Gustav Klimt

gigatos | Gennaio 1, 2022

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Riassunto

Gustav Klimt (14 luglio 1862, Zisleitania, Impero austriaco o Vienna, Vienna) – pittore e decoratore austriaco, uno dei più importanti rappresentanti dell”Art Nouveau viennese. Pittore e grafico, maestro di architettura d”interni. Uno dei fondatori della Secessione viennese e partecipante ai Workshops di Vienna. La sua stilizzazione, il simbolismo e l”erotismo caratterizzano le sue opere monumentali e decorative.

L”eredità artistica di Gustav Klimt combina diversi stili molto diversi: il linguaggio formale distaccato ma sensuale dello Storicismo, il simbolismo dei colori e delle linee della prima Secessione, l”austerità monumentale e la ricca ornamentazione del “periodo d”oro” e la scioltezza del colore e della pennellata dell”artista maturo. La diversità di Klimt riflette la sua apertura a nuove impressioni e il rinnovamento radicale della società culturale e artistica di Vienna, di cui fu una figura chiave. La vita creativa di Gustav Klimt si svolse nella specifica atmosfera spirituale della capitale austriaca e nel periodo più interessante e contemporaneo della storia della cultura europea, la fin de siècle, quando stava nascendo l”Art Nouveau viennese.

Famiglia

Gustav Klimt è nato nel sobborgo viennese di Baumgarten al 247 di Linzer Straße. Suo padre Ernst Klimt (1834-1892), proveniente da una famiglia di contadini della Boemia, si trasferì da Travecice vicino a Litoměřice a Vienna quando aveva otto anni e lavorò come incisore e gioielliere. Sua madre Anna Klimt (1836-1915), nata Finster, nativa di Vienna, sognava in gioventù una carriera come cantante d”opera. Anna Klimt fu descritta come una donna allegra e gentile, e Gustav ereditò il suo temperamento caldo da suo padre. Gustav era il secondo figlio e il primogenito di una famiglia di sette figli dei Klimt. Sua sorella maggiore Clara (non si sposò mai e insieme a sua madre e alla sorella minore Hermine, furono la famiglia in cui Gustav visse tutta la sua vita. Gustav era molto vicino a suo fratello minore Ernst (1864-1892), che era anche un appassionato pittore. Anche la sua seconda sorella Hermine (1865-1938) non aveva famiglia, dedicandosi alla cura di suo fratello Gustav e lasciando voci di diario che sono una fonte importante di informazioni su di lui. Anche il suo secondo fratello George (1867-1931) si dedicò all”arte e divenne un metallurgico e medaglista di successo con il sostegno del fratello maggiore. Dopo Georg, la famiglia Klimt ebbe una figlia malaticcia, Anna (1869-1874), la cui morte sconvolse la madre. La settima figlia, Johanna (1873-1950) fu l”unica delle figlie dei Klimt a creare una propria famiglia. Sposata con il contabile Julius Zimpel, ebbe quattro figli, uno dei quali, Julius, ereditò il dono dell”arte della famiglia e divenne illustratore e calligrafo.

La famiglia Klimt viveva male. Secondo i documenti esistenti, per esempio, nel luglio-agosto 1889 Ernst Klimt guadagnò meno di 8 fiorini, mentre il salario di un operaio specializzato era di 40 fiorini. I guadagni del padre spesso non erano sufficienti per pagare l”alloggio e i pasti, la famiglia doveva spesso spostarsi da una casa redditizia all”altra. Secondo i ricordi della sorella di Hermine, i Klimt non avevano sempre il pane in tavola a Natale, figuriamoci i regali. Le tensioni finanziarie si sono attenuate solo dopo che i figli hanno iniziato a guadagnare il proprio denaro. Gustav Klimt, piuttosto solitario di carattere, come testimonia Hermine Klimt, amava e apprezzava la sua famiglia, soprattutto negli ultimi anni, con l”avvento della popolarità, unita alla dura critica, la famiglia divenne per lui una sorta di hortus conclusus, dove poteva trovare la tanto necessaria pace e solitudine. Dopo la morte del padre e del fratello Ernst nel 1892, Gustav divenne il principale capofamiglia e si prese cura della vedova Ernst Helene (1871-1936) e di sua nipote Helene (1892-1980). La morte del suo caro fratello fece sprofondare Klimt in una depressione accuratamente nascosta, che non si sarebbe ritirata per anni. I tragici eventi del 1892 avvicinarono Gustav Klimt a sua cognata, la sorella minore di Helene, la giovane Emilie Flöge.

Scuola di Arti e Mestieri e Associazione di Artisti

Dopo sette anni alla scuola cittadina di Baumgarten, nel 1876 il quattordicenne Gustav Klimt entrò a far parte della Scuola d”arte e mestieri viennese, fondata nel 1867 dal Museo austriaco delle arti e dell”industria, come insegnante di disegno. L”insegnante di Gustav notò il pronunciato talento artistico del ragazzo e raccomandò ai suoi genitori di continuare la sua educazione in questo campo. Ha superato l”esame di ammissione in disegno con lode. A differenza della conservatrice Accademia delle Arti, la scuola seguì il principio pedagogico moderno che sottolineava la percezione dell”arte e la formazione pratica dei mestieri per le nuove forme di produzione industriale. I suoi laureati, che ricevevano un”educazione combinata in arti ed estetica e artigianato, dovevano diventare una nuova generazione di professionisti delle arti applicate capaci di creare prodotti industriali esteticamente piacevoli nello spirito di un”opera d”arte completa. Questo approccio cominciò a prendere piede con l”arrivo di Felizian von Mirbach alla scuola e diede i suoi frutti sotto i Secessionisti. Klimt terminò il corso preparatorio obbligatorio di due anni, dove i suoi insegnanti di arte ornamentale e grafica furono Karl Grahovina, Ludwig Minnigerode e Michael Rieser. Suo fratello Ernst e più tardi Georg sono entrati nella stessa scuola. Klimt seguì un corso speciale sotto Ferdinand Laufberger e Julius Viktor Berger. Gustav Klimt vi studiò fino al 1883 e si specializzò nella pittura architettonica.

Gustav Klimt è considerato l”unico diplomato della Scuola di Arti e Mestieri di Vienna che raggiunse un successo significativo nella sua carriera artistica prima della fine del ventesimo secolo. Al terzo anno di studi, i fratelli Klimt e il loro amico pittore dei tempi degli studenti, Franz Mach, ottennero dal collegio una borsa di studio di 20 fiorini al mese per proseguire gli studi in pittura e arti decorative. Fondarono un”associazione artistica nel 1879, aprirono il loro laboratorio a Vienna nel 1883 e lavorarono insieme con successo fino al 1894 su commissioni di decorazione nelle terre della corona della monarchia asburgica, e dal 1897 nella capitale. La compagnia era sostenuta dai suoi insegnanti e dal direttore della scuola Rudolf von Eitelberger. Rieser assicurò piccole commissioni ai suoi allievi durante i loro studi, per esempio per preparare copie di schizzi per una delle vetrate della Votiveirche. Laufberger li mise anche in contatto con Fellner & Helmer, un”azienda specializzata in sedute teatrali, che si assicurò le loro prime grandi commissioni: affreschi e tende per i teatri cittadini di Reichenberg e Karlsbad, nonché affreschi per i teatri cittadini di Fiume, Brunnen e Bucarest. Tutti e tre i membri della partnership artistica avevano uno stile di scrittura molto simile. Dalle note autobiografiche di Macha sappiamo che per ogni commissione affidata alla società, i tre artisti preparavano tre serie separate di bozzetti, in modo che il cliente avesse una scelta. Si decideva a sorte chi avrebbe lavorato sul disegno scelto e capitava che Franz Mach lavorasse su un disegno di Gustav Klimt o viceversa. Il più giovane Ernst era più spesso assegnato a lavorare sullo sfondo o sull”inquadratura. Hans Makart, il “Principe degli artisti”, capo dell”Accademia di Belle Arti e maestro indiscusso della scuola d”arte della Ringstrasse, dominava a Vienna in quel periodo. Tutte le commissioni per le quali Klimt e Mach gareggiarono andarono a Makart. Fu solo dopo la morte prematura di Makart nel 1884 che si aprirono opportunità di carriera per altri artisti nella capitale. La prima commissione dell”associazione artistica, ereditata da Makart attraverso J.W. Berger, fu la pittura della camera da letto dell”imperatrice Elisabetta nella Villa Hermes con scene dal “Sogno di una notte di mezza estate” di Shakespeare. I clienti erano così soddisfatti che hanno commissionato a tre artisti di affrescare anche il salone della villa.

Grazie al talento organizzativo di Mach, che assemblava meticolosamente una rete di contatti e conduceva abilmente la pubblicità, gli affari della società decollarono rapidamente. Sotto il patrocinio di Eitelberger, tra il 1886 e il 1888 il trio artistico lavorò agli affreschi per le due scale anteriori del Burgtheater, con temi che vanno dall”antichità al XVIII secolo, chiaramente definiti dal direttore del teatro Adolf von Wilbrandt. Klimt ha creato diversi affreschi per il Burgtheater: Il carro di Tespi, Il Globe Theatre di Londra, L”altare di Dioniso, Il teatro di Taormina e L”altare di Venere. Anche se Klimt sosteneva di non dipingere autoritratti, può essere visto nel lato destro dell”affresco del Globe Theatre in una rafia inamidata accanto a suo fratello Ernst in una canottiera rossa e dietro Mach con un cappello senza tesa. Nel 1888, il consiglio comunale di Vienna incaricò Klimt e Mach di dipingere in due quadri gli interni del vecchio Burgtheater sulla Michaelerplatz, che doveva essere demolito. Come parte dei loro preparativi, hanno assistito agli spettacoli quasi ogni giorno per avere degli abbonamenti gratuiti in platea. L””Auditorium del vecchio Burgtheater” di Klimt era una rappresentazione quasi fotografica dei duecento membri della società viennese dell”epoca, ma ne attirò più di cinquecento che desideravano essere raffigurati. Con grande difficoltà Klimt e Machu riuscirono a scegliere i ritratti di coloro che dovevano essere ritratti, tra cui prima di tutto i clienti abituali del Burgtheater, ma anche artisti, finanzieri, scienziati, importanti aristocratici e ufficiali, la corte imperiale e le bellezze viennesi. Klimt produsse copie dei suoi quadri per molte persone importanti, ottenendo così il riconoscimento nelle alte sfere di Vienna e affermandosi come “uomo delle signore”. Per il suo lavoro nel Burgtheater Klimt fu premiato con la piccola medaglia d”oro nel 1893, e la collaborazione ricevette la croce d”oro con la corona dall”imperatore Francesco Giuseppe.

Dopo il Burgtheater, il sodalizio artistico di Klimt e Macha continuò a decorare gli spazi delle scale giganti e dei pilastri del Kunsthistorisches Museum con un ciclo di dipinti allegorici, inscritti in arcate alte più di 12 metri nel foyer del museo. Tra le opere eseguite da Klimt per il Kunsthistorisches Museum, scelte a sorte, c”è “Antica Grecia” (“La ragazza di Tanagra”), in cui si nota già che Klimt nel suo sviluppo creativo cerca di allontanarsi dagli ideali dei suoi maestri e si avvicina all”Art Nouveau. La giovane donna è vestita nello spirito dei preraffaelliti e dei simbolisti inglesi, e tra due colonne su uno sfondo di ornamenti di vite, anfore e sculture greche antiche della collezione del museo è vestita in modo moderno, con un”acconciatura moderna e una posa che non è conforme ai canoni dello storicismo accademico. I ritratti del compositore Josef Pembaur e dell”attore Josef Lewinsky come Carlos di “Clavigo” e “Love” per l”edizione in più volumi di “Allegories and Emblems”, in cui Klimt disse addio alla pittura da salotto Gründerzeit, sono anche la prova del suo allontanamento dallo storicismo al simbolismo. Dopo il successo delle opere al Kunsthistorisches Museum nel 1891, tutti e tre, appena trentenni, furono accettati nell”associazione degli artisti viennesi. Con il miglioramento delle loro condizioni finanziarie grazie ai figli, nel 1890 la famiglia Klimt si trasferì in una nuova casa in Westbahnstraße 36, dove Gustav avrebbe vissuto fino alla sua morte. Nel 1892, il trio di artisti di successo si trasferì in un nuovo studio nel tranquillo e idilliaco padiglione del giardino al 21 di Josefstädter Strasse. Ma Gustav Klimt fu tristemente colpito da un lutto nel 1892: suo padre morì a luglio e suo fratello Ernst a dicembre. Si sa poco del rapporto di Gustav Klimt con suo padre, ma la morte del fratello, che era un amico e collega intimo, lo fece sprofondare per cinque anni in una crisi spirituale e creativa.

“Dipinti della facoltà”

Senza Ernst Klimt, le relazioni tra i due membri del sodalizio si incrinarono. Franz Mach tentò senza successo di ottenere una commissione indipendente per decorare la sala delle assemblee dell”Università di Vienna con i suoi schizzi, ma non ci riuscì e fu costretto a ingaggiare Gustav Klimt, che ricevette tre dei cinque dipinti: Filosofia, Medicina e Giurisprudenza. Mach ha lavorato su “Theology” e “Triumph of Light over Darkness”. Per Klimt, la scandalosa vicenda dei “Quadri della Facoltà”, che ha messo in crisi il suo rapporto con lo stato austriaco, ha segnato una svolta nella sua vita e nel suo lavoro. All”inizio gli artisti non erano d”accordo sullo stile del lavoro da fare, e Klimt lavorava sempre più spesso da solo nello studio. Nello scioglimento della società dopo la morte di Ernst, Gustav non vide più la necessità di limitare la sua creatività per il bene comune. Sia Klimt che Mach fecero contemporaneamente domanda per una cattedra all”Accademia delle Arti di Vienna, ma Klimt fu respinto, e il conflitto tra i compagni di un tempo si inasprì per molto tempo: anche anni dopo, Klimt rifiutò di invitare Mach alla Secessione di Vienna. Poi i bozzetti di quadri presentati da Klimt alla Commissione del Ministero dell”Educazione e dei Lumi, più volte inviati per la revisione. Proprio per “filosofia” Klimt, fin dall”inizio, sballottato tra libertà artistica e impegni verso il cliente, preparò 26 schizzi per la composizione. Il rifiuto del cliente governativo è causato, da un lato, dall”allontanamento formale di Klimt dallo storicismo al simbolismo, che è stato percepito come troppo modernista, e, dall”altro, dall”approccio di Klimt alla conoscenza, che non ha solo una capacità razionale, ma anche una visione, un”intuizione. Per Klimt e i suoi collaboratori, l”allegoria, come pura incarnazione di un concetto, è un insieme di convenzioni e tradizioni arbitrarie che hanno espresso valori politici per secoli, quindi contraddice la libera espressione delle idee dell”artista. Nei “Quadri della facoltà” Klimt per la prima volta rifiuta coerentemente l”allegoria come simbolo di un”idea e cerca di trasferire l”idea sulla tela direttamente come essenza metafisica.

“La Filosofia fu mostrata per la prima volta al pubblico nel 1900 alla VII mostra della Secessione di Vienna, dove occupò il centro della scena di fronte all”ingresso della grande sala e provocò una protesta non solo da parte dei visitatori della mostra, ma anche dei professori universitari, che si opposero ufficialmente alla collocazione della Filosofia all”interno delle mura universitarie. Lo scandalo, che Vienna non aveva visto fino ad allora, procurò alla mostra un record di 35.000 visitatori e ravvivò l”interesse della società viennese per Gustav Klimt che poteva prevedere e aspettarsi. I giornali scoppiarono con articoli ignoranti e sprezzanti che rimproveravano Klimt per l”arte moderna in generale. Un professore di storia naturale dell”Università di Vienna ha scritto: “Non conosco Klimt e non ho familiarità con i suoi quadri. Ma provo un tale odio per l”arte moderna, che mi oppongo ovunque io possa. Tre settimane dopo l”apertura della mostra, che durò tre mesi, il quadro “Filosofia” andò all”Esposizione Mondiale di Parigi, dove vinse la medaglia d”oro.

Lo scandalo con i ”quadri di facoltà” continuò alla X mostra della Secessione, dove fu mostrata ”Medicina” con la dea Hygieia, il cui braccio è avvolto intorno al serpente Asclepio sopra la coppa della vita contro un potente flusso crescente di corpi umani realisticamente raffigurati, che simboleggiano la morte, la malattia e il dolore. Un feuilleton del Neue Freie Presse accusò Klimt di rappresentare un “trionfo della morte” invece della grande scienza medica degli ultimi anni. La visione scientifica universale sviluppata da Klimt nei “Quadri della Facoltà”, che coinvolge l”astronomia e la psicoanalisi, l”idea di un linguaggio spirituale che si sviluppa in ogni essere umano durante la vita, e la trasformazione fisica e mentale dell”uomo durante la sua vita passò inosservata sia ai professori che ai critici. Il nuovo linguaggio pittorico di Klimt superava i confini delle discipline scientifiche e faceva preoccupare i conservatori per le loro posizioni. La persecuzione di Klimt fu chiamata “la lotta contro la brutta arte”, fu accusato di pazzia e di “scandalosa immoralità”, e i critici di Klimt fecero a gara nel veleno dei loro articoli. Klimt espresse la sua irritazione per lo scandaloso rifiuto dei “quadri della facoltà” in un”intervista alla Wiener Morgenzeitung, dicendo che non aveva tempo per litigare con gli ostinati. “Se il mio quadro è pronto, non voglio passare altri mesi a giustificarmi davanti a un mucchio di persone. Per me, non è quanto piace a molti, ma a chi piace”, ha chiarito la sua posizione. Klimt ha scelto il ruolo di ribelle.

Il terzo e ultimo “quadro di facoltà” “Giurisprudenza” non è piaciuto alla commissione statale con le sue immagini confuse di Verità, Giustizia e Legge. L”allegoria della Legge tiene in mano un libro con Lex, la Giustizia tiene una spada al posto della tradizionale bilancia e ha alzato la mano per giurare, e la Verità è raffigurata come “nuda verità”. Secondo il critico d”arte Ludwig Hevesy, ciò che più turbò la commissione ministeriale fu che invece di dipingere il trionfo della legge come esempio, Klimt mostrò ciò in cui la legge può trasformare una persona – un peccatore ingobbito tra le braccia del polipo di una cattiva coscienza, che viene giudicato dalle forze del destino per emettere una sentenza arbitraria. Klimt scrisse la versione finale di Giurisprudenza nel 1907, quando la controversia iniziale si era già sviluppata in una guerra aspra e inconciliabile tra l”università e l”artista, e forse in essa interpretò la propria situazione.

Dopo molte polemiche, la commissione statale rifiutò di accettare i tre “quadri di facoltà” di Klimt. Berta Zuckerkandl, uno strenuo difensore di Klimt e della Secessione, pubblicò un”intervista e una lettera di Klimt al Ministro dell”Educazione in cui l”artista dichiarava che avrebbe restituito l”anticipo di 60.000 corone il giorno stesso e si sarebbe rifiutato di lavorare con lo stato austriaco, che non credeva nel suo lavoro e diffamava l”artista, e avrebbe tenuto i quadri, senza cambiare un solo tratto in essi. La risposta del ministero è arrivata il giorno dopo e comprendeva il rifiuto di accettare l”anticipo rimborsato e la richiesta di rilasciare immediatamente i tre quadri ordinati, che erano già in possesso dello stato, sotto minaccia di forza fisica. La vicenda tumultuosa, che tutta Vienna seguì attraverso i giornali, si concluse il giorno dopo con una vittoria di Klimt, che non aprì la porta del suo studio ai traslocatori arrivati. Alla fine i “quadri della facoltà” furono acquistati dal mecenate August Lederer. Negli anni 30, le autorità naziste nazionalizzarono la collezione di opere di Klimt di Lederer. I “quadri della facoltà” sono stati distrutti da un incendio l”8 maggio 1945 nel castello di Immendorf, dove erano conservati durante la seconda guerra mondiale insieme ad altre opere d”arte, tra cui altri 13 quadri di Klimt. Il palazzo fu incendiato dai soldati della Wehrmacht durante la ritirata. Solo tre fotografie in bianco e nero e un fototipo a colori della figura di Hygiea da “Medicina” sono sopravvissuti dai “Dipinti della Facoltà”. I suoi colori oro e rosso scintillanti danno un”idea di quanto fossero potenti queste opere d”arte perdute.

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Primo presidente della Secessione di Vienna

La Secessione di Vienna, che rivoluzionò l”arte viennese, è impensabile senza Gustav Klimt, che ne divenne la punta di diamante, e la sua partecipazione alla Secessione ebbe una grande influenza sul lavoro dell”artista. Secondo Hans Tietze, il primo biografo di Klimt, Klimt sembrava già una personalità creativa affermata all”epoca della Secessione, ma il nuovo movimento che emerse lo fece uscire dal suo percorso lastricato, frantumò e risvegliò la sua essenza più profonda e creò l”uomo e l”artista Klimt che conosciamo: nella sua lotta contro Vienna, abbattendo i migliori fiori personali della sua arte, Gustav Klimt, seguendo la legge primordiale del genio, si trasforma in un grumo nell”arte viennese.

La Secessione di Vienna nacque nel 1897 come un”associazione di 50 fondatori, tra cui l”architetto Josef Hoffmann, il decoratore Koloman Moser e l”imprenditore Fritz Werndorfer, che nel 1903 fondarono i laboratori di Vienna, l”architetto Josef Maria Olbrich, che progettò la Casa della Secessione, e il grande educatore Otto Wagner, che creò uno stile architettonico e urbanistico che poneva i bisogni umani al di sopra dei riferimenti architettonici. Carl Moll, Josef Engelhart, Ernst Stöhr, Wilhelm Liszt e Max Kurzweil furono i membri fondatori della Secessione di Vienna. Gli artisti della Secessione non erano uniti da un unico stile, ma dal desiderio di trovare opportunità espositive adeguate. Le mostre organizzate dalla Casa degli Artisti di Vienna furono criticate per essere disordinate, il che rendeva difficile al pubblico la comprensione delle opere esposte, e “orientate al mercato”, che davano la priorità alla vendita piuttosto che a scopi didattici. La Secessione di Vienna mirava a fornire un forum per l”avanguardia austriaca attraverso mostre mirate e allo stesso tempo ad attirare l”arte moderna straniera a Vienna per ispirarsi ed entusiasmare il pubblico con essa. L”elezione di Gustav Klimt come primo presidente della Secessione di Vienna aveva diverse ragioni. In primo luogo, Klimt fu patrocinato da un compagno anziano, l”influente, di successo e popolare Karl Moll, un instancabile sostenitore dell”Art Nouveau con ampie connessioni nella società viennese e un pronunciato talento organizzativo. Fu nel salone di Karl e Anna Moll che Klimt incontrò i membri della società viennese e cominciò a dipingere i loro ritratti. Tra loro c”erano Serena Lederer, Maria Henneberg, Rosa von Roesthorn-Friedman e Theresa Bloch-Bauer, sorella del famoso “Golden Adelie”. In secondo luogo, la personalità di Klimt ha giocato la sua parte: era proprio il tipo di leader di cui gli artisti avevano bisogno – eccentrico, un po” verboso, ma sempre serio. Ci riuscì senza l”aiuto dello Stato e dell”Accademia, e fu visto come un uomo coraggioso e autentico.

Lo sviluppo di Klimt come artista è impensabile senza la Secessione di Vienna: qui fu introdotto a molte opere rivoluzionarie dell”arte straniera e ci furono presentazioni di alto profilo delle sue nuove opere. Per Klimt, la Secessione non fu solo un luogo di rifugio dove trovò persone che la pensavano come lui, ma anche un”arena dove sfidare il pubblico. L”atteggiamento polemico dei fondatori della Secessione può essere visto in diverse opere di Gustav Klimt dell”epoca. In Athena Pallada (1898), la dea, che era stata scelta come patrona della nuova associazione artistica e appariva sul manifesto della sua prima mostra, è deliberatamente mostrata in una forma distorta, descritta da Ludwig Hevesy come la “demonessa della Secessione”, che ipnotizza lo spettatore con il suo sguardo gelido. Sta lottando contro una tradizione superata per il bene di una nuova arte – una figura nuda e vittoriosa nella sua mano destra. “Athena Pallada” fu esposta per la prima volta alla prima mostra della nuova Casa della Secessione nell”autunno del 1898 e fece molto scalpore. La nuova, insolita interpretazione di un soggetto antico, proposta dall”artista, lasciò insoddisfatti gli aderenti alla tradizione classica a causa della sua brutalità. La prima opera veramente modernista di Klimt avvisò il pubblico dell”arrivo sulla scena artistica viennese di una personalità controversa che l”avrebbe messa in moto.

Per la XIV Esposizione della Secessione di Vienna del 1902, dedicata al genio di Ludwig van Beethoven, Gustav Klimt creò il Fregio di Beethoven, originariamente concepito come un disegno temporaneo per tre pareti della sala laterale sinistra della mostra di Beethoven. Il Fregio di Beethoven fu ispirato da Richard Wagner, che aveva scritto “Opera e Dramma” sulla Nona Sinfonia di Beethoven come un”opera d”arte sintetica che era pienamente in linea con l”ideale secessionista. Avendo rielaborato creativamente i pensieri di Wagner e l”Inno alla gioia di Schiller, Klimt ha dato alla struttura del fregio una musicalità in motivi ricorrenti con personaggi femminili che incarnano la ricerca della felicità. Sulla base teorica del testo di Wagner, Klimt descrive da sinistra a destra le sue impressioni dall”ascolto della sinfonia in combinazione con l”ode di Schiller sulla lotta dell”umanità per la felicità. “La mostra di Beethoven” è stata un enorme successo. La rivista d”arte German Art and Decorative Art ha elogiato Klimt a questo proposito: “Klimt – è un”individualità che non vuole essere misurata da un metro, è suscettibile delle impressioni più sottili della sua essenza, per quanto strano possa sembrare, interamente viennese. L”arte di Klimt, esotica, stravagante, delicatissima com”è, è radicata proprio in questo genere. Privata di tutte le rozze forme sensuali, appare come una raffinata ”venalità”, come un substrato spirituale in cui nulla rimane dell”essenza materiale delle cose se non un soffio di fascino, una leggera fragranza terrena, un”avvolgente atmosfera sensuale.” Ma anche i critici si indignarono: il critico musicale Robert Hirschfeld ritenne che le oscenità della sezione centrale del fregio superassero tutti i precedenti esempi di oscenità nell”arte. La Wiener Sonn- und Montagszeitung considerò il fregio di Beethoven un insulto ai sentimenti sacri e lo etichettò come pornografia pittorica, degna di orge pagane sotterranee piuttosto che di sale, dove donne distinte e giovani signore vengono a godere dell”arte. Pochi contemporanei potevano apprezzare la capacità di Klimt di astrarre i corpi delle donne e trasformarli in simboli di qualcos”altro.

Una spaccatura all”interno della Secessione viennese emerse nel 1905, sia per motivi ideologici che materiali. Sul piano ideologico, i secessionisti erano divisi su questioni di stile: Klimt e i suoi sostenitori, i cosiddetti “stilisti”, sostenevano la penetrazione dell”arte in tutte le sue forme in tutti i settori della vita e davano grande importanza alle arti applicate in questa direzione. Questo approccio non piaceva ai “naturalisti”, che tenevano ad una definizione chiara dell”arte. Secondo Ludwig Hevesy, le divergenze di opinione all”interno della Secessione viennese si erano già create fin dai tempi dei preparativi per l”esposizione mondiale di St. Louis nel 1904. Inizialmente l”Austria si rifiutò di partecipare a questa esposizione mondiale, ma quando seppe che c”erano solo due paesi che si rifiutavano di partecipare, l”Austria e la Turchia, cambiò idea. Il Ministero dell”Educazione incaricò un gruppo secessionista di preparare l”esposizione austriaca e, invece di selezionare le migliori opere, decisero di progettare la sala Hoffmann secondo gli ideali del Gesamtkunstverk con opere di soli tre secessionisti: quadri di Klimt, sculture di Franz Metzner e sculture policrome di Franz Andry. Una tale decisione non poteva non suscitare il disappunto della maggior parte dei secessionisti. Nel 1903, la Secessione tenne la sua prima mostra personale, e fu dedicata all”opera di Gustav Klimt. Ha avuto un grande successo – l”artista ha ricevuto 36.000 corone. Nello stesso anno Hoffmann e Moser aprirono i laboratori di Vienna, che producevano beni di consumo altamente artistici, dai rivestimenti murali, mobili, stoviglie e posate agli accessori da donna e cartoline personalizzate. Nel 1904 il gioielliere Paul Bacher comprò la Galleria Mitke come negozio della Secessione viennese. Il cosiddetto ”gruppo di artisti”, guidato da Engelhart, protestava contro la realtà della vita e la necessità di guadagnarsi da vivere protestando contro l”infida mescolanza di pratiche artigianali e artistiche, contro la ”commercializzazione” dell”associazione e le ”mostre competitive” dove veniva dichiarato un prezzo per ogni opera d”arte. Nel 1905, gli associati di Engelhart erano in conflitto con il cosiddetto “gruppo Klimt”, credendo di essere immeritatamente messi in disparte da artisti di successo come Klimt, Moser o Moll, e accusando i loro avversari di discriminazione alle mostre. Tali accuse non erano del tutto giustificate, poiché il gruppo di Engelhart in questi sette anni di esistenza della Secessione si concentrò prevalentemente sui compiti di leadership e di organizzazione nella preparazione delle mostre a scapito dello sviluppo creativo, ed Engelhart fu eletto due volte presidente della Secessione nel 1899 e nel 1910. È stato deciso contro il gruppo Klimt con un margine di un solo voto.

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Mostre d”arte di Vienna 1908 e 1909

Dopo aver lasciato la Secessione nel 1905, il gruppo di Klimt non ebbe mostre comuni per tre anni, che per gli artisti erano sempre stati una significativa fonte di reddito. Le opere di Klimt, a partire dai “Quadri della Facoltà” del 1907, furono esposte di tanto in tanto nella Galleria Mitke a Vienna e all”estero, ma non fu possibile trovare uno spazio espositivo a Vienna per l”intero gruppo di artisti. Nel 1908 e nel 1909, sul sito destinato alla costruzione di una nuova sala da concerto, ma temporaneamente messo a disposizione dal Ministero degli Interni per la mostra, il gruppo di Klimt, con il sostegno finanziario del Ministero della Pubblica Istruzione, fu in grado di organizzare due grandi mostre, senza precedenti a Vienna. J. Hoffmann aveva progettato strutture leggere per creare 54 sale, un caffè all”aperto e un teatro, con passerelle, terrazze e giardini in mezzo. La prima Esposizione d”Arte di Vienna si tenne dal 1° giugno al 16 novembre 1908, in occasione del 60° anniversario del regno dell”imperatore Francesco Giuseppe I. Era dedicata all”arte della monarchia asburgica in tutta la sua diversità: arte della Chiesa, artigianato, cartellonistica, architettura, scultura e pittura. La mostra comprendeva oltre 900 opere d”arte. Nel suo famoso discorso di apertura, Gustav Klimt disse che nessun settore della vita umana, nessun dettaglio piccolo o insignificante, non avrebbe avuto spazio per le aspirazioni artistiche, che anche la cosa più insignificante fatta alla perfezione avrebbe riprodotto la bellezza della terra e che il progresso culturale poteva essere raggiunto solo perseguendo gradualmente e continuamente obiettivi artistici. Nella sala 22, elegantemente decorata da Kolo Moser e designata da Peter Altenberg come “Chiesa dell”arte moderna di Gustav Klimt”, sono state esposte le opere dell”artista degli ultimi cinque anni: Il bacio, Ritratto di Adele Bloch-Bauer I, Danaë, Tre età della donna, Girlfriends II, diversi ritratti e paesaggi di donne. Nelle opere del “periodo d”oro”, presentate alla mostra, l”artista ha già abbandonato il precedente spirito di lotta, si è lasciato trasportare dall”idea della partenza dell”artista nel mondo della bellezza, incarnata al massimo nel “Bacio”. La rivista satirica Die Muskete pubblicò una serie di otto vignette sulle opere esposte alla Fiera di Vienna, tra cui Le tre età della donna di Klimt, Danaë e Adele Gold.

Contrariamente all”ottimismo dei suoi organizzatori, la mostra d”arte nella caldissima estate viennese del 1908 non riuscì a giustificarsi finanziariamente. Inoltre, la critica dura e inaspettata del lavoro del giovane Oskar Kokoschka oscurò tutte le recensioni positive. Il pubblico e la critica saltarono così tanto sul debuttante della mostra che venne in mente il vecchio scandalo dei “quadri di facoltà” di Klimt. Anche il progressista Hevesy, pur ammettendo il talento di Kokoschka, gli negò “anche un kreutzer” per il suo gusto, al che Klimt rispose: “Ma ha talento per un fiorino! Il gusto è importante per l”intenditore di vino, il cuoco. L”arte non ha niente a che vedere con il gusto”. Dubbi sulla correttezza della decisione di partecipare alla mostra e Kokoschka espresso nel gruppo stesso Klimt, perché lo scandalo a causa di tale “ferocia” ha minacciato il successo della mostra nel suo complesso, ma Klimt non si allontanò dal suo studente e difese la sua partecipazione alla mostra, anche se stava per chiudere. Nonostante il fallimento finanziario della prima mostra, la seconda mostra nel 1909, la seconda generazione di modernisti rappresentò non solo Oskar Kokoschka, ma anche Egon Schiele. Klimt espose Judith II, Nadezhda II, paesaggi e disegni nella stessa sala 22 dello stesso anno. Le opere di Van Gogh, Munch, Gauguin, Valloton, Bonnard e Matisse presentate alla mostra del 1909 diedero a Klimt l”impulso per una nuova fase della sua arte. Dopo questo evento di alto profilo nella vita artistica di Vienna con un”ampia partecipazione internazionale, Klimt non organizzò più mostre d”arte.

Anni recenti

Gustav Klimt trascorse gli ultimi anni della sua vita in un isolamento ancora maggiore. Nel 1911, trasferì il suo studio più vicino alla natura, a Hitzing, in una casa a un piano con giardino e aiuole al numero 11 di Feldmühlgasse, vicino al parco di Schönbrunn. In questo studio dalle grandi finestre, circondato da xilografie, sculture, costumi giapponesi, armature di samurai e mobili disegnati da Josef Hoffmann, Klimt iniziò un nuovo periodo creativo e trascorse gli ultimi sei anni della sua vita al lavoro. Qui dipinse la sgargiante e colorata “Signora col ventaglio”, “La sposa” e due “Ballerine”, come se avesse cercato di eliminare la guerra dal suo mondo e avesse creato solo un quadro struggente, “La morte e la vita”. Secondo le note sopravvissute nel taccuino di Klimt, egli fece anche dei buoni soldi durante gli anni della guerra. Nel 1915, la madre di Gustav Klimt morì e lui fu lasciato a vivere con le sue due sorelle nubili in un appartamento in Westbahnstraße.

Nel 1912, Gustav Klimt fu eletto presidente dell”Unione Austriaca degli Artisti e in questa veste partecipò a una mostra generale d”arte a Budapest nella primavera del 1913, dove furono esposte dieci delle sue opere. Nello stesso anno i suoi quadri “Fanciulla” e “Ritratto di Adele Bloch-Bauer II” furono esposti alla XI Esposizione Internazionale d”Arte di Monaco, e fu poi invitato da Karl Reininghaus a far parte della giuria del premio d”arte da lui istituito. Nel maggio 1914, Klimt andò a Bruxelles per vedere per la prima volta il fregio finito nella sala da pranzo del palazzo Stoclet. Gli piaceva il bel palazzo e il fregio stesso, come scrisse a Emilia Fleughe, gli ricordava i mesi estivi di intenso lavoro sul fregio a Kammer on Utterze nel 1908 e 1909, ma non era completamente soddisfatto del suo lavoro. I coniugi Stoclet avevano preparato un vasto programma culturale per il visitatore austriaco: lo portarono in mezzo al Belgio, ma a parte le sculture africane del Museo del Congo, l”artista non fu contento della sua visita in Belgio: non parlava bene il francese e soffriva di nostalgia, naso che colava e problemi digestivi.

Nel 1917 Gustav Klimt fu eletto membro onorario dell”Accademia delle Arti di Vienna e Monaco.

L”11 gennaio 1918, Gustav Klimt subì un ictus che gli paralizzò la parte destra del corpo. Il suo stato di salute cominciò a deteriorarsi rapidamente. Per il trattamento delle piaghe da decubito, fu messo in un letto ad acqua all”ospedale generale con il Prof. Gerhard Riehl, dove prese l”influenza e la polmonite. Per tre settimane furono pubblicati bollettini stampa sullo stato di salute dell”artista, che si supponeva avesse tutte le speranze di guarire. Sul suo letto di morte, un Klimt rasato ed emaciato chiese che le sue sorelle mandassero a chiamare Emilie Flöge. Gustav Klimt morì alle sei del mattino del 6 febbraio 1918, il primo di una serie di decessi di colleghi: nello stesso anno morirono Otto Wagner, Koloman Moser, Egon Schiele e Ferdinand Hodler. Il 7 febbraio, Egon Schiele visitò il suo amico nella stanza d”ospedale malato: Klimt sembrava smunto e ringiovanito, e i disegni che Schiele fece del Klimt morto erano totalmente irriconoscibili. Gustav Klimt fu sepolto nel cimitero di Hitzing. I discorsi al suo funerale lamentavano la scarsa considerazione in cui l”artista era tenuto a Vienna. La sua eredità di pile di disegni e dipinti incompiuti fu divisa tra le sue sorelle, suo fratello ed Emilia Flöge.

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Un ritrattista per signore

Gran parte del successo della carriera di Gustav Klimt come artista venne dai suoi ritratti cerimoniali. Molte delle donne di cui Klimt dipinse i ritratti gli furono presentate da Karl Moll, che lo fece anche entrare nella cerchia sociale della grande borghesia intellettuale. Con alcune donne Klimt faceva amicizia, con altre – aveva relazioni, in ogni caso, lui, come artista, doveva interessarsi al ritratto. I ritratti di donne sono più di un blocco importante nella sua opera, rivelando la sua indipendenza artistica e il suo radicalismo stilistico, e che assicurarono anche la sua indipendenza finanziaria. La maggior parte delle donne ritratte da Klimt provenivano dall”alta borghesia ebraica: nel 1849, fu avviato un cambiamento nella costituzione dell”Austria, che permise agli ebrei di possedere beni immobili, e le ricche famiglie ebree iniziarono ad acquistare magnifici palazzi che dovevano essere decorati di conseguenza, e un ritratto della padrona del palazzo nel salone era obbligatorio. Il problema era che solo pochi rispettati artisti viennesi erano liberali di fronte a un”Austria ancora largamente antisemita. Klimt riuscì a porsi al di sopra delle gerarchie sociali feudali e dell”ostilità antisemita, sapendo che avrebbe incontrato il rifiuto della nobiltà. Tra il 1897 e il 1917, Gustav Klimt dipinse quasi due dozzine di ritratti di gala di donne, e avrebbero potuto essere molti di più se non fosse iniziata la guerra mondiale, che portò a sconvolgimenti sociali. Fin dai “quadri di facoltà” Klimt era conosciuto come “l”artista più erotico”, ma nei ritratti femminili ufficiali, ritraeva soprattutto signore in abiti opulenti che nascondevano i contorni dei corpi dei soggetti ritratti. Da un punto di vista artistico, evidentemente ha sentito la necessità di spogliare i ritratti formali di qualsiasi accenno di erotismo. Nei ritratti formali di Klimt non c”è languore né impulso. Klimt ha persino eluso il compito principale del ritrattista – riflettere la personalità della persona ritratta e ha costantemente privato le signore nei suoi ritratti non solo del corpo, ma anche della personalità. Lo sfondo del quadro e il corpo della donna ritratta passano l”uno nell”altro: non è la donna che si inserisce nello spazio del quadro, ma la sua testa individuale e le sue mani galleggiano in uno spazio inscenato, staccato dalla realtà. La donna è stata così trasformata in un ornamento che il cliente desidera adornare la sua casa.

Il ritratto di Sonja Knips, creato nel 1897-1898, segnò la svolta di Klimt in uno stile che inizialmente fondeva il simbolismo belga e la pittura vittoriana e che in seguito fu influenzato dall”impressionismo, dalle tecniche di mosaico e dalle influenze asiatiche nelle combinazioni più libere. Questo ritratto, che misura 145 × 145 cm, segnò l”inizio di una serie di ritratti di grande formato in cornici sontuose in linea con i gusti della clientela di Klimt. Klimt ha diviso l”area del quadro in due parti quasi uguali: Sonja Knips siede in una poltrona nel primo piano chiaro a destra. Indossa un abito di tulle rosa reso magistralmente; lo sfondo scuro, decorato con fiori, ricorda una terrazza. Nella posa di Sonja, rappresentatività ed evanescenza si scontrano: la posizione del braccio sinistro sul bracciolo della sedia e la sfocatura della mano destra, che tiene l”album rosso, creano l”impressione che sia stata distratta dalla lettura e stia per alzarsi. La forma quadrata del ritratto conferisce alla composizione una compostezza e una serenità che è disturbata dal ritratto del soggetto, che è piegato in avanti con il busto leggermente inclinato in avanti e seduto sul bordo di una profonda poltrona. Per il ritratto di Sonja Knips Klimt scrisse più di una mezza dozzina di schizzi, e la sua composizione insieme agli schizzi la elaborò nello stesso album rosso che è raffigurato nella mano di Sonja. Il ritratto fu esposto alla Seconda Esposizione della Secessione nel novembre 1898 e fu un punto di svolta nella carriera artistica di Gustav Klimt. Nel 1898-1899, influenzato da Fernand Knopf, James Whistler e Claude Monet, Klimt dipinse ritratti quasi monocromatici di Gertrude Steiner e Serena Lederer, ma fu probabilmente insoddisfatto dei risultati perché successivamente tornò a colori più brillanti e a una composizione più elaborata dello sfondo.

La tappa successiva nello sviluppo dello stile di ritratto di Klimt fu il ritratto post-impressionista di Maria Henneberg, moglie del fotografo Hugo Henneberg. In un ritratto dai contorni sfumati e dalle transizioni morbide, che sembra un mosaico pittorico, solo il viso e le balze di pizzo del vestito hanno una soggettività concreta. Klimt si è concentrato esclusivamente sul viso, le mani e il vestito, e li ha solo acuiti ulteriormente. Nel suo ritratto di Gertrude, 19 anni, Klimt presenta un”immagine forte e unitaria della ragazza su uno sfondo monocromo quasi bianco, concentrando tutta l”attenzione sul suo viso. In quest”opera l”intero concetto dei ritratti di Klimt è già formalmente stabilito: l”enfasi sul viso e le mani, la carnagione pallida, le guance rubiconde, il petto piatto e, fino al 1912, le gambe invisibili. Peter Altenberg ha parlato con entusiasmo dei ritratti di donne di Klimt: “Questi ritratti di donne sono il coronamento del sottile romanticismo della natura. Creature delicate, nobili piegate, fragili, che i poeti si lasciano trasportare nella fantasticheria del cuore, non cessano e non si spengono mai. Le mani sono il riflesso di un”anima bella, un po” infantile, alta e virtuosa allo stesso tempo! Sono tutti al di là dell”attrazione gravitazionale della terra. Sono tutte principesse dei mondi più belli e più gentili.

Il più famoso ritratto femminile di Gustav Klimt è il Ritratto di Adele Bloch-Bauer I, l”unico dipinto in un vero “stile oro”. Ciò che l”artista ha ottenuto negli altri ritratti attraverso l”uso di colori selezionati – il bianco, come nei ritratti di Serena Lederer, Gertrude Löw e Margareta Stonboro-Wittgenstein, o il blu, come nel ritratto di Emilia Flöge – in Golden Adele lo esalta con l”oro e la riduzione del corpo femminile ad ornamento. I singoli elementi del ritratto possono essere distinti solo dall”ornamentazione di spirali, quadrati e cerchi in diversi colori, principalmente argento e nero, ma anche giallo, arancio, blu, grigio e marrone. Il vestito stretto di Adélie è decorato con ornamenti triangolari che ricordano l”occhio egizio di Horus o l”occhio cristiano di Dio. Il rifiuto della prospettiva e degli ornamenti è la via di Gustav Klimt verso l”astrattismo in bilico.

“Periodo d”oro”

Il “periodo d”oro” è il più famoso nell”opera di Gustav Klimt. Si rivolse alle possibilità decorative dell”oro quando era ancora nella bottega di suo padre come orafo, sperimentandolo alla scuola d”arte e mestieri e poi lavorando per Makart, che considerava il fondo oro neutro ma maestoso per sottolineare il significato iconografico delle immagini. Durante i viaggi in Italia nel 1899 e nel 1903, Klimt rimase stupito dai mosaici d”oro della cattedrale di San Marco a Venezia e della chiesa paleocristiana di San Vitale a Ravenna. Nella prima metà del XIX secolo, gli sfondi d”oro e i mosaici d”oro segnarono un ritorno d”interesse per il Medioevo. Klimt apprezzava il potere decorativo dell”oro e lo usava non solo come sfondo, ma anche per abiti, capelli e ornamenti. La misura in cui l”artista ha esplorato intensamente le possibilità di questo materiale è dimostrata dal perfezionamento della tecnica di Klimt nel lavoro con l”oro e la sua graduale estensione all”intera opera. Nella sua prima opera, “Athena Pallada” (1898), l”elmo, l”armatura e il bastone sono dipinti in olio dorato su una cornice di potassa. In “Judith” (1901) viene già usato il fondo oro e per la prima volta la foglia d”oro. Dai ricordi di Hevesy si può vedere che la “Filosofia” della facoltà era decorata con oro e l”unico fototipo a colori di “Medicina” ha un serpente, gioielli e vestiti di Hygiea decorati con oro. In “Speranza II” (1907-1908) Klimt ha lavorato con lamine d”oro e d”argento, e in “Bacio” (1908-1909) lo sfondo è fatto di doratura in rame, e nei lussuosi amanti dei paramenti ornamentali in rilievo oltre alla lamina d”oro sono stati usati argento e platino. Nel Fregio di Beethoven Klimt ha usato pietre semipreziose e madreperla. Il cliente diede a Klimt carta bianca, sia artisticamente che finanziariamente, per un fregio nella sala da pranzo del palazzo dell”industriale belga Adolphe Stoclet, e l”artista lavorò con marmo costoso, smalto, argento, oro, cristallo, madreperla, ceramica e pietre preziose. Il continuo sviluppo di questa tendenza da parte di Klimt avrebbe reso economicamente impossibile lavorare esclusivamente con materiali costosi. Il fregio di Stoclet, che alla fine si rivelò un disastro per i laboratori viennesi che decoravano gli interni del palazzo Stoclet, completò anche il “periodo d”oro” dell”opera di Klimt: i dipinti erano totalmente persi contro le possibilità antieconomiche di lavorare con materiali musivi nell”arte decorativa e applicata. In soli due anni – da “Il bacio” a “Giuditta II” – Klimt abbandonò completamente sia l”oro che l”ornamentazione geometrica nella sua opera. I suoi colleghi francesi Henri Matisse, Paul Gauguin e Vincent van Gogh, che avevano partecipato all”esposizione d”arte di Vienna del 1909, incoraggiarono Klimt a sperimentare quasi senza limiti con il colore e fecero anche l”unico viaggio a Parigi. Tuttavia, l”oro nella scuola d”arte austriaca segnò l”inizio di un nuovo percorso – l”interazione dei tre tipi di arti plastiche: monumentale, da cavalletto e decorativa, e divenne uno strumento dell”Art Nouveau.

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Grafica

Oggi si conoscono circa quattromila opere su carta di Klimt, in realtà ce n”erano molte di più, e nuovi disegni di Klimt continuano ad apparire sul mercato. Il posto centrale nella grafica di Gustav Klimt è occupato dalla figura umana, specialmente la figura femminile solitaria; gli schizzi di paesaggi, di genere, di soggetti animalisti o di natura sono molto più rari. Klimt disegnava di solito con il gesso nero, poi con la matita semplice, a volte con matite colorate. Usò raramente la penna, l”acquerello, la pittura d”oro e d”argento furono usati da lui nella fase iniziale del suo lavoro fino al “periodo d”oro” compreso. Per i suoi disegni, Klimt usò sempre lo stesso formato di carta per quaderni rilegati, e solo nel 1904 passò a un tipo di carta di formato più grande, più leggero e più durevole, che ordinò attraverso la Vienna Tea Company in Giappone. Gustav Klimt dipingeva ossessivamente e con disciplina. Lavorava prevalentemente con modelli dal vivo, le loro pose e i loro gesti li metteva in sequenza con cura: diplomato in una scuola d”arte e artigianato, cresciuto nella tradizione dello storicismo, Klimt era ben consapevole del ruolo di servizio del disegno. Molti dei disegni di Klimt sono legati al suo lavoro di pittura nel senso più ampio. A volte i temi dei dipinti sono stati fissati da disegni precedenti, spesso Klimt ritorna al tema del dipinto per sviluppare nuove idee. Klimt incontra molti disegni autonomi, per un certo numero di dipinti non ci sono schizzi.

Si dice che Gustav Klimt si sia guadagnato la fama di “pittore di signore” con i suoi ritratti di signore della società viennese, ma in realtà i suoi studi di nudo, a cui si rivolse alla fine del suo “periodo d”oro” e il suo interesse per l”arte giapponese, ne gettarono le basi. Nei disegni di nudo di Klimt è evidente che prediligeva i modelli femminili. L”ossessione dell”artista per il sesso femminile con le sue modelle è palesemente voyeuristica: durante le sue lunghe sedute sessuali, Klimt osservava le ragazze abbandonarsi allo stato erotico. Contrariamente alla società patriarcale dell”epoca, che deplorava l”attenzione alla vita intima della donna, l”artista si interessava soprattutto al piacere che le donne traevano dal proprio corpo. Se gli piaceva una ragazza, poteva catturare momenti del suo relax e della sua autocompiacimento fino allo sfinimento in una mezza dozzina di schizzi. La serie di disegni di Klimt dovrebbe essere vista proprio come un processo di soddisfazione sessuale registrato nel tempo nelle sue varie fasi. Gustav Klimt non fu il primo artista a raffigurare una donna che si masturba, ma fu il primo a elevare la masturbazione femminile a un genere artistico separato. Le modelle nude di Klimt sono libere dalla paura e dalla vergogna e piene di passione, e i disegni erotici di Klimt sono un monumento alla sessualità femminile. Non c”è machismo, non c”è volgarità, non c”è aggressività né cinismo come in altri artisti del suo tempo. Al contrario, Klimt sembra flirtare con le sue modelle, gode della loro rilassatezza e la cattura in ogni dettaglio, e ogni linea nel disegno di una natura femminile nuda è eseguita da Klimt con rispetto per la specie femminile. L”aspetto rivoluzionario della grafica erotica di Gustav Klimt è che contrasta l”opinione prevalente secondo cui la donna cessa di essere una bella superficie di proiezione o un oggetto di rappresentazione sottomesso. La grafica erotica di Gustav Klimt fu influenzata dall”arte giapponese, che studiò intensamente negli anni di crisi 1909-1910. I “quadri di primavera” giapponesi di Shunga dimostravano un approccio completamente diverso alla nudità, alla sessualità e alle prostitute rispetto a quello di Vienna. Nel 1905, Gustav Klimt contribuì con 15 studi di nudo che aveva precedentemente dipinto per illustrare un”edizione dei Dialoghi degli Eterni di Luciano, tradotti da Franz Blei, preparati dai laboratori di Vienna; altrimenti, il lavoro di Klimt in questo genere non fu esposto durante la sua vita.

Motivi asiatici

Gustav Klimt prestò molta attenzione all”arte giapponese durante la Sesta Esposizione della Secessione, dove fu esposta la collezione di arte applicata giapponese di Adolf Fischer. Klimt è noto per aver accumulato una vasta collezione di abiti di seta giapponesi e cinesi, che teneva insieme alle armature rosse e nere dei samurai nel suo laboratorio. Questa collezione fu distrutta in un incendio nell”appartamento di Emilie Flöge nel 1945. Klimt usò i disegni giapponesi della sua collezione come sfondo per alcuni dei suoi dipinti successivi, tra cui i ritratti di Elisabeth Lederer, Paula Zuckerkandl e Friederike Maria Beer.

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Paesaggi

I paesaggi costituiscono una parte significativa dell”eredità artistica di Gustav Klimt. Quasi un quarto dei suoi dipinti sono di questo genere. Klimt si rivolse a questo genere soprattutto nell”estate del 1898-1916 nel Salzkammergut, dove la zona di villeggiatura offriva una ricchezza inesauribile di motivi. Klimt dipingeva paesaggi in vacanza, per cambiare, non su commissione e non limitandosi nel tempo. Dopo la rottura definitiva dei rapporti con il Ministero dell”Educazione i paesaggi sono diventati una piccola ma affidabile fonte di reddito dell”artista. Ha dipinto più di cinquanta paesaggi sull”Attersee: il lago stesso, le foreste circostanti, i giardini dei contadini, singoli fiori ed edifici. Johannes Dobay, uno studioso dell”opera di Klimt, ritiene che alla fine del secolo, con la formazione della Secessione e i problemi con i “quadri di facoltà”, i paesaggi hanno svolto una funzione meditativa per l”artista. I primi paesaggi di Klimt sono considerati “Crepuscolo”, “Dopo la pioggia”, “Frutteto” e “Frutteto di sera”, così come “Casa di contadini con rose”, completato nel 1898. Stilisticamente questo gruppo di paesaggi è vicino a “Signora vicino al camino”, “Signora in vista frontale” e “Ritratto di Sonja Knips”, tutti dipinti nello stesso periodo. Questo periodo della pittura di Klimt è caratterizzato da una tecnica a pasta, combinata con colori a lavatura dura, che non linearizza e sfuma i bordi, e un primo piano parallelo alla superficie e non limitato nello spazio. A partire dal 1900, i paesaggi costituiscono la metà dell”opera di Klimt, per un totale di circa cinquanta.

Tutti i paesaggi di Klimt sono quadrati e focalizzati come una cornice. L”artista non è interessato a paesaggi alpini panoramici o eroici, ma a soggetti quotidiani e modesti tipici dei cosiddetti “paesaggi privati” dell”impressionismo austriaco: giardini rurali, prati, alberi da frutta e fiori. Ha dipinto case contadine e di campagna, oltre a una vegetazione lussureggiante, stagni e paludi, laghi e alberi. Più tardi vengono aggiunti terreni e parchi, ma sono piuttosto anonimi e inadatti alla veduta. Klimt non dipingeva il cielo, le nuvole o le stelle, ma innalzava l”orizzonte così in alto che tutto ciò che si trovava sotto di esso occupava una vasta area e serviva come portatore di significati, creando, come ha detto lo storico dell”arte Gottfried Fliedl, “il cosmo biologico indipendente dell”artista. Molto raramente, per esempio, solo in “Pioppo II” (1902) Klimt si è rivolto ai fenomeni atmosferici, l”inizio di un temporale in questo caso, e ha abbassato l”orizzonte, dando il ruolo principale del cielo. I paesaggi di Klimt non mostrano quasi mai persone o animali, la loro presenza è indicata unicamente dal terreno coltivato. Nelle uscite Klimt prendeva una cornice quadrata ritagliata da una copertina di cartone, una lente di un cannocchiale o di un binocolo teatrale, con il risultato di scatti fissi di paesaggi colti vicini o lontani senza riferimento temporale o geografico. Anche se tutti i paesaggi sono apparsi nelle vicinanze di Atterse, sono così profondamente stilizzati e subordinati nel contenuto all”atmosfera che il terreno stesso non è importante.

In tempi turbolenti alla fine del secolo, i paesaggi per Klimt simboleggiano un luogo di solitudine – non solo fisica, ma anche mentale. I paesaggi umorali desolati sono un motivo il più neutro possibile, con una lunga storia in Austria. Dopo che gli impressionisti hanno riconquistato il loro posto nei saloni d”arte, Klimt utilizza i loro mezzi stilistici senza paura. Particolarmente suggestivi sono i paesaggi estivi con vegetazione lussureggiante sotto il sole luminoso di Litzlberg, eseguiti da Klimt innumerevoli brevi e cauti tratti colorati sotto l”influenza della tecnica del divisionismo nel 1904-1907: “Rose sotto gli alberi”, “Paesaggio del giardino”, “Campo floreale” e “Campo di papaveri”. L”originale ornamentazione puntiforme dei paesaggi a un esame più attento si piega in sentieri separati da radure, corone di alberi e fiori individuali. Il Frutteto di rose (1912), che, contrariamente alle leggi della natura, presenta simultaneamente rose, papaveri in fiore e meli in fiore, dimostra che Klimt non riproduceva ma piuttosto ricostruiva la natura nei suoi dipinti: una percezione estetica decorativa che seziona artisticamente la natura è estranea alla natura reale. Klimt non dipinge la natura in sé, si ispira ad essa e la riassembla nel quadro. Piccole isole di fiori, paesaggi di giardini in miniatura appaiono in questo periodo e in alcuni ritratti di signore. Prima, in un ritratto di Meda Primavesi, il tappeto su cui sta la ragazza si trasforma gradualmente in un paesaggio di giardino. Nel ritratto, Eugenia Primavesi è vestita con un abito simile a un denso tappeto floreale stilizzato, mentre nel ritratto di Ria Munch III la carta da parati di sfondo consiste in fiori stilizzati. Ma l”artista non ha mai oltrepassato i confini dei generi: non ha mai raffigurato le sue donne in ritratti di giardini o di natura, e i suoi paesaggi non mostrano persone.

Nel genere del paesaggio Klimt riuscì non solo a ritirarsi, ma anche a dispiegarsi creativamente. Ha cercato e trovato il lirico nella natura e si è avvicinato ai motivi naturali come ritratti. Hevesy ha descritto deliziosamente l””umanizzazione” della pianta nel “Girasole” di Klimt: “Un girasole ordinario, che Klimt ha piantato in un disordine floreale, si erge come una fata innamorata, le cui vesti grigio-verdastre pendono in uno stupore appassionato. Il volto del girasole, così misteriosamente scuro in una corona di raggi giallo-oro chiaro, nasconde qualcosa di mistico per l”artista, si potrebbe dire cosmico, non appena Klimt appare”. Klimt conosceva i Girasoli di Van Gogh, che figuravano in una mostra impressionista preparata dalla Secessione di Vienna nel 1903. Ma mentre Van Gogh era interessato ai cambiamenti di colore dei fiori che sbiadiscono, Klimt, all”apice del “periodo d”oro”, dipinse un maestoso ritratto di una pianta orgogliosa su uno sfondo dorato per abbinare i ritratti delle sue signore nella tecnica del mosaico pittorico. Il Girasole fu esposto all”Esposizione d”Arte del 1908 insieme al Bacio incompiuto e all”Adele d”oro.

Dall”esperienza degli artisti francesi, Klimt sapeva che il valore di un paesaggio aumenta se, oltre a trasmettere in modo affidabile lo stato della natura, c”è un equivalente artistico. Per questo, come i suoi idoli, ha utilizzato mezzi ausiliari, in particolare la fotografia, che per ragioni tecniche distrugge l”effetto tridimensionale osservabile a occhio nudo, così Klimt si è rivolto all”ottica per lavorare a una distanza maggiore. La piattezza dell”immagine, sia essa una fotografia o un dipinto, è stata riconosciuta come una qualità da sfruttare piuttosto che da superare. La pennellata e la tavolozza di Klimt non nascondono un”influenza francese, ma il suo approccio è diverso: non cercava il dramma della luce nei fenomeni atmosferici, ma catturava la pace naturale nei suoi quadri. Il suo sguardo è rivolto verso l”interno, verso l”anima della natura, il che lo ha portato a cercare negli esemplari naturali delle inquadrature adatte alle sue esigenze compositive. Uno degli ultimi paesaggi che Klimt dipinse ad Atterse fu il suo “Apple Tree II” del 1916, che era già stato spogliato dei suoi colori precedenti. Le sue fotografie di paesaggio servivano come quadro di riferimento per la sua memoria.

Ricezione

Poco dopo la morte di Gustav Klimt, fu rapidamente dimenticato. La maggior parte delle sue opere erano in collezioni private e accessibili solo a una ristretta cerchia elitaria della società. Dopo 20 anni, a partire dal 1938, quando i nazionalsocialisti si impegnarono a compilare i registri di proprietà degli ebrei viennesi, le opere di Klimt – che non soddisfacevano i gusti del nuovo regime – furono valutate ben al di sotto dei maestri fiamminghi, del Rinascimento, del Barocco, del Romanticismo e del Biedermeier viennese. Klimt non era considerato arte degenerata, ma non era nemmeno apprezzato.

Su iniziativa del Gauleiter Baldur von Schirach, una mostra retrospettiva delle opere di Gustav Klimt fu tenuta alla Casa della Secessione di Vienna nel 1943 per celebrare l”80° anniversario della nascita dell”artista. L”interesse delle autorità ufficiali per Klimt era dovuto al fatto che era associato alla fin de siècle, l”arte viennese e aveva un”influenza significativa sul suo sviluppo. In parte per ragioni di carriera, Schirach, come capo della seconda città del Reich, promosse Vienna come “bastione dell”arte tedesca” e cercò di equipararla a Berlino nel campo della cultura e dell”arte. Per ottenere questo, Schirach era disposto a chiudere un occhio sul fatto che Klimt aveva presumibilmente “violato gli interessi vitali della nazione” e a cancellare ogni traccia di clienti, collezionisti e soggetti ebrei dalla provenienza della mostra. La mostra del 1943 presentava 66 dipinti e 33 disegni di Gustav Klimt provenienti dalle collezioni del Belvedere, del Museo della Città di Vienna e da “collezioni private”, molti dei quali con titoli modificati e semplificati: “Ragazza a figura intera”, “Signora a figura intera” o “Ritratto di donna contro carta da parati cinese”. La mostra fu un successo clamoroso: 24.000 persone la visitarono in un solo mese, dal 7 febbraio al 7 marzo 1943, nel pieno della seconda guerra mondiale.

Dopo la guerra, l”interesse per l”opera di Gustav Klimt è stato ripreso solo nel 1964-1965. Sullo sfondo dell”Art Nouveau cambée austriaca, le mostre di Klimt per il centenario della sua nascita si tennero al Guggenheim Museum di New York, alla Marlborough Gallery di Londra e alla “Secessione – Arte europea a cavallo del secolo” di Monaco. I critici d”arte Gustav Klimt non suscitano più tanta passione come durante la sua vita, negli anni 60 erano modesti, senza lodi e bestemmie, cercando di orientarsi su come classificare il controverso Klimt all”interno del canone storico dell”arte. Da un lato, l”arte decadente di Klimt, morto nel 1918, è diventata obsoleta come la monarchia danubiana, scomparsa nello stesso anno. D”altra parte, Klimt rappresentava qualcosa di più dell”effimera Art Nouveau; dallo spazio ornamentale e bidimensionale di Klimt, con il suo completo rifiuto della prospettiva, all”arte almeno semi-astratta era solo un passo. Tuttavia, negli anni del dopoguerra, quando l”astrattismo trionfava, trovare il giusto posto di Klimt nell”arte era ancora difficile. Negli anni ”60, la ricerca sull”opera di Gustav Klimt ha acquisito una nuova base. Nel 1967, Fritz Novotny e Johannes Dobay pubblicarono un inventario delle opere di Klimt, e nel 1969 fu pubblicato un lavoro documentario completo di Christian M. Nebechai. Già negli anni ”80 è stato pubblicato un catalogo in quattro volumi dei disegni di Klimt, la cui preparazione ha richiesto ad Alice Strobl una dozzina di anni.

La popolarità generale di Gustav Klimt arrivò due decenni dopo. Nel 1985, la Casa della Secessione di Vienna ha tenuto una grande mostra “Sogno e realtà”. Vienna nel 1870 e nel 1930″, dedicata all”arte viennese dal trionfo del Makart nel 1879 alla crisi economica del 1929. In una mostra sulla “Mostra di Beethoven” nel 1902, fu mostrato per la prima volta un fregio di Beethoven restaurato. Anche se la mostra non era dedicata a Klimt, la sua presenza si sentiva in quasi tutte le sale espositive. Nelle parole del suo organizzatore Hans Hollein, “l”erotismo di Klimt e Schiele incombe pesantemente sulla mostra e penetra nelle sue stanze e fessure”. La mostra Sogno e realtà ha elevato Klimt a livelli senza precedenti sia nella storia dell”arte che nella valutazione finanziaria. Fino agli anni ”90, le dispute sulla proprietà delle opere di Klimt non raggiungevano i tribunali, ma dopo la mostra del 1985 a Vienna, i discendenti dei collezionisti d”arte ebrei Gustav Klimt si sono resi conto che la loro proprietà perduta è aumentata di valore e ha avuto senso impegnarsi in una lunga e costosa battaglia legale per la sua restituzione. Le indagini del 1998 del giornalista austriaco Hubertus Czernin sulle condizioni delle opere d”arte nei musei statali austriaci, che erano state di proprietà di famiglie ebree prima del 1938, hanno anche giocato un ruolo. Forse il picco della popolarità moderna dell”artista è stato raggiunto nel 2006, quando è uscito un film su di lui con John Malkovich e una somma record di 135 milioni di dollari è stata pagata per uno dei suoi dipinti.

In Russia, l”interesse per l”opera di Gustav Klimt si è intensificato solo a cavallo tra il XX e il XXI secolo, quando sono apparse le prime traduzioni di opere di studiosi stranieri di Klimt. L”unica monografia sull”opera di Klimt pubblicata in Russia è un libro di I.E. Svetlov, dottore in storia dell”arte.

Gustav Klimt divenne uno degli artisti di maggior successo della sua generazione solo grazie al patrocinio di alcuni collezionisti. Durante la vita di Klimt, i musei statali austriaci furono lenti ad acquisire i suoi quadri. La prima mostra in memoria di Gustav Klimt, tenuta nel 1928, mostrò 76 delle sue opere, e solo sei di esse provenivano dalle collezioni dei musei austriaci. Le storie di molti dei dipinti di Klimt sono strettamente intrecciate con il tragico destino dei loro modelli e proprietari dopo l”Anschluss dell”Austria da parte della Germania di Hitler e assicurano un interesse pubblico duraturo per il lavoro dell”artista.

Lederer, Steiner e Munchies

I principali collezionisti dell”arte di Gustav Klimt furono le tre sorelle Pulitzer Serena (Sidonia) Lederer, Eugenia (Jenny) Steiner e Aranka Munk e i loro mariti. Le liste di confisca delle famiglie Lederer, Steiner e Munch nel 1938 includevano 28 dei famosi dipinti e disegni dell”artista. Ancora prima del suo famoso ritratto di Serena del 1899, Klimt dipinse un ritratto postumo di Gertrude Steiner, figlia di Eugenia Steiner, nel 1898, così come i ritratti di sua figlia Elisabeth Lederer (1914), della madre Charlotte Pulitzer (1915) e di Ria Munch, figlia di Aranka, sul letto di morte (1912).

Serena e August Lederer furono i più grandi mecenati di Klimt, fu grazie al loro aiuto finanziario che l”artista poté riacquistare dallo Stato i “quadri della Facoltà” e porre così fine allo scandalo ad essi associato. La collezione Lederer fino al 1938, oltre ai ritratti dei coniugi, comprendeva schizzi compositivi per i “Quadri di facoltà” “Giurisprudenza” e “Filosofia”, i suprapporti “Musica” e “Schubert al Clavier”, “Fregio di Beethoven”, “Processione dei morti”, “Melo d”oro”, “Giardino di campagna con crocifisso”, “Malcesine sul lago di Garda”, “Melo II”, “Gastein”, “Valle”, “Fidanzate”, “Leda” e “Corsia in giardino con galline”. L”intera collezione Lederer, ad eccezione dei ritratti, del Fregio di Beethoven e del Melo II, fu distrutta in un incendio al castello di Immendorf l”8 maggio 1945. Nel 1944, la galleria Belvedere acquistò due “quadri di facoltà” di Elisabeth Wolfgang Bachofen von Echt, l”ex marito della figlia dei Lederer. Fino alla sua morte nel 1943, Serena Lederer lottò senza paura ma senza successo per la sua collezione di Klimt, cercando di dimostrare che come cittadina ungherese non era obbligata a registrare la sua proprietà, che non era soggetta a confisca in Austria. Alla fine della guerra, i ritratti cominciarono ad apparire sui mercati dell”arte.

Eugenia Steiner non solo apprezzava l”arte, ma anche il commercio ed era tra i più ricchi viennesi. Dopo la morte di suo marito Wilhelm Steiner nel 1922, Eugenia, madre di cinque figli, continuò l”attività di famiglia di suo marito con suo nipote. La manifattura di seta Steiner era vicina al laboratorio di Gustav Klimt; Eugenia collezionava anche Egon Schiele. Oltre a un ritratto di sua figlia Gertrude, secondo il registro, possedeva “Water Snakes II”, “Foresters” Lodge in Weissenbach” così come un ritratto di Meda Primavesi e cinque disegni. Il nipote di Eugenia si suicidò nel 1938 e lei fu privata con la forza della sua quota nell”azienda di famiglia. Eugenia Steiner emigrò negli Stati Uniti attraverso il Portogallo e il Brasile grazie all”aiuto di un parente, il figlio di Joseph Pulitzer, l”influente editore e fondatore del Premio Pulitzer. È riuscita ad ottenere la restituzione di un ritratto di Meda Primavesi, che i suoi eredi hanno donato al Museo d”Arte Moderna di New York. La Galleria Belvedere ha restituito la “Casa del Boscaiolo” agli eredi di Eugenia Steiner nel 2001. Il ritratto di Gertrude Steiner fu venduto da Dorotheum nel 1941 e da allora la sua posizione è rimasta sconosciuta. Lo stesso destino fu fortunatamente evitato da Water Snakes II, che fu acquistato da Gustav Uchitzky.

Quanto seriamente la terza sorella Aranka fosse appassionata d”arte, oltre a commissionare a Klimt tre ritratti postumi di sua figlia Ria, non è documentato. Nel 1941 lei e sua figlia minore Lola Kraus furono deportate a Łódź, e nel 1948 furono dichiarate morte su richiesta di Eugenia Steiner. Le loro richieste di restituzione passarono al nipote Erich Lederer. Nel 2009, gli eredi hanno ricevuto l”ultimo ritratto incompiuto dal Museo Lentos di Linz sotto restituzione e lo hanno venduto attraverso un”asta di Christie”s per 18,8 milioni di sterline (circa 22,67 milioni di euro).

Wittgenstein

Karl Wittgenstein, imprenditore di successo del Gründerzeit e magnate dell”acciaio, si affermò come mecenate degli artisti d”avanguardia investendo una grande somma nella costruzione della Casa della Secessione. Wittgenstein conobbe Klimt attraverso la sua figlia maggiore Hermine, artista e appassionata ammiratrice del suo talento. Nel 1903, Wittgenstein acquistò il “Cavaliere d”oro” di Klimt, che all”epoca si chiamava anche “La vita è una lotta” e ripeteva il motivo del “Fregio di Beethoven”. Nel 1904, Karl Wittgenstein ordinò a Klimt il ritratto della figlia minore Margaret, che non riuscì: secondo l”opinione generale di tutti coloro che conoscevano Margaret, l”artista non riusciva a catturare la natura del modello. Il cliente ricevette un ritratto, dipinto da Klimt all”incrocio di due diversi periodi di creatività, e a Wittgenstein non piacque. Il ritratto fu presto rimosso dalla vista della casa di Wittgenstein, poi venduto e finì alla Nuova Pinacoteca di Monaco dopo un lungo viaggio con diversi trasferimenti.

Bloch-Bauers

Adele e Ferdinand Bloch-Bauer sono i più noti tra i clienti di Gustav Klimt, grazie alla famigerata storia della restituzione dei resti della loro collezione d”arte depredata all”erede-nipote, Maria Altman, e alla vendita di un ritratto in oro di Adele per la cifra record di 135 milioni di dollari nel 2006. Oltre a questo suo ritratto più famoso, Gustav Klimt dipinse nel 1912 un secondo ritratto di Adele in tutto lo splendore colorato del tardo periodo dell”artista. Nel 1903, i Bloch-Bauer acquistarono The Birch Grove e tra il 1910 e il 1916, altri tre paesaggi con Atterse.

Due anni prima della sua morte, Adele Bloch-Bauer fece un testamento in cui nominò suo marito suo unico erede e lo incaricò di ordinare il trasferimento di sei dei quadri esistenti di Klimt alla Galleria Austriaca dopo la sua morte. Adele nominò suo cognato Gustav Bloch-Bauer, il padre di Maria Altman, come esecutore testamentario. Un anno dopo la morte di Adele Gustav Bloch-Bauer, ha inviato una lettera al tribunale distrettuale di Vienna, notificando l”esecuzione del testamento, che ha specificato: “Si prega di notare che questi dipinti di Klimt non è la proprietà del testatore, e il suo vedovo” e questo fatto poi giocato un ruolo cruciale nel risultato del caso di restituzione Maria Altman. Alla fine degli anni ”30, quando la minaccia di anschluss divenne evidente, Ferdinand Bloch-Bauer fece ogni sforzo per salvare la sua collezione. Nel 1936 regalò alla Galleria austriaca il Castello di Kammer sul paesaggio Atterze III. Due giorni dopo l”Anschluss, il 74enne Ferdinand Bloch-Bauer lasciò tutto e fuggì dall”Austria al suo palazzo vicino a Praga, e da lì a Parigi e poi a Zurigo. La sua famiglia fu perseguitata e arrestata. Il marito della nipote di Maria, Fritz Altman, fu deportato a Dachau. Suo fratello Gustav morì nel luglio 1938, i suoi figli e la vedova poterono lasciare il paese solo con grande difficoltà. I beni di Ferdinand Bloch-Bauer sono stati confiscati in un caso di evasione fiscale inventato. Tutti i tesori d”arte dei Bloch-Bauer finirono sotto il martello, e solo cinque dipinti di Klimt furono trasferiti alla Galleria Austriaca, grazie agli sforzi del suo nuovo direttore Bruno Grimschitz.

Dopo la guerra, Ferdinand Bloch-Bauer cercò di avviare un processo di restituzione della proprietà, ma morì nel 1945 senza risultati. La restituzione dei cinque quadri di Gustav Klimt conservati nella Galleria del Belvedere ebbe luogo 60 anni dopo. Inizialmente, Maria Altman aveva pianificato di tenere i quadri nella galleria a condizione di essere riconosciuta come erede legittima, cosa che non accadde perché presumibilmente non c”era una base legale per la procedura di restituzione dei quadri di Klimt di nuovo. Questo rifiuto costrinse la Altman a cambiare le sue intenzioni, e quando finalmente fu presa la decisione di dare i quadri all”ereditiera, lei a sua volta rifiutò risolutamente la Galleria Belvedere, che aveva chiesto di tenere i quadri in Austria come prestito museale. L”Austria ha rinunciato al suo diritto di prelazione e i due ritratti e tre paesaggi di Klimt sono stati venduti a Los Angeles nel 2006. Il desiderio di Adele e Ferdinand Bloch-Bauer di mettere a disposizione del pubblico i loro quadri di Klimt fu esaudito solo in relazione a Golden Adele, che fu acquistato per la New Gallery da Ronald Lauder.

Primavera

I coniugi Primavezi di Olomouc, il banchiere Otto e l”attrice Eugenia, finanziarono i laboratori viennesi e commissionarono a Gustav Klimt due importanti ritratti: la figlia Meda (1912) e Eugenia Primavezi (1913). Il “Ritratto di Meda” è l”unico ritratto rappresentativo di un bambino di grande formato di Klimt. I genitori lo hanno commissionato come regalo di Natale per la loro figlia. Insieme a Josef Hoffmann e Anton Hanack, Klimt visitò la casa di campagna Primavasi a Winkelsdorf, dove si tenevano feste sontuose e feste in costume, senza precedenti in tempo di guerra. Klimt ospitò persino la famiglia Primavasi durante il loro viaggio a Vienna nel suo studio di Feldmühlgasse a Hitzing, mostrando ai bambini i suoi quadri e i suoi abiti di seta orientali. Per il Natale del 1914, Otto Primavasi comprò per sua moglie “Hope II”, che decorò lo studio della loro casa di città, nel 1938 andò alla New Gallery, e negli anni 70 fu venduto al New York Museum of Modern Art. I Primaveras fecero del loro meglio per sostenere l”artista durante la guerra e nel maggio 1916 comprarono il quadro “Litzlbergkeller on Utterse” per 8.000 corone (circa 12.650 euro). In un”asta, organizzata da Gustav Nebehai dopo la morte di Klimt nel 1919, Primavesi acquistò il quadro “Bambino”. Quando Meda Primavasi partì per il Canada nel 1949, portò con sé il ritratto di sua madre, che fu a lungo considerato perduto. Nel 1987 lo vendette all”asta di Sotheby”s e lo portò al Tojo City Art Museum. Meda Primavesi, l”ultima testimone oculare che ha osservato Klimt al lavoro, è morta nel 2000. Il ritratto d”infanzia di Meda era di proprietà di Jenny Steiner e fu donato nel 1964 dai suoi eredi al Metropolitan Museum of Art di New York in memoria di sua madre.

Zuckerkandli

Gustav Klimt non dipinse il ritratto della sua protettrice e appassionata ammiratrice del suo talento, la giornalista Bertha Zuckerkandl, moglie dell”anatomista Emil Zuckerkandl, ma fu probabilmente grazie a lei che altri membri della famiglia Zuckerkandl diventarono suoi clienti. Nel 1912 Klimt dipinse il ritratto di Paula Zuckerkandl, moglie dell”industriale Viktor Zuckerkandl e nel 1917-1918 lavorò al ritratto incompiuto di Amalia Zuckerkandl, moglie dell”urologo Otto Zuckerkandl. Nel 1908, Viktor Zuckerkandl acquistò il quadro “Campo di papaveri” all”esposizione d”arte di Vienna. Amalia Redlich, la sorella di Viktor e Otto e Emil Zuckerkandl, è associata alla restituzione del Litzlberg di Gustav Klimt sull”Attersee dal Museo d”Arte Moderna di Salisburgo nel 2011. Amalia Redlich ereditò il paesaggio di Klimt da Viktor e Paula Zuckerkandl nel 1938. Nel 1941, fu deportata in Polonia insieme a sua figlia e uccisa in un campo di concentramento a Łódź. Il paesaggio di Redlich fu venduto a un mercante d”arte, Friedrich Welz, che lo scambiò con un pezzo della Galleria del Land di Salisburgo nel 1944. Dopo una lunga verifica della provenienza del quadro, che ha confermato i diritti del suo nipote 83enne Georg Jorisch, che era miracolosamente sopravvissuto alla guerra con suo padre nei Paesi Bassi e viveva in Canada, le autorità del museo di Salisburgo hanno deciso positivamente la restituzione senza alcun procedimento legale. Il quadro è andato in Canada ed è stato venduto da Sotheby”s per 40,4 milioni di dollari nell”autunno del 2011. Come ringraziamento per la decisione rapida, senza ostacoli burocratici, Georg Jorisch ha concesso al museo di Salisburgo una somma impressionante per la ristrutturazione di uno degli edifici del museo. La casa di Amalia Redlich sul terreno del sanatorio di Purkersdorf conteneva due paesaggi di Klimt. Nel 2010 Georg Jorisch aveva già recuperato il paesaggio di Klimt della sua famiglia “Chiesa di Kassone” da una collezione privata di Graz: il quadro fu venduto all”asta da Sotheby”s, con il ricavato diviso tra le due parti.

Löw

Il dottor Anton Löw dirigeva uno dei più moderni e grandi ospedali privati di Vienna, il “Sanatorium Löw”, era un artista appassionato e uno dei primi patroni della Secessione viennese. Fino al 1920, il quadro di Klimt “Judith I” era nella sua collezione. Nel 1902, per il suo 55° compleanno, commissionò un ritratto di sua figlia diciannovenne Gertrude per 10.000 corone, che fu accolto con entusiasmo dalla critica in molte mostre. Fino all”Anschluss dell”Austria, il ritratto adornava il salone del Palazzo Löw di Vienna. Dopo la morte di suo padre nel 1907, Gertrude Leuve, che sposò Felschöwangy, assunse la gestione del sanatorio. Lasciò l”Austria al seguito del figlio Anthony nel 1939, lasciando una proprietà del valore di 90.000 reichsmark. Il sanatorio del dottor Löw ha subito un”arianizzazione. Gran parte della collezione Löw è scomparsa senza lasciare traccia. Nel 1941 il ritratto di Gertrude Löw e sei disegni di Klimt della collezione Löw andarono a Gustav Uchitzky. Anthony Felschöwanny, 99 anni, è morto nell”ottobre 2013 senza aspettare un regolamento della proprietà contesa con la sua vedova Ursula Uchitzki, che ha avuto luogo a seguito di una cosiddetta “restituzione privata” nel 2015.

Uchicki

Gustav Uchitzky, figlio illegittimo di Gustav Klimt da Maria Uchitzky, lavorò come regista nello studio cinematografico UFA e fece carriera sotto i nazionalsocialisti. Nel marzo 1940, riuscì a negoziare con le autorità di Vienna per ricomprare il quadro Watersnakes II, confiscato a Jenny Steiner, prima che fosse messo all”asta al Dorotheum. Negli anni 50, Uchitzky aveva la più grande collezione privata di opere di Klimt, che oltre al ritratto di Gertrude Löw e “Serpenti d”acqua II” includeva “Castello a Kammer am Atterse” dalla collezione Bloch-Bauer, “Ritratto di signora” dalla collezione del magnate tessile Bernhard Altmann, cognato di Maria Altmann, “Cascina con le betulle” dalla collezione Georg e Hermina Lazus e “Melo II”. Le ultime tre opere di restituzione andarono alla Galleria Belvedere dopo la morte di Gustav Uchitski e furono successivamente restituite ai loro proprietari originali. Nel 2013, Ursula Uchicki ha risolto la sua disputa con gli eredi di Jenny Steiner sulla proprietà del quadro Water Snakes II vendendolo privatamente tramite Sotheby”s per 112 milioni di dollari. Ursula Uchicki usò metà del denaro per fondare la fondazione privata Gustav Klimt – Vienna 1900, alla quale donò il ritratto di Gertrude Löw e cinque dei sei disegni della collezione di Löw. Nel giugno 2015, il ritratto di Gertrude Löw è stato venduto da Sotheby”s per 22 milioni di sterline, che sono stati divisi tra gli eredi e la fondazione. Secondo il giornale Der Standard, il ritratto è stato acquistato dal milionario britannico Joe Lewis. Gli eredi di Gertrude Leuve hanno dovuto pagare la metà della Fondazione Klimt per cinque dei disegni. La Galleria Belvedere ha erroneamente restituito “Apple Tree II” agli eredi di Nora Stiasna, figlia di Otto e Amalia Zuckerkandle nel 2001 come parte della restituzione, sebbene l”opera appartenesse a Serena Lederer prima che fosse confiscata dal Terzo Reich.

Ci sono molte leggende sulla personalità di Gustav Klimt, poche delle quali sono state vagamente confermate dai fatti. Klimt non ha fatto lunghe dichiarazioni su se stesso o sulla sua arte. Prestava poca attenzione a se stesso, non considerandosi una persona interessante. Nelle sue poche dichiarazioni ufficiali non viene pronunciata una sola parola che possa suggerire un”opinione particolare sulla politica dell”arte, ad eccezione della generale idea liberale dell”autonomia e della libertà illimitata dell”artista. Per la maggior parte, la persona di Gustav Klimt è conosciuta da un racconto di seconda mano che nasconde l”uomo reale dietro uno spesso velo di ammirazione verbale, idolatria e adulazione non celata. Sua sorella minore Hermina Klimt, lo scrittore Hermann Bahr, il critico d”arte Ludwig Hevesi, la giornalista Bertha Zuckerkandl e Hans Tietze, il suo primo biografo, hanno lasciato i loro ricordi di Gustav Klimt come uomo.

Abituato all”attenzione del pubblico, all”amore e all”odio del pubblico allo stesso tempo, Klimt condusse una vita indipendente dalle categorie della società borghese in ogni modo: vestiva con abiti larghi senza cercare di aggiungere eleganza al suo aspetto, comunicava nei più alti circoli anche in dialetto viennese, rimanendo un nativo del popolo, praticava la promiscuità, rifiutava lo stile accademico e si avvicinava alla borghesia ebraica, che lo elevò al di sopra di altri artisti meno audaci, fino a diventare il leader ideale della Secessione. Secondo i ricordi di Ludwig Hevesy, Klimt si comportava in modo potente, aveva sempre la sua opinione, che articolava chiaramente, il che non causava antipatia, ma dimostrava piuttosto il suo potere credibile: “Qui siede al centro del lato lungo del tavolo, semplice ed enfatico, irradiando potere, nato per essere al centro dell”attenzione… Non è vocale, anche se ha sempre qualcosa da dire. Ha un modo di buttare lì una parola o due così brevemente, con fermezza o sarcasmo, come se facesse parte del consenso o, addirittura, ne desse il tono. E ha sempre senso, e sceglie sempre con decisione da che parte stare. Il suo accento, il suo ritmo, la sua gesticolazione sono incoraggianti. Quindi i giovani possono in ogni caso guardare a lui e fidarsi incondizionatamente di lui”. Nell”epicentro della vita culturale viennese, Klimt evitava la pubblicità a tutti i costi, non amava fare discorsi e teneva persino i suoi amici lontani dalla sua famiglia.

Alfred Lichtwark, lo storico dell”arte tedesco e direttore della Kunsthalle di Amburgo, descrive Klimt come un uomo tarchiato e persino obeso, abbronzato come un marinaio, con una faccia da zigomo e piccoli occhi vivaci. Per non far apparire il suo viso rotondo, si pettinò i capelli sulle tempie, un dettaglio che poteva solo accennare alle sue inclinazioni artistiche. I modi di Klimt erano bonari, con i piedi per terra e semplici, parlava a voce alta, con un forte accento austriaco, e amava scherzare con la gente. Questo aspetto esteriore nascondeva la profonda depressione che aveva colpito Klimt dopo la morte di suo fratello Ernst. Nel maggio 1899 in una lettera a Karl Moll, Klimt ammise: “Ho per anni una persona indicibilmente infelice, non è visibile a me, la gente pensa il contrario, persino invidiosa di me. Qualunque cosa io abbia fatto negli ultimi sette o otto anni, i miei compagni sono l”infelicità e il dolore.

Gustav Klimt non amava farneticare su se stesso o sul suo lavoro e non aveva ambizioni letterarie. Ha notoriamente citato: “Non sono bravo a parlare e scrivere, certamente non quando si tratta di parlare di me stesso o del mio lavoro. Il pensiero di scrivere una lettera ordinaria mi fa già venire la nausea”. Dagli scarsi riferimenti sulle cartoline che inviò a Emilia Flege dai suoi viaggi in Europa, sembra che sia rimasto impressionato solo da tre cose: “l”inaudita opulenza” dei mosaici rumeni, i dipinti di El Greco a Toledo e le sculture africane nel Museo del Congo. In un saggio intitolato ”Un commento su un autoritratto che non esiste” ha dichiarato: “Non ho mai dipinto autoritratti. Sono molto meno interessato a me stesso come soggetto di un quadro che ad altre persone, soprattutto donne… Non c”è niente di speciale in me. Sono un pittore che dipinge dalla mattina alla sera… Chi vuole sapere qualcosa di me… deve guardare attentamente i miei quadri. Secondo il ricordo di Erich Lederer, Klimt una volta gli disse con un occhiolino: “Ci sono solo due artisti: Velázquez ed io”.

La vita quotidiana di Gustav Klimt era carica di numerose abitudini borghesi dalle quali non era disposto a ritirarsi. Con un”impotenza infantile, Klimt trasmetteva persino le decisioni commerciali ad altri. Si conosce una storia tipica di un cliente di Klimt, che si aspettava una risposta da lui alla sua lunga lettera, ma ricevette solo un telegramma che diceva “Lettera più tardi”. Klimt” e nessuna lettera. La giornata di Gustav Klimt iniziava con un allenamento con il bilanciere, seguito da una camminata di quattro chilometri dal suo appartamento in Westbahnstraße fino al castello di Schönbrunn, dove faceva un”abbondante colazione con amici e colleghi nell”atmosfera del complesso di divertimenti Tivoli nella vecchia Vienna. Parlare di arte durante la colazione era severamente vietato. Come dice Ludwig Hevesy, Klimt poteva far festa con una schiettezza infantile tra amici intimi, ma in società si mascherava come un uomo reticente che non sapeva tenere una conversazione e non sembrava nemmeno seguirne lo svolgimento, eppure sapeva esattamente quando dire la parola giusta. Da Schönbrunn Klimt prendeva la diligenza o ancora a piedi fino al suo laboratorio, dove lavorava in solitudine fino a sera, circondato dal suo stormo di gatti preferiti. Per trovare la composizione ideale per un quadro, Klimt disegnava magnifici schizzi su carta uno dopo l”altro con una velocità sorprendente, i fogli finivano subito per terra e quando non poteva più muoversi nel suo studio li disponeva in alte torri che si frantumavano al minimo soffio di vento. Klimt, un uomo di carattere, aveva bisogno di una routine per rimanere creativo. Così si è difeso: il suo studio era aperto solo a pochi eletti che conoscevano la bussata segreta. Non voleva vedere nessuno al lavoro e pretendeva pace e tranquillità. Si sa che nell”anticamera dello studio di Klimt c”erano sempre delle modelle non del tutto vestite che lo aspettavano, che il maestro chiamava a seconda delle necessità e pagava loro cinque corone all”ora per aspettare. Con i modelli Klimt non parlava durante il lavoro, e recitava con passione la loro “Divina Commedia” di Dante, che presumibilmente non lasciava andare le sue mani.

Klimt viaggiava raramente, ma nel 1898-1916 lasciò con la sua famiglia Flöge la soffocante Vienna per l”estate per il Salzkammergut, dove passava il tempo a godersi il paesaggio e a studiare con sua nipote Helena, e nei suoi ultimi anni andò regolarmente a Bad Gastein per un trattamento medico. Gli amici sono riusciti a convincerlo ad andare solo se si sarebbero occupati di tutti i preparativi. Nel 1903 viaggiò due volte in Italia, nel 1906 con Fritz Werndorfer a Bruxelles, e da lì via Ostenda a Londra. Nell”autunno del 1909 Karl Moll convinse Klimt ad andare a Parigi e da lì a Madrid, entrambe le città non riuscirono ad impressionare l”artista. Solo El Greco a Toledo ha migliorato il suo umore. I suoi viaggi lo lasciarono rapidamente nostalgico e vicino a preoccupazioni ipocondriache per la sua salute. Dopo aver ottenuto il riconoscimento europeo, Klimt rifiutò ancora molto spesso di recarsi alle mostre internazionali che presentavano i suoi quadri.

Nell”estate sull”Attersee, come mostra una lettera di Gustav Klimt alla sua amante Mitzi Zimmermann a Vienna nel 1903, egli manteneva una routine quotidiana altrettanto rigida: si alzava presto e andava a letto presto, passava tutto il tempo a lavorare sui paesaggi o a studiare i suoi libri giapponesi, distratto solo dai pasti, da una lunga passeggiata mattutina nella foresta, da un bagno mattutino, da un pisolino pomeridiano e da un giro in barca la sera. E anche se Klimt era più socievole durante le vacanze estive, vi scelse luoghi e alloggi tranquilli e solitari: nel 1898 a St. Agatha vicino a Bad Goisern, dal 1900 in una pensione presso la Villa Friedrich Paulick ad Atterse e poi fino al 1907 in un vicino maniero a Litzlberg. Tra il 1908 e il 1912 soggiornò nella villa Oleander con il suo giardino e il suo molo a Kammer am Atterse. Nel 1913 Klimt si riposò con la sua famiglia al lago di Garda, e tornò a Weissenbach, sulla riva meridionale dell”Attersee, dall”estate del 1914. A Weissenbach, Klimt e la famiglia Flöge vivevano in case separate a una certa distanza l”una dall”altra. La gente del posto ricorda che Emilie Flöge e Gustav Klimt trascorrevano giorni insieme; lui veniva spesso visto con un cavalletto in giardino o in bicicletta, ma aveva un aspetto arcigno e poco amichevole e non socializzava con nessuno dei due. Dai ricordi della gente del posto, che circolano da anni, si è formata una leggenda non confermata, secondo la quale l”asociale Klimt lavorava ai suoi paesaggi nell”Attersee anche quando pioveva e c”era vento, e che a volte si sedeva in una barca. Secondo i contemporanei, il bisogno dell”artista di solitudine nella natura aumentò solo nei suoi ultimi anni. Pochi giorni dopo la sua morte, Hermann Bahr confessò: “In generale, solo ora ho afferrato pienamente quanto sia stata gloriosa la sua vita negli ultimi sei o sette anni, dopo che si era ritirato completamente. Questo tipo di distacco è necessario per un”esistenza austriaca a tutti gli effetti”.

Gustav Klimt sviluppò una passione per la fotografia in gioventù e la usò nel suo lavoro sugli affreschi del Burgtheater nel 1888, e in tempi difficili lavorò come fotografo ingrandendo e colorando le fotografie. L”artista fece anche dei ritratti fotografici. Alla XIII mostra della Secessione di Vienna nel 1902, fu esposto il ritratto di Maria Henneberg di Gustav Klimt, e il numero di Capodanno di Arte e Decorazione tedesca presentava fotografie di Emilie Flöge con i suoi abiti fatti a mano, realizzati da Klimt a Litzlberg. La fotografia ha anche semplificato il lavoro dell”artista sui dipinti, liberando tempo sia per lui che per i soggetti dei ritratti. I volti e le mani sui ritratti di Sonja Knips, Maria Henneberg, Emilie Flöge, Margareta Stonborough-Wittgenstein, Fritz Riedler e Adele Bloch-Bauer sono noti per essere stati fotografati. Klimt lavorò lentamente e meticolosamente: completò i paesaggi con Utterse nel laboratorio di Vienna a partire da numerosi schizzi, fotografie e cartoline.

Il pittore donna Klimt era piuttosto esigente riguardo alle commissioni, e mentre la sua popolarità cresceva, più di una volta rifiutò costantemente e con fiducia i clienti. I fattori decisivi per accettare un ordine erano gli stretti legami personali stabiliti o l”interesse per la personalità di una donna. Per esempio, Klimt rifiutò un fregio gentilmente commissionato da Adolf Stoclet per dipingere un ritratto di sua moglie Susanna. Al famoso Max Liebermann, che aveva chiesto un ritratto di sua figlia e si era generosamente offerto di alloggiare nella sua casa di Berlino, Klimt rispose che era d”accordo a fare il ritratto, ma che non poteva lavorare a Berlino e che la Freuleinne sarebbe dovuta venire a Vienna. Dai molti ritratti di donne commissionati a Klimt durante la sua vita, egli era interessato alle donne istruite, emancipate, spesso divorziate, e sempre ricche e ben curate. Sono appassionati di arte, musica, teatro e letteratura, ospitali padroni di casa di salotti laici e, cosa importante, appartengono per lo più alle classi superiori della borghesia ebraica, alla quale l”artista deve molto del suo successo.

La maggior parte degli sponsor e dei collezionisti dell”arte di Klimt erano ebrei, ma per Gustav Klimt questo non giocava un ruolo speciale, perché celebravano sia Hanukkah che Natale, convinti che attraverso l”assimilazione, senza essere religiosi o essersi convertiti al cristianesimo, erano percepiti come cittadini a pieno titolo. Stefan Zweig, austriaco, ebreo, umanista e pacifista ha scritto in Yesterday”s World: “Nove decimi di ciò che il mondo ha soprannominato la cultura viennese del XIX secolo era una cultura sostenuta, nutrita o creata dall”ebraismo. Perché è stato proprio negli ultimi anni che l”ebraismo viennese è diventato creativamente fecondo, creando un”arte per nulla specificamente ebraica ma, al contrario, profondamente ed enfaticamente austriaca, viennese per essenza”.

La lettera di Klimt ai genitori di Marguerite Stonborough-Wittgenstein indica che nel 1905 chiedeva cinquemila fiorini per un ritratto formale, che corrisponde al potere d”acquisto di 63.000 euro di oggi. Uno degli artisti meglio pagati in Austria all”epoca, Klimt non ha avuto difficoltà finanziarie, ma non ha nemmeno cercato di consolidare la sua posizione finanziaria: “C”è ancora nella vita, una volgarità così brutta, di risparmiare il capitale. Il denaro guadagnato è necessario il più rapidamente possibile per spendere. Se tutti potessero essere obbligati a farlo, tutti i guai economici del mondo finirebbero. Il pittore stesso seguì la sua regola: sebbene guadagnasse molto, dopo la sua morte non si trovò denaro nella sua eredità. Klimt non era incline all”austerità ed era generoso con coloro che lo circondavano. Manteneva la sua famiglia, pagava i suoi modelli più della maggior parte degli altri artisti e veniva prontamente in soccorso se avevano problemi di soldi. Secondo Bertha Zuckerkandl, Klimt aiutava le sue modelle a pagare l”affitto e a seppellire il padre, per lui le relazioni umane erano molto più importanti del calcolo finanziario. Questo era noto a molti, e c”era chi abusava della sua gentilezza. Ma Klimt diceva: “Preferisco dare soldi a una canaglia che non a un povero”.

Ci sono due storie divertenti sulla generosità di Klimt verso le modelle che lavoravano per lui: l”Herma incinta e il giovane che ebbe il braccio rotto da Klimt in un incontro di wrestling. Un giorno Herma, una delle modelle abituali di Klimt, improvvisamente non si presentò allo studio. Klimt si è arrabbiato, ma anche preoccupato e ha mandato a cercarla. Si scoprì che la nubile Herma aveva una gravidanza indesiderata, e si vergognava ad annunciarlo, anche se il suo reddito da modella sfamava tutta la famiglia. Senza esitazione, Klimt invitò Herma a posare, perché Klimt non si curava delle norme sociali e della correttezza, e questa è la storia dello scandaloso quadro “Speranza I”, il cui proprietario Fritz Werndorfer dovette tenerlo ben chiuso in casa. Nella seconda storia, un sollevatore di pesi, che spesso lavorava con Klimt, si stancò di posare per tanto tempo, e per sgranchirsi le gambe, l”artista gli propose una lotta amichevole e accidentalmente gli ruppe il braccio. Il giovane continuò a lavorare nello studio di Klimt con il braccio ingessato, come se nulla fosse successo, e l”artista pagò la sua degenza in ospedale e il suo risarcimento. Tuttavia, l”egocentrico Klimt abusava dell”infinita gratitudine delle sue modelle, per lo più ragazze molto giovani di famiglie povere che non potevano rifiutargli l”intimità sessuale. La sua modella, la lavandaia praghese Maria Uchicki, rimase incinta a 17 anni.

Gustav Klimt non si sposò mai, ma ci furono molte donne nella sua vita privata. Klimt riconobbe volontariamente tre figli: il figlio di Maria Uchitski, Gustav, e due figli – Gustav e Otto, che morì di un anno – a Maria Zimmermann e li sostenne finanziariamente. Dopo aver saputo della gravidanza della Zimmermann al suo ritorno dall”Italia, Klimt le scrisse una lettera di dieci pagine in cui ammetteva di provare disperazione e senso di colpa, e prometteva di prendersi cura di lei e del futuro bambino come marito e padre. Madre di due figli di Klimt, Mitzi Zimmermann occupava un posto molto limitato e isolato nella sua vita, l”artista non pubblicizzava la sua paternità, il suo entourage – famiglia, colleghi, mecenati – poteva vederla solo nei suoi quadri. Dopo la morte dell”artista, 14 figli rivendicarono la sua eredità, solo quattro furono alla fine riconosciuti come eredi. La corrispondenza inedita di Emilie Flöge con suo fratello Hermann e sua madre Barbara dimostra che Klimt era sifilitico.

Sonja Knips, nata baronessa Poitier de Escheus, era uno dei soggetti dei ritratti di Klimt, con il quale, secondo alcune testimonianze, aveva una relazione amorosa prima del suo matrimonio con l”industriale Anton Knips nel 1896. Donna moderna, eccezionale e senza pregiudizi, non fu solo una cliente di Klimt, dei laboratori viennesi che decoravano la sua villa e dell”atelier delle sorelle Flöge, ma anche una convinta sostenitrice degli ideali secessionisti. Oltre al suo ritratto, da cui non si separò mai, e ad altre opere di Klimt, la sua eredità comprende un album rosso con un ritratto dell”artista e i suoi schizzi, tra cui “Filosofia”, “Medicina”, “La verità nuda”, “Acqua in movimento”, “Luci vaganti”, “Il toro nero” e “Giuditta”, che probabilmente ha lasciato come ricordo dell”artista. La storia d”amore tra i due è testimoniata anche da un ventaglio di carta dipinto da Klimt con un sonetto persiano dedicato a Sonja. Secondo i ricordi dei parenti di Sonja Knips, lei, come Emilia Flöge, lasciò Klimt perché non era pronto a sposarsi. Il matrimonio con Knips, sebbene abbia dato a Sonja l”indipendenza finanziaria, non le ha portato neanche la felicità coniugale.

Nel 1897, Gustav Klimt incontrò la giovane Alma Schindler, figliastra del suo amico pittore Karl Moll. All”età di 18 anni, la musicalmente e letterariamente dotata Alma era già considerata “la più bella ragazza di Vienna”. Le prime riunioni della Secessione si tenevano al salone Mollay e Alma era talvolta presente. Nella sua biografia, Alma Schindler ha scritto: “Molto giovane lo incontrai in uno di questi incontri segreti. Era il più talentuoso di loro, aveva 35 anni, nel fiore degli anni, bello in tutti i sensi e già allora molto popolare. La sua bellezza e la mia fresca giovinezza, il suo genio, i miei talenti, la nostra comune musicalità soul ci hanno messo sullo stesso tono nella vita. Ero inescusabilmente ingenua in materia d”amore, e lui lo sentiva e mi cercava ovunque. Secondo l”autobiografia di Alma Mahler-Werfel, un ignaro Moll invitò Klimt e alcuni altri amici d”arte a partecipare al loro viaggio di famiglia in Italia. Il persistente corteggiamento di Klimt in Italia conquistò l”affetto di Alma, e questo non passò inosservato a chi lo circondava. La storia d”amore finì bruscamente quando era appena iniziata. In realtà, la storia potrebbe essere stata diversa. Le annotazioni sul diario di Alma Schindler, pubblicate nel 1997, mostrano che era consapevole prima dell”Italia di flirtare con un uomo che aveva già avuto una relazione con almeno tre donne. Ma l”uomo adulto ed esperto ha fatto girare la testa ad Alma a tal punto che l”ha persino convinta a sposarlo con domande insistenti e l”ha subito rifiutata: non può sposarla, il matrimonio è assolutamente impensabile per lui e la ragione è tutta sua e lui ama Alma esclusivamente come un bel quadro. In Italia, Klimt nel suo flirt ha fatto qualche maleducazione e così si allontanò da se stesso offeso la ragazza, e, venire a suoi sensi, era così ossessivo nelle sue suppliche di perdono, che finalmente notato il patrigno Alma e costretto Klimt prontamente restituito da casa Italia. Per non perdere il suo amico, Klimt scrisse una lunga lettera di scuse a Moll, in cui si descriveva come un vecchio asino che si era scioccamente creduto degno del primo amore di una bambina in fiore, e si lamentava delle occasionali cadute della sua attività cerebrale. Karl Moll ha generosamente perdonato il suo amico.

Emilia Flöge terminò la sua storia d”amore con Klimt proprio quando lui si infatuò di Alma Schindler, capendo che ci sarebbero state sempre altre donne nella sua vita oltre a lei. Lo storico americano Karl Schorske, nella sua opera “Vienna. Spirito e società fin de siècle” ha tracciato paralleli biografici tra Klimt e Freud e ha concluso che alla fine del secolo, l”artista stava vivendo una crisi dell”uomo e non poteva accettare le gioie della vita familiare o almeno una relazione permanente. Ma Fleughe e Klimt rimasero anime gemelle per tutta la vita e mantennero un rapporto stretto e di fiducia. Passavano molto tempo insieme, andavano a teatro insieme, apparivano insieme in eventi ufficiali e passavano molte estati insieme sull”Atterse. La società viennese immaginò Emilie Flöge come una santa martire, che rinunciò alla sua famiglia e ai suoi figli per la libertà personale di un”artista e scelse con sacrificio di essere la musa di un artista brillante, trascurando il fatto che era una donna d”affari ambiziosa, di successo e autosufficiente. Né Klimt né Flöge hanno mai commentato la natura della loro relazione. Non sono sopravvissuti documenti che possano far luce sui loro sentimenti reciproci, a parte una serie di fotografie che li ritraggono durante una rilassante vacanza estiva. Dopo la morte di Klimt, Emilie Flöge bruciò alcuni cesti con le sue lettere a lui, e quando il suo archivio fu aperto nel 1983, conteneva circa quattrocento lettere e cartoline di Klimt, tra gli altri. Tuttavia, non era una lettera d”amore, ma piuttosto una semplice corrispondenza quotidiana, scritta in uno stile breve e telegrafico che non tradiva in alcun modo lo stato emotivo o il livello della loro relazione. Questa corrispondenza non fa che confermare quanto fosse forte l”alleanza tra due persone straordinarie, qualunque cosa ci fosse al centro.

Nel 2006, il film Klimt, sulla vita dell”artista, diretto da Raul Ruiz e interpretato da John Malkovich, ha debuttato. Il film ha vinto il premio della Federazione dei club cinematografici russi come miglior film nel programma del concorso principale del XXVIII Festival internazionale del cinema di Mosca.

Il musical Gustav Klimt ha debuttato in Austria nel 2009, con Andre Bauer come Klimt e Sabine Nybersch come Emilie Flöge. Il musical ha debuttato a Vienna dal 1° settembre al 7 ottobre 2012.

Klimt è anche ritratto in “Mahler sul divano” e “La sposa del vento”.

“The Woman in Gold” è un film del 2015. La storia di Maria Altmann, che cerca di ottenere giustizia: recuperare gli oggetti di valore sottratti alla sua famiglia dai nazisti decenni fa. Tra i beni culturali della donna c”è il famoso quadro di Gustav Klimt “Ritratto di Adele Bloch-Bauer”, talvolta chiamato “Adele d”oro”.

Fonti