Henry Moore

gigatos | Gennaio 23, 2022

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Riassunto

Henry Spencer Moore OM CH FBA (30 luglio 1898 – 31 agosto 1986) è stato un artista inglese. È meglio conosciuto per le sue sculture monumentali semi-astratte in bronzo che si trovano in tutto il mondo come opere d”arte pubbliche. Oltre alla scultura, Moore ha prodotto molti disegni, tra cui una serie raffigurante i londinesi che si riparano dal Blitz durante la seconda guerra mondiale, insieme ad altre opere grafiche su carta.

Le sue forme sono di solito astrazioni della figura umana, tipicamente raffiguranti madre e figlio o figure reclinate. Le opere di Moore sono di solito suggestive del corpo femminile, a parte una fase negli anni ”50 in cui scolpì gruppi familiari. Le sue forme sono generalmente forate o contengono spazi vuoti. Molti interpreti paragonano la forma ondulata delle sue figure reclinate al paesaggio e alle colline del suo luogo di nascita, lo Yorkshire.

Moore divenne noto attraverso il suo marmo scolpito e le sue sculture astratte in bronzo fuso su larga scala, e fu determinante nell”introdurre una particolare forma di modernismo nel Regno Unito. La sua capacità in età avanzata di soddisfare commissioni su larga scala lo rese eccezionalmente ricco. Nonostante questo, visse frugalmente; la maggior parte del denaro che guadagnò andò a finanziare la Henry Moore Foundation, che continua a sostenere l”educazione e la promozione delle arti.

La prima vita

Moore nacque a Castleford, West Riding of Yorkshire, Inghilterra, da Mary (nata Baker) e Raymond Spencer Moore. Suo padre era irlandese e divenne pit deputy e poi under-manager della miniera Wheldale a Castleford. Era un autodidatta con un interesse per la musica e la letteratura. Deciso che i suoi figli non avrebbero lavorato nelle miniere, vide l”istruzione formale come la via per il loro avanzamento. Henry era il settimo di otto figli in una famiglia che spesso lottava con la povertà. Frequentò le scuole materne ed elementari a Castleford, dove iniziò a modellare la creta e a scolpire il legno. Professava di aver deciso di diventare uno scultore quando aveva undici anni dopo aver sentito parlare delle realizzazioni di Michelangelo ad una lettura della Scuola Domenicale.

Al suo secondo tentativo fu accettato alla Castleford Secondary School, che molti dei suoi fratelli avevano frequentato, dove il suo preside notò presto il suo talento e il suo interesse per la scultura medievale. La sua insegnante d”arte, Alice Gostick, ampliò la sua conoscenza dell”arte, e con il suo incoraggiamento, decise di fare dell”arte la sua carriera; prima sostenendo gli esami per una borsa di studio al locale college d”arte. Le prime sculture registrate di Moore – una targa per la Scott Society alla Castleford Secondary School, e un Albo d”Onore che commemora i ragazzi che andarono a combattere nella prima guerra mondiale dalla scuola – furono eseguite in questo periodo.

Nonostante le sue prime promesse, i genitori di Moore erano stati contrari alla sua formazione come scultore, una vocazione che consideravano un lavoro manuale con poche prospettive di carriera. Dopo una breve introduzione come studente insegnante, Moore divenne insegnante nella scuola che aveva frequentato. Dopo aver compiuto diciotto anni, Moore si offrì volontario per il servizio militare nella prima guerra mondiale. Era l”uomo più giovane nel reggimento Prince of Wales” Own Civil Service Rifles e fu ferito nel 1917 in un attacco di gas, il 30 novembre a Bourlon Wood. Dopo essersi ripreso in ospedale, vide il resto della guerra come istruttore di addestramento fisico, tornando in Francia solo quando fu firmato l”Armistizio. Ha ricordato più tardi, “per me la guerra è passata in una nebbia romantica, cercando di essere un eroe”. Questo atteggiamento cambiò quando rifletté sulla distruttività della guerra e nel 1940 scrisse, in una lettera al suo amico Arthur Sale, che “un anno o due dopo la vista di un”uniforme cachi cominciò a significare tutto ciò che nella vita era sbagliato e dispendioso e anti-vita. E ho ancora questa sensazione”.

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Gli inizi come scultore

Dopo la guerra, Moore ricevette una borsa di studio per ex-servizio per continuare la sua istruzione e nel 1919 divenne uno studente della Leeds School of Art (ora Leeds Arts University), che istituì uno studio di scultura appositamente per lui. Al college incontrò Barbara Hepworth, una compagna di studi che sarebbe diventata anche una nota scultrice britannica, e iniziò un”amicizia e una leggera rivalità professionale che durò per molti anni. A Leeds, Moore ebbe anche accesso alle opere moderniste nella collezione di Sir Michael Sadler, il vice cancelliere dell”Università, che ebbe un effetto pronunciato sul suo sviluppo. Nel 1921, Moore vinse una borsa di studio per studiare al Royal College of Art di Londra, insieme a Hepworth e altri contemporanei dello Yorkshire. Mentre era a Londra, Moore estese la sua conoscenza dell”arte e della scultura primitiva, studiando le collezioni etnografiche al British Museum.

Le sculture studentesche sia di Moore che di Hepworth seguivano lo stile romantico vittoriano standard, e includevano forme naturali, paesaggi e modellazione figurativa di animali. Moore divenne in seguito a disagio con gli ideali di derivazione classica; la sua successiva familiarità con il primitivismo e l”influenza di scultori come Constantin Brâncuși, Jacob Epstein, Henri Gaudier-Brzeska e Frank Dobson lo portarono al metodo dell”intaglio diretto, in cui le imperfezioni del materiale e i segni lasciati dagli strumenti diventavano parte della scultura finita. Avendo adottato questa tecnica, Moore era in conflitto con i tutori accademici che non apprezzavano un approccio così moderno. Durante un esercizio impostato da Derwent Wood (il professore di scultura al Royal College), a Moore fu chiesto di riprodurre un rilievo in marmo de La Vergine e il Bambino di Domenico Rosselli modellando prima il rilievo in gesso, poi riproducendolo in marmo usando l”aiuto meccanico conosciuto come “pointing machine”, una tecnica chiamata “pointing”. Invece, ha scolpito il rilievo direttamente, segnando anche la superficie per simulare i segni di puntura che sarebbero stati lasciati dalla macchina puntatrice.

Nel 1924, Moore vinse una borsa di studio itinerante di sei mesi che trascorse nell”Italia settentrionale studiando le grandi opere di Michelangelo, Giotto di Bondone, Giovanni Pisano e diversi altri vecchi maestri. Durante questo periodo visitò anche Parigi, approfittò delle lezioni di disegno a tempo all”Académie Colarossi, e vide, al Trocadero, un calco in gesso di una forma scultorea Tolteca-Maya, il Chac Mool, che aveva precedentemente visto nelle illustrazioni dei libri. La figura reclinata doveva avere un profondo effetto sul lavoro di Moore, diventando il motivo principale della sua scultura.

Hampstead

Tornato a Londra, Moore intraprese un incarico di insegnamento di sette anni al Royal College of Art. Gli fu richiesto di lavorare due giorni alla settimana, il che gli permise di dedicare del tempo al suo lavoro. La sua prima commissione pubblica, West Wind (1928-29), era uno degli otto rilievi dei “quattro venti” sulle pareti della sede della metropolitana di Londra al 55 di Broadway. Gli altri “venti” furono scolpiti da scultori contemporanei tra cui Eric Gill, mentre i pezzi a livello del suolo furono forniti da Epstein. Il 1928 vide la prima mostra personale di Moore, tenuta alla Warren Gallery di Londra. Il 19 luglio 1929, Moore sposò Irina Radetsky, una studentessa di pittura al Royal College. Irina era nata a Kiev nel 1907. Suo padre fu ucciso nella rivoluzione russa e sua madre fu evacuata a Parigi dove sposò un ufficiale dell”esercito britannico. Irina fu portata di nascosto a Parigi un anno dopo e vi andò a scuola fino all”età di 16 anni, dopo di che fu mandata a vivere con i parenti del suo patrigno nel Buckinghamshire.

Irina trovò sicurezza nel suo matrimonio con Moore e presto posò per lui. Poco dopo essersi sposati, la coppia si trasferì in uno studio ad Hampstead all”11a Parkhill Road NW3, unendosi a una piccola colonia di artisti d”avanguardia che si stava radicando lì. Poco dopo, la Hepworth e il suo secondo marito Ben Nicholson si trasferirono in uno studio dietro l”angolo di Moore, mentre Naum Gabo, Roland Penrose, Cecil Stephenson e il critico d”arte Herbert Read vivevano anch”essi nella zona (Read definì la zona “un nido di artisti gentili”). La zona era anche un punto di sosta per molti artisti, architetti e designer rifugiati dall”Europa continentale in viaggio verso l”America.

Nel 1932, dopo sei anni di insegnamento al Royal College, Moore assunse un posto come capo del dipartimento di scultura alla Chelsea School of Art. Artisticamente, Moore, Hepworth e altri membri della Seven and Five Society svilupparono un lavoro sempre più astratto, in parte influenzato dai loro frequenti viaggi a Parigi e dal loro contatto con i principali artisti progressisti, in particolare Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Arp e Alberto Giacometti. Moore flirta con il surrealismo, unendosi al movimento di arte moderna di Paul Nash “Unit One”, nel 1933. Nel 1934, Moore visitò la Spagna; visitò la grotta di Altamira (che descrisse come “l”Accademia Reale di pittura rupestre”), Madrid, Toledo e Pamplona.

Nel 1936, Moore si unì a un gruppo di artisti surrealisti fondato da Roland Penrose, e lo stesso anno fu tesoriere onorario del comitato organizzatore della London International Surrealist Exhibition. Nel 1937, Roland Penrose acquistò da Moore un”opera astratta “Madre e figlio” in pietra che espose nel giardino anteriore della sua casa di Hampstead. L”opera si dimostrò controversa con altri residenti e la stampa locale condusse una campagna contro l”opera nei due anni successivi. In questo periodo Moore passò gradualmente dalla scultura diretta alla fusione in bronzo, modellando maquette preliminari in argilla o gesso piuttosto che fare disegni preparatori.

Nel 1938 Moore incontrò per la prima volta Kenneth Clark. Da questo momento, Clark divenne un improbabile ma influente campione del lavoro di Moore, e attraverso la sua posizione di membro dell”Arts Council of Great Britain assicurò mostre e commissioni per l”artista.

Seconda guerra mondiale

Allo scoppio della seconda guerra mondiale la Chelsea School of Art fu evacuata a Northampton e Moore lasciò il suo posto di insegnante. Durante la guerra, Moore produsse potenti disegni di londinesi che dormivano nella metropolitana di Londra mentre si riparavano dal Blitz. Kenneth Clark, il presidente del War Artists” Advisory Committee (WAAC), aveva precedentemente cercato di reclutare Moore come artista di guerra stipendiato a tempo pieno e ora accettò di acquistare alcuni dei disegni dei rifugi e rilasciò contratti per ulteriori esempi. I disegni dei rifugi acquistati dal WAAC furono completati tra l”autunno del 1940 e la primavera del 1941 e sono considerati tra i migliori prodotti del programma WAAC. Nell”agosto del 1941 WAAC commissionò a Moore il disegno dei minatori che lavoravano sottoterra alla Wheldale Colliery nello Yorkshire, dove suo padre aveva lavorato all”inizio del secolo. Moore disegnò le persone nei rifugi che aspettavano passivamente il via libera, mentre i minatori lavoravano aggressivamente sulle facce di carbone. Questi disegni contribuirono ad aumentare la reputazione internazionale di Moore, in particolare in America, dove alcuni esempi furono inclusi nella mostra WAAC Britain at War che girò il Nord America durante la guerra.

Dopo che la loro casa di Hampstead fu colpita da schegge di bomba nel settembre 1940, Moore e Irina si trasferirono fuori Londra per vivere in una fattoria chiamata Hoglands nella frazione di Perry Green vicino a Much Hadham, Hertfordshire. Questa sarebbe diventata la casa e il laboratorio di Moore per il resto della sua vita. Nonostante abbia acquisito una ricchezza significativa più tardi nella vita, Moore non ha mai sentito il bisogno di trasferirsi in locali più grandi e, a parte l”aggiunta di un certo numero di annessi e studi, la casa è cambiata poco nel corso degli anni. Nel 1943 ricevette una commissione dalla chiesa di St Matthew, Northampton, per scolpire una Madonna con Bambino; questa scultura fu la prima di una serie importante di sculture di gruppi familiari.

Anni successivi

Dopo la guerra e dopo diversi aborti precedenti, Irina diede alla luce la loro figlia, Mary Moore, nel marzo 1946. La bambina fu chiamata come la madre di Moore, che era morta due anni prima. Sia la perdita di sua madre che l”arrivo di un bambino focalizzarono la mente di Moore sulla famiglia, che espresse nel suo lavoro producendo molte composizioni “madre e figlio”, sebbene reclinate e interne

Prima della guerra, Moore era stato avvicinato dall”educatore Henry Morris, che stava cercando di riformare l”istruzione con il suo concetto di Village College. Morris aveva ingaggiato Walter Gropius come architetto per il suo secondo Village College a Impington vicino a Cambridge, e voleva che Moore progettasse una grande scultura pubblica per il sito. Il Consiglio della Contea, tuttavia, non poteva permettersi il progetto completo di Gropius, e ridusse il progetto quando Gropius emigrò in America. Mancando i fondi, Morris dovette cancellare la scultura di Moore, che non era andata oltre lo stadio di maquette. Moore fu in grado di riutilizzare il progetto nel 1950 per una commissione simile all”esterno di una scuola secondaria per la nuova città di Stevenage. Questa volta il progetto fu completato e Family Group divenne il primo bronzo pubblico su larga scala di Moore.

Negli anni ”50, Moore cominciò a ricevere commissioni sempre più significative. Espose Reclining Figure: Festival al Festival della Gran Bretagna nel 1951, e nel 1958 produsse una grande figura reclinata in marmo per il palazzo dell”UNESCO a Parigi. Con molte più opere d”arte pubbliche, la scala delle sculture di Moore crebbe significativamente e iniziò ad assumere un numero crescente di assistenti per lavorare con lui a Much Hadham, tra cui Anthony Caro

Nel campus dell”Università di Chicago, nel dicembre 1967, 25 anni dopo che il team di fisici guidato da Enrico Fermi aveva realizzato la prima reazione nucleare a catena controllata e autosostenuta, l”opera Moore”s Nuclear Energy fu inaugurata sul sito di quella che una volta era la tribuna del campo di calcio dell”università, nel campo di racchette sotto il quale avevano avuto luogo gli esperimenti. Questo pezzo alto 12 piedi al centro di una grande piazza aperta è spesso pensato per rappresentare una nuvola a forma di fungo sormontata da un enorme teschio umano, ma l”interpretazione di Moore era molto diversa. Una volta disse a un amico che sperava che gli spettatori “ci girassero intorno, guardando fuori attraverso gli spazi aperti, e che potessero avere la sensazione di essere in una cattedrale”. A Chicago, Illinois, Moore ha anche commemorato la scienza con una grande meridiana di bronzo, chiamata localmente Man Enters the Cosmos (1980), che fu commissionata per riconoscere il programma di esplorazione spaziale.

Gli ultimi tre decenni della vita di Moore continuarono in una vena simile; diverse grandi retrospettive ebbero luogo in tutto il mondo, in particolare una mostra molto importante nell”estate del 1972 nel parco del Forte di Belvedere che domina Firenze. Dopo il pionieristico documentario ”Henry Moore”, prodotto da John Read nel 1951, apparve in molti film. Nel 1964, per esempio, Moore fu presente nel documentario “5 British Sculptors (Work and Talk)” del regista americano Warren Forma. Alla fine degli anni Settanta, c”erano circa 40 mostre all”anno con il suo lavoro. Il numero di commissioni continuò ad aumentare; completò Knife Edge Two Piece nel 1962 per College Green vicino al Parlamento di Londra. Secondo Moore, “Quando mi è stato offerto il sito vicino alla Camera dei Lord … Mi piaceva così tanto il posto che non mi sono preoccupato di andare a vedere un sito alternativo in Hyde Park-una scultura solitaria può essere persa in un grande parco. Il sito della House of Lords è abbastanza diverso. È vicino a un sentiero dove la gente cammina e ha alcuni posti a sedere dove ci si può sedere e contemplarla”.

Mentre la sua ricchezza cresceva, Moore cominciò a preoccuparsi della sua eredità. Con l”aiuto della figlia Mary, istituì l”Henry Moore Trust nel 1972, allo scopo di proteggere il suo patrimonio dalle imposte di successione. Nel 1977, stava pagando quasi un milione di sterline all”anno di tasse sul reddito; per mitigare il suo carico fiscale, istituì la Henry Moore Foundation come un ente di beneficenza registrato con Irina e Mary come fiduciarie. La Fondazione fu creata per incoraggiare l”apprezzamento pubblico delle arti visive e specialmente delle opere di Moore. Ora gestisce la sua casa e la sua tenuta a Perry Green, con una galleria, un parco di sculture e studi.

Nel 1979 Henry Moore divenne inaspettatamente noto in Germania quando la sua scultura Large Two Forms fu installata nel piazzale della cancelleria tedesca a Bonn, che era la capitale della Germania occidentale prima della riunificazione tedesca nell”ottobre 1990.

Moore morì il 31 agosto 1986 nella sua casa di Perry Green. Il suo corpo fu sepolto nel cimitero della chiesa di St Thomas.

La forma caratteristica di Moore è una figura reclinata. L”esplorazione di Moore di questa forma, sotto l”influenza della figura tolteca-mayana che aveva visto al Louvre, lo condurrà a una crescente astrazione, mentre rivolge i suoi pensieri verso la sperimentazione degli elementi del design. Le prime figure reclinate di Moore hanno a che fare principalmente con la massa, mentre quelle successive contrastano gli elementi solidi della scultura con lo spazio, non solo intorno a loro ma generalmente attraverso di loro, dato che ha perforato le forme con aperture.

Le prime figure sono trafitte in modo convenzionale, in cui le membra piegate si separano e si ricongiungono al corpo. Le figure successive, più astratte, sono spesso penetrate da spazi direttamente attraverso il corpo, con cui Moore esplora e alterna forme concave e convesse. Questi piercing più estremi si sono sviluppati in parallelo con le sculture di Barbara Hepworth. La Hepworth perforò per la prima volta un torso dopo aver letto male una recensione di una delle prime mostre di Henry Moore. Il gesso Reclining Figure: Festival (1951) nella Tate, è caratteristica delle sculture successive di Moore: una figura femminile astratta intercalata da vuoti. Come per molte delle opere del dopoguerra, ci sono diversi calchi in bronzo di questa scultura. Quando la nipote di Moore chiese perché le sue sculture avessero titoli così semplici, lui rispose,

Tutta l”arte dovrebbe avere un certo mistero e dovrebbe fare delle richieste allo spettatore. Dare a una scultura o a un disegno un titolo troppo esplicito toglie parte di quel mistero in modo che lo spettatore passi all”oggetto successivo, senza fare alcuno sforzo per riflettere sul significato di ciò che ha appena visto. Ognuno pensa di guardare, ma in realtà non è così.

I primi lavori di Moore si concentrano sull”intaglio diretto, in cui la forma della scultura si evolve mentre l”artista si dedica ripetutamente al blocco. Negli anni Trenta, la transizione di Moore verso il modernismo fu parallela a quella di Barbara Hepworth; i due scambiarono nuove idee tra loro e con molti altri artisti che allora vivevano ad Hampstead. Moore fece molti schizzi preparatori e disegni per ogni scultura. La maggior parte di questi quaderni di schizzi sono sopravvissuti e forniscono un”idea dello sviluppo di Moore. Egli diede grande importanza al disegno; in età avanzata, quando aveva l”artrite, continuò a disegnare.

Dopo la seconda guerra mondiale, i bronzi di Moore presero la loro scala più grande, che era particolarmente adatta alle commissioni di arte pubblica. Per una questione di praticità, abbandonò in gran parte l”intaglio diretto e assunse diversi assistenti per aiutare a produrre le forme più grandi sulla base di maquette. Dalla fine degli anni ”40, produsse sculture sempre più spesso tramite modellazione, lavorando la forma in argilla o gesso prima di fondere l”opera finale in bronzo usando la tecnica della cera persa. Queste maquette spesso iniziano come piccole forme modellate dalle mani di Moore – un processo che dà al suo lavoro una sensazione organica. Nella sua casa di Much Hadham, Moore costruì una collezione di oggetti naturali: teschi, legni alla deriva, ciottoli, rocce e conchiglie, che avrebbe usato per fornire ispirazione per le forme organiche. Per le sue opere più grandi, di solito produceva un modello di lavoro in mezza scala prima di scalarlo per lo stampaggio finale e la fusione in una fonderia di bronzo. Moore spesso raffinava la forma finale in gesso e aggiungeva segni sulla superficie prima della fusione.

Moore produsse almeno tre esempi significativi di scultura architettonica durante la sua carriera. Nel 1928, nonostante le sue stesse “estreme riserve”, accettò la sua prima commissione pubblica per West Wind per il London Underground Building al 55 di Broadway a Londra, unendosi alla compagnia di Jacob Epstein ed Eric Gill. Nel 1953, completò uno schermo di cemento in quattro parti per il Time-Life Building in New Bond Street, Londra, e nel 1955 Moore si rivolse al suo primo e unico lavoro in mattoni scolpiti, “Wall Relief” al Bouwcentrum di Rotterdam. Il rilievo in mattoni è stato scolpito con 16.000 mattoni da due muratori olandesi sotto la supervisione di Moore.

Le conseguenze della Seconda Guerra Mondiale, l”Olocausto e l”era della bomba atomica instillarono nella scultura della metà degli anni ”40 il senso che l”arte dovesse tornare alle sue origini pre-culturali e pre-razionali. Nella letteratura dell”epoca, scrittori come Jean-Paul Sartre sostenevano una simile filosofia riduttiva. In un discorso introduttivo a New York City per una mostra di uno dei migliori scultori modernisti, Alberto Giacometti, Sartre parlò di “Inizio e fine della storia”. Il senso di Moore dell”Inghilterra che emerge imbattuta dall”assedio lo portò a concentrarsi su pezzi caratterizzati da resistenza e continuità.

La maggior parte degli scultori che emersero durante l”apice della fama di Moore, e all”indomani della sua morte, si trovarono proiettati nella sua ombra. Alla fine degli anni Quaranta, Moore era una celebrità mondiale; era la voce della scultura britannica, e del modernismo britannico in generale. La generazione successiva fu costantemente messa a confronto con lui, e reagì sfidando la sua eredità, le sue credenziali di “establishment” e la sua posizione. Alla Biennale di Venezia del 1952, otto nuovi scultori britannici produssero le loro opere Geometry of Fear in diretto contrasto con gli ideali dell”idea di Moore di Endurance, Continuity; la sua grande Double Standing Figure in bronzo stava fuori dal padiglione britannico e contrastava fortemente con le opere più ruvide e angolari all”interno.

Eppure Moore ha avuto un”influenza diretta su diverse generazioni di scultori di fama sia britannica che internazionale. Tra gli artisti che hanno riconosciuto l”importanza di Moore nel loro lavoro ci sono Sir Anthony Caro e Isaac Witkin, tutti e tre sono stati assistenti di Moore. Altri artisti il cui lavoro è stato influenzato da lui includono Helaine Blumenfeld, Drago Marin Cherina, Lynn Chadwick, Eduardo Paolozzi, Bernard Meadows, Reg Butler, William Turnbull, Robert Adams, Kenneth Armitage e Geoffrey Clarke.

La Fondazione Henry Moore aiuta a preservare la sua eredità sostenendo gli scultori e creando mostre, il suo obiettivo è quello di sviluppare l”apprezzamento per le arti visive. La Fondazione è stata creata da Henry e dalla sua famiglia nel 1977 in Inghilterra, ed è ancora in funzione.

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Polemiche

Nel dicembre 2005, la Reclining Figure (1969-70) di due tonnellate – assicurata per 3 milioni di sterline – è stata sollevata con una gru dal terreno della Henry Moore Foundation su un camion e non è stata recuperata. Due uomini sono stati incarcerati per un anno nel 2012 per aver rubato una scultura chiamata Sundial (1965) e il basamento in bronzo di un”altra opera, anch”essa dalla proprietà della fondazione. Nell”ottobre 2013 è stata rubata Standing Figure (1950), uno dei quattro pezzi di Moore nel Glenkiln Sculpture Park, il cui valore è stimato in 3 milioni di sterline.

Nel 2012, il consiglio del London Borough of Tower Hamlets ha annunciato i suoi piani per vendere un”altra versione di Draped Seated Woman 1957-58, una scultura in bronzo di 1,6 tonnellate. Moore, un noto socialista, aveva venduto la scultura a una frazione del suo valore di mercato all”ex Consiglio della Contea di Londra con l”intesa che sarebbe stata esposta in uno spazio pubblico e avrebbe potuto arricchire la vita di coloro che vivono in una zona socialmente svantaggiata. Soprannominata Old Flo, fu installata nel 1962 nel quartiere di Stifford, ma fu vandalizzata e spostata nel 1997 allo Yorkshire Sculpture Park. Il Consiglio di Tower Hamlets ha poi considerato di spostare Draped Seated Woman in un terreno privato a Canary Wharf, ma ha invece scelto di “esplorare le opzioni” per una vendita. In risposta all”annuncio è stata pubblicata una lettera aperta su The Guardian, firmata da Mary Moore, la figlia dell”artista, da Sir Nicholas Serota, direttore della Tate Gallery, dal regista Danny Boyle e da artisti come Jeremy Deller. La lettera diceva che la vendita “va contro lo spirito della vendita originale di Henry Moore” dell”opera.

Interesse popolare

Oggi, la Fondazione Henry Moore gestisce l”ex casa dell”artista a Perry Green nell”Hertfordshire come destinazione per i visitatori, con 70 acri di terreno per le sculture, oltre alla sua casa restaurata e agli studi. Gestisce anche l”Henry Moore Institute a Leeds, che organizza mostre e attività di ricerca sulla scultura internazionale. L”interesse popolare per l”opera di Moore è stato percepito da alcuni come in declino per un certo periodo nel Regno Unito, ma è stato ravvivato in tempi recenti da mostre tra cui ai Kew Gardens nel 2007, alla Tate Britain nel 2010 e alla Hatfield House nel 2011. La Fondazione da lui fondata continua a svolgere un ruolo essenziale nella promozione dell”arte contemporanea nel Regno Unito e all”estero attraverso il suo programma di sovvenzioni e mostre.

Inghilterra

La più grande collezione al mondo di opere di Moore è aperta al pubblico ed è ospitata nella casa e nei terreni della tenuta di 60 acri, che fu la casa di Moore per 40 anni, a Perry Green nell”Hertfordshire. Il sito e la collezione sono ora di proprietà della Fondazione Henry Moore.

Nel dicembre 2005, i ladri sono entrati in un cortile della Henry Moore Foundation e hanno rubato un calco della Reclining Figure 1969-70 (LH 608) di Moore – una scultura in bronzo lunga 3,6 metri e lunga 2,1 tonnellate. I filmati della televisione a circuito chiuso hanno mostrato che hanno usato una gru per calare l”opera su un camion rubato. Una notevole ricompensa è stata offerta dalla Fondazione per informazioni che portino al suo recupero. Nel maggio 2009, dopo un”indagine approfondita, i funzionari britannici hanno detto di credere che l”opera, una volta valutata 3 milioni di sterline, è stata probabilmente venduta come rottame metallico, per un valore di circa 5.000 sterline. Nel luglio 2012 la Meridiana 1965 in bronzo di 22 pollici (56 cm), valutata 500.000 sterline, è stata rubata dalla Fondazione Moore. Più tardi nello stesso anno, dopo che i dettagli del furto sono stati resi noti dal programma televisivo BBC Crimewatch, l”opera è stata recuperata e i ladri sono stati condannati a dodici mesi di detenzione.

Moore ha presentato 36 sculture, oltre a disegni, maquette e altre opere alla Tate Gallery nel 1978.

Toronto

L”Henry Moore Sculpture Centre nell”Art Gallery of Ontario, Toronto, è stato aperto nel 1974. Comprende la più grande collezione pubblica al mondo di opere di Moore, la maggior parte delle quali donate da lui tra il 1971 e il 1974. Il Three Way Piece No. 2 (The Archer) di Moore è stato anche esposto in Nathan Phillips Square al Toronto City Hall dal 1966.

Nel 1948, Moore vinse il Premio Internazionale di Scultura alla Biennale di Venezia. Rifiutò il cavalierato nel 1951 perché sentiva che il conferimento avrebbe portato ad una percezione di lui come una figura dell”establishment e che “un tale titolo potrebbe tendere a tagliarmi fuori dai colleghi artisti il cui lavoro ha obiettivi simili ai miei”. Fu comunque insignito del Companion of Honour nel 1955 e del Premio Erasmus nel 1968.

Era un fiduciario della National Gallery e della Tate Gallery. La sua proposta di dedicare un”ala di quest”ultima alle sue sculture suscitò l”ostilità di alcuni artisti. Nel 1975, divenne il primo presidente della Turner Society, che era stata fondata per fare una campagna per un museo separato in cui l”intero lascito Turner potesse essere riunito, un obiettivo sconfitto dalla National Gallery e dalla Tate Gallery.

Donata alla città di Londra da Moore e dalla Contemporary Art Society nel 1967, Knife Edge Two Piece 1962-65 è esposta nei giardini di Abingdon Street, di fronte al Palazzo del Parlamento, dove la sua regolare apparizione sullo sfondo dei notiziari televisivi da Westminster la rende l”opera più importante di Moore in Gran Bretagna. La proprietà di Knife Edge Two Piece 1962-65 è stata contestata fino alla sua acquisizione nel 2011 da parte della Parliamentary Art Collection.

Alla fine della sua carriera, Moore era l”artista vivente di maggior successo all”asta. Nel 1982, quattro anni prima della sua morte, Sotheby”s a New York vendette una Figura reclinata di 6 piedi (1945), per 1,2 milioni di dollari al collezionista Wendell Cherry. Anche se un primo record di 4,1 milioni di dollari è stato stabilito nel 1990, il mercato di Moore è crollato durante la recessione che seguì. Nel 2012, il suo bronzo di due metri e mezzo, Reclining Figure: Festival (1951) è stato venduto per la cifra record di 19,1 milioni di sterline da Christie”s, rendendolo il secondo artista britannico del XX secolo più caro dopo Francis Bacon.

Fonti