Giorgio Morandi
gigatos | Gennaio 8, 2022
Riassunto
Giorgio Morandi (20 luglio 1890, Bologna – 18 giugno 1964, Bologna) è stato un pittore e grafico italiano.
Il futuro artista, il maggiore di cinque figli, nasce nella famiglia Andrea Morandi (1858-1909) – comproprietario della filiale di Bologna di una ditta francese, che commerciava canapa, nel 1889 sposa la diciannovenne Maria Maccaferri. Giorgio inizialmente lavora nella ditta del padre, ma la sua precoce passione per la pittura gli fa prendere un”altra strada nella vita: nel 1907 si iscrive all”Accademia di Belle Arti di Bologna. Dopo la morte prematura di suo padre, grazie agli sforzi di sua madre per fornire un”istruzione ai suoi figli, fu in grado di continuare i suoi studi e laurearsi all”Accademia nel 1913. Morandi ha ottenuto buoni risultati nello studio, ma non ha ricevuto da una formazione accademica la scuola della creatività, che ha cercato. Questa scuola avrebbe potuto regalargli un viaggio a Parigi, che sognava all”inizio degli anni 1910, ma le difficoltà economiche della sua famiglia non gli permisero di lasciare Bologna, dove nel 1914-1929 insegnò disegno nelle scuole elementari.
Nella nuova pittura francese, che all”inizio Morandi conosceva solo in riproduzioni in bianco e nero, lo guidano soprattutto le opere di Renoir e Cézanne. Ma se i quadri di Renoir erano stati visti dal giovane artista direttamente nel 1910 alla IX Biennale di Venezia, dove un”intera sala era dedicata alle opere di Renoir, per molto tempo egli studiò i quadri di Cézanne solo tramite riproduzione.
Le prime opere attualmente conosciute di Morandi – un paesaggio e un ritratto di sua sorella Dina, eseguiti in una nitida maniera plastica – sono datate 1911 e 1912. Tra il 1913 e il 1914, Giorgio Morandi partecipò a diverse mostre futuriste a Bologna e Roma, incontrando Umberto Boccioni e Carlo Carrà, ed essendo lodato dal leader futurista italiano Tomaso Marinetti, ma le sue attività creative furono largamente influenzate dal lavoro dei cubisti francesi e in parte da Henri Rousseau. Parallelamente al suo interesse per le sperimentazioni dei movimenti più recenti, Morandi approfondì la pittura dei vecchi maestri – Giotto, Masaccio, Uccello, Piero della Francesca – con viaggi a Firenze (1910), Padova e Assisi.
In relazione all”entrata dell”Italia nelle ostilità della prima guerra mondiale nell”estate del 1915, fu arruolato nell”esercito (a causa della sua statura molto alta fu assegnato a un reggimento di granatieri), ma dopo aver prestato servizio per due mesi ebbe un esaurimento nervoso e fu dimesso. Nel 1917 Morandi si ammalò di nuovo gravemente e fu quasi incapace di lavorare.
Nel 1916-1919 la ricerca creativa di Morandi lo avvicina ai rappresentanti della cosiddetta “pittura metafisica” – Giorgio de Chirico, Arturo Martini e, in particolare, Carlo Carr. Nei primi anni del dopoguerra, questi artisti, insieme a Morandi, fecero parte dei “Valori Plastici”, dal nome dell”omonima rivista fondata nel 1918 dall”artista, editore e mercante d”arte Mario Broglio, che nel 1921 organizzò una mostra itinerante del gruppo a Berlino, Dresda, Hannover e Monaco. Broglio fu il primo a firmare un contratto esclusivo con l”artista bolognese e iniziò a vendere le sue opere. Tuttavia, nel 1922, quando Morandi espone ancora con de Chirico, Carra e Martini alla ”Mostra di Primavera” a Firenze (e de Chirico scrive un articolo su di lui nel catalogo di quella mostra), le sue nuove opere indicano che la sua ”fase metafisica” è una cosa del passato.
Negli anni ”30 Giorgio Morandi riceve il suo primo riconoscimento. Dapprima come grafico: i successi del decennio precedente nel campo dell”acquaforte gli permettono nel 1930 di assumere la cattedra di tecnica dell”acquaforte all”Accademia di Belle Arti di Bologna (la terrà fino al 1956). Nel 1932 partecipa alla prima mostra di incisione italiana contemporanea a Firenze, e nello stesso anno la rivista L”italiano gli dedica un numero speciale con un articolo di Ardengo Soffici, che nel 1938 propone a Morandi di diventare socio corrispondente dell”Accademia di Belle Arti di Firenze. Gradualmente la sua pittura diventa anche un fenomeno notevole nell”arte italiana: dal 1931 le opere di Morandi vengono presentate alla più prestigiosa mostra nazionale, la Quadrenale di Roma, e nel 1939 viene premiato con 42 dei suoi quadri in una sala separata della Quadrenale III di Roma.
A metà degli anni ”30 la sua pittura fu molto apprezzata dal famoso storico dell”arte Roberto Longhi e dall”importante collezionista, critico e uomo d”affari Lamberto Vitali (1896-1992), al quale Giorgio Morandi fu poi legato da una lunga amicizia. Durante la seconda guerra mondiale, Longhi aiutò a liberarlo dalla prigione di Bologna e successivamente lo sostenne organizzando una mostra personale nella Galleria Il Fiore di Firenze, che fu inaugurata il 25 aprile 1945, il giorno in cui gli Alleati liberarono Bologna. Vitale divenne non solo uno dei maggiori collezionisti delle opere di Morandi (le più preziose delle quali lasciò alla Pinacoteca di Brera a Milano), ma anche l”autore di un catalogo a vita dei suoi disegni (1957) e di un catalogo riassuntivo postumo dell”artista (1977).
Nonostante la fama che arrivò a Morandi negli anni del dopoguerra, non cambiò il suo modesto stile di vita. Non sposato, viveva con le sue sorelle nubili nell”appartamento vecchio stile dei suoi genitori a Bologna, con una delle stanze che serviva come studio e camera da letto. Solo nel 1959 costruì una casa nel comune rurale di Grizzana, a 30 km da Bologna, dove aveva trascorso molti anni durante la guerra; qui Morandi trascorse i mesi estivi con le sue sorelle e negli ultimi anni della sua vita. Nel 1985 il nome dell”artista è stato aggiunto al nome di questo comune: Grizzana-Morandi.
“Essenzialmente, sono un artista la cui parte del leone è costituita da nature morte, capaci di trasmettere allo spettatore un senso di pace e di intimità, qualità che io stesso apprezzo più di ogni altra cosa. <…>
I cataloghi consolidati di Vitali mostrano circa 1.340 dipinti a olio di Giorgio Morandi (senza contare gli acquerelli e i disegni). I paesaggi rappresentano poco meno di un quinto della sua eredità, Morandi non ha lasciato quasi nessun ritratto (il resto delle sue opere sono nature morte, compreso un grande gruppo dei suoi “Fiori” (li chiamava “nature morte floreali” e di solito li regalava agli intenditori, agli amici e alle sue sorelle), così come diversi dipinti e incisioni raffiguranti conchiglie – “immagini di un mondo pietrificato”.
Gli storici dell”arte che hanno visitato lo studio di Giorgio Morandi hanno notato il particolare approccio dell”artista alla natura da cui sono nate le sue nature morte. Secondo Roberto Longhi, erano “oggetti inutili”, cioè oggetti strappati alla realtà. Victoria Markova ha ricordato: “…Quasi tutti questi oggetti – bottiglie di varie forme, giare, vasi – sono stati dipinti con gouache in colori specifici <…> o ricoperti con uno strato di gesso volutamente noncurante, grazie al quale hanno perso non solo il loro legame utilitaristico con la vita quotidiana, ma anche la loro naturale consistenza e proprietà materiali – il vetro non era più vetro e il metallo non era più metallo. James Troll Sobie, curatore della mostra di New York Italian Art of the 20th Century (1949), ha sottolineato che quando preparava gli oggetti per le sue nature morte (scatole, parallelepipedi) Morandi spesso “…dipingeva sulle loro superfici con semplici forme geometriche – quadrati, cerchi, rettangoli – in colori invariabilmente tenui”. Maria Christiane Bandera, direttore di ricerca della Fondazione Robert Longy, ha descritto un oggetto “fatto di latta appositamente su richiesta di Morandi e che si trova spesso nelle sue opere – sotto forma di un imbuto rovesciato posto su un cilindro. Ha fatto uno studio completo delle tecniche di lavoro dell”artista, e sottolinea che Morandi si distaccava dalla funzionalità dei suoi oggetti messi in scena e passava molto tempo a sistemarli e adattarli l”uno all”altro.
Significativamente, quando si confrontano le composizioni dei soggetti nelle varie nature morte di Morandi dello stesso periodo, la fine degli anni Quaranta per esempio, Bandera ne scrive in termini di musica e architettura:
“Poi li univa come un tutt”uno, poi li girava, orchestrando la loro melodia con colori pieni di luce, raffinati, sofisticati. Ha selezionato oggetti dalle forme allungate – brocche, vasi, lampade, bottiglie. Il più delle volte bottiglie, le sue stesse bottiglie: bottiglie scure, tradizionali di Borgogna; bottiglie dal collo allungato che ricordano le guglie delle cattedrali gotiche, che si allungano verso l”alto, con macchie di luce che ne accentuano la struttura; bottiglie a spirale e scanalate; bottiglie a forma di piramide con una base triangolare; bottiglie “persiane” – piatte, con un collo corto. Ha selezionato i vasi come forme elementari di diverse altezze e proporzioni per aiutare a costruire una composizione…”.
Giorgio Morandi è un fenomeno completamente indipendente nell”arte del ventesimo secolo. L”influenza “metafisica” che sperimentò nella prima fase della sua opera non sarebbe stata di alcun interesse (quella disposizione stereotipata di figure “a manichino” nello spirito di G. Chirico in una tridimensionalità geometrica semplificata, e non direbbe nulla dell”artista a cui è associato il suo nome, se anche le sue prime opere non mostrassero il raffinato colorista che era nel periodo più espressivo della sua pittura. Quindi la gamma dell”artista, anche se apparentemente semplice, è estremamente complessa e costruita sulle sfumature più sottili; E le forme presenti nelle sue opere sono semplici, ma sufficientemente varie, dotate di carattere, e a volte intricatamente capricciose piuttosto che primitive – nel senso implicito di questo stile.
La chiave per comprendere la sua arte si trova nei dipinti del primo Rinascimento italiano, negli affreschi di Giotto, nelle nature morte di F. La chiave per capire la sua arte sta negli affreschi di Giotto e nelle nature morte di F. Surbaran o nei semplici schizzi di J.-B. S. Chardin. Il modo di vivere dell”artista, che ha preso le distanze dai problemi del mondo frenetico (non ha praticamente mai lasciato Bologna), parla del suo desiderio di vedere e mostrare la bellezza delle forme semplici, la capacità di trovarla costantemente in questa vita tranquilla, da camera, che appare dietro la monotonia immaginaria nella diversità, “intimità” degli stati d”animo dei suoi quadri.
Anche l”esperienza di Morandi nella grafica da cavalletto è interessante. Le sue acqueforti sono caratterizzate da una gamma tonale morbida vicina a quella dei suoi dipinti; infatti, qui risolve gli stessi problemi della pittura a olio, ma lo fa con mezzi tecnici completamente diversi, il risultato è l”unità dell”immagine. I soggetti delle nature morte di G. Morandi si intrecciano con prosaici oggetti domestici, come caffettiere, barattoli e bottiglie… Il pittore ha trovato un proprio approccio per risolvere i suoi più interessanti problemi compositivi, artistici e plastici. Raggiunge la trasmissione delle relazioni spaziali, della luce e dell”ombra con l”aiuto di tratti incrociati, che si incrociano o passano da un oggetto all”altro senza contorni. I soggetti passano dolcemente nello sfondo, non c”è contorno, non ci sono confini netti. Il pittore raggiunge un”alta armonia e una grande integrità nella stampa.
Le sue opere hanno ricevuto il premio per la pittura alla Biennale di Venezia (1948), il gran premio per una serie di acqueforti alla Biennale di San Paolo (1953) e il gran premio per la pittura alla Biennale di San Paolo (1957). Nel 1962, dopo una mostra personale a Siegen, l”artista riceve il Premio Rubens e nel 1963 la medaglia d”oro Arquiginasio a nome della città di Bologna.
Le nature morte di Morandi appaiono in “La Dolce Vita” (1960) di Federico Fellini e “La notte” (1961) di Michelangelo Antonioni.
La prima mostra monografica di Giorgio Morandi in Unione Sovietica si è tenuta dal 18 maggio al 10 luglio 1973 a Mosca, nel Museo di Belle Arti Pushkin. Comprendeva 24 dipinti (inclusi due della collezione dell”Ermitage di Stato), 13 acquerelli e disegni, e 50 incisioni.
Nel 1989, Leningrado e Mosca ospitarono una grande mostra retrospettiva sul 100° anniversario di Morandi come parte di un ampio tour internazionale intitolato Progetto Morandi Europa. Sette mostre in sette musei”. Il progetto iniziò nel novembre 1988 a Tampere (Finlandia) poi la mostra fu esposta a Leningrado dal 21 gennaio al 19 febbraio 1989 nelle sale della Galleria Nadvornaya del Palazzo d”Inverno dove furono esposti 58 dipinti, 25 acquerelli, 25 disegni a matita e 22 incisioni. A Mosca, la mostra è stata ospitata dall”Unione degli Artisti dell”URSS e a causa di difficoltà organizzative, la mostra, che si è tenuta a marzo nelle sale della Casa Centrale degli Artisti, è stata accorciata della metà. La mostra ha poi viaggiato a Londra, Locarno e Tubinga; secondo l”organizzatrice di questo tour, Marilena Pasquali, si è conclusa a Düsseldorf nel marzo 1990.
La terza mostra nazionale di Morandi si è svolta a Mosca, nelle sale del Museo di Belle Arti Pushkin, dal 25 aprile al 10 settembre 2017. La mostra comprendeva 46 dipinti, 7 acquerelli, 23 acqueforti e 8 tavole da incisione. Un catalogo dettagliato, pubblicato in russo e in italiano in una traduzione parallela, è stato un”aggiunta essenziale alle opere in mostra.
Fonti
