Giotto
gigatos | Marzo 26, 2022
Riassunto
Giotto di Bondone o Ambrogiotto di Bondone, noto come Giotto, nato nel 1266 o 1267 a Vespignano o Romignano e morto l”8 gennaio 1337 a Firenze, è stato un pittore, scultore e architetto fiorentino del periodo del Trecento, le cui opere furono all”origine del revival della pittura occidentale. Fu l”influenza della sua pittura a provocare il vasto movimento generale del Rinascimento del secolo seguente.
Giotto fece parte del movimento artistico pre-rinascimentale, di cui fu uno dei maestri, che emerse in Italia all”inizio del XIV secolo. Alla fine del Medioevo, Giotto fu il primo artista il cui pensiero e la cui nuova visione del mondo contribuirono a costruire questo movimento, l”umanesimo, che poneva l”uomo al centro dell”universo e lo rendeva padrone del proprio destino.
Gli affreschi di Giotto a Firenze (Basilica di Santa Croce), Assisi (Basilica di San Francesco d”Assisi) e Padova (Cappella degli Scrovegni nella Chiesa dell”Arena a Padova) sono tra i vertici dell”arte cristiana.
La sua influenza sulle generazioni di artisti che lo seguirono fu immensa, tanto che alcune scuole di pittura il cui lavoro era segnato da quello del maestro toscano sono state definite scuole “giottesche”. Pittori come quelli della scuola riminese (Giovanni Baronzio, Neri da Rimini, Pietro da Rimini) sono tra i suoi eredi dopo il passaggio di Giotto, difficilmente databile (probabilmente tra il 1303 e il 1309), nella loro città, dove, tra i suoi soggiorni a Padova e Assisi, venne a dipingere un ciclo di affreschi (oggi perduto) per la chiesa di San Francesco.
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Giovani
Secondo la maggior parte degli storici, Giotto nacque nel 1267, a Colle di Vespignano (o Romignano), un villaggio vicino a Vicchio di Mugello, a nord-est di Firenze, in Toscana. Questa deduzione si basa sul verso di Pucci dalla Cronaca di Giovanni Villani e sembra abbastanza affidabile, anche se la data potrebbe essere sbagliata di un anno o due. Una minoranza di storici colloca la sua data di nascita nel 1276, secondo la cronologia proposta da Vasari nella biografia dedicata all”artista nelle Vite. La data indicata da Vasari non sarebbe affidabile se si accetta che Giotto doveva avere almeno vent”anni intorno al 1290, quando dipinse le sue prime opere.
Nacque in una famiglia di piccoli proprietari terrieri (Bondone era suo padre), una famiglia che, come molte altre, solo più tardi si trasferì a Firenze. Secondo la tradizione, finora non documentata, la famiglia affidò il figlio alla bottega di Cimabue.
Secondo la leggenda, raccolta da Lorenzo Ghiberti e Giorgio Vasari, “Giotto, da bambino, iniziò a badare alle capre di suo padre Bondone, e il pittore Cimabue, sorpreso dal suo genio precoce, prese il giovane pastore, di circa 12 anni, nel suo studio”. Una targa commemorativa può essere vista vicino al ponte dove questo ipotetico incontro ha avuto luogo.
I primi anni del pittore sono stati oggetto di credenze quasi leggendarie fin dalla sua vita. Giorgio Vasari racconta anche come Giotto riuscì a disegnare una circonferenza perfetta senza bisogno di un compasso, la famosa “O” di Giotto. Altrettanto leggendario è l”episodio di uno scherzo che Giotto fece a Cimabue mentre dipingeva una mosca su una tavola: era così realistico che Cimabue, tornando a lavorare sulla tavola, cercò di scacciarla:
“Si dice che Giotto, in gioventù, abbia dipinto una volta una mosca sul naso di una figura iniziata da Cimabue in modo così impressionante che questo maestro, tornando al suo lavoro, cercò più volte di scacciarla con la mano prima di rendersi conto del suo errore.
– Giorgio Vasari, Il Veloce
Altri testi più recenti affermano che Giotto e Cimabue si incontrarono a Firenze. In ogni caso, fu Cimabue a formare il giovane promettente.
Giotto sposò Ciuta (Ricevuta) di Lapo del Pela intorno al 1287. La coppia ebbe quattro figlie e quattro figli, il maggiore dei quali, Francesco, divenne egli stesso un pittore. Nel 1311 fu iscritto alla compagnia dei pittori di Firenze ed ebbe come allievi Taddeo Gaddi, Bernardo Daddi, Puccio Capanna e Ottaviano da Faenza. Giotto fece in modo che un altro dei suoi figli, anch”egli di nome Francesco, diventasse priore della chiesa di San Martino a Vespignano, nonché suo procuratore nel Mugello, dove ampliò le proprietà terriere della famiglia. Sposò poi tre delle sue figlie con uomini nelle vicinanze del colle del Mugello, segno inequivocabile della sua forte “Mugellanitie” e del profondo legame che il pittore mantenne per tutta la vita con la sua terra natale. Studi recenti indicano il frammento della Madonna conservato nella Pieve di Borgo San Lorenzo in Mugello, databile intorno al 1290, come una delle sue prime opere. Giotto viene nominato ufficialmente per la prima volta in un documento del 1309, in cui si registra che Palmerino di Guido restituì ad Assisi un prestito a suo nome come pittore.
Giotto aprì una bottega dove era circondato da studenti; si occupava principalmente della progettazione delle opere e dell”allestimento delle composizioni più importanti, lasciando quelle secondarie agli assistenti.
Giotto andò oltre la smaterializzazione dell”immagine, l”astrattismo tipico dell”arte bizantina, e si riappropriò magistralmente della realtà naturale, di cui era un grande narratore, capace di organizzare le scene con realismo e di creare gruppi di personaggi che interagivano tra loro, inseriti in uno spazio di cui aveva grande padronanza, aprendosi alla terza dimensione, cioè alla profondità. Nella sua tecnica, segna una rottura con l”arte gotica italiana del Duecento. Infuse un certo naturalismo nella pittura, abbandonando la sua concezione ieratica, cioè con la rappresentazione simbolica dei personaggi in una concezione piuttosto fissa della statura. Questo naturalismo si riflette nel fatto che le figure sono sempre caratterizzate da una notevole espressività di sentimenti e stati d”animo, in una rappresentazione della figura umana resa con plasticità, con un solido accento scultoreo. Giotto conduce un”indagine approfondita dell”emozione umana, sempre resa con vivido realismo.
Rappresenta scene in cui l”enfasi è sulla comunicazione tra i personaggi. La prospettiva ha un punto di fuga, anche se lo spazio rappresentato è talvolta ambiguo a causa del posizionamento delle figure che nascondono le linee di fuga. Pur lasciando da parte la delicata rappresentazione francese delle figure per sottolineare la loro solidità, egli attinge ancora al repertorio di motivi gotici come i quadrifogli.
I suoi dipinti sono di ispirazione religiosa: numerose pale d”altare, grandi spazi affrescati a Padova (scene della Bibbia nella cappella dell”Annunziata o degli Scrovegni) e ad Assisi (chiesa inferiore della basilica e, soprattutto, scene della vita di Francesco d”Assisi nella chiesa superiore della stessa basilica di San Francesco, affreschi nel Palazzo della Ragione a Padova, distrutto nel 1420).
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Madone de San Giorgio alla Costa
Secondo alcuni studiosi, la prima tavola dipinta da Giotto da solo è la Madonna di San Giorgio alla Costa (a Firenze, ora nel Museo Diocesano di Arte Sacra), che potrebbe essere precedente agli affreschi di Assisi. Per altri, invece, sarebbe un”opera posteriore al cantiere di Assisi e anche al Crocifisso di Santa Maria Novella.
Quest”opera mostra una solida resa del volume delle figure i cui atteggiamenti sono più naturali che in passato. Il trono è posto in una prospettiva centrale, quasi a formare una “nicchia” architettonica, suggerendo un”impressione di profondità.
La novità del linguaggio di questa tavola, relativamente piccola e accorciata su tutti i suoi margini, si comprende meglio dal confronto con gli esempi fiorentini di maestà che l”hanno immediatamente preceduta, come quelli di Coppo di Marcovaldo e Cimabue.
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Affreschi nella Basilica Superiore di San Francesco d”Assisi
La Basilica di San Francesco d”Assisi, sede dell”Ordine e luogo di sepoltura del suo fondatore, fu completata nel 1253. L”inizio preciso della decorazione ad affresco delle pareti interne rimane un mistero a causa della distruzione degli antichi archivi nel XIX secolo; è ragionevole supporre che risalga a poco dopo la metà del XIII secolo per la basilica inferiore, e agli anni 1288-1292 per la basilica superiore.
Le pareti della chiesa superiore della Basilica di San Francesco d”Assisi (a navata unica, con abside e vetrate) sono coperte da affreschi allegorici di Giotto sul tema della vita del santo, e furono dipinti nell”ultimo decennio del XIII secolo.
Si trovano accanto alle opere di Simone Martini (c. 1280-1344), gli Episodi della vita e della passione di Cristo, e Ambrogio Lorenzetti (c. 1290-1348), La Madonna e i Santi e le Stigmate.
Se Giotto sia stato coinvolto o meno nella decorazione ad affresco della basilica superiore è oggetto di dibattito. Molti storici ritengono certo l”intervento di Giotto, dalle Storie di Isacco a quasi tutto il ciclo della Vita di San Francesco. Luciano Bellosi (1985), Miklós Boskovits (2000), Angelo Tartuferi (2004) e Serena Romano (2008) si sono espressi favorevolmente in questo senso. Altri storici pensano che l”intervento di un pittore della scuola romana, come Pietro Cavallini, sia molto più probabile. Richard Offner (1939), Millard Meiss (1960), Alastair Smart (1971), Federico Zeri (1997) e Bruno Zanardi (1997) si sono espressi in questo senso.
Secondo la prima linea di pensiero, Giotto avrebbe coordinato, in un periodo di circa due anni, tra il 1290 e il 1292, diversi artisti che avrebbero lasciato impronte diverse sul ciclo, anche se concepito sotto una visione unitaria. Giotto si sarebbe allontanato dal sito di Assisi prima di dipingere la prima e le ultime tre scene del ciclo (le ultime quattro ad essere dipinte), che sarebbero attribuibili al Maestro della Santa Cecilia.
Secondo la seconda ipotesi, l”arrivo di Giotto sarebbe databile intorno al 1297, quando furono completati parte degli affreschi della cappella di San Nicola nella basilica inferiore, con l”Annunciazione sulla parete d”ingresso e le due scene dei Miracoli post mortem di San Francesco e la Morte e resurrezione del bambino della Suessa, che avrebbero evidenti affinità tecniche ed esecutive con la cappella degli Scrovegni e si differenzierebbero dal ciclo francescano.
Questi affreschi, che inaugurarono un nuovo e vivace modo di dipingere, basato sull”osservazione della natura e sulla precisione espressiva degli atteggiamenti e dei tratti, devono aver suscitato l”entusiasmo dei contemporanei. Era la prima volta che si rompeva così apertamente la tradizione bizantina, con i temi convenzionali eternamente riprodotti secondo le stesse regole, per ispirarsi alle storie popolari e ai costumi dell”epoca.
I primi affreschi della chiesa superiore furono dipinti nel transetto da Maestro Oltremontano e poi dalla bottega di Cimabue, dove probabilmente era presente il giovane Giotto (1288-1292). L”intervento diretto di Giotto è stato enfaticamente riconosciuto da molti storici in due scene nella parte superiore della navata destra con le Storie di Isacco: la Benedizione di Isacco a Giacobbe e la Ripulsa di Isacco da Esaù, che si trovano nella terza campata a livello della finestra. Il pittore di queste due scene ha una particolare predisposizione alla resa volumetrica dei corpi attraverso chiaroscuri accentuati, ed è riuscito a collocare le proprie scene in un ambiente architettonico fittizio, disegnato secondo una prospettiva e uno scorcio laterale. Anche la tecnica utilizzata è diversa con, per la prima volta, l”uso della “luce del giorno” messa in pratica.
Secondo la teoria che Giotto fu l”autore di questi affreschi, egli affrescò la parte inferiore della navata con le ventotto Storie di San Francesco, che segnarono una svolta nella pittura occidentale. Il ciclo francescano illustra fedelmente il testo della Leggenda compilato da San Bonaventura e dichiarato da lui stesso l”unico testo ufficiale di riferimento della biografia francescana. Sotto ogni scena c”è una didascalia descrittiva presa dai vari capitoli della Leggenda che sono illustrati.
Questo ciclo è considerato da molti come l”inizio della modernità e della pittura latina. La tradizione iconografica sacra era infatti basata sulla tradizione pittorica bizantina e quindi su un repertorio iconografico codificato nel corso dei secoli; il soggetto contemporaneo (un santo moderno) e un repertorio di episodi straordinari (per esempio, nessuno aveva mai ricevuto le stimmate prima di San Francesco) obbligarono il pittore a creare nuovi modelli e figure negli affreschi, solo parzialmente ispirati ai modelli di pittori che si erano già cimentati in episodi francescani su tavola (come Bonaventura Berlinghieri o il Maestro del San Francesco Bardi). Si giustappone un nuovo corso di studi biblici (guidato da teologi francescani e domenicani) che preferisce leggere i testi nel loro senso letterale (senza troppi simbolismi e riferimenti allegorici), portando i fedeli a un incontro più vivo possibile e a un”identificazione con il testo sacro. Si privilegia la scelta di rappresentazioni in abiti moderni e si pone l”accento sull”espressione dell”esperienza.
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Crocifisso di Santa Maria Novella
Il suo primo capolavoro fiorentino è il grande crocifisso di Santa Maria Novella, citato come opera di Giotto in un documento del 1312 di un certo Ricuccio di Puccio del Miller, ma anche del Ghiberti, datato intorno al 1290, quindi contemporaneo alle Storie di San Francesco nella Basilica Superiore di Assisi.
Questo è il primo soggetto che Giotto rivoluziona: a differenza dell”iconografia ormai “canonizzata” da Giunta Pisano del Christus patiens sinuosamente arcuato verso sinistra (per l”osservatore), Giotto dipinge il cadavere in verticale, con le gambe piegate, il che permette di liberare tutto il peso. La forma, che non è più sublimata dai soliti elementi stilistici, diventa così umana e popolare.
Queste innovazioni contengono tutto il senso della sua arte e della nuova sensibilità religiosa che restituisce a Cristo la sua dimensione terrena e ne trae il più profondo significato spirituale. Solo l”aureola ricorda la sua natura divina, ma Giotto mostra un uomo umile che soffre veramente, con il quale l”osservatore può confrontare le sue pene.
In questi anni, Giotto era già un pittore affermato, capace di avere molti imitatori in città, mentre allo stesso tempo era solo il precursore di una tendenza d”avanguardia che poi si affermò.
Il contesto toscano e fiorentino dell”epoca era animato da grandi fermenti innovativi che influenzarono Giotto: A Pisa, la bottega di Nicola Pisano e poi del figlio Giovanni inizia un processo di recupero della pienezza di forme e valori dell”arte della Roma classica, aggiornata da influenze gotiche transalpine, mentre Siena, in contatto privilegiato con molti centri culturali europei, vede le novità gotiche innestarsi sulla tradizione bizantina nella pittura di un artista come Duccio di Buoninsegna.
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San Francesco d”Assisi che riceve le stigmate
Anche la pala d”altare firmata a Pisa e conservata al Louvre di Parigi, raffigurante San Francesco d”Assisi che riceve le stimmate, in cui le storie della predella sono tratte direttamente da scene di Assisi, è considerata risalente all”inizio dell”attività di Giotto: per questo motivo, è considerata da alcuni un motivo per attribuire al pittore il Ciclo francescano di Assisi.
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Prima visita a Roma
Nel 1298, avendo probabilmente completato gli affreschi di Assisi, si recò a Roma per una prima visita su richiesta del cardinale Jacopo Gaetani dei Stefaneschi, nipote di papa Bonifacio VIII. Ferdinando Leopoldo Del Migliore menzionò nel XVII secolo che Giotto lavorò a Roma durante il periodo di papa Bonifacio VIII, pontefice dal 1295 al 1303.
È possibile che Giotto abbia lavorato a Roma fino al 1300 circa, anno del Giubileo, esperienza di cui non rimane alcuna traccia significativa. Per questo motivo, non è ancora possibile giudicare la sua influenza sui pittori romani o, al contrario, apprezzare fino a che punto il suo stile fu influenzato dalla scuola romana.
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Ritorno a Firenze
I documenti catastali del 1301 e 1304 ci permettono di conoscere le sue proprietà a Firenze, che sono importanti. Per questo motivo, è stato ipotizzato che, all”età di trent”anni, Giotto fosse già a capo di una bottega in grado di soddisfare le commissioni più prestigiose.
Durante questo periodo dipinse il polittico Badio (Galleria degli Uffizi), trovato nel convento di Santa Croce a Firenze. Grazie alla sua fama in tutta Italia, Giotto fu chiamato a lavorare a Rimini e a Padova.
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Rimini
L”attività del maestro fiorentino a Rimini si collocherebbe intorno al 1299, come suggerisce una miniatura di Neri da Rimini conservata alla Fondazione Cini di Venezia (inv.2030), firmata e datata 1300, che, nella figura del Cristo benedicente, mostra un”evidente somiglianza con il Redentore rappresentato nell”originale della croce ritrovata da Federico Zeri nel 1957 nella collezione Jeckyll di Londra, dalla quale sono assenti i lati laterali rappresentanti le figure in lutto. È menzionato nelle fonti scritte contemporanee e testimonia la precoce apparizione di una scuola riminese con Giovanni Baronzio, Pietro da Rimini e Neri da Rimini, sulla quale si ammette l”influenza di Giotto, tanto che è stata definita “scuola giottesca di Rimini”.
A Rimini, come ad Assisi, lavorò in un contesto francescano, nell”antica chiesa di San Francesco, oggi nota come Tempio Malatestiano, dove dipinse un perduto ciclo di affreschi, mentre nell”abside rimane ancora il Crocifisso. L”autografia di quest”ultimo è attualmente condivisa da tutti i ricercatori. In uno stato di conservazione migliore del crocifisso di Santa Maria Novella, è già orientato verso le interpretazioni più mature di Giotto, ma rimane vicino a opere come il polittico di Badia.
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Padova
La documentazione della costruzione e della consacrazione della Cappella degli Scrovegni a Padova, interamente affrescata da Giotto, ci permette di stabilire con certezza che l”artista era a Padova tra il 1303 e il 1305. Gli affreschi del Palazzo della Ragione a Padova e la maggior parte degli affreschi della Basilica di San Antonio, anch”essi dipinti durante questo soggiorno, sono andati perduti. Di questi, rimangono solo alcuni busti di santi nella Cappella delle Benedizioni e alcune scene nella Sala Capitolare (Stigmate di San Francesco, Martirio dei Francescani a Ceuta, Crocifissione e Volti dei Profeti).
Gli affreschi perduti nel Palazzo della Ragione, molto probabilmente commissionati da Pietro d”Abano, sono citati in un opuscolo del 1340, la Visio Aegidii Regis Patavi del notaio Giovanni da Nono, che li descrive in tono entusiasta, testimoniando che il soggetto astrologico del ciclo è tratto da un testo diffuso nel XIV secolo, il Lucidator, che spiega i temperamenti umani secondo gli influssi degli astri. Padova era un centro universitario culturalmente molto attivo all”epoca, un luogo dove umanisti e scienziati si incontravano e si confrontavano, e Giotto partecipava a questa atmosfera.
Anche i pittori del Nord Italia furono influenzati da Giotto: Guariento di Arpo, Giusto de” Menabuoi, Jacopo Avanzi e Altichiero fusero il suo linguaggio plastico e naturalistico con le tradizioni locali.
Dal 1303 al 1306, Giotto dipinse i cinquantatré affreschi della Cappella degli Scrovegni o Cappella di Santa Maria dell”Arena nella Chiesa dell”Arena, che sono considerati il suo capolavoro e uno dei punti di svolta nella storia della pittura europea. Probabilmente aveva circa quarant”anni quando iniziò a decorare la cappella, dove dipinse gli affreschi raffiguranti la vita di Cristo, che sono una delle vette dell”arte cristiana.
Il ciclo nel suo insieme è considerato il criterio per giudicare tutte le opere di dubbia attribuzione a lui, poiché l”autografia del maestro fiorentino in questo ciclo è certa.
Commissionato dal banchiere padovano Enrico Scrovegni e ancora intatto, questo ciclo iconografico riunisce nello stesso spazio scene della vita di Gioacchino, della Vergine e di Cristo, una sintesi quasi inedita nell”arte occidentale.
Enrico Scrovegni acquistò il terreno dell”antica arena romana di Padova il 6 febbraio 1300 per costruire un sontuoso palazzo, la cui cappella è l”oratorio privato, destinato un giorno ad ospitare la tomba di sua moglie e di lui stesso. La costruzione iniziò probabilmente nel 1301. La cappella fu consacrata per la prima volta il 25 marzo 1303. Nel 1304, Papa Benedetto XI promulgò un”indulgenza per coloro che visitavano la cappella. L”edificio completato fu consacrato il 25 marzo 1305.
Giotto dipinse l”intera superficie con un progetto iconografico e decorativo unitario, ispirato a un teologo agostiniano di sottile abilità, recentemente identificato da Giuliano Pisani come Alberto da Padova. Tra le fonti utilizzate ci sono numerosi testi agostiniani, tra cui De doctrina Christiana, De libero arbitrio, De quantitate animae e De Genesi contra Manicheos, i vangeli apocrifi dello Pseudo-Matteo e di Nicodemo, la Legenda Aurea di Jacopo da Varazze e, per dettagli iconografici minori, le Meditazioni sulla vita di Gesù dello Pseudo-Bonaventura, oltre a testi della tradizione cristiana medievale, tra cui Il Fisiologo. Giotto dipinse un ciclo incentrato sul tema della salvezza, dividendolo in 40 scene.
Inizia dalla lunetta in cima all”arco trionfale, dove Dio inizia la riconciliazione con l”uomo, e continua sul registro più alto della parete sud con le Storie di Gioacchino e Anna. Continua sulla parete opposta con le Storie di Maria. La scena dell”Annunciazione e il pannello della Visitazione appaiono sull”arco trionfale. Le Storie della vita terrena di Gesù, a partire dal secondo registro della parete sud, corrono lungo i due registri centrali delle pareti, con un passaggio sopra l”arco di trionfo con il pannello del Tradimento di Giuda. L”ultimo fotogramma mostra la discesa dello Spirito Santo sugli apostoli (Pentecoste).
Subito sotto inizia il quarto registro, composto da quattordici allegorie monocrome, alternate a specchi in finto marmo, che simboleggiano i vizi e le virtù: sulla parete nord ci sono le allegorie dei sette vizi; lungo la parete sud ci sono le allegorie delle sette virtù, le quattro cardinali e le tre teologali. I vizi e le virtù si affrontano a coppie e sono ordinati a raggiungere il Paradiso, superando gli ostacoli posti dai vizi con l”aiuto delle virtù corrispondenti.
L”ultima scena, che occupa tutta la controfacciata, rappresenta il Giudizio Universale e la Visione del Paradiso. La grande novità scoperta da Giuliano Pisani sta qui: le figure sotto il trono di Cristo Giudice non rappresentano i simboli dei quattro evangelisti, ma sono rispettivamente, da sinistra, un orso con una picca, un centauro, un”aquila
Il blu profondo usato dal pittore in tutti i suoi affreschi, in contrasto con l”oro che è anche molto presente (usato in particolare per le aureole delle figure sacre e le stelle della volta), è una delle caratteristiche eccezionali dell”opera di Giotto.
Il ciclo completo richiese circa due anni per essere completato, un tempo sorprendentemente breve che può essere spiegato solo dalla totale padronanza tecnica che Giotto aveva raggiunto e da un”organizzazione radicalmente nuova del suo lavoro. Sembra che abbia approfittato della sua precedente esperienza ad Assisi per completare la decorazione della Cappella degli Scrovegni.
Una tradizione ritiene che Dante Alighieri, esiliato da Firenze nel 1302, fosse a Padova quando Giotto realizzò quest”opera. La scelta di alcune delle composizioni con cui Giotto decorò la cappella di Santa Maria dell”Arena è attribuita alla sua influenza. Nell”Inferno di Dante si trovano alcuni dei contemporanei che il poeta considera indegni di salvezza, ma non li nomina esplicitamente, ma si riferisce a loro solo simbolicamente con i loro stemmi. Nel diciassettesimo canto della Divina Commedia, per esempio, scaglia all”inferno Reginaldo Scrovegni, un famoso usuraio padovano, facendo riferimento allo stemma della famiglia, che è rappresentato da “una grande scrofa d”azzurro”.
Nella cappella, la pittura di Giotto mostra la sua piena maturità espressiva. La composizione rispetta il principio del rapporto organico tra architettura e pittura, raggiungendo un”unità complessa. Gli affreschi sono tutti di dimensioni identiche. Le partizioni decorative, l”architettura e la falsa apertura nel muro sono tutti elementi che obbediscono a una visione unitaria, non solo in termini di prospettiva ma anche di colore; il blu intenso della volta domina e si ripete in ogni scena.
Gli ambienti naturali e le architetture sono costruiti come vere e proprie scatole prospettiche, in una prospettiva intuitiva, che a volte si ripetono per non contraddire il rispetto dell”unità dei luoghi, come la casa di Anne o il Tempio, la cui architettura è anche ripetuta identica da diverse angolazioni.
Le figure sono solide e voluminose e rese ancora più solide dalle variazioni cromatiche, dove il tono di colore si schiarisce nelle zone prominenti. La resa delle figure umane è realistica e non stilizzata.
Le scene hanno una narrazione animata. La composizione è priva di abbellimenti, ma di dettagli che rendono i personaggi realistici. Le emozioni e gli stati d”animo sono evidenti, così come l”eloquenza dei gesti e delle espressioni. È una pittura che esprime l”umanità dei personaggi sacri.
Alcuni accorgimenti tecnici arricchiscono l”intero ambiente con effetti materici: stucco lucido o stucco romano per i finti marmi, parti metalliche nell”aureola del Cristo del Giudizio, tavole di legno inserite nel muro, uso di pittura ad encausto nei finti rilievi.
Ci sono molti riferimenti all”arte classica e alla scultura gotica francese, incoraggiati dal confronto con le statue dell”altare di Giovanni Pisano, ma soprattutto c”è una maggiore espressività negli sguardi intensi delle figure e nei loro gesti.
Molti dei dettagli narrativi, per quanto minori, sono altamente suggestivi: oggetti, mobili e vestiti riflettono l”uso e la moda del tempo. Alcuni dei personaggi sono veri e propri ritratti, a volte anche caricature, che danno il senso della trasposizione cronica della vita reale nella rappresentazione sacra. Si può dunque dire che Giotto procedette a una riscoperta della verità (verità di sentimenti, passioni, fisionomia umana, luce e colore) “nella certezza di uno spazio misurabile”.
Un crocifisso dipinto da Giotto, risalente agli stessi anni (1303-1305), è conservato nel Museo Civico di Padova. Proviene dall”altare della cappella degli Scrovegni, ed è molto raffinato per la ricchezza decorativa dei colori smaltati, la forma gotica del supporto, il realismo nella figura di Cristo e l”atteggiamento sofferente di Maria e San Giovanni nei pannelli laterali.
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Basilica inferiore di Assisi
Tra il 1306 e il 1311, Giotto fu di nuovo ad Assisi per dipingere affreschi nel transetto della basilica inferiore, tra cui le Storie dell”infanzia di Cristo, le Allegorie francescane sui veli e la cappella della Maddalena, a cui i francescani prestavano particolare attenzione. In realtà, la mano del maestro è quasi assente: ha lasciato molte commissioni al suo entourage.
Il committente fu monsignor Teobaldo Pontano, in carica dal 1296 al 1329, e il lavoro coprì molti anni, coinvolgendo molti aiutanti: Parente di Giotto, Maestro delle Vele e Palmerino di Guido (quest”ultimo citato con il maestro in un documento del 1309 dove si impegna a pagare un debito). La storia è tratta dalla Leggenda Aurea di Jacopo da Varazze. Giotto ha dato ad Assisi il beneficio dei progressi fatti a Padova in termini di soluzioni scenografiche e di spazialità, in termini di tecnica e, soprattutto, nella qualità della luce e dei colori caldi.
Le Allegorie Francescane occupano le volte del transetto: Povertà, Castità, Obbedienza, Gloria di San Francesco; le scene del ciclo della Vita di Cristo sono disposte lungo le pareti e le volte del transetto destro. La vivacità delle scene, le varie soluzioni scenografiche e spaziali e alcune ripetizioni dirette del ciclo padovano hanno permesso a studiosi e critici di concordare che il progetto generale degli affreschi appartiene a Giotto, ma che la realizzazione pittorica fu delegata a membri della bottega.
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Ritorno a Firenze
Nel 1311, Giotto era già tornato a Firenze; si conservano documenti del 1314 relativi alle sue attività economiche extra-pittoriche.
La sua presenza a Firenze è documentata con certezza negli anni 1314, 1318, 1320, 1325, 1326 e 1327. Poco prima della sua partenza da Firenze nel 1327, si iscrisse all”Arte dei Medici e Speziali, che per la prima volta accoglieva i pittori, e i suoi allievi più fedeli, Bernardo Daddi e Taddeo Gaddi, lo seguirono nelle sue ultime avventure.
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Prato
Riccuccio del fu Puccio, un ricco fiorentino residente a Santa Maria Novella, commissionò a Giotto la tabula Pulcra per la chiesa di San Domenico a Prato nel giugno 1312, prova che le vicende artistiche della fiera città toscana erano poste sotto il segno della pittura fiorentina durante il XIV secolo, che andava oltre la sua vicinanza geografica alla capitale. L”opera potrebbe essere stata distrutta nell”incendio della grande chiesa di Prato il 12 settembre 1647.
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Altri soggiorni a Roma
Giotto tornò certamente a Roma durante il pontificato di papa Benedetto XI. Secondo la leggenda, Papa Benedetto, attraverso uno dei suoi emissari, sollecitò Giotto a dargli la prova più pura del suo talento. Giotto ha poi disegnato un cerchio perfetto a mano libera su un foglio di carta destinato al pontefice. L”ex pastore, dimostrando il suo genio, fu poi in grado di viaggiare a Roma per creare diverse opere.
A Roma, Giotto eseguì una serie di opere, molte delle quali sono andate perdute o rovinate, tra cui un crocifisso dipinto a tempera per la chiesa di Santa Maria sopra Minerva, e gli affreschi di San Giorgio in Velabro, di cui Stefaneschi era stato creato cardinale-diacono nel 1295.
Nel 1313, in una lettera, Giotto incarica Benedetto di Pace di recuperare i beni del proprietario della casa in affitto a Roma; Il documento testimonia un nuovo soggiorno a Roma, avvenuto nell”anno in cui eseguì il mosaico Navicella degli Apostoli per il portico dell”antica Basilica Vaticana, commissionato dal cardinale Jacopo Caetani Stefaneschi, arciprete e benefattore della Basilica, nonché diacono di San Giorgio in Velabro, che lo pagò duecento fiorini e, per l”occasione, compose alcuni versi da inserire nel mosaico. Per due secoli, il mosaico sarà il capolavoro più ammirato dell”artista. L”opera è stata spostata e restaurata diverse volte. Ora adorna il vestibolo dell”enorme chiesa (in origine decorava la facciata).
La lunetta della Navicella deve aver fatto parte di un ciclo di mosaico più grande. La lunetta è stata ampiamente rifatta e oggi solo un angelo potrebbe essere un originale del tempo di Giotto. Una copia è stata fatta da due artisti del XV secolo, Pisanello e Parri Spinelli, che si trova al Metropolitan Museum of Art di New York. I due tondi con busti di angeli ora conservati nella necropoli papale nella Basilica di Sant”Pietro e in San Pietro Ispano a Boville Ernica (Frosinone) fanno parte dello stesso ciclo. Tuttavia, alcuni storici li datano alla fine del XIII secolo: mostrano le caratteristiche della scuola romana di quel periodo e sono probabilmente il lavoro di maestranze locali che si ispirarono all”artista fiorentino il cui stile è riconoscibile per la solidità del modellato e l”aspetto monumentale delle figure. Torrigio (1618) li data al 1298.
La composizione della Navicella può essere ricostruita dai disegni, fatti prima della sua distruzione: raffigurava la barca degli apostoli nel mezzo di una tempesta; sulla destra Pietro è salvato da Cristo, mentre sulla sinistra si vede una città imponente. Il soggetto si ispira alle opere della tarda antichità e dei primi cristiani, che Giotto aveva certamente avuto modo di vedere a Roma, mantenendo un dialogo continuo con il mondo classico.
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Madonna di Ognissanti e altre opere fiorentine
Roma fu un interludio in un periodo in cui Giotto visse principalmente a Firenze. Qui dipinse le opere della sua maturità artistica, come la Madonna di Ognissanti, la Dormitio Virginis della Gemäldegalerie di Berlino e il Crocifisso di Ognissanti.
Nella Dormitio Virginis, Giotto riesce a reinventare un tema e una composizione antica attraverso la disposizione delle figure nello spazio. Il Crocifisso di Ognissanti, ancora al suo posto, fu dipinto per l”Ordine degli Umiliati e assomiglia a figure simili ad Assisi, tanto che talvolta è stato attribuito a Parente di Giotto.
La Maestà degli Uffizi deve essere confrontata con due famosi precedenti di Cimabue e Duccio di Buoninsegna, nella stessa sala del Museo, per capirne il linguaggio moderno: il trono in stile gotico in cui è inserita la potente e monumentale figura di Maria è disegnato con una prospettiva centrale, la Vergine è circondata da angeli e quattro santi che si stagliano plasticamente, evidenziati dallo sfondo dorato.
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Opere in Santa Croce
Nel 1318, secondo il Ghiberti, Giotto cominciò a dipingere quattro cappelle e altrettanti polittici per quattro diverse famiglie fiorentine nella chiesa francescana di Santa Croce: Cappella Bardi (Vita di San Francesco), Cappella Peruzzi (Vite di San Giovanni Battista e San Giovanni Evangelista, più il polittico con Taddeo Gaddi), e le cappelle perdute Giugni (Storie degli Apostoli) e Tosinghi Spinelli (Storie della Vergine) di cui rimane l”Assunzione del Maestro di Figline. Tre di queste cappelle erano situate a destra della navata centrale e una a sinistra: rimangono solo le prime due a destra, le cappelle Bardi e Peruzzi.
La Cappella Peruzzi, con gli affreschi della Vita di San Giovanni Battista e di San Giovanni Evangelista, fu molto ammirata durante il Rinascimento. L”attuale stato di conservazione è gravemente compromesso da vari fattori che si sono succeduti nel tempo, ma questo non ci impedisce di apprezzare la qualità delle figure, che hanno una notevole resa plastica grazie all”attento uso del chiaroscuro e sono caratterizzate da uno studio approfondito della resa e della rappresentazione spaziale.
Le architetture degli edifici contemporanei, aumentate in prospettiva, che si estendono anche oltre le cornici delle scene, offrono un”istantanea dello stile urbano dell”epoca di Giotto. Le storie sacre sono sviluppate in modo calibrato, con numerose e commoventi figure rappresentate in scene prospettiche. Le architetture sono anche disposte in modo espressivo, con spigoli vivi che accentuano certe caratteristiche.
Lo stile di Giotto si evolve, con grandi panneggi straripanti, come mai visto prima, che rafforzano la monumentalità delle figure.
Il talento compositivo di Giotto divenne motivo di ispirazione per artisti successivi come Masaccio negli affreschi della Cappella Brancacci nella chiesa di Santa Maria del Carmine (dove copiò, per esempio, i vecchi nella scena della Resurrezione Drusiana) e Michelangelo due secoli dopo, che copiò diverse figure.
Da questa cappella proviene il polittico Peruzzi, che fu smembrato e disperso in varie collezioni fino a quando fu riunito nella sua posizione attuale al North Carolina Museum of Art di Raleigh, raffigurante la Madonna con santi tra cui San Giovanni e San Francesco. Lo stile figurativo è simile a quello della cappella, i cui santi, inseriti in un contesto neutro con pochi elementi decorativi, rimangono molto solidi nel loro volume.
Dopo aver completato la Cappella Peruzzi, Giotto produsse probabilmente altre opere a Firenze, la maggior parte delle quali sono andate perdute, come l”affresco nella cappella principale della Badia Fiorentina, di cui rimangono alcuni frammenti, come la testa di pastore nella Galleria dell”Accademia.
In un”altra cappella di Santa Croce, la Cappella Bardi, gli affreschi di Giotto raffigurano episodi della Vita di San Francesco e figure di santi francescani. Furono restaurati nel 1852 dopo essere stati ridipinti nel XVIII secolo. È interessante notare le differenze stilistiche con il ciclo simile di Assisi che risale a più di 20 anni prima, con un”iconografia quasi identica.
Giotto preferì dare maggiore importanza alla figura umana, accentuandone i valori espressivi, probabilmente in accordo con la svolta “pauperista” dei Conventuali di quel tempo. San Francesco appare insolitamente senza barba in tutte le storie.
Le composizioni sono molto semplificate (alcuni parlano di “stasi inventiva” del maestro): è la disposizione delle figure che dà un”impressione di profondità spaziale, come nel caso del Funerale di San Francesco. La resa delle emozioni, con gesti eloquenti, come quelli dei frati che si disperano davanti al corpo disteso, con gesti ed espressioni incredibilmente realistici, è particolarmente notevole.
Il polittico, risalente al 1328, è installato sull”altare della Cappella Baroncelli (talvolta attribuito a Taddeo Gaddi). Il pinnacolo si trova nel Timken Museum of Art di San Diego (California), mentre il telaio originale è stato sostituito da uno del XV secolo. Il soggetto raffigurato è l”Incoronazione della Vergine circondata da Santi in gloria con angeli musicanti raffigurati sui pannelli laterali.
Nonostante la firma (“Opus Magistri Jocti”), la sua esecuzione fu affidata principalmente ad assistenti. Il gusto scenografico e cromatico è accentuato dall”uso di un numero infinito di colori sofisticati. La profondità è, al contrario, attenuata: lo spazio è riempito da personaggi con facce ed espressioni eterogenee.
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Opere incerte che si riferiscono a questo periodo
Di questo periodo si sono conservati numerosi altri dipinti giotteschi, spesso parti di polittici smembrati, per i quali il problema dell”autografia non è mai certo.
La questione si pone in particolare per il Crocifisso di San Felice in Piazza; il polittico di Santa Reparata è attribuito al maestro con la collaborazione di Parente di Giotto; il Santo Stefano del Museo Horne di Firenze è probabilmente un”opera autografa ed è considerato un pannello di un”unica opera in due parti: il San Giovanni Evangelista e San Lorenzo del Museo Jacquemart-André di Chaalis (Francia) e la bellissima Madonna col Bambino della National Gallery di Washington.
Dipinti più piccoli sono anche sparsi in vari musei: La Natività e l”Adorazione dei Magi al Metropolitan Museum of Art di New York (simile alle scene di Assisi e Padova), la Presentazione di Gesù al Tempio (Boston, Isabella Stewart Gardner Museum), l”Ultima Cena, la Crocifissione e la Discesa al Limbo nella Alte Pinakothek, la Deposizione nella Villa I Tatti a Firenze e la Pentecoste (National Gallery, Londra), che secondo lo storico Ferdinando Bologna faceva parte di un polittico che Vasari ricordava di aver visto a Sansepolcro.
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Trittico Stefaneschi
Il trittico Stefaneschi risale al 1320 e fu commissionato per l”altare maggiore dell”antica basilica vaticana dal cardinale Giacomo Stefaneschi, che commissionò a Giotto anche la decorazione della tribuna dell”abside della basilica con un ciclo di affreschi che andò perso durante la ricostruzione del XVI secolo.
Nella Basilica di San Pietro, Giotto realizzò anche la pala dell”altare maggiore, che dal XVI secolo è conservata nella sacrestia dei canonici. Questa pala d”altare, che ha la finezza di una miniatura, è dipinta a tempera su uno sfondo d”oro. Consiste in tre pannelli gotici, rifiniti con pinnacoli, e una predella, anch”essa in tre parti. I grandi pannelli sono dipinti su entrambi i lati. Al centro del pannello principale, Cristo è in trono e benedetto da otto angeli; i pannelli laterali rappresentano la Crocifissione dell”apostolo Pietro e la Decollazione di Paolo di Tarso. Sul rovescio del pannello centrale, Pietro, in abito pontificio, è in trono tra due angeli: ai piedi del trono, il cardinale Stefaneschi, vestito da diacono, assistito dai suoi due patroni, San Giacomo e San Gaetano, è condotto da Giorgio di Lydda davanti al Principe degli Apostoli, al quale offre, in ginocchio, un trittico, figura abbreviata della pala di Giotto; sui pannelli laterali, gli apostoli Andrea e Giovanni, Giacomo di Zebedeo e San Paolo, sono rappresentati a piedi. Infine, sulla predella, la Vergine Maria, in trono tra due angeli, è accompagnata dai dodici apostoli, in piedi in vari atteggiamenti.
Il trittico è stato progettato dal maestro, ma dipinto dai suoi assistenti. È caratterizzato da una grande varietà di colori a scopo decorativo; l”importanza del luogo a cui era destinato ha reso necessario l”uso del fondo oro su cui spiccano le figure monumentali.
Secondo il Vasari, Giotto rimase a Roma per sei anni, ma eseguì anche commissioni in molte altre città italiane fino alla sede papale di Avignone. Cita anche opere che non sono di Giotto, ma in tutti i casi lo descrive come un pittore moderno, impegnato su vari fronti e circondato da molti aiutanti.
Giotto tornò poi a Firenze, dove aveva dipinto la Cappella Bardi.
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Soggiorno a Napoli
Giorgio Vasari nel suo libro Le vite dei migliori pittori, scultori e architetti fa intraprendere a Giotto molti viaggi, ma pochi sono documentati. Il viaggio di Giotto nell”Italia meridionale è confermato dagli archivi. All”inizio del 1330, attraverso l”intermediario di Carlo, duca di Calabria, il re Roberto I di Napoli chiamò Giotto a Napoli, dove rimase fino al 1333 con la sua grande bottega. Il re lo nominò “famigliare” e “primo pittore della corte e dei nostri seguaci” (20 gennaio 1330), testimoniando l”enorme stima che il pittore aveva già acquisito. Gli diede anche uno stipendio annuale.
Il suo lavoro è molto ben documentato (il suo contratto è ancora molto utile per sapere come è distribuito il lavoro con la sua bottega), ma pochissime delle sue opere sono oggi a Napoli: un frammento di un affresco rappresentante il Compianto sul Cristo morto è visibile in Santa Chiara e i ritratti di Uomini Illustri sono dipinti nelle finestre concave della cappella di Santa Barbara a Castelnuovo, che per differenze stilistiche sono attribuibili ai suoi allievi. Molti di loro divennero a loro volta famosi maestri, diffondendo e rinnovando il suo stile nei decenni successivi (Parente di Giotto, Maso di Banco, Taddeo Gaddi, Bernardo Daddi). La sua presenza a Napoli fu importante per la formazione di pittori locali, come il maestro Giovanni Barrile, Roberto d”Oderisio e Pietro Orimina.
Solo la Moltiplicazione dei pani e dei pesci, un affresco in una stanza che faceva parte del convento di Santa Chiara, può essere attribuito a lui con certezza.
A Firenze, suo figlio Francesco fece da procuratore del padre, iscritto all”Arte dei Medici e Speziali nel 1341.
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Bologna
Dopo il 1333, Giotto andò a Bologna, dove sopravvive il polittico firmato della chiesa di Santa Maria degli Angeli, su fondo oro, con lo scomparto centrale che rappresenta la Vergine in trono e i santi. Tutte le figure sono solide, come era comune in quest”ultima fase della sua attività, con forti panneggi chiaroscurali, colori vivaci e un linguaggio che lo avvicina alla cultura figurativa padana, come nella figura dell”Arcangelo Michele, che ricorda gli angeli di Guariento.
Nessuna traccia rimane della presunta decorazione della Rocca di Galliera per il legato papale Bertrando del Poggetto, che fu distrutta più volte dai bolognesi.
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Opere tardive
Altri pezzi erratici possono essere collocati nell”ultima fase della sua carriera, come la Crocifissione a Strasburgo (Palais Rohan, Strasburgo) e quella nella Gemäldegalerie di Berlino.
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Giotto architetto: campanile della cattedrale di Firenze
Come architetto e scultore, Giotto ha lasciato a Firenze un monumento, il campanile della cattedrale. Il 12 aprile 1334, il comune di Firenze onorò Giotto con il titolo di Magnus magister (Gran Maestro), nominandolo capo architetto (capomaestro) di Santa Maria del Fiore, allora chiamata Santa Reparata, e sovrintendente ai lavori pubblici del comune. Per questa posizione ricevette uno stipendio annuale di cento fiorini. La cattedrale, iniziata da Arnolfo di Cambio, non ha ancora una facciata, una cupola o un campanile. È probabile che Giotto abbia costruito le prime fondamenta della facciata, ed è a lui che dobbiamo attribuire il delicato disegno delle finestre nelle navate laterali.
Ma la sua opera maggiore è il campanile, una torre quadrata con tre piani di finestre, che si erge per 84 metri a destra della facciata. Decorato fino alla cima con intarsi di marmo colorato e arricchito da bassorilievi e statue, questo campanile è una meraviglia di grazia e leggerezza. Le finestre, che aumentano di dimensione da un piano all”altro, aggiungono alla sua ariosa snellezza; con l”infinita fattura delle loro colonne, con i loro merletti di marmi variati, sono forse, come osserva giustamente lo storico svizzero Jacob Christoph Burckhardt, il più bel lavoro di dettaglio di tutto il gotico italiano, ma la sua morte nel 1337 segnò la fine del suo contributo a questo edificio.
Il campanile, nella mente di Giotto, doveva terminare con un”esile guglia, che i successori del maestro, Andrea Pisano e Francesco Talenti, abbandonarono fino al 1357. Delle due ghirlande di bassorilievi che avvolgono la sua base, la prima è dovuta a Giotto per la sua composizione e, in parte, anche per la sua esecuzione. Voleva riassumere filosoficamente tutta la vita e tutte le invenzioni umane.
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Milano
Prima del 1337, data della sua morte, andò a Milano su richiesta di Azzon Visconti, ma le opere di questo periodo sono tutte scomparse. Tuttavia, rimangono tracce della sua presenza, soprattutto nell”influenza che esercitò sui pittori lombardi del XIV secolo, come nella Crocifissione nella chiesa di San Gottardo a Corte.
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Morte a Firenze
La sua ultima opera fiorentina, completata dai suoi assistenti, fu la Cappella del Podestà nel Palazzo del Bargello, dove dipinse un ciclo di affreschi, oggi in cattivo stato di conservazione (anche a causa di errati restauri nel XIX secolo), raffiguranti le Storie della Maddalena e il Giudizio Universale. In questo ciclo è famoso il più antico ritratto di Dante Alighieri, dipinto senza il tradizionale naso all”uncinetto.
Giotto morì a Firenze l”8 gennaio 1337 (Villani riporta la data della sua morte come la fine del 1336 secondo il calendario fiorentino) e fu sepolto a Santa Reparata con una solenne cerimonia a spese del comune, nella cattedrale di cui era stato uno degli architetti.
Durante la sua vita, Giotto era già un artista simbolico, un mito culturale, e lo status della sua opera fu piuttosto aumentato nei secoli successivi. Il prestigio della citazione di Dante Alighieri su di lui: “Cimabue si credeva maestro di pittura, ma oggi Giotto, in auge, oscura la sua fama” è tale che, per più di un secolo, l”artista sarà l”unico pittore citato come riferimento degno degli antichi.
Giovanni Villani scrive: “È stato il maestro più assoluto nella pittura del suo tempo, e quello che ha disegnato di più ogni figura e ha agito più naturalmente.
Per Cennino Cennini: “Ha cambiato l”arte dal greco al latino e l”ha ridotta al moderno”, alludendo al superamento dei modelli bizantini e all”apertura verso una rappresentazione che introduce il senso dello spazio, del volume e del colore, anticipando i valori dell”età dell”umanesimo.
Berenson considera Giotto un chiaro precursore del Rinascimento. Secondo la sua visione, fu il primo a vestire la rappresentazione pittorica delle figure umane con una corporeità realistica, superando lo ieraticismo bizantino e mostrando i sentimenti, realisticamente espressi negli atteggiamenti e nei tratti del viso. Inoltre, ha introdotto (o reintrodotto dopo la pittura greco-romana) lo spazio nella pittura utilizzando una prospettiva non ancora evoluta, ma efficace. Le architetture dipinte da Giotto assumono un valore realistico come spazi concreti abitabili e non più simbolici come lo erano con Cimabue. I personaggi dei suoi quadri hanno una connotazione psicologica e segnano i primi tentativi di secolarizzazione della pittura. Tutti questi temi, ripresi e sviluppati da Masaccio negli affreschi della Cappella Brancacci, apriranno così le porte al vero Rinascimento.
Secondo Berenson, Giotto permette ad ogni figura importante il suo pieno valore tattile, evitando raggruppamenti confusi. La costruzione è architettonica; inizia con toni chiari per ottenere, da essi, facili contrasti. Ogni linea è carica di un”intenzione e contribuisce all”intenzione generale.
Per Daniel Arasse, il ruolo di Giotto è essenziale nella nascita della figura umana. Dà all”uomo una dimensione storica, con le sue bellezze, i suoi drammi e la sua possibile grandezza. Nella sua Arresto di Gesù nella Cappella degli Scrovegni, sostituisce l”immobilità iconica con una maestà monumentale che trasforma la tragedia in dramma, in azione (Argan). Il suo San Francesco acquista una dignità e un”autorità morale che ne fanno una figura storica. I personaggi occupano la parte anteriore dello spazio; le architetture, le città, i paesaggi stabiliscono il legame tra le varie scene la cui particolare istoria determina ogni volta una composizione spaziale e prospettica, assicurando così efficacemente la presenza concreta della figura responsabile della sua azione.
Il modernismo di Giotto si trova nella sua rappresentazione della libertà, la responsabilità assunta dall”uomo per la propria storia. Nello sguardo scambiato tra Cristo e Giuda nell”Arresto di Gesù, due libertà si incontrano nel loro esercizio contraddittorio.
I suoi soggiorni a Roma furono particolarmente vantaggiosi per Giotto: gli offrirono l”opportunità di confrontarsi con il classicismo, ma anche con artisti come lo scultore Arnolfo di Cambio e i pittori della scuola locale, Pietro Cavallini, Jacopo Torriti e Filippo Rusuti, animati dallo stesso spirito di innovazione e sperimentazione che avevano infuso lavorando nei cantieri delle grandi basiliche inaugurate da Nicola III e Nicola IV.
Mentre il pensiero di Dante Alighieri ha una struttura dottrinale modellata sul pensiero di San Tommaso d”Aquino, quello di Giotto ha una struttura etica che ha la sua fonte in San Francesco d”Assisi. Il linguaggio di Giotto è gotico ed elimina ciò che è rimasto del bizantino nella cultura gotica europea. Per Giotto, il fatto storico è ciò che attua e rivela il piano divino; il suo modo di pensare la storia è un modo antico e cristiano: per lui, l”antico è un”esperienza storica da investire nel presente. Il naturale, caratteristica dell”artista, viene recuperato dall”antico attraverso il processo intellettuale del pensiero storico.
Il suo allievo è Giottino, suo figlio adottivo. Il padre biologico di Giottino sembra essere Stefano Tolomelli. Per questo motivo, secondo alcune fonti, Giottino ha firmato come Giottino di Stefano. Le fonti che suggeriscono che Giotto ripudiò uno dei suoi figli in favore di Giottino, più abile e capace nel disegno, rimangono infondate.
Vasari, nel capitolo dedicato a Giotto nelle Vite, si riferisce a lui come “pittore, scultore e architetto”, riferendosi a vari progetti di costruzione. Sebbene questa informazione sia confermata anche nelle fonti trecentesche, è solo dal 1963 che si è cercato di sistematizzare criticamente questo aspetto della sua opera, grazie ai contributi di Gioseffi. Partendo dal presupposto che le architetture frequentemente dipinte nelle opere dell”artista potrebbero essere rappresentazioni di edifici reali, si è cercato di trovare le caratteristiche stilistiche di possibili progetti architettonici di Giotto, non toccati da modifiche e aggiunte successive.
Potrebbe essere l”autore della costruzione della chiesa dell”Arena a Padova, forse del primo ponte alla Carraia a Firenze e della fortezza Augusta a Lucca (oggi perduta). Il progetto più strettamente legato, anche nel nome, a Giotto è il campanile di Santa Maria del Fiore. Già citato dall”anonimo commentatore fiorentino della Divina Commedia (1395-1400 circa), è poi citato nel Centiloquium di Antonio Pucci, che gli attribuisce anche i primi rilievi decorativi, dal Ghiberti e da altri, che parlano della sua progettazione e gestione del cantiere fino alla prima commissione. Una pergamena del Museo dell”Opera del Duomo di Siena conserva uno schema del campanile che alcuni ritengono legato al disegno originale di Giotto, ipotesi però controversa e non accettata da tutti gli studiosi. Si dice che le idee di Giotto si basino sull”esempio di Arnolfo di Cambio e che siano caratterizzate da un”audacia statica che tende a ridurre lo spessore dei muri portanti.
Ragghiant attribuisce a Giotto il disegno dei primi rilievi di Andrea Pisano e altri, tra cui la Creazione di Adamo ed Eva, il Lavoro degli Antenati, la Caccia, la Musica e il Raccolto. Sulla base di una nota del Vasari, il disegno del monumento e dei rilievi della tomba Tarlati nel Duomo di Arezzo sono stati attribuiti anche a Giotto.
Giotto realizzò le numerose commissioni con la sua bottega utilizzando un”organizzazione del lavoro che oggi si definirebbe “imprenditoriale”, che organizzava il coordinamento del lavoro di numerosi collaboratori. Questo metodo, precedentemente utilizzato solo nei cantieri architettonici e dalle maestranze degli scultori e degli scalpellini attivi nelle cattedrali romaniche e gotiche, è una delle maggiori innovazioni apportate nella pittura dalla sua squadra, e spiega anche la difficoltà di analizzare e attribuire molte delle sue opere.
Vasari cita i nomi di alcuni dei suoi più stretti collaboratori, non tutti famosi: Taddeo Gaddi, Puccio Capanna, Ottaviano da Faenza, Guglielmo da Forlì, attraverso il quale, aggiungendo il lavoro di un misterioso Augustinus, l”influenza di Giotto raggiunse la scuola di Forlì. A questi bisogna aggiungere i molti seguaci del suo stile che crearono scuole locali nelle regioni dove passò.
A Firenze e in Toscana, i cosiddetti “protogiotteschi” sono seguaci che hanno visto Giotto all”opera nella sua città: Maso di Banco, Giottino, Bernardo Daddi, il Maestro della Santa Cecilia, il Maestro di Figline, Pacino di Buonaguida, Jacopo del Casentino, Stefano Fiorentino. Le biografie di molti di questi pittori non sono ancora ben documentate: la vita e le opere di Giottino o Stefano Fiorentino rimangono in gran parte misteriose.
Daniel Arasse considera Giotto il grande iniziatore della pittura moderna. Ha dato una direzione nuova e definitiva a certe tradizioni e ha evidenziato l”importanza della figura umana come attore della sua storia. Il suo stile fu immediatamente ripreso e adattato secondo le abitudini e le capacità locali ovunque lavorasse, a Firenze, Padova, Assisi o Roma. A Firenze, dal XIV secolo in poi, la scuola di pittura fu “giottesca”, con ogni personalità che spingeva più avanti l”eredità del maestro. Nel Trecento, i “giotteschi” adattarono piuttosto che rinnovare lo stile del maestro: lo spazio divenne più profondo, l”ambiente più familiare, e si affermò il gusto per il dettaglio, perdendo la forza epica originale.
In Umbria lo stile giottesco assunse una connotazione devozionale e popolare riconoscibile nelle opere del Maestro di Santa Chiara da Montefalco, del Maestro espressionista di Santa Chiara, di Puccio Capanna e del cosiddetto Maestro colorista.
A Rimini nacque una scuola che ebbe un breve periodo di splendore con Neri da Rimini, Giuliano da Rimini, Giovanni da Rimini, il Maestro dell”Arengario. Tra gli autori di opere interessanti, il Maestro di Tolentino adattò la matrice giottesca con influenze locali e soprattutto bolognesi, negli affreschi della Basilica di San Nicola a Tolentino e dell”Abbazia di Pomposa. Questa scuola emiliana produsse anche capolavori nel campo della pittura in miniatura.
L”influenza di Giotto si estese poi anche alle scuole del nord, come dimostrano le opere, dopo due generazioni, di Altichiero da Zevio, Guariento e Giusto de Menabuoi. Anche la presenza di Giotto a Napoli lasciò un”impronta duratura, come dimostrano le opere di artisti come Roberto di Oderisio (attivo negli anni 1330 e citato fino al 1382), che decorò la Chiesa dell”Incoronata con affreschi di aristocratica eleganza (staccati e conservati nella Basilica di Santa Chiara a Napoli).
Il rapporto tra Giotto e la scuola romana non è del tutto chiaro, in particolare gli studiosi non sono d”accordo se siano stati i romani (Pietro Cavallini, Jacopo Torriti, ecc.) a influenzare Giotto e i toscani, o viceversa. Gli studi più recenti sembrano propendere più per la prima ipotesi. In ogni caso, le attività artistiche a Roma declinarono inesorabilmente dopo il trasferimento del papato ad Avignone nel 1309.
Alla fine, Giotto, con i suoi numerosi viaggi, fu il creatore di uno stile “italiano” nella pittura, che viene utilizzato da Milano a Napoli, passando per diverse regioni. L”influenza di Giotto è presente anche nell”opera di altre scuole, come la parallela scuola senese, come dimostrano i parametri architettonici di alcune opere, per esempio quelle di Pietro e Ambrogio Lorenzetti. Giotto fu anche all”origine della rivoluzione rinascimentale fiorentina che seguì.
Giotto è il protagonista di una storia nel Decamerone (la quinta della sesta giornata). È anche menzionato nel Purgatorio di Dante (Purgatorio – Canto undici) e nel Trecentonovelle di Franco Sacchetti.
Giotto è una popolare marca di matite colorate della Fabbrica Italiana Lapis ed Affini.
Diverse testimonianze letterarie, che non ci dicono molto sulla vita di Giotto, mostrano l”influenza dell”opera di Giotto sui suoi contemporanei, tra cui il Canto XI del Purgatorio di Dante – che era suo amico – il Novo VI, 5 Decamerone di Boccaccio e le Vite de” più eccellenti pittori, scultori e architettori di Vasari.
Boccaccio, in una breve storia del Decamerone, scritta intorno al 1350, è particolarmente entusiasta della pittura di Giotto:
“Possedeva un genio così potente che la Natura, madre e creatrice di tutte le cose, non produsse nulla sotto le eterne evoluzioni celesti che egli non fosse in grado di riprodurre con lo stilo, la penna o il pennello: una riproduzione così perfetta che, per gli occhi, non era più una copia, ma il modello stesso. Molto spesso le sue opere hanno ingannato il senso visivo, e quello che è un dipinto è stato preso per realtà.
– Boccaccio, Il Decamerone, Sesta giornata, quinta novella, Classiques Garnier, 1952, p. 413).
Leonardo da Vinci stesso fece di Giotto poco più di un secolo dopo la sua morte (tra il 1490 e il 1500) una pietra miliare essenziale del naturalismo inerente all”approccio dell”artista rinascimentale. Lo descrive come una sorta di artista autodidatta che ha rovesciato i dogmi pittorici del suo tempo, aprendo la strada all”indipendenza intellettuale dell”artista dall”accademismo e ponendolo come unico intercessore tra la natura e lo spettatore:
“Quella pittura declina di età in età e si perde, se i pittori non hanno altra guida che ciò che li ha preceduti. Il pittore farà un”opera di poco valore se prende come guida le opere di altri, ma se studia secondo le creazioni della natura avrà buoni risultati. Lo vediamo nei pittori che seguirono i romani e che si imitarono sempre, e l”arte declinò sempre di epoca in epoca. Dopo di loro venne Giotto di Firenze, che non si accontentò di imitare le opere del suo maestro Cimabue, essendo nato nella solitudine dei monti abitati solo da capre e altre bestie; questo Giotto, dunque, essendo incline a quest”arte per sua natura, cominciò a disegnare sulle pietre le attitudini delle capre che custodivano; e cominciò a rappresentare tutti gli altri animali che si trovavano in quella regione, così che dopo molto studio superò non solo tutti i maestri del suo tempo, ma anche tutti quelli di diversi secoli precedenti. Dopo di lui, quest”arte decadde di nuovo, perché tutti imitavano ciò che era stato fatto prima di loro, e andò giù di generazione in generazione, finché Tomaso di Firenze, chiamato Masaccio, mostrò con la sua opera perfetta che tutti coloro che prendevano un”altra guida che la natura, il maestro dei maestri, stavano spendendo sforzi inutili. Voglio dire, a proposito dei nostri studi matematici, che coloro che studiano solo i maestri e non le opere della natura sono, per quanto riguarda la loro arte, nipoti e non figli della natura, padrona di buoni maestri. Oh, che immensa follia biasimare coloro che imparano solo dalla natura, e non si occupano dei maestri, dei discepoli di questa natura!”.
– Leonardo da Vinci, Traité de la Peinture, André Chastel, Leonardo da Vinci, Calmann-Lévy, 2003, p. 103).
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Fonti
