James Abbott McNeill Whistler

gigatos | Gennaio 30, 2022

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Riassunto

James Abbott McNeill Whistler RBA (11 luglio 1834 – 17 luglio 1903) è stato un pittore americano attivo durante la Gilded Age americana e basato principalmente nel Regno Unito. Evitava il sentimentalismo e l”allusione morale nella pittura e fu uno dei principali sostenitori del credo “l”arte per l”arte”. La sua firma per i suoi dipinti prese la forma di una farfalla stilizzata che possiede un lungo pungiglione come coda. Il simbolo combinava entrambi gli aspetti della sua personalità: la sua arte è caratterizzata da una sottile delicatezza, mentre il suo personaggio pubblico era combattivo. Trovò un parallelo tra la pittura e la musica, e intitolò molti dei suoi dipinti “arrangiamenti”, “armonie” e “notturni”, sottolineando il primato dell”armonia tonale. Il suo quadro più famoso, Arrangement in Grey and Black No. 1 (1871), comunemente noto come la Madre di Whistler, è un ritratto venerato e spesso parodiato della maternità. Whistler influenzò il mondo dell”arte e la più ampia cultura del suo tempo con le sue teorie e le sue amicizie con altri importanti artisti e scrittori.

Nuova Inghilterra

James Abbott Whistler nacque a Lowell, Massachusetts, l”11 luglio 1834, primo figlio di Anna McNeill Whistler e George Washington Whistler, e fratello del chirurgo confederato Dr. William McNeill Whistler. Suo padre era un ingegnere ferroviario e Anna era la sua seconda moglie. James visse i primi tre anni della sua vita in una modesta casa al 243 di Worthen Street a Lowell. La casa è ora il Whistler House Museum of Art, un museo a lui dedicato. Ha rivendicato San Pietroburgo, Russia, come suo luogo di nascita durante il processo Ruskin: “Io nascerò quando e dove voglio, e non scelgo di nascere a Lowell”.

La famiglia si trasferì da Lowell a Stonington, Connecticut, nel 1837, dove suo padre lavorava per la ferrovia di Stonington. Tre dei figli della coppia morirono nell”infanzia durante questo periodo. Le loro fortune migliorarono considerevolmente nel 1839 quando suo padre divenne ingegnere capo della Boston & Albany Railroad, e la famiglia costruì una villa a Springfield, Massachusetts, dove ora si trova il Wood Museum of History. Hanno vissuto a Springfield fino a quando hanno lasciato gli Stati Uniti alla fine del 1842. Nicola I di Russia apprese dell”ingegnosità di George Whistler nell”ingegneria della Boston & Albany Railroad, e gli offrì una posizione nel 1842 per l”ingegneria di una ferrovia da San Pietroburgo a Mosca, e la famiglia si trasferì a San Pietroburgo nell”inverno del 1842

Whistler era un bambino lunatico, incline a scatti d”ira e insolenza, e spesso andava alla deriva in periodi di pigrizia dopo periodi di malattia. I suoi genitori scoprirono che disegnare spesso lo calmava e lo aiutava a focalizzare la sua attenzione. Negli anni successivi, giocò sul legame di sua madre con il Sud americano e le sue radici, e si presentò come un impoverito aristocratico del Sud, anche se non è chiaro fino a che punto simpatizzò veramente con la causa del Sud durante la guerra civile americana. Adottò il nome da nubile di sua madre dopo la sua morte, usandolo come secondo nome aggiuntivo.

Russia e Inghilterra

A partire dal 1842, suo padre fu assunto per lavorare su una ferrovia in Russia. Dopo essersi trasferito a San Pietroburgo per raggiungere il padre un anno dopo, il giovane Whistler prese lezioni private d”arte, poi si iscrisse all”Accademia Imperiale delle Arti all”età di undici anni. Il giovane artista seguì il curriculum tradizionale di disegnare da calchi di gesso e occasionalmente da modelli vivi, si crogiolò nell”atmosfera delle conversazioni d”arte con i suoi coetanei più grandi, e soddisfò i suoi genitori con un voto di prima classe in anatomia. Nel 1844, incontrò il noto artista Sir William Allan, che venne in Russia con una commissione per dipingere una storia della vita di Pietro il Grande. La madre di Whistler annotò nel suo diario che “il grande artista mi disse: ”Il tuo bambino ha un genio non comune, ma non spingerlo oltre la sua inclinazione””.

Nel 1847-1848, la sua famiglia passò un po” di tempo a Londra con dei parenti, mentre suo padre rimase in Russia. Il cognato di Whistler, Francis Haden, un medico che era anche un artista, stimolò il suo interesse per l”arte e la fotografia. Haden portò Whistler a visitare collezionisti e a conferenze, e gli diede un set di acquerelli con le istruzioni. Whistler stava già immaginando una carriera artistica. Cominciò a collezionare libri sull”arte e studiò le tecniche di altri artisti. Quando il suo ritratto fu dipinto da Sir William Boxall nel 1848, il giovane Whistler esclamò che il ritratto era “molto simile a me e un quadro molto bello. Mr. Boxall è un bellissimo colorista… È una bella superficie cremosa, e sembra così ricca”. Nel suo fiorente entusiasmo per l”arte, a quindici anni, informò suo padre per lettera del suo futuro orientamento: “Spero, caro padre, che non si opporrà alla mia scelta”. Suo padre, tuttavia, morì di colera all”età di 49 anni, e la famiglia Whistler si trasferì di nuovo nella città natale di sua madre, Pomfret, Connecticut. I suoi piani artistici rimasero vaghi e il suo futuro incerto. La famiglia viveva frugalmente e riusciva a cavarsela con un reddito limitato. Suo cugino riferì che Whistler a quel tempo era “esile, con un viso pensoso e delicato, ombreggiato da morbidi riccioli marroni… aveva un aspetto e modi un po” strani, che, aiutati dalle capacità naturali, lo rendevano molto affascinante, anche a quell”età”.

West Point

Whistler fu mandato alla Christ Church Hall School con la speranza della madre che sarebbe diventato un ministro. Whistler era raramente senza il suo album da disegno ed era popolare tra i suoi compagni di classe per le sue caricature. Tuttavia, divenne chiaro che una carriera nella religione non gli si addiceva, così fece domanda all”Accademia Militare degli Stati Uniti a West Point, dove suo padre aveva insegnato disegno e altri parenti avevano frequentato. Fu ammesso all”istituzione altamente selettiva nel luglio 1851 grazie al nome della sua famiglia, nonostante la sua estrema miopia e la sua scarsa salute. Tuttavia, durante i suoi tre anni lì, i suoi voti erano a malapena soddisfacenti, ed era un triste spettacolo durante le esercitazioni e l”abbigliamento, conosciuto come “Curly” per la sua lunghezza dei capelli che superava i regolamenti. Whistler si opponeva all”autorità, emetteva commenti sarcastici e accumulava demeriti. Il colonnello Robert E Lee era il sovrintendente di West Point e, dopo una notevole indulgenza verso Whistler, non ebbe altra scelta che licenziare il giovane cadetto. Il maggior risultato di Whistler a West Point fu l”apprendimento del disegno e della creazione di mappe dall”artista americano Robert W. Weir.

La sua partenza da West Point sembra essere stata precipitata da un fallimento in un esame di chimica in cui gli fu chiesto di descrivere il silicio e iniziò dicendo: “Il silicio è un gas”. Come lui stesso disse più tardi: “Se il silicio fosse stato un gas, un giorno sarei stato un generale”. Tuttavia, un aneddoto separato suggerisce la cattiva condotta nella classe di disegno come la ragione della partenza di Whistler.

Primo lavoro

Dopo West Point, Whistler lavorò come disegnatore mappando l”intera costa degli Stati Uniti per scopi militari e marittimi. Trovava il lavoro noioso ed era spesso in ritardo o assente. Trascorreva molto del suo tempo libero giocando a biliardo e oziando, era sempre al verde e, sebbene fosse un ammaliatore, aveva poca confidenza con le donne. Dopo che si scoprì che stava disegnando serpenti marini, sirene e balene sui margini delle mappe, fu trasferito alla divisione incisione dell”U.S. Coast Survey. Vi rimase solo due mesi, ma imparò la tecnica dell”incisione che in seguito si rivelò preziosa per la sua carriera.

A questo punto, Whistler decise fermamente che l”arte sarebbe stata il suo futuro. Per alcuni mesi visse a Baltimora con un ricco amico, Tom Winans, che fornì a Whistler anche uno studio e del denaro per le spese. Il giovane artista fece alcuni preziosi contatti nella comunità artistica e vendette anche alcuni primi dipinti a Winans. Whistler rifiutò i suggerimenti di sua madre per altre carriere più pratiche e la informò che con i soldi di Winans, si sarebbe messo in viaggio per approfondire la sua formazione artistica a Parigi. Whistler non tornò mai più negli Stati Uniti.

Studio dell”arte in Francia

Whistler arrivò a Parigi nel 1855, affittò uno studio nel Quartiere Latino e adottò rapidamente la vita di un artista bohemien. Presto ebbe una fidanzata francese, una sarta di nome Héloise. Studia per un breve periodo i metodi tradizionali dell”arte all”Ecole Impériale e all”atelier di Marc Charles Gabriel Gleyre. Quest”ultimo era un grande sostenitore del lavoro di Ingres, e impressionò Whistler con due principi che usò per il resto della sua carriera: che la linea è più importante del colore e che il nero è il colore fondamentale dell”armonia tonale. Vent”anni dopo, gli impressionisti avrebbero ampiamente rovesciato questa filosofia, bandendo il nero e il marrone come “colori proibiti” ed enfatizzando il colore sulla forma. Mentre le lettere da casa riportavano gli sforzi della madre per risparmiare, Whistler spendeva liberamente, vendendo poco o niente nel suo primo anno a Parigi, ed era costantemente indebitato. Per alleviare la situazione, si mise a dipingere e a vendere copie di opere al Louvre e infine si trasferì in alloggi più economici. La fortuna volle che l”arrivo a Parigi di George Lucas, un altro ricco amico, aiutò a stabilizzare le finanze di Whistler per un po”. Nonostante la tregua finanziaria, l”inverno del 1857 fu difficile per Whistler. La sua cattiva salute, peggiorata dall”eccessivo fumo e dall”alcol, lo ha steso.

Le condizioni migliorarono durante l”estate del 1858. Whistler si riprese e viaggiò con il collega Ernest Delannoy attraverso la Francia e la Renania. In seguito produsse un gruppo di incisioni conosciute come “The French Set”, con l”aiuto del maestro stampatore francese Auguste Delâtre. Durante quell”anno, dipinse il suo primo autoritratto, Ritratto di Whistler con cappello, un”opera scura e densa che ricorda Rembrandt. Ma l”evento più importante di quell”anno fu la sua amicizia con Henri Fantin-Latour, che incontrò al Louvre. Attraverso di lui, Whistler fu introdotto nella cerchia di Gustave Courbet, che includeva Carolus-Duran (più tardi il maestro di John Singer Sargent), Alphonse Legros, ed Édouard Manet.

In questo gruppo c”era anche Charles Baudelaire, le cui idee e teorie dell”arte “moderna” influenzarono Whistler. Baudelaire sfidò gli artisti a scrutare la brutalità della vita e della natura e a ritrarla fedelmente, evitando i vecchi temi della mitologia e dell”allegoria. Théophile Gautier, uno dei primi a esplorare le qualità di traduzione tra arte e musica, potrebbe aver ispirato Whistler a vedere l”arte in termini musicali.

Londra

Riflettendo la bandiera del realismo della sua cerchia d”adozione, Whistler dipinge la sua prima opera esposta, La Mere Gerard nel 1858. La seguì dipingendo At the Piano nel 1859 a Londra, che adottò come sua casa, mentre visitava regolarmente gli amici in Francia. Al pianoforte è un ritratto composto da sua nipote e sua madre nella loro stanza della musica a Londra, uno sforzo che mostra chiaramente il suo talento e la sua promessa. Un critico scrisse: “una maniera temerariamente audace e un abbozzo del tipo più selvaggio e grezzo, un sentimento genuino per il colore e uno splendido potere di composizione e disegno, che evince un giusto apprezzamento della natura molto raro tra gli artisti”. L”opera non è sentimentale e contrappone efficacemente la madre in nero e la figlia in bianco, con altri colori mantenuti contenuti nel modo consigliato dal suo maestro Gleyre. Fu esposta alla Royal Academy l”anno seguente e in molte altre mostre successive.

In un secondo dipinto eseguito nella stessa stanza, Whistler dimostrò la sua naturale inclinazione verso l”innovazione e la novità, creando una scena di genere con una composizione e uno scorcio insoliti. Più tardi fu ri-titolato Armonia in verde e rosa: La stanza della musica. Questo dipinto dimostrò anche il modello di lavoro continuo di Whistler, specialmente con i ritratti: un inizio veloce, aggiustamenti importanti, un periodo di abbandono, poi una raffica finale fino alla fine.

Dopo un anno a Londra, come contrappunto alla sua serie francese del 1858, nel 1860, produsse un”altra serie di incisioni chiamata Thames Set, così come alcuni primi lavori impressionistici, tra cui Il Tamigi in ghiaccio. In questa fase, stava cominciando a stabilire la sua tecnica di armonia tonale basata su una tavolozza limitata e predeterminata.

Nel 1861, dopo essere tornato a Parigi per un periodo, Whistler dipinse la sua prima opera famosa, Symphony in White, No. 1: The White Girl. Il ritratto della sua amante e manager d”affari Joanna Hiffernan fu creato come un semplice studio in bianco; tuttavia, altri lo videro diversamente. Il critico Jules-Antoine Castagnary pensò che il quadro fosse un”allegoria dell”innocenza perduta di una nuova sposa. Altri lo collegarono a The Woman in White di Wilkie Collins, un romanzo popolare dell”epoca, o a varie altre fonti letterarie. In Inghilterra, alcuni lo considerarono un dipinto alla maniera preraffaellita. Nel dipinto, Hiffernan tiene un giglio nella mano sinistra e sta su un tappeto di pelle d”orso (interpretato da alcuni per rappresentare la mascolinità e la lussuria) con la testa dell”orso che fissa minacciosamente lo spettatore. Il ritratto fu rifiutato per la mostra alla conservatrice Royal Academy, ma fu esposto in una galleria privata con il titolo The Woman in White. Nel 1863 fu esposto al Salon des Refusés di Parigi, un evento sponsorizzato dall”imperatore Napoleone III per l”esposizione di opere rifiutate dal Salon.

Il dipinto di Whistler fu ampiamente notato, anche se superato dal più scioccante Le déjeuner sur l”herbe di Manet. Contro le critiche dei tradizionalisti, i sostenitori di Whistler insistettero che il dipinto era “un”apparizione con un contenuto spirituale” e che incarnava la sua teoria secondo la quale l”arte dovrebbe riguardare essenzialmente la disposizione dei colori in armonia, non una rappresentazione letterale del mondo naturale.

Due anni dopo, Whistler dipinse un altro ritratto di Hiffernan in bianco, questa volta mostrando il suo ritrovato interesse per i motivi asiatici, che intitolò The Little White Girl. I suoi Lady of the Land Lijsen e The Golden Screen, entrambi completati nel 1864, ritraggono nuovamente la sua amante, in abiti e ambienti asiatici ancora più enfatici. Durante questo periodo Whistler divenne vicino a Gustave Courbet, il primo leader della scuola realista francese, ma quando Hiffernan modellò nudo per Courbet, Whistler si infuriò e la sua relazione con Hiffernan cominciò a cadere a pezzi. Nel gennaio 1864, la madre di Whistler, molto religiosa e molto corretta, arrivò a Londra, sconvolgendo l”esistenza bohémien del figlio e inasprendo temporaneamente le tensioni familiari. Come scrisse a Henri Fantin-Latour, “Sconvolgimento generale! Ho dovuto svuotare la mia casa e purificarla dalla cantina alla grondaia”. Inoltre, trasferì immediatamente Hiffernan in un altro luogo.

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Notturni

Nel 1866, Whistler decise di visitare Valparaíso, Cile, un viaggio che ha lasciato perplessi gli studiosi, anche se Whistler dichiarò di averlo fatto per ragioni politiche. Il Cile era in guerra con la Spagna e forse Whistler pensava che fosse una lotta eroica di una piccola nazione contro una più grande, ma nessuna prova supporta questa teoria. Ciò che il viaggio produsse furono i primi tre dipinti notturni di Whistler – che chiamò “chiari di luna” e che più tardi ribattezzò “notturni” – scene notturne del porto dipinte con una tavolozza blu o verde chiaro. Dopo il suo ritorno a Londra, dipinse molti altri notturni nei dieci anni successivi, molti del Tamigi e dei Cremorne Gardens, un parco di divertimenti famoso per i suoi frequenti spettacoli pirotecnici, che rappresentavano una nuova sfida da dipingere. Nei suoi notturni marittimi, Whistler usò una pittura molto diluita come base con un colore leggermente sfarfallato per suggerire navi, luci e linee di riva. Alcuni dei dipinti del Tamigi mostrano anche somiglianze compositive e tematiche con le stampe giapponesi di Hiroshige.

Nel 1872, Whistler accreditò il suo mecenate Frederick Leyland, un musicista dilettante devoto a Chopin, per i suoi titoli di ispirazione musicale.

Dico che non posso ringraziarti troppo per il nome ”Nocturne” come titolo per i miei chiari di luna! Non hai idea di che irritazione sia per i critici e conseguente piacere per me – inoltre è davvero così affascinante e dice così poeticamente tutto ciò che voglio dire e non più di quanto vorrei!

A quel punto, Whistler dipinse un altro autoritratto e lo intitolò Arrangement in Gray: Portrait of the Painter (1872 circa), e cominciò anche a ri-titolare molte delle sue opere precedenti usando termini associati alla musica, come “nocturne”, “symphony”, “harmony”, “study” o “arrangement”, per sottolineare le qualità tonali e la composizione e per de-enfatizzare il contenuto narrativo. I notturni di Whistler furono tra le sue opere più innovative. Inoltre, la sua presentazione di diversi notturni al mercante d”arte Paul Durand-Ruel dopo la guerra franco-prussiana diede a Whistler l”opportunità di spiegare la sua “teoria nell”arte” in evoluzione ad artisti, acquirenti e critici in Francia. Il suo buon amico Fantin-Latour, sempre più reazionario nelle sue opinioni, specialmente nella sua negatività riguardo alla nascente scuola impressionista, trovò le nuove opere di Whistler sorprendenti e sconcertanti. Fantin-Latour ammise: “Non ci capisco niente; è bizzarro come si cambia. Non lo riconosco più”. La loro relazione era ormai quasi alla fine, ma continuarono a scambiarsi opinioni in una corrispondenza occasionale. Quando Edgar Degas invitò Whistler ad esporre con la prima mostra degli impressionisti nel 1874, Whistler rifiutò l”invito, come fece Manet, e alcuni studiosi attribuiscono questo in parte all”influenza di Fantin-Latour su entrambi gli uomini.

Ritratti

La guerra franco-prussiana del 1870 frammentò la comunità artistica francese. Molti artisti si rifugiarono in Inghilterra, unendosi a Whistler, tra cui Camille Pissarro e Monet, mentre Manet e Degas rimasero in Francia. Come Whistler, Monet e Pissarro concentrarono entrambi i loro sforzi sulle vedute della città, ed è probabile che Whistler fosse esposto all”evoluzione dell”impressionismo fondato da questi artisti e che avessero visto i suoi notturni. Whistler si stava allontanando dal “dannato realismo” di Courbet e la loro amicizia era appassita, così come la sua relazione con Joanna Hiffernan.

Nel 1871, Whistler tornò ai ritratti e presto produsse il suo dipinto più famoso, la figura a figura intera quasi monocromatica intitolata Arrangement in Grey and Black No.1, ma solitamente indicata come la Madre di Whistler. Un giorno una modella non si presentò, secondo una lettera di sua madre, così Whistler si rivolse a sua madre e le suggerì di fare il suo ritratto. All”inizio la fece stare in piedi, nel suo modo tipicamente lento e sperimentale, ma questo si rivelò troppo faticoso, così fu adottata la posa seduta. Ci vollero dozzine di sedute per completarlo.

L”austero ritratto nella sua tavolozza normalmente limitata è un altro esercizio di Whistler nell”armonia tonale e nella composizione. Il disegno ingannevolmente semplice è in realtà un atto di bilanciamento di forme diverse, in particolare i rettangoli della tenda, del quadro sul muro e del pavimento che stabilizzano la curva del viso, del vestito e della sedia di lei. Whistler commentò che la narrazione del quadro era di poca importanza, tuttavia il quadro stava anche rendendo omaggio alla sua pia madre. Dopo lo shock iniziale del suo trasferimento con il figlio, lei lo aiutò considerevolmente stabilizzando il suo comportamento in qualche modo, occupandosi dei suoi bisogni domestici, e fornendo un”aura di rispettabilità conservatrice che aiutò a conquistare i clienti.

Il pubblico reagì negativamente al dipinto, soprattutto a causa della sua semplicità anti-vittoriana in un periodo in cui in Inghilterra il sentimentalismo e la decorazione sgargiante erano in voga. I critici pensavano che il dipinto fosse un “esperimento” fallito piuttosto che arte. La Royal Academy lo rifiutò, ma poi lo accettò a malincuore dopo le pressioni di Sir William Boxall, ma lo appese in una posizione sfavorevole alla loro mostra.

Fin dall”inizio, la Madre di Whistler ha scatenato reazioni diverse, tra cui la parodia, il ridicolo e la riverenza, che sono continuate fino ad oggi. Alcuni la videro come “il dignitoso sentimento della vecchia signora”, “un grave sentimento di lutto”, o un “perfetto simbolo della maternità”; altri la impiegarono come un appropriato veicolo di derisione. È stato satireggiato in infinite variazioni in biglietti d”auguri e riviste, e da personaggi dei cartoni animati come Donald Duck e Bullwinkle the Moose. Whistler fece la sua parte nel promuovere il quadro e nel rendere popolare l”immagine. Lo espose spesso e autorizzò le prime riproduzioni che si fecero strada in migliaia di case. Il quadro sfuggì per un pelo all”incendio di un treno durante il trasporto. Alla fine fu acquistato dal governo francese, la prima opera di Whistler in una collezione pubblica, ed è ora ospitato nel Museo d”Orsay di Parigi.

Durante la Depressione, il quadro fu pubblicizzato come un dipinto da “un milione di dollari” e fu un grande successo alla Fiera Mondiale di Chicago. Fu accettato come un”icona universale della maternità dal pubblico mondiale, che non era particolarmente consapevole o interessato alle teorie estetiche di Whistler. In riconoscimento del suo status e della sua popolarità, gli Stati Uniti hanno emesso un francobollo nel 1934 con un adattamento del dipinto. Nel 2015, il critico del New Yorker Peter Schjeldahl ha scritto che “rimane la più importante opera americana che risiede fuori dagli Stati Uniti”. Martha Tedeschi scrive:

La Madre di Whistler, il Gotico Americano di Wood, la Gioconda di Leonardo da Vinci e L”urlo di Edvard Munch hanno tutti raggiunto qualcosa che la maggior parte dei dipinti – indipendentemente dalla loro importanza storica, bellezza o valore monetario – non hanno: comunicano un significato specifico quasi immediatamente a quasi ogni spettatore. Queste poche opere hanno compiuto con successo la transizione dal regno elitario del visitatore del museo all”enorme luogo della cultura popolare.

Altri ritratti

Altri ritratti importanti di Whistler includono quelli di Thomas Carlyle (storico, 1873), Maud Franklin (la sua amante, 1876), Cicely Alexander (figlia di un banchiere di Londra, 1873), Lady Meux (socialite, 1882), e Théodore Duret (critico, 1884). Negli anni 1870, Whistler dipinse ritratti a figura intera di F.R. Leyland e di sua moglie Frances. Leyland successivamente commissionò all”artista la decorazione della sua sala da pranzo (vedi Peacock Room sotto).

Whistler era stato deluso per l”accettazione irregolare delle sue opere per le mostre della Royal Academy e per il cattivo appendere e posizionare i suoi dipinti. In risposta, Whistler organizzò la sua prima mostra personale nel 1874. La mostra fu notevole e notata, tuttavia, per il design e la decorazione della sala di Whistler, che si armonizzava bene con i dipinti, in linea con le sue teorie artistiche. Un recensore scrisse: “Il visitatore è colpito, entrando nella galleria, da un curioso senso di armonia e fitness che la pervade, ed è più interessato, forse, all”effetto generale che a qualsiasi opera”.

Whistler non fu un ritrattista di successo come l”altro famoso espatriato americano John Singer Sargent. La tecnica di Whistler e la sua disinclinazione ad adulare i suoi clienti, così come la sua notorietà, possono spiegare questo. Lavorava anche molto lentamente e richiedeva sedute straordinariamente lunghe. William Merritt Chase si lamentò della sua seduta per un ritratto di Whistler: “Si dimostrò un vero tiranno, dipingendo ogni giorno fino al crepuscolo, mentre le mie membra soffrivano di stanchezza e la mia testa girava vertiginosamente. ”Non muoverti! Non muoverti!” urlava ogni volta che cominciavo a riposare”. Nel momento in cui ottenne un”ampia accettazione negli anni 1890, Whistler aveva già superato il suo apice come ritrattista.

L”approccio di Whistler alla ritrattistica nella sua tarda maturità fu descritto da uno dei suoi clienti, Arthur J. Eddy, che posò per l”artista nel 1894:

Lavorava con grande rapidità e lunghe ore, ma usava i suoi colori sottili e copriva la tela con innumerevoli strati di pittura. I colori aumentavano in profondità e intensità man mano che l”opera progrediva. All”inizio l”intera figura era dipinta in toni grigio-marroni, con pochissimo colore della carne, il tutto si fondeva perfettamente con il grigio-marrone della tela preparata; poi l”intero sfondo sarebbe stato intensificato un po”; poi la figura resa un po” più forte; poi lo sfondo, e così via di giorno in giorno e di settimana in settimana, e spesso di mese in mese… E così il ritratto cresceva davvero, si sviluppava davvero come un insieme, proprio come un negativo sotto l”azione dei prodotti chimici viene fuori gradualmente – luci, ombre, e tutto dalle prime deboli indicazioni ai loro valori pieni. Era come se il ritratto fosse nascosto nella tela e il maestro, passando le sue bacchette giorno dopo giorno sulla superficie, evocasse l”immagine.

Stampa

Whistler produsse numerose acqueforti, litografie e puntasecca. Le sue litografie, alcune disegnate su pietra, altre direttamente su carta “litografica”, sono forse la metà delle sue acqueforti. Alcune delle litografie sono di figure leggermente drappeggiate; due o tre delle più belle sono di soggetti del Tamigi, tra cui un “notturno” a Limehouse; mentre altre raffigurano il Faubourg Saint-Germain a Parigi, e chiese georgiane a Soho e Bloomsbury a Londra.

Le acqueforti includono ritratti di famiglia, di amanti e scene di strada intime a Londra e Venezia. Whistler guadagnò un”enorme reputazione come incisore. Martin Hardie ha scritto “ci sono alcuni che lo pongono accanto a Rembrandt, forse sopra Rembrandt, come il più grande maestro di tutti i tempi. Personalmente, preferisco considerarli come Giove e Venere, i più grandi e brillanti tra i pianeti nel cielo dell”incisore”. Prese molta cura nella stampa delle sue acqueforti e nella scelta della carta. All”inizio e alla fine della sua carriera, diede grande importanza alla pulizia delle linee, anche se in un periodo intermedio sperimentò di più con l”inchiostrazione e l”uso del tono di superficie.

Firma della farfalla e impostazioni della pittura

La famosa firma a farfalla di Whistler si sviluppò negli anni 1860 dal suo interesse per l”arte asiatica. Studiò i segni del vasaio sulla porcellana che aveva iniziato a collezionare e decise di disegnare un monogramma con le sue iniziali. Col tempo questo si è evoluto nella forma di una farfalla astratta. Intorno al 1880, aggiunse un pungiglione all”immagine della farfalla per creare un marchio che rappresentasse sia la sua natura gentile e sensibile che il suo spirito provocatorio ed esuberante. Prese grande cura nel posizionamento appropriato dell”immagine sia sui suoi dipinti che sulle sue cornici fatte su misura. La sua attenzione per l”importanza dell”equilibrio e dell”armonia si estendeva oltre la cornice al posizionamento dei suoi dipinti nei loro ambienti, e oltre al design di un intero elemento architettonico, come nella Peacock Room.

La stanza del pavone

Armonia in blu e oro: The Peacock Room è il capolavoro di Whistler dell”arte decorativa murale interna. Egli dipinse sopra la stanza originale a pannelli disegnata da Thomas Jeckyll (1827-1881), in una tavolozza unificata di brillanti blu-verdi con sovrapposizioni e foglie d”oro metallico. Dipinta nel 1876-1877, è ora considerata un alto esempio dello stile anglo-giapponese. Frederick Leyland lasciò la stanza alle cure di Whistler per apportare piccole modifiche, “per armonizzare” la stanza il cui scopo principale era quello di mostrare la collezione di porcellane di Leyland. Whistler lasciò correre la sua immaginazione, tuttavia: “Beh, sapete, ho solo dipinto. Sono andato avanti – senza disegno o schizzo – mettendo in ogni tocco con tale libertà … E l”armonia in blu e oro che si sviluppava, sai, ho dimenticato tutto nella mia gioia di questo”. Dipinse completamente sopra i rivestimenti murali in pelle di Cordoba del XVI secolo, portati per la prima volta in Gran Bretagna da Caterina d”Aragona, che Leyland aveva pagato 1.000 sterline.

Avendo acquistato il pezzo centrale della stanza, il dipinto di Whistler La principessa del paese delle porcellane, l”industriale ed esteta americano Charles Lang Freer acquistò l”intera stanza nel 1904 dagli eredi di Leyland, compresa la figlia di Leyland e suo marito, l”artista britannico Val Prinsep. Freer fece poi installare il contenuto della Peacock Room nella sua villa di Detroit. Dopo la morte di Freer nel 1919, la Peacock Room fu installata permanentemente nella Freer Gallery of Art allo Smithsonian di Washington, D.C. La galleria fu aperta al pubblico nel 1923. Una grande caricatura dipinta da Whistler di Leyland che lo ritrae come un pavone antropomorfo che suona un pianoforte, e intitolata The Gold Scab: Eruption in Frilthy Lucre – un gioco di parole sulla passione di Leyland per le camicie con le balze – è ora nella collezione dei Fine Arts Museums di San Francisco.

Processo Ruskin

Nel 1877 Whistler citò il critico John Ruskin per diffamazione dopo che il critico aveva condannato il suo dipinto Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket. Whistler espose l”opera alla Grosvenor Gallery, un”alternativa alla mostra della Royal Academy, accanto a opere di Edward Burne-Jones e altri artisti. Ruskin, che era stato un campione dei preraffaelliti e di J. M. W. Turner, recensì il lavoro di Whistler nella sua pubblicazione Fors Clavigera il 2 luglio 1877. Ruskin lodò Burne-Jones, mentre attaccò Whistler:

Per il bene del signor Whistler, non meno che per la protezione dell”acquirente, Sir Coutts Lindsay non avrebbe dovuto ammettere nella galleria opere in cui la mal educata presunzione dell”artista si avvicinava così tanto all”aspetto dell”impostura intenzionale. Ho visto e sentito molto dell”impudenza dei Cockney prima d”ora; ma non mi sarei mai aspettato di sentire un coxcomb chiedere duecento ghinee per gettare un vaso di vernice in faccia al pubblico.

Whistler, vedendo l”attacco sul giornale, rispose al suo amico George Boughton: “È lo stile di critica più svilente che mi sia mai stato lanciato”. Poi andò dal suo avvocato e redasse un atto di diffamazione che fu notificato a Ruskin. Whistler sperava di recuperare 1.000 sterline più i costi dell”azione. Il caso arrivò in giudizio l”anno successivo dopo ritardi causati da attacchi di malattia mentale di Ruskin, mentre le condizioni finanziarie di Whistler continuavano a deteriorarsi. Fu ascoltato nella Exchequer Division della High Court il 25 e 26 novembre 1878 davanti al barone Huddleston e una giuria speciale. L”avvocato di John Ruskin, il procuratore generale Sir John Holker, interrogò Whistler:

Holker: “Qual è il soggetto di Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket?”

Whistler aveva contato su molti artisti per prendere le sue parti come testimoni, ma essi rifiutarono, temendo danni alla loro reputazione. Gli altri testimoni a suo favore non erano convincenti e la reazione della giuria stessa all”opera fu derisoria. Con i testimoni di Ruskin più impressionanti, incluso Edward Burne-Jones, e con Ruskin assente per ragioni mediche, il contrattacco di Whistler fu inefficace. Ciononostante, la giuria raggiunse un verdetto a favore di Whistler, ma assegnò un mero farthing in danni nominali, e le spese processuali furono divise. Il costo della causa, insieme agli enormi debiti per la costruzione della sua residenza (“The White House” in Tite Street, Chelsea, progettata con E. W. Godwin, 1877-8), lo portò alla bancarotta nel maggio del 1879, con conseguente vendita all”asta delle sue opere, collezioni e casa. Stansky nota l”ironia che la Fine Art Society di Londra, che aveva organizzato una raccolta per pagare le spese legali di Ruskin, lo sostenne nell”incisione di “The Stones of Venice” (e nell”esposizione della serie nel 1883), che aiutò a recuperare i costi di Whistler.

Whistler pubblicò il suo resoconto del processo nel pamphlet Whistler v. Ruskin: Art and Art Critics, incluso nel suo successivo The Gentle Art of Making Enemies (1890), nel dicembre 1878, subito dopo il processo. La grande speranza di Whistler che la pubblicità del processo avrebbe salvato la sua carriera è stata delusa, perché ha perso piuttosto che guadagnato popolarità tra i mecenati a causa di esso. Tra i suoi creditori c”era Leyland, che supervisionò la vendita dei beni di Whistler. Whistler ha fatto varie caricature del suo ex mecenate, tra cui un mordace dipinto satirico chiamato The Gold Scab, subito dopo Whistler ha dichiarato bancarotta. Whistler ha sempre incolpato Leyland per la sua rovina finanziaria.

Dopo il processo, Whistler ricevette una commissione per fare dodici acqueforti a Venezia. Accettò con entusiasmo l”incarico e arrivò in città con la fidanzata Maud, prendendo stanze in un palazzo fatiscente che condividevano con altri artisti, tra cui John Singer Sargent. Sebbene avesse nostalgia di Londra, si adattò a Venezia e cominciò a scoprirne il carattere. Fece del suo meglio per distrarsi dalla tristezza dei suoi affari finanziari e dall”imminente vendita di tutti i suoi beni da Sotheby”s. Era un ospite regolare alle feste del consolato americano e, con la sua solita arguzia, incantava gli ospiti con fioriture verbali come “l”unica virtù positiva dell”artista è l”ozio, e sono così pochi quelli che ne sono dotati”.

I suoi nuovi amici riferirono, al contrario, che Whistler si alzava presto e si impegnava a fondo per tutta la giornata. Scrisse a un amico: “Ho imparato a conoscere una Venezia a Venezia che gli altri non sembrano aver mai percepito, e che, se porterò indietro con me come mi propongo, sarà molto più che compensare tutti i ritardi fastidiosi e le vessazioni dello spirito”. L”incarico di tre mesi si estese a quattordici mesi. Durante questo periodo eccezionalmente produttivo, Whistler finì più di cinquanta acqueforti, diversi notturni, alcuni acquerelli e più di 100 pastelli, illustrando sia gli stati d”animo di Venezia che i suoi raffinati dettagli architettonici. Inoltre, Whistler influenzò la comunità artistica americana a Venezia, specialmente Frank Duveneck (e i “ragazzi” di Duveneck) e Robert Blum che emularono la visione di Whistler della città e successivamente diffusero i suoi metodi e la sua influenza in America.

Tornato a Londra, i pastelli hanno venduto particolarmente bene e lui ha scherzato: “Non sono così buoni come pensavo. Stanno vendendo!” Si impegnò attivamente nell”esporre gli altri suoi lavori, ma con un successo limitato. Anche se ancora in difficoltà finanziarie, fu rincuorato dall”attenzione e dall”ammirazione che ricevette dalla giovane generazione di pittori inglesi e americani che fecero di lui il loro idolo e adottarono con entusiasmo il titolo di “allievo di Whistler”. Molti di loro tornarono in America e diffusero i racconti dell”egocentrismo provocatorio di Whistler, del suo spirito tagliente e delle sue dichiarazioni estetiche, creando la leggenda di Whistler, con sua grande soddisfazione.

Whistler pubblicò il suo primo libro, Ten O”clock Lecture nel 1885, un”importante espressione del suo credo nell””arte per l”arte”. All”epoca, regnava la nozione vittoriana opposta, cioè che l”arte, e in effetti molta attività umana, aveva una funzione morale o sociale. Per Whistler, tuttavia, l”arte era il proprio fine e la responsabilità dell”artista non era verso la società, ma verso se stesso, per interpretare attraverso l”arte, e non riprodurre né moralizzare ciò che vedeva. Inoltre, affermava: “La natura è molto raramente giusta”, e deve essere migliorata dall”artista, con la propria visione.

Pur differendo con Whistler su diversi punti, compresa la sua insistenza che la poesia era una forma d”arte superiore alla pittura, Oscar Wilde fu generoso nel suo elogio e salutò la conferenza come un capolavoro:

non solo per la sua satira intelligente e le battute divertenti … ma per la bellezza pura e perfetta di molti dei suoi passaggi … per questo è davvero uno dei più grandi maestri della pittura, a mio parere. E posso aggiungere che in questa opinione lo stesso signor Whistler concorda completamente.

Whistler, tuttavia, si ritenne preso in giro da Oscar Wilde, e da quel momento in poi, ne seguì uno sparring pubblico che portò alla totale rottura della loro amicizia, precipitata da un rapporto scritto da Herbert Vivian. Più tardi, Wilde colpì di nuovo Whistler, basando l”artista assassinato nel suo romanzo The Picture of Dorian Gray su Whistler.

Nel gennaio 1881, Anna Whistler morì. In onore di sua madre, in seguito, adottò pubblicamente il suo nome da nubile McNeill come secondo nome.

Whistler entrò a far parte della Society of British Artists nel 1884, e il 1º giugno 1886 fu eletto presidente. L”anno seguente, durante il giubileo d”oro della regina Vittoria, Whistler presentò alla regina, a nome della Società, un album elaborato che includeva un lungo discorso scritto e illustrazioni da lui realizzate. La regina Vittoria ammirò così tanto “la bella e artistica illuminazione” che decretò d”ora in poi “che la Società dovrebbe essere chiamata Reale”. Questo risultato fu ampiamente apprezzato dai membri, ma presto fu messo in ombra dalla disputa che inevitabilmente sorse con la Royal Academy of Arts. Whistler propose che i membri della Royal Society si ritirassero dalla Royal Academy. Questo accese una faida all”interno dei ranghi dei membri che mise in ombra tutti gli altri affari della società. Nel maggio 1888, nove membri scrissero a Whistler per chiedere le sue dimissioni. Alla riunione annuale del 4 giugno, fu sconfitto per la rielezione con un voto di 18-19, con nove astensioni. Whistler e 25 sostenitori si dimisero, mentre la maggioranza anti-Whistler (secondo lui) ebbe successo nell”epurarlo per le sue “eccentricità” e il suo background “non inglese”.

Con la sua relazione con Maud che si stava dipanando, Whistler improvvisamente propose e sposò Beatrice Godwin (chiamata anche ”Beatrix” o ”Trixie”), una ex allieva e la vedova del suo architetto Edward William Godwin. Attraverso la sua amicizia con Godwin, Whistler era diventato vicino a Beatrice, che Whistler dipinse nel ritratto a figura intera intitolato Harmony in Red: Lamplight (GLAHA 46315). Nell”estate del 1888 Whistler e Beatrice apparvero in pubblico come una coppia. Ad una cena Louise Jopling e Henry Labouchère insistettero perché si sposassero prima della fine della settimana.

La cerimonia di matrimonio fu organizzata; come membro del Parlamento, Labouchère fece in modo che il cappellano della Camera dei Comuni sposasse la coppia. Nessuna pubblicità fu data alla cerimonia per evitare che una furiosa Maud Franklin interrompesse la cerimonia. Il matrimonio ebbe luogo l”11 agosto 1888, con la cerimonia presenziata da un reporter della Pall Mall Gazette, in modo che l”evento ricevesse pubblicità. La coppia partì subito dopo per Parigi, per evitare ogni rischio di una scenata con Maud.

La reputazione di Whistler a Londra e Parigi stava crescendo ed egli ottenne recensioni positive dai critici e nuove commissioni. Il suo libro The Gentle Art of Making Enemies fu pubblicato nel 1890 con un successo misto, ma gli procurò un”utile pubblicità.

Nel 1890 incontrò Charles Lang Freer, che divenne un prezioso mecenate in America e, in definitiva, il suo più importante collezionista. In questo periodo, oltre alla ritrattistica, Whistler sperimentò la prima fotografia a colori e la litografia, creando una serie con l”architettura di Londra e la figura umana, soprattutto nudi femminili. Contribuì le prime tre delle sue litografie Songs of Stone a The Whirlwind, una rivista neo-giacobita pubblicata dal suo amico Herbert Vivian. Whistler aveva incontrato Vivian alla fine degli anni 1880 quando entrambi erano membri dell”Ordine della Rosa Bianca, la prima delle società neogiacobite. Nel 1891, con l”aiuto del suo caro amico Stéphane Mallarmé, la Madre di Whistler fu acquistata dal governo francese per 4.000 franchi. Questo era molto meno di quello che avrebbe potuto pagare un collezionista americano, ma non sarebbe stato così prestigioso secondo i calcoli di Whistler.

Dopo un”accoglienza indifferente alla sua mostra personale a Londra, con la maggior parte dei suoi notturni, Whistler decise bruscamente che ne aveva abbastanza di Londra. Lui e Trixie si trasferirono a Parigi nel 1892 e risiedettero al n° 110 di Rue du Bac, Parigi, con il suo studio in cima all”86 di Rue Notre Dame des Champs a Montparnasse. Si sentì accolto da Monet, Auguste Rodin, Henri de Toulouse-Lautrec, e da Stéphane Mallarmé, e si installò un grande studio. Era all”apice della sua carriera quando si scoprì che Trixie aveva il cancro. Ritornarono a Londra nel febbraio del 1896, prendendo camere al Savoy Hotel mentre cercavano un trattamento medico. Fece dei disegni su carta litografica della vista del Tamigi, dalla finestra o dal balcone dell”hotel, mentre sedeva con lei.

Nel 1899, Charles Freer presentò Whistler al suo amico e collega uomo d”affari Richard Albert Canfield, che divenne un amico personale e mecenate di Whistler. Canfield possedeva una serie di case da gioco alla moda a New York, Rhode Island, Saratoga Springs e Newport, ed era anche un uomo di cultura con gusti raffinati in arte. Possedeva mobili americani e Chippendale, arazzi, porcellane cinesi e bronzi Barye, e possedeva la seconda più grande e importante collezione di Whistler nel mondo prima della sua morte nel 1914. Nel maggio 1901, Canfield commissionò un ritratto a Whistler; iniziò a posare per Portrait of Richard A. Canfield (YMSM 547) nel marzo 1902. Secondo Alexander Gardiner, Canfield tornò in Europa per posare per Whistler a Capodanno del 1903, e sedette ogni giorno fino al 16 maggio 1903. Whistler era malato e fragile in questo periodo e l”opera fu il suo ultimo ritratto completato. L”ingannevole aria di rispettabilità che il ritratto diede a Canfield fece sì che Whistler lo chiamasse ”His Reverence”. I due uomini furono in corrispondenza dal 1901 fino alla morte di Whistler. Pochi mesi prima della sua morte, Canfield vendette la sua collezione di acqueforti, litografie, disegni e dipinti di Whistler al mercante d”arte americano Roland F. Knoedler per 300.000 dollari. Tre dei dipinti di Whistler di Canfield sono appesi al Frick Museum di New York City.

Negli ultimi sette anni della sua vita, Whistler fece alcuni paesaggi marini minimalisti in acquerello e un ultimo autoritratto in olio. Corrispondeva con i suoi molti amici e colleghi. Whistler fondò una scuola d”arte nel 1898, ma la sua cattiva salute e le sue rare apparizioni portarono alla sua chiusura nel 1901. Morì a Londra il 17 luglio 1903, sei giorni dopo il suo 69° compleanno. È sepolto nel Chiswick Old Cemetery a ovest di Londra, adiacente alla St Nicholas Church, Chiswick.

Whistler fu il soggetto di una biografia del 1908 da parte dei suoi amici, i coniugi Joseph Pennell ed Elizabeth Robins Pennell, rispettivamente stampatore e critico d”arte. La vasta collezione di materiale di Whistler dei Pennell fu lasciata in eredità alla Biblioteca del Congresso. L”intero patrimonio dell”artista fu lasciato alla cognata Rosalind Birnie Philip. Trascorse il resto della sua vita difendendo la sua reputazione e gestendo la sua arte e i suoi effetti, molti dei quali alla fine furono donati alla Glasgow University.

Whistler aveva un aspetto caratteristico, basso e sottile, con occhi penetranti e baffi arricciati, spesso sfoggiando un monocolo e l”abbigliamento appariscente di un dandy. Aveva un atteggiamento di fiducia in se stesso ed eccentricità. Spesso era arrogante ed egoista nei confronti di amici e clienti. Un costante autopromotore ed egoista, si divertiva a scioccare amici e nemici. Anche se poteva essere spiritoso e impertinente sulle questioni sociali e politiche, era sempre serio riguardo all”arte e spesso invitava alla polemica pubblica e al dibattito per sostenere le sue forti teorie.

Whistler aveva una voce acuta e strascicata e un modo di parlare unico, pieno di pause calcolate. Un amico disse: “In un secondo si scopre che non sta conversando – sta facendo uno schizzo con le parole, dando impressioni di suono e di senso che devono essere interpretate dall”ascoltatore”.

Whistler era ben noto per la sua arguzia pungente, specialmente negli scambi con il suo amico e rivale Oscar Wilde. Entrambi erano figure della società dei Café di Parigi, ed erano spesso il “talk of the town”. Apparivano spesso come caricature su Punch, per il loro reciproco divertimento. In un”occasione, il giovane Oscar Wilde partecipò ad una delle cene di Whistler, e sentendo il suo ospite fare qualche osservazione brillante, apparentemente disse: “Vorrei averlo detto io”, al che Whistler replicò: “Lo farai, Oscar, lo farai!” In effetti, Wilde ripeté in pubblico molte battute create da Whistler. Il loro rapporto si inasprì verso la metà degli anni 1880, quando Whistler si rivoltò contro Wilde e il Movimento Estetico. Quando Wilde fu pubblicamente riconosciuto omosessuale nel 1895, Whistler lo derise apertamente. Whistler si divertiva a preparare e gestire i suoi incontri sociali. Come osservò un ospite:

Lì si incontrava tutto il meglio della società, le persone con cervello e quelle che ne avevano abbastanza per apprezzarlo. Whistler era un ospite inimitabile. Amava essere il sole attorno al quale ruotavano le luci minori … Tutti venivano sotto la sua influenza, e di conseguenza nessuno si annoiava, nessuno era noioso.

A Parigi Whistler era amico dei membri del circolo simbolista di artisti, scrittori e poeti che includevano Stéphane Mallarmé Schwob aveva incontrato Whistler a metà degli anni 1890 attraverso Stéphane Mallarmé, avevano altri amici in comune tra cui Oscar Wilde (finché non litigarono) e il cognato di Whistler, Charles Whibley.

Oltre a Henri Fantin-Latour, Alphonse Legros e Courbet, Whistler era amico di molti altri artisti francesi. Ha illustrato il libro Les Chauves-Souris con Antonio de La Gandara. Conosceva anche gli impressionisti, in particolare Édouard Manet, Monet e Edgar Degas. Come giovane artista, mantenne una stretta amicizia con Dante Gabriel Rossetti, un membro della Confraternita dei Preraffaelliti. La sua stretta amicizia con Monet e il poeta Stéphane Mallarmé, che tradusse la Ten O”Clock Lecture in francese, contribuì a rafforzare il rispetto per Whistler da parte del pubblico francese. Whistler era amichevole con i suoi compagni di studio di Gleyre, tra cui Ignace Schott, il cui figlio Leon Dabo Whistler più tardi avrebbe fatto da mentore.

L”amante di Whistler e modella di The White Girl, Joanna Hiffernan, posò anche per Gustave Courbet. Gli storici ipotizzano che Courbet la usò come modella per il suo dipinto erotico L”Origine du monde, portando forse alla rottura dell”amicizia tra Whistler e Courbet. Durante gli anni 1870 e gran parte degli anni 1880, visse con la sua modella-amante Maud Franklin. La sua capacità di sopportare le lunghe e ripetitive sedute di posa aiutò Whistler a sviluppare le sue capacità di ritrattista. Non solo ha fatto diversi ritratti eccellenti di lei, ma era anche un utile stand-in per altri sitters.Whistler ha avuto diversi figli illegittimi, di cui Charles Hanson è il meglio documentato. Dopo essersi separata dalla sua amante Joanna Hiffernan, lei aiutò a crescere il figlio di Whistler, Charles James Whistler Hanson (1870-1935), il risultato di una relazione con una cameriera, Louisa Fanny Hanson. Dalla sua amante di diritto Maud Franklin Whistler ebbe due figlie: Ione (nata nel 1877 circa) e Maud McNeill Whistler Franklin (nata nel 1879). A volte si riferiva a se stessa come ”Mrs. Whistler”, e nel censimento del 1881 diede il suo nome come ”Mary M. Whistler”.

Nel 1888, Whistler sposò Beatrice Godwin, (che fu chiamata ”Beatrix” o ”Trixie” da Whistler). Era la vedova dell”architetto E. W. Godwin, che aveva progettato la Casa Bianca di Whistler. Beatrix era la figlia dello scultore John Birnie Philip e di sua moglie Frances Black. Beatrix e le sue sorelle Rosalind Birnie Philip e Ethel Whibley posarono per molti dei dipinti e disegni di Whistler; con Ethel Whibley che modellava per Madreperla e argento: The Andalusian (1888-1900). I primi cinque anni del loro matrimonio furono molto felici, ma la sua vita successiva fu un periodo di miseria per la coppia, a causa della sua malattia e della sua morte finale per cancro. Verso la fine, rimase in stato comatoso per la maggior parte del tempo, completamente soggiogata dalla morfina, data per alleviare il dolore. La sua morte fu un duro colpo che Whistler non superò mai del tutto.

Whistler fu ispirato e incorporò molte fonti nella sua arte, incluso il lavoro di Rembrandt, Velázquez e la scultura greca antica per sviluppare il suo stile altamente influente e individuale. Era abile in molti media, con oltre 500 dipinti, così come acqueforti, pastelli, acquerelli, disegni e litografie. Whistler fu un leader del Movimento Estetico, promuovendo, scrivendo e tenendo conferenze sulla filosofia dell””arte per il bene dell”arte”. Con i suoi allievi, sostenne il design semplice, l”economia dei mezzi, l”evitare una tecnica troppo elaborata e l”armonia tonale del risultato finale. Whistler è stato il soggetto di molte grandi mostre museali, studi e pubblicazioni. Come gli impressionisti, impiegò la natura come risorsa artistica. Whistler insisteva sul fatto che era obbligo dell”artista interpretare ciò che vedeva, non essere schiavo della realtà, e “far nascere dal caos una gloriosa armonia”.

Durante la sua vita, influenzò due generazioni di artisti, in Europa e negli Stati Uniti. Whistler ebbe contatti significativi e scambiò idee e ideali con pittori realisti, impressionisti e simbolisti. Tra i suoi famosi protetti ci furono per un certo periodo Walter Sickert e lo scrittore Oscar Wilde. Il suo tonalismo ebbe un profondo effetto su molti artisti americani, tra cui John Singer Sargent, William Merritt Chase, Henry Salem Hubbell e Willis Seaver Adams (con cui fece amicizia a Venezia). Un”altra influenza significativa fu su Arthur Frank Mathews, che Whistler incontrò a Parigi alla fine del 1890. Mathews portò il tonalismo di Whistler a San Francisco, generando un ampio uso di quella tecnica tra gli artisti californiani di fine secolo. Come il critico americano Charles Caffin scrisse nel 1907:

Ha fatto di più che attirare alcuni seguaci e imitatori; ha influenzato tutto il mondo dell”arte. Consapevolmente o inconsapevolmente, la sua presenza si sente in innumerevoli studi; il suo genio permea il pensiero artistico moderno.

Durante un viaggio a Venezia nel 1880, Whistler creò una serie di acqueforti e pastelli che non solo rinvigorirono le sue finanze, ma rivitalizzarono anche il modo in cui artisti e fotografi interpretarono la città, concentrandosi sui vicoli, i canali laterali, le vie d”accesso e i modelli architettonici e catturando l”atmosfera unica della città.

Nel 1940 Whistler fu commemorato su un francobollo degli Stati Uniti quando l”ufficio postale statunitense emise una serie di 35 francobolli che commemoravano i famosi autori, poeti, educatori, scienziati, compositori, artisti e inventori americani: la “Famous Americans Series”.

L”operetta di Gilbert e Sullivan Patience si prende gioco del movimento estetico, e il personaggio principale di Reginald Bunthorne è spesso identificato come una parodia di Oscar Wilde, anche se Bunthorne è più probabilmente un amalgama di diversi artisti, scrittori e figure estetiche di spicco. Bunthorne indossa un monocolo e ha prominenti strisce bianche nei suoi capelli scuri, come faceva Whistler.

Whistler era l”artista preferito della cantante e attrice Doris Day. Lei possedeva ed esponeva un”acquaforte originale di Whistler a Rotherhithe, e due delle sue litografie originali, The Steps, Luxembourg Gardens, Paris e The Pantheon, from the Terrace of the Luxembourg Gardens.

La casa in cui nacque Whistler è ora conservata come Whistler House Museum of Art. È sepolto nella chiesa di San Nicola, Chiswick.

Whistler ha ottenuto un riconoscimento mondiale durante la sua vita:

Una statua di James McNeill Whistler di Nicholas Dimbleby è stata eretta nel 2005 all”estremità nord di Battersea Bridge sul fiume Tamigi nel Regno Unito.

Il 27 ottobre 2010, la Swann Galleries ha stabilito un prezzo record per una stampa di Whistler all”asta, quando Nocturne, un”acquaforte e puntasecca stampata in nero su calda carta giapponese color crema, 1879-80 è stata venduta per 282.000 dollari.

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