Jean-Auguste-Dominique Ingres

gigatos | Gennaio 7, 2022

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Riassunto

Jean-Auguste Dominique Hingre (1780-1867) è stato un artista, pittore e grafico francese, generalmente riconosciuto come il leader dell”accademismo europeo del XIX secolo. Ha ricevuto un”educazione artistica e musicale, e ha studiato nello studio di Jacques-Louis David dal 1797-1801. Nel 1806-1824 e 1835-1841 visse e lavorò in Italia, principalmente a Roma e Firenze (1820-1824). Fu direttore dell”Ecole des Beaux-Arts di Parigi (1834-1835) e dell”Académie Française di Roma (1835-1840). Come musicista professionista in gioventù, suonò nell”orchestra dell”Opera di Tolosa (1793-1796), e più tardi collaborò con Niccolò Paganini, Luigi Cherubini, Charles Gounod, Hector Berlioz e Franz Liszt.

Il lavoro di Engré è diviso in una serie di fasi. Come artista si formò molto presto, e già nella bottega di David le sue esplorazioni stilistiche e teoriche erano in conflitto con le dottrine del suo maestro: Ingres era interessato all”arte del Medioevo e del Quattrocento. A Roma, Engré fu sicuramente influenzato dallo stile nazareno; il suo sviluppo mostra una serie di esperimenti, soluzioni compositive e soggetti più vicini al Romanticismo. Negli anni 1820 sperimentò una seria pausa creativa, dopo la quale iniziò a usare quasi esclusivamente tecniche formali e soggetti tradizionali, anche se non sempre in modo coerente. Engr definì la sua arte come “mantenere le vere dottrine piuttosto che innovare”, ma esteticamente andò costantemente oltre il neoclassicismo, il che si riflette nella sua rottura con il Salon de Paris nel 1834. L”ideale estetico dichiarato di Ingres era l”opposto dell”ideale romantico di Delacroix, il che portò a una persistente e aspra polemica con quest”ultimo. Con poche eccezioni, le opere di Engré sono dedicate a temi mitologici e letterari, così come alla storia dell”antichità, interpretata in uno spirito epico. È anche considerato il più grande rappresentante dello storicismo nella pittura europea, affermando che lo sviluppo della pittura ha raggiunto il suo picco sotto Raffaello, poi è andato nella direzione sbagliata, e la sua, Aingres, missione è di continuare dallo stesso livello che è stato raggiunto nel Rinascimento. L”arte di Ingres è integrale nello stile, ma molto eterogenea tipologicamente, e quindi fu valutata diversamente dai suoi contemporanei e discendenti. Nella seconda metà del XX secolo le opere di Ingres furono esposte sui temi del Classicismo, del Romanticismo e anche del Realismo.

Montauban – Tolosa. Infanzia e adolescenza

Jean Auguste Dominique Ingres è nato il 29 agosto 1780 a Montauban, nel sud-ovest della Francia. Era il primogenito della famiglia di Jean-Marie-Joseph Engres (1755-1814) e Anne Moulet (1758-1817). Suo padre era originario di Tolosa ma si stabilì nella patriarcale Montauban, dove eccelleva come pittore versatile che si occupava di pittura, scultura e architettura ed era anche conosciuto come violinista. Engrère senior fu poi eletto membro dell”Accademia di Tolosa. Probabilmente voleva che suo figlio seguisse le sue orme, soprattutto perché Jean Auguste mostrò un talento precoce come artista e cominciò a copiare il lavoro di suo padre e le opere d”arte che erano nella sua collezione domestica. Jean Auguste ricevette le sue prime lezioni di musica e disegno a casa e fu poi mandato all”École des Frères de l”Éducation Chrétienne a Montauban, dove poté fiorire molto presto come pittore e violinista.

Nel 1791, suo padre decise che suo figlio aveva bisogno di un”educazione più fondamentale e lo mandò all”Académie Royale de Peinture, Sculpture e Architecture di Tolosa, che aveva perso il suo status reale a causa dei colpi di scena della rivoluzione. Rimase a Tolosa per sei anni, fino al 1797. Tra i suoi mentori c”erano i famosi pittori dell”epoca: Guillaume-Joseph Roque, lo scultore Jean-Pierre Vigan e il pittore di paesaggi Jean Briand. Roque aveva fatto una volta un viaggio di pensionamento a Roma, durante il quale incontrò Jacques-Louis David. Engres eccelleva nella pittura e vinse diversi premi durante i suoi anni di studio, oltre ad avere una buona conoscenza della storia dell”arte. Al concorso di Tolosa per giovani pittori nel 1797, Engré vinse il primo premio per il disegno dalla natura, e Guillaume Roque gli fece capire che era importante per un artista di successo essere un buon osservatore e ritrattista, capace di riprodurre fedelmente la natura. Allo stesso tempo, Roch adorava l”arte di Raffaello e instillò in Engrère il rispetto per lui per tutta la vita. Jean Auguste iniziò a dipingere ritratti, soprattutto per guadagnarsi da vivere, firmando le sue opere “Engres son” (fr. Ingres-fils). Si dedicò anche alla musica sotto la guida del rinomato violinista Lejeune. Dal 1793-1796 fu secondo violino nell”Orchestre du Capitole de Toulouse, un teatro d”opera.

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Parigi. Laboratorio di David

Secondo F. Konisby, al tempo di Ingres l”unico modo per un artista di provincia di crescere professionalmente era quello di trasferirsi a Parigi. Il principale centro di educazione artistica in Francia era allora la Scuola Superiore di Belle Arti, dove Jean Auguste entrò nell”agosto 1797. La scelta dello studio di David si spiega con la sua fama nella Parigi rivoluzionaria. Nel suo studio, David non solo introdusse molti studenti agli ideali dell”arte classica, ma insegnò anche la scrittura e il disegno dal vero e i metodi per interpretarlo. Oltre allo studio di David, il giovane Engrère frequenta l”Académie de Suisse, fondata dall”ex sitter Charles Suisse, dove può dipingere per una piccola tassa. Questo ha favorito lo sviluppo dell”artista nel contatto diretto con modelli di vario tipo. Engrère spiccava chiaramente tra i molti studenti di David, che apprezzavano la sua abilità e il suo talento. Nel 1799 ingaggiò Jean Auguste per lavorare su un ritratto di Madame Recamier, in cui Engrère doveva eseguire alcuni dettagli minori. Poiché il lavoro era estremamente lento, la modella e l”artista litigarono e il ritratto rimase incompiuto, Engres riuscì a finire solo il candelabro sulla sinistra.

…Nel mio lavoro seguo un solo modello, quello dell”antichità e dei grandi maestri di quell”epoca illustre in cui Raffaello ha fissato i confini eterni e immutabili della bellezza nell”arte.

Dall”apprendistato di Engré è sopravvissuto un certo numero di disegni che mostrano che il giovane artista studiava la natura da vicino. Tuttavia, i principi estetici che assorbì esigevano l”idealizzazione poiché, secondo i classicisti, “l”arte dovrebbe essere solo bella e insegnare la bellezza” e la bruttezza appare come un incidente e “non è la caratteristica principale della natura vivente”. I principi non si trasformarono in dogmi – nelle sue migliori opere Engré cercò un”interpretazione indipendente dei modelli classici e la loro sintesi con la natura. Questo approfondì il suo conflitto estetico con David. Nel suo diario Engres scrisse:

Anche se sono rimasto in gran parte fedele ai suoi bei principi, credo di aver trovato una nuova via, aggiungendo al suo amore per l”antichità il gusto per il modello vivente, studiando i maestri italiani, in particolare Raffaello.

Dal 1800 Engrère partecipò al concorso per il Prix de Rome, presentando Scipione con suo figlio e gli ambasciatori di Antioco (non sopravvissuti), ma arrivò solo al secondo posto. Il pittore continuò a lavorare duramente e nel gennaio 1801 ottenne il premio per il busto di un uomo a figura intera. Questa tela mostra che il ventunenne Hingre si era già affermato come pittore accademico, capace di lavorare con la silhouette, gli effetti di luce e le forme con la stessa facilità. Nello stesso 1801 il quadro Agamemnon”s Ambassadors to Achilles fu premiato con il Rome Prize, che permise a Ingres di andare all”Accademia di Francia a Roma per quattro anni. La trama del quadro è tratta dal ciclo di Troia: mostra Odisseo (in abito rosso), Aiace e l”anziano Fenice, inviati da Agamennone per riconciliarsi con il grande eroe. Achille è raffigurato mentre suona la lira in compagnia di Patroclo. I critici hanno fatto notare che il desiderio di Engré di mostrare la storia in ogni dettaglio ha reso la parte sinistra dell”opera sovraccarica. V. Razdolskaja ha scritto che Ingres ha seguito i principi classicisti negli Ambasciatori – la composizione è costruita come un bassorilievo, i personaggi sono anche statuari, e l”artista ha interpretato abbastanza liberamente i prototipi antichi. Conisby ha notato che sia The Thors che The Ambassadors significano una rottura definitiva tra Ingres e David: questi quadri erano fortemente influenzati dallo stile di John Flaxman, e Ingres era molto coerente nell”esprimere la qualità grafica di Flaxman nella pittura a olio. Nel 1801, questo fu il debutto di Engrère al Salon di Parigi e fu ben accolto. Nel 1802, Flaxman lo vide e lo trovò “il meglio di tutto ciò che è stato creato dalla moderna scuola francese”. Questa recensione divenne nota a David e lo ferì profondamente, e presto seguì una rottura totale del rapporto tra insegnante e allievo. A causa dell”opposizione di David, Engrère poté esporre nuovamente il suo lavoro solo al Salon del 1806. Inoltre, a causa della terribile situazione economica dello stato, Ingres dovette aspettare cinque anni per uno stanziamento per recarsi a Roma.

La carriera artistica di Engré iniziò durante il Consolato e il Primo Impero, e il suo ambiente contemporaneo determinò la sua completa apoliticità. Diplomato all”École des Beaux-Arts, doveva guadagnarsi da vivere in attesa di un viaggio di pensionamento a Roma, e dipingere ritratti era la soluzione. Engré condivideva pienamente il punto di vista degli accademici sul sistema dei generi, definendosi un pittore di storia, mentre i ritratti secondo lui erano un genere “inferiore”, che si può fare solo per guadagnare. Tuttavia, secondo V. Razdolskaya, è nei ritratti che Ingres ha saputo “esprimere, e per di più in modo brillante, il suo tempo”.

Engres creò i suoi ritratti più noti del suo primo periodo nel 1804-1805. Autoritratto” del pittore ventiquattrenne (Engr. lo riscrisse interamente nel 1850) si rivelò molto particolare. La figura è trasferita qui in una grande massa monolitica, e la composizione e la severità delle soluzioni di colore danno la formazione accademica dell”autore. Su questo sfondo, spicca l”espressione dello sguardo, qualcosa che Ingres ha sempre cercato nella sua pittura, poiché insegnava che “in ogni testa, la cosa principale da fare è far parlare gli occhi”. Engres ha dipinto se stesso al lavoro, tracciando una tela di gesso stesa su una barella, e l”immagine è risolta nello spirito non dell”accademismo, ma del romanticismo. Numerosi dettagli (la noncuranza della pettinatura e le pieghe del mantello) e la posa dell”eroe, che si è staccato dalla creatività, mostrano che è un creatore e servitore della bellezza, che corrisponde pienamente all”estetica del Romanticismo. Più tardi Engres ricreò l”intensa vita interiore del modello nei suoi ritratti, il più delle volte raffigurando i suoi amici artisti. Un allontanamento dai canoni dell”accademismo provocò gli attacchi dei critici al Salon del 1806.

L”altro lato – laico – della ritrattistica di Ingres è incarnato da tre rappresentazioni della famiglia Rivières – padre, moglie e figlia. Questo tipo di ritratti è basato sulle scoperte di David, ma arricchito dall”attenzione ai dettagli del costume e agli accessori. Anche i ritratti della famiglia Rivière non possono essere considerati una serie, poiché variano molto nella forma, nella composizione e nelle caratteristiche stilistiche. “Il ritratto di Philibert Rivière” mostra un importante funzionario dell”Impero, seduto con calma, la sua postura elegante. La sua espressione è altrettanto serena. Il ritratto è fatto in un colore sobrio, dominato da un frac nero e pantaloni giallastri, contro una tovaglia rossa e la stessa tappezzeria sulla poltrona. Nel suo ritratto di Madame Rivière, Engrère enfatizza l”attrattiva della modella, che si manifesta anche nella sua posa e nel suo abbigliamento. La combinazione della tappezzeria di velluto del divano e le tonalità dello scialle del Kashmir Engres la utilizzò successivamente in altri ritratti di donne. Engres ha incorporato la varietà ritmica e cromatica nell”ovale, che combina senza soluzione di continuità il movimento delle linee arrotondate. Gli storici dell”arte hanno contrapposto a questi due ritratti l”immagine di sua figlia – Caroline Riviere. Engres cercò in questa immagine un lirismo speciale, Jean Cassou nel 1947 la chiamò “Monna Lisa francese”. Nei ritratti di madre e figlia Riviere Ingres ha usato per la prima volta la sua tecnica caratteristica – la rappresentazione sproporzionata della figura. Nel ritratto di Madame Rivière ci sono discrepanze nelle dimensioni della testa, delle spalle e della linea del petto. I guanti sulle mani di Caroline Rivière danno l”impressione che “le mani siano troppo grandi per una giovane creatura così aggraziata”. Esposti al Salon del 1806 – dopo che l”artista era già partito per l”Italia – i ritratti vennero criticati, bollati soprattutto come censure: Engres era troppo lontano dai canoni e dai precetti accademici di David. I critici furono duri con lo stile “gotico” del ritratto di Caroline Riviere, rimproverando all”artista la “precisione deliberata e il disegno secco” della figura della giovane ragazza.

Nel luglio 1803, Engrère ricevette un”importante commissione statale – Napoleone Bonaparte decise di premiare la città di Liegi con il suo ritratto ufficiale. All”epoca, Engrère continuava a ricevere uno stipendio, ma era molto piccolo e anche i suoi guadagni dai ritratti erano irregolari. Il compenso ammontava a 3.000 franchi. Per un artista di 23 anni, un ritratto a grandezza naturale di una prima persona di stato era un compito molto serio; è anche indicativo dello status di Engres, perché è improbabile che un giovane pittore completamente sconosciuto sia stato ingaggiato per scopi di propaganda statale. Ingres aveva molto sperato di esporre un ritratto del Primo Console al Salon, ma quando il dipinto fu completato – luglio 1804 – Napoleone si era proclamato imperatore, e l”obiettivo politico era diventato irrilevante. Quello stesso anno, il padre di Engrère visitò Parigi e si videro per l”ultima volta, il risultato dell”incontro fu un ritratto dipinto da Jean Auguste. Jean Engrère Senior aveva forse intenzione di salutare suo figlio prima della sua partenza per Roma, ma anche quell”anno il viaggio di pensionamento fu rimandato di nuovo.

“Il ritratto di Bonaparte, primo console, è stato valutato in modo diverso da vari critici. V. Razdolskaya ha sostenuto che era “spettacolare e di grande colore, ma privo di un vero significato figurativo”. Perova, al contrario, afferma che “Bonaparte arrivò al potere nel 1799 esattamente in quel modo – risoluto, sicuro e incrollabile. Sottolinea anche la meticolosità di Ingres nel trasmettere i dettagli più fini e la consistenza dei tessuti. Nel 1806, Engrère crea di sua iniziativa un ambizioso “Napoleone sul trono imperiale” (misura 259 × 162 cm). Non sono sopravvissuti documenti che possano far luce sulle circostanze del ritratto, ma in ogni caso, fu presentato al Salon del 1806 e fu poi collocato nel Palazzo Borbonico. La composizione di Engrù sembra essere stata modellata sulla pala d”altare di Gand, che fu poi trasportata a Parigi; la figura di Napoleone è stata paragonata all”immagine di Dio Padre di Van Eyck. C”è anche una versione dell”influenza delle illustrazioni di Flaxman dell”Iliade, nel qual caso Zeus era il modello. Non esiste un”analogia per questa allegoria quasi bizantina del potere nella variegata iconografia di Napoleone.

Nella primavera del 1806, furono stanziati dei fondi per un viaggio di quattro anni a Roma. Allo stesso tempo, Engrère incontrò l”artista 24enne Anne-Marie-Julie Forestier e si fidanzarono rapidamente. Ha creato un ritratto grafico di famiglia di Forestier, in cui ha raffigurato i suoi genitori, lo zio e la cameriera oltre alla sposa. Il padre e lo zio di Ann Forestier erano avvocati di spicco, e vedevano il lungo viaggio come il modo migliore per solidificare il fidanzamento: il futuro genero doveva tornare famoso e con un buon reddito. A settembre, pochi giorni prima dell”apertura del Salon, Engrère parte per Roma.

Viaggio di pensionamento a Roma (1806-1811)

Attraverso Milano, Bologna e Firenze Engrère seguì fino a Roma, dove arrivò l”11 ottobre 1806. Si stabilì a Villa Medici, residenza dell”Accademia di Francia, ma a giudicare dalla sua corrispondenza con Forestier, inizialmente si annoiava e desiderava tornare a Parigi. Solo dal 1807 capì la peculiarità dell”Italia e cominciò a lavorare attivamente, fissando prima di tutto in modo preciso e laconico le vedute urbane che lo attraevano. Engré fu accolto calorosamente dall”allora direttore dell”Accademia, Joseph Suave, che riteneva che i pensionati di Parigi non avessero bisogno di una guida, ma di piena libertà creativa. Engré, come a Parigi, non era molto propenso a comunicare con i suoi colleghi; la sua corrispondenza menziona solitamente Thomas Nodet e Marius Granet. La sua principale cerchia di comunicazione e i suoi clienti erano quasi esclusivamente rappresentanti della colonia francese a Roma.

Il primo anno romano comprende anche tre piccoli paesaggi a olio in forma di tondi; il più famoso di questi è La casa di Raffaello. È stato suggerito che Engrère in questo senso anticipò Corot creando un genere distintamente francese di paesaggio romantico in cui la struttura compositiva e il colore sono armoniosamente bilanciati. Queste qualità si ritrovano spesso anche negli sfondi paesaggistici dei ritratti di Engrö. La venerazione per Raffaello che aveva precedentemente caratterizzato Engrère è diventata un “culto” a Roma. Visitando il Vaticano e vedendo gli Stani di Raffaello, scrisse nel suo diario:

Non mi erano mai sembrate così belle, e mi fu chiaro <…> fino a che punto quest”uomo divino poteva affascinare le altre persone. Mi convinsi definitivamente che lavorava come un genio, brandendo tutta la natura nella sua testa o nel suo cuore, e che quando questo accade, si diventa un secondo creatore… Ed io, infelicemente, mi pento per tutta la vita di non essere nato nella sua epoca e di non essere stato uno dei suoi discepoli.

Disegnare non è solo fare contorni; disegnare non è solo linee. Il disegno è anche espressività, forma interiore, piano, modellazione… Il disegno contiene più di tre quarti di ciò che è la pittura.

In altre parole, il colore giocava un ruolo subordinato nel sistema di valori di Ingres, cedendo al concetto lineare-planare della forma. La colorazione dei dipinti di Engré è costruita su una combinazione di macchie locali, tonalmente non sempre collegate tra loro. L”armonia della composizione è razionale; alcuni contemporanei hanno paragonato i quadri di Ingres a dei solitari allineati.

Tutte queste caratteristiche sono insite nelle opere di segnalazione di Ingres, che ha inviato al Salon de Paris. Il Salon del 1808 fu una pietra miliare nello sviluppo della vita artistica francese ed è talvolta descritto come “pre-romantico”. Engres ha inviato in quell”anno un dipinto “Edipo e la Sfinge”, la sua prima tela di relazione. Engres si è concentrato su un episodio di combattimento mentale, con l”eroe che risolve un enigma irrisolvibile. Engres ha mostrato la metà donna metà leone della mitologia greca all”ombra delle rocce, che simboleggiava la natura “oscura”, irrazionale del mistero che si oppone alla luce della mente di Edipo. Il suo viso è concentrato, il suo corpo raffigurato “vivo” in contrasto con la statuarietà della figura della Sfinge. L”opera fu lodata dal direttore della Scuola di Belle Arti, che scrisse che “Edipo incarna il bello spirito dell”antichità, l”arte alta e nobile” e che il dipinto rappresenta “lo spirito di un maestro degli ultimi secoli dell”Impero Romano”.

A Roma, Engrère continuò a lavorare nel genere del ritratto, creando immagini di M. Grane e Madame Devorce (entrambi 1807). Ha anche dipinto molti ritratti grafici. Il ritratto di Madame Devoset è talvolta paragonato ai ritratti di Raffaello, che servirono come punto di partenza per Ingres. Rispetto al prototipo rinascimentale, tuttavia, l”opera del pittore francese è più decorativa, e lo sguardo della modella, come al solito con Ingres, è fisso sullo spettatore e “cerca il contatto con lui”. Tuttavia, il più notevole nell”arte di Engrae periodo romano è il suo trattamento del nudo, interpretato, tuttavia, molto casto. E in futuro il genere nudo rimase il soggetto di interesse creativo dell”artista fino alla fine della sua vita. Come tutti gli accademici, il corpo femminile nudo per Ingres incarnava la massima espressione della bellezza. Nel 1808 dipinse “La grande bagnante” o “La bagnante di Valpinson” (dal nome del collezionista-proprietario) in un periodo relativamente breve in un unico scoppio di creatività. Secondo gli storici dell”arte contemporanea, in questo quadro, Engrère raggiunse l”armonia nella percezione della natura e l”incarnazione delle sue forme. La figura è raffigurata da dietro, e il contorno crea un senso di movimento unitario del pennello. Le luci e le ombre sono equilibrate, anche la soluzione cromatica è contenuta: toni giallastri del corpo, una tenda verdastra sulla sinistra e un drappeggio bianco. L”enfasi colorata è solo sul motivo della fascia sul bordo dello sfondo grigio.

Il culmine del soggiorno di Engrère a Roma fu il suo enorme dipinto Giove e Fetide, completato nel 1811. Si ritiene che in quest”opera Engrère abbia espresso al massimo se stesso e la propria comprensione della missione creativa dell”artista. Il soggetto è stato preso dal primo canto dell”Iliade, la scena in cui la nereide Fetide implora Zeus-Giove di sostenere i Troiani per vendicare Achille, che è stato offeso da Agamennone. Formalmente la tela rispettava pienamente i canoni del classicismo – la composizione è frontale, il chiaro primato del disegno e il rigore dei dettagli, ma in realtà era un campione di decisione compositiva arbitraria. La struttura spaziale del dipinto è irrazionale: il trono di Giove galleggia nel cielo, e la sua figura su larga scala è in contrasto con la Fetide annidata. Ancora una volta, Engres ha deviato dalla precisione anatomica, raffigurando le forme fluenti della nereide come senza ossa, specialmente le sue braccia, e la testa che si ritira è stata raffigurata in modo completamente innaturale. Questo è stato fatto per un”espressione particolare, per sottolineare la grazia dell”eroina e la drammaticità della sua posizione, soprattutto in contrasto con l”impassibilità del re degli dei. Engré combina così l”espressività con la massima arbitrarietà nel trattamento delle figure umane. Lui stesso insisteva sul fatto che la distorsione delle proporzioni, delle forme e dei rapporti di scala era ammissibile, purché permettesse di sottolineare il carattere e “far emergere l”elemento della bellezza”. Come risultato, è riuscito a creare una composizione integrale nel suo ritmo lineare, che è anche una delle più riuscite in termini di colore. Un cielo blu intenso con nuvole bianche accentua il mantello rosa-arancio di Giove, mentre il drappeggio giallo-verde di Teti forma una triade con loro, un”interpretazione completamente non convenzionale degli schemi di colore classicisti.

I critici romani e gli artisti europei che vivevano nella Città Eterna apprezzarono pienamente l”innovazione di Engrère. Il critico danese T. Brune-Nyregor, che aveva visto “Giove e Fetide” a Roma, scrisse con entusiasmo che “Ingres è un artista superbamente educato che, nonostante la sua giovane età, è la principale speranza per la rinascita della scuola francese. A nord delle Alpi, questi punti di vista non erano condivisi. Il quadro, esposto al Salon del 1812, attirò critiche feroci da parte dei rappresentanti del classicismo. In seguito, questa e altre opere simili furono molto apprezzate dai rappresentanti del Romanticismo francese. Le critiche sconsiderate e il suo desiderio di rimanere in Italia portarono Ingres a ritirarsi dall”Accademia. Lasciò Villa de” Medici e divenne un pittore freelance a Roma.

Roma. Pittore freelance (1811-1819)

A Roma, Engrère divenne rapidamente un artista alla moda, soprattutto tra l”aristocrazia francese che veniva a Roma con i parenti di Napoleone. Già nel 1809 ricevette la sua prima commissione da Gioacchino Murat. Oltre ai ritratti, ha ricevuto nel 1812, diversi ordini per la decorazione di interni, tra cui una composizione enorme (5 metri di lunghezza) “Romolo, Akron vittorioso” per la residenza romana di Napoleone. Engres la eseguì a tempera, il che gli permise di imitare lo stile degli affreschi del Quattrocento costruendo l”immagine come un fregio. Un altro famoso dipinto di questo periodo fu “Il sogno di Ossian”, commissionato sul tema dell”allora molto di moda Macpherson Mystification (di cui Napoleone era un fan). Sulla tela di Engres, l”Ossian dai capelli grigi si addormenta, appoggiato alla sua lira, con uno spazio onirico sopra di lui, ricreando il mondo etereo di Elysium e le figure spettrali di ninfe, eroi e muse. “Il Sogno di Ossian” è un dipinto che dimostra la libertà della soluzione romantica, sottolineata dai forti contrasti di luce e ombra, l”irrealtà dello spazio raffigurato e l”incorporeità delle figure.

Nel 1813, Engrère si sposò. Durante i suoi sei anni a Roma ebbe sentimenti romantici per varie donne, tra cui la figlia di un archeologo danese. La moglie di uno dei clienti di Engré – un importante funzionario del palazzo imperiale di Roma – suggerì all”artista di corrispondere con sua cugina Madeleine Chapelle. Durante la corrispondenza, Engrère tentò di dipingere il suo ritratto basandosi sulle descrizioni delle lettere, e quando la incontrò di persona a settembre, l”immagine reale e il disegno coincisero. A sua volta, Madeleine scrisse a sua sorella che Ingres – “un artista di immenso talento, non un ruffiano, non un ubriacone, non un libertino e allo stesso tempo guadagna da dieci a dodici mila franchi all”anno. In dicembre si sono sposati. Forse all”inizio del 1814, Engrère scrisse un ritratto della sua giovane moglie, che è la semplicità e l”intimità psicologica, molto diversa dai ritratti commissionati. L”immagine di Madeleine si riferisce ai personaggi femminili raveliani, Engres scrisse poi la moglie in quelle sue opere, dove era necessario subordinare un prototipo vivente dell”ideale sublime.

Nel 1814, Engré subì due perdite simultanee: il figlio suo e di Madeleine morì il giorno stesso della sua nascita (non ebbero più figli), e pochi mesi dopo morì in Francia Jean-Joseph Engré, che suo figlio non vedeva da 10 anni. Jean-Auguste continuò a lavorare intensamente e dipinse molte delle sue famose opere, tra cui Raffaello e Farnarina e La grande odalisca. Engres creò la Grande Odalisca per la sorella di Napoleone, Caroline Murat, per la quale passò appositamente diversi mesi a Napoli. Una delle sue opere era anche un ritratto di Caroline Murat. Quando l”Odalisca fu completata, la regina di Napoli era stata deposta e il dipinto rimase nello studio dell”artista. Per amore dell”eleganza della linea della schiena, l”artista ha permesso una distorsione anatomica aggiungendo due o tre vertebre al modello, cosa che fu subito notata dai critici. In questa occasione, l”artista ha dichiarato:

Per quanto riguarda la veridicità, preferisco che sia un po” esagerata, anche se è rischioso.

“La Grande Odalisca” mostra l”interesse di Engrère per l”orientalismo, generalmente caratteristico dell”epoca romantica. Idealizzando la bellezza esterna, Ingres sentiva di non avere il diritto di copiare solo la donna reale e creava un”immagine irraggiungibile nata dalla fantasia. Nello stesso anno, il pittore tornò al tema di Raffaello, che lo aveva a lungo interessato, con una composizione intitolata Raffaello e Fornarina, che mostra un ritratto in coppia del suo idolo e della sua amata. Sul suo cavalletto, Engrère mostrò un dipinto incompiuto della Fornarina e, sullo sfondo, un tondo della Madonna della Sedia, per il quale Raffaello posò con lo stesso personaggio.

“Raffaello e la Fornarina” ha segnato l”inizio di una grande serie di piccoli dipinti i cui soggetti sono basati su una varietà di aneddoti storici e sulla letteratura rinascimentale. Questi includono “Ariosto e l”ambasciatore di Carlo V”, “Paolo e Francesca”, “Ruggiero che libera Angelica”, “La morte di Leonardo da Vinci”, “Papa Pio VII nella Cappella Sistina” e molti altri. Furono principalmente dipinti su commissione di funzionari e aristocratici francesi, in particolare l”ambasciatore francese a Roma, de Blacq, che acquistò il maggior numero di dipinti di Engres. Lo stile di queste opere imitava quello dei maestri del Quattrocento, con Ingres che continuava attivamente a distorcere l”anatomia, raggiungendo la massima raffinatezza di pose ed espressione. Un esempio lampante è la rappresentazione di Angelica incatenata a una roccia. Una resa particolarmente completa dello stile rinascimentale è caratteristica della Morte di Leonardo. In questo dipinto, lo schema dei colori è prominente, con l”importanza principale dei toni rossi combinati con il bianco del letto e dei capelli di Leonardo. Stendhal sosteneva che il ritratto del re in questo quadro appartiene “ai più bei dipinti storici”. La situazione storica rappresentata nel quadro non è attendibile: il re Francesco I non era e non poteva essere presente al letto di morte del grande artista. Questo, tuttavia, era di poca importanza per Ingres e i suoi clienti. Nello stesso periodo creò uno dei suoi pochi dipinti su un tema contemporaneo – “Papa Pio VII nella Cappella Sistina”. Il compito principale dell”artista era quello di rappresentare fedelmente gli affreschi della Cappella Sistina, compreso il “Giudizio Universale” di Michelangelo sulla parete ovest.

Il quadro Ruggero, Liberare Angelique non rientra ancora una volta nel quadro del classicismo; al contrario, il soggetto e la composizione corrispondono all”estetica della scuola pittorica romantica, sebbene Engrère ne fosse un ardente oppositore. Il soggetto è tratto dall”epopea di Ariosto, Il Rolando Furioso. Il suo interesse per la poesia medievale e rinascimentale fu anche riacceso nel XIX secolo dai Romantici, che apprezzavano la trasmissione delle qualità mentali dei personaggi e la sensualità della natura attraverso la poesia. Era naturale per Ingres riferirsi alla storia dantesca di Paolo e Francesca da Rimini.

Dopo la caduta dell”impero napoleonico nel 1815 e il Congresso di Vienna, i sudditi francesi che vivevano a Roma cominciarono a lasciare la città in massa. Per Ingres, finanziariamente dipendente da una piccola cerchia di clienti, questo significava che era impossibile guadagnarsi da vivere come prima. La critica domestica ignorava ancora i quadri di Ingres o ne parlava molto negativamente e fu solo nel 1818 che Jean Auguste decise di esporre nuovi lavori al Salon. Nel 1817 sua madre morì. Nello stesso anno arrivò un po” di sollievo finanziario: il governo di Luigi XVIII iniziò a comprare quadri decorativi di Engré nell”ambito di un piano di ricostruzione della Reggia di Versailles. Lo stile dei quadri di genere storico di Ingres si adattava ai gusti delle nuove autorità: la nostalgia della regalità stabile sotto il “vecchio ordine”.

Nei suoi ultimi anni a Roma, Engré si guadagnò da vivere solo dipingendo ritratti di turisti, per lo più inglesi, cosa che lo infastidiva molto. È noto un aneddoto dell”epoca: un giorno una famiglia di turisti bussò allo studio di Engré e il capofamiglia chiese: “È qui che vive l”uomo che dipinge piccoli ritratti meravigliosamente vivaci?” Engres rispose irritato: “No. L”uomo che vive qui è un pittore!”. Tuttavia, non aveva alcuna intenzione di tornare in Francia, dove non aveva più una famiglia e dove la critica incontrava tutte le sue nuove opere con immancabile ostilità. Nel 1818 rinnovò la sua conoscenza con Lorenzo Bartolini, un vecchio amico dello studio di David. Nel giugno 1819, Jean e Madeleine Engres visitarono la sua casa a Firenze e furono invitati a stabilirsi lì. Nella primavera del 1820, gli Engres si trasferiscono a Firenze, e Jean Auguste descrive la vita romana come “13 anni di schiavitù” in un momento di irritazione.

Il certificato d”artista rilasciato dalle autorità fiorentine a Engr è datato 19 luglio 1820, ma si sa che Jean Auguste e Madeleine si erano trasferiti in città prima. Gli Engres si stabilirono direttamente nella casa di Bartolini, che era allora capo del dipartimento di scultura dell”Accademia fiorentina delle arti. In tutto, l”artista e sua moglie vissero con Bartolini per quattro anni, e si sviluppò un eccellente rapporto tra tutti loro. Bartolini era single, guadagnava bene e viveva in un grande palazzo dove riceveva un gran numero di visitatori. Engr era entusiasta e ha cercato di inserirsi, tuttavia, il suo tentativo di creare un salone laico si è rivelato infruttuoso. L”artista ha descritto il suo stile di vita come segue:

Ci alziamo alle 6 per la colazione con caffè e alle 7 ci separiamo per fare tutto il lavoro della giornata nel nostro atelier. Ci ritroviamo per il pranzo alle 7, un momento di riposo e di conversazione fino all”ora di andare a teatro, dove Bartolini va ogni sera… La mia buona moglie fa tranquillamente le sue piccole faccende e si sente felice con me e io con lei.

Il 29 agosto 1820, poco dopo essersi trasferito a Firenze, Engrère ricevette una commissione che cambiò completamente la sua vita e portò a una grande svolta creativa. Fu incaricato dal Ministero degli Interni francese di dipingere una pala d”altare per la cattedrale di Montauban, sua patria, con il tema “Voto di Luigi XIII che chiede la protezione della Vergine per il regno francese”. Ci sono voluti quattro anni di duro lavoro e ha portato a un ritorno completo ai canoni del neoclassicismo e al rifiuto della sperimentazione romantica.

Engrère iniziò a lavorare al quadro facendo prima di tutto una ricerca storica, leggendo attentamente le fonti. Ammise che combinare il Re e la Vergine in un”unica composizione era anacronistico, ma credeva che se fosse stato fatto nello spirito di Raffaello, alla fine sarebbe stato un successo. In una delle sue lettere, Engrère commentò la sua idea come segue:

Metà del dipinto è la Madonna che ascende al cielo sostenuta da angeli; l”altra metà è il re nella sua cappella o cappella. Proprio quel giorno, Luigi XIII credette che la Madonna gli fosse apparsa in una visione sacra. Poi prese lo scettro e la corona, posti sui gradini dell”altare, e li tese alla Madonna, chiedendo la sua protezione…

L”artista è stato a lungo incapace di trovare i mezzi di espressione per il suo personaggio fino a quando non ha copiato due ritratti di Philippe de Champaigne alla Galleria degli Uffizi, da cui ha preso in prestito l”abbigliamento e la posa del monarca inginocchiato. Una volta decisa la composizione, Engrère divenne impaziente. In una delle sue lettere nel 1822 (17 mesi dopo l”inizio del lavoro), l”artista ha detto che “non può perdere tempo”, per fermamente deciso di esporre la sua creazione al Salon. Tuttavia, il dipinto era finito nell”ottobre del 1824.

Il risultato del lavoro di quasi quattro anni di Engré è stato valutato in modi molto diversi dai suoi contemporanei e dagli storici dell”arte contemporanea. Dal punto di vista di V. Razdolskaja, il quadro è diventato una “ricostruzione stilistica”, in cui l”influenza di Raffaello ha completamente neutralizzato l”originalità creativa di Ingres. Questo vale soprattutto per la Madonna e gli angeli, in cui sono chiaramente rilevabili prestiti diretti dalla “Madonna Sistina” o dalla “Madonna di Foligno”. Combinato con il ritratto del re si crea un”opera completamente eclettica. Anche le soluzioni di colore sono lontane dall”armonia delle migliori opere di Ingres – il mantello blu della Vergine è troppo nettamente in contrasto con il rosso dell”abito a tunica e non si armonizza con i toni dorati dello sfondo e le tende scure. “Solo le vesti … degli angeli, luccicanti di sfumature rosa-oro, ricordano i migliori risultati coloristici di Ingres, così come la perfetta plasticità delle figure.

Il Salon di Parigi del 1824 si aprì quando Engré era ancora in viaggio. Le sue opere di Firenze e Roma, tra cui La Cappella Sistina e La morte di Leonardo, sono state esposte lì. Questa volta, il lavoro dell”artista 44enne fu accolto favorevolmente dal pubblico e dalla critica, compreso Stendhal. Tuttavia, solo il 12 novembre 1824 – 15 giorni prima della data di chiusura – Ingres poté esporre Il voto di Luigi XIII al Salon, dopo di che la critica lo definì all”unanimità “il Salon della battaglia romantica”: il Massacro di Chio di Delacroix era contemporaneamente in mostra. Un”accoglienza entusiasmante attendeva Ingres, con ammiratori e critici che attiravano l”attenzione sulle stesse caratteristiche e usavano le stesse espressioni – l”artista fu salutato (o condannato) come “il Raffaello dei nostri giorni” e “il miglior antidoto alla minaccia romantica”. Segni di attenzione da parte del conservatore regno francese seguirono immediatamente: l”artista fu insignito della Legion d”Onore dal re Carlo X personalmente, e nel 1825 fu eletto membro dell”Accademia di Belle Arti (dove era stato membro corrispondente dal 1823). Di conseguenza, l”artista decise di rimanere in Francia e di condurre ufficialmente la vita artistica del paese.

Il confronto al Salon del 1824 fu l”inizio di una faida tra Hingre e Delacroix, i riconosciuti maggiori pittori francesi dell”epoca, che incarnavano concetti estetici opposti. Engrère si riferiva a Delacroix come al suo “anti-me” ed era chiaramente più inconciliabile nel loro confronto, utilizzando attivamente le risorse amministrative a sua disposizione. Così, Ingres non permise a Delacroix di essere eletto all”Institut de France, perché lo considerava indegno di diventare un maestro ufficialmente riconosciuto e mentore delle nuove generazioni di artisti. Allo stesso tempo, J. Cassoux nella sua biografia di Ingres ha notato che nell”odio che separava i due artisti, si può vedere un profondo interesse per l”altro, con una sfumatura di curiosità e persino di riverenza.

Se dovessi mettere un cartello sopra la mia porta, scriverei ”Scuola di disegno”, e sono sicuro che creerei dei pittori.

“L”apoteosi di Omero”

L”impegno nell”insegnamento e le commissioni ufficiali fecero sì che durante i 10 anni del suo secondo periodo parigino, Engr realizzò solo cinque ritratti dipinti (e 75 ritratti grafici). La più grande e più onorevole delle sue commissioni fu la composizione del 1826 “L”apoteosi di Omero” – un enorme (386 × 515 cm) plafond per il futuro museo reale di antichità etrusche ed egiziane al Louvre. Il soggetto è stato lasciato all”artista stesso. Fu una degna occasione per Ingres di dedicarsi interamente al genere accademico superiore, la pittura storica e allegorica. Omero è stato messo alla base della trama non è casuale – Engres credeva l”antico rapsodo greco fonte primordiale e standard di tutto ciò che è bello nell”arte in generale e nella letteratura in particolare:

Omero fu il primo nella sua poesia a dare un senso alla bellezza del mondo, come Dio, che ha creato la vita, separandola dal caos. Omero ha educato l”umanità una volta per tutte, ha incarnato la bellezza in regole ed esempi immortali.

Engres si avventurò a riflettere nel dipinto le sue opinioni sull”artista come mentore e a personificare l”opera di quei grandi che erano degni, secondo lui, di essere chiamati seguaci di Omero. La composizione dell”Apoteosi è strettamente centrata e basata sulla Scuola di Atene di Raffaello. Sullo sfondo dell”antico portico il grande anziano Omero è raffigurato su un trono, è incoronato con allori di Gloria. In basso, ai lati del trono, ci sono le allegorie dell”Iliade e dell”Odissea. Più avanti, in simmetria speculare, ci sono 42 figure (41 uomini e l”unica donna, Saffo) di artisti, scrittori e politici dall”antichità al XVII secolo. Nella selezione dei “grandi”, Engré mostrò un”intolleranza quasi curiosa verso coloro che gli erano personalmente antipatici. Fu escluso Rubens, che Ingres chiamava “macellaio”, e solo dopo molte esitazioni fu aggiunto Shakespeare. Engres aveva cercato di introdurre il dinamismo nella composizione: per esempio, Apelle conduce Raffaello al trono, mentre dall”altra parte Pindaro gli porge una lira. Fidia ha in mano gli attributi della sua professione – uno scalpello e un martello. In basso a sinistra della composizione c”è Poussin, trascritto da Engrand dal suo famoso autoritratto.

Sebbene la composizione sia stata progettata per il plafond, Engrère la decise come un”opera da cavalletto, senza tener conto dei tagli prospettici e delle distorsioni delle figure e degli elementi architettonici. Tuttavia, già nel 1855 l”Apoteosi fu presentata all”Esposizione Mondiale di Parigi come quadro, e da lì passò al Louvre. L”originale fu sostituito da una copia fatta dall”allievo di Engré, Remont Balzs.

“Engrère attribuiva grande importanza all”Apoteosi, credendo che questo particolare dipinto sarebbe diventato “il più bello e il più importante lavoro di tutta la sua vita”. Infatti, è una delle sue opere più programmatiche, che può essere interpretata come una dichiarazione pittorica. Secondo Ingres, l”arte europea raggiunse le vere altezze solo nell”epoca di Raffaello, dopo di che lo sviluppo prese una falsa strada. Vedeva il suo compito come continuare l”arte rinascimentale dallo stesso stadio in cui si era fermata. Dei critici contemporanei di Engré, una tale visione sosteneva i conservatori dei circoli monarchici. Tuttavia, il radicale Sh. Delekluz vedeva nell””Apoteosi” l”espressione di tutto l”ideale accademico della bellezza, secondo il quale l”artista dovrebbe nobilitare la realtà, piuttosto che riprodurla. La critica d”arte contemporanea non considera quest”opera un successo. V. Razdolskaya descrive la composizione come “rigida” e “priva di sentimento”. Solo Omero stesso e le allegorie dell”Iliade e dell”Odissea, soprattutto quest”ultima, sono riconosciute come riuscite in termini di originalità e bellezza plastica. Anche la combinazione di colori, che manca di unità, è considerata non riuscita.

Opere degli anni 1830

La rivoluzione di luglio lasciò Ingres indifferente. Nello stesso anno fu eletto professore della Scuola di Belle Arti, nel 1833 ne divenne vicepresidente e, infine, nel 1834 la diresse. Engrère cercò consapevolmente alti incarichi, perché erano associati a redditi elevati e allo stesso tempo gli evitavano di dover scrivere lavori su misura e dipendere dai gusti e dai desideri dei clienti. Tuttavia, ha dipinto alcuni dei suoi ritratti più famosi durante questo periodo, in particolare Ritratto di Louis François Bertin, direttore del Journal des débats (1832). Durante la Monarchia di Luglio fu uno degli uomini più influenti del paese, e fin dall”inizio Engres volle creare un”immagine di ampia generalizzazione. Amaury Duval ha ricordato che il lavoro fu estremamente minuzioso ma fu completato letteralmente in un giorno: quando vide Bertin impegnato in una conversazione animata con il suo compagno di conversazione, Ingres gli chiese di venire a posare domani, perché il ritratto è pronto. La critica nota che il ritratto è estremamente laconico, la colorazione è addirittura volutamente parsimoniosa, è dominata dai toni neri della redingote e dei pantaloni, le altre tonalità sono bruno-rossastre, più rade sullo sfondo. Non ci sono accessori che sminuiscono il volto del personaggio. I suoi contemporanei lo chiamavano addirittura “il borghese Giove tonante”.

Dal 1827 gli Engres abitano in un appartamento ufficiale all”Accademia di Belle Arti; vivono modestamente per un uomo della loro posizione, in particolare hanno solo una cameriera. La coppia senza figli assisteva spesso a spettacoli musicali e teatrali; la domenica essi stessi organizzavano ricevimenti e serate musicali in cui Engrère poteva dimostrare la sua arte. Mentre era in Italia incontrò Niccolò Paganini, che gli fece due ritratti grafici, ma le sue memorie di Amaury-Duval descrivono un concerto di Paganini a Parigi il 10 aprile 1831, al quale Engré fu solo uno spettatore.

Al Salon del 1834, il quadro epico Il martirio di San Symphorion, commissionato dall”artista già nel 1824, ricevette recensioni molto contrastanti. Egli attribuiva estrema importanza a questo lavoro, e molti lavori preparatori sono sopravvissuti. Di conseguenza, Engré ha organizzato la composizione secondo il principio del bassorilievo, concentrando l”attenzione dello spettatore sui personaggi in primo piano. La delusione maggiore fu la freddezza del pubblico di fronte ai risultati di sei anni di lavoro. L”immagine è stata risolta con moderazione in termini di emozione e colore. Una delle poche recensioni positive fu quella di Theophile Gautier che apprezzò la struttura monumentale della composizione, la sua grandezza e la capacità dell”artista di ricreare lo “spirito aspro di un”epoca lontana”. Engres era generalmente intollerante alle critiche e, a giudicare dai ricordi di Amaury Duval, mezzo secolo dopo avrebbe ricordato ogni commento poco lusinghiero sul suo lavoro. Di conseguenza, rifiutò categoricamente di partecipare al Salon in futuro e descrisse il pubblico parigino come “ignorante e brutale”. Il pubblico rispose in modo gentile a Engrère: il quadro, esposto all”Esposizione Universale del 1855, fu boicottato una seconda volta e mai più esposto in pubblico.

Attraverso Milano, Venezia e Firenze, Engré raggiunse Roma il 4 gennaio 1835 e si stabilì a Villa Medici, da cui si era separato un quarto di secolo prima. Assunse ufficialmente la carica di direttore il 24 gennaio, succedendo a Horace Vernet (sua figlia Louise Vernet era sposata con Paul Delaroche in quei giorni). Engres assunse gelosamente i suoi nuovi compiti, che lo resero più un funzionario dell”arte che un artista. Gli studiosi dell”Accademia (tra cui Luigi Mussini) e i suoi collaboratori lo ricevettero con riverenza; inoltre, gli affari a Villa Medici furono trascurati a causa dell”incapacità di Vernet di gestire l”economia. L”autorità di Engré con i suoi studenti era indiscutibile; erano d”accordo con tutte le sue enfatiche istruzioni, perché era un maestro magistrale. Allo stesso tempo, lasciava poco spazio all”espressione creativa degli studenti e i lavori di relazione inviati a Parigi ricordavano molto le composizioni e le tecniche di Engrère stesso. Ingres come direttore riformò l”educazione degli artisti: introdusse l”archeologia nel programma e aumentò il tempo per gli studi sul campo, considerandoli non meno importanti della copia dei calchi. A proposito delle sue innovazioni ha scritto:

I giovani dovrebbero prima disegnare per un po” teste dalle Logge di Raffaello, poi figure da bassorilievi antichi…, poi passare al disegno da un modello vivente; copiare a olio… quadri e frammenti di quadri scelti, infine esercitarsi nella pittura da un modello vivente… Che l”allievo divida il suo lavoro tra lo studio della natura e lo studio dei maestri.

Uno degli elementi più importanti dell”educazione artistica Engrère considerava l”educazione del gusto del futuro artista sui capolavori del passato, e l”organizzazione delle attività di svago serviva allo stesso scopo. Engrère cominciò a organizzare concerti a Villa Medici, dove lui stesso poteva realizzare le sue aspirazioni musicali. Fu qui che il direttore fece conoscenza con Franz Liszt (1839) e Charles Gounod (1841), che si esibirono all”Accademia in diverse occasioni. Sia Liszt che Gounod hanno lasciato ricordi della loro associazione con Engrère. Liszt in particolare lodò il modo di suonare il violino dell”artista (trovandolo “incantevole”) e ricordò anche che Hingr gli fece da guida a Roma, che rivelò al compositore il vero valore dell”arte antica. Gounod, raffigurato in un disegno di Engres al pianoforte, scrisse che la vera passione dell”artista era Mozart, la cui partitura del Don Giovanni era anche raffigurata nel ritratto grafico. Tuttavia, il compositore non pensava molto al violinista Engré, sostenendo che mancava di virtuosismo, anche se aveva suonato in gioventù in un”orchestra d”opera. Gounod, invece, ha lasciato una testimonianza del carattere di Engré che contraddice le solite affermazioni sul suo dispotismo:

L”ho visto in un ambiente intimo, spesso e per lunghi periodi, e così posso affermare che era un uomo semplice, schietto e aperto, sincero, capace di folate di entusiasmo… Era gentile come un bambino e poteva essere indignato come un apostolo, poteva essere ingenuo in modo toccante e così direttamente sensibile che era impossibile considerarlo una posa, come molti pensavano.

Un anno prima della sua nomina a direttore, Xavier Cigallon, borsista della Scuola di Belle Arti, doveva realizzare una copia a grandezza naturale del Giudizio Universale di Michelangelo (da inviare a Parigi come supporto didattico), ma non riuscì a superare l”opposizione delle autorità vaticane. L”Ingr riuscì ad ottenere il permesso per Cigallon di lavorare nella Cappella Sistina e la copia fu prodotta. Tuttavia, più tardi sorse un conflitto con la Santa Sede perché Ingres arruolò i suoi studenti per copiare 42 affreschi di Raffaello dalle strofe e dalle logge. Con il passare del tempo, la tolleranza di Engrère al clima romano peggiorò e nelle sue lettere si lamentava spesso di indisposizione. Nel 1835 e 1836 ci fu un”epidemia di colera a Roma, ma il direttore dell”Accademia impose la quarantena e salvò studenti e insegnanti dalla malattia.

Nel 1839, Engrère ritorna al tema orientale dipingendo L”odalisca e lo schiavo, noto anche nella ripetizione del 1842. Quest”opera è resa in toni luminosi e sonori dominati dal rosso, dal verde e dal giallo-arancio, con il corpo rosato dell”eroina che spicca sullo sfondo. In quest”opera, Engrère ha fatto ampio uso di accessori orientali, ma il tipo di odalisca in sé non ha caratteristiche specificamente “orientali”, a differenza delle donne marocchine e algerine di Delacroix. Questo è in un certo senso un ritorno alle concezioni romantiche orientaliste dei suoi primi esperimenti, ma il tipo di odalisca di Ingres è più vicino all”ideale classico di bellezza che ha riprodotto in molte delle sue opere.

Un”altra famosa opera romana di Ingres fu Antioco e Stratonica, basata su un soggetto di Plutarco. Secondo l”autore antico, Antioco, figlio di Seleuco, era innamorato della sua giovane matrigna Stratonica e decise di suicidarsi morendo di fame. Il medico Erasistrato intuì il motivo quando vide Stratonica entrare nella stanza dove Antioco era prostrato sul letto e quale fu la sua reazione. La storia ha sempre commosso Engrère che, secondo i ricordi, piangeva quando la leggeva ai suoi alunni. La storia era stata popolare fin dalla fine del XVIII secolo: fu riprodotta dal maestro di Ingres, David e, nel 1792, l”opera Stratonica di Meguele fu presentata in anteprima a Parigi e ripresa nel 1821. Ingres era stato affascinato dal soggetto mentre lavorava a Giove e Fetide, ma fu solo la commissione del Duca d”Orleans che convinse l”artista a realizzarlo. Ingres chiamava questo quadro “la sua grande miniatura storica” (57 × 98 cm). Il dipinto riproduce meticolosamente la policromia dell”antico interno, che fu progettato dal suo allievo Victor Baltar e dipinto a colori dai fratelli Paul e Remon Balza, che avevano precedentemente copiato gli affreschi di Raffaello. Le figure sono state dipinte da Engrère stesso, dando alla composizione un carattere melodrammatico: Antioco si copre il viso con la mano alla vista di Stratonica per non farle notare la sua agitazione. Engr fu il prototipo della figura di Seleuco e il suo allievo Hippolyte Flandren fu il prototipo di Antiochia. L”immagine di Stratonica, secondo il progetto di Engres, doveva essere l”incarnazione della fragilità della bellezza perfetta e del sottile lirismo. Sia L”odalisca che Antiochia furono accolte con entusiasmo al Salon del 1840, il che significa che Ingres poté tornare a Parigi alla fine del suo mandato come direttore dell”Académie Française. Il duca d”Orleans ha inviato una lettera speciale piena di lodi per il lavoro del celebre maestro. Il 6 aprile 1841 Jean Auguste e Madeleine Ingres lasciano Roma, ma passano i dieci giorni successivi a Firenze, parlando con gli amici con cui si sono separati vent”anni prima. Viaggiarono in Francia per mare via Genova e tornarono a Parigi a metà maggio. In tutto, l”artista ha vissuto in Italia per 24 anni.

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Opere accademiche degli anni 1840 e 1850

Nel 1846, Engrère, insieme a Groh e Giroud-Triozon, accettò di partecipare a una mostra di beneficenza di arte classica nella galleria del Boulevard Bon-Nouvelle, per arricchire i fondi della Società degli Artisti. La mostra è iniziata con David, Engres era rappresentato da 11 tele, tra cui La grande odalisca, Stratonica, Odalisca con uno schiavo e diversi ritratti. La mostra fu un grande successo e Baudelaire ne pubblicò una recensione, concentrandosi in particolare su Ingres. Baudelaire scrisse che i ritratti del maestro erano vicini all”ideale della rappresentazione personale, e sottolineò anche la ricchezza e la delicatezza della sua tavolozza.

La rivoluzione del 1848 in Francia, come gli eventi del 1830, lasciò Ingres indifferente. Al contrario, è il 1848 che è firmato da una delle opere più famose dell”artista, la Venere di Anadiomena. Iniziò questo dipinto già nel 1808, durante un viaggio di pensionamento a Roma, questo tipo di lavoro faceva parte del rapporto obbligatorio dell”artista, in quanto doveva dimostrare la sua abilità nel ritrarre il nudo. Nel 1821 e 1823, la “Venere” è menzionata nella corrispondenza, ma non fu mai finita. Il fatto che il maestro sessantottenne sia tornato di nuovo su questa immagine e l”abbia completata in un momento rivoluzionario testimonia forse il desiderio dell”artista di contrapporre i conflitti della modernità a un ideale eterno di bellezza e armonia. Engres stesso ha notato che vedeva la “modellazione tramite la luce” come la cosa principale nella pittura. Il corpo e il viso della dea corrispondono all”ideale di Enghr, distaccato e sereno. Le figure di cupido danno l”impressione di trambusto, ma danno stabilità alla composizione, servendo da piedistallo per la figura principale. I contemporanei hanno lodato il dipinto, con Theophile Gautier che dichiarava arrogantemente che “avrebbe potuto essere l”opera di Apelles”. Gary Tinterow, tuttavia, ha notato che questo stile ora sembra kitsch.

La composizione della Venere fu usata nell”altro famoso dipinto di Ingres, La fonte. E questo quadro ha richiesto molto tempo per essere dipinto: iniziato a Firenze nel 1820, non è stato completato fino a 36 anni dopo. Il quadro era dedicato alla ricerca di un ideale irraggiungibile, e l”immagine di una ragazza con un recipiente che versa acqua è tradizionale per l”arte europea e ha un significato simbolico. La femminilità è associata al versare l”acqua – entrambi significano l”inizio della vita. Rispetto alla “Venere Anadimena” la composizione de “La Fonte” è più statuaria, i contorni della figura sono più chiari ma meno vivaci e l”espressione del viso è più dolce. Secondo A. Bonfante-Warren, “questa tela è la caratteristica più pienamente incarnata del suo stile, la capacità di tradurre la realtà in immagini di bellezza ideale. In questo caso, l”idealismo virtuoso di Ingres non potrebbe essere più adatto al soggetto scelto. Con cinque collezionisti che si contendono il quadro, Ingres organizza un”asta. Il quadro è andato al conte Charles-Marie Tanguy Duchâtel per 25.000 franchi.

Il lavoro sul grandioso dipinto a olio del Castello di Dampierre, commissionato dal Conte de Ligne già nel 1830, non fu meno lungo. L”artista pensò al piano in dettaglio e si stabilì con sua moglie a Dampier. Nel 1843, scrisse:

Voglio ritrarre l”Età dell”Oro come la immaginavano gli antichi poeti. La gente di quella generazione non conosceva la vecchiaia. Erano gentili, corretti e si amavano. Il loro unico cibo era il frutto della terra e l”acqua delle sorgenti, il latte e il nettare. Vivevano così e morivano addormentati; poi si trasformavano in buoni geni che si prendevano cura della gente…

La composizione dell”Età dell”Oro è stata derivata dagli affreschi di Raffaello in Vaticano – rigorosamente organizzata e con un finale semicircolare. La parte sinistra era dedicata alla Primavera e alla Giustizia, la parte centrale – con un girotondo rituale – all”Estate e alla Pace; l”Autunno e il Ricollegamento con la Terra era mostrato sulla destra – coppie semisdraiate e famiglie innamorate. Il paesaggio enfatizzava anche le immagini idealizzate di un paradiso terrestre – era etereo, con uno spirito alla Poussin. Tra il 1845 e il 1846, Engrère si spinse molto avanti nel suo lavoro e accettò persino di dipingere una composizione in coppia, L”età del ferro. Per una ragione sconosciuta, ha interrotto la pittura nell”autunno del 1847, e all”inizio del 1850 ha terminato il contratto. Solo nel 1862 creò una versione da cavalletto e in scala ridotta de L”età dell”oro, con materiali preparatori che “colpiscono per l”espressione e l”audacia della generalizzazione”.

Il 27 luglio 1849 la moglie di Engré, Madeleine, morì a causa di un”estrazione di denti non riuscita e di un successivo avvelenamento del sangue. Engres soffrì molto questa perdita, si chiuse nel suo appartamento e per tutta la seconda metà del 1849 non poté lavorare. Solo nell”aprile 1852, dopo quasi tre anni di vedovanza, l”artista sposò una nipote del suo vecchio amico Marcotte – Delphine Romel (era anche la sorella della moglie di suo figlio Cherubini – Salvatore). L”artista aveva 71 anni e sua moglie 43 anni. Il nuovo matrimonio ebbe successo: Delphine Romel era una vecchia zitella che viveva con i genitori anziani, circondò Engrère di cure, nelle parole di G. Tinterou – “comfort borghese”. I Romelais avevano anche una tenuta di campagna a Meng-sur-Loire, dove la famiglia trascorreva molto tempo. Engres ha espresso il suo apprezzamento in diversi ritratti di sua moglie e dei suoi genitori.

Pittura storica e ritrattistica degli anni 1850 e 1860

La pittura storica dell”ultimo periodo di Ingres è la meno originale della sua eredità. Una delle principali commissioni del genere storico per Ingres fu il plafond del municipio di Parigi sul tema “L”apoteosi di Napoleone”. Anche Cabanel e Delacroix furono incaricati di dipingere il municipio in quel periodo. Il settantatreenne Engres non era più in grado di lavorare lui stesso su un quadro così grande, e i suoi allievi – i fratelli Rémon e Paul Balza, Paul Flandren, Alexandre Degoff e altri – usarono i suoi schizzi per dipingere il plafond. Il lavoro fu fatto nello studio del pittore Gatto, amico di Engré, che aveva una grande sala piena di luce. Il quadro ebbe un grande successo negli ambienti ufficiali, e il 31 gennaio 1854 il nuovo imperatore Napoleone III visitò lo studio di Gatto e fece i complimenti a Engré. All”imperatore piacque particolarmente l”iscrizione dedicatoria: In nepote redivivus. Tuttavia, nel maggio 1871, il murale fu distrutto da un incendio durante la Comune di Parigi; solo un piccolo schizzo è sopravvissuto. A giudicare da questo schizzo, la composizione si è rivelata priva di monumentalità ed eclettica, rivelando prestiti diretti da monumenti antichi, che non sono troppo legati tra loro. Delacroix, che ha esaminato l”opera, ha descritto le sue impressioni come segue

L”Esposizione Mondiale del 1855 espose 66 dipinti di Engré, tra cui l”appena dipinta Giovanna d”Arco all”incoronazione di Carlo VII nella cattedrale di Reims il 17 luglio 1429, L”apoteosi di Napoleone, Madonna con comunione e molti altri. Hingre fu l”unico artista ad essere onorato con un padiglione individuale, perché era visto dal piano dell”esposizione come una figura chiave nella promozione dell”eccellenza dell”arte francese. E anche questa volta Engrère si confrontò con Delacroix, perché per i suoi contemporanei la loro incompatibilità creativa era innegabile. La loro “guerra” non finì fino al luglio 1857, quando Delacroix fu finalmente eletto membro a pieno titolo dell”Accademia di Belle Arti al posto del defunto Paul Delaroche, con cui Hingre aveva anche litigato una volta.

Giovanna d”Arco all”incoronazione di Carlo VII è una riproduzione meticolosa dell”ambientazione, dell”armatura e degli abiti storici, il tutto reso in modo secco e rigido. Giovanna è ritratta come una bellezza classica e la sua posa è maestosa e persino patetica, anche se le sue espressioni facciali sono piuttosto artificiali. L”asciuttezza dell”esecuzione è mitigata dall”armonia della combinazione di colori – la lucentezza argentea della sua armatura e la gonna rosata di Jeanne. Tra le figure dietro di lei spicca lo scudiero, al quale Engres ha dato tratti di autoritratto. N. Wolf ha notato che la monumentalità dell”immagine dell”eroina è enfatizzata dallo sfondo scuro, ma la solita eleganza delle linee di Ingres si perde a causa della portata epica.

Tra i ritratti dipinti da Ingres durante questo periodo, spicca il ritratto della contessa Louise d”Aussonville, che egli stesso definì “disperatamente difficile” e che dipinse per tre anni (1842-1845). L”eroina del ritratto non era una donna comune – in futuro scrisse una famosa biografia di Byron ed era sposata con un famoso diplomatico. Engres voleva trasmettere la grazia dell”eroina ventiquattrenne fino in fondo e ha trovato una soluzione compositiva complessa – la figura si riflette nello specchio dietro la sua silhouette vacillante. La colorazione è in linea con la raffinatezza e la grazia della modella – il vestito è fatto in tonalità blu-argentee che sono messe in risalto dal tono blu della tovaglia sul tavolo di fronte allo specchio.

Un”altra opera famosa di Ingres fu il Ritratto della principessa Pauline de Broglie (1853). Il colore e la composizione dominanti di questo ritratto sono l”abito di raso blu, che definisce l”eleganza della modella e accentua il suo aristocratismo. Molti disegni preparatori sono sopravvissuti, mostrando vari angoli di composizione, tra cui la figura nuda per la quale posava il posatore assunto. Engrère aveva bisogno di una posa delicata e allo stesso tempo rilassata, ha passato molto tempo a cercare un profilo generale della figura, ha calcolato la posizione delle mani. Questo ritratto, come la maggior parte dei ritratti del periodo successivo, fu lodato all”unanimità dai contemporanei di Ingres e dai critici d”arte contemporanei.

“L”artista si è finalmente permesso di dare libero sfogo ai suoi sensi, e tutto ciò che era espresso indirettamente dalla mano di Thetia o dal piede di Odalisca ha ora trovato un”incarnazione palese in cosce lussureggianti, seni e pose sontuose e voluttuose”.

Anni recenti. La scomparsa di

Verso la fine della sua vita tutte le aspirazioni di Engrère erano rivolte al passato. Questo si manifestò nella creazione di molte composizioni che copiarono opere precedenti, particolarmente amate. Riscrisse L”apoteosi di Omero, sperando vanamente che questo quadro diventasse canonico per le generazioni future; scrisse due ripetizioni de La Stratonica e una versione ad acquerello de Il sogno di Ossian. Nel 1864 riscrisse Edipo. Secondo V. Razdolskaja, “non tutte sono superiori per qualità di esecuzione alle versioni precedenti, ma lavorando su di esse, Engres obbedì al desiderio di perfezione, che fu l”impulso di tutta la sua vita creativa. Il suo ultimo quadro, l”ottava versione della Madonna con Comunione, è simbolicamente datato 31 dicembre 1866.

L”8 gennaio 1867, l”artista 86enne si diresse alla Biblioteca Nazionale, dove copiò la Deposizione della bara di Giotto (da una riproduzione). La sera, gli amici hanno organizzato una serata musicale con quartetti di Mozart e Cherubini. Tornando a casa dopo cena, l”ing. ha preso un raffreddore. Il suo malessere si trasformò in polmonite, di cui morì il 14 gennaio.

Il 10 aprile 1867, una mostra retrospettiva di Ingres si apre all”École des Beaux-Arts in coincidenza con l”Esposizione Universale. I contemporanei provarono un certo disagio per la giustapposizione di Parigi, completamente ricostruita dal barone Haussmann, e l”eredità pittorica di Ingres, che copiò gli esempi rinascimentali e invocò “Ritorno a Raffaello!” Tuttavia, questa stessa mostra mostrò anche, per la prima volta, schizzi e studi di Ingres, che permisero a una nuova generazione di critici di proclamarlo un genio. Albert Wolff, che si occupò delle mostre impressioniste negli anni 1870, scrisse che la retrospettiva di Ingres fu per lui una “rivelazione”, poiché le opere e gli schizzi, sconosciuti al grande pubblico, erano molto superiori alle creazioni molto pubblicizzate dell”artista.

La ricostruzione della personalità di Engré e della sua percezione è molto difficile perché le sue opinioni e preferenze personali erano diverse da quelle dichiarate. Engré non aveva talento letterario e non scrisse testi programmatici, sostituendoli con dichiarazioni pubbliche e con i propri scritti. Ciononostante, dal 1806 tenne un diario in cui mescolava le proprie opinioni con estratti di libri che aveva letto, bozze di lettere, descrizioni di idee realizzate e non realizzate. Ha conservato 10 dei suoi quaderni, 9 dei quali sono conservati nel museo di Montauban. La maggior parte delle sue riflessioni sull”arte e sul metodo si trovano nel nono quaderno. I diari di Engré furono la fonte primaria per la biografia di Henri Delaborde pubblicata nel 1870. Nel 1962, gran parte del materiale del Quaderno Nove, con aggiunte dalla letteratura critica dell”epoca, è stato pubblicato in traduzione russa. Durante tutta la sua vita, Engrère corrispondeva con gli amici, soprattutto con Gillibert, ma gli originali delle sue lettere non sono sopravvissuti. La corrispondenza fu pubblicata nel 1909 da Boyer d”Ajon e questa edizione è ancora una fonte importante per lo studio del mondo interiore dell”artista; una ristampa seguì nel 1926. Il materiale dei quaderni di Engré è stato pubblicato nel 1947 e nel 1994. Nel 1870, un libro sul maestro fu pubblicato dal suo allievo Amaury-Duval, principalmente episodi della sua vita e una varietà di aneddoti, che offrono una misura di correttezza al carattere categorico delle sue stesse dichiarazioni.

Formatosi presto come persona e come artista (prima del suo ventesimo compleanno), Engrère aveva un temperamento capriccioso e irritabile. Amava predicare, ma allo stesso tempo, se sentiva le proprie idee dalla bocca degli altri, si infuriava, perché non era affatto sicuro della correttezza delle dottrine che predicava. Sulla base del suo programma Ingres sembrava essere un uomo dai gusti particolari: le rose erano il più bello dei fiori, un”aquila era il più bello degli uccelli, Fidia era il più grande scultore, Mozart era il più grande compositore e così via. Il contrasto maggiore è creato dalle voci di diario in cui Engrère sosteneva che “alle origini dell”arte c”è molto che è informe, ma nasconde più perfezione dell”arte più compiuta”. A. Isergina ha scritto quanto segue a questo proposito:

“Dove può aver incontrato Engres le insolite “origini dell”arte” di alcune culture forse primitive nelle quali ha potuto intuire nuove possibilità di ispirazione? Engres non ne parla. E in generale si può solo ipotizzare che se tante “deviazioni eretiche” ha messo in parole, quante cose che lo affascinavano ed eccitavano, ha taciuto”.

Anche l”atteggiamento di Engrère nei confronti dell”arte orientale non è chiaro. A Parigi e a Napoli si interessò all”arte cinese; la biografia di Amaury-Duval descrive un episodio in cui Ingres comunicò con un esperto di Persia (forse Gobino), che parlò del fascino particolare della musica persiana, nel suo ritmo e nella sua struttura l”opposto della musica europea. Engres si è allarmato e depresso, poiché non poteva dire in modo inequivocabile se i persiani erano “ingannati” o “ingannati dagli europei con Gluck, Mozart e Beethoven”.

Engré si definiva apertamente un genio e, già nel 1806, scriveva francamente di essere “tormentato dalla sete di fama”. Queste dichiarazioni sono abbastanza tipiche per l”epoca della svolta dei secoli XVIII-XIX, quando nell”ambiente artistico esisteva l”idea della missione suprema dell”artista, che contrastava le opinioni dei romantici che il destino di un vero genio – solitudine e incomprensione. Alla fine della sua vita, Engrère ammise che desiderava ritirarsi dalla gente e vivere in silenzio tra i suoi amati affetti, e questo significava che stava vivendo un conflitto interiore tipico dell”artista del XIX secolo. In questo senso, il ventesimo secolo è arrivato a vedere il confronto tra Ingres e Delacroix, che negli anni 1830 e 1860 fu percepito quasi come un fattore principale nella vita artistica francese, in un modo completamente diverso. Da un punto di vista storico, le ragioni principali del loro conflitto (il primato del colore o della linea) sono diventate secondarie, e la pubblicazione dei diari di Delacroix e degli appunti di Ingres ha reso chiaro che le loro opinioni sulla modernità, i loro principi di analisi delle opere d”arte e i loro approcci alla loro creazione sono quasi del tutto coincidenti.

Verso la fine della sua vita, Ingres subordinò costantemente la sua arte e i suoi gusti personali alla dichiarata dottrina classicista. Considerandosi un pittore storico, Ingres poteva passare anni a finire tele gigantesche, sostenendo che stava compiendo una grande missione. A proposito delle sue opere grafiche e dei suoi schizzi, scrisse a Gillibert nel 1821 che non potevano essere considerati come definitivi e che riconosceva nell”arte solo i risultati finiti. Tuttavia, Amaury-Duval, in preparazione per l”Esposizione Universale del 1855, chiese al maestro di mettere i disegni sotto le sue opere principali, ed Engrère rispose improvvisamente: “No, perché dovrebbe; perché allora tutti li guarderebbero soltanto”.

Giocando il ruolo di genio e venendo riconosciuto solo dopo il suo 50° compleanno, Ingres era spesso insopportabile per coloro che lo circondavano. C”è un famoso aneddoto quando arrivò in un teatro senza posti disponibili e buttò fuori senza tante cerimonie un giovane, dicendogli che lo stesso “Monsieur Ingres” (il giovane era Anatole France) voleva sedersi in quel posto. Dichiarò anche che la sua influenza sui suoi allievi era così buona che non poteva essere migliore, poiché le sue dottrine erano inconfutabili. Dietro questa sicurezza esteriore si nascondeva un”infinita depressione e abuso di sé, chiaramente visibile nelle lettere agli amici. In una delle sue lettere a Gillibert, Engrère scrisse:

Non è la mia ombra, sono io, Ingr… come sono sempre stato con tutte le mie imperfezioni, la malattia del mio carattere, un uomo-inadeguato, incompleto, felice, infelice, dotato di un eccesso di qualità da cui non c”è mai stata alcuna utilità.

Quasi tutte le principali opere di Ingres rimangono in Francia nelle collezioni dei principali musei del paese, soprattutto il Louvre e il Musée d”Ingres a Montauban. Fuori dalla Francia, la più grande collezione di Ingres si trova nei musei degli Stati Uniti. Solo poche opere di Ingres sono conservate in Russia – la versione originale della Madonna davanti alla Coppa della Comunione (Museo Statale delle Belle Arti) e il Ritratto del Conte Guriev (Museo Statale dell”Ermitage). Circa sette ottavi del suo patrimonio sono opere grafiche, solo 455 ritratti sono sopravvissuti. Gli storici dell”arte sono praticamente unanimi nel dire che la più grande forza di Engré come pittore (e quella del suo maestro David) è l”arte del ritratto, un”opinione che si è mantenuta dall”Esposizione Universale del 1855.

Engré fu un buon insegnante e la maggior parte dei suoi studenti divennero importanti rappresentanti della tendenza salon-accademica; i più noti sono Paul Balzs, Eugène-Emmanuel Amaury-Duval, Armand Cambon e Hippolyte Flandren, autore di grandi cicli decorativi nelle chiese parigine. Il più originale degli allievi di Engré è riconosciuto essere Theodore Chasseriot, che aveva studiato con lui dal 1830. Non è un caso che in seguito fu fortemente influenzato da Delacroix, dopo di che il suo maestro lo abbandonò. Chasseriot fu l”unico allievo di Ingres che si sviluppò in una personalità distinta.

Fuori dalla Francia, Ingres ebbe una certa influenza sulla pittura vittoriana, in parte indirettamente attraverso Delaroche. Nella critica d”arte britannica, il lavoro di Engrère è classificato come le style troubadour, caratterizzato da un focus sulla vita intima di personaggi storici. Frederick Leighton, che visitò l”Esposizione Universale nel 1855 e comunicò con Engrère, si unì a questa tendenza. La sua influenza è evidente nella sua pittura di Kimon e Ifigenia, che riproduceva lo stile delle opere orientali di Engrère.

L”interpretazione di Engres del genere nudo ha tradizionalmente occupato un posto speciale nella critica d”arte. La morale del Salon e dei suoi visitatori borghesi, che aveva sempre irritato Ingres, riconosceva la rappresentazione del corpo nudo solo nei soggetti mitologici e nei motivi orientali. A questo proposito Cabanel nel suo La nascita di Venere polemizza direttamente con Engrère in piena conformità formale con il canone. Christopher Wood ha notato che le scoperte stilistiche di Engrère nel genere del nudo furono accolte molto bene in Gran Bretagna, poiché si adattavano anche alla morale vittoriana. I suoi seguaci inglesi cercarono di trasformare l””insensibilità” statuaria classicista in “deindividualizzazione”, in altre parole, cercarono di “de-psicologizzare” il corpo femminile e di trasformarlo in un “principio erotico in sé”.

Н. A. Dmitrieva ha caratterizzato le opere di nudo di Ingres in questo modo:

Le linee canore di Engres, i contorni flessibili dei corpi femminili, visibilmente deformati, squisitamente allungati, coccolati, non ricordano infatti Raffaello. È un classico molto modernizzato: contrariamente ai suoi desideri, Engrère appartiene alla sua epoca, dalla quale si sta ripudiando. Voleva dipingere alla vecchia maniera, ma sentiva nel modo moderno.

Grande fu l”impatto di Ingres sullo sviluppo dell”arte francese delle generazioni successive, a partire da Degas, che nelle sue prime opere gli è molto vicino. Secondo N.A. Dmitrieva, “ogni volta che l”arte francese comincia a desiderare la lucidità perduta, ricorda Ingres. Un esempio lampante è il “periodo Enghr” di uno dei principali rappresentanti dell”impressionismo – Auguste Renoir, che venne nel 1880-ies. L”opera più famosa di questo periodo – “Le grandi bagnanti” (le linee del disegno sono diventate chiare e definite, i colori hanno perso la loro precedente luminosità e ricchezza, la pittura in generale ha cominciato ad avere un aspetto trattenuto e più freddo.

Tra gli ammiratori di Ingres nel XX secolo ci furono Matisse e Picasso. Henri Matisse si riferiva a Ingres come “il primo artista a usare i colori puri, delimitandoli invece di mescolarli”. Anche Pablo Picasso ha individuato il periodo “Engres” nel suo lavoro, subito dopo la prima guerra mondiale. Barnett Newman, con il suo caratteristico paradossalismo, ha definito Ingres come il fondatore dell”espressionismo astratto.

La passione di Ingres per il violino portò alla nascita dell”espressione francese “violin d”Ingres” (fr. violon d”Ingres), che significa “la debolezza di un uomo famoso”, “una passione”. È stato reso popolare da Romain Rolland:

Ha studiato con Gounod a Roma e sono diventati amici intimi. Il vecchio artista aveva la sua specialità – il violino, come Engré – ma ahimè, era un falso.

Fonti