Jean-Baptiste Camille Corot

gigatos | Febbraio 3, 2022

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Riassunto

Jean-Baptiste-Camille Corot (16 luglio 1796 – 22 febbraio 1875) è stato un pittore francese di paesaggi e ritratti e un incisore all”acquaforte. È una figura centrale nella pittura di paesaggio e la sua vasta produzione si riferiva contemporaneamente alla tradizione neoclassica e anticipava le innovazioni plein-air dell”impressionismo.

Prima vita e formazione

Jean-Baptiste-Camille Corot (Camille Corot in breve) nacque a Parigi il 16 luglio 1796, in una casa al 125 di Rue du Bac, ora demolita. La sua famiglia era borghese – suo padre era un fabbricante di parrucche e sua madre una modista – e a differenza dell”esperienza di alcuni dei suoi colleghi artisti, per tutta la sua vita non sentì mai la mancanza di denaro, poiché i suoi genitori fecero buoni investimenti e gestirono bene i loro affari. Dopo che i suoi genitori si sposarono, comprarono il negozio di modisteria dove lavorava sua madre e suo padre abbandonò la sua carriera di parrucchiere per gestire la parte commerciale del negozio. Il negozio era una destinazione famosa per i parigini alla moda e faceva guadagnare alla famiglia un reddito eccellente. Corot fu il secondo di tre figli nati dalla famiglia, che in quegli anni viveva sopra il loro negozio.

Corot ricevette una borsa di studio per studiare al Lycée Pierre-Corneille di Rouen, ma lasciò dopo aver avuto difficoltà scolastiche ed entrò in un collegio. Egli “non era uno studente brillante, e durante tutta la sua carriera scolastica non ha ottenuto una sola nomination per un premio, nemmeno per le classi di disegno”. A differenza di molti maestri che dimostrarono precocemente talento e inclinazione per l”arte, prima del 1815 Corot non mostrò un tale interesse. Durante quegli anni visse con la famiglia Sennegon, il cui patriarca era un amico del padre di Corot e che passava molto tempo con il giovane Corot nelle passeggiate nella natura. Fu in questa regione che Corot fece i suoi primi dipinti sulla natura. A diciannove anni, Corot era un “bambino grande, timido e impacciato. Arrossiva quando gli si parlava. Davanti alle belle signore che frequentavano il salone di sua madre, era imbarazzato e fuggiva come un selvaggio… Emotivamente, era un figlio affettuoso e ben educato, che adorava sua madre e tremava quando suo padre parlava”. Quando i genitori di Corot si trasferirono in una nuova residenza nel 1817, il ventunenne Corot si trasferì nella stanza con finestre ad abbaino al terzo piano, che divenne anche il suo primo studio.

Con l”aiuto di suo padre Corot fece l”apprendista da un venditore di stoffe, ma odiava la vita commerciale e disprezzava quelli che chiamava “trucchi del mestiere”, tuttavia rimase fedelmente nel commercio fino all”età di 26 anni, quando suo padre acconsentì a fargli adottare la professione d”arte. Più tardi Corot dichiarò: “Ho detto a mio padre che gli affari ed io eravamo semplicemente incompatibili, e che stavo divorziando”. L”esperienza commerciale si rivelò benefica, tuttavia, aiutandolo a sviluppare un senso estetico attraverso la sua esposizione ai colori e alle trame dei tessuti. Forse per noia, si rivolse alla pittura a olio intorno al 1821 e iniziò subito con i paesaggi. A partire dal 1822, dopo la morte di sua sorella, Corot iniziò a ricevere un”indennità annuale di 1500 franchi che finanziò adeguatamente la sua nuova carriera, lo studio, i materiali e i viaggi per il resto della sua vita. Affittò immediatamente uno studio in quai Voltaire.

Durante il periodo in cui Corot acquisì i mezzi per dedicarsi all”arte, la pittura di paesaggio era in ascesa e generalmente divisa in due campi: un paesaggio storico dai neoclassici dell”Europa meridionale che rappresentava viste idealizzate di siti reali e immaginari popolati da figure antiche, mitologiche e bibliche; e un paesaggio realistico, più comune nell”Europa settentrionale, che era in gran parte fedele alla topografia reale, all”architettura e alla flora, e che spesso mostrava figure di contadini. In entrambi gli approcci, i paesaggisti iniziano tipicamente con schizzi all”aperto e dipinti preliminari, mentre il lavoro di rifinitura viene fatto all”interno. Molto influente sui paesaggisti francesi all”inizio del XIX secolo fu il lavoro degli inglesi John Constable e J. M. W. Turner, che rafforzarono la tendenza a favore del realismo e lontano dal neoclassicismo.

Per un breve periodo tra il 1821 e il 1822, Corot studiò con Achille Etna Michallon, un pittore di paesaggi dell”età di Corot che era un protetto del pittore Jacques-Louis David e che era già un insegnante molto rispettato. Michallon ebbe una grande influenza sulla carriera di Corot. Le lezioni di disegno di Corot includevano il ricalco di litografie, la copia di forme tridimensionali e la realizzazione di schizzi di paesaggi e dipinti all”aperto, specialmente nelle foreste di Fontainebleau, nei porti della Normandia e nei villaggi a ovest di Parigi come Ville-d”Avray (dove i suoi genitori avevano una casa di campagna). Michallon lo espose anche ai principi della tradizione neoclassica francese, come sposato nel famoso trattato del teorico Pierre-Henri de Valenciennes, ed esemplificato nelle opere dei neoclassici francesi Claude Lorrain e Nicolas Poussin, il cui scopo principale era la rappresentazione della Bellezza ideale nella natura, legata agli eventi dei tempi antichi.

Sebbene questa scuola fosse in declino, continuava a tenere banco al Salon, la più importante mostra d”arte in Francia, frequentata da migliaia di persone ad ogni evento. Corot dichiarò più tardi: “Feci il mio primo paesaggio dalla natura… sotto l”occhio di questo pittore, il cui unico consiglio fu di rendere con il massimo scrupolo tutto ciò che vedevo davanti a me. La lezione ha funzionato; da allora ho sempre fatto tesoro della precisione”. Dopo la morte prematura di Michallon nel 1822, Corot studiò con l”insegnante di Michallon, Jean-Victor Bertin, tra i più noti paesaggisti neoclassici in Francia, che fece disegnare a Corot copie di litografie di soggetti botanici per imparare forme organiche precise. Pur tenendo i neoclassici nella massima considerazione, Corot non limitò la sua formazione alla loro tradizione di allegoria ambientata nella natura immaginaria. I suoi quaderni rivelano rese precise di tronchi d”albero, rocce e piante che mostrano l”influenza del realismo nordico. Nel corso della sua carriera, Corot dimostrò un”inclinazione ad applicare entrambe le tradizioni nel suo lavoro, a volte combinandole.

Primo viaggio in Italia

Con l”appoggio dei suoi genitori, Corot seguì il modello consolidato dei pittori francesi che andavano in Italia per studiare i maestri del Rinascimento italiano e per disegnare i monumenti fatiscenti dell”antichità romana. Una condizione dei suoi genitori prima di partire era che egli dipingesse un autoritratto per loro, il suo primo. Il soggiorno di Corot in Italia dal 1825 al 1828 fu altamente formativo e produttivo, durante il quale completò oltre 200 disegni e 150 dipinti. Lavorò e viaggiò con diversi giovani pittori francesi che studiavano all”estero e che dipingevano insieme e socializzavano di notte nei caffè, criticandosi a vicenda e spettegolando. Corot imparò poco dai maestri del Rinascimento (anche se più tardi citò Leonardo da Vinci come suo pittore preferito) e trascorse la maggior parte del suo tempo intorno a Roma e nella campagna italiana. Il Giardino Farnese con le sue splendide viste sulle antiche rovine era una destinazione frequente, e lo dipinse in tre diverse ore del giorno. L”addestramento fu particolarmente prezioso per comprendere le sfide della prospettiva a medio raggio e della prospettiva panoramica, e per collocare efficacemente le strutture costruite dall”uomo in un ambiente naturale. Ha anche imparato come dare agli edifici e alle rocce l”effetto di volume e solidità con una luce e un”ombra appropriate, mentre utilizzava una tecnica liscia e sottile. Inoltre, collocare figure adatte in un ambiente secolare era una necessità di una buona pittura di paesaggio, per aggiungere contesto umano e scala, ed era ancora più importante nei paesaggi allegorici. A tal fine Corot lavorò su studi di figure in abiti indigeni e nudi. Durante l”inverno, trascorse del tempo in uno studio, ma tornò a lavorare all”esterno non appena il tempo lo permise. La luce intensa dell”Italia poneva notevoli sfide: “Questo sole emana una luce che mi fa disperare. Mi fa sentire la totale impotenza della mia tavolozza”. Imparò a padroneggiare la luce e a dipingere le pietre e il cielo in variazioni sottili e drammatiche.

Non erano solo l”architettura e la luce italiane a catturare l”attenzione di Corot. Il tardo Corot era affascinato anche dalle donne italiane: “Hanno ancora le donne più belle del mondo che ho incontrato….i loro occhi, le loro spalle, le loro mani sono spettacolari. In questo, superano le nostre donne, ma d”altra parte, non sono loro pari in grazia e gentilezza… Io stesso, come pittore, preferisco la donna italiana, ma propendo per la donna francese quando si tratta di emozioni”. Nonostante la sua forte attrazione per le donne, scrisse del suo impegno nella pittura: “Ho un solo obiettivo nella vita che voglio perseguire fedelmente: fare paesaggi. Questa ferma risoluzione mi trattiene da un serio attaccamento. Vale a dire, nel matrimonio… ma la mia natura indipendente e il mio grande bisogno di studio serio mi fanno prendere alla leggera la questione”.

Sforzarsi per il salone

Durante i sei anni che seguirono la sua prima visita italiana e la seconda, Corot si concentrò sulla preparazione di grandi paesaggi da presentare al Salon. Molti dei suoi dipinti del Salon erano adattamenti dei suoi schizzi ad olio italiani rielaborati in studio con l”aggiunta di elementi immaginari e formali coerenti con i principi neoclassici. Un esempio di questo fu la sua prima partecipazione al Salon, Veduta di Narni (1827), dove prese il suo rapido studio naturale di una rovina di un acquedotto romano sotto un sole luminoso e polveroso e lo trasformò in un ambiente pastorale falsamente idilliaco con alberi da ombra giganti e prati verdi, una conversione destinata a fare appello ai giurati neoclassici. Molti critici hanno apprezzato molto i suoi dipinti italiani plein-air per il loro “germe di impressionismo”, la loro fedeltà alla luce naturale, e il loro evitare i valori accademici, anche se erano intesi come studi. Alcuni decenni dopo, l”impressionismo rivoluzionò l”arte adottando un approccio simile – una pittura rapida e spontanea fatta all”aria aperta; tuttavia, dove gli impressionisti usavano colori applicati rapidamente e non mescolati per catturare la luce e l”umore, Corot di solito mescolava i suoi colori per ottenere i suoi effetti sognanti.

Quando è fuori dallo studio, Corot viaggia in tutta la Francia, rispecchiando i suoi metodi italiani, e si concentra sui paesaggi rustici. Tornò sulla costa della Normandia e a Rouen, la città in cui visse da giovane. Corot fece anche alcuni ritratti di amici e parenti, e ricevette le sue prime commissioni. Il suo sensibile ritratto di sua nipote, Laure Sennegon, vestita di blu polvere, fu uno dei suoi maggiori successi e fu poi donato al Louvre. Di solito dipingeva due copie di ogni ritratto di famiglia, una per il soggetto e una per la famiglia, e spesso faceva anche copie dei suoi paesaggi.

Nella primavera del 1829, Corot viene a Barbizon per dipingere nella foresta di Fontainebleau; aveva dipinto per la prima volta nella foresta di Chailly nel 1822. Tornò a Barbizon nell”autunno del 1830 e nell”estate del 1831, dove fece disegni e studi a olio, dai quali fece un dipinto destinato al Salon del 1830; la sua Veduta della foresta di Fontainebleau (ora nella National Gallery di Washington) e, per il salone del 1831, un”altra Veduta della foresta di Fontainebleau. Lì incontrò i membri della scuola di Barbizon: Théodore Rousseau, Paul Huet, Constant Troyon, Jean-François Millet e il giovane Charles-François Daubigny. Corot espose un ritratto e diversi paesaggi al Salon nel 1831 e 1833. La sua accoglienza da parte della critica al Salon fu fredda e Corot decise di tornare in Italia, non essendo riuscito a soddisfarli con i suoi temi neoclassici.

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Mid-career

Durante i suoi due viaggi di ritorno in Italia, visitò l”Italia settentrionale, Venezia e di nuovo la campagna romana. Nel 1835, Corot creò una sensazione al Salon con il suo dipinto biblico Agar dans le desert (Agar nel deserto), che raffigurava Agar, la serva di Sarah, e il bambino Ismaele, che morivano di sete nel deserto finché non furono salvati da un angelo. Lo sfondo è stato probabilmente derivato da uno studio italiano. Questa volta, l”inaspettata affermazione audace e fresca di Corot dell”ideale neoclassico ebbe successo presso i critici dimostrando “l”armonia tra l”ambientazione e la passione o la sofferenza che il pittore sceglie di rappresentare in essa”. Lo seguì con altri soggetti biblici e mitologici, ma questi dipinti non ebbero lo stesso successo, poiché i critici del Salon lo trovarono carente nei confronti di Poussin. Nel 1837, dipinse il suo primo nudo sopravvissuto, La ninfa della Senna. Più tardi, consigliò ai suoi studenti: “Lo studio del nudo, vedete, è la migliore lezione che un pittore di paesaggi possa avere. Se qualcuno sa come, senza trucchi, tirare giù una figura, è in grado di fare un paesaggio; altrimenti non potrà mai farlo”.

Durante gli anni 1840, Corot continuò ad avere i suoi problemi con la critica (molte delle sue opere furono rifiutate categoricamente per l”esposizione al Salon), né molte opere furono acquistate dal pubblico. Mentre il riconoscimento e l”accettazione da parte dell”establishment arrivarono lentamente, dal 1845 Baudelaire guidò una carica dichiarando Corot il leader della “scuola moderna di pittura di paesaggio”. Mentre alcuni critici trovarono i colori di Corot “pallidi” e il suo lavoro con “goffaggine ingenua”, Baudelaire rispose astutamente, “M. Corot è più un armonista che un colorista, e le sue composizioni, che sono sempre completamente prive di pedanteria, sono seducenti proprio per la loro semplicità di colore”. Nel 1846, il governo francese lo decorò con la croce della Légion d”honneur e nel 1848 ricevette una medaglia di seconda classe al Salon, ma di conseguenza ricevette poco patrocinio statale. Il suo unico lavoro commissionato fu un quadro religioso per una cappella battesimale dipinto nel 1847, alla maniera dei maestri rinascimentali. Anche se l”establishment continuò a trattenersi, altri pittori riconobbero la crescente statura di Corot. Nel 1847, Delacroix annota nel suo diario: “Corot è un vero artista. Bisogna vedere un pittore al suo posto per avere un”idea del suo valore… Corot scava profondamente in un soggetto: le idee gli vengono e lui aggiunge mentre lavora; è il giusto approccio”. Su raccomandazione di Delacroix, il pittore Constant Dutilleux comprò un quadro di Corot e iniziò una lunga e gratificante relazione con l”artista, portandogli amicizia e mecenati. Il trattamento pubblico di Corot migliorò drammaticamente dopo la Rivoluzione del 1848, quando fu ammesso come membro della giuria del Salon. Fu promosso a ufficiale del Salon nel 1867.

Avendo rinunciato a qualsiasi relazione a lungo termine con le donne, Corot è rimasto molto vicino ai suoi genitori anche a cinquant”anni. Un contemporaneo disse di lui: “Corot è un uomo di principio, inconsciamente cristiano; cede tutta la sua libertà a sua madre… deve pregarla ripetutamente per avere il permesso di uscire… a cena ogni due venerdì”. A parte i suoi frequenti viaggi, Corot rimase strettamente legato alla sua famiglia fino alla morte dei suoi genitori, poi finalmente ottenne la libertà di andare come voleva. Questa libertà gli permise di prendere studenti per sessioni informali, compresi gli artisti ebrei Édouard Brandon e il futuro impressionista Camille Pissarro, che fu brevemente tra loro. Il vigore e i consigli perspicaci di Corot impressionarono i suoi studenti. Charles Daubigny dichiarò: “È un perfetto vecchio Joy, questo padre Corot. È complessivamente un uomo meraviglioso, che mescola battute con i suoi ottimi consigli”. Un altro studente disse di Corot, “i giornali avevano così distorto Corot, mettendo Teocrito e Virgilio nelle sue mani, che fui abbastanza sorpreso di trovarlo senza conoscere né il greco né il latino… La sua accoglienza è molto aperta, molto libera, molto divertente: parla o ti ascolta saltando su un piede o su due; canta frammenti di opera con una voce molto vera”, ma ha un “lato sagace e pungente accuratamente nascosto dietro la sua buona natura”.

Dalla metà degli anni 1850, lo stile sempre più impressionista di Corot cominciò a ottenere il riconoscimento che fissò il suo posto nell”arte francese. “M. Corot eccelle… nel riprodurre la vegetazione nei suoi freschi inizi; rende meravigliosamente le primizie del nuovo mondo”. Dagli anni 1850 in poi, Corot dipinse molti souvenir paesaggistici e paysages, dipinti immaginari e sognanti di luoghi ricordati dalle visite precedenti, dipinti con tratti leggeri e vagamente tamponati.

Anni successivi

Negli anni 1860, Corot stava ancora mescolando figure contadine con quelle mitologiche, mescolando il Neoclassicismo con il Realismo, facendo sì che un critico lamentasse: “Se M. Corot uccidesse, una volta per tutte, le ninfe dei suoi boschi e le sostituisse con i contadini, mi piacerebbe oltre misura”. In realtà, in seguito le sue figure umane aumentarono e le ninfe diminuirono, ma anche le figure umane erano spesso inserite in fantasticherie idilliache.

In età avanzata, lo studio di Corot era pieno di studenti, modelli, amici, collezionisti e commercianti che andavano e venivano sotto l”occhio tollerante del maestro, facendogli dire: “Perché ci sono dieci di voi intorno a me, e nessuno di voi pensa a riaccendere la mia pipa”. I commercianti si accaparrano le sue opere e i suoi prezzi superano spesso i 4.000 franchi per quadro. Con il successo assicurato, Corot donò generosamente il suo denaro e il suo tempo. Divenne un anziano della comunità degli artisti e avrebbe usato la sua influenza per ottenere commissioni per altri artisti. Nel 1871 donò 2000 sterline per i poveri di Parigi, sotto assedio da parte dei prussiani. (vedi: Guerra franco-prussiana) Durante la vera e propria Comune di Parigi, era ad Arras con Alfred Robaut. Nel 1872 comprò una casa ad Auvers come regalo per Honoré Daumier, che ormai era cieco, senza risorse e senza casa. Nel 1875, donò 10.000 franchi alla vedova di Millet per sostenere i suoi figli. La sua carità era quasi proverbiale. Ha anche sostenuto finanziariamente il mantenimento di un centro diurno per bambini in rue Vandrezanne a Parigi. In età avanzata, rimase un uomo umile e modesto, apolitico e felice della sua fortuna nella vita, e tenne stretta la convinzione che “gli uomini non devono gonfiarsi d”orgoglio, siano essi imperatori che aggiungono questa o quella provincia ai loro imperi o pittori che guadagnano una reputazione”.

Nonostante il grande successo e l”apprezzamento tra gli artisti, i collezionisti e i critici più generosi, i suoi numerosi amici lo consideravano tuttavia ufficialmente trascurato e nel 1874, poco tempo prima della sua morte, gli consegnarono una medaglia d”oro. Morì a Parigi per un disturbo allo stomaco all”età di 78 anni e fu sepolto nel cimitero di Père Lachaise.

Un certo numero di seguaci si definirono allievi di Corot. I più noti sono Camille Pissarro, Eugène Boudin, Berthe Morisot, Stanislas Lépine, Antoine Chintreuil, François-Louis Français, Charles Le Roux e Alexandre Defaux.

Corot è una figura centrale nella pittura di paesaggio. Il suo lavoro si riferisce simultaneamente alla tradizione neoclassica e anticipa le innovazioni plein-air dell”impressionismo. Di lui Claude Monet esclamò nel 1897: “C”è un solo maestro qui: Corot. Noi non siamo niente in confronto a lui, niente”. I suoi contributi alla pittura di figura sono appena meno importanti; Degas preferiva le sue figure ai suoi paesaggi, e le figure classiche di Picasso rendono esplicito omaggio all”influenza di Corot.

Gli storici hanno diviso il suo lavoro in periodi, ma i punti di divisione sono spesso vaghi, dato che spesso ha completato un quadro anni dopo averlo iniziato. Nel suo primo periodo, dipinse in modo tradizionale e “stretto” – con minuta esattezza, contorni chiari, pennellate sottili, e con una definizione assoluta degli oggetti in tutto, con una pittura di fondo monocromatica o ébauche. Dopo aver raggiunto il suo 50° anno, i suoi metodi cambiarono per concentrarsi sull”ampiezza di tono e un approccio al potere poetico trasmesso con un”applicazione più spessa di vernice; e circa 20 anni dopo, dal 1865 circa in poi, il suo modo di dipingere divenne più lirico, colpito da un tocco più impressionista. In parte, questa evoluzione nell”espressione può essere vista come un passaggio dai dipinti plein-air della sua giovinezza, attraversati da una calda luce naturale, ai paesaggi creati in studio della sua tarda maturità, avvolti in toni uniformi di argento. Nei suoi ultimi 10 anni divenne il “Père (Padre) Corot” dei circoli artistici parigini, dove era considerato con affetto personale, e riconosciuto come uno dei cinque o sei più grandi pittori di paesaggi che il mondo avesse visto, insieme a Meindert Hobbema, Claude Lorrain, J.M.W. Turner e John Constable. Nella sua lunga e produttiva vita, dipinse più di 3.000 quadri.

Anche se spesso accreditato come un precursore della pratica impressionista, Corot si avvicinò ai suoi paesaggi in modo più tradizionale di quanto si creda. Rispetto agli impressionisti che vennero dopo, la tavolozza di Corot è contenuta, dominata da marroni e neri (“colori proibiti” tra gli impressionisti), insieme al verde scuro e argenteo. Anche se a volte sembra essere rapido e spontaneo, di solito le sue pennellate erano controllate e attente, e le sue composizioni ben pensate e generalmente rese nel modo più semplice e conciso possibile, aumentando l”effetto poetico delle immagini. Come ha dichiarato, “Ho notato che tutto ciò che era fatto correttamente al primo tentativo era più vero, e le forme più belle”.

L”approccio di Corot ai suoi soggetti era similmente tradizionale. Anche se era un grande sostenitore degli studi plein-air, era essenzialmente un pittore di studio e pochi dei suoi paesaggi finiti erano completati prima del motivo. Per la maggior parte della sua vita, Corot passava le sue estati viaggiando e raccogliendo studi e schizzi, e i suoi inverni finendo lavori più rifiniti e pronti per il mercato. Per esempio, il titolo del suo Bagnanti delle Isole Borromee (1865-70) si riferisce al Lago Maggiore in Italia, nonostante il fatto che Corot non fosse stato in Italia per 20 anni. La sua enfasi nel disegnare immagini dall”immaginazione e dalla memoria piuttosto che dall”osservazione diretta era in linea con i gusti dei giurati del Salon, di cui era membro.

Negli anni 1860, Corot si interessò alla fotografia, scattando lui stesso delle foto e conoscendo molti dei primi fotografi, il che ebbe l”effetto di sopprimere la sua tavolozza pittorica ancora di più in simpatia con i toni monocromatici delle fotografie. Questo ha avuto il risultato di rendere i suoi dipinti ancora meno drammatici ma un po” più poetici, un risultato che ha fatto sì che alcuni critici citassero una monotonia nel suo lavoro successivo. Théophile Thoré scrisse che Corot “ha una sola ottava, estremamente limitata e in chiave minore; un musicista direbbe. Conosce a malapena una sola ora del giorno, il mattino, e un solo colore, il grigio chiaro”. Corot rispose:

Quello che c”è da vedere nella pittura, o meglio quello che cerco, è la forma, l”insieme, il valore dei toni… Ecco perché per me il colore viene dopo, perché amo più di tutto l”effetto d”insieme, l”armonia dei toni, mentre il colore ti dà una specie di shock che non mi piace. Forse è l”eccesso di questo principio che fa dire alla gente che ho dei toni plumbei.

Nella sua avversione al colore scioccante, Corot si discostò nettamente dagli impressionisti emergenti, che abbracciarono la sperimentazione con tinte vivaci.

Oltre ai suoi paesaggi (lo stile tardo era così popolare che esistono numerosi falsi), Corot produsse un certo numero di quadri di figure molto apprezzati. Mentre i soggetti erano a volte collocati in ambienti pastorali, questi erano per lo più pezzi da studio, tratti dal modello dal vivo sia con specificità che con sottigliezza. Come i suoi paesaggi, sono caratterizzati da un lirismo contemplativo, con i suoi ultimi dipinti L”Algérienne (Donna algerina) e La Jeune Grecque (La ragazza greca) che sono ottimi esempi. Corot dipinse circa cinquanta ritratti, soprattutto di familiari e amici. Dipinse anche tredici nudi reclinati, con il suo Les Repos (1860) sorprendentemente simile nella posa al famoso Le Grande Odalisque (1814) di Ingres, ma la femmina di Corot è invece una baccante rustica. In forse il suo ultimo dipinto di figura, Signora in blu (1874), Corot raggiunge un effetto che ricorda Degas, morbido ma espressivo. In tutti i casi della sua pittura di figura, il colore è trattenuto ed è notevole per la sua forza e purezza. Corot eseguì anche molte incisioni e schizzi a matita. Alcuni degli schizzi usavano un sistema di simboli visivi – cerchi che rappresentano aree di luce e quadrati che rappresentano l”ombra. Sperimentò anche il processo del cliché verre, un ibrido tra fotografia e incisione. A partire dagli anni 1830, Corot dipinse anche pannelli decorativi e pareti nelle case di amici, aiutato dai suoi studenti.

Corot riassume il suo approccio all”arte intorno al 1860: “Interpreto con la mia arte tanto quanto con il mio occhio”.

Le opere di Corot sono conservate in musei in Francia e nei Paesi Bassi, in Gran Bretagna, in Nord America e in Russia.

Il forte mercato per le opere di Corot e il suo stile pittorico relativamente facile da imitare ha portato a un”enorme produzione di falsi Corot tra il 1870 e il 1939. René Huyghe ha notoriamente scherzato che “Corot ha dipinto tremila tele, diecimila delle quali sono state vendute in America”. Anche se questa è un”esagerazione umoristica, migliaia di falsi sono stati accumulati, con la sola collezione Jousseaume che contiene 2.414 opere di questo tipo. Ad aggravare il problema è stato l”atteggiamento lassista di Corot che ha incoraggiato la copia e la falsificazione. Permetteva ai suoi studenti di copiare le sue opere e persino di prenderle in prestito per poi restituirle, ritoccava e firmava le copie di studenti e collezionisti, e prestava le opere a copiatori professionisti e ad agenzie di noleggio. Secondo il catalogatore di Corot Etienne Moreau-Nélaton, in una copisteria “Il pennello compiacente del maestro autenticava queste repliche con alcuni ritocchi personali e decisivi. Quando non c”era più per finire i suoi “doppi”, continuavano a produrli senza di lui”. La catalogazione delle opere di Corot nel tentativo di separare le copie dagli originali si ritorse contro di lui quando i falsari usarono le pubblicazioni come guide per espandere e perfezionare i loro falsi dipinti.

Due opere di Corot sono presenti e giocano un ruolo importante nella trama del film francese del 2008 L”Heure d”été (titolo inglese Summer Hour). Il film è stato prodotto dal Museo d”Orsay e le due opere sono state prestate dal museo per la realizzazione del film.

C”è una strada chiamata Rue Corot sull”Île des Sœurs, in Quebec, che porta il nome dell”artista.

Nel romanzo di Arthur Conan Doyle del 1890 Il segno dei quattro Thaddeus Sholto ha un”opera sconosciuta di Corot in mostra.

Riferimenti

Fonti