Henri Matisse

gigatos | Dicembre 9, 2021

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Riassunto

Henri Matisse , nome completo: Henri Émile Benoît Matisse († 3 novembre 1954 a Cimiez, oggi quartiere di Nizza), è stato un pittore, grafico, disegnatore e scultore francese.

Insieme a Pablo Picasso, è uno degli artisti più importanti del modernismo classico. Insieme ad André Derain, è considerato il pioniere e il principale rappresentante del fauvismo, che propagandò una rottura con l”impressionismo e rappresentò il primo movimento artistico del XX secolo.

L”opera di Matisse è portata da un ampio uso del colore e da linee piene di tensione. Nei suoi quadri, la colorazione, la composizione giocosa e la leggerezza dei suoi temi pittorici sono il risultato di lunghi studi.

Con le sue silhouettes (gouaches découpées) create negli anni 40 – un esempio è il libro dell”artista Jazz – Matisse, che era gravemente malato, ha creato un”opera tardiva che porta a termine i suoi sforzi di riduzione e, con la sua colorazione e ornamentazione, è considerata il punto più alto della sua carriera artistica. L”artista considera la Cappella del Rosario di Vence, da lui progettata e decorata e inaugurata nel 1951, il suo capolavoro.

Le sue innovazioni stilistiche hanno influenzato l”arte moderna. Gli espressionisti astratti negli Stati Uniti, per esempio, hanno fatto ripetutamente riferimento al suo lavoro.

Infanzia e istruzione (1869-1898)

Henri Matisse, figlio di Émile Matisse e di sua moglie Héloïse, nata Gérard, è nato nella fattoria dei nonni a Le Cateau-Cambrésis. I suoi genitori gestivano una farmacia e un negozio di sementi a Bohain-en-Vermandois; Matisse è cresciuto lì. Nel 1872, nacque suo fratello Émile Auguste. Suo padre voleva che il figlio maggiore prendesse in mano gli affari dei suoi genitori. Henri, tuttavia, decise di studiare legge a Parigi dal 1882 al 1887 dopo aver frequentato il liceo umanistico Henri Martin a Saint-Quentin, cosa che fece per due anni.

Durante un breve periodo come paralegale a Saint-Quentin nel 1889, Matisse prese lezioni di disegno all”École Quentin de la Cour nelle ore mattutine. Nel 1890, iniziò a dipingere dopo un”appendicectomia, le cui conseguenze lo confinarono a letto per un anno. Abbandonò la sua carriera legale nel 1891, tornò a Parigi ed entrò all”Académie Julian, dove insegnava, tra gli altri, il pittore da salotto William Adolphe Bouguereau. Matisse voleva prepararsi per l”esame di ammissione all”École des Beaux-Arts. Tuttavia, non è passato.

Matisse frequentò anche l”École des Arts décoratifs (Scuola delle Arti Decorative), dove incontrò Albert Marquet, con il quale ebbe una lunga amicizia. Nel 1895, dopo aver superato l”esame di ammissione all”École des Beaux-Arts, entrambi divennero studenti del pittore simbolista Gustave Moreau, nella cui classe erano già stati accettati come studenti ospiti nel 1893. Matisse divenne padre di una figlia, Marguerite († 1982), nel 1894; sua madre era Camille (Caroline) Joblaud, una donna che impiegò come modella e che fu la sua amante.

Durante un soggiorno in Bretagna nel 1896, Matisse conobbe la tavolozza dei colori impressionisti attraverso il suo compagno di viaggio, il pittore Émile Auguste Wéry (1868-1935), suo vicino parigino di Quai Saint-Michel 19. Durante questo periodo cominciò a copiare le opere classiche del Louvre ed espose per la prima volta cinque dipinti al Salon della Société nationale des beaux-arts. Nel 1897 e 1898 visitò il pittore John Peter Russell a Belle-Île, un”isola al largo della costa della Bretagna. Russell lo introdusse allo stile di pittura impressionista e gli fece conoscere l”opera di Vincent van Gogh. Lo stile pittorico di Matisse cambiò radicalmente, e più tardi dichiarò: “Russell è stato il mio maestro, e Russell mi ha spiegato la teoria dei colori”.

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Matrimonio (1898)

Il 10 gennaio 1898, Henri Matisse sposa Amélie Noellie Parayre. Su consiglio di Camille Pissarro, si recò poi a Londra per studiare le opere di Turner. Allo stesso tempo, vi trascorse il suo viaggio di nozze con Amélie, che la coppia, tornando brevemente a Parigi, continuò dal 9 febbraio ad Ajaccio in Corsica. Il matrimonio produsse due figli, Jean Gérard (1899-1976) e Pierre (1900-1989).

Marguerite fu presa in famiglia; Matisse amava molto sua figlia e spesso la ritraeva. Più tardi sposò il critico d”arte e filosofo Georges Duthuit; poco prima della sua morte, lei e suo figlio Claude Duthuit curarono il catalogo ragionato delle stampe di suo padre.

Quando l”insegnante di Matisse Gustave Moreau morì, lasciò l”École des Beaux-Arts nel 1899 a causa di divergenze con il successore di Moreau, Fernand Cormon. Dopo aver studiato ancora brevemente all”Académie Julian, seguì i corsi di Eugène Carrière, che era amico dello scultore Auguste Rodin. Matisse incontrò qui i suoi successivi compagni André Derain e il suo amico Maurice de Vlaminck. Dipingeva con Albert Marquet nel Jardin du Luxembourg e frequentava le lezioni di scultura la sera. Lo stesso anno comprò da Vollard il quadro Le tre bagnanti di Paul Cézanne. Nonostante le gravi preoccupazioni finanziarie, conservò l”opera, che ebbe una grande influenza sul suo pensiero e sul suo lavoro creativo, fino al 1936, anno in cui regalò il quadro al Museo delle Belle Arti del Petit Palais di Parigi.

Anni di crisi (1900-1905)

Matisse frequentò i corsi serali all”Académie Rodin nel 1900 e lavorò sotto la guida dello scultore Antoine Bourdelle con poco successo iniziale. A causa della mancanza di reddito – l”attività di modista di sua moglie non generava abbastanza reddito per mantenersi e i bambini dovevano spesso essere lasciati con i nonni – cadde in una grave crisi finanziaria e prese lavoro come pittore decorativo. Insieme ad Albert Marquet, Matisse dipinse ghirlande e decorazioni per le decorazioni dell”Esposizione Universale del 1900, che si tenne al Grand Palais di Parigi. Il lavoro era estenuante, così tornò a Bohain esausto per recuperare. In quei giorni Matisse era così scoraggiato che pensò di abbandonare la pittura.

Dopo che Matisse ha superato la sua crisi, cerca collezionisti d”arte e opportunità di esposizione. Nel febbraio del 1902, prese parte a una mostra congiunta della neonata galleria B. Weill. In aprile e giugno di quell”anno, Berthe Weill fu la prima galleria a vendere opere di lui. Una prima mostra personale del suo lavoro ebbe luogo nel 1904 a casa del mercante d”arte francese Ambroise Vollard. Nell”estate dello stesso anno, Matisse si reca a Saint-Tropez su istigazione di Paul Signac e comincia a dipingere quadri nello stile del neoimpressionismo.

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L”emergere del fauvismo (1905)

Matisse trascorse l”estate del 1905 con André Derain e a volte con Maurice de Vlaminck a Collioure, un villaggio di pescatori sul Mediterraneo. Questo soggiorno divenne un punto di svolta significativo nel suo lavoro. Così, durante questo periodo, in collaborazione con Derain, si cristallizzò uno stile che passò alla storia dell”arte con il nome di Fauvismo. Il movimento ricevette il suo nome quando il piccolo gruppo di pittori che la pensava come lui, composto da Matisse, André Derain e Maurice de Vlaminck, mostrò i suoi quadri per la prima volta in una mostra al Salon d”Automne di Parigi nell”autunno del 1905, guadagnandosi lo sdegno del pubblico e dei critici d”arte.

Il critico Louis Vauxcelles chiamò gli artisti “Fauves” (“Le bestie selvagge”). Il suo commento “Donatello chez les fauves” fu pubblicato nella rivista Gil Blas il 17 ottobre 1905 ed entrò nell”uso comune. Il fulcro della critica era il dipinto a tinte forti di Matisse, Femme au chapeau (Donna con cappello). Leo Stein, un fratello di Gertrude Stein, comprò il quadro per 500 franchi. Questo “successo scandaloso” fece salire il valore di mercato di Matisse. Gli Stein erano anche tra i suoi mecenati in futuro. Il gruppo fauvista si sciolse nuovamente già nel 1907.

Oggi, il Chemin du Fauvisme di Collioure commemora la nascita del Fauvismo in questo paese: riproduzioni dei quadri di Matisse e Derain che vi sono stati creati sono esposte su un percorso circolare in 19 punti del paese.

Conoscenza di Picasso (1906)

Il 20 marzo 1906, Matisse mostra la sua nuova opera, Lebensfreude (Gioia della vita), al Salon des Indépendants (Paul Signac, vicepresidente degli Indépendants, si unisce alle critiche e si risente del rifiuto di Matisse del post-impressionismo, reso evidente dal quadro. Leo Stein, tuttavia, lo considerava “il quadro più importante del nostro tempo” e lo acquistò per il salone che gestiva insieme a sua sorella Gertrude.

Nello stesso anno, Matisse incontrò Pablo Picasso; il loro primo incontro ebbe luogo nel salone degli Stein, dove Matisse era stato un visitatore regolare per un anno. Da questo momento in poi, Matisse e Picasso hanno condiviso un”amicizia basata sulla rivalità creativa e sul rispetto reciproco. Le amiche americane di Baltimora di Gertrude Stein, Clarabel ed Etta Cone, divennero anch”esse mecenati e collezionisti di Matisse e Picasso. La collezione Cone è attualmente in mostra al Baltimore Museum of Art.

Viaggio in Algeria (1906)

Nel maggio 1906, Matisse si reca in Algeria e visita l”oasi di Biskra. Non dipinse durante il viaggio; fu solo dopo il suo ritorno che creò il quadro Nudo blu (Memoria di Biskra) e, dopo aver completato il quadro, una scultura Nudo reclinato I (Aurora), che ha una postura simile. Dal viaggio di due settimane riportò oggetti di uso quotidiano come ceramiche e tessuti, che spesso usava come motivi per i suoi dipinti. Matisse prese dalla ceramica orientale il colore puro, applicato in modo piatto, la riduzione del disegno a una linea arabescata e la disposizione bidimensionale dello spazio pittorico. I tappeti orientali appaiono nei suoi quadri come in nessun altro pittore modernista. Un esempio è la natura morta Tappeti orientali, che dipinse dopo il suo ritorno.

L”Accademia Matisse (1908-1911)

Su istigazione e con l”appoggio dei suoi ammiratori, Michael, Sarah, Gertrude e Leo Stein, così come Hans Purrmann, Marg e Oskar Moll e altri, fondò una scuola privata di pittura, alla quale fu dato il suo nome: “Académie Matisse”. Vi insegnò dal gennaio 1908 al 1911 e alla fine ebbe 100 studenti dalla Germania e dall”estero. Purrmann era responsabile dell”organizzazione e dell”amministrazione.

Inizialmente, le lezioni si tenevano nelle stanze del Couvent des Oiseaux in Rue de Sèvres. Matisse aveva già affittato un”altra stanza-studio in questo convento vuoto dal 1905, oltre al suo studio originale su Quai St.-Michel. Dopo che fu deciso di fondare l”accademia privata, Stein affittò un”altra stanza del Couvent per le lezioni. Tuttavia, il complesso conventuale dovette essere liberato dopo poche settimane. La scuola si trasferì quindi nel Couvent de Sacré-Cœur sul Boulevard des Invalides all”angolo con la Rue de Babylon.

Il suo carattere non commerciale distingue l”Académie Matisse da altri studi di maestri simili. Matisse attribuiva grande importanza a un”educazione classica di base per i giovani artisti. Una volta alla settimana, una visita ad un museo faceva parte del programma di studi. Lavorare a partire da un modello è venuto solo dopo lo sforzo di copiare. Per l”epoca, la percentuale di donne tra gli alunni era sorprendentemente alta. Tra i 18 allievi tedeschi, per esempio Friedrich Ahlers-Hestermann, Franz Nölken e Walter Alfred Rosam, c”erano otto artiste, tra cui Mathilde Vollmoeller e Gretchen Wohlwill. Olga Markowa Meerson, nata in Russia ed ex compagna di studi di Wassily Kandinsky a Monaco, fu anche una delle sue allieve.

Matisse fece il suo primo viaggio in Germania con Hans Purrmann nel 1908. Lì fece conoscenza con il gruppo di artisti Brücke. Fu invitato a unirsi al gruppo come “Übervater della loro ribellione” – invano. Nello stesso anno, la sua prima mostra americana ebbe luogo alla Galleria 291 di Alfred Stieglitz. Il suo saggio teorico-artistico Notes d”un Peintre (Note di un pittore) apparve nella Grande Revue il 25 dicembre 1908.

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Spostamento a Issy-les-Moulineaux (1909)

Il mecenate russo Sergei Shchukin era venuto a conoscenza del lavoro di Matisse e gli commissionò due grandi dipinti: La danza e la musica. Gli anni di crisi erano stati superati e la posizione finanziariamente consolidata permise a Matisse di lasciare la residenza di Quai Saint-Michel a Parigi nel 1909 e di trasferirsi a Issy-les-Moulineaux, dove comprò una casa e fece costruire il suo studio nella proprietà. Per molto tempo, i membri della famiglia hanno posato per lui gratuitamente e hanno soddisfatto i suoi desideri con comprensione. Erano guidati dalle esigenze dell”artista; per esempio, i bambini dovevano stare in silenzio durante i pasti per non disturbare la concentrazione del padre.

Dopo aver partecipato alla mostra Manet and the Post-Impressionists a Londra, organizzata da Roger Fry nel 1910, le sculture di Matisse furono esposte per la prima volta nella Gallery 291 di Alfred Stieglitz a New York nel 1912. Un anno dopo, nel 1913, alcuni dei suoi dipinti parteciparono all”importante mostra Armory Show, New York, che però attirò critiche caustiche dal pubblico conservatore americano. Il tesoriere dell”Armory Show, Walter Pach, rappresentò l”opera di Matisse negli Stati Uniti dal 1914 al 1926.

Intorno al 1912, alcune composizioni di Matisse furono considerate paracubiste da molti critici. Matisse e Picasso si scambiarono spesso idee in quegli anni. Matisse ha commentato: “Ci siamo dati molto in questi incontri”. In quelle conversazioni, Picasso giocava a fare l”advocatus diaboli, volendo costantemente mettere in discussione qualcosa della pittura di Matisse che in realtà gli stava molto a cuore.

Oltre ai suoi soggiorni a Siviglia (19101911) e Tangeri (19111912 e 19121913), e un viaggio a Mosca (1911), Matisse soggiornò a Berlino nell”estate del 1914.

Anni di guerra (1914-1918)

All”inizio della prima guerra mondiale, nell”agosto 1914, Matisse era a Parigi. Si è registrato per il servizio militare, ma la sua richiesta è stata respinta. Dopo che la casa di famiglia fu distrutta in un attacco tedesco, Matisse non ricevette più notizie da sua madre o da suo fratello, che, come gli altri uomini del villaggio, era stato preso come prigioniero di guerra dalle forze militari tedesche. Poco prima della battaglia della Marna, lasciò Parigi e andò con Marquet a Collioure. Gli orrori di quel periodo riavvicinarono i fauvisti e i cubisti, fino ad allora divisi da conflitti artistici, così Juan Gris rimase con il maestro dei figli di Matisse. L”influenza cubista di quest”ultimo rafforzò l”inclinazione di Matisse verso la semplificazione geometrica. I figli Jean e Pierre dovettero fare il servizio militare dall”estate del 1917.

A Nizza (1916-1954)

Matisse soggiornò a Mentone sulla Costa Azzurra nel 1916 su consiglio medico, poiché soffriva di bronchite, e affittò una stanza all”Hôtel Beau-Rivage di Nizza nel 1916-1917. Questa città sarebbe diventata il suo domicilio per i prossimi anni. Dopo aver vissuto nel frattempo all”Hôtel Méditerranée, si trasferì negli anni 1920 in un appartamento a due piani in Place Charles-Félix a Nizza. Da maggio a settembre, torna regolarmente a Issy-les-Moulineaux per lavorare nel suo studio.

Nel 1918, la mostra Matisse – Picasso ebbe luogo alla Galerie Guillaume, che fu in qualche modo la prova del ruolo di primo piano di questi pittori nell”arte contemporanea. Matisse mostrò alcuni dei suoi dipinti a Renoir, che visitò spesso durante questo periodo; inoltre, socializzò con Bonnard ad Antibes.

Nel 1920, il balletto di Djagilev Le Chant du Rossignol ha debuttato a Parigi, per il quale Matisse aveva disegnato i costumi e la scenografia. Si dedicò di nuovo a lavorare alle sculture, che aveva trascurato negli anni precedenti. Nel 1927, suo figlio Pierre Matisse, che era diventato un gallerista, gli organizzò una mostra nella sua galleria di New York; nello stesso anno ricevette il premio per la pittura della Carnegie International Exhibition di Pittsburgh.

Matisse intraprese molti viaggi per rilassarsi, per esempio a Étretat nel 1921, in Italia nel 1925 e a Tahiti via New York e San Francisco nel 1930.

Durante il suo viaggio di ritorno, nel settembre 1930, visitò il suo importante collezionista Albert C. Barnes a Merion (USA), che gli chiese un murale sul tema della danza per il suo museo privato. Opere di Georges Seurat, Cézanne, Auguste Renoir riempivano già le pareti. Matisse accettò la sfida e riuscì a completare l”opera nel 1932. Nel 1933 nasce a New York suo nipote Paul Matisse.

Per l”arduo compito del murale di Barnes, Matisse aveva impiegato la ventiduenne emigrata russa Lydia Delectorskaya (1910-1998) come assistente, che posava anche per lui. Poi è stato messo di fronte a sua moglie Amélie con l”alternativa: “Io o lei”. Lydia Delectorskaya fu licenziata, ma Amélie chiese il divorzio e lo lasciò dopo 31 anni di matrimonio. Matisse si ammalò molto e riassunse la Delectorskaya. Dopo un soggiorno a Parigi allo scoppio della seconda guerra mondiale, tornò a Nizza.

Negli anni seguenti, ha creato progetti per arazzi e illustrazioni di libri. Ha inciso scene dell”Odissea come illustrazioni per l”Ulisse di James Joyce. Nel novembre 1931, il Museum of Modern Art diede a Matisse l”opportunità della sua prima grande mostra personale americana a New York. Preceduti da una grande mostra alla Galleria Thannhauser di Berlino nella tarda estate del 1930, gli anni 1930-1931 portarono così a maturazione molti dei progetti personali di Matisse e consolidarono la sua già crescente reputazione internazionale. In ottobre esce il primo libro illustrato da Matisse, l”edizione Skira della Poésie de Stéphane Mallarmé.

Nel 1937, Matisse fu incaricato da Léonide Massine di disegnare decorazioni e costumi per Rouge et noir, un balletto con musica di Shostakovich e coreografia di Massine. Un anno dopo, si trasferì a Cimiez nell”ex Hotel Régina, con vista su Nizza.

Nel 1941, Matisse dovette subire una grave operazione intestinale a Lione. È rimasto in ospedale per quasi tre mesi, poi in un hotel per due mesi con l”influenza. Ha sofferto di un cancro al duodeno e di due successive embolie polmonari.

È tornato a Cimiez in maggio. L”operazione e la successiva malattia lo colpirono gravemente, tanto che poté mantenersi in piedi solo per un tempo limitato. Durante la sua convalescenza, ricominciò a lavorare, dipingendo e disegnando a letto, comprese le illustrazioni per l”edizione Fabiani del Pasiphaé di Henry de Montherlant e l”edizione Skira del Florilège des amours de Ronsard.

Nel suo studio ai piedi della Montagne du Baou nella villa Le Rêve, a due chilometri dalla piazza principale del villaggio provenzale di Vence, dove si trasferì dopo un raid aereo su Cimiez nel 1943, Matisse iniziò a lavorare alle sue composizioni di taglia e incolla per il suo libro Jazz. Nel 1944, la moglie divorziata fu arrestata e la figlia Marguerite deportata per il coinvolgimento nella Résistance e condannata a sei mesi di prigione. Le Rêve rimase la sua residenza fino al 1948, quando tornò a Nizza all”Hotel Régina.

All”inizio dell”estate del 1945, Matisse si recò a Parigi, dove 37 opere furono esposte in una retrospettiva al Salon d”Automne. Nello stesso anno, espone con Picasso al Victoria and Albert Museum di Londra. Nel 1946 Matisse ricevette la prima visita di Picasso e della sua compagna Françoise Gilot a Vence; i due artisti si incontrarono più volte fino al 1954.

Nel 1947, Matisse fu elevato al grado di Comandante della Legione d”Onore. Nello stesso anno, iniziò gli schizzi per una cappella delle Suore Domenicane, la Cappella del Rosario a Vence, che lo avrebbe occupato quasi esclusivamente durante gli anni successivi. Il progetto fu il risultato di una stretta amicizia tra Matisse e Suor Jacques-Marie alias Monique Bourgeois. Lui l”aveva assunta come infermiera e modella nel 1941; nel 1946 entrò in un convento domenicano a Vence e le fu dato il nome di Jacques-Marie. Quando si incontrarono di nuovo lì, lei gli chiese consiglio sulla costruzione di una cappella per il convento. Nel dicembre 1949 fu posta la prima pietra della cappella e il 25 giugno 1951 fu consacrata dal vescovo di Nizza. Nello stesso anno, Matisse ricevette il primo premio per la pittura alla Biennale di Venezia.

In relazione alle sue opere esposte negli Stati Uniti nel 1951, lo storico dell”arte americano Alfred H. Barr pubblicò Matisse: his Art and his Public, che rimane ancora oggi un libro importante sull”artista. Nel 1952, il Musée Henri Matisse ha aperto le sue porte nella sua città natale, Le Cateau-Cambrésis. Un anno dopo, seguirono le mostre dei papiers découpés a Parigi e delle sue sculture a Londra. Nel 1954, fu eletto membro onorario dell”American Academy of Arts and Letters.

Matisse lavorò negli ultimi giorni della sua vita alla Rosa Rockefeller, che doveva essere la sua ultima opera, una vetrata per la Union Church di Pocantico Hills, commissionata dalla famiglia Nelson Rockefeller in memoria di Abby Aldrich Rockefeller. Oltre all”opera di Matisse, la chiesa contiene anche finestre di Marc Chagall.

Matisse morì di un attacco di cuore a Nizza il 3 novembre 1954. La sua tomba – la lapide è dedicata a lui e alla sua ex moglie – si trova sul punto più alto del cimitero di Cimiez; è un dono della città di Nizza.

Il 5 gennaio 1963, un altro museo, il Musée Matisse, fu fondato a Nizza. L”artista stesso donò il quadro Natura morta con melograno (1947), quattro disegni degli anni 194142, la silhouette The Creole Dancer (1950) e due stampe su seta, Oceania – The Sea e Oceania – The Sky, entrambe del 1947, prima che il museo fosse fondato il 21 ottobre 1953.

La concezione dell”immagine di Matisse

Nel mondo pittorico di Matisse, il colore acquisisce un carattere autonomo attraverso il suo uso bidimensionale, decorativo e ornamentale, omettendo i suoi aspetti di design spaziale. Qui, il colore non è subordinato né al colore locale né alla descrizione delle strutture di superficie. Piuttosto, Matisse lo usa come un mezzo per riprodurre le sensazioni di colore innescate nel pittore dall”impressione del motivo. Nel suo percorso attraverso il fauvismo, ha creato un mondo pittorico in cui non si dà più importanza all”oggetto che allo spazio interno, cioè lo spazio tra gli oggetti. Nessuna di queste forme è superiore o subordinata a un”altra nella realizzazione dell””espressione” come elemento di design. Secondo questa visione, “l”espressione” può essere realizzata solo attraverso la disposizione e la connessione delle forme di colore – colore e forma sono una cosa sola – tra di loro. Attraverso questa visione, l”osservazione della natura (oggetto) non solo diventa l”occasione per sensazioni colorate (soggetto), ma è anche elevata a correttivo all”interno del processo creativo nella loro interazione reciproca. In questo senso, Matisse si considerava legato alla tradizione. Così Matisse – come Picasso – non fece mai il passo verso l”astrazione completa, poiché in questo modo, come sottolineava, l”astrazione veniva solo imitata.

Un”altra caratteristica della composizione pittorica di Matisse è la linearizzazione degli oggetti. Le relazioni spaziali tra gli oggetti si ritirano sullo sfondo, si dissolvono, ma senza negare completamente i loro riferimenti spaziali. Così, sottolineava che attraverso l”uguaglianza delle forme – oggetto e spazio interno – così come attraverso l”autonomia del colore, era necessaria una linearizzazione degli elementi pittorici e viceversa.

Il crescente bisogno di originalità e individualità in quei giorni, da un lato, e l”avversione a ciò che i loro oppositori vedevano come le opinioni “degenerate” delle accademie ancora stabilite, dall”altro, portò molti pittori a voler prendere una propria posizione. Così, sebbene Matisse trovasse in Cézanne la figura dello spiritus rector, non intendeva continuare il lavoro di Cézanne.

Il primo lavoro fino al 1900

Matisse decise in tarda età di perseguire una carriera artistica. Ha iniziato a prendere lezioni d”arte quando era un paralegale di 20 anni a San Quintino. I suoi primi quadri corrispondevano al naturalismo borghese che la scuola francese aveva adottato dagli olandesi. Un noto dipinto di questo periodo è La donna che legge del 1894, che si trova ora al Musée National d”Art Moderne di Parigi. Nei suoi temi pittorici, le donne domineranno la sua arte dai suoi primi lavori fino ai suoi ultimi lavori degli anni 50, rappresentati nelle varie fasi di Matisse. La Natura morta con autoritratto in simili colori marrone-verde seguì nel 1895, con una somiglianza estetica con la Natura morta di Cézanne di vent”anni prima, ma senza la sua raffinatezza. Quadri noti del 1897 sono La tavola imbandita e il pezzo sul mare, Belle Île; in quest”ultimo ci sono approssimazioni a Tempesta a Belle Île di Claude Monet del 1896, che riflette le influenze impressioniste di Monet e John Peter Russell in Bretagna.

Il lavoro principale dell”artista può essere diviso nei seguenti cinque periodi:

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Periodo fauve (1900-1908)

Nel 1900, Matisse cominciò a dipingere in uno stile che in retrospettiva è stato chiamato “proto-Fauve”. Non voleva vedere le sue forme dissolte nella luce ma concepite come un insieme completo, e così si allontanò dall”impressionismo “ortodosso”. Furono le opere divisioniste di Seurat, insieme a quelle di Paul Cézanne, a cui dedicò la sua attenzione. Georges Seurat e i neoimpressionisti crearono le loro opere secondo la dottrina teorica basata sulla teoria del colore di Eugène Chevreul. Oltre a Seurat, furono Vincent van Gogh e Paul Gauguin a rafforzare il senso del colore di Matisse, che voleva superare l”imitazione della natura. La composizione di figure di Matisse Luxury, Silence and Desire (190405), per esempio, fu creata secondo le regole divisioniste. Poco dopo, si rese conto che la concezione divisionista del quadro non era adatta a dare solidità alle opere pittoriche e a riflettere le sensazioni cromatiche del pittore, così si allontanò dalla direzione impressionista, come aveva fatto Cézanne anni prima di lui.

Il risultato del suo lavoro durante la sua fase fauvista rappresentava una soluzione sotto forma di una combinazione di colori bidimensionali che si opponeva alla “fusione” dei dipinti impressionisti. Esempi sono Finestra aperta a Collioure e Donna con cappello, entrambi del 1905, che provocarono indignazione alla mostra del Salon e portarono così al termine “fauvismo”. Nel suo dipinto La striscia verde. Ritratto di Madame Matisse, sempre del 1905, il verde è una costante. La striscia sopra il viso, che sembra innaturale a prima vista, non è posta arbitrariamente, ma serve come confine tra le zone di luce e di ombra. Matisse mostrò che l”autonomia del colore in combinazione con la sua applicazione bidimensionale significava che gli oggetti dovevano essere linearizzati tra di loro, e che le loro relazioni spaziali dovevano quindi recedere nello sfondo. Le opere degli anni seguenti rappresentano principalmente variazioni su questa intuizione fondamentale.

Secondo la sua stessa dichiarazione, il lavoro della sua vita iniziò con il quadro La gioia di vivere, che espose al Salon des Indépendants nel 1906, dove provocò critiche feroci. Dopo il suo viaggio in Algeria nel 1906, dipinse Nudo blu (Memoria di Biskra), le palme sullo sfondo riflettono il viaggio. Il nudo femminile pesa sul terreno e getta un”ombra. La figura dominante e l”ambiente piatto riflettono la visione di Matisse: “È proprio la figura e non la natura morta o il paesaggio che mi interessa di più. È in lei che posso esprimere al meglio, si potrebbe dire, il sentimento religioso verso la vita che è sempre mio”.

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Periodo sperimentale (1908-1917)

Il periodo sperimentale di Matisse, durante il quale fu molto produttivo, si divide in due fasi: Dal 1908 al 1910 predominano forme organiche fluide e arabescate, mentre la seconda fase dal 1911 al 1917, segnata dal coinvolgimento di Matisse con il cubismo, è dominata da forme geometriche. Matisse non ha mai subordinato la sua pittura a uno stile uniforme, ma ha cambiato frequentemente posizione, da periodi decorativi a periodi più realistici.

Nel 1909, il mecenate russo Sergei Ivanovich Shchukin commissionò due grandi opere, La Danse (La danza) e La Musique (La musica), per decorare la scala della sua residenza moscovita. Sono state create due versioni di The Dance in diverse tonalità di colore. Matisse si è ispirato alla danza tonda provenzale Farandole. Le immagini, ciascuna composta da cinque corpi di fronte a uno sfondo fortemente colorato, trasmettono gioia di vivere; lo stile decorativo si combina con la figura umana. La loro monumentalità deriva dalla semplificazione dei mezzi pittorici: pochi colori sono applicati in grandi aree omogenee, il disegno diventa una linea pura che forma le forme. La danza è una delle opere più famose di Matisse. La semplificazione delle forme determina anche il quadro Bouquet of Flowers and Ceramic Plate (1911). Henri Matisse ha riassunto le sue impressioni sulle icone russe e sugli oggetti in smalto in un”intervista per il giornale Utro Rossii (Утро России) il 27 ottobre 1911 durante il suo soggiorno a Mosca:

Durante la prima guerra mondiale, la sua scala di colori divenne più scura, la riduzione a forme geometriche nello stile del cubismo raggiunse il suo apice nel 1914 con il dipinto Vista di Notre Dame e continuò fino al 1918. Il colore nero ha giocato un ruolo importante durante gli anni della guerra, un esempio è la finestra della porta di Collioure, 1914.

Periodo di Nizza (1917-1929)

Matisse si dedicò, tra l”altro, a dipingere odalische in varie posizioni. Ritratti, interni inondati di luce, nature morte, paesaggi erano anche al centro del suo interesse rappresentativo. Le sue opere avevano caratteristiche più naturalistiche che mai. Rendendo reale la sua immaginazione, Matisse dimostrò così la sua fede nella pittura come “fonte di gioia incondizionata”.

L”amore per il colore e il dettaglio è evidente nelle spesso straordinarie “campiture ornamentali”. Il quadro Figura decorativa davanti a uno sfondo ornamentale (192526) presenta in particolare gli attributi emblematici della sua pittura: una donna, fiori e tessuti colorati sullo sfondo. È una delle opere più importanti del “periodo di Nizza”. La sua modella in questo periodo era Henriette Darricarrère. A Nizza, ha decorato il suo studio con lunghezze di tessuto, tappeti e tende. Il tessuto coperto di fiori appare in altre opere, per esempio in Due odalische (192728) e Odalisca con poltrona (1928).

Periodo di rinnovata semplicità (1929-1940)

Il periodo di Nizza fu seguito da un periodo di rinnovata semplicità. Le aspirazioni artistiche di Matisse si concentrarono sull”armonia tra il massimo sviluppo del colore e una progressiva astrazione della forma rappresentativa.

Nel 1929 si recò negli Stati Uniti e fu membro della giuria del 29° Carnegie International. Un anno dopo si recò a Tahiti, New York e Baltimora, Maryland e Merion in Pennsylvania. Albert C. Barnes di Merion, un grande collezionista d”arte moderna che possedeva già la più grande collezione di Matisse in America, commissionò all”artista un grande murale per la galleria d”arte della sua casa. Matisse scelse un tema di danza che aveva già preso piede nella sua fase fauvista. Il murale The Dance esiste in due versioni a causa di un errore nelle misure; fu installato nel maggio 1933 ed è attualmente esposto alla Barnes Foundation. Nella sua semplicità, la composizione raffigura donne danzanti in un movimento estremamente forte contro uno sfondo astratto, quasi geometrico. Durante il lavoro preparatorio per il murale, Matisse utilizzò un nuovo processo assemblando la composizione da pezzi di carta colorata ritagliati. A partire dal 1940, le silhouette diventano il mezzo di espressione preferito di Matisse, una tecnica che conserverà fino alla fine della sua vita.

Periodo di limitazione all”essenziale (1940-1954)

La riduzione della forma all”astrazione portò Matisse a sottolineare l”elemento dinamico. Intorno al 1943, a causa della sua grave malattia, le silhouette diventano un mezzo principale di espressione nel lavoro dell”artista; intorno al 1948 Matisse smette di dipingere del tutto. Faceva dipingere agli assistenti dei fogli di carta con colori a guazzo monocromatici, dai quali ritagliava le sue figure e forme libere (gouaches découpées). Matisse chiamava questa tecnica “disegno con le forbici”. Offriva la possibilità di combinare linea e colore ed era quindi la soluzione alla sua preoccupazione che aveva a lungo cercato. Nel disegno, era in grado di rappresentare un”impressione in pochi contorni, anche se senza colore. Nella pittura, questa spontaneità mancava. Quando le forbici sostituiscono il pennello e disegnano direttamente nel colore, l”opposizione di colore e linea è superata. Il risultato – il taglio – è più nitido della linea disegnata, quindi ha un carattere diverso. Nel 1947, una sequenza di silhouette degli anni 1943-1944 fu pubblicata come libro d”artista con il titolo Jazz, che era stato riprodotto utilizzando la stampa stencil. Il titolo allude alla spontaneità e all”improvvisazione dello stile musicale del jazz. Sull”uso delle linee, Matisse ha scritto in questo libro:

Inoltre, ci furono disegni per arazzi come Polinesia – Il cielo e Polinesia – Il mare, 1946. La decorazione di una cappella, la Cappella del Rosario, (chiamata anche Chapelle Matisse), a Vence, inaugurata nel 1951, le cui vetrate aveva anche preparato in sagome, mostra le prime vetrate dell”artista. Un altro esempio è la serie Blue Nude del 1952; è esclusivamente in blu e bianco e ha un effetto scultoreo nella sua astrazione.

Matisse ha creato disegni, studi per le sue opere, in gran numero. Il suo interesse per le opere grafiche iniziò intorno al 1900, quando iniziò a incidere per prova. Il catalogo ragionato delle stampe pubblicato dalla figlia Marguerite Duthuit e dal nipote Claude Duthuit descrive circa 800 opere, concentrandosi sulle circa 300 acqueforti e 300 litografie prodotte tra il 1908 e il 1948 e datate dal 1906 al 1952. Ha anche creato 62 opere in acquatinta, 68 monotipi, 70 linoleografie e, dal primo periodo 190607, quattro xilografie. A differenza di Picasso, Matisse si astenne dallo sperimentare nuovi materiali e tecniche. Nel 1935 Matisse realizzò 26 illustrazioni a tutta pagina per il romanzo Ulisse di James Joyce. Le illustrazioni sono basate su temi dell”Odissea di Omero.

Dopo lo scoppio della seconda guerra mondiale, il lavoro grafico di Matisse occupa uno spazio maggiore, disegnando illustrazioni per Pasiphaé di Henry de Montherlant (1944), Visages di Pierre Reverdy (1946), Lettres portugaises di Mariana Alcaforado (1946), Les Fleurs du Mal di Charles Baudelaire (1947), Il Florilège des Amours di Pierre de Ronsard (1948) e i Poèmes di Charles d”Orléans (in contrasto, aggiunse illustrazioni a colori al suo famoso libro d”artista Jazz del 1947, in cui scrisse le sue riflessioni sull”arte e la vita.

Più della metà delle sculture di Matisse sono state create tra il 1900 e il 1910, e spesso ha lavorato in serie, semplificando la forma nel corso degli anni. La prima opera tridimensionale dell”82, Jaguar Devouring a Hare, fu creata durante i suoi studi di scultura a partire dal 1899 e indica non solo l”influenza di Auguste Rodin ma anche di Antoine-Louis Barye, un noto scultore francese noto per le sue sculture di animali. Matisse modellò la scultura del giaguaro dopo la scultura in bronzo Jaguar dévorant un lièvre di Barye, alla quale lavorò dal 1899 al 1901. Come l”omonimo quadro, la scultura The Servant fu creata nel 1900 e terminata nel 1903. L”italiano Bevilaqua, che aveva già modellato per Rodin nelle sue opere Giovanni Battista (1878) e Walking Man (1900), gli servì da modello. Matisse ha spesso trasposto motivi delle sue sculture in dipinti o viceversa. Le dimensioni delle sue sculture non corrispondevano alla grandezza naturale, come nel caso degli scultori tradizionali, ma erano create in un formato più piccolo.

Nel 1907 iniziò a lavorare al Nudo reclinato, che aveva ulteriormente sviluppato dal dipinto Lusso, silenzio e desiderio (1904-1905). Il soggetto doveva occuparlo per 30 anni. La scultura Two Negresses del 1908 si ritrova nella sua Natura morta del 1910, Bronzo con frutta. Il quadro di Cézanne, Le tre bagnanti, acquistato nel 1899, servì a Matisse come modello in opere che raffigurano il corpo in modo monumentale, come la serie di rilievi di nudi supini che Matisse creò tra il 1909 e il 1929. L”ispirazione per la serie Jeannette I – V dal 1910 al 1913 fu un precedente quadro impressionista; la testa di Jeanette divenne sempre più alienata nelle versioni. Jeanette V è un precursore dell”astrazione fisica che si diffonderà poi nell”arte a partire dagli anni 30. L”ispirazione dall”arte primitiva non si rifletteva nei suoi dipinti, come avveniva con Picasso, ma le sue trasformazioni rimanevano limitate in questo senso al lavoro scultoreo.

Quasi tutte le sue sculture consistevano in un”edizione di dieci copie, con un”eccezione: The Small Thin Torso del 1929 esiste solo in tre copie. Matisse ha usato la tecnica della fusione a sabbia e a cera persa. La maggior parte delle sue opere scultoree furono fuse negli anni successivi, quando un maggior numero di collezionisti si interessò ad esse. I Nudi di schiena I – IV, che sono tra le sculture più importanti di Matisse, sono stati fusi solo dopo la morte di Matisse su richiesta dei suoi eredi. Negli anni ”90, gli eredi hanno fatto distruggere la maggior parte degli stampi originali per evitare ulteriori edizioni.

Tra i quattro più grandi pittori francesi della prima metà del XX secolo – Matisse, Picasso, Derain e Braque – Matisse fu il primo teorico. Il suo scritto del 1908, Notes d”un peintre (Note di un pittore), precede di molto tempo le dichiarazioni pubblicate di Braque e Picasso. Anche se la prima intervista di Braque (1908) fu pubblicata nel 1910, i suoi testi non uscirono fino al 1917. La prima dichiarazione teorica di Picasso, Picasso parla, uscì nel maggio 1923.

In Appunti di un pittore, Matisse chiarì le principali preoccupazioni della sua arte: “espressione” (“Ausdruck und Aussage”), elaborazione mentale delle forme naturali, chiarezza e colore. Inoltre, in questo articolo confessa la sua fede nell”arte come espressione della personalità. Per lui, non è né la rappresentazione di una “immaginazione” né un mediatore di idee letterarie, ma si basa sulla sintesi intuitiva delle impressioni della natura. In questo scritto, un passaggio centrale, spesso citato, recita:

Il secondo testo teorico Notes d”un peintre sur son dessin (Note di un pittore sul disegno) apparve su Le Point nel 1939. Negli anni successivi al 1930, fece molti disegni al tratto, eseguiti a matita o a penna; i disegni a penna e inchiostro, come definì Matisse, “nacquero solo dopo centinaia di disegni, dopo prove, intuizioni e definizioni di forme; poi li disegnai a occhi chiusi”.

Testimonianze di contemporanei

L”impressionista Auguste Renoir, che aveva molti più anni, fece un commento a Henri Matisse verso la fine della prima guerra mondiale quando Matisse lo visitò nel sud della Francia:

Nel 1905, il collega pittore Paul Signac, che aveva sei anni di più, comprò il quadro di Matisse Lusso, silenzio e voluttà, che fu esposto al Salon des Indépendants. Un anno dopo, il neoimpressionista derise l”opera di Matisse La gioia di vivere esposta al Salon:

Gertrude Stein, la mecenate di Matisse, descrisse il suo dipinto del 1907 Nudo blu (Memoria di Biskra) e la sua intenzione come segue:

L”allievo e amico di Matisse, il pittore tedesco Hans Purrmann, organizzò una mostra a Berlino nel 1908 nella galleria di Paul Cassirer. La mostra ha incontrato delle critiche. In una riunione congiunta con Max Liebermann alla galleria, quest”ultimo temeva “la rovina della gioventù” alla vista dei quadri e preferiva occuparsi del suo bassotto. “Pittura di pan di zenzero” e “carta da parati” erano le parole d”ordine dell”epoca sulla pittura di Matisse. Qualche anno prima della morte di Matisse, Purrmann commentò le circostanze della sua tarda vita:

Picasso ha espresso molto spesso il suo apprezzamento per Matisse. Tra le molte espressioni di Picasso, tuttavia, quella che segue indica più chiaramente quanto Picasso abbia riconosciuto l”opera di Matisse:

Rapporto con Picasso

Matisse era l”unico artista contemporaneo che Picasso considerava suo pari. Nessun altro artista contemporaneo aveva significato così tanto per lui come Matisse, nonostante i loro opposti orientamenti artistici. Durante i loro incontri c”è stato un vivace scambio. “Dobbiamo parlarci il più possibile”, disse Matisse a Picasso alla fine degli anni ”40, aggiungendo: “Quando uno di noi morirà, ci saranno delle cose di cui l”altro non potrà parlare con nessun altro”.

Picasso, che a volte lanciava anche insulti crudeli, non permise mai a nessun altro di criticare Matisse. Ci sono molte prove di questo, e una delle migliori tra le tante testimonianze viene da Christian Zervos. Matisse e Picasso passarono un pomeriggio nella Coupole con molti altri. Matisse lasciò il gruppo per un momento. Quando qualcuno gli chiese dove fosse andato, Picasso rispose che era seduto al sicuro sulla sua corona d”alloro. La maggior parte dei presenti, cercando l”approvazione di Picasso, iniziò ad attaccare Matisse. Picasso si arrabbiò e gridò: “Non tollererò che tu dica qualcosa contro Matisse, è il nostro più grande pittore.

In questo modo, i due hanno reso omaggio l”uno all”altro. Picasso ha commentato: “Fondamentalmente, non c”è altro che Matisse”. “Solo Picasso può farla franca con qualsiasi cosa. Può confondere tutto. Sfigurare, mutilare, smembrare. Lui è sempre, rimane sempre nel giusto”, disse Matisse. “Solo per questo, per esempio, Matisse è Matisse: perché ha il sole in corpo”, diceva Picasso.

Il rispettoso rapporto artistico tra questi due artisti di riferimento del XX secolo, segnato da una rivalità creativa, è evidenziato in dettaglio da Françoise Gilot nel suo libro Matisse and Picasso – An Artist Friendship.

I loro opposti si sono rivelati nelle domande fondamentali sul carattere dell”immagine e sul significato dell”arte. Picasso voleva il dissonante, Matisse il quadro armonioso. I loro opposti emergono nettamente nelle seguenti citazioni: “La pittura non è lì per decorare gli appartamenti. È un”arma di attacco e di difesa”, disse Picasso in un”intervista del 1945 a Lettres Françaises. “Un quadro sul muro dovrebbe essere come un bouquet di fiori nella stanza”, commentò Matisse qualche mese dopo nella stessa rivista.

D”altra parte, l”opera di Cézanne è l”elemento che collega i due. Picasso, come Matisse, aveva studiato i suoi quadri e più tardi disse al fotografo Brassaï: “Cézanne! Era il padre di tutti noi!”. Matisse ha studiato le lettere di Cézanne, tra l”altro, e ha avuto in comune con lui l”istinto esplorativo che si sforza di produrre un”immagine completamente “realizzata” (su questo, vedi → réalisation in Cézanne). Questa ricerca, che attraversa come un filo rosso gli scritti di Matisse, è molto pronunciata nell”opera di Cézanne.

La resistenza di Matisse alla pittura astratta

Con una veemenza inflessibile, Matisse condannò la pittura astratta in una conversazione con Marie Raymond nel 1953. “Termini come non-rappresentativo o astratto non sono altro che uno scudo per nascondere una carenza”. E aggiunge: “Scrivete esattamente come vi dico: Matisse è contro l”arte astratta. Picasso pensa esattamente come me: tutti quelli che hanno creato un”opera pensano come me”.

Quando Marie Raymond gli chiese se i suoi ultimi lavori non mostrassero un certo avvicinamento agli esperimenti degli astratti, Matisse rispose che l”arte era sempre stata astratta e che se fosse stato più giovane avrebbe iniziato una campagna contro l”arte astratta.

Altrove, nel giustificare il suo rifiuto della pittura astratta, ha sottolineato che essa non fa che imitare l”astrazione.

Influenza sull”espressionismo astratto negli Stati Uniti

Dopo che Mark Rothko, un rappresentante dell”espressionismo astratto, vide lo Studio Rosso (Das rote Atelier, 1911) di Matisse al Museo d”Arte Moderna di New York alla fine degli anni Quaranta, rimase molto colpito dal lavoro dell”artista francese, che ebbe una grande influenza sul suo. Come Rothko ha raccontato una volta, ha passato “ore e ore” seduto davanti al quadro. Nel 1954, l”anno della morte di Matisse, Rothko dipinse Omaggio a Matisse; quest”opera è stata venduta all”asta nel novembre 2005 per oltre 22 milioni di dollari.

I pittori americani espressionisti astratti come Robert Motherwell, Sam Francis, Frank Stella e il pittore di campi di colore Ellsworth Kelly furono anche influenzati dal lavoro di Matisse.

Matisse e i suoi modelli

Ci sono molti pregiudizi sulla vita e sul lavoro di Matisse – per esempio, che avesse relazioni con le sue modelle. Hilary Spurling, il biografo britannico di Matisse, ha relegato questa ipotesi nel regno della leggenda. Lei scrive che un quadro diverso emerge dalle lettere, dai diari e dai resoconti dei suoi compagni: “Tutti descrivevano un sistema di austerità e disciplina monacale, e tutti erano stati spinti ai limiti del sopportabile dalla norma inumana di auto-mortificazione di Matisse”. Spurling ha avuto ampie conversazioni con tutte le modelle che sono ancora vive.

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Film su Matisse

Lo scrittore Louis Aragon incontrò Henri Matisse nell”inverno del 1941 quando fuggì con Elsa Triolet dalla Francia occupata a Nizza per continuare il loro lavoro insieme nella Résistance. Si sviluppò una profonda amicizia, da cui nacque il libro di Aragon su Matisse, Henri Matisse, roman, anche se non poté essere completato fino a poco dopo la morte di Elsa nel 1971. Il lavoro di Aragon, con la sua miscela di autobiografia e critica d”arte, così come di saggi e poesie, fu il modello per il regista Richard Dindo, che aveva già realizzato documentari su Max Frisch e Arthur Rimbaud, tra gli altri. Nel film a colori di 52 minuti Aragon, le roman de Matisse, Dindo descrive il ritorno nei luoghi dove Matisse aveva vissuto. Un montaggio riuscito condensa immagini e suoni in una lettura cinematografica di quadri, libri e luoghi autentici. Produzione: Lea Produktion, Zurigo 2003, regia di Richard Dindo.

Sono stati fatti anche dei film che sono disponibili come video e sono stati trasmessi da varie stazioni televisive: Gero von Boehm ha filmato Henri Matisse – gli anni di Nizza, registrazione televisiva: ARD, 4 ottobre 1988. Matisse – Picasso, un”amicizia improbabile di Philippe Kohly del 2002 è un reportage francese, registrazione televisiva: 3sat, 20 luglio 2003. Henri Matisse – eine filmische Reise, (OT: Henri Matisse – un voyage en peinture), un ritratto cinematografico, è stato curato da Heinz Peter Schwerfel, Germania-Francia 2005, registrazione televisiva: Arte, 10 dicembre 2005.

Il film televisivo di mezz”ora Matisse & Picasso: A Gentle Rivalry è stato realizzato nel 2001; tratta dei ritratti dei due “giganti” dell”arte del XX secolo. Mostra, tra l”altro, fotografie raramente pubblicate dei loro dipinti e sculture, così come foto e film dei due artisti provenienti da archivi che li mostrano al lavoro. Geneviève Bujold è la voce di Françoise Gilot, Robert Clary è Matisse e Miguel Ferrer è Picasso. La produzione vincitrice di un Emmy nazionale è di KERA-DallasFort WorthDenton in associazione con il Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas.

Matisse sul mercato dell”arte

Le opere di Matisse raggiungono spesso i prezzi più alti alle aste. Esempi degli ultimi anni includono il dipinto L”Espagnole (1922), venduto all”asta per 10,121 milioni di dollari da Sotheby”s a New York City nel 2007, e il dipinto del 1911 Les coucous, tapis bleu et rose, che ha raggiunto il prezzo record per un dipinto di Matisse all”asta Christie”s della collezione d”arte dello stilista Yves Saint Laurent a Parigi nel febbraio 2009. Il martello è caduto a 35.905.000 euro. In contrasto con le opere di Picasso, tuttavia, le sue opere non si trovano tra i dodici dipinti attualmente più costosi del mondo. Il suo rilievo in bronzo, Nu de dos 4 état, messo all”asta da Christie”s il 3 novembre 2010, ha stabilito il record per un”opera di Matisse (in dollari): la Gagosian Gallery di New York lo ha acquistato per più di 48 milioni di dollari (l”equivalente di poco più di 43 milioni di euro).

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Ritratto di donna scoperto al ritrovamento d”arte di Schwabing

Il 5 novembre 2013, in occasione di una conferenza stampa sull”Art Find di Schwabing, è stato mostrato un ritratto di donna seduta attribuito a Matisse, creato intorno al 1924, che era stato confiscato nel 1942 dall”Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg dal caveau della banca del mercante d”arte Paul Rosenberg a Libourne. Il ritrovamento d”arte di Schwabing è la scoperta di 1280 opere d”arte nell”appartamento di Cornelius Gurlitt a Monaco di Baviera il 28 febbraio 2012. Oltre al ritratto di Matisse, le opere ritrovate, alcune delle quali sconosciute, comprendono opere di Marc Chagall, Otto Dix, Max Liebermann, Franz Marc e Pablo Picasso.

Matisse nella vita quotidiana e nella scienza

Le opere dell”artista sono così popolari nel presente che vengono offerti molti poster con immagini delle sue opere e puzzle, per esempio il puzzle di 1000 pezzi con l”opera The Dance. La casa automobilistica Citroën non solo produce un”auto con il nome del suo amico e antipodo Picasso, ma dal 2006 anche la C Matisse. Il nome di Matisse è presente anche nella scena musicale: Nel 1999, un gruppo rock alternativo greco ad Atene si è chiamato Matisse, e c”è un pub musicale con lo stesso nome a Troisdorf. Nel 1993, è stata allevata una rosa che ha ricevuto il suo nome.

Sul pianeta Mercurio, i crateri prendono il nome di personaggi noti deceduti, per esempio artisti, pittori, scrittori e musicisti. Il cratere Matisse è stato chiamato così in onore di Henri Matisse nel 1976; ha un diametro medio di circa 190 chilometri e si trova nell”emisfero meridionale di Mercurio. Il 2 aprile 1999, un asteroide della fascia principale interna scoperto nel 1973 ha preso il nome di Matisse: (8240) Matisse.

Dipinti e silhouette, lavori grafici

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