Georges Braque

gigatos | Luglio 4, 2022

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Riassunto

Georges Braque, nato il 13 maggio 1882 ad Argenteuil (Seine-et-Oise, oggi Val-d”Oise) e morto il 31 agosto 1963 a Parigi, è stato un pittore, scultore e incisore francese.

Inizialmente coinvolto nella scia dei fauvisti, influenzato da Henri Matisse, André Derain e Othon Friesz, finì, nell”estate del 1907, con i paesaggi dell”Estaque con case a forma di cubo che Matisse definì “cubisti”, particolarmente tipicizzati nel dipinto Case all”Estaque. Questa semplificazione dovrebbe essere il segno distintivo del cubismo, la cui origine rimane controversa secondo Olivier Céna.

È studiando metodicamente le linee di contorno di Paul Cézanne, a partire dal 1906, che Braque giunge gradualmente a composizioni che fanno uso di leggere interruzioni nelle linee, come nella Nature morte aux pichets. Poi, con una serie di nudi come il Nudo in piedi e il Grande nudo, dopo il 1908 si orienta verso una rottura con la visione classica, l”esplosione dei volumi, un periodo comunemente chiamato cubista, che dura dal 1911 al 1914. In seguito ha utilizzato le forme geometriche soprattutto per le nature morte, ha introdotto nei suoi dipinti le lettere stampate e ha inventato le carte incollate. Vero e proprio “pensatore” del cubismo, sviluppò le leggi della prospettiva e del colore. Nel 1912 inventò anche sculture di carta, tutte scomparse, di cui rimane solo una fotografia di un contro-rilievo.

Mobilitato per la Grande Guerra, dove viene gravemente ferito, il pittore abbandona le forme geometriche per le nature morte in cui gli oggetti sono ricomposti in piani. Nel periodo successivo, che si protrae fino agli anni Trenta, l”artista produce paesaggi e figure umane e, nonostante la diversità dei soggetti, la sua opera è “notevolmente coerente”. Braque, precursore e depositario della tradizione classica, è il pittore francese per eccellenza. Il Cahier de Georges Braque, 1917-1947, pubblicato nel 1948, riassume la sua posizione.

La Seconda Guerra Mondiale ispirò le sue opere più serie: Le Chaudron e La Table de cuisine. Il ritorno della pace e la fine della malattia lo spingono a creare opere più approfondite, come gli Atelier, a cui lavora spesso per diversi anni, portando avanti sei stesure alla volta, come testimonia Jean Paulhan. I suoi dipinti più noti sono anche i più poetici: la serie degli Uccelli, due dei quali ornano dal 1953 il soffitto della sala Henri-II del Museo del Louvre. Creò anche sculture, vetrate e disegni di gioielli, ma dal 1959, colpito da un cancro, rallentò il suo lavoro. Il suo ultimo grande dipinto è La Sarcleuse.

Due anni prima della sua morte, nel 1961, si tenne al Museo del Louvre una retrospettiva delle sue opere intitolata L”Atelier de Braque, che fece di Braque il primo pittore a essere esposto in vita.

Uomo discreto e poco incline alle relazioni pubbliche, Braque era un intellettuale appassionato di musica e poesia, amico di Erik Satie, René Char e Alberto Giacometti. Morì il 31 agosto 1963 a Parigi. In suo onore è stato organizzato un funerale nazionale, durante il quale André Malraux ha tenuto un discorso.

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I primi anni

Georges Braque è cresciuto in una famiglia di artigiani. Era figlio di Augustine Johannet (1859-1942) e di Charles Braque (1855-1911), pittore-decoratore e imprenditore edile “Charles Braque et Cie”, anche lui “pittore della domenica” ed ex allievo di Théodule Ribot. Dipinge spesso paesaggi ispirati agli impressionisti ed espone regolarmente a Le Havre, dove la famiglia si era stabilita nel 1890. Henriette (1878-1950) era la sorella maggiore di Georges Braque. Nel 1893 il ragazzo entra nella scuola superiore. Ma non aveva il gusto dello studio, era affascinato dalla vita del porto e disegnava caricature di Steinlein e Toulouse-Lautrec dopo Gil-Blas. Tuttavia, si iscrisse alla classe di Courchet all”École supérieure d”art du Havre, diretta da un allievo di Charles Lhuillier, Alphonse Lamotte. L”obiettivo dichiarato della scuola comunale era quello di formare “artigiani” e “lavoratori con l”amore per la linea” che altrimenti “sarebbero stati solo operai”. Contemporaneamente, prende lezioni di flauto con Gaston Dufy, fratello di Raoul Dufy. Nel luglio 1899 riceve il secondo premio della seconda divisione della scuola d”arte.

Apprendimento

Nel 1899 lascia il liceo senza conseguire la maturità e fa l”apprendista presso il padre, poi presso Roney, un loro amico pittore-decoratore. L”anno successivo si reca a Parigi per continuare l”apprendistato presso un pittore-decoratore, Laberthe, ex socio del padre, dove si esercita nella smerigliatura dei colori, nel faux bois e nel faux marble. Contemporaneamente, frequenta il corso comunale di Batignolles nella classe di Eugène Quignolot. Vive a Montmartre, in rue des Trois-Frères. Ha conseguito il diploma di pittore-decoratore. Nel 1901 prestò servizio militare nel 129° reggimento di fanteria di Le Havre. Al suo ritorno, con il consenso dei genitori, decide di dedicarsi interamente alla pittura.

Tra Parigi e Le Havre

Torna a Parigi nel 1902, si stabilisce a Montmartre in rue Lepic in ottobre e si unisce all”Académie Humbert in boulevard de Rochechouart. È lì che incontra Marie Laurencin e Francis Picabia, e Marie diventa la sua confidente e compagna a Montmartre, disegnando a vicenda, uscendo in città, condividendo i loro scherzi, i loro segreti e le loro “giornate pigre”. Ma Marie è un”esaltatrice, non è facile da sedurre. Il timido Braque ha solo una relazione casta con lei. Ci vuole tutta la tecnica amorosa di Paulette Philippe per far sciogliere l”uomo timido, attorno al quale ruotano molte donne. Henri-Pierre Roché li incontra insieme al Ballo del Quat”z”Arts, mentre Braque è travestito da romano. Questa vita di “lusso e piacere” rafforzò la decisione del giovane di staccarsi. Distrugge tutti i suoi lavori dell”estate 1904, trascorsa a Honfleur, abbandona Humbert e prende contatto con Léon Bonnat nel maggio 1905 all”Ecole des Beaux-Arts di Parigi, dove conosce Othon Friesz e Raoul Dufy.

Nello stesso anno studia gli impressionisti al Musée du Luxembourg, la cui collezione è composta essenzialmente dall”eredità di Gustave Caillebotte, e visita anche le gallerie di Durand-Ruel e Vollard. Si trasferisce in uno studio in affitto in rue d”Orsel, di fronte al teatro di Montmartre, dove assiste a numerosi drammi d”epoca e abbraccia il fauvismo. La sua decisione è senza dubbio dovuta all”amicizia con Othon Friesz, anch”egli originario di Le Havre; i due giovani artisti si recarono insieme ad Anversa nel 1906 e l”anno successivo nel sud della Francia.

In seguito, Georges Braque introdusse Marie Laurencin al Bateau-Lavoir e incoraggiò lei e Matisse a intraprendere la carriera di pittrice. Credeva nel suo talento.

Braque espone regolarmente a Le Havre, con la Société des amis des Arts nel 1902 e nel 1905 (con il padre), poi nello stesso anno ha luogo la sua prima mostra di rilievo alla Galerie Beuzebosc. Espone annualmente dal 1906 al 1909 con il Cercle de l”art modern du Havre, di cui è membro fondatore, e con il Comité Peintures, insieme al padre, a Raoul Dufy e a Othon Friez, tra gli altri. Il padre muore nel 1911 e viene sepolto nel cimitero di Argenteuil.

Dal fauvismo al cubismo

Nell”estate del 1905, ancora una volta a Honfleur, poi a Le Havre in compagnia dello scultore Manolo e del critico d”arte Maurice Raynal, e incoraggiato da Raoul Dufy e Othon Friesz a usare i colori puri, Braque espone al Salon d”Automne del 1905 accanto a Matisse, Derain e agli amici di Le Havre, definiti fauvisti. Per quasi due anni, Braque si cimenta con il sistema fauve basandosi sulla propria lettura dell”opera di Cézanne. L”esempio più caratteristico del fauvismo di Braque è Petite Baie de La Ciotat, 1907, olio su tela (60,3 × 72,7 cm), Musée National d”Art Moderne, che il pittore considerò abbastanza importante da riacquistare nel 1959.

A partire dal 1907 Georges Braque soggiorna nel Sud della Francia con Othon Friesz e, dopo aver meditato a lungo sull”uso della linea e del colore di Paul Cézanne, realizza un gran numero di dipinti relativi ai paesaggi dell”Estaque, quasi tutti in più versioni: Le Viaduc de l”Estaque (1907), Le Viaduc de l”Estaque (1908), Route de l”Estaque (1908), Terrasse à l”Estaque (1908), La Baie de l”Estaque (1908), Les Toits d”usine à l”Estaque (1908), Chemin à l”Estaque (1908), Paysage à l”Estaque (1908)

Maisons à l”Estaque è stato riprodotto in 34 pubblicazioni e presentato in 22 mostre, dal 1908 al 1981.

Essendo stato rifiutato al Salon d”Automne del 1908, il mercante d”arte Daniel-Henry Kahnweiler, molto colpito da questa reazione, offrì a Georges Braque l”uso della sua galleria per presentare quest”opera e tutte le opere recenti del pittore. Kahnweiler aveva appena aperto una piccola galleria al 28 di rue Vignon a Parigi e affidò la prefazione del catalogo a Guillaume Apollinaire, che si lanciò in un ditirambo: “Questo è Georges Braque. Conduce una vita ammirevole. Si impegna con passione per la bellezza e la raggiunge, a quanto pare, senza sforzo.

Nello stesso anno, Braque visita lo studio di Pablo Picasso, dove scopre due dipinti: Les Demoiselles d”Avignon e Trois femmes, non ancora terminato. I ritmi costruttivi di queste tele sono ripresi da Cézanne, ma più spezzettati e distorti. All”inizio suscitarono lo stupore di Braque, che aveva già iniziato lo stesso processo con i suoi Nudi. Ma non è da queste tele che trae ispirazione per Le Grand Nu, iniziato nel 1907 e completato nel 1908.

“Non è per togliere nulla alla forza sovversiva delle Demoiselles d”Avignon o del Grand nu à la draperie, né per sottovalutare la rottura che segnano nella storia della pittura scrivere che non hanno riconvertito radicalmente la ricerca di Georges Braque.

L”audacia di Picasso lo sorprende e Braque inizialmente è riluttante, ma qui il condizionale è d”obbligo.

Esistono almeno tre versioni della reazione di Braque, riportate da Kahnweiler, che non era presente, o da André Salmon, che non era nemmeno presente, o da Fernande Olivier, le cui dichiarazioni sono discutibili dal momento che ha minacciato Picasso di fare rivelazioni imbarazzanti su quel periodo nei suoi Souvenirs intime. Grazie all”intercessione di Madame Braque e al pagamento di un milione di franchi da parte di Picasso, Fernande rinuncia al ricatto. In realtà, Braque era già su un”altra strada, aveva iniziato le variazioni sui paesaggi di Estaque. Ma l”importanza delle sue opere avrebbe tardato a rivelarsi: le più importanti furono conservate in collezioni private per la maggior parte del XX secolo, “il che non aiutò la causa di Braque nei dibattiti sull”anteriorità”.

Riflettendo su di essi dopo averli visti, questi dipinti confermano le direzioni della ricerca che aveva già condotto con Viaduc à l”Estaque o Le Grand Nu. Da questo momento inizia il “rapporto Braque-Picasso”, con due artisti in costante ricerca e confronto. Braque insegnò a Picasso a leggere il motivo fin dal loro primo incontro. Secondo Pierre Daix: “L”incontro tra Picasso e Braque evidenzia che il motivo non è più il quadro. È la composizione, attraverso i suoi ritmi contrastanti, a rivelare ciò che era strutturale – a patto di saperlo leggere – nel motivo.

Nel 1907, Braque aveva già iniziato la sua rivoluzione con Nudo in piedi (che a volte viene confuso con Il grande nudo). Il Nudo in piedi è poco conosciuto, non viene esposto spesso e appartiene a una collezione privata. Si tratta di un inchiostro su carta di piccolo formato (31 × 20 cm), in cui il pittore aveva già sperimentato una costruzione del corpo in forme geometriche, poi sviluppata in diverse acqueforti, in cui il corpo femminile nudo in piedi ha diverse posizioni (braccia lungo il corpo, dietro la schiena, testa eretta, piegata). In Le Grand Nu e Nu debout, così come in altre rappresentazioni del corpo femminile: La Femme (1907), un disegno consegnato da Braque al critico d”arte americano Gelett Burgess per illustrare il suo articolo The Wild Men in Paris, il corpo sembra essere stato scomposto e poi ricomposto in tre punti di vista. Una fotografia di Braque e del disegno La Femme compare a pagina 2 dell”articolo di Burgess in The Architectural Record del maggio 1910.

Le forme sono modellate secondo una struttura e un ritmo che sono le due nozioni fondamentali del cubismo. La sua ispirazione è istintiva e il suo percorso pittorico segue le orme di Paul Cézanne. Braque fu anche influenzato dalle figure delle maschere negre, di cui possedeva diversi esemplari. “Le maschere negre mi hanno aperto nuovi orizzonti. Mi hanno permesso di entrare in contatto con l”istintivo”. All”epoca, la “scoperta dell”arte negra” era rivendicata da una serie di artisti, tra cui Maurice de Vlaminck e André Derain. Braque non ha rivendicato alcuna precedenza. Nel 1904 acquistò semplicemente alcune maschere Tsogo da un marinaio e continuò ad aggiungere maschere Fang alla sua collezione.

Le Grand Nu è stato di proprietà di Louis Aragon e poi della collezionista Marie Cuttoli prima di entrare nella collezione di Alex Maguy. Nel 2002, l”opera è entrata a far parte delle collezioni pubbliche attraverso una “donazione in pagamento della tassa di successione”, ed è ora conservata al Musée national d”art moderne.

Il periodo cubista

Esistono diverse versioni sull”origine della parola cubista e sui “padri” del movimento. Molti critici d”arte si riferiscono a Braque e Picasso in particolare come “i fondatori del cubismo”. Altri associano a questo termine Fernand Léger e Juan Gris, mentre a Louis Vauxcelles, critico d”arte del quotidiano Gil Blas, viene attribuita l”invenzione della parola quando descrive le Maisons à l”Estaque di Braque come “piccoli cubi”. Questo quadro fu allora considerato “l”atto di nascita del cubismo”. Altri ancora offrono una versione diversa. Secondo Bernard Zurcher, fu Henri Matisse a definire “cubiste” le Case dell”Estaque, pur rifiutando questi siti e motivi geometrici al Salone d”Autunno del 1908.

“Questa terribile semplificazione che ha portato il cubismo al fonte battesimale è in gran parte responsabile di un vero e proprio movimento di cui né Braque né Picasso hanno voluto assumersi la responsabilità. Un movimento i cui teorici (Albert Gleizes e Jean Metzinger) difficilmente andranno oltre le stranezze ”cubiche” stigmatizzate da Vauxcelles”.

In realtà, per Braque e Picasso, questi “cubi” erano solo una risposta provvisoria al problema posto dalla costruzione di uno spazio pittorico che doveva allontanarsi dalla nozione di prospettiva stabilita fin dal Rinascimento. La “teleferica Braque-Picasso” è stata un laboratorio di ricerca per i due artisti, con lavori eseguiti contemporaneamente da uomini appassionati affiancati da Derain e Dufy. Fu un”avventura emozionante che gettò le basi dell”arte moderna.

In seguito, però, il pittore spagnolo rivendicò per sé, di fronte a Kahnweiler, le invenzioni del papier collés che diceva di aver realizzato a Céret e infine si attribuì l”invenzione del cubismo, accusando Braque di averlo imitato durante il loro periodo cubista, il che creò un enorme equivoco sull”importanza dell”opera di Braque. Secondo Olivier Cena: “Quarant”anni dopo, Picasso non volle lasciare nulla a Braque, né il cubismo analitico né quello sintetico…”.

Le interpretazioni errate sono state poi alimentate da varie personalità, in particolare da Gertrude Stein, le cui affermazioni Eugène Jolas confuta citando Matisse: “A mia memoria, è stato Braque a realizzare il primo quadro cubista. Aveva riportato dal Sud un paesaggio mediterraneo. È davvero il primo dipinto che costituisce l”origine del cubismo e che noi consideravamo come qualcosa di radicalmente nuovo.

William Rubin ritiene che il cubismo di Braque sia precedente alle Case dell”Estaque. Egli indica la Natura morta con brocca e pipa, di cui non si conoscono né l”ubicazione né le dimensioni, come la prima opera cubista del pittore, che sceglie oggetti dall”involucro curvo, con la composizione impostata in diagonale e centrata dall”incontro di due assi obliqui.

A partire dal 1909, Braque riporta dai suoi soggiorni a La Roche-Guyon e Carrières-sur-Seine diversi paesaggi che sono variazioni cubiste su Cézanne: Le Château de La Roche-Guyon (73 × 60 cm), Lille Métropole, Le Vieux Château de la Roche-Guyon (65 × 54 cm), Museo Pushkin di Belle Arti, Mosca, Paysage des carrières Saint-Denis (41 × 33 cm), Musée national d”art moderne, Parigi.

Braque entra quindi nel periodo del “cubismo analitico”. I paesaggi che predominano nell”opera del pittore lasciano gradualmente il posto alle nature morte. Questi paesaggi furono solo la fase preparatoria di un periodo più fruttuoso, che vide la nascita di Broc e violino, 1909-1910, olio su tela (117 × 75 cm), Kunstmuseum, Basilea, Violino e tavolozza (92 × 43 cm) e Pianoforte e mandora (92 × 43 cm), Solomon R. Guggenheim Museum. Il pittore non cerca più di copiare la natura. Attraverso una successione di articolazioni dinamiche, moltiplicando i punti di vista, la sua pittura si arricchisce di combinazioni inaspettate, con una moltiplicazione di sfaccettature. Le forme vengono poi geometrizzate e semplificate.

“Se consideriamo che la battaglia del cubismo si è combattuta in ultima analisi sul tema della natura morta, Braque era il più preparato o meglio era in grado, consolidando ognuna delle tappe della sua evoluzione, di andare più sicuramente verso quel ”segno che basta” come lo chiamava Matisse”.

Nel 1911 il pittore incontra Marcelle Lapré, che diventa sua moglie nel 1926. Parte per Céret dove rimane con Picasso per tutto l”anno.

Da quel momento in poi, Braque inventa un nuovo vocabolario, introducendo nei suoi dipinti lettere incise, caratteri di stampa: Il portoghese (L”emigrante) (117 × 81 cm), Kunstmuseum, Basilea, Natura morta con Banderillas (65,4 × 54,9 cm), Metropolitan Museum of Art. In un”intervista con la critica d”arte Dora Vallier, ha spiegato: “Si trattava di forme in cui non c”era nulla da distorcere perché, essendo aree piatte, le lettere erano fuori dallo spazio e la loro presenza nel quadro, quindi, permetteva di distinguere gli oggetti che erano nello spazio da quelli che erano fuori dallo spazio”. Braque si cimenta anche in scritte a mano libera, disposte in parallelo per ricordare i caratteri dei manifesti. Ne Il portoghese (L”Emigrant), nell”angolo superiore destro si decifra la parola BAL, che ritorna l”anno successivo in Natura morta con violino BAL (Kunstmuseum Basel).

A Céret non abbandona i paesaggi. Realizza I tetti di Céret (82 × 59 cm), collezione privata, e La finestra di Céret, tele stilizzate secondo il metodo del cubismo analitico e senza alcun rapporto con i paesaggi degli anni precedenti.

L”anno successivo, a Sorgues, raggiunge Picasso e affitta la villa di Bel-Air. I papier collés di Braque fanno la loro comparsa: Compotier et verre (50 × 65 cm), collezione privata. Fu una grande scoperta che sarebbe stata riprodotta da molti pittori: Juan Gris, Henri Laurens, Fernand Léger, Albert Gleizes. Le carte sono composizioni, da non confondere con i collage che Braque realizzò in seguito.

È sempre a Sorgues che Braque perfeziona la sua tecnica di scultura su carta, inventata a Céret nel 1911, secondo un articolo di Christian Zervos nei Cahiers d”art. Troviamo tracce di queste sculture in una lettera inviata a Kahnweiler nell”agosto del 1912, in cui l”artista afferma di aver approfittato del suo soggiorno in patria per fare ciò che non si poteva fare a Parigi, tra cui sculture di carta “che gli danno grande soddisfazione”. Purtroppo di queste costruzioni effimere non rimane nulla, se non una fotografia di un controrilievo del 1914, rinvenuta negli archivi Laurens, a cui le sculture di carta del 1912 probabilmente non assomigliavano. Secondo Bernard Zurcher, sono più vicine alle nature morte dello stesso anno (1912), che seguono il principio dell”inversione del rilievo caratteristico della maschera di Wobe.

Per Jean Paulhan, “che ha passato metà della sua vita a cercare di spiegare la natura dell”opera di Braque”, i papier collé di Braque sono “Machines à voir”. Secondo lui, il cubismo consiste nel “sostituire lo spazio grezzo allo spazio concertato dei classici”. Questa sostituzione avviene per mezzo di una macchina analoga alla macchina prospettica di Filippo Brunelleschi e al vetro grigliato di Albrecht Dürer, secondo Jean Paulhan. La griglia di Dürer, nota anche come “mise au carreau”, è un mezzo per il disegnatore di ingrandire o ridurre un disegno senza l”intervento della prospettiva. Braque utilizzava spesso questa squadratura. Un esempio è la foto dello studio in cui lavorava a L”Oiseau et son nid nel 1955, scattata da Mariette Lachaud. Nella parte superiore dell”immagine sono ancora visibili le tracce della piastrellatura, staccate dal soggetto principale.

Braque rimase a Sorgue fino al novembre 1912, mentre Picasso tornò a Parigi dove iniziò a realizzare i suoi papiers collés. Scrive a Braque: “Mio caro amico Braque, sto usando i tuoi ultimi processi di carta e pusiereux. Sto immaginando una chitarra e sto usando un po” di carta contro la nostra terribile tela. Sono molto felice che siate felici nella vostra villa a Bel Air e che siate soddisfatti del vostro lavoro. Io, come potete vedere, sto iniziando a lavorare un po”. Tuttavia, Braque continua la sua ricerca sulla carta incollata, orientandosi verso la carta dall”aspetto di finto legno e imitando anche il marmo. Verso la fine del 1913 aumentano le inversioni di rilievo e compaiono i segni ottici, che giocano sulla ripetizione di una figura geometrica o di un motivo decorativo. L”anno successivo Braque aggiunge nuovi segni oggettivi: corde di chitarra, corde di violino, carte da gioco, un pezzo di giornale trasformato in una carta da gioco.

Verso la fine del “periodo della carta”, fa la sua comparsa il cartone ondulato. Il pittore introduce il concetto di rilievo nella sua composizione, che avrà grande successo a partire dal 1917, sia nei suoi collage che in quelli del suo migliore amico, lo scultore Henri Laurens. Tra le opere più importanti del periodo del papier collage (1913-1914) vi è Le Petit Éclaireur (92 × 63 cm), carboncino, carta di giornale, carta di finto legno e carta nera incollata su tela, Musée de Lille métropole, Natura morta su un tavolo (Gillette) con la riproduzione di una lametta Gillette (48 × 62 cm), Centre Pompidou, Parigi, Violino e pipa LE QUOTIDIEN (74 × 100 cm), carboncino, carta di finto legno, treccia di carta da parati, carta nera, carta di giornale incollata su carta, incollata su cartone, Centre Pompidou, Parigi.

Questo fu anche il periodo degli strumenti musicali. Violino (72 × 31 cm), carboncino, carta semplice incollata, finto legno, murale e giornale su carta, Cleveland Museum of Art, Violino (35 × 37 cm), olio, carboncino, matita e carta incollata su tela, Philadelphia Museum of Art, Violino e giornale FÊTE (90 × 60 cm), Philadelphia Museum.

Braque non ha mai smesso di inventare. Già nel 1912, vivendo con Marcelle Lapré al numero 5 di Impasse Guelma, mescolava segatura e sabbia ai suoi colori per dare rilievo alle sue tele. Nel 1913 trasferisce il suo studio in rue Caulaincourt mentre le sue opere vengono presentate a New York all”Armory Show. Tuttavia, quell”anno i rapporti tra i due pittori si deteriorarono e non sentirono più la necessità di incontrarsi. Il divario si era allargato, la “cordata” si stava disintegrando. Due mostre private presentano Braque in Germania nella primavera del 1914, a Berlino, presso la Galleria Feldmann, e a Dresda, presso la Galleria Emil Richter. All”epoca dell”assassinio del Duca d”Austria, Braque trascorre l”estate a Sorgues con la moglie. Mobilitato, il 2 agosto 1914 prende il treno con Derain per Avignone, dove sono accompagnati dal “compagno di cordata” che moltiplicherà le parole dell”autore, riportate in vario modo secondo i biografi.

La guerra del 1914 e le sue conseguenze

La mobilitazione di Braque al fronte nel 1914 interrompe bruscamente la carriera del pittore. Fu assegnato al 224° reggimento di fanteria come sergente e inviato sulla Somme a Maricourt, dove il reggimento di Braque (ora tenente Braque) rimase per tre mesi prima di essere trasferito ad Artois, a nord di Arras, per preparare un”offensiva su larga scala contro i villaggi che proteggevano il crinale di Vimy.

Ferito gravemente l”11 maggio 1915 a Neuville-Saint-Vaast, Braque fu dato per morto sul campo di battaglia. Fu sollevato dai barellieri che il giorno dopo erano inciampati sul suo corpo nella fossa comune dove erano stati schiacciati 17.000 uomini. Il pittore era malato e ha ripreso conoscenza solo dopo due giorni di coma. Due volte citato, ha ricevuto la Croix de Guerre. Dopo un banchetto organizzato a Parigi per celebrare la sua guarigione, partì per la convalescenza a Sorgues.

Con il poeta Pierre Reverdy, Georges Braque scrive i suoi Pensées et réflexions sur la peinture (pensieri e riflessioni sulla pittura), che vengono pubblicati sulla rivista Nord-Sud. In seguito è stato vicino a Juan Gris, che gli ha trasmesso il suo gusto per le texture sofisticate e i piani ridotti a forme geometriche. È con Gris che ricomincia a dipingere come “pittore cieco nato – questo cieco rinato”, secondo le parole di Jean Paulhan, in particolare con Chitarra e vetro (60,1 × 91,5 cm), Kröller-Müller Museum Otterlo.

In questo periodo, Braque non era lontano dal pensare che Picasso stesse “tradendo” il cubismo e la loro gioventù. Ma il discreto pittore riprese la sua ricerca. È diventato un “verificatore”. Affina le sue scoperte e sviluppa un nuovo vocabolario per la sua pittura. Questo diventerà il “cubismo sintetico”, le cui prime creazioni, iniziate nel 1913 con Compotier et cartes, olio su tela (81 × 60 cm), Centre Pompidou, Parigi, riprenderanno nel 1917 con La Joueuse de mandoline (92 × 65 cm), olio su tela, Musée de Lille Métropole, e La Musicienne, olio su tela (221,4 × 112,8 cm), Kunstmuseum, Basilea.

Intorno al 1919, quando il cubismo trionfava, quando Gleizes, Metzinger e Maurice Raynal ne scoprivano ragioni, leggi e limiti, Georges Braque dichiarò: “Me ne ero già andato da tempo. Non sarei io a fare Braque su misura”.

Qualche anno dopo, nel suo libro Braque le patron, Jean Paulhan tracciò un parallelo tra l”arte dei cubisti e l”arte del camuffamento bellico. “La mimetizzazione di guerra è stata opera dei cubisti: se vogliamo, è stata anche la loro vendetta. I dipinti che l”opinione pubblica avrebbe ostinatamente rimproverato di non assomigliare a nulla erano, nel momento del pericolo, gli unici che potevano assomigliare a tutto. Si riconoscevano nelle nature morte di Braque, e l”aviatore che dubitava della foresta delle Ardenne o della Beauce non esitava più davanti a un cannone ritoccato da Braque. Paulhan ricorda anche che il pittore ufficiale incaricato del camuffamento dei cannoni nel 1915, Lucien-Victor Guirand de Scevola, ha dichiarato, nel capitolo “Souvenirs de camouflage”, di aver utilizzato gli stessi mezzi dei cubisti per deformare totalmente l”aspetto dell”oggetto, cosa che gli aveva permesso di assumere nella sua sezione alcuni pittori capaci, con la loro visione molto particolare, di distorcere qualsiasi forma.

Ma i nuovi dipinti di Braque offrono ora una tavolozza più vivida e sensuale, come in Donna con mandolino, 1922-1923, olio su tavola (41 × 33 cm), Centre Pompidou, Parigi. All”inizio degli anni Venti, su richiesta di Serge de Diaghilev, il pittore variò ulteriormente la sua produzione, componendo scenografie e costumi per i Ballets Russes. Tra il 1922 e il 1926 disegnò le scene e i costumi per Les Fâcheux, un adattamento della commedia-balletto di Molière, Salade, Zéphire e Flore, nonché le scenografie per il balletto Sylphides di Michel Fokine. Diaghilev pensava che il pittore avesse un carattere goffo e che, inoltre, non avesse il senso degli affari, il che è vero secondo Jean Paulhan.

Il sipario del balletto Salade è stato lasciato in eredità al Musée d”art moderne de la ville de Paris nel 1955 dal conte Etienne de Beaumont. Da allora è rimasto chiuso nelle riserve del Palais de Tokyo, ma è stato appena rimosso e sarà restaurato.

Il periodo tra le due guerre, il cubismo sintetico e le nature morte

Juan Gris fu l”unico pittore cubista di cui Braque riconobbe il valore, oltre a Picasso; degli altri disse: “Facevano “cubismo” sui quadri, pubblicavano libri sul cubismo, e tutto questo naturalmente mi allontanava sempre di più da loro. L”unico che ha spinto la ricerca cubista in modo consapevole, secondo me, è stato Gris”.

A quel tempo, gli scultori Jacques Lipchitz e Henri Laurens giocarono un ruolo più importante nello sviluppo di Braque rispetto ai pittori. Il pittore ha sviluppato tinte piatte di colore. Braque non deforma più, ma forma, come conferma nel suo taccuino. Così avviene la “metamorfosi”, caratterizzata dall”uso del fondo nero, di cui dice a Daniel-Henry Kahnweiler, rifugiatosi in Svizzera, che “il nero è un colore di cui l”impressionismo ci ha privato per tanto tempo e che è così bello…”.

La mostra delle sue opere recenti, allestita nel marzo 1919 presso la Galerie de L”Effort moderne di Léonce Rosenberg, fu accolta con entusiasmo. In questa occasione viene pubblicata una prima monografia su Braque a cura di Roger Bissière, che sottolinea l”aspetto meticoloso dell”opera del pittore: “Braque è stato forse il primo tra i moderni a intravedere la poesia che emerge da un mestiere raffinato, da un lavoro fatto con amore e pazienza. Si tratta della seconda mostra personale del pittore che rinnova il suo contratto con Léonce Rosenberg nel maggio 1920, anno in cui realizza la sua prima scultura: La Femme debout in sei esemplari. A questo periodo, che si protrae fino ai primi anni Trenta, appartengono anche Canéphores, 1922 (180,5 × 73,5 cm), olio su tela, Centre Pompidou, Parigi, nonché nudi e figure femminili, Trois Baigneuses, olio su tavola (18 × 75 cm), collezione privata.

Ma nel 1921 le cose tra Rosenberg e Braque si mettono male. La liquidazione delle scorte di Kahnweiler, confiscate durante la guerra, ebbe luogo all”Hôtel Drouot. L”esperto era proprio Léonce Rosenberg, che era riuscito a farsi nominare lì e che approfittava della sua posizione dominante per sottovalutare le opere che avrebbe ricomprato a basso prezzo. Il primo giorno di vendita al Drouot, Braque cerca di metterlo in riga, insieme al povero Amédée Ozenfant, che cerca di intervenire. La vicenda si è conclusa alla stazione di polizia e i belligeranti sono stati finalmente rilasciati. Léonce Rosenberg vendette i dipinti acquistati con un enorme profitto. Suo fratello Paul fa lo stesso. Uno dei grandi sconfitti di tutto questo fu lo Stato francese, che si lasciò sfuggire opere come L”uomo con la chitarra (1913-1914) nel 1921 per 2.820 franchi, un dipinto che avrebbe riacquistato per il Musée National d”Art Moderne sessant”anni dopo per nove milioni di franchi.

Lo stile e la ricerca del pittore si evolvono tra il 1919 e il 1939. Del suo passato cubista conserva la simultaneità dei punti di vista, lo sviluppo degli oggetti sullo stesso piano e l”inversione dello spazio. Ha sempre usato il nero come sfondo per suggerire la profondità e ha diviso gli oggetti e i piani in modo da allontanarli dal realismo. A questo proposito, Guitar and Still Life on the Mantelpiece, 1925, olio e sabbia su tela (130,5 × 74,6 cm), Metropolitan Museum of Art, e Fruit on a Tablecloth and Fruit Bowl, olio su tela (130,5 × 75 cm), Centre Pompidou, sono caratteristici di questo sviluppo. Gli oggetti sembrano essere accessori alla composizione e tutti i suoi sforzi sono concentrati sul colore, come osservò Georges Charensol in occasione della mostra di Braque da Paul Rosenberg nel 1926, che presentava Fruits sur une nappe et compotier. Braque spinse ulteriormente l”uso del contrasto in Nature morte à la clarinette, 1927, olio su tela (55,9 × 75 cm), The Phillips Collection, con forme descritte da Christian Zervos come “naturalistiche”.

Dal 1925 Braque vive a Montparnasse, in rue du Douanier, in una casa-studio costruita su progetto di Auguste Perret. Nel 1926 sposa Marcelle Lapré, con la quale vive dal 1912. I suoi vicini di casa erano Louis Latapie e Roger Bissière, nella strada che oggi porta il suo nome: rue Georges-Braque.

Le forme naturalistiche e astratte assumono una nuova dimensione con le variazioni su Le Guéridon del 1928, anno in cui i coniugi Braque acquistano una casa a Varengeville, in Alta Normandia. Sulle scogliere del Pays de Caux, l”architetto americano Paul Nelson costruì una casa e un atelier per il pittore. Con Le Guéridon, 1928, olio su tela (197 × 73 cm), Museum of Modern Art, New York) e Le Grand Guéridon, olio su tela (147 × 114 cm), a cui il pittore continua a lavorare fino al 1936-39, Braque compie una lunga maturazione delle forme. Nel 1945 rielabora anche Le Guéridon rouge (180 × 73 cm), iniziato nel 1939, riducendo il motivo ornamentale. Il tema del tavolo con piedistallo ricorre spesso nella sua opera dal 1911 al 1952. Assicura la continuità di uno sviluppo la cui piena fioritura è stata raggiunta dagli Atelier.

Negli anni Trenta fanno la loro comparsa le tovaglie: Nappe rose (1933) e Nappe jaune, 1935 (114,3 × 144,8 cm), collezione privata, che nel 1937 ha ricevuto il primo premio della Carnegie Foundation di Pittsburgh. Il pittore sperimenta anche i calchi in gesso incisi, Heraklès, 1931 (187 × 105,8 cm), Fondation Maeght, e le acqueforti Théogonie d”Hésiode, 1932, un insieme di otto acqueforti (53 × 38 cm), Musées de Belfort, commissionate da Ambroise Vollard per illustrare il libro omonimo, che non fu mai pubblicato, poiché Vollard morì nel 1939.

La prima retrospettiva di Braque alla Kunsthalle Basel nel 1933 in Svizzera segna l”inizio del suo riconoscimento internazionale, seguita nel 1934 da Braque Recent Paintings alla Valentine Gallery di New York, aperta nel 1937 dal gallerista tedesco Curt Valentin. Secondo Frank Elgar: “Fu negli anni Trenta che Braque dipinse le sue nature morte più concentrate e saporite. Le sue scogliere, le sue barche spiaggiate, le sue figure bifronti testimoniano il suo periodo più felice. Ma dal 1940 in poi fu in pericolo.

Durante la Seconda Guerra Mondiale

Dal 1939 al 1940, i coniugi Braque si trovano a Varengeville durante la finta guerra con Joan Miró, che aveva affittato una casa vicino a quella dei Braque nell”agosto del 1939 e che rimase in Francia fino al 1940. “I due pittori hanno mantenuto un rapporto di amicizia e di fiducia, senza che la vicinanza di allora e l”amicizia di sempre abbiano fatto deviare di un millimetro l”uno dal percorso dell”altro. Braque invitò semplicemente l”amico catalano a utilizzare il processo di trasferimento della carta, una tecnica di stampa per la litografia. A Varengeville, nella stessa data, erano presenti anche Georges Duthuit, Alexander Calder, oltre al poeta Raymond Queneau e all”architetto Paul Nelson.

In questo periodo Braque si dedica quasi esclusivamente alla scultura, realizzando, tra le altre opere, Hymen, Hesperis e Le Petit Cheval. Le sculture umane sono sempre teste di profilo, come nei rilievi dell”antico Egitto. Questo stile deriva da dipinti come Il duetto, un olio su tela (129,8 × 160 cm) con due profili di donne sedute su sedie.

Nel 1939-1940, Braque è stato oggetto di una grande retrospettiva a Chicago presso l”Arts Club of Chicago, ma anche a Washington (The Phillips Collection) e a San Francisco (San Francisco Museum of Modern Art). Ha anche tenuto una mostra personale a New York nel 1941, poi a Baltimora, quindi di nuovo a New York da Paul Rosenberg nell”aprile 1942. Nel 1943 la Galerie de France gli dedica una mostra, Douze peintures de Georges Braque, mentre il Salon d”automne di Parigi presenta 26 dipinti e 9 sculture. Jean Bazaine gli dedica un articolo su Comœdia. Lo stesso anno Jean Paulhan pubblica Braque le patron.

Tra il 1940 e il 1945, i Braques risiedono prima nel Limousin, poi nei Pirenei a Caujac, dove ospitano il nipote Jacques Gosselin, e infine tornano a Parigi. Nel 1941, molti dei dipinti di Braque depositati a Libourne furono confiscati dalle autorità tedesche.

Braque non partecipò al viaggio a Berlino organizzato nel 1941 da Arno Breker e Otto Abetz, al quale parteciparono André Derain, Othon Friesz, Maurice de Vlaminck, Kees van Dongen e André Dunoyer de Segonzac. Ma non vuole rinnegare l”amico Derain, e il commento di Fernand Mourlot: “Per fortuna la mia pittura non è piaciuta, non sono stato invitato; altrimenti, a causa delle promesse liberazioni, avrei potuto andarci. Secondo Alex Dantchev e Fernand Mourlot, rimane una forma di esonero da ogni accusa di collaborazione nei confronti dell”amico Derain. Naturalmente, il legame con Derain si spezzò, così come quello con gli altri artisti che avevano compiuto lo stesso viaggio. Nell”agosto del 1943, Braque fu il testimone di nozze di Geneviève Derain con Joseph Taillade nella tenuta di Derain a La Roseraie, a Chambourcy. In seguito, però, Braque prese le distanze dall”epurazione.

Allo stesso modo, mantenne un profilo molto basso con il regime di Vichy durante tutta la guerra. Tuttavia, non mancarono le avances delle forze di occupazione e i suoi dipinti suscitarono l”entusiasmo di Pierre Drieu la Rochelle quando venti dei suoi quadri furono esposti al Salone d”Autunno del 1943. Gli ufficiali tedeschi che visitarono il suo studio, giudicandolo troppo freddo, si offrirono di consegnargli del carbone, che Braque rifiutò con finezza. Si rifiutò anche di creare un emblema per il governo di Vichy, nonostante Gertrude Stein si fosse offerta di tradurre i discorsi di Pétain. Braque aveva il problema opposto: non poteva essere comprato. La sua posizione è chiara: nessun compromesso, nessun compromesso. Ciò non gli impedisce di ricevere Ernst Jünger nel suo studio il 4 ottobre 1943. Scrittore e poeta in uniforme da occupante quell”anno, Jünger, che ha ricevuto il Premio Goethe nel 1982 ed è entrato alla Pléiade nel 2008, apprezzava la pittura “degenerata” di Edvard Munch, James Ensor, il Douanier Rousseau, Picasso, che visitò nello stesso anno, e anche Braque, di cui vide i dipinti al Salon d”autunno del 1943 e che trovò “confortanti, perché rappresentano il momento in cui si esce dal nichilismo”. La loro forza, sia nella forma che nel tono, rappresenta per lui il momento in cui si raccoglie in noi il materiale della nuova creazione.

Rinchiuso nel suo studio per tutta la durata della guerra, Braque si dedica al tema degli Interni, con un forte ritorno al nero, che dà un”impressione di semplicità e severità. Per Georges Braque la guerra fu sinonimo di austerità e sconforto. A quel tempo, “nella vita di Braque non c”è quasi spazio per l”emulazione: niente concorsi, niente discussioni, niente lavori in comune. Ha intrapreso il suo lavoro in segreto. Una donna seduta davanti a un mazzo di carte, vista di profilo, intitolata La Patience, olio su tela (146 × 114 cm), illustra il suo stato d”animo.

In questo periodo Braque continua a lavorare sul suo soggetto preferito: gli strumenti musicali, che compaiono nei suoi quadri dal 1908, perché: “Lo strumento musicale, come oggetto, ha la particolarità di poter essere animato toccandolo, per questo sono sempre stato attratto dagli strumenti musicali. Il 1942 fu un anno particolarmente produttivo per il pittore, che iniziò diversi dipinti sul tema della musica, poi portati a termine, come Uomo con chitarra, 1942-1961 (130 × 97 cm), olio su tela, collezione privata.

Realizza ancora alcuni disegni di donne i cui atteggiamenti ricordano il periodo fauvista, Femme à la toilette (1942), ma ben presto la natura morta prende il sopravvento: Deux poissons dans un plat avec une jug, 1949-1941, olio su carta montata su tela, collezione privata, inaugura una serie di pesci su sfondo nero, Les Poissons noirs, 1942, olio su tela (33 × 55 cm), Centre Pompidou, Parigi, e diverse Vanités, Le Poêle (1942), Le Cabinet de toilette (1942, The Phillips Collection). Tutti questi interni ricordano che l”artista si “rinchiudeva” nella propria casa, in particolare il Grande interno con tavolozza, 1942 (143 × 195,6 cm), Menil Collection, Houston. I suoi dipinti più significativi sono oggetti quotidiani, irrisori, utili per la sopravvivenza o per il cibo razionato: Tavolo da cucina, olio su tela (163 × 78 cm), collezione privata.

Realizza alcune figure maschili su sfondo scuro prima di iniziare la serie Billiards, che porta avanti fino al 1949. Uno dei più belli, Le Billard, 1947-1949 (145 × 195 cm), si trova al Museo d”Arte Contemporanea di Caracas, in Venezuela. È stato esposto al Grand Palais (Parigi) durante la retrospettiva di Georges Braque del 2013, con l”indicazione degli anni in cui è stato completato: 1947-1949.

Il dopoguerra

Braque si sottrae all”epurazione e si unisce a Varengeville. Non si iscrisse nemmeno al Partito Comunista Francese, nonostante le ripetute richieste di Picasso e Simone Signoret. Si allontana anche da Picasso, di cui apprezza sempre meno l”atteggiamento e che Maïa Plissetskaïa descriverà in seguito come un teppista. Rifiuta l”invito a soggiornare a La Californie a Cannes, scegliendo invece di vivere con il suo nuovo mercante parigino, Aimé Maeght, a Saint-Paul-de-Vence. Ciononostante, entrambi i pittori cercarono di mantenere i contatti tra loro. In particolare, quando nel 1945 Braque si sottopose a un”operazione per una doppia ulcera allo stomaco, Picasso andò a trovarlo ogni giorno e continuò a cercare la sua approvazione nonostante il suo atteggiamento distaccato.Il 24 dicembre 1950 morì la sorella Henriette.

A partire dal 1951 iniziò una sorta di riconciliazione. Françoise Gilot andò a trovare Braque molto spesso, anche dopo la sua separazione, e gli presentò il figlio Claude Picasso, allora adolescente, che assomigliava così tanto al padre che Braque scoppiò a piangere: il ragazzo era il ritratto vivente del suo “compagno di cordata” dell”epoca. La vera natura del legame tra i due pittori rimane poco chiara. Secondo Braque, non si trattava di una collaborazione artistica ma di “un”unione nell”indipendenza”.

Dopo una convalescenza di due anni, Braque riprende vigore ed espone allo Stedelijk Museum di Amsterdam, poi a Bruxelles al Palais des Beaux-Arts. Nel 1947 è alla Tate Gallery di Londra. Nello stesso anno, Aimé Maeght diventa il suo nuovo mercante parigino e pubblica la prima edizione dei Cahiers G. Braque.

Nel 1948, alla Biennale di Venezia, dove presenta la serie dei Biliardi, riceve il Gran Premio per l”insieme della sua opera. Seguono una serie di mostre, in particolare al MoMA di New York, che completano il riconoscimento internazionale del suo lavoro. Paul Rosenberg gli dedica un”altra mostra nella sua galleria di New York nel 1948.

A partire dal 1949, il pittore inizia la serie degli Ateliers, una serie di otto dipinti sullo stesso tema, in uno stato di perenne incompiutezza. Queste tele eternamente rielaborate sono un vero grattacapo per i curatori dei cataloghi, in particolare per il critico d”arte inglese John Richardson, che nel suo articolo The Ateliers of Braque incontra grandi difficoltà nel datarle. Braque infatti cambia costantemente il contenuto e la numerazione dei dipinti di questa serie. Se confrontiamo la fotografia di Robert Doisneau dell”Atelier VII (1952-1956) di Varengeville, notiamo che è stato modificato, che il pittore ha spostato gli oggetti e che è diventato l”Atelier IX. L”ultimo stato di questo dipinto è presentato al Grand Palais nel 2013, olio su tela (146 × 146 cm), Centre Georges Pompidou.

L”uccello, la cui presenza conferisce una nuova dimensione a sei degli otto Atelier, fa la sua comparsa in Atelier IV, 1949, olio su tela (130 × 195 cm), collezione privata, con le ali spiegate e occupando un terzo dello spazio. Una delle riproduzioni più frequenti è Atelier I, 1949, olio su tela (92 × 73 cm), collezione privata. Presenta un quadro nel quadro e una grande brocca bianca “nel buco della serratura”. Atelier VIII è il più frontale e di maggior colore della serie (132,1 × 196,9 cm), Fundación Masaveu, Oviedo.

L”ordine di datazione degli Atelier, infine mantenuto per l”ultima retrospettiva del 2013, è quello stabilito da Nicole Worms de Romilly nel suo Catalogue raisonné de l”œuvre de Braque (edito da Maeght, sette volumi, pubblicati dal 1959 al 1982). Les Ateliers sono stati presenti a partire dal gennaio 1949 alla retrospettiva organizzata al Museum of Modern Art di New York e al Cleveland Museum of Art, di cui Jean Cassou ha scritto il catalogo.

Nel 1955, il pittore e critico inglese Patrick Heron invia a Braque il suo libro, The Changing Forms of Art, che descrive gli Atelier e i Billard in particolare, come insiemi di superfici piane da cui nasce lo spazio, combinate con linee rette, diagonali e parzialmente interrate, giocando con la geometria cubista. Braque rispose: “Ho fatto tradurre alcuni passaggi del suo libro sulla pittura, che ho letto con interesse. Aprite gli occhi di coloro che la critica ordinaria porta fuori strada.

Paulhan osserva che Braque è uno dei pochissimi pittori che non ha dipinto il proprio autoritratto e si stupisce che si sappia così poco di colui che è stato insignito all”unanimità della Legion d”Onore come ufficiale e poi come comandante nel 1951. “Accetta la gloria con calma. Tutti questi aneddoti sono scarni, me ne rendo conto. Sì, ma è anche vero che in Braque l”aneddotica è piuttosto scarna. L”uomo è altrove.

Braque era un bell”uomo, fu fotografato da Robert Doisneau a Varengeville, in varie situazioni: in campagna. Il pittore fu ritratto anche da Man Ray, che lo fotografò frequentemente dal 1922 al 1925, e disegnato dall”amico Giacometti e da Henri Laurens, mentre era ancora bendato nel 1915. Ha ispirato anche la fotografa Mariette Lachaud, la cui mostra di quaranta fotografie si è tenuta a Varengeville nell”agosto 2013. Braque era anche un atleta, appassionato di sport e di boxe inglese. Nel 1912 godeva di una certa fama come pugile e nel 1997 il critico d”arte inglese John Russell, sul New York Times, ha ricordato la sua maestria nella boxe inglese.

Ma il pittore era più interessato alla sua pittura che alla sua immagine. “Sarei imbarazzato a decidere se Braque sia l”artista più inventivo o più vario del nostro tempo. Ma se il grande pittore è colui che dà l”idea più acuta e nutriente della pittura, allora è Braque, senza esitazione, che prendo come mio mecenate.

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Gli ultimi anni

Nel 1952 Georges Salles, direttore dei Musei di Francia, commissiona a Georges Braque la decorazione del soffitto della sala Enrico II del Museo del Louvre, risalente al 1938 e in procinto di essere rinnovata. Il soggetto scelto dal pittore : Les Oiseaux (Gli uccelli) si adattava bene alla sala, e anche coloro che erano riluttanti a mescolare arte moderna e antica sono stati finalmente sedotti. Nel 1953 è stata inaugurata la decorazione del soffitto. L”artista è riuscito a trasporre sul piano monumentale un tema intimo che gli era caro. Ha risolto il problema posto dal vasto supporto utilizzando ampie tonalità di colore che conferiscono all”insieme un aspetto forte e semplice. Depresso per non essere stato scelto per questo progetto, Picasso sostenne che Braque aveva copiato le sue colombe.

Braque produsse molto, ma dal suo ritiro a Varengeville-sur-mer uscì pochissimo. Ha rinunciato alla Provenza. Erano i giovani pittori che venivano a trovarlo, in particolare Jean Bazaine. Ma soprattutto Nicolas de Staël, che egli incoraggiò vigorosamente e il cui suicidio, avvenuto nel 1955, lo colpì molto. Nicolas de Staël aveva una tale ammirazione per Braque che scrisse al critico d”arte e collezionista americano David Cooper: “Le sarò sempre infinitamente grato per aver creato questo clima in cui la retorica di Braque riceve la luce tanto meglio per aver rifiutato la sua grande brillantezza, dove i suoi quadri in un lampo si fanno strada con naturalezza da Sofocle al tono confidenziale di Baudelaire, senza insistere, e mantenendo la grande voce. È unico. Oltre all”amicizia, Staël e Braque avevano qualcosa in comune nell”approccio alla pittura di quel periodo.

Duncan Phillips, che era “infatuato” di Braque, possiede anche molte opere di Staël nella Phillips Collection. L”inaspettato ritorno di Braque ai paesaggi figurativi tra Les Ateliers e Les Oiseaux è in qualche modo debitore dello scambio con Staël. Questi paesaggi degli ultimi anni (1957-1963), che affascinarono il suo più caro amico, Alberto Giacometti, sono per lo più di piccolo formato, allungati: Marine, 1956 (26 × 65 cm), collezione privata), Le Champ de colza, 1956 (30 × 65 cm), con un evidente riferimento a Vincent van Gogh che ammirava. Staël realizza anche dipinti in riferimento a van Gogh: Il volo dei gabbiani è anche un omaggio al Campo di grano con corvi di Vincent van Gogh, al quale Braque rende a sua volta omaggio, intorno al 1957, con Uccelli nel grano, olio su tela (24 × 41 cm), in uno stile simile a quello di Staël. Paesaggio, 1959 (21 × 73 cm), ma anche opere più grandi come L”aratro, 1960 (84 × 195 cm) e La sarchiatrice (1961), a cui Braque lavorava ogni estate dal 1930, è l”ultimo dipinto di Braque. Oggi si trova al Musée d”Art Moderne de Paris presso il Centre Pompidou. Il 31 agosto 1963, alla sua morte, era ancora sul cavalletto del suo studio di Varengeville. Il paesaggio che mostra è quello del Pays de Caux, tra Le Havre e Dieppe, che è austero e termina con ripide scogliere sul mare. Il quadro sembra riecheggiare l”ultimo dipinto di Vincent van Gogh, Campo di grano con corvi (1890). “La serenità sfuggiva a van Gogh, disperatamente. Braque si sforzò di raggiungerlo, e in effetti ci riuscì.

Dal 1953 in poi, Braque moltiplica i riferimenti al volo, agli uccelli. Si ritrovano nell”Atelier IX (1952-1956), con grandi ali che interrompono lo spazio qua e là. In questi anni, gli uccelli hanno invaso il suo lavoro. Ma è solo nell”Atelier VIII (1952-1955) che l”uccello in volo acquista il suo candore. L”Oiseau et son nid, 1955-1956 (130,5 × 173,5 cm), Centre Pompidou, Parigi, è ritagliato astrattamente su uno sfondo marrone. L”opera segna una tappa importante nell”opera di Braque in quanto anticipa l”uccello profilato di À tire d”aile, 1956-1961 (114 × 170,5 cm), Centre Pompidou, Parigi), l”apoteosi del lavoro del pittore sugli uccelli. L”artista si è recato a osservare una riserva ornitologica in Camargue e ha ammirato il volo dei fenicotteri rosa: “Ho visto volare grandi uccelli. Da questa visione ho tratto forme aeree. Gli uccelli mi hanno ispirato. Il concetto stesso, dopo che la scossa dell”ispirazione li ha fatti sorgere nella mia mente, questo concetto deve svanire per avvicinarmi a ciò che mi interessa: la costruzione del fatto pittorico. Il pittore stilizza, poi lavora le forme in tinte piatte semplificandole all”estremo.

Gli Uccelli neri (1956-1957, o 1960 a seconda delle fonti (129 × 181 cm), Collezione Adrien Maeght, sono rappresentativi del “concetto di uccello” completato, così come À tire d”aile, 1956-1961 (129 × 181 cm), Centre Pompidou, Parigi. Nel dipinto Les Oiseaux, 1960 (134 × 167,5 cm), il concetto è ridotto a segni quasi astratti che giocano con la luce. Braque era molto affezionato ai suoi uccelli e li conservò fino alla sua morte, avvenuta a L”Oiseau et son nid, olio e sabbia su tela (130,5 × 173,5 cm), Centre Georges Pompidou. “L”uccello e il suo nido”, che conservò fino alla morte, è il miglior autoritratto di Braque.

Negli anni Cinquanta e Sessanta, l”opera di Braque è stata oggetto di numerose mostre sia in Francia che all”estero, a Tokyo presso il Museo Nazionale nel 1952, alla Kunsthalle di Berna e alla Kunsthaus di Zurigo nel 1953. Ma mentre nel 1956 viene organizzata una gigantesca mostra delle sue opere al Festival Internazionale di Edimburgo e poi alla Tate Gallery di Londra, l”artista rimane nel suo studio di Parigi, che lascia solo per recarsi a Varengeville. Si accontentava di inviare le sue tele sempre più “alate”. La mostra di Edimburgo, invece, si sviluppava su ventitré sale e comprendeva ottantanove dipinti che attirarono un pubblico molto numeroso. L”anno successivo le sue sculture vengono inviate al Museo di Cincinnati; successivamente, a Roma, dove vengono esposte tra la fine del 1958 e l”inizio del 1959, riceve il Premio Antonio Feltrinelli dell”Accademia di Belle Arti. Dal 1959 al 1963 Braque, che nel 1950 aveva realizzato con Jean Signovert le incisioni di Milarépa per la casa editrice Maeght, lavora anche a libri d”artista: con Pierre Reverdy, La Liberté des mers, con Frank Elgar, La Résurrection de l”oiseau (1959), con Apollinaire, Si je mourais là-bas, con Saint-John Perse, L”Ordre des oiseaux (1962), con René Char, Lettera Amorosa (1963).

Braque è uno dei pittori più importanti della storia della pittura. Ha influenzato nuove generazioni di artisti. Dopo la mostra del 1946 alla Tate Gallery di Londra, che Patrick Heron descrisse come “mal allestita”, “gli artisti in cerca di fortuna cominciarono, in tutta l”Inghilterra e all”insaputa dei critici arroganti, a dipingere nature morte con le aringhe”. Tra i pittori influenzati da Braque, Alex Danchev cita Ben Nicholson, John Piper o Bryan Winter, e gli americani William Congdon e Ellsworth Kelly. Françoise Gilot era circondata dalle opere di Braque e alla Juilliard School di New York tenne un corso di storia dell”arte intitolato “Bach to Braque and Beyond”.

Georges Braque ha realizzato anche vetrate: sette per la cappella di Saint-Dominique e la vetrata raffigurante un albero di Jesse nella chiesa parrocchiale di Saint-Valéry a Varengeville-sur-Mer nel 1954, oltre alla scultura per la porta del tabernacolo nella chiesa di Assy nel 1948. L”ultima mostra delle sue opere in Francia si tenne al Musée des Arts Décoratifs di Parigi dal 22 marzo al 14 maggio 1963. Sono riprodotti in molti siti: qui. Nello stesso anno, a Monaco di Baviera, una grande mostra retrospettiva presenta la sua intera opera dal 12 giugno al 6 ottobre.

Morì il 31 agosto 1963 nella sua casa nel 14° arrondissement di Parigi. Alberto Giacometti, venuto a disegnare il suo ritratto funebre, scrisse: “Questa sera, tutta l”opera di Braque torna ad essere rilevante per me. Di tutto il suo lavoro, guardo con maggiore interesse, curiosità ed emozione i piccoli paesaggi, le nature morte e i modesti bouquet degli ultimi anni, gli ultimissimi anni. Il 3 settembre si sono svolti i funerali di Stato dell”artista. André Malraux pronuncia il suo elogio funebre davanti al Colonnato del Louvre.

Georges Braque fu sepolto il giorno successivo nel cimitero marino di Varengeville-sur-Mer. Sua moglie, Marcelle Lapré, nata il 29 luglio 1879 a Parigi, aveva tre anni in più del pittore. Morì due anni dopo di lui, ma prima, “nel 1965, poco prima della sua morte, e in accordo con i desideri del marito, Madame Braque fece una donazione di quattordici dipinti e cinque sculture che il pittore non voleva lasciare in Francia”. È sepolta accanto al marito nel cimitero marino di Varengeville.

Periodo post-impressionista

Molti dei dipinti del periodo post-impressionista furono distrutti dall”artista stesso dopo l”estate del 1904 nei pressi di Pont-Aven, ad eccezione del ritratto Fillette bretonne. Il dipinto più antico finora esposto è Le Parc Monceau (1900), Parc Monceau sul sito del Museo Georges-Braque a Saint-Dié-des-Vosges.

Periodo fauvista (1905-1907)

L”artista fu trascinato nel sistema fauve dall”ammirazione per il “leader dei fauves” dell”epoca, Henri Matisse – che difficilmente la ricambiò – ma soprattutto dall”amicizia con Othon Friesz, André Derain e Raoul Dufy, che lo spinsero all”azione. Infine, espone per la prima volta sette dipinti fauvisti al Salon des Indépendants del 1906, che non riscuotono successo e che vengono distrutti. Molto produttivo, Braque inizia un periodo fiorente: le sue opere vengono successivamente acquistate da molti musei. La maggior parte delle sue opere sono paesaggi, come Mât dans le port d”Anvers, 1906, olio su tela (46,5 × 38,4 cm), Centre Georges-Pompidou, Bateau à quai, Le Havre, 1905 (54 × 65 cm), Museum of Modern Art, New York, si veda il dipinto esposto nel 2009 al Musée des Beaux-Arts de Bordeaux), Paysage à l”Estaque, 1906 (60,3 × 72,7 cm), Art Institute of Chicago, si veda Paysage à l”Estaque. E ancora nudi: Femme nue assise, 1907, olio su tela (55,5 × 46,5 cm), Musée national d”art moderne, Parigi. Descrizione Donna nuda seduta e Nudo seduto, 1907, olio su tela (61 × 50 cm), collezione Samir Traboulsi.

Cubismo analitico (1907-1912)

Il periodo cubista di Braque inizia soprattutto con i paesaggi, come Le Viaduc à l”Estaque (1907) o Route près de l”Estaque, e soprattutto Maisons à l”Estaque, che fu dichiarato un quadro cubista da Matisse e poi da Louis Vauxcelles, anche se il pittore considerava Les Instruments de musique il suo primo quadro veramente cubista. I dibattiti sul cubismo sono ancora confusi, soprattutto perché l”estrema discrezione di Braque ha permesso al suo “compagno di cordata” di monopolizzare tutti i ruoli. Tuttavia, ognuno dei due rimase il pubblico di “anteprima” dell”altro per tutta la durata della cordata Braque-Picasso, dal 1911 al 1912, durante il periodo del Cubismo analitico e sintetico.

I rapporti tra i due pittori divennero piuttosto tesi quando Braque realizzò il suo primo papier collé a Sorgues: Compotier et verre, 1912, olio e sabbia su tela (50 × 65 cm), collezione privata, il primo papier collé con questo titolo, seguito da un gran numero di altri papier collé che portarono gradualmente al Cubismo sintetico.

Cubismo sintetico (1912-1917-1918)

L”esatta divisione tra il periodo analitico e quello sintetico varia a seconda dei biografi. Alcuni includono in questo periodo le carte incollate da Compotier et verre (1912) in poi, che portano al periodo di “Braque le vérificateur”, che comprende anche Compotier et cartes (1913), seguito dalla prolifica serie delle “Machines à voir”: Le Petit Éclaireur (1913). In questo periodo, in cui Braque perfeziona meticolosamente la sua pittura, troviamo i dipinti a olio: Violino e clarinetto (1913), Natura morta con pipa (1914), Uomo con chitarra (1914).

Il catalogo della mostra Georges Braque 2013 al Grand Palais dedica un capitolo a parte ai collage di carta del 1912-1914, da Compotier et verre (1912) a La Bouteille de rhum (1914). Si ritorna poi alle tecniche miste su tela con Compotier et cartes (1913), o Cartes et dé (1914). I papier collés potrebbero essere considerati un interludio cubista tra “analitico” e “sintetico”.

Tra le opere principali di questo periodo vi sono Violino e pipa LE QUOTIDIEN (1913-1914), o La Guitare: ”Statue d”épouvante” (1913), ma soprattutto le nature morte, quando Braque riacquista la vista dopo un lungo periodo di cecità dovuto alle ferite di guerra: La Joueuse de mandoline, 1917 (92 × 65 cm), Musée de Lille métropole), La Musicienne (221,3 × 113 cm, 1917-1918, Kunstmuseum, Basilea.

Dal 1919 al 1932

Pur conservando il rigore del cubismo, Braque si allontana dall”astrazione con nature morte i cui motivi sono disposti in tinte piatte e i cui colori diventano sempre più vivaci con il passare del tempo. La giustapposizione di piani diversi, come in Compotier avec grappe de raisin et verre (1919), Musée national d”art moderne, Centre Georges Pompidou, Parigi, è realizzata con paste spesse e linee irrigidite, che danno l”impressione di misura caratteristica di Braque. Con il passare degli anni, il suo ritorno al colore si fa sempre più marcato, da Chitarra e natura morta sulla mensola del camino, 1921, olio su tela (130,5 × 74,3 cm), Metropolitan Museum of Art, Chitarra e natura morta sulla mensola del camino o Chitarra e bicchiere, 1921, olio su tela (43 × 73 cm), Centre national d”art et de culture Georges Pompidou, Parigi, a formati sempre più grandi come : Chitarra e una bottiglia di succo d”uva su un tavolo, 1930, olio su tela (130,5 × 75 cm), Cleveland Museum of Art, Guitar and Bottle of Grape Juice). I suoi temi preferiti erano la frutta, i fiori e gli oggetti. Sembrava che avesse voltato le spalle al cubismo. Con nature morte come The Large Pedestal Table (Il grande tavolo con piedistallo), intitolato anche The Round Table (Il tavolo rotondo), 1928-1929, olio e sabbia su tela (147 × 114 cm), The Phillips Collection) o The Large Pedestal Table (Il tavolo rotondo), che alcuni considerano un “regresso” o altri un “sontuoso progresso”, il pittore esercita la sua arte in modo voluttuoso, realizzando in questo periodo le sue opere più sensuali.

Dal 1932 al 1944

La dialettica di forme al tempo stesso “naturalistiche e astratte”, come le ha definite Christian Zervos, assume una nuova ampiezza con le variazioni sul tema di Le Guéridon iniziate nel 1928: Le Guéridon, olio su tela (197,7 × 74 cm), Museum of Modern Art, New York, di cui Braque realizzò una serie dal 1936 al 1939, tra cui Le Grand Guéridon, intitolato anche La Table ronde, olio su tela, The Phillips Collection, che secondo Bernard Zurcher è la tela più imponente della serie, Le Guéridon (SFMOMA), San Francisco Museum of Modern Art, Le Guéridon rouge (iniziato nel 1939, rivisto fino al 1952, Centre Pompidou). In questo periodo l”artista accumula appunti, schizzi e disegni, che danno l”ingannevole apparenza di bozzetti per futuri dipinti, mentre sono più che altro una ricerca da parte di un pittore nell”incertezza. L”artista brancola, cercando il fondo delle cose, e sebbene ogni pagina su carta millimetrata sia di grande interesse per la comprensione dei suoi progressi, non è mai stata pubblicata. All”angoscia della guerra si aggiunge l”ansia di non avere notizie della sua casa di Varengeville e dei dipinti che vi sono depositati. Ma dopo opere austere come Fish o The Stove, 1942-1943, Yale University Art Gallery, Large Interior with Palette, 1942 (143 × 195,6 cm), Menil Collection, Houston. In questo periodo inizia anche a lavorare alla scultura: Imene, Esperide, Il cavallino e gessi incisi, oltre che alla ceramica, prima di arrivare alla serie dei Biliardi, considerata uno dei temi principali dell”artista.

Dal 1944 al 1963

Braque si trovava a Varengeville quando le truppe tedesche attraversarono la Linea Maginot. Rifugiatisi prima nel Limousin presso i Lachauds, poi nei Pirenei, i due coniugi tornarono a Parigi dove trascorsero tutta la guerra nello studio costruito da Auguste Perret, in rue du Douanier. Nel 1940, il pittore produce poco. Solo a partire dal 1941 realizza due serie imponenti, tele austere sui temi della cucina e del bagno: Il tavolo da cucina con griglia, La stufa, La toilette con piastrelle verdi e l”immenso Grand intérieur à la palette. Ma questa austerità non è durata. Dal 1946, con Tournesols, Braque fa esplodere il colore.

Gli ultimi anni della carriera del pittore, dalla fine della guerra alla sera della sua morte, furono i più brillanti, secondo John Golding. Molti critici d”arte inglesi hanno accolto con una standing ovation la serie dei Biliardi, poi quella degli Atelier, e anche i paesaggi realizzati in formati allungati e stretti, esposti alla Royal Academy di Londra nel 1997, Braque, The Late Works. La mostra è stata poi presentata alla Menil Collection, che ne ha pubblicato il catalogo. In Francia si è parlato poco dell”evento, come dimostra il breve articolo de L”Express. Gli ultimi anni del pittore sono anche quelli della poesia, con litografie che illustrano libri preziosi come L”Ordre des Oiseaux (1962) di Saint-John Perse. Il tema principale di questi ultimi anni è stato certamente quello degli uccelli, di cui i grandissimi Uccelli neri rappresentano l”apoteosi. Nonostante la sua apparente semplicità e la sua audacia, la serie di uccelli sfida la descrizione e l”analisi. Braque ha detto:

“Definire qualcosa significa sostituire la definizione alla cosa. C”è solo una cosa che vale davvero nell”arte, ed è ciò che non può essere spiegato”.

I gioielli di Braque (1961-1963)

“Nel 1961, sempre più malato e incapace di lavorare a lungo sui suoi dipinti, Braque accettò di assumere disegni da utilizzare come modelli per i gioielli, in particolare cammei di onice montati in anelli. Ne regalò uno alla moglie raffigurante il profilo di Ecate Riproduzione di Ecate in una spilla, Gouache e riproduzione di Ecate in una spilla, e ne indossò uno lui stesso come anello portafortuna durante l”ultimo anno della sua vita: La Métamorphose d”Eos, oiseau blanc raffigurante l”alba”.

Sculture, arazzi, opere in gesso inciso

L”ultima opera delle Metamorfosi è una gouache eseguita dal pittore nel 1963 (38 × 33 cm), in omaggio e in segno di amicizia verso Pablo Picasso, intitolata Les Oiseaux bleus (omaggio a Picasso). Quest”opera è stata utilizzata dopo la morte del pittore. Eseguito come arazzo (195 × 255 cm), realizzato a mano in 6 esemplari, dalla manifattura Robert Four, è stato venduto all”asta dalla casa Millon, che riporta chiaramente la dicitura “Dopo Georges Braque”. La stessa gouache è stata eseguita come scultura in bronzo con patina blu-nera a medaglione, prodotta in otto esemplari (58 × 255 cm) e venduta all”asta dalla casa d”aste di Cannes e da Millon, a Parigi.

Per quarant”anni Georges Braque non ha avuto una retrospettiva in Francia fino a quella del 2013-2014, al Grand Palais. Si tratta di una mostra molto ampia, con circa 236 referenze, tra disegni, sculture e fotografie. La totalità dell”opera è difficile da riunire in un unico luogo, soprattutto perché il Grand Palais dedica ancora una retrospettiva ai gioielli Cartier dal 4 dicembre 2013 al 6 febbraio 2014.

Mostre complementari rendono omaggio ad altre opere di Braque, nello stesso periodo 2013-2014. I gioielli delle gouaches realizzate dall”artista, dal 1961 al 1963, sono stati esposti al Museo Georges-Braque di Saint-Dié-des-Vosges, dal 29 giugno al 15 settembre 2013, le stampe e le incisioni dell”artista sono attualmente in mostra al Centro d”Arte La Malmaison di Cannes, dal 4 dicembre 2013 al 26 gennaio 2014, lo Château-Musée de Dieppe dedica una mostra alle stampe di Braque dal 25 novembre 2013 al 5 gennaio 2014.

È sulla base della doppia mostra Braque, the Late Years, 1997, Londra e Houston, che lo storico dell”arte inglese John Golding ha realizzato un catalogo ragionato delle opere di Braque. Le sue opere non sono state incluse nei cataloghi ragionati pubblicati da Maeght, che ha smesso di pubblicarle nel 1957, con grande indignazione di Alex Danchev.

Nel 2008 si è tenuta a Vienna una retrospettiva di 80 opere di Braque presso il Bank Austria Kunstforum, un centro d”arte situato in un ex edificio di Bank Austria, lo sponsor principale.

Leggi anche, biografie – Jean Tinguely

Bibliografia

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Riferimenti

Fonti

Georges Braque
Georges Braque
Par ailleurs « courtisane » ou « femme galante », qui tient un petit salon d”opium, rue de Douai.
Il existe également un Nu debout de Matisse.
Marie Cuttoli (1879-1973), née à Bordes, femme d”affaires et grande collectionneuse d”art. Elle épouse d”abord le maire de Philippeville en Algérie, où elle a ouvert un atelier de tissage ; elle se marie ensuite avec Henri Laugier.
Tailleur de son métier, Alex Maguy, de son vrai nom Alex Glass, était un collectionneur passionné qui a été inquiété pendant l”Occupation. Pourchassé par les nazis, il est entré dans la résistance, mais il a réussi à préserver une partie de ses collections. Il a ensuite ouvert une galerie rue du Faubourg-Saint-Honoré, puis une autre place Vendôme.
Reproduction de Nature morte aux pichets avec pipe, qui correspond à la version couleur de la vignette en noir et blanc représentée p. 21 de Braque, le cubisme.
a b Integrált katalógustár. (Hozzáférés: 2014. április 26.)
Encyclopædia Britannica (angol nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)
Edward F. Fry, Cubism 1907–1908: An Early Eyewitness Account. In: The Art Bulletin. Vol. 48, No. 1, März 1966, S. 70.
Judith Cousins: Vergleichende biographische Chronologie Picasso und Braque. In: William Rubin: Picasso und Braque. Die Geburt des Kubismus, 1990, S. 340–342.
^ Fry 1966, p. 71.
^ Picasso, P., Rubin, W. S., & Fluegel, J. (1980). Pablo Picasso, a retrospective. New York: Museum of Modern Art. ISBN 0-87070-528-8 p. 99,
^ “Solomon_R._Guggenheim_Museum”. Archived from the original on February 10, 2013.