Jean Dubuffet

gigatos | Gennaio 19, 2022

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Riassunto

Jean Dubuffet, nato il 31 luglio 1901 a Le Havre e morto il 12 maggio 1985 a Parigi 6e, è stato un pittore, scultore e artista visivo francese, primo teorico di uno stile d”arte a cui ha dato il nome di “art brut”, produzioni di persone marginali o malati mentali: dipinti, sculture, calligrafie, a cui ammette di essersi largamente ispirato.

Il 20 ottobre 1944, la prima “mostra eccezionale” nella Parigi liberata fu quella delle sue opere alla galleria René Drouin, quando era ancora un pittore sconosciuto, provocando un vero scandalo. Fu anche autore di vigorose critiche alla cultura dominante, in particolare nel suo saggio Asphyxiating culture (1968), che creò una polemica nel mondo dell”arte. In occasione della prima mostra della sua collezione di Art Brut, che organizzò nel 1949, scrisse un trattato, L”Art brut préféré aux arts culturels.

Spinto ufficialmente alla ribalta della scena artistica da una retrospettiva di 400 dipinti, guazzi, disegni e sculture, che ebbe luogo al Musée des Arts Décoratifs di Parigi dal 16 dicembre 1960 al 25 febbraio 1961, l”artista francese più contestato e ammirato del dopoguerra creò l”evento di inizio anno. Divenne l”ispirazione per molti artisti, seguaci dell””altra arte”, una variante dell”art brut, tra cui Antoni Tàpies, così come seguaci della protesta artistica come il gruppo spagnolo Equipo Crónica.

La sua opera consiste in dipinti, assemblaggi spesso chiamati erroneamente collage, sculture e monumenti, i più spettacolari dei quali fanno parte di un gruppo, L”Hourloupe (1962-1974), così come l”architettura: la closerie Falbala e la villa Falbala. È stato oggetto di retrospettive a Palazzo Grassi a Venezia e al Museo Solomon R. Guggenheim.

La sua collezione personale, la Collection de l”Art Brut, che dal 1945 aveva riunito artisti scoperti nelle carceri, nei manicomi e negli emarginati di ogni tipo, e che era poi proprietà della Compagnie de l”Art Brut fondata nel 1948, sarebbe dovuta rimanere a Parigi. Ma la procrastinazione dell”amministrazione francese portò Dubuffet ad accettare l”offerta della città di Losanna in Svizzera, dove la collezione fu installata nel Château de Beaulieu e donata definitivamente.

Era considerato poco ospitale, procedurale e atrabiliare, e spesso litigava con chi lo circondava. Prima della morte di Dubuffet nel 1985, Jean-Louis Prat ha avuto grandi difficoltà ad organizzare la retrospettiva di 150 dipinti dell”artista, che si è finalmente tenuta dal 6 luglio al 6 ottobre alla Fondazione Maeght.

D”altra parte, era generoso, come testimoniano i suoi amici Alexandre Vialatte, Alphonse Chave e Philippe Dereux, e le numerose donazioni che fece durante la sua vita, tra cui un insieme di 21 dipinti, 7 sculture e 132 disegni della sua collezione personale al Musée des Arts Décoratifs di Parigi.

L”uomo che cerca

Figlio di Charles-Alexandre Dubuffet e di Jeanne-Léonie Paillette, ricchi commercianti di vino, Jean Dubuffet appartiene alla buona borghesia di Le Havre. Entrò nel Lycée du Havre dove fece tutti i suoi studi secondari. Tra gli studenti del liceo c”erano Armand Salacrou, Georges Limbour e Raymond Queneau. Dubuffet non era appassionato ai suoi studi. Preferisce il disegno e si iscrive all”Ecole des Beaux-Arts di Le Havre nel secondo anno di scuola secondaria, dove tra i suoi ex studenti ci sono Georges Braque, Raoul Dufy e Othon Friesz. Nell”estate del 1917, prende lezioni da Hélène Guinepied, a Saint-Moré (Yonne), che insegna il suo metodo di disegno libero su larga scala, conosciuto come il Metodo Helguy, e tra i cui studenti c”è Gaston Chaissac.

Dopo aver superato il suo baccalaureato, si è iscritto all”Académie Julian di Parigi. Quando si rese conto che preferiva imparare da solo, lasciò l”accademia e mise su uno studio al 37, rue de la Chaussée-d”Antin, in una dependance dell”azienda di famiglia. Suzanne Valadon e Élie Lascaux gli hanno presentato Max Jacob, Charles-Albert Cingria e Roger Vitrac. Anche se incontrò Fernand Léger, André Masson e Juan Gris, Dubuffet scelse di vivere da recluso, studiando le lingue. Si cimentò anche nella letteratura e nella musica e si disperse.

“Stavo cercando l””entrata”. Ma non mi sembrava giusto; avevo l”impressione di non essere adeguato alla mia condizione umana, avevo in sottofondo una specie di angoscia che tutto questo non pesava molto.

Ha viaggiato in Italia e in Svizzera, cercando la sua strada. È convinto che l”arte occidentale stia morendo sotto la proliferazione di riferimenti più o meno accademici: “La pittura del dopoguerra è in realtà una reazione contro l”audacia dell”inizio del secolo”. Decide di dedicarsi al commercio e, dopo un viaggio d”affari a Buenos Aires, torna a Le Havre dove lavora nell”azienda del padre. Sposò Paulette Bret (1906-1999) nel 1927 e decise di stabilirsi a Bercy, dove fondò un”azienda vinicola all”ingrosso. Ma dopo un viaggio in Olanda nel 1931, il suo gusto per la pittura tornò e affittò uno studio in rue du Val-de-Grâce, dove lavorò regolarmente. A partire dal 1934, mise in gestione i suoi affari e si dedicò a nuovi esperimenti artistici. Cercava una nuova forma di espressione. Ha iniziato a fare marionette e maschere scolpite dalle impronte dei volti. Ha installato il suo laboratorio al 34 di rue Lhomond e progetta di diventare uno showman di marionette.

In realtà, Dubuffet era un autodidatta, il che spiega la sua curiosità per le scoperte degli artisti “non culturali”, per “l”arte dei pazzi”, e la sua rivolta contro l”arte dei musei, che gli ha procurato molte inimicizie nate da molte battaglie.

“L”idea che alcuni fatti poveri e alcune opere povere dei tempi passati che sono stati conservati siano necessariamente i migliori e i più importanti di quei tempi è ingenua. La loro conservazione deriva solo dal fatto che un piccolo cenacolo li ha scelti e applauditi, eliminando tutti gli altri.

Scoraggiato, Dubuffet riprende la sua attività commerciale nel 1937. Ha divorziato da Paulette nel 1935. Nel 1937, sposa Émilie Carlu, nata il 23 novembre 1902 a Tubersent e morta nel 1988 a Cucq, due anni dopo aver ripreso la sua attività commerciale, nel 1939, e nello stesso anno viene mobilitato al ministero dell”aria a Parigi. Ma fu presto mandato a Rochefort per indisciplina. Al momento dell”esodo, si è rifugiato a Céret dove è stato smobilitato. Ha ripreso la sua attività a Parigi nel 1940. Ma nel 1942, decise per la terza volta di dedicarsi esclusivamente alla pittura. Dubuffet era un pittore “quasi clandestino”, secondo Gaëtan Picon.

Realizzò diversi dipinti, il primo veramente importante dei quali fu Les Gardes du corps, un olio su tela (113 × 89 cm, collezione privata), considerato come il punto di partenza dell”opera. Alla fine di quell”anno, il suo amico Georges Limbour, che comprò Les Gardes du corps, lo fece uscire dalla sua “clandestinità” presentandolo a Jean Paulhan. Dubuffet, che si è appena trasferito in un nuovo studio al 114 bis, rue de Vaugirard, ha già prodotto un certo numero di dipinti, in particolare guazzi: Les Musiciennes (65 × 47 cm). Attraverso Jean Paulhan, partecipa alla mostra “Le Nu dans l”art contemporain” (Il nudo nell”arte contemporanea) alla Galerie Drouin, con Femme assise aux persiennes (maggio 1943), un olio su tela (73 × 68 cm), e nella stessa galleria, in luglio, presenta Vingt et un paysages e Paysage herbeux et terreux.

Le guardie del corpo segnano una netta rottura nella pittura dell”artista, allontanandosi dalla preoccupazione di somiglianza dei suoi dipinti precedenti. Quest”opera è considerata da Gaëtan Picon come “spiriti che stanno sulla soglia dell”opera per annunciare il suo spirito, alte bandiere segnate dal suo segno”.

L”altra opera eccezionale è Métro (marzo 1943), un olio su tela (162 × 180 cm), che mostra uomini e donne schiacciati insieme come aringhe, con nasi enormi e buffi cappelli. Dubuffet sceglieva colori grezzi che venivano applicati rapidamente sulla tela. “L”artista, che ha sempre avuto l”ambizione di dipingere l”uomo con l”abito, prevede di fare un piccolo album su questo tema, composto da litografie, il cui testo sarà scritto da Jean Paulhan. Su questo tema, farà una serie di oli e guazzi, a volte isolando due personaggi. L”altro suo tema d”ispirazione fu la folla, che iniziò con La Rue (marzo 1943), un olio su tela (92 × 73 cm), che fu esposto alla galleria Drouin nel 1944 e nel gennaio 1950 alla galleria Pierre Matisse di New York. In seguito riprende questo tema in un nuovo stile con Rue passagère (1961), olio su tela (129,3 × 161,7 cm).

La prima mostra personale di Dubuffet alla galleria René Drouin, allora situata al 17 di Place Vendôme, comprendeva 55 oli e 24 litografie datate ottobre 1944.

Le opere di Dubuffet esposte tra il 1944 e il 1947 alla Galerie Drouin erano colorate, “barbare” e deliranti, di cui alcuni appassionati d”arte si innamorarono, mentre la maggioranza del pubblico gridò alla provocazione e all”impostura. Le mostre seguenti: “Mirobolus, Macadame et Cie”, “Hautes Pâtes”, hanno ricevuto la stessa controversa accoglienza. Dubuffet risponde ai detrattori:

“È vero che il modo di disegnare è, in questi quadri esposti, abbastanza libero da qualsiasi abilità concordata come si è abituati a trovare nei quadri fatti da pittori professionisti, e tale che non sono necessari studi speciali o doni congeniti per eseguire tali dipinti. È vero che i tracciati non sono stati eseguiti con cura e meticolosità ma danno l”impressione di negligenza. Infine, è vero che molte persone all”inizio proveranno un senso di paura e di avversione quando vedranno questi quadri.

L”artista, che ha una solida conoscenza dell”arte (ha studiato alle Beaux-Arts di Le Havre), mantiene la sua posizione anti-culturale. In queste mostre, presenta opere che giocano con la goffaggine, lo scarabocchio, la materia prima dove risiede l”origine dell”arte. Queste opere ricordano i disegni dei bambini e anche, per Dubuffet, l”importanza delle opere dei malati mentali, di cui è un grande collezionista e a cui ammette di essersi ispirato. Hautes Pâtes” presenta opere con colori scuri e fangosi o in pasta spessa.

“È vero che i colori in questi quadri non sono i colori brillanti e stridenti che sono attualmente in voga, ma sono tenuti in registri monocromatici e in gamme tonali composte e, per così dire, indicibili.

A dire il vero, Dubuffet non cerca di piacere. Non cercò nemmeno di vendere, poiché la fortuna di famiglia lo aveva liberato da ogni necessità materiale. Ha cercato e ricercato, alla ricerca di un nuovo percorso plastico che alcuni rari iniziati apprezzavano molto. Francis Ponge, Paulhan, Limbour, e presto altri, come André Breton, sosterranno il suo approccio. Ma nel frattempo, il 20 ottobre 1945, “la prima mostra degna di nota nella Parigi liberata alla Galerie Drouin fu quella di un artista sconosciuto, Dubuffet, la cui goffaggine deliberata provocò uno scandalo che non si vedeva da molto tempo. La galleria ha ricevuto lettere anonime, il libro degli ospiti è stato coperto di insulti.

Evoluzione del pittore

È solo in questa forma che l”artista concepisce la creazione. Dubuffet rifiuta l”idea di dono, la vocazione-privilegio e le sue implicazioni. Senza dubbio il dono è sostituito dal “lavoro”, di cui dà una definizione particolare. Ma è soprattutto il fatto che un artista possa avere una “mano felice” che gli sembra importante:

“Un pittore che sbavasse sommariamente un tono chiaro su un precedente tono scuro, o il contrario, e in modo tale che i capricci del pennello mettano in gioco il sotto, otterrà, ma a condizione di avere una mano felice, una mano incantata, un risultato molto più efficace di un altro pittore che si consuma combinando, per settimane e settimane, tonalità vicine che sono state faticosamente concordate.

Dal 1947 al 1949, Dubuffet fece tre viaggi nel Sahara, in particolare a El Goléa, attratto da una “tabula rasa” di cui l”artista aveva bisogno per completare il suo “decondizionamento”. Infatti, nonostante i suoi sforzi per liberarsi da ogni influenza, Dubuffet si scontra ancora con certi limiti, in particolare con il furioso scandalo causato dalle sue mostre. Nel deserto, ha trovato il “nulla” su cui costruire. Di questo periodo è Marabout, Arabe, chameau entravé (Cammello accovacciato, impronte nella sabbia, disegno a penna e inchiostro (16 × 14,5 cm).

Dal suo terzo viaggio, dipinge dei paesaggi: Paysage blanc (Paesaggio con tre figure) (Paysage pêle-mêle (1949), olio su tela (116 × 89 cm). Realizzò anche tre quaderni di schizzi “di una destrezza ammirevole”: El Goléa I, II e III, alcuni dei quali donati al MoMa: Arabe, marabout e Traces dans le sable (1948), inchiostro su carta, El Goléa II (20 × 16,2).

In Prospectus aux amateurs de tous genres, l”artista parla di questi “materiali magici che sembrano avere una volontà propria e molto più potere delle intenzioni concertate dell”artista”. Tutto lo sforzo dell”artista è diretto al decondizionamento. Perché non può negare, all”età di quarant”anni, di aver ricevuto questo condizionamento. Deve combattere contro l”Occidente e i valori del XX secolo. All”inizio degli anni ”60, in una lettera al critico d”arte italiano Renato Barilli, rifiutò di essere confuso con i pittori materiali che avevano semplicemente seguito il suo lavoro dal 1950 in poi, il cui effetto shock a New York e Parigi fu molto grande. Lui stesso ha abbandonato questa direzione che, dal suo punto di vista, stava diventando convenzionale.

Nel 1947, l”artista tenne una mostra dei ritratti dei suoi amici che fece tra il 1945 e il 1947: Ritratti di Dubuffet, una serie di ritratti di artisti tra cui Francis Ponge, Jean Paulhan, Georges Limbour, Paul Léautaud, Jean Fautrier, Henri Michaux, Antonin Artaud, André Dhôtel, Charles-Albert Cingria, Henri Calet, Jules Supervielle e molti altri in uno stile che André Pieyre de Mandiargues definì “tenerezza barbara”:

“Ritraendo i suoi amici con una tenerezza barbara, li attacca al muro! Iscritte come da una punta di chiodo nell”intonaco fumoso, sono i migliori ritratti dei tempi moderni”.

A partire dal 1945, realizzò numerosi ritratti di Jean Paulhan, con il quale scambiò una voluminosa corrispondenza dal 1945 al 1968, che il Metropolitan Museum of Art ha stimato in 27.

Dubuffet ritiene che un ritratto non abbia bisogno di mostrare molti tratti distintivi della persona ritratta. Li ha trattati in uno spirito di effigie della persona, senza la necessità di spingere l”accuratezza dei tratti molto lontano. Anche usando un processo per evitare la somiglianza.

Tra il 1950 e il 1951, ci sono state poche innovazioni nelle tecniche del pittore, ad eccezione dei suoi “quadri ad emulsione”. Il corpo principale dell”opera è una serie di paesaggi, Paysage grotesque violâtre, (marzo 1949), gouache (20 × 26 cm), Musée des Arts Décoratifs, Parigi, e soprattutto la serie dei Corps de dames, in cui la testa è solo una piccola escrescenza, mentre il corpo è sproporzionatamente gonfiato. Il soggetto è trattato con diversi materiali, nei disegni in inchiostro di china, penna e calamo (1950, 27 × 31 cm), Fondation Beyeler Basel. Ma anche in acquerello e olio su tela: Corps de dame, pièce de boucherie (1950), olio su tela (116 × 89 cm), Fondation Beyeler, con le gambe accorciate all”estremo. Ci sono anche alcune nature morte, le Tavole, come se Dubuffet fosse tentato di mescolare l”umano e la cosa: Le Métafisyx (1950), olio su tela (116 × 89,5 cm) è di nuovo una variazione sul corpo di una signora, di cui conserva la forma.

A partire dal 1951, a Parigi e a New York, dove visse dal novembre 1951 all”aprile 1952, Dubuffet lavorò a quadri in muratura pesante, in spesse triturazioni di pasta con rilievi. Questa è la serie di Sols et terrains, Paysages mentaux.

“Ho avuto l”impressione che alcuni di questi dipinti risultassero in rappresentazioni che possono colpire la mente come una trasposizione del funzionamento della macchina mentale. Ecco perché li ho chiamati Paesaggi Mentali. In molti dei dipinti di questo gruppo, ho poi oscillato continuamente tra il paesaggio concreto e il paesaggio mentale, a volte avvicinandomi all”uno, a volte all”altro.

Nel 1951, quell”anno, Dubuffet pubblicò un libro sulla pittura di Alfonso Ossorio, con il quale era diventato molto amico, e che ammirava perché la sua pittura era una “sottile macchina per trasmettere la filosofia”. Fino al 1953, rimane su questo tema del “mentale” con Sols et terrains, Terres radieuses, con “pâtes battues”, colori usati in paste spesse da cui i giovani artisti americani devono trarre ispirazione. L”uomo che René Huyghe definì il “Doctor Knock della pittura”, questa pittura che Henri Jeanson descrisse come “cacaisme” in Le Canard enchaîné, portò un rinnovamento tecnico che costituirà un precedente.Les Pâtes battues formano una serie di circa cinquanta quadri, pochi dei quali rimangono allo stato primitivo perché Dubuffet si rese conto che riprendendo e completando le sue opere, otteneva effetti particolari.

“La tecnica consisteva nell”accarezzare leggermente il dipinto dopo che era asciutto, con un largo pennello piatto, con toni, oro, bistre, che legavano tutto insieme. Il pennello così leggermente strofinato cattura solo i rilievi, lasciando che i colori del quadro precedente si fondano un po”. Non è stato solo una volta che ho dovuto passare il mio ampio pennello sul quadro, ma più volte. Da tutto ciò è risultata una fine polverizzazione dorata, come in ombra, alimentata dall”interno da una strana luce.

L”anno seguente, Dubuffet si lancia in oggetti tridimensionali, “sculture” fatte di un po” di ogni materiale, frammenti di elementi naturali, e che sono più simili ad assemblaggi che presenta in ottobre-novembre alla galleria Rive-Gauche, come L”Âme du Morvan (1954), legno di vite e tralci di vite montati su scorie con catrame, corda, filo, chiodi e graffe (46,5 × 38,9 × 32,4 cm), Hirshhorn Museum and Sculpture Garden. Sono le Petites statues de la vie précaire (Piccole statue della vita precaria), concepite dopo una serie di assemblaggi con ali di farfalla, poi una serie di assemblaggi di pezzi di carta tagliata, poi assemblaggi statuari che si avvicinano all”art brut con materiali umili. Si tratta di piccole figurine come Le Duc, Le Dépenaillé, fatte di spugne, carbone, clinker, radici, pietra, pietra di Volvic, filasse, scorie, in una sorta di riabilitazione di materiali decantati.

Nell”estate del 1954, sua moglie si ammala e deve curarsi a Durtol nel Puy-de-Dôme. Jean affittò una casa lì e durante questo periodo, si dedicò ai paesaggi e a una serie di mucche molto umoristiche, tra cui La mucca con il naso sottile, che è conservata nel Museo d”Arte Moderna di New York. L”anno seguente, la coppia si trasferisce a Vence.

Il periodo di Vence

Il pittore stesso descrive il suo trasferimento a Vence: “Alla fine di gennaio del 1955, i medici raccomandarono a mia moglie di vivere a Vence, così mi trasferii con lei. Ho avuto qualche difficoltà a trovare dei locali adatti al mio lavoro. All”inizio avevo solo un piccolo e angusto studio, ma ho organizzato un progetto per assemblare stampe in inchiostro di china. Questo fu un periodo di ricerca preliminare per Dubuffet, che portò a una seconda serie di Petit travaux d”ailes de papillons (Piccole opere di ali di farfalla), seguita da Personnages monolithes (Figure monolitiche) e Empreintes de sols (Stampe da pavimento), con cui l”artista realizzava assemblaggi ritagliando pannelli dipinti in precedenza. Oppure conserva questi pannelli quando gli piacciono, il che porta a quadri come la serie Routes et Chaussées, che comprende Sol du chemin très usagé, le jardin de pierres à Vence, olio su tela (89 × 116 cm).

Dopo due anni, la ricerca di Dubuffet porta ad altre serie di “terreni” che egli classifica sotto le voci: “Topografie”, “Texturologie”, “Matériologies”, “Aires et sites”, i cui risultati sorprenderanno ancora una volta il pubblico.

“Di tutte le ricerche di Jean Dubuffet, la serie delle Texturologie e delle Matériologie è quella che ha suscitato il massimo della sfida e del ridicolo. Questo forse perché ha segnato il punto finale (e forse il più compiuto) dei suoi esperimenti sullo sguardo e sulle cose. Dubuffet aveva finalmente prodotto ciò che aveva sempre desiderato: macchine da sogno con fogli di polvere indistinta. Con le Texturologie ha raggiunto le vette dell”astrazione più arida, ma anche più poetica. Al contrario, con le Matériologie, ha rivelato le virtù inquietanti della concretezza elementare.

– Daniel Cordier.

Dubuffet parla di “petit point drawing” quando descrive le sue opere dal 1958 al 1959, che sono “stampe texturologiche” su carta, “ottenute per la maggior parte con pittura a olio nera, a volte prendendo la forma di sottili reti di linee intersecate”.

Più specificamente, la serie Texturology è una continuazione della ricerca “Sols et terrains” iniziata nei primi anni 1950. Si tratta di dipinti olio su tela che danno l”effetto di una materia stellata, come Chaussée urbaine mouillée (1957), olio su tela (80 × 100 cm), o Texturologie XVIII (Fromagée) (1958), olio su tela (81 × 100 cm).

Le Matériologies sono opere realizzate con i materiali più elaborati. Alcuni sono fatti di elementi di carta argentata stropicciata e dipinta, incollati e assemblati su pannelli di isorel. Altre sono fatte di spesse triturazioni di cartapesta, applicate su pannelli Isorel o su rete metallica, e alcune includono cartapesta masticata su pasta plastica: Joies de la terre, 1959, cartapesta tinta in massa in tonalità seppia chiara (130 × 162 cm), Vie minérale ardente (1959), carta argentata (54 × 65 cm), Messe de terre (1959), cartapesta su Isorel (150 × 195 cm).

Le opere di questo periodo furono esposte a Parigi al Musée des Arts Décoratifs nel 1961, insieme ad altre opere dei suoi periodi precedenti. In questa occasione, Dubuffet è stato ancora una volta “l”unico artista attraverso il quale arriva ancora lo scandalo”. Di fronte alla retrospettiva, che comprendeva quattrocento dipinti a guazzo, disegni, sculture e assemblaggi, il pubblico e alcuni critici si chiedevano ancora: ciarlatano o genio? Dubuffet aveva sessant”anni all”epoca, la sua ricerca procedeva in cicli di prodigiosa potenza creativa. Alcuni vogliono vedere Dubuffet come un secondo Picasso, i due artisti avendo in comune il costante rinnovamento dei loro mezzi di espressione.

Fino al 1960 e negli anni seguenti, a Vence, la produzione di Jean sarà abbondante, troviamo piccole statue in carta argentata stropicciata, o in cartapesta colorata nella massa con inchiostri, e talvolta ridipinta ad olio, così come assemblaggi di elementi naturali. Nel 1960, Daniel Cordier divenne il suo rivenditore per l”Europa e gli Stati Uniti. Dubuffet si trasferisce in una nuova casa a Vence, Le Vortex. Ora viveva tra Vence e Parigi. Durante il periodo di Vence, conobbe Philippe Dereux, con il quale sviluppò una forte amicizia, e per il quale creò una grande farfalla ad acquerello in ricordo dei “piccoli quadri di ali di farfalla”.

Durante questo periodo, Dubuffet sviluppò anche una forte amicizia con Alphonse Chave, che vide quasi ogni giorno per dieci anni. Nel 1995, la galleria Chave ha organizzato una mostra retrospettiva, riunendo lettere dell”artista a Philippe Dereux, testi di Dereux e del suo carissimo amico Alexandre Vialatte, in particolare la riproduzione di un articolo scritto per il giornale La Montagne nel 1959 in cui Vialatte dichiara: “La produzione di Jean Dubuffet è misteriosa. Una letteratura considerevole ma costosa lo descrive, lo celebra, lo numera. Tutta la sua opera è una specie di controcanto: una narrazione piena di errori di ortografia; errori voluti e deliberati; non la racconta, la borbotta, .

Dubuffet nuovo modo

A partire dal 1962, Dubuffet fu seguito da altri pittori, in particolare Antoni Tàpies che si avvicinò all””altra arte”, come la definì Michel Tapié nel suo omonimo saggio L”Art autre incluant les trouvailles de Dubuffet. Sempre nel 1962, durante l”estate, soggiorna a Le Touquet-Paris-Plage, nella sua nuova villa-laboratorio Le Mirivis, allée des Chevreuils, dove, tra il 15 e il 25 luglio, realizza una serie di disegni a biro rosse e blu che, insieme a nomi e testi in un gergo immaginario, diventano un piccolo libro che dà il titolo al ciclo L”Hourloupe (1962-1974). Durante l”estate del 1963, sempre a Le Touquet-Paris-Plage, dipinge i grandi paesaggi del Pas-de-Calais, tra cui La route d”Étaples. Più tardi, nel 1971, ispirò i manifestanti spagnoli dell”Equipo Crónica, uno dei cui pezzi di bravura è il quadro Celui-là ne m”échappera pas, che mostra il CRS che afferra spietatamente un personaggio alla Hourloupe. Negli anni 1970, Dubuffet ha anche creato “Praticables et costumes” per lo spettacolo Coucou Bazar.

Per celebrare il quarantesimo anniversario di Coucou Bazar, il Musée des Arts Décoratifs di Parigi espone i ritagli e i costumi di Coucou Bazar dal 24 al 1° ottobre 2013.

Il “nuovo Dubuffet” era anche caratterizzato da un costante rinnovamento. A partire da L”Hourloupe, trasformerà i disegni incrociati in dipinti di assemblaggi ritagliati. Il pittore chiarisce che questi assemblaggi non sono “collage come quelli dei movimenti Dada, Surrealista e Cubista, che consistevano nella giustapposizione di elementi di oggetti non fatti dagli artisti stessi e destinati a un uso diverso da quello artistico”. L”effetto era precisamente il risultato del carattere completamente non artistico di questi oggetti e la sorpresa provocata dal loro uso in un”opera d”arte. I miei assemblaggi erano fatti con uno spirito completamente diverso, dato che erano quadri composti da pezzi presi da quadri che avevo fatto precedentemente per questo scopo. Dubuffet divenne anche scultore e creò monumenti o architetture che erano “sculture abitabili”.

Nel 1964, Dubuffet mostrò il suo lavoro recente a Palazzo Grassi durante la Biennale di Venezia. Si è staccato dalle matériologies e dagli studi sul terreno per lavorare sul tema del tessuto urbano, delle folle, tutto aggrovigliato in colori vivaci e sinuosità come : Leggenda della strada. Le opere di questa serie, che comprendono tele, inchiostri colorati, sculture e assemblaggi, sono raggruppate sotto il nome di L”Hourloupe, una parola composta dalla parola “loup” e “entourloupe” secondo Jean Louis Ferrier e Yann Le Pichon. Si danno varie interpretazioni secondo le biografie sulla nascita di questo stile e sull”origine del nome che gli è stato dato. Il testo della Fondazione Dubuffet lo spiega così: “La parola “Hourloupe” era il titolo di un piccolo libro pubblicato recentemente in cui apparivano riproduzioni di disegni a biro rossi e blu, insieme a un testo in gergo. L”ho associato, per assonanza, a ”hurler”, ”hululer”, ”loup”, ”Riquet à la Houppe” e al titolo Le Horla del libro di Maupassant ispirato dalla distrazione mentale.

Gaëtan Picon lo vede come una continuazione di Matériologies e Paris-Circus, di cui Légende de rue fa parte, essendo Paris-Circus l”insieme dei quadri sulla folla e la città.

“Mentre risponde al telefono, Jean lascia scorrere la sua penna a sfera rossa sul foglio, da qui i disegni semi-automatici che strizza con il rosso e il blu. Ritagliando queste figure, le pone poi su uno sfondo nero e disegna un piccolo libro di 26 pagine di testo gergale, ogni pagina decorata con un disegno a biro”.

Dubuffet ha poi usato le strisce per unire le sue figure. Questi sono disegni danzanti: Principe dansant de l”Hourloupe (1963), olio su tela (Caballero (1965), vinile su carta telata (99 × 68,5 cm). A partire dal 1965-1966, iniziò a realizzare ritagli dipinti e trasferimenti di vernici viniliche su resina laminata, dando luogo a volumi ai quali diede il nome di “dipinti monumento”. Un insieme di sculture dipinte esposte da dicembre 1968 a febbraio 1969 alla galleria Jeanne Bucher, che pubblicò un catalogo. Queste sculture dipinte furono poi riunite da Max Loreau sotto il titolo “Sculptures peintes” nel catalogo delle opere di Jean Dubuffet, volume 23, con testi di Gaëtan Picon e Jean Dubuffet.

Secondo Gaëtan Picon, L”Hourloupe “è a una distanza invalicabile dall”art brut. Dubuffet dubita che questo sia a suo vantaggio, come se rimpiangesse tante deviazioni e tante ricerche, come se avesse dovuto cominciare da lì, come se avesse preferito che L”Hourloupe fosse un inizio e non una fine.

Coucou bazar, presentato per la prima volta durante una retrospettiva delle sue opere al Solomon R. Guggenheim Museum da maggio a luglio 1973, è un “tableau animato” che comprende un insieme di “praticables” su cui l”artista ha fatto una grande ricerca basata sulle sue sculture de L”Hourloupe, ma anche sui “costumi di hourloupes”. È un balletto di sculture, pitture, costumi tratteggiati. La musica è di İlhan Mimaroğluu, un compositore turco di musica elettronica, la coreografia è di Jean McFaddin. Dubuffet inventa una specie di commedia dell”arte i cui attori sono le sue stesse sculture, in stile “hashed-up”. È una specie di Grand Guignol dove ogni elemento si muove molto lentamente. I ballerini, nascosti nelle assi del pavimento, eseguono una sorta di danza macabra per una società defunta. Da qualche parte tra una cerimonia sacrificale e il teatro Noh, questa animazione di sculture gigantesche è, secondo il suo creatore, “una rianimazione delle arti statiche”, di cui Dubuffet dice “la pittura può essere una macchina sottile per trasmettere la filosofia”.

A partire dal 1966, Dubuffet passa alle creazioni in volume. All”inizio erano oggetti: sedie, telefoni, mobili con cassetti, tavoli. Poi gli edifici: La Tour aux figures (classificata come monumento storico), il Castelet l”Hourloupe, Château bleu, Jardin d”hiver. Delle figure della Tour aux, Dubuffet dice: “Paradossalmente eretto come un monumento pesante e massiccio, sono i percorsi onirici del pensiero che questa grafica traduce.

Sculture e installazioni sono “quadri monumentali”: L”Aléatoire (Borne au Logos V (1966), poliestere (100 × 50 × 50 cm). Questo passaggio al volume è l”avatar decisivo del suo lavoro, con espansioni in poliestere colorato. Aveva sempre voluto “uscire dal quadro” e abbandonò l”olio per la vernice vinilica e i pennarelli. Ha imparato a padroneggiare il polistirolo, il poliestere, l”epossidico, il cemento spruzzato e le vernici poliuretaniche.

Nel 1967, Dubuffet iniziò la costruzione del Gabinetto Logologico, che fu poi installato nella Villa Falbala, costruita per ospitarlo. La Closerie Falbala, un edificio protetto, e la Villa Falbala formano un insieme che Dubuffet costruì e ampliò a partire dal 1970. L”anno seguente, costruì il modello del Giardino dello Smalto, che fu completato nel 1974. Nel frattempo, a Périgny-sur-Yerres, l”artista amplia il suo spazio e costruisce nuovi laboratori dove lavora alla creazione del Gruppo di quattro alberi, commissionato dal banchiere David Rockefeller della Chase Manhattan Bank di New York, per decorare la Chase Manhattan Plaza. Queste sculture in resina epossidica sono state inaugurate nel 1972.

Nello stesso periodo, tra il 1968 e il 1970, lavorò al Giardino d”inverno, una scultura abitabile conservata al Centre national d”art et de culture Georges-Pompidou, la cui immagine e descrizione si possono trovare sul bando del Centro Pompidou virtuale.

Nel 1974, la Régie Renault gli commissionò una mostra estiva, i cui lavori iniziarono nel 1975 negli edifici Renault di Boulogne-Billancourt. Questo episodio doveva essere burrascoso, come riassunto dal giornale Libération. Essendo stato interrotto il lavoro su ordine del nuovo presidente della Régie, Jean Dubuffet ha intrapreso un processo che ha portato ad un ricorso, alla Corte Suprema d”Appello e che si è concluso nel 1983 secondo Libération, nel 1981 secondo il Collectif de l”exposition de Carcassonne. Jean non ha continuato il lavoro del Salon d”automne. Ha avuto altre commissioni, in particolare il Manoir d”Essor per il Museo della Louisiana a Humlebæk, Danimarca, che ha completato nel 1982.

Nel 1983, Dubuffet inaugurò il suo Monumento al Fantasma a Houston, Texas, che aveva costruito nel 1977 nel Discovery Green di Houston, Texas. Nel 1984, ha inaugurato il famoso Monumento alla Bestia in piedi a Chicago (Illinois) per il quale aveva disegnato il modello nel 1969. Alla fine del 1984, Dubuffet decide di smettere di dipingere e nel 1985 scrive la sua Biographie au pas de course.

Jean Dubuffet morì il 12 maggio 1985 nel 6° arrondissement di Parigi e fu sepolto, con sua moglie, nel cimitero di Tubersent.

Nell”ambito della fondazione che ha creato nel novembre 1974, Jean Dubuffet ha acquistato un terreno a Périgny-sur-Yerres (Val-de-Marne), dove si trova lo studio di Marino di Teana. Molte delle opere di Dubuffet sono conservate a Périgny sotto gli auspici della fondazione, tra cui il modello dell”opera che era destinato alla Renault Boulogne-Billancourt. La sede della fondazione è a Périgny, ma si trova anche a Parigi al 137, rue de Sèvres, dove offre un”abbondante documentazione.

La collezione di Jean Dubuffet

Nel 1922, Jean Dubuffet era già interessato al lavoro del dottor Hans Prinzhorn, che aveva raccolto le opere dei suoi pazienti mentali, costituendo un Museo di Arte Patologica a Heidelberg. Aveva anche scoperto la mostra dello psichiatra Walter Morgenthaler, medico capo della clinica Waldau vicino a Berna. Nel 1923, Dubuffet fece il suo servizio militare nel servizio meteorologico della Torre Eiffel o, secondo i suoi biografi, nella compagnia meteorologica del Fort de Saint-Cyr. Era a conoscenza dei quaderni illustrati di Clémentine R. (Clémentine Ripoche), una visionaria demente che disegnava e interpretava la configurazione delle nuvole. Lo stesso anno viene fondata a Liegi la Federazione Internazionale Spiritualista. Dubuffet si interessa anche a certe opere della collezione di Heidelberg che sono state esposte alla Kunsthalle di Mannheim. Il 1923 fu anche l”anno dell”internamento di Louis Soutter, la cui opera Dubuffet scoprirà solo nel 1945.

Il 28 agosto 1945, Dubuffet chiamava “art brut” un”arte che raccoglieva da diversi anni, un”arte che comprendeva sia l”arte dei “matti” che quella dei marginali di ogni tipo: prigionieri, reclusi, mistici, anarchici o ribelli. Grazie ai suoi amici Jean Paulhan e Raymond Queneau, ha scoperto le creazioni di adulti autodidatti o psicotici. E fu Paul Budry, che aveva trascorso la sua infanzia a Vevey, a metterlo in contatto con il circolo medico svizzero. Dubuffet intraprende allora con Paulhan il suo primo viaggio esplorativo di tre settimane negli ospedali psichiatrici svizzeri. Durante un secondo viaggio in Svizzera, e dopo aver scambiato numerose lettere con lui, Dubuffet incontra lo psichiatra ginevrino Georges de Morsier, la cui paziente, Marguerite Burnat-Provins, interessa il pittore per le sue ricerche sull”Art Brut. Nel settembre dello stesso anno, visita Antonin Artaud, allora internato a Rodez. Il dottor Ferdière gli consiglia di visitare il manicomio di Saint-Alban-sur-Limagnole dove è internato Auguste Forestier. Ha visitato altri ospedali psichiatrici e prigioni, ha incontrato scrittori, artisti, editori, così come curatori di musei e medici, in particolare Le cabinet du professeur Ladame.

Il primo Fascicule de l”art brut intitolato Les Barbus Müller, et Autres pièces de la statuaire provinciale, scritto interamente da Jean Dubuffet, viene stampato dalla libreria Gallimard, ma non viene pubblicato. È stato ristampato e pubblicato a Ginevra nel 1979 dal Museo Barbier-Mueller.

La Compagnie de l”art brut e la collezione art brut

Nel 1945, Dubuffet pubblica Prospectus aux amateurs de tous genres e Notes aux fins lettrés, in cui fa sapere che non è facile innovare dietro Kandinsky, Klee, Matisse o Picasso. Si propone quindi di esplorare territori sconosciuti. Partendo dall”informe, “animare le superfici, rappresentare le aberrazioni nel coro dell”opera d”arte, contare con il caso”.

Con “art brut”, Dubuffet si riferisce all”arte prodotta da non professionisti che lavorano al di fuori delle norme estetiche accettate, che sono rimasti fuori dall”ambiente artistico, o che hanno subito una rottura sociale e psicologica abbastanza forte da ritrovarsi totalmente isolati e iniziare a creare.

Dubuffet organizzò diverse mostre di opere della sua collezione tra il 1947 e il 1951. Prima nel seminterrato della Galerie Drouin, che divenne il Foyer de l”art brut. Poi, nel 1948, il Foyer fu trasferito in un padiglione della Nouvelle Revue française, 17, rue de l”Université (Parigi). Il Foyer divenne poi la Compagnie de l”art brut, i cui membri fondatori furono Jean Dubuffet, André Breton, Jean Paulhan, Charles Ratton, Henri-Pierre Roché, Michel Tapié e Edmond Bomsel, cui si aggiunse in seguito Jean Revol. Il pittore Slavko Kopač è il curatore della collezione.

Il titolo “Art Brut” fu dato per la prima volta nel 1949 a una mostra di artisti riuniti da Dubuffet alla Galerie Drouin. In questa occasione, Dubuffet scrisse il catalogo della mostra, che includeva 200 opere di artisti sconosciuti della sua collezione, e pubblicò un trattato: L”Art brut préféré aux arts culturels, che fece scandalo.

“La vera arte è sempre dove non te l”aspetti. Dove nessuno pensa o dice il suo nome. L”arte odia essere riconosciuta e accolta con il suo nome. Scappa immediatamente. Art è un personaggio appassionatamente innamorato dell”incognito. Non appena viene individuato, fugge, lasciando al suo posto un laureato che porta sulla schiena un grande cartello con la parola Arte, che tutti spruzzano immediatamente di champagne e che i conferenzieri portano di città in città con un anello al naso.

Nella prefazione al libro L”Art brut di Michel Thévoz, Jean Dubuffet precisa che la sua collezione è composta in gran parte da artisti “fuori dal comune”, ma, secondo lui :

“Definire un carattere comune di queste produzioni – alcuni hanno cercato di farlo – non ha senso perché rispondono a un”infinità di posizioni mentali e chiavi di trascrizione, ognuna con il proprio statuto inventato dall”autore, e il loro unico carattere comune è il dono di prendere altre strade che quelle dell”arte approvata.

Nella stessa prefazione, Dubuffet mette in guardia contro l”errata concezione della follia, contro il fatto che l”inclinazione a deviare dalle norme culturali o di altro tipo sia, agli occhi di una morale sociale, giustificabile per l”internamento, qualcosa che riguarda solo lo psichiatra.

Nel 1952, l”azienda si trasferì negli Stati Uniti a East Hampton, New York, nella contea di Suffolk, a Long Island, da Alfonso Ossorio. Consisteva in un migliaio di disegni, dipinti, oggetti e sculture, la maggior parte dei quali erano opera di malati mentali. Era conservato in sei stanze al secondo piano della grande casa di Ossorio. Ossorio e Dubuffet si incontrarono per la prima volta a Parigi nel 1949, quando il pittore americano-filippino era a Londra. Curioso di vedere un artista così denigrato, Ossorio chiese di vedere altri quadri di Dubuffet e strinse con lui una forte amicizia. Ossorio, pittore e collezionista, era molto ricco, il che spiega la proprietà lussuosa in cui viveva. Era molto generoso e ha organizzato diverse mostre. Ma Dubuffet lo avvertì che la sua generosità avrebbe potuto oscurare il suo lavoro di pittore, e così fu; la sua pittura sarebbe rimasta poco conosciuta.

Rimpatriata in Francia, dove Dubuffet cercava un posto dove esporla, la sua collezione fu installata per la prima volta nel 1962 nell”edificio al 137 di rue de Sèvres, sede della Fondation Dubuffet. L”anno seguente furono acquisiti nuovi pezzi e nel 1967 la collezione contava 5.000 soggetti di circa 200 autori. I disegni del fattore Lonné furono acquistati subito, così come il primo quadro di Augustin Lesage. Le opere della collezione furono esposte quell”anno al Musée des Arts Décoratifs di Parigi, nella più importante mostra di Art Brut mai organizzata. Fu pubblicato un catalogo e Dubuffet scrisse la prefazione, “Place à l”incivisme”, in cui concludeva: “Non solo ci rifiutiamo di fare riverenza alla sola arte culturale e di considerare le opere qui presentate meno accettabili delle sue, ma sentiamo, al contrario, che queste opere, che sono il frutto della solitudine e di un puro impulso creativo, sono quindi più preziose delle produzioni professionali. Nel 1964 vennero pubblicati i primi due numeri della Compagnia, in cui venivano descritte le vite e le opere di tutti gli artisti della collezione. Il pubblico può così scoprire Augustin Lesage, Il prigioniero di Basilea (Joseph G.), Clément, il postino Lonné Palanc lo scrittore, Adolf Wölfli e molti altri. Queste pubblicazioni sono continuate irregolarmente fino ad oggi, con la pubblicazione del numero 24.

Dubuffet voleva che la sua collezione rimanesse a Parigi. Gli erano state fatte diverse promesse, nessuna delle quali è stata mantenuta. Di fronte alla procrastinazione dell”amministrazione francese, Dubuffet accettò infine l”offerta della città di Losanna, che offriva le condizioni ideali per la conservazione di questo tesoro, al quale non ha mai nascosto che la sua arte deve molto.

Sempre nel 1971 fu redatto un catalogo esaustivo della collezione, che elencava 4.104 opere di 135 artisti dell”Art Brut “pura”, che Dubuffet dovette distinguere per ragioni etiche e ideologiche da una collezione “accessoria” (chiamata “Neuve Invention” nel 1982), in cui gli artisti erano più vicini a un approccio professionale, e in cui erano elencate altre 2.000 opere. L”opera di Jean-Joseph Sanfourche tocca Jean Dubuffet, e per molti anni i due uomini mantengono una relazione epistolare. Sanfourche si sentiva vicino al maestro dell”art brut, come spiegò nel 1980.

Il 28 febbraio 1976, in presenza delle autorità municipali, l”installazione è stata inaugurata a Losanna al Château de Beaulieu, un palazzo del XVIII secolo. Michel Thévoz è stato il fedele curatore della Collection de l”art brut fino al 2001.

L”influenza di Dubuffet

Dubuffet è stato il primo teorico e il più importante collezionista di art brut, ma anche, sotto il suo impulso, sono apparse diverse varianti di arte marginale, non convenzionale o giocosa, che hanno nomi diversi ma che sono tutte varianti dell”art brut.

Nel 1971, Dubuffet incontra Alain Bourbonnais, architetto, creatore e soprattutto collezionista appassionato di arte popolare e marginale che, su consiglio di Dubuffet, chiama la sua collezione “art hors-normes”. Questa collezione, iniziata con artisti indicati da Dubuffet, spesso malati di mente come Aloïse Corbaz, devia gradualmente verso una forma d”arte più giocosa. Lui stesso ha creato i Turbulenti, uomini o donne enormi. Installa la sua collezione, più orientata verso l”arte spontanea, nell”Atelier Jacob, in rue Jacob. Michel Ragon si è unito all”avventura, ma, come lui stesso lo descrive, l”Atelier Jacob ha il difetto di essere una galleria d”arte. L”ho spesso tormentato per sfuggire al conformismo e all”ambiguità di una galleria d”arte trasformandola in un armadio delle curiosità. Ha fatto di meglio, poiché ha deciso di creare un insieme unico per le sue collezioni: La Fabuloserie. Così, l”atelier Jacob, molto attivo dal 1972 al 1982, si trasferisce nel 1983 a Dicy nel dipartimento dell”Yonne nella regione della Borgogna-Franche-Comté, dove diventa La Fabuloserie, un “museo di campagna” installato in diversi edifici, che presenta un”altra forma di art brut piuttosto orientata verso l”arte popolare. “L”originalità della ricerca di Dubuffet e Bourbonnais è stata la scoperta di questi “innocenti” che si trovano ai margini della storia dell”artigianato e della storia dell”arte.

Inoltre, due importanti mostre hanno rivelato al grande pubblico l”art brut, l”arte “non standard” e le loro variazioni. Nel 1978, “Les Singuliers de l”art” fu presentato all”ARC (Animation, Recherche, Confrontation), il dipartimento contemporaneo del Musée d”art moderne de la ville de Paris. Comprende opere plastiche selezionate da Suzanne Pagé, Michel Thévoz, Michel Ragon e Alain Bourbonnais. Ma anche produzioni audiovisive che mostrano anche gli “Abitanti del paesaggio”, i “Giardini di lavoro” e i “Costruttori dell”immaginario”, questa mostra darà luogo alla creazione del movimento “Art singulier”. Nel febbraio 1979, a Londra, la mostra “Outsiders” organizzata da Roger Cardinal proponeva opere che erano ulteriori declinazioni dell”Art Brut. Nella presentazione del catalogo della mostra londinese, il poeta e gallerista Victor Musgrave situa il termine outsider: “Da quando Dubuffet ha nominato l”art brut (arte grezza), altri lo hanno seguito, come Alain Bourbonnais, con criteri leggermente diversi. Nella presente mostra, anche noi abbiamo deviato leggermente dall”arte grezza, ma non molto, con Scottie Wilson e Henry Darger in particolare. Questi “outsider” faranno il collegamento con l”arte outsider americana.

Scritti, illustrazioni, litografie

Varie tecniche

I corpi e le figure erano un soggetto della ricerca di Dubuffet che avrebbe portato al Corps de dames, una varietà di Nanas che si può trovare nelle prime opere di Niki de Saint Phalle. La vicinanza tra le prime opere “personificate” di Niki e la pittura di Dubuffet è stata sottolineata più volte nel 2014 durante la mostra dell”artista franco-americano al Grand Palais di Parigi. Le Nouvel Observateur ha scritto così: “La mostra presenta anche per la prima volta una scultura monumentale in metallo, Le Rêve de Diane, in cui si può leggere l”influenza di Jean Dubuffet, per il quale Niki aveva grande ammirazione”. Infatti, i corpi delle donne di Dubuffet sono “buone donne”, mentre le figure o “ritratti” di persone sono “buoni uomini” alla maniera dei disegni dei bambini. “Gli psicoanalisti dicono che bisogna uccidere un bambino per fare un adulto. Dubuffet è uno di quelli che sono scampati al massacro o che non hanno capitolato. Rimane capace di riattivare le proprie disposizioni infantili, ma con la formidabile efficacia di un adulto, contro l”evidenza culturale”.

Questo è uno dei periodi più interessanti della vita dell”artista che ha voluto, come annuncia Daniel Cordier nell”introduzione al catalogo, “la sua opera essere una celebrazione dell”elementare, del declamato, dello scartato”. Include assemblaggi di dipinti, inchiostri cinesi su carta, oli su tela, stampe e litografie. A partire dal 1955, l”artista classifica le sue opere in categorie: Texturology, Materiologie, Topographies, Routes et chaussées, che mostrano le impronte della materia del suolo e del terreno, eseguite a Vence. Questa serie comprende anche Les Phénomènes (1958-1962), una serie di litografie sul tema dei suoli e dei terreni considerata da Michel Thévoz come una “avventura litografica”, in cui Dubuffet si è impegnato con la sensazione di “sfuggire alle categorie verbali che, secondo lui, condizionano il nostro pensiero”. Il periodo di ricerca sulle stampe comprende altre serie eseguite a Parigi, Vence e New York: stampe di ali di farfalla e animali, tra cui La Vache (1954), gouache su carta (32,6 × 40,2 cm), Centre Pompidou, acquisto 1983, oltre a paesaggi e ritratti.

Corrispondenza, scritti illustrati (ordine cronologico di pubblicazione)

Vedi la bibliografia completa di Jean Dubuffet, incluse le lettere e gli scritti illustrati alla Fondazione Dubuffet

Discografia

La lista completa di tutte le posizioni personali di Jean Dubuffet fino al 2014 si trova sul sito della Pace Gallery di New York, ora PaceWildenstein Gallery, che ha cinque sedi espositive, di cui tre a New York, dove Jean Dubuffet è stato esposto dal 1969: “Simulacra”, dall”8 novembre al 10 dicembre.

Link esterni

Fonti