole des Arts Décoratifs di Parigi con Embert e Cormon, e nel suo primo stile dipinse buoni paesaggi tipicamente francesi, come se continuasse in una direzione impressionista le famose opere di Camille Corot. Dopo il 1899, Picabia espone al Salon des Independents e si afferma presto nei circoli artistici parigini come impressionista. Tuttavia, l”impressionismo di Picabi non durò a lungo. Già nel 1902, dopo un viaggio in Spagna, gli interessi artistici di Picabie cominciarono gradualmente a spostarsi verso lo stile colorato e appariscente (“spagnolo”) fauvista.
La sua conoscenza con Marcel Duchamp nel 1910 ebbe un”influenza decisiva sull”ulteriore sviluppo della personalità e del lavoro di Francis Picabius. Dal fauvismo per un periodo relativamente breve prima della guerra con la Germania, passò prima al cubismo e all”astrazione geometrica. Il quadro più noto di Picabia di questo periodo, Dancer on an Atlantic Cruise (1913), è un documento non solo dello stile astratto di Picabia, ma anche della sua lunga (più di tre anni) partenza per New York. Picabia nella sua vita in generale aveva l”abitudine di lasciare un luogo di guerra. Espone i suoi nuovi quadri astratti cubisti all”Armory Show (New York, 1913), che gli porta ulteriore fama. Tuttavia, Picabia non si ferma nemmeno qui. Tra il 1915 e il 1917, per tutti e tre gli anni della sua vita a New York, fu in stretto contatto con gli artisti d”avanguardia, e insieme a Duchamp diresse la sezione newyorkese del movimento dadaista. Ma appena due anni dopo, cambia ancora una volta paradossalmente il suo stile. Questa volta, abbandonando l”astrazione geometrica, Francis Picabia non sceglie uno stile o un movimento già esistente. Dipinge un ciclo di composizioni originali che sono diventate le più riconoscibili e il marchio del suo stile personale di pittura. Convenzionalmente, questi possono essere chiamati “disegni meccanici” o “antropomorfi”. Dipingendo copie di disegni tecnici e aggiungendo dettagli inaspettati, spesso vividi e senza senso, Picabia ha dato loro i tratti paradossali delle forme umane. Queste sono, per esempio, le sue opere più famose: Parade of Love (1917), A Daughter Born Without a Mother (1917) e The Carburetor Child (1919). I vividi disegni “meccanomorfi” di Francis Picabia sono pieni di provocazione, epatage dadaista e sarcasmo, dimostrano sia l”insensatezza che il potere della percezione umana, capace di impiantare immagini reali in qualsiasi forma, la più astratta o assurda. Sono queste opere di Picabia che sembrano essere le più vicine e le più appropriate alla sua personalità creativa, che si manifestava paradossalmente e direttamente nella sua vita e nel suo lavoro.
Estremamente libero e indipendente nello spirito, vicino per carattere e tratti di personalità a Guillaume Apollinaire e Marcel Duchamp, è divertente tracciare come Francis Picabia abbia prima apertamente litigato e osteggiato e poi sostenuto e persino guidato il movimento Dada durante i suoi viaggi di “propaganda” appositamente intrapresi a New York, Barcellona e Zurigo. Allo stesso modo si è sviluppato il suo lavoro. I suoi articoli dadaisti sono riconosciuti come devastanti e brillanti, l”almanacco d”avanguardia “391”, che fondò a New York, e che poi pubblicò a Zurigo e Parigi fino al 1924, così come i suoi dipinti astratti prima della prima guerra mondiale e i suoi disegni “meccanomorfi”, che assomigliano a degli strani disegni del futuro, sono diventati non solo riconoscibili ma anche iconici nella storia dell”arte del primo Novecento.
Dopo la fase dadaista, dove lui, insieme a Tristan Tzara, fu uno dei leader riconosciuti, (1914-1920) Francis Picabia fece un”altra brusca svolta nel 1921 e si unì ai diretti avversari (e contemporaneamente seguaci) di Dada – i surrealisti. Era regolarmente afflitto da depressioni, dalle quali era costretto a curarsi con pillole di cacodile (è molto divertito da questa parola), che erano anche profondamente radicate nella sua arte del periodo parigino. In questo periodo, Picabia abbandona il suo stile “meccanico”, non dipinge a olio per diversi anni e passa principalmente alle tecniche del collage e dell”oggetto surrealista. Questi sono i suoi “Cappello di paglia” (1921), “Pittura di cacodile” (1922) e “Donna con fiammiferi” (1923). Durante questo periodo, una delle più alte realizzazioni di Francis Picabia non è, stranamente, la pittura pura, ma il balletto e film “Relache” (“Intermezzo” o “Lo spettacolo è annullato”), realizzato insieme al brillante compositore d”avanguardia Eric Satie e al giovane regista in erba Rene Clair…
Intorno al 1927, nel lavoro di Picabia inizia lo stile dei “quadri trasparenti”, in cui sperimenta apertamente e cerca diversi modi di distorcere la prospettiva. Accostando volti, figure e oggetti multidimensionali, li intreccia in sovrapposizioni spaziali lineari, cercando di ottenere l”effetto di inganno della visione o il gioco dei movimenti planari stereoscopici. In questi dipinti, grandi sagome trasparenti composte da linee si sovrappongono a un paesaggio dipinto fine e dettagliato, creando un effetto di speciale “surrealismo spaziale” che non si trova in nessun altro pittore surrealista. Questo stile comprende i dipinti “Lui e la sua ombra” (1928), “La Sfinge” (1929) e “Medea” (1929).periodo surrealista Francis Picabia inizia a svanire gradualmente e viene a “no” all”inizio degli anni 30. Tuttavia, la sua metamorfosi stilistica non finisce qui.
A metà degli anni trenta, Picabia era passato da immagini trasparenti a dipinti duri e brutali nello stile dello pseudo-classicismo amatoriale. Parodiando o riproducendo la maniera degli artisti grafici, Picabia passa a uno stile quasi apertamente kitsch. Dipinge decine di nudi, allegorie, ritratti e persino scene bibliche classiche con un look volutamente kitsch, o anti-arte. In questo periodo era particolarmente attivo nel lavoro su commissione. Francis Picabia, per carattere e stile di vita, è sempre stato un pronunciato jouyer e bon vivant. Amante della bella vita e dei piaceri sempre pubblicizzati negli opuscoli di viaggio (belle donne, auto da corsa, yacht privati, ville sulla costa, spiagge assolate, ecc…..), Picabia ha finito dopo il suo “cinquantesimo compleanno critico” per cominciare a guadagnare soldi a palate e tradurre il suo nome altisonante in “denaro”. Nell”ultimo periodo della sua vita passò alla pittura convenzionale e quasi glamour, al servizio di un guadagno commerciale immediato, ma totalmente priva della forza e dell”originalità insite nel suo talento negli anni più giovani.
Picabia è sopravvissuto ai sei anni di guerra con la Germania nella Svizzera neutrale. Dopo la fine dell”occupazione tedesca, tornò a Parigi nel 1945, e negli ultimi anni della sua vita fu in contatto piuttosto stretto con gli esistenzialisti. Furono loro a riscoprire in seguito i suoi scritti poetici e gli articoli sulla teoria dell”arte degli anni 1910, temporaneamente dimenticati. Dopo la guerra ha vissuto nella casa dei suoi genitori, lavorando nell”officina di suo nonno Alphonse. Avendo serie difficoltà finanziarie, non poté acquistare nuove tele e dovette ridipingere più volte lo stesso quadro.
Morì il 30 novembre 1953 a Parigi (82 rue des Petits-Champs) ed è sepolto nel cimitero di Montmartre.
Il balletto dadaista Relâche, su musica di Éric Satie, che debuttò al Théâtre des Champs Élysées il 4 dicembre 1924, può forse essere considerato il culmine della vita e del lavoro di Francis Picabia, riunendo quasi tutte le sue direzioni creative. Qui Picabia si dimostrò sia come scenografo e costumista, sia come scrittore, autore del libretto del balletto e della sceneggiatura del film, sia come attore (che interpretò due ruoli nel film), sia come eccezionale organizzatore del processo di produzione teatrale, sia come leader dei dadaisti e dei surrealisti (e abile intrallazzatore) che attirò le forze migliori a partecipare alla produzione e “disinnescò” in tempo la maggior parte dei suoi nemici. Al centro della creazione della nuova produzione c”era Erik Satie, un compositore eccentrico e perennemente innovativo, che all”età di 58 anni potrebbe certamente dare un vantaggio a qualsiasi giovane. Picabia e Satie, entrambi artisti estremamente vivaci e dalla personalità complessa, riuscirono comunque a collaborare attivamente e crearono un”opera che ancora oggi si distingue nella storia del balletto.
Come molte cose nella vita di Francis Picabia, la sua relazione con Erick Satie seguì una traiettoria pronunciata “a zig zag”. Nel 1919, quando Picabia viveva ancora a Zurigo e non era immerso nei conflitti e nei battibecchi dei movimenti artistici parigini, l”artista incluse il nome (scritto male) “Erick Satye” nel suo quadro intitolato The Dada Movement, destinato a illustrare la rivista di Tristan Tzara. Sei mesi dopo, già a Parigi, insieme ad André Breton e ai suoi surrealisti teppisti, Picabia è già in piena attività contro il “gruppo Jean Cocteau”. Chiama una delle sue poesie dada del 1920 “Auric Satie à la noix de Cocteau”. Nel testo della sua poesia, ironizzava molto velenosamente su “Auric Satie, che ha deciso che la sua ”Musica d”arredamento” era capace di dargli un posto nell”alta società la sera” (Dada-Phone Magazine, 1919, n. 7).
Tuttavia, a differenza di qualsiasi testardaggine o dogmatismo, Picabia non esitò a cambiare rotta dopo pochi mesi. Mandò a Satie una lettera piena di simpatia, inscrivendo una dedica “Erik est Satierik” sulla copertina di una delle sue riviste. Sei mesi dopo, Satie pubblica due aforismi un po” ribelli nell”almanacco 391 di Picabia, che appaiono in lettere enormi sulla prima pagina della rivista. Tuttavia, all”inizio del 1922, durante un”altra “guerra” dei surrealisti di Breton contro i dadaisti di Tzara, Satie e Picabia si trovano nuovamente in campi opposti. Un anno dopo, tuttavia, Satie riprese il suo rapporto con l”artista, questa volta per collaborare a un nuovo balletto, non ancora intitolato Relâche o The Spectacle is Cancelled.
Questo balletto fu l”apice della collaborazione tra Satie e Picabia. Questa produzione fu originariamente commissionata (autunno 1923) da Rolf de Marais, direttore del Balletto Svedese a Parigi, a Eric Satie per una sceneggiatura del poeta Blaise Sandrard con scenografie di Picabia. Nella sua versione iniziale il balletto non aveva un titolo così provocatorio. Nella sceneggiatura di Sandrar, il balletto aveva un titolo molto più umile: After Dinner. Tuttavia, appena tre o quattro mesi dopo, Francis Picabia, con la sua solita disinvoltura, cacciò Sandrar (che era partito per il Brasile in un momento troppo brutto) dal progetto, riscrisse la sceneggiatura (secondo Satie, “aggiungendovi solo qualche riga”) e divenne lui stesso l”autore completo e contemporaneamente il direttore artistico di una performance dadaista molto più radicale.
In un modo o nell”altro, alla fine di aprile del 1924 il vecchio balletto After Dinner, con un libretto di Blaise Sandrar, era finalmente diventato The Spectacle is Canceled. Picabia concepì uno spettacolo provocatorio in cui molte arti – teatro, balletto, musica, scultura, pittura e anche film – sarebbero state combinate “in una sola assurdità” – Relâche includeva due proiezioni di film sullo schermo, una all”inizio dello spettacolo (Prologue) e un”altra all”intervallo (Intermission). Il film, proprio con questo titolo, “Entrée”, con la partecipazione di molti famosi artisti dadaisti e surrealisti, il coreografo principale del Balletto di Svezia, nonché gli stessi Eric Satie e Francis Picabia, fu diretto dall”allora cineasta in erba René Clair, rese famoso il suo autore e (separatamente da Relâche) si fece strada nel fondo d”oro del cinema del XX secolo.
Francis Picabia creò anche una scenografia completamente dadaista e futurista per la sua produzione, mentre allo stesso tempo si incorporava attivamente nel processo di balletto e composizione, il che era in linea con la sua intenzione di creare un prodotto autoriale totale, permeato dal basso verso l”alto dall”idea di dada. Per esempio, una parte del balletto viene eseguita in completo silenzio e i ballerini danzano senza alcun supporto dalla musica. In altri momenti, al contrario, c”è musica con totale assenza di coreografia. Erik Satie sostenne prontamente tutte queste smorfie dell”autore, tanto più che erano in piena sintonia con le sue prime idee. Nel regolare programma teatrale che accompagnava la prima di Relâche al Balletto Svedese, si potevano leggere le seguenti parole appartenenti a Picabia e Satie:
“Quando la gente si libererà della brutta abitudine di spiegare tutto? “Lo spettacolo è annullato” è un balletto continuo con l”obiettivo dell”assurdità più pretenziosa trasferita al teatro: “la vita come mi piace, la vita senza domani, la vita solo ora, tutto oggi, tutto per oggi, niente per ieri e niente per domani”. (anteprima del Balletto Svedese, Relâche, novembre 1924)
Pikabia, che è estremamente liberato sessualmente nella vita, provocò costantemente Satie in ogni sorta di “sublimazioni” durante la realizzazione di Relâche. Di conseguenza, il balletto era pieno dei movimenti e delle scene più “indecenti”. Satie in particolare, che era capace di mettere a punto tali allusioni, affermò quando lavorava alla partitura di aver composto musica “pornografica” per Relâche. Sembra che ci sia riuscito, e nella forma più diretta. Satie definì il genere della sua opera come “balletto osceno”. E la reazione alle sue buffonate è stata appropriata. Uno dei più tolleranti di tutti i critici, Paul Judge ne ha scritto in modo più blando nella sua recensione del balletto:
“La musica di Monsieur Satie consiste nelle melodie popolari più stanche e stropicciate, riprodotte con relativamente poche alterazioni, più che come musica da balletto, ma un puro esempio di applicazione delle tecniche classiche della danza”.
Lo stesso Satie, selezionando le canzoni parigine più volgari e oscene per il suo balletto, era molto più esplicito al riguardo: “Avendo sentito una melodia familiare, le parole più oscene cantate su di essa dovrebbero immediatamente scattare nella memoria del pubblico”. In vari numeri del balletto (“The Woman Comes Out”, “The Music”, “The Men Get Undressed”, “The Dance with the Wheelbarrow”) l”orchestrazione è volutamente trasparente e chiara, e i motivi volgari sono distorti quanto basta per rimanere facilmente riconoscibili. “La costruzione della musica di Erik Satie”, scrisse in seguito la seconda moglie di Picabia, Germaine Everling, “avvolgeva e chiariva costantemente il pensiero dell”artista.
La totalità dell”idea della cancellazione della Relâche ha ricevuto la sua incarnazione diretta anche fuori dalla scena. Il balletto doveva debuttare il 27 novembre 1924. Tuttavia, quando un pubblico sofisticato e tutta la bohème parigina si era già riunita al Théâtre des Champs-Elysées, fu annunciata una decisiva “relâche” e lo spettacolo… fu annullato. La ragione dell”annullamento fu il cattivo tempo e la riluttanza di Jean Bjorlen a ballare “nello stato in cui si trovava”. Il pubblico era sinceramente arrabbiato per le buffonate della performance. Molti sostennero seriamente che nessuna “Relâche” era reale e che era semplicemente una bufala fraudolenta per promuovere l”autopromozione di due famosi amanti del gioco di parole, Satie e Picabia. Tuttavia, il “Repeal” ebbe luogo una settimana dopo, il 4 dicembre 1924.
L”unità tra i due principali autori del balletto era davvero impressionante. Satie, che per tutta la vita era stato incline al conflitto costante e al risentimento, non ebbe alcun attrito con Picabia mentre lavorava a Relâche. Forse questo ebbe l”effetto di creare una svolta per Picabia stesso, che non aveva mai avuto un tale precedente nella sua vita o nel suo lavoro prima. Il balletto Relâche è l”ultima opera di Eric Satie. Lavorò alla partitura mentre era già malato terminale, e solo due mesi dopo la prima, andò finalmente all”ospedale del monastero di Saint-Jacques, dal quale non uscì più. Satie morì il 1° luglio 1925. Francis Picabia soffrì molto per la sua morte e cadde in un”altra grave depressione per più di un anno, dalla quale, come si può vedere dal resto della sua vita e della sua opera, non si riprese mai.
Mentre lavorava al balletto Relâche, Picabia disegnò e semplicemente abbozzò su carta numerosi ritratti di Éric Satie “nel suo stile meccanico” e pubblicò anche vari testi sul compositore, dove, tra l”altro, sosteneva che “i nostri discendenti indosseranno la sua musica come un guanto”. Simbolo eloquente e ingenuo della loro unità, il prologo cinematografico di due minuti del balletto mostra Satie e Picabia caricare personalmente il cannone e puntarlo verso il pubblico. E nella seconda parte del film, Intermission, Picabia ha persino dipinto le proprie iniziali insieme a quelle del compositore (FP – ES) all”interno di un cuore espressivo sul dardo funebre con il corpo del coreografo che ha ripreso, Jean Bjorlen. Questo simpatico scherzo, tipicamente dadaista, ahimè, non si rivelò di buon auspicio, almeno per Erik Satie. Solo sei mesi dopo la carrozza funebre arrivò anche per lui.
Fonti
