Giorgione

gigatos | Febbraio 19, 2022

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Riassunto

Giorgio Barbarelli o Zorzi da Vedelago o da Castelfranco, conosciuto come Giorgione (Vedelago o Castelfranco Veneto 1477 – Venezia 1510) fu il primo grande pittore veneziano del Cinquecento e dell”Alto Rinascimento.

Ha vissuto solo 32 anni. Tuttavia, fu uno dei pittori più famosi di Venezia durante la sua vita. La maggior parte dei suoi dipinti furono commissionati dai primi collezionisti, e il background intellettuale di queste personalità colte, che oggi non è molto conosciuto, rende questi dipinti piuttosto misteriosi.

Nonostante la grande popolarità dell”artista durante la sua vita, è una delle figure più enigmatiche della storia della pittura. Non firmò nessuna opera (eccetto la sua Laura) e la ricostruzione del suo catalogo, così come la determinazione dei significati iconografici di molte di esse, è oggetto di molti dibattiti e controversie tra gli studiosi. Fu attivo sulla scena pittorica veneziana per poco più di dieci anni, segnandola con un”apparizione improvvisa ma folgorante, che nella storiografia artistica ha poi assunto proporzioni leggendarie. Anche limitando il più possibile il suo catalogo e minimizzando i commenti iperbolici che seguirono la sua morte, è certo che la sua attività segnò certamente una svolta nella pittura veneziana, dandole un orientamento decisivo verso la “maniera moderna”.

Giorgione innovò nella sua pratica di pittore, che gli permise di far evolvere i suoi quadri durante la loro creazione, rendendo il disegno meno restrittivo. Questa pratica si diffuse rapidamente a tutti i pittori veneziani e ben oltre, aprendo la creazione a una maggiore spontaneità e ricerca nella pittura.

Il suo cognome è sconosciuto: Giorgio, in veneziano Zorzo o Zorzi, da Castelfranco Veneto, suo luogo di nascita. La casa dove nacque è stata trasformata in un museo, dove una delle poche opere a lui attribuite con certezza è il Fregio delle Arti Liberali e Meccaniche. Si dice che il soprannome Giorgione (Giorgione o Zorzon significa Grande Giorgio) gli fu dato da Giorgio Vasari “per il suo fascino e la grandezza d”animo”, ma il soprannome era in realtà probabilmente legato alla sua statura fisica o altezza. È sempre rimasto un artista sfuggente e misterioso, tanto da apparire a Gabriele D”Annunzio “più simile a un mito che a un uomo”.

Le opere a lui attribuite sono raramente attribuite con un consenso generale e il catalogo ragionato redatto nel 1996 da Jaynie Anderson si limita a 24 dipinti a olio su legno o su tela e due disegni, uno a inchiostro marrone e lava, l”altro a sanguigna.

Origini

Della sua vita si sa molto poco; solo alcuni fatti sono noti da iscrizioni su dipinti o da alcuni documenti contemporanei. Inoltre, Giorgione non firmava le sue opere. Le prime informazioni sulle origini del pittore provengono da fonti cinquecentesche, che indicano all”unanimità che proveniva da Castelfranco Veneto, cinquanta chilometri a nord-ovest di Venezia. Enrico Maria dal Pozzolo riferisce che in alcuni documenti dell”archivio storico del comune della città, si fa menzione di un certo Zorzi, nato nel 1477 o 1478, che nel 1500 chiese al comune di esentarlo dal pagamento delle tasse perché non viveva più nel paese. Questo Zorzi, figlio del notaio Giovanni Barbarella e di un certo Altadonna, è stato identificato come Giorgione. Le sue date di nascita e di morte sono state date da Giorgio Vasari nelle Vite dei migliori pittori, scultori e architetti. La data di nascita, corretta nella seconda edizione delle Vite, sarebbe il 1478; questa data è coerente con l”attività artistica di Giorgione alla fine del XV secolo.

Secondo gli storici, Giorgione era di estrazione molto umile. Secondo il professore di architettura dell”Università di Roma “La Sapienza” Enrico Guidoni, Giorgione era figlio del maestro Segurano Cigna.

Giorgio da Castelfranco, spesso indicato nel dialetto veneziano come “Zorzo” o “Zorzi”, è menzionato come Giorgione pochi anni dopo la sua morte, l”accrescitivo era un modo per accentuare la sua alta statura morale e fisica, e da allora è stato usato come il nome più comune con cui identificarlo.

Apprendistato e inizi

Non ci sono documenti che ci permettono di risalire alla prima giovinezza di Giorgione. Nessuno sa esattamente quando lasciò Castelfranco, né tantomeno a che punto della sua formazione. Quello che si sa è che arrivò giovanissimo a Venezia, prendendo dimora nello studio di Giovanni Bellini, dal quale ereditò il gusto per il colore e l”attenzione al paesaggio. Carlo Ridolfi racconta che alla fine del suo apprendistato tornò nella sua città natale, dove si formò nella tecnica dell”affresco con alcuni artisti locali, e che sfruttò questa abilità in laguna, dedicandosi alla decorazione di facciate e interni di palazzi, a partire dalla propria residenza in Campo San Silvestro. A conferma di quanto scritto dal Ridolfi nel 1648, gli storici del XVI e XVII secolo hanno elencato un gran numero di affreschi da lui dipinti, oggi tutti perduti ad eccezione del Nudo, salvato nel 1938, sulla facciata del Fontego dei Tedeschi ma ormai quasi completamente distrutto.

Tra la fine del XV e l”inizio del XVI secolo, apparve a Venezia tra i molti “stranieri” che trovavano facilmente impiego in città in campo pittorico. Mauro Lucco afferma che i pittori veneziani raggiungono la maturità e diventano autonomi all”età di 18 anni, così che intorno al 1495 o 96 avrebbe prodotto i suoi primi dipinti in modo indipendente.

I suoi primi tentativi, come i dipinti nella Galleria degli Uffizi o La Vergine e il Bambino in un paesaggio nel Museo dell”Ermitage, mostrano un buon grado di assimilazione di espressioni diverse. Sembra ad Alessandro Ballarin, viste le opere che considera le prime dell”artista, che fosse a conoscenza della pittura protoclassica del Perugino, delle xilografie e delle incisioni su rame di Albrecht Dürer, di Jerome Bosch, di Lorenzo Costa, degli artisti lombardi e dei pittori e incisori nordici, che erano tutti a Venezia nel 1494-96. La visita di Leonardo da Vinci nei primi mesi del 1500 sarebbe stata altrettanto importante. Perugino era a Venezia nel 1494 per una commissione che non eseguì mai, ma colse l”occasione per dipingere un ciclo narrativo per la Scuola di San Giovanni Evangelista, forse nel 1496, ritratti e una tela perduta per il Palazzo Ducale. La Giuditta del Museo dell”Ermitage, una delle opere attribuibili alla sua mano e generalmente datata a questo periodo, combina rigide pieghe di drappeggio gotico e tiene una grande spada che sembra provenire dal repertorio del Perugino.

Opere sacre

Le opere con soggetti sacri sono principalmente dei suoi primi anni. La Sacra Famiglia di Benson, l”Adorazione dei pastori di Allendale, l”Adorazione dei Magi e la Lettura della Madonna col Bambino sono solitamente riferiti a questo periodo, mentre il frammento della Maddalena agli Uffizi ha avuto la sua attribuzione respinta. In queste opere ci sono differenze fondamentali con il principale pittore allora attivo a Venezia, Giovanni Bellini: mentre per Bellini tutto è intriso di sacro e la creazione appare come una manifestazione divina, per Giorgione tutto ha un aspetto profano, con la natura che sembra dotata di proprie norme interne innate, in cui i personaggi sono immersi in sentimenti reali e “terreni”.

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Maturazione

Le commissioni per i suoi quadri da cavalletto non provenivano né da enti religiosi né dalla Serenissima, ma piuttosto da una piccola cerchia di intellettuali legati a famiglie patrizie che preferivano ritratti e opere di piccola scala con soggetti mitologici o allegorici piuttosto che i soliti soggetti religiosi.

Ci sono però due eccezioni di commissioni “pubbliche”: un telero per la sala delle udienze di Palazzo Ducale, andato perduto, e la decorazione ad affresco della facciata del nuovo Fontego dei Tedeschi, che gli fu affidata dalla Signoria e completata nel dicembre 1508. La sua opera riempiva tutti gli spazi tra le finestre della facciata sul Canal Grande, dove Giorgione dipinse una serie di nudi che i contemporanei riportano come grandiosi e animati dall”uso del rosso sgargiante. Tutto ciò che rimane di loro oggi è il cosiddetto Nudo conservato nelle Gallerie dell”Accademia di Venezia.

È probabile che questa importante commissione sia stata affidata a Giorgione per la sua esperienza nel campo degli affreschi e che gli segnalasse anche la possibilità di succedere a Bellini come pittore ufficiale della Serenissima, cosa che in ogni caso non poté avvenire a causa della sua morte prematura durante la terribile peste che devastò Venezia nel 1510.

Secondo il Vasari, Giorgione, uomo cortese, amante della conversazione elegante e della musica (suonava madrigali sul suo liuto), frequentava a Venezia gli ambienti raffinati e colti ma piuttosto chiusi di Vendramin, Marcello, Venier e Contarini. È riconosciuto come un artista “impegnato” nell”ambiente dell”aristotelismo professato a Venezia e a Padova.

Il suo accesso ai mecenati più famosi potrebbe essere stato assicurato da un protettore come Pietro Bembo, o da veneziani molto ricchi come Taddeo Contarini o Gabriele Vendramin. Alla fine di ottobre del 1510, Isabella d”Este, la più ardente collezionista del nord Italia, scrisse al suo agente veneziano chiedendogli di acquistare una Natività di Giorgione, dopo la morte del pittore. Ma la sua ricerca non ebbe successo: il quadro, in due versioni, era stato commissionato da altri due collezionisti veneziani che non volevano separarsene. Giorgione aveva infatti inventato la pittura da cavalletto, progettata e prodotta per il piacere dei suoi patroni patrizi e la decorazione del loro studiolo. Questi nuovi oggetti erano talvolta protetti da un “coperchio” dipinto che veniva rimosso per essere contemplato in compagnia di amici selezionati.

La pala d”altare di Castelfranco

La pala di Castelfranco, una delle poche opere certe di Giorgione, risale al 1503 circa e fu commissionata dal condottiero Tuzio Costanzo per la cappella di famiglia nella cattedrale di Santa Maria Assunta e Liberale a Castelfranco Veneto.

Tuzio Costanzo, un capo messinese (“la prima lancia d”Italia” per il re Luigi XII di Francia), si era stabilito a Castelfranco nel 1475, dopo aver servito la regina Caterina Cornaro a Cipro, guadagnandosi il titolo di viceré. La pala di Castelfranco è un”opera di devozione privata che Tuzio volle prima per celebrare la sua famiglia e poi, nel 1500, per ricordare il figlio Matteo, anche lui condottiero, morto tragicamente a Ravenna durante la guerra per il controllo del Casentino, La lapide ai piedi della pala d”altare (originariamente posta sulla parete destra della cappella) è probabilmente opera di Giovan Giorgio Lascaris, detto Pirgotele, raffinato e misterioso scultore attivo a Venezia tra il XV e il XVI secolo. La scomparsa del figlio, come sembrano confermare le indagini radiografiche effettuate sulla pala, indusse probabilmente Tuzio a chiedere a Giorgione di modificare la struttura originale dell”opera, trasformando la base del trono in un sarcofago di porfido, sepoltura reale per eccellenza, in effigie dei Costanzo, e accentuando la tristezza della Vergine. La sacra conversazione è caratterizzata dal gruppo della Vergine con il Bambino Gesù isolato nel cielo per sottolineare la dimensione divina. Sullo sfondo, un paesaggio apparentemente dolce, ma segnato dalle inquietanti tracce della guerra (a destra, due minuscole figure sono armate, mentre a sinistra, un villaggio con torrette è in rovina): lo sfondo rimanda a un preciso momento storico, o ai travagliati decenni tra il XV e il XVI secolo.

Alla base, due santi introducono la scena: uno di loro è chiaramente identificabile come Francesco d”Assisi, rappresentato con i gesti con cui vengono solitamente mostrati i patroni (che però qui sono assenti). L”identificazione dell”altro santo è più complessa: è chiara l”iconografia che si riferisce ai santi guerrieri, come Giorgio di Lydda (omonimo del pittore e della cappella a lui intitolata), Liberale di Altino (titolare della cattedrale e patrono della diocesi di Treviso), San Nicolao (martire dell”Ordine dei Cavalieri di Gerusalemme, a cui apparteneva anche il committente Tuzio Costanzo), o Floriano di Lorch (venerato tra l”Austria e l”Alto Veneto). Entrambi i personaggi rivolgono il loro sguardo verso l”ipotetico osservatore, facendo il collegamento tra il mondo reale e il mondo divino.

La pala d”altare, ispirata da Bellini, segna il debutto indipendente di Giorgione al suo ritorno nella sua città natale dopo anni passati a Venezia nella bottega di Bellini. È eretto come una piramide molto alta, con la testa della Vergine in trono in cima e i due santi alla base, davanti a un parapetto; il San Francesco è ispirato alla Pala di San Giobbe di Giovanni Bellini.

Rispetto ai modelli lagunari, l”artista abbandona lo sfondo architettonico tradizionale, stabilendo una partizione originale: una metà inferiore con il terreno a scacchiera in prospettiva e un parapetto rosso liscio come sfondo, e una metà superiore blu cielo, con un paesaggio ampio e profondo, formato dalla campagna e dalle colline. La continuità è garantita dal perfetto uso della luce atmosferica, che unifica i diversi piani e figure, nonostante le differenze tra i vari materiali, dalla luminosità dell”armatura del santo guerriero alla morbidezza delle vesti della Vergine. Lo stile della pala è caratterizzato da una chiara tonalità, ottenuta dalla progressiva sovrapposizione degli strati colorati, che rendono il chiaroscuro morbido e avvolgente.

La Vergine indossa i tre colori simbolici delle virtù teologali: bianco per la fede, rosso per la carità e verde per la speranza.

Giorgione e Leonardo

Vasari fu il primo a sottolineare la relazione tra lo stile di Leonardo e la “maniera” di Giorgione. Secondo il Vasari, l”attenzione di Giorgione per i paesaggi fu influenzata dalle opere di Leonardo mentre visitava la laguna.

Il pittore toscano, fuggito a Venezia nel marzo 1500, è meglio conosciuto a livello locale attraverso il lavoro dei Leonardschi, come Andrea Solari, Giovanni Agostino da Lodi e Francesco Napoletano.

Leonardo da Vinci portò almeno un disegno a Venezia: il cartone per il ritratto di Isabella d”Este (ora al Louvre), ma ce ne furono senza dubbio altri, e forse in relazione con L”ultima cena, che aveva appena completato a Milano. Questo impatto è particolarmente visibile in L”educazione del giovane Marco Aurelio. Giorgione cercò di imitare lo “sfumato” del maestro e abbandonò la sua ricerca sull”effetto dei colori densi, vellutati e compatti. Invece, in questo dipinto, cerca di rendere la “sfocatura” atmosferica usando una texture molto leggera e fluida con una quantità molto piccola di pigmenti diluiti in molto olio.

In opere come Il ragazzo con la freccia, Le tre età dell”uomo o Ritratto di giovane uomo di Budapest, c”è un approfondimento psicologico e una maggiore sensibilità ai giochi di luce derivati da Leonardo.

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La “Maniera Moderna

Non è improbabile che Giorgione abbia frequentato la corte asolana di Caterina Cornaro, la regina detronizzata di Cipro, all”inizio del XVI secolo, che aveva raccolto intorno a sé una cerchia di intellettuali. Opere come il Doppio ritratto sono state collegate alle discussioni sull”amore ne Gli Asolani di Pietro Bembo, che Giorgione probabilmente incontrò ad Asolo e che, in quegli anni, pubblicò a Venezia il suo trattato platonico. Il Ritratto di un guerriero con il suo scudiero agli Uffizi sembra essere legato agli eventi di corte. Queste opere sono state cancellate o riassegnate più volte nel catalogo di Giorgione. Giorgione ha riflettuto a lungo sui temi dei suoi dipinti e li ha riempiti di significati biblici, storici e letterari. Giulio Carlo Argan sottolinea l”atteggiamento platonico del pittore, innestato nella cultura aristotelica della bottega padovana.

Nella nota lettera dell”agente di Isabella d”Este del 1510, risulta che il nobile Taddeo Contarini e il cittadino Vittorio Bechario possedevano opere del pittore e che non se ne sarebbero separati per nulla al mondo, essendo state commissionate e prodotte per soddisfare i loro gusti personali: le opere di Giorgione erano rare e ambite, e i clienti partecipavano alla scelta dei soggetti. Una lista delle opere di Giorgione, con i loro rispettivi proprietari a Padova e Venezia, si trova anche nella lista di Marcantonio Michiel, pubblicata tra il 1525 e il 1543.

Durante questi anni, Giorgione si dedicò a temi come il paragone, di cui esistono ancora opere dei suoi allievi ispirate ai suoi originali perduti, e al paesaggio. Anche se alcune opere sono di dubbia attribuzione, probabilmente ad artisti della sua cerchia, come i “Paesetti” (Museo Civico di Padova, National Gallery of Art e The Phillips Collection), rimangono soprattutto alcuni capolavori indiscussi come il Tramonto e la famosa Tempesta. Sono opere dal significato inafferrabile, in cui le figure si riducono a figure in un paesaggio arcadico, pieno di valori atmosferici e luminosi legati all”ora del giorno e alle condizioni atmosferiche. Queste opere mostrano influenze della nuova sensibilità della Scuola del Danubio, ma se ne discostano anche, dando un”interpretazione italiana meno agitata e più equilibrata. Il dipinto noto come i Tre Filosofi, anch”esso datato intorno al 1505, ha complessi significati allegorici che non sono ancora del tutto spiegati. La difficoltà di interpretazione è legata alle complesse richieste dei clienti ricchi e raffinati, che volevano opere misteriose e piene di simbolismo. Le figure sono costruite per colore e massa, non per linea; le linee contrastanti separano le figure dallo sfondo, creando un”impressione di ampiezza spaziale.

Solo nel 1506 fu trovato il primo e unico autografo datato di Giorgione: il ritratto di una giovane donna di nome Laura, conservato nel Museo di Storia dell”Arte di Vienna, che è stilisticamente vicino al ritratto di La Vieille.

La tempesta

La Tempesta, conosciuta anche come La Tempesta (1507 circa?) è un dipinto appartenente alle poesie, un genere sviluppato a Venezia a cavallo tra il XV e il XVI secolo.

È, per la prima volta nella storia della pittura occidentale, essenzialmente un paesaggio dove lo spazio riservato alle figure è secondario a quello riservato alla natura.

La figura che tiene un bastone a sinistra sembra rappresentare un pastore e non un soldato come Marcantonio Michiel aveva interpretato nel 1530 in casa di Gabriel Vendramin, il commissario. Questo pastore sarebbe più in linea con il movimento pastorale che ha segnato la poesia italiana dell”epoca. Il soggetto non corrisponderebbe quindi a un testo scritto ma combinerebbe fonti disparate in modo lirico. La sfida del poeta è allora quella di superare i suoi prototipi per la portata degli effetti poetici che la sua creazione genera. Ed è proprio questo che La Tempesta suscita in chi la guarda oggi.

Il dipinto sembra aver subito un lento processo di elaborazione, poiché la radiografia rivela un importante pentimento: la figura di una donna nuda con i piedi nell”acqua, nell”angolo in basso a sinistra, è stata cancellata. Con questa maturazione dell”idea sulla tela, Giorgione conferma la sua opposizione veneziana alle pratiche fiorentine, essendo Firenze abile nei disegni preparatori dell”opera.

Sulla destra, Giorgione ha dipinto una donna che allatta un bambino, e sulla sinistra, un uomo in piedi che li guarda. Non c”è dialogo tra loro. Sono entrambi separati da un piccolo ruscello e da rovine. Sullo sfondo, si vede una città sulla quale si sta abbattendo una tempesta. Un fulmine lampeggia nel cielo coperto.

Nessuno oggi può pretendere di avere il significato che questo quadro aveva per il pittore e la sua cerchia di amici; come per molte delle sue opere, Giorgione gli dà un significato che oggi ci è inaccessibile con certezza. Ma la ricerca, sempre più erudita, ci offre nuove letture, come quella di Jaynie Anderson, nel suo catalogo ragionato.

Il Fontego dei Tedeschi

Nella notte tra il 27 e il 28 gennaio 1505, l”edificio duecentesco del Fontego dei Tedeschi, sede commerciale dei tedeschi a Venezia, fu incendiato. Entro cinque mesi il Senato veneziano approvò un progetto per un edificio più grande e monumentale, che fu costruito intorno al 1508. Quell”anno, una disputa sul pagamento, una commissione speciale formata da Vittore Carpaccio, Lazzaro Bastiani e Vittore di Matteo avendo deciso di pagare a Giorgione 130 ducati e non 150 come concordato, confermò che entro questa data dovevano essere completati gli affreschi sulle pareti esterne, affidati a Giorgione e al suo giovane allievo Tiziano, che, secondo il Vasari, furono aiutati anche da Morto da Feltre, che in genere si limitò a fare “gli ornamenti dell”opera”. Ci si chiede come un pittore ancora poco conosciuto a Venezia e appena arrivato da Firenze (poi amico e compagno di Giorgione) sia entrato a far parte della squadra. Secondo Vasari, Morto fu colui che riuscì a ricreare lo stile delle grottesche. Per grottesco, Vasari intendeva sia le decorazioni contorte che le scene con paesaggi e figure idilliache della pittura romana antica, fatte di colori giustapposti, che potrebbero essere paragonate allo stile dell”impressionismo ottocentesco. Morto si dedicò a questo studio prima alla Domus aurea di Roma e poi a Tivoli e Napoli, e divenne famoso per il suo talento in questo campo. Infatti, è solo sottoterra (nelle “grotte”) che i colori e le forme degli affreschi romani sono sopravvissuti al passare del tempo e alle intemperie. Si può suggerire che la pittura veneziana sia la legittima erede dell”antica pittura romana. Il nuovo stile si diffuse anche a Venezia perché faceva rivivere la pittura antica, la scultura e l”architettura classica, che usavano materiali molto più resistenti della pittura ed erano già “rinati”. Anche Durer si lamentava di non essere abbastanza apprezzato dai veneziani per non dipingere nella “nuova moda”. Giorgione ebbe il privilegio di osservare da vicino Morto sulle impalcature del Fontego e capì il suo disegno innovativo senza doversi recare personalmente a Roma, e lo tenne vicino.

Vasari vide gli affreschi nel loro splendore e, anche senza poterne decifrare il significato, li lodò molto per le loro proporzioni e per il colore “vivissimo” che li faceva sembrare “disegnati sotto il segno di esseri viventi, e non per imitazione, qualunque sia la maniera”. Danneggiati dagli agenti atmosferici, dal clima umido e dalla laguna salmastra, furono infine rimossi nel XIX secolo e trasferiti in musei, la Ca” d”Oro e le Gallerie dell”Accademia di Venezia. Il Nudo di Giorgione si trova in quest”ultimo museo, dove, nonostante il suo cattivo stato di conservazione, è ancora possibile apprezzare lo studio della proporzione ideale, un tema molto in voga all”epoca, ispirato alla statuaria classica e trattato anche in pittura in quegli anni da Albrecht Dürer. La colorazione vivace è ancora percepibile, dando alla carne della figura il calore di un essere vivente.

Alcune delle migliori opere di Giorgione come colorista sono attribuite a questo periodo, come il Ritratto di un Uomo Terris.

La Venere dormiente

Intorno al 1508, Giorgione dipinse la Venere dormiente per Girolamo Marcello, un olio su tela che raffigura la dea che dorme rilassata su un prato, ignara della sua bellezza. È probabile che in questo quadro sia intervenuto Tiziano che, ancora giovane, avrebbe creato il paesaggio sullo sfondo e un amorino tra le gambe di Venere.

Durante un restauro nel 1800, il cupido è stato cancellato a causa delle sue cattive condizioni, ed è ora visibile solo ai raggi X. Secondo la sua testimonianza, Marcantonio Michiel, nel 1522, ebbe l”opportunità di vedere in casa di Girolamo Marcello, una Venere nuda con un putto che “fu fatta di mano di Zorzo di Castelfranco, ma la città e la Cupidina furono completate da Tiziano”.

Lo stesso tema (la rappresentazione di Venere) fu ripreso più volte da Tiziano: la posa della Venere di Urbino, datata 1538, mostra la più forte analogia con quella di Giorgione.

Ultimo stadio

L”ultima fase della produzione del pittore mostra opere sempre più enigmatiche, caratterizzate da un approccio sempre più libero, con colori e sfumature sgargianti. I dipinti successivi di Giorgione, tra cui il controverso Cristo che porta la croce, il Concerto, il Cantante appassionato e il Pifferaio magico, sono stati descritti dal grande storico dell”arte Roberto Longhi come un “tessuto misterioso” che fonde la carne dei protagonisti con gli oggetti della composizione.

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Morte

Giorgione morì a Venezia nell”autunno del 1510, durante un”epidemia di peste. Un documento ritrovato di recente, anche se non riporta la data precisa della morte, attesta il luogo: l”isola del Lazzaretto Nuovo, dove le persone colpite dal morbo, o considerate tali, venivano messe in quarantena e i beni contaminati depositati. Diverse fonti si riferiscono esplicitamente all”isola di Poveglia.

Secondo Vasari, Giorgione era stato contagiato dalla sua amante, che morì nel 1511, ma questo deve essere inesatto, poiché nel 1510 una lettera inviata alla marchesa di Mantova Isabella d”Este dal suo agente a Venezia, Taddeo Albano, menziona il pittore come appena scaduto; la marchesa voleva commissionargli un lavoro per il suo studiolo, ma dovette “ripiegare” su Lorenzo Costa.

Il suo carattere raffinato e poetico pone Giorgione nell”orbita del Cinquecento di Raffaello: oltre ad essere un pittore di genio, è anche un poeta, un musicista e un uomo di mondo, tratti essenziali dell”uomo del nuovo secolo. Tiziano ereditò i suoi quadri incompiuti, ma anche la posizione che la sua morte prematura lasciò vacante a Venezia.

Nelle parole di Vasari, la morte prematura di Giorgione fu in parte resa meno amara dal fatto di lasciarsi alle spalle due eccezionali “creazioni”, Tiziano e Sebastiano del Piombo. Il primo iniziò la sua collaborazione con Giorgione intorno all”epoca degli affreschi del Fondego dei Tedeschi, nel 1508 circa, e il suo stile iniziale era così vicino a quello del maestro che, dopo la sua morte, la rifinitura delle opere incompiute e l”esatto confine attributivo tra l”uno e l”altro rimangono tra le questioni più dibattute nell”arte veneziana del XVI secolo.

I due, che condividevano anche la stessa clientela elitaria, i soggetti, i temi, le pose e i tagli compositivi, si distinguono per una maggiore audacia nell”opera del giovane Tiziano, con livelli di colore più intensi e un contrasto più deciso tra luce e ombra. Nei ritratti, Tiziano si ispira al maestro, ma ingrandisce la scala delle figure e amplifica il senso di partecipazione vitale, in contrasto con la contemplazione sognante di Giorgione. Le attribuzioni contestate tra i due includono Il concerto di campagna al Louvre e L”uomo con un libro alla National Gallery of Art di Washington.

Sebastiano del Piombo completò anche alcune delle opere lasciate incompiute dal maestro, come I tre filosofi. Fra” Sebastiano prese in prestito le composizioni delle opere da Giorgione, ma fin dall”inizio si distinse per una più robusta plasticità, che poi si manifestò pienamente nelle sue opere mature, rimanendo sempre legato a un “modo di colorare molto morbido”. La Sacra Conversazione nelle Gallerie dell”Accademia di Venezia è una delle opere contestate tra i due.

A differenza di altri suoi colleghi, Giorgione non aveva un vero e proprio laboratorio dove poteva istruire gli apprendisti nelle parti più elementari della pittura. Questo può essere dovuto alla sua particolare clientela, che gli chiedeva principalmente opere di piccola scala e di alta qualità.

Nonostante ciò, il suo stile ebbe una risonanza immediata, che gli garantì una rapida diffusione nel Veneto, anche senza un gruppo di collaboratori diretti a lavorare con lui, come accadde per esempio con Raffaello. Un gruppo di pittori anonimi e alcuni pittori che più tardi ebbero una carriera folgorante aderirono al suo stile.

I “giorgioneschi” caratterizzano le loro opere con colori che ricreano effetti atmosferici e tonali, con iconografie derivate dalle sue opere, soprattutto quelle di piccole e medie dimensioni in collezioni private. Tra i temi giorgioneschi predominano il ritratto, individuale o di gruppo, con un profondo interesse psicologico, e il paesaggio, che, sebbene non sia ancora considerato degno di un genere indipendente, ha ormai acquisito un”importanza fondamentale, in armonia con le figure umane.

Lo stesso Giovanni Bellini, il più grande maestro attivo a Venezia in quel periodo, rielaborò gli stimoli di Giorgione nella sua ultima produzione. Tra i maestri più importanti che furono influenzati, soprattutto nella loro fase formativa, oltre a quelli già citati, ci sono Dosso Dossi, Giovanni Gerolamo Savoldo, Romanino, Giovanni Cariani, Le Pordenone e Pâris Bordone.

Le informazioni poco conosciute su Giorgione provengono dalle Nouvelles des Peintres scritte tra il 1525 e il 1543 da Marcantonio Michiel, ma non pubblicate fino al 1800, e dalle Vite del Vasari. Tra gli artisti veneziani, Michiel aveva una predilezione per Giorgione, così come Pietro l”Aretino, grande ammiratore del colorismo, lo lodava. Vasari, d”altra parte, era un appassionato sostenitore del ”primato del disegno” fiorentino, ma riconosceva Giorgione come un maestro tra i disegnatori della ”maniera moderna”, fornendo importanti, anche se contraddittorie, informazioni su di lui.

Giorgione è menzionato tra i più grandi pittori del suo tempo nel Dialogo sulla pittura di Paolo Pino (1548), nel tentativo di mediare tra la scuola toscana e quella veneziana. Baldassare Castiglione, nel Libro del Cortegiano, nomina Giorgione tra i pittori “più eccellenti” del suo tempo, insieme a Leonardo da Vinci, Michelangelo, Andrea Mantegna e Raffaello.

Nel XVII secolo, le opere di Giorgione furono riprodotte e imitate da Pietro della Vecchia, che spesso trasmise opere che poi andarono perse. Tra i grandi ammiratori della sua arte, spicca l”arciduca Leopoldo Guglielmo d”Asburgo, che arrivò a collezionare tredici delle sue opere, la maggior parte delle quali si trova oggi nel Museo di Storia dell”Arte di Vienna.

Nel Settecento, quando Anton Maria Zanetti riprodusse in incisione gli affreschi del Fontego dei Tedeschi, studiosi e scrittori preferirono il lato pastorale dell”arte del pittore, in linea con i temi arcadici dell”epoca. Aspetti di questo genere furono anche ulteriormente sviluppati nel XIX secolo, quando l”enfasi fu posta principalmente sul contenuto emotivo delle sue opere.

Giorgione innovò la pittura veneziana all”inizio del XVI secolo introducendo quattro nuovi aspetti: il soggetto profano, di piccole dimensioni, per privati e collezionisti; il chiaroscuro con la sua progressione infinitamente delicata e la sua tavolozza altamente evocativa; il nudo; i paesaggi dipinti per se stessi. Ha creato lo stile del nuovo secolo e ha avuto una forte influenza su Bellini.

Ha prodotto i primi quadri disegnati e realizzati per clienti privati, che erano anche i primi collezionisti di pittura contemporanea. La Tempesta è il primo quadro dell”arte occidentale in cui il paesaggio occupa un posto così grande rispetto allo spazio riservato alle figure. Introduce nuovi effetti con pittura opaca, ricca di pigmenti, e sciolta insensibilmente, come uno sfumato modulato nella materia e da macchie o pennellate su una preparazione scura. I disegni sottostanti, che appaiono nelle radiografie dei dipinti, sono talvolta sovrapposti l”uno all”altro o testimoniano una prima disposizione degli elementi del dipinto. Questi disegni non erano sistematicamente seguiti dalla colorazione, come avrebbero fatto i contemporanei del giovane Giorgione; al contrario, la pittura opaca gli permetteva di ricomporre il suo progetto iniziale, di seguire un”evoluzione più naturale del quadro, di disegnare mentre dipingeva.

Nell”Adorazione dei pastori (o Natività di Allendale) (1500 circa), introdusse diverse innovazioni. In primo luogo, il formato modesto corrisponde a un dipinto destinato alla devozione privata, mentre questo tema era tradizionalmente trattato sulle pale d”altare, o comunque in grandi formati a causa del loro utilizzo per grandi riunioni. In secondo luogo, sposta il soggetto principale a destra a favore dei pastori, che sembrano più persone per le quali la grazia e le maniere colte sono il comportamento naturale. Infine, e soprattutto, il paesaggio occupa uno spazio considerevole: è l”occasione per dare forma a tutto un filone letterario, bucolico, che va da Filenio Gallo (it), Giovanni Badoer (it) a Pizio da Montevarchi (it), e dal Sogno di Polifilo (1499) all”Arcadia di Jacopo Sannazaro (1502).

Nella pala di Castelfranco (1502 circa), la sua pittura segna un allontanamento dall”arte veneziana, con i santi curiosamente introversi e le modulazioni sensibili del colore come un velo che unifica il quadro. È anche l”ultima pittura a soggetto tradizionale che Giorgione produsse, dopo di che si dedicò a ritratti individualizzati e soggetti che erano raramente o mai trattati.Questi dipinti sono dipinti con piccole macchie di colore, o piuttosto sottili tocchi di vernice opaca, una tecnica che Giorgione introdusse nella pittura a olio. Questi hanno dato alle sue opere una luce modulata in superficie nel materiale colorato. Mentre prima la luce proveniva dallo sfondo della vernice, che era preparata in bianco, la sua preparazione è accuratamente levigata per permettere la deposizione di strati molto sottili, quasi trasparenti, di vernice nelle zone più luminose. Con questa pittura opaca, il ritocco poteva non solo permettere di effettuare delle modifiche molto importanti durante la realizzazione, ma anche di portare la luce con colori chiari, facendo apparire le figure del fondo scuro, come sostenuto da Léonard de Vinci.

Giorgione ha un nuovo approccio alla natura, il paesaggio e le figure sono coerenti. Così, ne I tre filosofi, non c”è rottura di scala tra gli archi della roccia, gli uomini o le piante: l”atmosfera li avvolge allo stesso modo. Allo stesso modo, i nudi non erano rari all”epoca, ma quello di Venere è insolito: il suo sonno pacifico separa completamente la dea dal mondo dello spettatore, e la timidezza che poi si trova nella Venere di Urbino di Tiziano è assente.

Attribuzioni di opere di Giorgione ha iniziato poco dopo la sua morte, quando alcuni dei suoi dipinti sono stati completati da altri artisti. La sua notevole reputazione ha anche portato alle prime accuse di cattiva attribuzione. La documentazione dei dipinti di questo periodo si riferisce principalmente alle grandi commissioni per la Chiesa o il governo; i piccoli pannelli domestici, che costituiscono la maggior parte del lavoro di Giorgione, sono ancora molto meno probabili da registrare. Altri artisti continuarono a lavorare nel suo stile per alcuni anni, e probabilmente verso la metà del secolo furono prodotte opere deliberatamente ingannevoli.

La principale documentazione per le attribuzioni riguardanti Giorgione proviene dal collezionista veneziano Marcantonio Michiel. In note risalenti al 1525-1543, identifica dodici dipinti e un disegno dell”artista, di cui solo cinque dei dipinti sono quasi unanimemente identificati dagli storici dell”arte: La tempesta, I tre filosofi, Venere dormiente, Ragazzo con la freccia e Il pastore con il flauto (non tutti accettano che quest”ultimo sia di Giorgione). Michiel descrive i Filosofi come completati da Sebastiano del Piombo, e la Venere da Tiziano (è ormai generalmente accettato che abbia dipinto il paesaggio). Alcuni storici dell”arte recenti implicano anche Tiziano ne I tre filosofi. La Tempesta è quindi l”unica opera del gruppo universalmente accettata come interamente di Giorgione. Anche se menzionata per la prima volta nel 1648, la pala di Castelfranco è stata raramente, se non mai, messa in discussione, così come i frammenti di affresco distrutti dal magazzino tedesco. La Laura di Vienna è l”unica opera con il suo nome e la data (1506) sul retro e non necessariamente di sua mano, ma sembra appartenere al periodo. Anche la prima coppia di dipinti degli Uffizi è generalmente accettata.

Dopo, le cose si complicano, come testimonia Vasari. Nella prima edizione delle Vite (nella seconda edizione completata nel 1568) attribuisce la paternità a Giorgione nella sua biografia, stampata nel 1565, e a Tiziano nella sua, stampata nel 1567. Aveva visitato Venezia tra queste due date e potrebbe aver ottenuto informazioni diverse. L”incertezza nel distinguere tra il dipinto di Giorgione e quello del giovane Tiziano è più evidente nel caso del Concerto di campagna (o Festa di campagna) del Louvre, descritto nel 2003 come “forse l”attribuzione più controversa di tutta l”arte rinascimentale italiana”, un problema che riguarda molti dipinti degli ultimi anni del pittore.

Il Concerto in campagna è uno di un piccolo gruppo di dipinti, tra cui la Madonna col Bambino e Sant”Antonio e San Rocco nel Museo del Prado, che sono molto simili nello stile e, secondo Charles Hope, sono stati “sempre più attribuiti a Tiziano, non tanto per una somiglianza molto convincente con le sue indiscusse opere giovanili – che sicuramente sarebbe stato notato prima – ma perché sembrava un candidato meno improbabile di Giorgione. Ma nessuno è stato in grado di creare una cronologia coerente delle prime opere di Tiziano che le includa in modo da ottenere un sostegno generale e corrispondere ai fatti noti della sua carriera. Una proposta alternativa è quella di attribuire il Concerto in campagna e altri dipinti simili a un terzo artista, l”oscurissimo Domenico Mancini. Mentre Joseph Archer Crowe e Giovanni Battista Cavalcaselle consideravano il Concerto di Palazzo Pitti come il capolavoro di Giorgione ma de-attribuivano il Concerto del Louvre, Lermolieff ripristinò il Concerto di Campagna e sostenne invece che il Concerto di Pitti era di Tiziano.

Il Concerto e il Concerto in campagna differiscono in ogni modo, ma hanno in comune due musicisti che si guardano con un”intimità tenera e struggente. Questo sguardo è uno dei dispositivi preferiti di Tiziano e si trova in quasi tutte le sue composizioni, sia religiose che profane. Per lui, è un modo di dare coesione a un dipinto; al contrario, le opere riconosciute di Giorgione evitano questo legame tra le figure. Le donne nel Concerto in campagna sono molto simili a quelle di Giorgione, ma il paesaggio e la pennellata sono più vicini a Tiziano. Linda Murray suggerisce che il lavoro potrebbe essere stato iniziato da Giorgione prima della sua morte e completato da Tiziano.

Anche Giulio Campagnola, noto come l”incisore che tradusse lo stile giorgionesco nelle stampe dei vecchi maestri, ma nessuno dei cui dipinti è identificato con certezza, è talvolta considerato.

In un periodo precedente nella breve carriera di Giorgione, un gruppo di dipinti è talvolta descritto come il ”Gruppo Allendale”, basato sulla Natività Allendale (o più correttamente, l”Adorazione dei Pastori Allendale) nella National Gallery of Art di Washington. Questo gruppo comprende un altro dipinto di Washington, la Sacra Famiglia, e un pannello di predella con l”Adorazione dei Magi nella National Gallery. Questo gruppo, ora spesso ampliato per includere una molto simile Adorazione dei pastori a Vienna, è di solito incluso (sempre più) o escluso dal lavoro di Giorgione. Ironicamente, la Natività di Allendale causò una spaccatura nel 1930 tra Joseph Duveen, che la vendette a Samuel Henry Kress come di Giorgione, e il suo esperto Bernard Berenson, che insisteva sul fatto che fosse un primo Tiziano. Berenson aveva contribuito a ridurre il catalogo di Giorgione, riconoscendo meno di venti dipinti.

Le cose sono ulteriormente complicate dal fatto che nessun disegno può essere identificato con certezza come quello di Giorgione (anche se uno a Rotterdam è ampiamente accettato), e un certo numero di aspetti degli argomenti per definire il tardo stile di Giorgione richiedono disegni.

Anche se era molto apprezzato da tutti gli scrittori contemporanei e rimase un grande nome in Italia, Giorgione divenne meno noto al mondo e molti dei suoi (probabili) dipinti furono attribuiti ad altri. La Giuditta dell”Hermitage, per esempio, è stata a lungo considerata un Raffaello, e la Venere di Dresda un Tiziano.

Alla fine del XIX secolo, iniziò un grande revival di Giorgione, e la moda si invertì. Nonostante più di un secolo di dispute, la controversia rimane attiva. Molti dei dipinti attribuiti a Giorgione un secolo fa, soprattutto i ritratti, sono ora fermamente esclusi dal suo catalogo, ma il dibattito è, a dir poco, più acceso oggi di quanto non fosse allora. Le battaglie si combattono su due fronti: dipinti con figure e paesaggi e ritratti. Secondo David Rosand nel 1997, “la situazione è stata gettata in una nuova confusione critica dalla revisione radicale del corpus di Alessandro Ballarin. [catalogo della mostra di Parigi, 1993, in aumento] … così come Mauro Lucco … . Le recenti grandi mostre a Vienna e Venezia nel 2004 e a Washington nel 2006 hanno dato agli storici dell”arte nuove opportunità di vedere le opere contestate fianco a fianco.

Eppure la situazione rimane confusa; nel 2012 Charles Hope ha denunciato: “In effetti, ci sono solo tre dipinti conosciuti oggi per i quali c”è una chiara e credibile prova iniziale che sono suoi. Nonostante questo, oggi gli vengono generalmente attribuiti dai venti ai quaranta dipinti. Ma la maggior parte di loro … non assomiglia ai tre appena menzionati. Alcuni potrebbero essere di Giorgione, ma nella maggior parte dei casi non c”è modo di dirlo”.

Le attribuzioni a Giorgione dipendono da quattro criteri:

Il ritratto di Berlino e il Pastore con il flauto, considerato un originale gravemente danneggiato, sono entrambi accettati a causa del trattamento sensibile e delicato ritenuto il marchio dell”artista. La Giuditta è anche oggi generalmente accettata a causa della tavolozza sorprendentemente sgargiante, il sensibile distacco e la deliberata assenza degli aspetti più spettacolari del soggetto. L”Adultera, con i suoi atteggiamenti energici visti da un”angolazione troppo insolita per corrispondere al mistero e alla moderazione tipici delle altre opere di Giorgione, ha una tavolozza, anche se sorprendentemente, che è un po” troppo vivida, e porta alla mente un discepolo audace piuttosto che il maestro.

Negli Stati Uniti

In occasione del 500° anniversario della morte di Giorgione, si è tenuta una mostra eccezionale al Museo Casa Giorgione di Castelfranco Veneto dal 12 dicembre 2009 all”11 aprile 2010, anniversario della sua morte. Quarantasei musei di tutto il mondo hanno prestato opere per la mostra, tra cui 16 attribuite a lui: il Louvre, la National Gallery di Londra, il Museo dell”Hermitage di San Pietroburgo, il Museo degli Uffizi di Firenze e le Gallerie dell”Accademia di Venezia, che includevano La Tempesta. La mostra comprende anche opere di pittori noti a Giorgione: Giovanni Bellini, Albrecht Dürer, Tiziano, Raffaello, Lorenzo Costa, Cima da Conegliano, Palma il Vecchio, Perugino, ecc.

Fonti