Jackson Pollock

gigatos | Dicembre 30, 2021

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Riassunto

Jackson Pollock, nato il 28 gennaio 1912 a Cody, Wyoming, e morto l”11 agosto 1956 a Springs, New York, è stato un pittore americano dell”espressionismo astratto, che divenne famoso nel mondo durante la sua vita.

Jackson Pollock ha prodotto più di 700 opere, tra cui dipinti completi, saggi e disegni dipinti o scolpiti, oltre ad alcune stampe.

Ha avuto un”influenza decisiva sul corso dell”arte contemporanea.

La pratica della pittura all-over e del dripping, che utilizzò ampiamente dal 1947 al 1950, lo rese famoso grazie alle foto e ai film di Hans Namuth, realizzati più o meno nella foga del momento.

Il suo tardivo riconoscimento, dopo una vita di indigenza, coincise con l”emergere di New York come nuova capitale culturale del mondo, poco dopo la seconda guerra mondiale, tra il 1948 e il 1950. Pollock fu il primo della terza ondata di artisti astratti americani ad essere finalmente riconosciuto, il primo a “rompere il ghiaccio” (come disse Willem de Kooning), aprendo un percorso nel mondo del collezionismo per altri artisti della New York School.

Nel 1945, Pollock sposò la pittrice Lee Krasner, che ebbe un”influenza decisiva sulla sua carriera e sullo sviluppo della sua opera.

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1912-1937

Jackson Pollock è nato nel West americano. Si identifica con questi territori popolati da indiani, con i loro spazi e il loro carattere selvaggio e indomito, che saranno la base delle sue prime opere. I suoi quattro fratelli, più grandi di lui, si sono sempre presi cura di lui con vari gradi di successo. La famiglia si trasferì otto volte tra il 1912 e il 1928, in particolare in California e in Arizona. Sua madre, Stella, era iperprotettiva nei confronti del suo figlio più piccolo, anche se avrebbe preferito avere finalmente una figlia… Le iniziative di Stella non coincidevano con i mezzi e il know-how di suo marito. Dopo anni di difficoltà nelle sue varie imprese agricole, è costretto a trovare lavoro nei cantieri edili lontano dalla casa di famiglia. Divenne un alcolizzato, e così i suoi cinque figli. Jackson rimase timido, parlando molto poco in pubblico; era a disagio, persino brutale, con le donne.

Nel 1923, Jackson, allora undicenne, “ha avuto incontri occasionali con gruppi di indiani”. A quell”età non aveva idea della loro arte…; tuttavia, assistette a un rituale da lontano. Due dei suoi fratelli, Charles e Sand, mostrarono presto un certo talento per il disegno osservativo e, negli anni successivi, gli fornirono informazioni e recensioni sull”arte moderna parigina. Jackson si mise a seguirli, ma fu costernato dai risultati.

Nell”estate del 1927, Jackson mostrò i primi segni di alcolismo. Durante quell”anno, frequentò la Riverside High School (lasciò nel 1928 senza completare la scuola superiore). A settembre, si iscrisse alla Scuola di Arti Manuali, ma fu espulso per aver criticato l”insegnamento della scuola in un giornale studentesco. Condivideva convinzioni di estrema sinistra e sentiva parlare di arte di sinistra – arte muralista. Questo non gli impedì di farsi coinvolgere dalla teosofia di Krishnamurti.

Nel giugno del 1930, fu portato da uno dei suoi anziani, Charles, al Pomona College in California per vedere gli affreschi dipinti da Orozco. A settembre, si trasferì con i suoi fratelli Frank e Charles a New York. Si iscrisse alla Art Students League di New York per prendere lezioni con il pittore realista Thomas Hart Benton. Incontrò José Clemente Orozco, il cui lavoro murale aveva scoperto poco prima, e che stava lavorando con Benton sugli affreschi. Nei due anni successivi, si iscrisse di nuovo al corso di pittura murale di Benton, e più tardi al corso di composizione di modelli dal vivo e murali. In queste lezioni, l”enfasi era sull”espressione del volume nel disegno a tratteggio, come nei disegni di nudo di Michelangelo. Inoltre, Benton propose soluzioni per la composizione pittorica sotto forma di grafici, che Pollock avrebbe mantenuto e ripreso per tutta la vita.

Suo padre morì nel 1933 per un attacco di cuore. Durante la primavera e l”estate, Jackson continuò a formarsi come scultore e lavorò con lo scalpellino Ahron Ben Shmuel.

Negli anni di crisi economica, con la politica del New Deal di Roosevelt, il Federal Art Project del WPA sostenne gli artisti sia nella creazione che nell”insegnamento. La composizione di murales era un modo per integrare l”artista nella società e il WPA li commissionava per decorare edifici pubblici. Dal 1935 in poi, Pollock ha beneficiato di questo sostegno agli artisti. Inizialmente ammesso alla sezione “pittura murale”, Pollock fu espulso per assenteismo nel 1938. Fu reintegrato nella sezione “pittura da cavalletto” e ne beneficiò fino al 1942. La riflessione sul formato sarà quindi al centro della sua ricerca.

Nel 1940, Pollock passò nello studio di David Alfaro Siqueiros, dove furono creati collettivamente striscioni e sculture di carri per la manifestazione del Primo Maggio. Fu in questo contesto che scoprì l”aerografo, lo stencil e il gusto per la ricerca di materiali (in particolare con vernici industriali) e nuove tecniche.

1937-1944

Nel febbraio 1937, dopo aver letto Primitive Art and Picasso, Pollock incontrò l”autore dell”articolo: John Graham (vero nome Dombrowski, un vero guru dell”ambiente newyorkese). Quest”ultimo, assunto dal direttore della collezione Guggenheim, racconta a Jackson la sua opera preferita, un quadro di Picasso, del 1932, Giovane ragazza davanti a uno specchio, molto grafico e come frammentato in sfaccettature. Questo quadro fu donato dalla signora Simon Guggenheim al Museo d”Arte Moderna (MoMA) quando il museo (diretto da Alfred Barr dalla sua fondazione nel 1929) si trasferì, notevolmente arricchito, nella sua sede attuale nel 1939.

Gli anni 1938-1946 diedero a Pollock l”opportunità di sfregarsi con il suo “maestro” dell”epoca: Pablo Picasso. Molte somiglianze tra i due artisti sono state identificate, così come con Mirò, Masson e Hans Hofmann da Ellen G. Landau. La mostra di Guernica, dal maggio 1939, alla Galleria Valentine, poi, in autunno, la retrospettiva di Picasso (con Les Demoiselles d”Avignon e la famosa Ragazza davanti allo specchio), al MoMA, furono i punti più alti di questo momento di emulazione dove Pollock disegnò molto. Ha accumulato figure disegnate con una linea espressiva (Studi, Numero 11). Evocano entità proteiformi, i Minotauri di Picasso (la rivista Minotaure con la copertina di Picasso è del 1933), figure ibride surrealiste (la moda è l”Interpretazione dei sogni di Sigmund Freud), e dove si mescolano riferimenti a sculture indiane della West Coast. Tutto questo bestiario si trova, spesso sotto forma di un filo, nei disegni e nei dipinti datati approssimativamente dal 1938-1943. D”altra parte, durante gli anni 40 (ma probabilmente nei primi anni, secondo David Anfam), Pollock si interessò molto al libro On growth and form di D”Arcy Wentworth Thompson (1860-1948) per le sue illustrazioni di forme naturali, spesso osservate al microscopio, ma anche di corna di montone, ecc.

Nel dicembre 1937, Pollock si disintossicò e iniziò una terapia, la prima di molte, con Joseph Henderson, uno psicoanalista formatosi direttamente con Carl Gustav Jung.

Nel 1937, Pollock era ancora appassionato di arte primitiva che, secondo Graham, si basava su “emozioni spirituali”. Questo è stato molto importante per l”artista nella sua pratica più che mai espressionista. La contemplazione dell”arte degli indiani del Nord America, in particolare durante la mostra “Indian Art of the United States”, (curata da Rene d”Harnoncourt), al MoMA nel 1941, fu decisiva per il suo sviluppo. Più tardi si sarebbe riferito alle sculture Kwakwaka”wakw, uno dei cui giganteschi “totem” adornava l”ingresso del museo in quell”occasione. Il lavoro di interpretazione dei propri disegni, intrapreso con il suo analista junghiano, Henderson, trova anche un”eco nelle loro discussioni dove evocano le sculture indiane che affascinano Henderson tanto quanto Pollock.

Durante la mostra, dimostrazioni di pittura su sabbia (e anche con polline, petali o farina) sono eseguite da artisti Navajo. I dipinti eseguiti sul pavimento sono circondati da una cornice o “guardiano”. Nella pratica sciamanica, il membro della comunità che viene guarito viene poi posto al centro di questo quadro. Il quadro viene poi distrutto: viene usato per strofinare il malato e poi viene buttato via dal villaggio. Hubert Damisch, nel catalogo del 1982, si riferisce a questo, ma non esplicitamente, per interpretare l”approccio di Pollock. Secondo questa concezione, è l”azione di fare la pittura e non l”oggetto della pittura che è essenziale. Il termine “action painting” tiene conto di questo riferimento, ma il suo impatto fu notevolmente amplificato dopo la diffusione del film di Hans Namuth, in particolare nelle scuole d”arte degli Stati Uniti, negli anni 50.

Nascita, 1942: frammenti di figure deformate e stilizzate riassemblate verticalmente come un totem costituiscono il primo quadro di Pollock esposto in una mostra collettiva, “American and French Painting”, nel gennaio 1942, organizzata da J. Graham (con dipinti di Lee Krasner). L”intreccio di figure frammentate fu il primo passo verso quello che sarebbe poi diventato l”accumulo di figure per sovrapposizione, sotto forma di “veli” sovrapposti, e la loro totale scomparsa nelle colature. Questa tesi è ripresa da Donald Wigal in Jackson Pollock: The Concealed Image. Un chiaro esempio di occultamento è stato notato da Karmel: il ”tableau” iscritto al centro di Guardians of the Secret (1943). Capovolto, presenta numerose figure segrete come alcuni disegni di Picasso della fine degli anni 30. Nella posizione normale, i guardiani monumentali sono abbastanza identificabili, ma il dipinto al centro è diventato “astratto”. A questa mostra, Lee Krasner (ri)scoprì Pollock, l”uomo e l”artista, e si innamorò di entrambi. Alcuni mesi dopo, vissero insieme a casa di Lee, mantenendo ognuno il proprio studio. È a partire da questa data che Lee favorisce gli incontri tra Pollock e Clement Greenberg, così come con il loro maestro, Hans Hofmann. Anche Willem De Kooning ha partecipato.

Nella primavera del 1943, Pollock partecipa a una mostra che avrà un grande impatto sul suo futuro con un”opera importante, Stenographic Figure. Fu selezionato insieme a 35 giovani artisti, quasi tutti americani, per la galleria Art of This Century, la “galleria-museo” aperta da Peggy Guggenheim nell”ottobre 1942. Tra i membri della giuria c”erano James Johnson Sweeney (che presto diventerà direttore della sezione di pittura e scultura del MoMA), e Piet Mondrian (che si dice abbia detto, di fronte a Stenographic Figure: “Sto cercando di capire cosa sta succedendo… Penso che sia la cosa più interessante che abbia visto finora in America”). Marcel Duchamp, in questa giuria di sette membri, ha anche dato un parere favorevole! Pollock, con l”aiuto di Lee, ottiene poi un contratto con Peggy Guggenheim per 150 dollari al mese e la sua prima mostra privata, che ha luogo dal 9 al 27 novembre.

Nel 1943, quadri che diventeranno opere chiave mostrano il ribollire creativo di Pollock: Guardians of the Secret, The She-Wolf e Stenographic Figure… In effetti, tutta una figurazione di immagini intime che Pollock era ansioso di reprimere offuscando la loro leggibilità, anche se questo significava girare il quadro di 180° nel processo. Non si sente più controllato né dai miti né dagli archetipi. Inoltre, il titolo dell”opera viene solo dopo, con gli amici o i visitatori.

Nel novembre 1943, il successo era all”orizzonte, ma era ancora lontano. Ci furono solo poche vendite (eravamo in piena guerra), le recensioni furono piuttosto negative, ma il carattere americano fu apprezzato, un fatto nuovo, mentre l”arte europea dominava ancora il mercato. Peggy ha anche commissionato un murale (“Tutti gli animali del West americano”, ha detto Pollock, per la sua casa (gennaio 1944). Murales fu mostrato per la prima volta al pubblico al MoMA nell”aprile-maggio 1947, nella mostra “Large Scale Modern Painting”. Nel maggio 1944, il primo quadro di Pollock fu acquistato dal MoMA: She Wolf.

1945-1950

La pittrice Lee Krasner, che era stata formata in arte moderna da Hans Hofmann, fu la sua compagna dal 1942, ma non si sposarono fino all”ottobre 1945. Lo portò poi a Long Island per proteggerlo dal suo alcolismo. Si sono trasferiti in una vecchia fattoria a Springs (East Hampton, New York) all”inizio di novembre, senza acqua calda né riscaldamento e con pochi soldi. Fu nel piccolissimo “fienile”, sommariamente convertito in “studio”, che Jackson Pollock produsse le sue opere “classiche”, la tela essendo prima stesa sul pavimento e poi, dopo un periodo di asciugatura, raddrizzata. Il critico Clement Greenberg (un amico di Lee Krasner che riprese e “teorizzò” gli insegnamenti di Hans Hofmann, trasmessi da Lee) sottolineò il fatto che Pollock non partiva dal rettangolo della tela. In effetti, era un intero rotolo di tela parzialmente srotolato. Dato che la pittura non raggiungeva i bordi, doveva decidere i limiti, e l”inquadratura era una scelta cruciale per Pollock. Questa pratica era totalmente nuova e in contrasto con la pittura francese, ereditata da Cézanne, dove si parte dalla cornice per costruire il quadro. Per qualificare questa nuova pratica Greenberg coniò il termine all over (dove gli elementi pittorici sono disposti in modo uguale su tutta la superficie disponibile) (The Nation, 1 febbraio 1947: an over-all evenness).

I dipinti di Janet Sobel (1894 – 1968), un”artista americana di origine ucraina, che fu la prima a praticare la pittura all-over, influenzarono Pollock. Pollock aveva visto il suo lavoro con Greenberg alla galleria The Art of This Century (en) nel 1944. Nel suo saggio American-Type” Painting (1955) Greenberg si riferisce a queste opere come le prime forme di pittura all-over che aveva visto, e afferma che “Pollock ammise che questi dipinti lo impressionarono”.

In alcuni dei suoi dipinti, dal 1947 in poi, Pollock versa il colore direttamente dal vaso, controllando la fluidità e lo spessore delle linee (versamento) o facendo gocciolare il colore su tele posate in piano (o su carta: Painting (Silver over Black, White, Yellow and Red), 1948, dipinto su carta montato su tela, 61 × 80 cm, Centre Pompidou, 1982:

Questa operazione, che consiste nel lavorare in orizzontale, fa una rottura singolare nelle pratiche culturali dell”immagine. Le sue implicazioni simboliche e gli effetti di eco nell”arte contemporanea che sono seguiti sono stati discussi da Yve Alain-Bois e Rosalind Krauss in occasione della mostra “L”Informe. Mode d”emploi”. Il testo si riferisce a “Full Fathom Five”, del 1947, nel contesto di un”analisi teorica. Ma il significato del titolo, tratto dalla canzone di Ariel ne La Tempesta di Shakespeare (”By five fathoms under the waters… lies my father…”, citato in ), evoca il processo di cancellazione – dei ricordi – sotto molteplici strati. Un processo ricorrente nella pratica di Pollock. Per uno studio dettagliato della pratica di Pollock si veda Carmean.

Nel 1948, Jackson Pollock decise di non dare più titoli e di designare le sue opere con dei numeri. Interrogata su questa decisione, Lee Krasner dichiarò che la principale preoccupazione di Pollock era quella di interessare il pubblico alla “pittura pura” piuttosto che distrarlo con titoli. Pollock, nell”agosto 1950, spiegava: “Ho deciso di non aggiungere più confusione” causata dai titoli che molto spesso venivano dati dagli ospiti e che Pollock accettava o rifiutava. La prima mostra con dipinti numerati fu nel 1951 da Betty Parsons. Ma i numeri sono stati assegnati in modo piuttosto casuale, senza tener conto della cronologia. In alcuni casi, Pollock li designava anche per colori o per le loro caratteristiche essenziali (The Wooden Horse, White Cockatoo).

Nel 1948, Robert Motherwell, William Baziotes, David Hare, Barnett Newman, Mark Rothko e Clyfford Still fondarono la loro breve scuola d”arte The Subjects of the Artist. Credevano che uno studente avrebbe tratto beneficio dal conoscere “sia i soggetti degli artisti moderni che la loro lavorazione”. Si distinguevano così da un approccio formale all”arte moderna. Erano antigreenberghiani e reintroducevano il significato, dove altri vedevano solo l”equilibrio delle forme e il gioco dei colori, la piattezza, ecc. Ma Pollock stesso non capiva molto bene i discorsi teorici (ma non ancora formalisti) e spesso oscuri di Clement Greenberg. Preferiva ascoltare jazz tutto il giorno: Dizzy Gillespie, Bird (Charlie Parker), Dixieland e bebop.

Pollock fu il primo pittore americano dell”espressionismo astratto a diventare noto al grande pubblico grazie alla risposta che ricevette dalla stampa. In questo senso ha aperto la strada agli altri artisti della Scuola di New York. Tuttavia, questi artisti non avrebbero raggiunto il successo popolare fino a dopo la sua morte.

Jackson Pollock era all”apice del suo successo nel 1950. È stato selezionato con un gruppo di artisti americani per rappresentare gli Stati Uniti alla Biennale di Venezia. Ha accumulato grandi opere con sgocciolamenti e versamenti senza mai ripetersi. La figurazione che appare ancora nei quadri del 1948 realizzati con la fuoriuscita controllata di un filo di lacca, appare ancora nel 1949 nelle figure raschiate con un coltello da pittura in diverse tele dipinte di fresco in colature, tra cui Out of the web: Number 7.1949. Alcuni dei dipinti del 1950 sono stati anche analizzati da Karmel e mostrano frammenti di figure abbastanza chiaramente quando sono inclinati di 90° in senso orario. Tuttavia, il tutto è totalmente ”astratto”, ed è questa astrazione radicale che è stata per lo più ricordata come ”lo” stile di Jackson Pollock. Da notare anche un esperimento di volume: Senza titolo, terracotta dipinta, 20,3 cm (8 pollici).

Beve meno da quando si è trasferito a Springs, e quasi più niente dopo l”autunno del 1948, grazie a tranquillanti, ipnosi (recupero della memoria), passeggiate, un gran numero di ospiti colti e, con il boom economico, le prime vendite serie. Quadri di grandi dimensioni (ma anche molti in formati più “vendibili”, ad esempio 78 × 57 cm) e un complesso ritmo “all-over” hanno sorpreso un numero crescente di critici. L”intensità del lavoro e i vincoli del successo si sono accumulati nel 1949 e 1950. Ha riflettuto con lo scultore-architetto Tony Smith e l”architetto Peter Blake sull”articolazione dei suoi monumentali dipinti murali con lo spazio architettonico).

Nella tarda estate e nell”autunno del 1950, il fotografo Hans Namuth scattò una serie di fotografie dell”artista in azione. In bianco e nero, la scarsa illuminazione naturale fissa il “movimento” dell”azione. L”idea che l”azione dell”artista sia essenziale era nell”aria da molto tempo. Questo riferimento al luogo dell”azione artistica si ritrova spesso come se fosse un”arena negli anni ”30, nel doppio senso della parola: la superficie coperta di sabbia (la corrida, il culto di Mitra) e il luogo dove si rischia l”onore, addirittura la vita, esponendosi. La pratica artistica degli anni 30, sia letteraria che pittorica, era spesso impegnata ad esporre, in modo trasgressivo, l”intimità e le fantasie dell”autore. Negli anni ”30 è stato così anche in Francia con gli scritti di Leiris (L”Âge d”homme) e Georges Bataille, e con i dipinti di Picasso e Masson. Queste opere erano conosciute negli Stati Uniti. Questa concezione della pratica artistica, in cui l”essenziale sta nell”azione rischiosa, l”esposizione di se stessi nell”arena, fu ripresa in questo paese dal critico Harold Rosenberg (The Tradition of the New, 1955) quando coniò il termine “action painting” (pubblicato per la prima volta nell”articolo del 1952 “The American Action Painters”).

Il seguito logico alle fotografie dell”artista in azione fu per Hans Namuth di fare un film a colori (con un assolo di contrabbasso di Morton Feldman). In effetti, ci furono due film realizzati nell”ottobre e nel novembre del 1950. Pollock si è calato nel suo ruolo realizzando due quadri, uno su tela, ripreso da lontano, e l”altro su vetro, essendo il vetro necessario affinché lo spettatore possa vedere il pittore in azione e il quadro nello stesso fermo immagine. Barbara Rose ha notato che con questo dispositivo lo spettatore non può vedere nulla di ciò che vede l”artista. Quando il film fu finito, Pollock tornò a bere, e tornò a dipingere il vetro, fuori dallo studio, per mesi.

1951-1956

Pollock ha poi voluto sviluppare all”interno del suo linguaggio personale, con sgocciolature e pre-drippings: “Penso che i non-oggettivisti lo troveranno inquietante”, come disse all”inizio del 1951; ha reintrodotto, in modo molto visibile, quelle figure che erano state precedentemente “velate” nelle reti di motivi tracciati nell”aria sopra la tela. Rimase molto vicino ad Alfonso Ossorio e Tony Smith (1912-1980) e seguì i loro consigli per rinnovarsi. Su carta giapponese regalatagli da Smith, ha disegnato a inchiostro, giocando con il trasferimento di inchiostro da un foglio all”altro, posto sotto, e facendo riferimento al libro Growth and Form di D”Arcy Wentworth Thompson del 1917, che presenta il disegno di molte forme semplici.

Nel 1951 Pollock iniziò a disegnare su tela con siringhe, quindi i tratti sono molto lunghi, equivalenti a una linea di matita. Greenberg rimase molto entusiasta dei quadri di figure nere della mostra del 1952, lodando la loro massima carica con mezzi minimi, la loro polverizzazione smaterializzata, in contrasto con la ricerca di materialità che percepiva nel 1949 (vedi le analisi critiche di Greenberg di Y. A. Bois e T. de Duve). In seguito, Pollock tornò a sperimentare gli effetti di strati spessi o fluidi di pittura, le sbavature, e giocò con la fusione dei materiali: questo è ciò che vediamo in The Deep (1953).

Dopo un anno in cui il nero ha dominato nel 1951, ha reintrodotto il colore con un pennello in Portrait and a Dream nel 1953. (I titoli continuano a riferirsi ai rituali, ai suoi atti simbolici, e figure totemiche punteggiano la superficie: la Pasqua e il totem, Blue Poles; titoli richiesti dal suo nuovo gallerista, Sidney Janis. Il suo ultimo quadro Search è tipico di questo spirito di ricerca, dove il colore è dominante. Pollock ha prodotto poco (ma sempre nuove pratiche) durante gli ultimi anni della sua vita.

Rimase ucciso in un incidente d”auto l”11 agosto 1956 nella cittadina di Springs, situata a Long Island, New York. Era ubriaco e guidava molto veloce. La sua compagna Ruth Kligman sopravvisse all”incidente, mentre Edith Metzger, un”amica di Ruth, rimase uccisa.

Molto è stato scritto sul suo alcolismo, che è stato responsabile di questo incidente; era soprattutto un fatto sociale. Quasi tutti gli artisti della sua generazione erano alcolizzati, molti si sono suicidati, molti guidavano pericolosamente: essendo considerati degli smidollati dall”americano medio, si sono aggiunti ad esso, a rischio di perdere la vita. Nel caso di Pollock, le origini familiari del suo malessere lo avevano reso alcolizzato all”età di quindici anni.

Lo studio approfondito dell”opera di Pollock negli ultimi anni ha rivelato la permanenza di un desiderio di fare un”immagine, di lavorare sull”espressione del suo mondo interiore attraverso queste immagini e di mostrare che la loro apparente cancellazione in una pittura “astratta” era ingannevole.

Nel giugno 1956, Selden Rodman incontrò Pollock a East Hampton:

Pollock, Krasner e Greenberg: il contesto artistico e critico

La “vigorosa flamboyance del suo lavoro”, il carattere “senza precedenti” della sua pittura nel 1943, la sua “implacabile spontaneità”, “il modo unico in cui riunisce innumerevoli ricordi, entusiasmi e fissazioni intime”, furono le prime ragioni del suo successo. Detto questo, Jackson Pollock ha vissuto in estrema precarietà per la maggior parte della sua vita, anche se, nel 1949, la rivista Life ha titolato, con una certa ironia, “Is Pollock the Greatest Living Painter? L”anno 1949 fu l”unico in cui le vendite sostanziali permisero alla coppia di pagare i loro debiti e di restaurare un po” la casa di Springs.

Il comportamento aggressivo di Pollock quando era ubriaco ebbe un effetto negativo immediato sulla sua immagine: i suoi ex amici lo evitarono, i galleristi furono sospettosi di lui, e i suoi potenziali clienti (anche se era difficile convincerli del valore del suo quadro) erano riluttanti a correre il rischio di un”accoglienza che sarebbe stata rovinata dalla sua sola presenza. D”altra parte, alla lunga, il suo comportamento e la sua pittura, la sua espressività, l”apparente velocità di esecuzione, hanno avuto un ruolo nella costruzione dell”immagine mitica dell”artista tipicamente americano, libero e un po” “selvaggio”, ma così pieno di energia!

È solo dopo la morte di Pollock che il lavoro intrapreso da Lee Krasner per valorizzare la sua pittura comincia a dare i suoi frutti. Il mito dell”artista dal destino tragico che ha saputo abbinare lo spazio americano, la sua velocità e la sua energia, questo mito aumenta la domanda. Canvas No. 5, dipinto nel 1948, è stato venduto a trattativa privata nel novembre 2006 per 140 milioni di dollari ed è uno dei dipinti più costosi di tutti i tempi.

Clement Greenberg ha saputo maneggiare con discernimento precisi qualificatori a cui i suoi lettori hanno dovuto adattarsi, spesso con estrema difficoltà. Il suo approccio all”opera di Pollock è sfumato, e il suo entusiasmo si manifesta gradualmente tra il 1943 e il 1947. Sottolinea le qualità formali ed espressive e fa paragoni con i più grandi nomi. In Après l”expressionnisme abstrait (1962), ritorna su questo periodo con una preoccupazione esemplare di chiarificazione:

E continua a spiegare, contrapponendolo alla “morsa soffocante del cubismo sintetico” (con le sue superfici cerchiate):

Conclude questa descrizione collegando l”opera di Pollock all”arte barocca come definita da Wölfflin. Questo è un prezioso doppio confronto.

L”espressionismo gestuale di Pollock potrebbe effettivamente essere paragonato, da questo punto di vista formale, all”arte barocca.

La battaglia dei critici: la novità controversa

I critici d”arte, a causa delle recensioni entusiastiche del potente Clement Greenberg, si interessarono al “caso Pollock”, soprattutto a partire dal 1945. Sia i sostenitori che i detrattori dell”artista si attaccarono a vicenda in articoli che contribuirono a renderlo progressivamente più famoso. Eleanor Jewett, per esempio, ha scritto:

Al contrario, Howard Devree esprime come le grandi tele di Pollock lo impressionino, “come se fossero sovraccariche di una violenta risposta emotiva per stabilire una reale comunicazione con lo spettatore”.

Parker Tyler, nello stesso anno, riconoscendo che Pollock aveva una forza di materiale e un certo talento come colorista, tuttavia denunciò la sua mancanza di talento e un””aria di maccheroni al forno su alcuni dei suoi modelli”. Questa critica ha portato alle lodi di Manny Farber, che ha definito la pittura dell”artista “magistrale e miracolosa”; riguardo al “murale” commissionato da Peggy Guggenheim, si è entusiasmata:

Anche se Clement Greenberg continuò, anno dopo anno, a difendere Jackson Pollock, quest”ultimo fu meno criticato negli anni seguenti. Fu solo nel 1948, in occasione della sua nuova mostra alla Betty Parsons Gallery, che ritrovò la sua strada nei media: Alonzo Lansford parlò della sua tecnica pittorica come una sorta di automatismo della pittura, riconoscendo che il risultato era “vivace, originale ed eccitante”. Robert M. Coates osserva che Pollock è il più complesso degli artisti di New York, parlando di “un”impressione di energia vertiginosa”:

Nel 1949, le recensioni su Time e New York World-Telegram attaccarono severamente il lavoro di Pollock. Clement Greenberg non è stato l”unico a reagire. Paul Mocsanyi ha parlato di una “combinazione dell”estatico e del monumentale non è senza una certa grandezza”. Anche Elaine de Kooning, moglie del pittore Willem de Kooning, scrive:

In una lettera alla gallerista Betty Parson, il pittore francese Georges Mathieu scrive:

Dalla fine del 1949 in poi, le critiche continuarono a moltiplicarsi, portando a una guerra sostenuta nelle colonne. Carlyle Burrows denunciò le ripetizioni sempre più ovvie mentre Stuart Preston lodò i colori forti dei nuovi dipinti. Sempre più critici d”arte si unirono al campo degli ammiratori: Amy Robinson su Art News, Robert M. Coates sul New Yorker, Henry McBride sul New York Sun. Il Time fu l”unico giornale a continuare la sua critica negativa, rifiutando il lavoro di Pollock e De Kooning uno dopo l”altro: “Se questo tipo di dipinti rappresenta la più grande forza vitale nell”arte contemporanea americana, come alcuni critici hanno sostenuto, l”arte è in un brutto stato.

Con l”esposizione nel padiglione americano alla 25a Biennale di Venezia, tra il 3 giugno e il 15 ottobre 1950, l”opera di Pollock ha assunto una portata internazionale e ancora controversa. Alfred H. Barr Jr. in Art News diede il tono, definendolo “un”energica avventura per gli occhi”, un”espressione che fu immediatamente ripresa da altri critici, come Douglas Cooper. Il critico d”arte italiano Bruno Alfieri descrive la pittura di Pollock come “assenza di rappresentazione”, come “caos”, come “mancanza di armonia”, di “organizzazione strutturale”, come “assenza di tecnica”: “Pollock ha abbattuto tutte le barriere tra la sua pittura e se stesso: la sua immagine è la pittura più immediata e spontanea. che per alcuni decenni ha disturbato il sonno dei suoi colleghi con l”eterno incubo delle sue imprese distruttive, sta diventando un tranquillo conformista, un pittore del passato”.

Dopo la sua morte, la critica internazionale si moltiplicò; furono proprio queste recensioni postume, nel 1958, che contribuirono maggiormente a far conoscere l”opera di Jackson Pollock al grande pubblico. Darrio Micacchi era molto duro nell”organo del partito comunista:

Mentre Freek van den Berg si sofferma ironicamente su un paragone tra il pittore Pollock e il bambino dauber, Will Grohmann scrive:

John Russel scrive che l”opera di Pollock “è ancora più potente delle cose che sono state dette su di lui”. John Berger si riferisce ai dipinti del “grande talento” Pollock come “le pareti interne della sua mente”.

Il contesto culturale. Hans Namuth

Le immagini di Hans Namuth del 1950 del “pittore d”azione” furono diffuse dalla stampa, che cominciava a vivere delle “celebrità” del mondo dell”arte. Queste immagini hanno creato un cliché nella mente pubblica dell”artista ”liberato”, il cui braccio reagisce come un sismografo collegato al suo ”inconscio”. In precedenza, gli artisti non venivano mai rappresentati al lavoro – il film di Clouzot Le Mystère Picasso, concepito nel 1952, fu realizzato nel 1955.

Altre immagini, accuratamente composte da Namuth, fecero di Pollock un successo popolare negli Stati Uniti: sono ritratti, come disse Willem de Kooning, “il ragazzo che lavora in una stazione di servizio”, con le braccia incrociate, con un”aria un po” provocatoria, attraente ma ruvida, che dipinge in un fienile, non in uno studio, con bastoni e vernice industriale. Il suo successo popolare diede presto ai seguaci l”idea di fare, “alla maniera di” Pollock, un tipo di pittura kitsch che Greenberg aveva giustamente denunciato prima in Avant-garde and Kitsch, nel 1939, e poi in un articolo su The Nation del 23 febbraio 1946:

È contro questa volgarizzazione che ha totalmente snaturato la sua opera che Pollock ha reagito tornando alla figurazione. Il 7 giugno 1951, scrive a Ossorio:

La seconda edizione de L”Atelier de Jackson Pollock pubblicata da Macula nel 1982 è stata l”occasione per pubblicare un testo di Barbara Rose in francese. In essa, sottolinea l”importanza delle immagini in bianco e nero di Hans Namuth, che erano molto popolari. I film, invece, furono distribuiti nelle università ed ebbero un profondo effetto sul pubblico delle scuole d”arte e sulle nuove generazioni di artisti, in particolare Allan Kaprow e Donald Judd.

Già nel 1972, Dore Ashton era in grado di evocare il contesto culturale con grande precisione. In particolare, con l”emigrazione di due terzi degli psicoanalisti dall”Europa, ci fu una vera e propria moda in cui il concetto di inconscio fu integrato nella moda surrealista e nella sua scrittura automatica. La posizione di Jung (quella di Henderson, strizzacervelli junghiano di Pollock alla fine del 1938-1939), le cui concezioni estetiche trovarono un clima relativamente ricettivo, fu meglio integrata dall”ambiente culturale americano. L”aspetto psicologico dell”Ulisse di James Joyce lo ha reso un riferimento nel mondo dell”arte. Jackson ne aveva una copia accanto al suo Leaves of Grass di Walt Whitman. Le “incomprensibili profondità dell”anima moderna” frequentavano tutti i caffè di New York. Chi non aveva letto i testi teorici sapeva di cosa si trattava. I film noir hanno attinto a piene mani. A partire dal 1947, l”esistenzialismo sartriano fu associato nella cultura americana a L”età dell”angoscia, come fu messo in forma nel poema di Auden del 1946 e le sue “cose gettate nell”esistenza”.

Il contesto politico e sociale

Nel 1983 il famoso libro di Serge Guilbaut Comment New York vola l”idée d”art moderne fu pubblicato dall”Università di Chicago. È sottotitolato Espressionismo astratto, libertà e guerra fredda. Questo libro si occupa in particolare di Pollock nel suo primo capitolo, che tratta della de-marcializzazione dell”intellighenzia a New York tra il 1935 e il 1941. Pollock si riferisce al suo realismo nelle sue lettere come un modo di espressione leggibile dal popolo e che deve trattare temi popolari. Per il Primo Maggio 1936, lui e Siqueiros si impegnarono nella realizzazione di striscioni e di un carro…. Il trotskismo assunse una transizione che vide l”ambiente culturale di sinistra sempre più disorientato dall”ascesa di Stalin e della sua politica. Il secondo capitolo discute l”istituzione di una forma d”arte americana come risultato della seconda guerra mondiale. Il terzo capitolo si concentra sulle “condizioni per la creazione di un”avanguardia nazionale” nel 1945-1947. Emerge che il successo di Jackson Pollock è nato da un singolare insieme di circostanze in cui la scomparsa del mercato parigino ha portato all”emergere di una certa fiducia in se stessi nell”ambiente culturale americano. La prossima staffetta essenziale era la stampa, a volte in modo ironico. Infine, nel 1953, gli ambienti politici sollecitarono la partecipazione di Pollock alla mostra “12 pittori e scultori americani contemporanei” al Museo Nazionale d”Arte Moderna di Parigi. La mostra è stata successivamente esposta a Zurigo, Düsseldorf, Stoccolma, Helsinki e Oslo.

Certamente il successo commerciale di Pollock, come il primo di tutti gli espressionisti astratti a sfondare, poggiava in parte sull”emergere di una nuova classe ricca corrispondente al boom americano. Nel bel mezzo del maccartismo la ribellione artistica si trasformò in un”aggressiva ideologia liberale. Il nuovo liberalismo si identificava con quest”arte, non solo perché questo tipo di pittura aveva caratteristiche moderne (percepita come americana) ma soprattutto incarnava al massimo grado le nozioni di individualismo e rischio. Infine, questi dipinti potrebbero benissimo, con il loro carattere monumentale e deciso, essere presentati dalla rivista Vogue come eccellenti elementi decorativi in spazi architettonici di stile moderno.

Per quanto riguarda la spiegazione del successo popolare di Pollock, forse questo quadro incarnava semplicemente l”ideale di un”epoca, lo spirito dell”epoca: accettazione di sé, libertà trasgressiva e velocità, fluidità, che lui stesso ha espresso con queste parole:

La dimensione frattale è costitutiva della tecnica di Jackson Pollock e non consecutiva. Definisce tutto in modo matematico. L”analisi ha dimostrato che le prime opere hanno una dimensione frattale maggiore di 1,1 e, alla fine della sua vita, 1,7. Inoltre, Pollock distrusse un”opera con una dimensione frattale di 1,9 che considerava brutta, troppo densa, mentre veniva ripreso da Hans Namuth.

Una tale analisi può permettere di individuare eventuali falsi Pollock del periodo cosiddetto “classico”.

Diversi critici d”arte fanno collegamenti tra il lavoro di Pollock e quello dell”artista canadese Jean-Paul Riopelle. Un quadro di Jean-Paul Riopelle presentato nel 1950 alla mostra Véhémences confrontées, organizzata dal critico d”arte Michel Tapié e dal pittore Georges Mathieu alla Galerie Nina Dausset di Parigi, si ispira a un”opera di Jackson Pollock che Tapié definisce “amorfa”, cioè senza forma o puramente materiale.

Riprodotto, con alcune eccezioni, nel catalogo del 1999.

Fonti